CERÁMICA GRIEGA
TIPOLOLOGÍA
CERÁMICA GRIEGA TIPOLOLOGÍA
Contenidos Artículos Cerámica griega
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Cerámica de figuras negras
12
Cerámica de figuras rojas
15
Aquiles (pintor)
18
Andócides (pintor)
19
Dúrides
21
Eutímides
23
Eufronios
24
Polignoto (pintor de vasijas)
27
Cerámica minoica
28
Cerámica micénica
34
Cerámica ática
36
Periodo protogeométrico
45
Periodo geométrico
47
Período orientalizante
49
Corpus vasorum antiquorum
50
Grupo pionero
52
Tipología de vasos griegos
53
Alabastrón
80
Ánfora
82
Aríbalo
84
Askos
85
Copa de Aisón
86
Dinos
88
Epiquisis
89
Epinetron
89
Hidria
90
Kantharus
91
Clepsidra
91
Crátera
93
Kyathos
94
Kílix
94
Lecito
95
Lutróforo
98
Enócoe
99
Olpe
100
Pelike
101
Fiale
102
Pinax
102
Pithos
104
Psykter
105
Rhyton
105
Skyphos
108
Stamnos
109
Vasija
109
Referencias Fuentes y contribuyentes del artículo
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Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes
113
Licencias de artículos Licencia
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Cerámica griega
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Cerámica griega La cerámica griega incluye lo que comúnmente se conoce como vasos griegos o pintura de vasos griegos. Nacida en el Oriente Próximo, el arte de la cerámica alcanzó en la Antigua Grecia un alto nivel de calidad artística. Constituye un testimonio fundamental sobre la vida y la cultura de los antiguos griegos. Se conservan numerosos ejemplares de vasos y probablemente representa un parte ínfima de la producción: más de 50.000 vasos provenientes de Atenas subsisten. Por otra parte, los otros objetos han sido destruidos, por el tiempo (madera, tejidos, pigmentos de pintura), o por la mano del hombre, o para su reutilización (piedra, bronce, metales preciosos). Aunque sea fácil destruir un vaso, es muy difícil hacerlo totalmente: los fragmentos pueden aún hablar.
Cronología En la Antigua Grecia el torno de alfarero se introdujo, probablemente procedente de Asia, a finales del III milenio a. C. La cerámica autóctona aparece a principios del II milenio a. C. y durante los siglos siguientes se realizaba en general en arcilla refinada, decorada simplemente con una pintura mate.
Firma del famoso pintor Sófilos: Sóphilos me egrafsen (Sófilos me pintó).
Estilo minoico Poco después del 2000 a. C. aparece a lo largo de toda Grecia un estilo de cerámica que Heinrich Schliemann denominó cerámica miniana o minia, pues fue el primero en encontrarla, en Orcómeno (en Beocia), patria tradicional de los minios. Es un estilo de cerámica sorprendente que se distingue por la superficie barnizada en un gris mate de alta calidad. Parece que la introdujeron los indoeuropeos durante su invasión. Véase también: Cerámica minoica
Estilo micénico Al principio de la época micénica, circa 1600 a. C., la cerámica que aparece está animada con nuevos motivos de elementos tomados de la naturaleza. Después del 1400 a. C. esta cerámica micénica fue la predominante. Estaba influida fuertemente por los estilos de la Creta minoica. Lo más destacado son las jarras de estilo palacial, jarras de almacenamiento muy elegantes, decoradas con llamativos motivos florales y marinos. Estilo submicénico Después del 1200 a. C. y de la caída de la civilización micénica, el estilo de la cerámica submicénica se empobreció, y se simplificó y estilizó el diseño naturalista. Se conoce como cerámica protogeométrica. A partir de aquí se desarrolló la cerámica geométrica o de estilo geométrico, a partir aproximadamente del 900 a. C. Se caracteriza por el uso de bandas de decoración en meandros o en zigzag. Posteriormente se introdujeron escenas altamente
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estilizadas que, de manera abstracta, retrataban figuras humanas. Durante este período, Atenas se convirtió en un importante centro de producción de cerámica, pues había abundante arcilla de buena calidad cerca de Falero. Los mejores ejemplos se encuentran en las ánforas del maestro de Dipilón (circa 760 a. C.-750 a. C.).
Estilo protogeométrico Los vasos del periodo protogeométrico (c. 1050 a. C.-900 a. C.) constituyen el testimonio artístico esencial del principio de la Edad Oscura. La escultura de grandes proporciones aún no era conocida, y a la pintura mural le faltaba un elemento fundamental para su desarrollo: los soportes murales dignos de este nombre. Muchas otras formas artísticas (grabado de marfil, joyería, trabajo de metales) sufrieron una recesión similar. En cambio, la producción cerámica no se extinguió, en particular en Atenas. Los vasos eran decorados con motivos barnizados de color negro brillante, descendiente de la Edad del Bronce. A veces retoman motivos micénicos (líneas ondulantes trazadas a mano, pero los nuevos motivos (semicírculos, círculos concéntricos) eran diseñados con sumo cuidado, con compás o con peine. La decoración era simple y se adaptaba a la forma del vaso subrayando las formas con anchos trazos horizontales o con bandas negras. Ánfora panzuda con asas, 950-900 a. C., British Museum
El sitio de Lefkandi es uno de los principales lugares de donde provienen las cerámicas de este periodo. Se descubrió una figurilla excepcional de un centauro, de una altura de 36 cm. Su forma es muy estilizada, y su cuerpo está decorado con plumeados y con formas geométricas.
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Estilo geométrico El arte geométrico floreció en los siglos IX y VIII a. C. Se caracteriza por nuevos motivos, rompiendo con la iconografía minoica y micénica: meandros, triángulos y otras figuras geométricas (de ahí proviene el nombre del periodo). Están dispuestos en bandas separadas de las zonas negras por líneas triples. Pasado el tiempo, el equilibrio entre las bandas decoradas y las bandas sombreadas se rompió en favor de la decoración: los meandros y otros motivos terminaron por cubrir todo el vaso. Mientras que en el geométrico antiguo (c. 900 a. C.-850 a. C.) no se encuentran motivos geométricos, en el que se conoce como estilo de «Dipilón negro», que se caracteriza por un amplio uso de barniz negro, en el geométrico medio (c. 850 a. C.-770 a. C.), hace su aparición la decoración figurativa con los primeros frisos de animales idénticos (caballos, ciervos, cabras, ocas, etc.) que en adelante alternan con la bandas de motivos geométricos. Paralelamente, la decoración se complica y se vuelve cada vez más abundante: las zonas vacías se rellenan con rosetas o esvásticas decorativas. Este paso es llamado «horror vacui» y no terminará hasta el final del estilo geométrico. Vaso ático, c. 740 a. C., Staatliche Antikensammlungen de Múnich.
A mediados del siglo VIII a. C. aparecieron las figuras humanas en la decoración. Las representaciones más conocidas con las de los vasos hallados en Dipilón, uno de los cementerios de Atenas. Los fragmentos de estos grandes vasos funerarios muestran principalmente desfiles de carros de guerra y de guerreros. También escenas funerarias como: griego antiguo πρόθεσις, próthesis (exposición del muerto y lamentación) o ἐκφορά, ekphorá (transporte del ataúd al cementerio). Los cuerpos son representados de manera geométrica con la excepción de las pantorrillas, bastante protuberantes. En el caso de los soldados, un escudo en forma de diábolo, apodado «escudo Dipilón» por su diseño característico, cubre la parta central del cuerpo. Las patas y los cuellos de los caballos, las ruedas de los carros son representadas unos al lado de otros. La mano de un pintor de esta época, llamado a falta de firma «Pintor de Dipilón», ha podido ser identificada en varias obras, sobre todo en ánforas monumentales.
Fragmento de una crátera del Pintor de Dipilón, h. 750-725 a. C., Museo del Louvre.
Al final del periodo aparecieron representaciones mitológicas, probablemente coincidente en la época en que Homero dio forma a las tradiciones del Ciclo troyano en la Ilíada y la Odisea. Sin embargo, la interpretación
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constituye un riesgo para un observador moderno: un enfrentamiento entre dos guerreros puede ser tanto un duelo homérico como simple combate; un barco encallado puede representar el naufragio de Odiseo o de quien sea. Finalmente, las escuelas locales aparecieron en Grecia. La producción de vasos nunca fue exclusiva de Atenas — está bien atestiguado desde el periodo protogeométrico en Corinto, en Beocia, en Argos, en Creta y en las Cícladas —, los pintores y alfareros se contentaron durante mucho tiempo con seguir el estilo ático. En adelante, crearon su propio estilo: Argos se especializó en las escenas figurativas, Creta estuvo vinculada a un geometrismo más estricto. Véase también: Periodo Geométrico
Estilo orientalizante A finales del siglo VIII a. C. se desarrolló un estilo denominado orientalizante, resultado de la renovación de los contactos con Oriente y de la influencia de su arte. El estilo orientalizante se despliega principalmente en Corinto desde 725 a alrededor de 625 a. C.. Corinto se convirtió en un importante productor de cerámica fina y en la primera ciudad exportadora a todo lo largo del mundo griego.
Olpe protocorintio con animales y esfinges, h. 640-630 a. C., Museo del Louvre.
Se caracterizó por una fuerte influencia del arte oriental : Aunque el Oriente era mucho menos aficionado a la cerámica que Grecia, su pintura y su escultura mostraban una figuración más fina y más realista. Esta influencia se tradujo en una nueva gama de motivos: esfinges, grifos, leones, etc., representados de manera más realista que en el pasado. En los frisos, el pintor recurrió a lotos o palmetas. Las representaciones humanas eran relativamente raras: consistían en escenas de batallas, de vez en cuando hoplíticas, o también en escenas de caza. Los trazos geométricos subsistieron en el estilo llamado protocorintio: había motivos geométricos y el «relleno» del segundo plano se hacía con rosetas y nuevos motivos decorativos.
Los pintores corintios recurrieron a las figuras negras, principalmente sobre fondo rojo: utilizaron una suspensión coloidal de color castaño que, con la cocción, tomaba un color negro brillante, casi metálico. Esta técnica permaneció mucho tiempo misteriosa, a pesar de los esfuerzos hechos por los ceramistas ingleses del siglo XIX, para descubrir el secreto. Los corintios también inventaron la técnica de incisión en hueco que permitía hacer resaltar la arcilla pálida. Ese estilo se expresó sobre todo en vasos pequeños (aríbalos, alabastrones), cuyas formas aparecieron entonces.
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Las cerámicas de Corinto fueron exportadas a toda Grecia, y su técnica llegó a Atenas, que desarrolló sin embargo un estilo propio, con la influencia oriental menos marcada. En este periodo calificado de protoático, aparecieron motivos orientalizantes, aunque el trazo era relativamente poco realista. Las pinturas se mostraban vinculadas con escenas típicas del periodo geométrico, como los desfiles de carros. No obstante, adoptaron el principio del dibujo lineal en sustitución de la silueta. A mediados del siglo VII a. C. apareció el estilo blanco y negro: trazo negro sobre fondo blanco, acompañado de policromía para el color de los carros o de las vestiduras. La arcilla utilizada en Atenas, mucho más anaranjada que la de Corinto, se presta menos fácilmente para la representación de los carros. Ulises y Polifemo, detalle de una ánfora protoática, circa 650 a. C., Museo de Eleusis.
Por su parte, Creta y sobre todo las islas Cícladas, se distinguieron por su atracción por los vasos llamados «plásticos», es decir, aquellos cuya panza o cuello eran moldeados con forma de cabeza de animal o humana. En Egina, el vaso plástico más popular tenía una cabeza de grifo. Las ánforas melias, fabricadas en Paros, debían muy poco a Corinto o a Oriente. Presentaban, como los vasos con relieves, un marcado gusto por las composiciones épicas y un horror vacui que se caracterizaba por el empleo de rosetas y de esvásticas. Finalmente, se puede identificar un último estilo, el de la «cabra salvaje», atribuido tradicionalmente a Rodas, con motivo de importantes descubrimientos realizados en la Combate de Menelao y de Héctor sobre el cuerpo de necrópolis de Camiros. De hecho, se extendió por toda Asia Euforbo, plato del estilo del periodo medio de las cabras Menor, con centros de producción en Mileto y Quíos. salvajes, h. 600 a. C., Museo Británico. Predominaron dos formas: los enócoes, que copiaban modelos de bronce, y los platos, con o sin pies. La decoración estaba organizada en registros superpuestos en los que los animales estilizados, sobre todo las cabras salvajes (que han dado nombre al estilo) que aparecían en frisos. Los numerosos motivos decorativos (triángulos, esvásticas, rosetas, motivos florales) llenaban los espacios vacíos. Véase también: Período orientalizante Véase también: Estilo protocorintio
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Estilo de figuras negras El estilo de figuras negras fue inventado en Corinto en el siglo VII a. C. Los vasos áticos de figuras negras se fabricaron primero bajo la influencia corintia desde circa 620 a. C., y fue llevado a su apogeo por los atenienses entre el 570 y el 525 a. C., alcanzando su mayor grado de perfección. Se caracterizaba no sólo por el dibujo de figuras en negro sobre el fondo de arcilla (más bien roja en el caso de Atenas), sino también por el uso de incisiones. Existía así una serie de pseudo-figuras negras, en las que las bandas claras eran reservadas y no se hacían incisiones en estas. La Copa del pajarero del Louvre es un ejemplo de ello. La influencia corintia sobre la primera cerámica de figuras negras ateniense, se nota en su Tondo de la Copa del pajarero, cerámica jónica, h. 550 a. C., Museo del decoración, carente de motivos de relleno. Las Louvre. figuras (principalmente animales: leones, cabras, esfinges, etc.) estaban dispuestas en registros superpuestos y ponían de relieve la escena principal. No obstante, la cerámica ateniense se separó gradualmente de dicha influencia. El gusto por los motivos mitológicos y la composición en único gran registro que prevalecieron entre 550 y 530 a. C. son la muestra de que se creó un estilo propio en la capital ática. Paralelamente, los vasos decorados evolucionaron. El gran vaso funerario deja sitio a los vasos de la vida cotidiana, principalmente las ánforas, hidrias, copas y cráteras. Se reconocen varios estilos de pintores atenienses, a los que en ocasiones puede atribuírseles un nombre gracias a una obra firmada. Tal es el caso de Clitias, el pintor del Vaso François, en el Museo Arqueológico Nacional de Florencia: esta crátera, descubierta en una tumba etrusca, data de aproximadamente el año 570 a. C. Consta de seis frisos figurativos, en consecuencia, narrativos, y lleva la firma del ceramista, Ergótimos. Lo mismo que Exequias, del que una de las obras más célebres es un ánfora, hoy expuesta en Roma en los Museos Vaticanos, que muestra a Áyax y a Aquiles en Troya, jugando. Otros pintores son designados por apelativos convencionales, a menudo debidos a John Beazley (1885-1970), historiador del arte, pionero en el estudio de la cerámica griega. Por ejemplo, el Pintor de la Gorgona tiene el sobrenombre de Dino, sobre el que aparece Medusa.
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Estilo de figuras rojas El estilo de figuras rojas apareció en Atenas hacia 530-520 a. C. Se convirtió rápidamente en la «punta de lanza» de la producción ática, que le permitió imponerse como la única gran escuela del periodo clásico. consistía en una inversión de la figura negra: el fondo era pintado de negro y las figuras tenían el color de la arcilla. Los detalles eran pintados y nunca incisos. Probablemente fue inventado por un pintor concreto, posiblemente influenciado por un cliente o en realidad por su ceramista. Los nombres de los ceramistas Nicóstenes, Amasis o Andócides fueron citados. Fuera quien fuese, el primer pintor en aplicar esta técnica fue Andócides, del cual se conservan una quincena de cerámicas. A comienzos de este periodo, los pintores hacían coexistir escenas de figuras negras y de figuras rojas, estilo que recibe el nombre de cerámica bilingüe. Además de la simple inversión de los colores, la técnica de la cerámica de figuras rojas permitía una mejora del dibujo, sobre todo en la representación de los drapeados, de los cuerpo y de los detalles, cuya precisión suplió la casi completa desaparición de la Heracles y Atenea, cara A de una ánfora bilingüe de policromía, ganando en realismo. Los cuerpos femeninos y figuras rojas, obra de Andócides (pintor) Andócides, h. 520 a. C., Staatliche Antikensammlungen (Inv. masculinos son más fácilmente distinguibles, la musculatura 2301). estaba mejor definida. En este estilo sobresalió Eufronios, y la representación de los miembros en tres dimensiones (escorzo, transición de la vista del perfil a la del rostro, representación en tres cuartos). En 480-479 a. C., durante las Guerras Médicas, Atenas fue ocupada por los persas. Sus talleres fueron destruidos — se han encontrado pozos llenos de restos en el barrio del Cerámico — y cuando los atenienses recobraron su ciudad, la producción cerámica tuvo que empezar de nuevo casi de cero. Las reliquias del estilo arcaico fueron abandonadas entonces — con la excepción del grupo manierista del Pintor de Pan — y las figuras rojas definitivamente adoptadas. Algunos pintores, como el de los Nióbides, fueron influenciados por la escultura o el fresco. El dibujo se volvió más sofisticado, mientras que la elección de escenas se orientó más hacia la vida privada, sobre todo con escenas de gineceo: es el «estilo florido», el último gran estilo ateniense. Los elementos de la decoración (flores, plantas) aparecieron a partir del final del siglo V a. C., y el pintor se reconcilió con el horror al vacío que le afectaba en el periodo geométrico: las composiciones fueron más recargadas. Se nota un gusto pronunciado por los detalles y la transparencia de la ropa, así como el movimiento proporcionado por la efervescencia de éstos. Volvió la policromía con el recurso a la pintura blanca y dorada. Los arcaísmos persistieron en el centro ateniense, como el recurso a las figura negras en las ánforas panatenaicas, y se inventaron las figurillas de terracota que fueron difundidas por todo el mundo griego y conocidas más tarde con el nombre de «tanagrina». Fuera de Atenas, la producción de cerámicas pintadas con personajes casi desapareció, excepto en la Magna Grecia. Las de Apulia y Campania (Paestum especialmente) tuvieron una calidad comparable a la de Atenas. Los inicios de la cerámica llamada apulia se remontan al último decenio del siglo V a. C. La producción apulia que al principio era bastante similar al estilo ático, desarrolló poco a poco un lenguaje iconográfico propio. El Pintor de Darío, llamado así por su crátera de volutas que representa a Darío I (Nápoles H3253), ilustró muchos temas contemporáneos de la época de Alejandro Magno. Aunque la cerámica italiota era principalmente destinada al mercado local, fue exportada a la propia Grecia (Corcira, Demetrias), y un poco por la cuenca mediterránea (Croacia, Córcega, Iberia). Algunos talleres se especializaron en escenas de un determinado género, en particular en el philax, parodia de las obras áticas
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de tema heroico.
Período helenístico En el periodo helenístico se produce el declive de la pintura de cerámicas, que fueron decoradas más que pintadas. Los vasos más comunes son negros y uniformes, con una apariencia brillante como de barniz, decorado con motivos simples de flores o festones. La cerámica de figuras rojas se extinguió en Atenas a finales del siglo IV a. C., y fue remplazado por lo que se conoce como «cerámica de la ladera occidental», llamada así debido a los hallazgos en la ladera occidental de la Acrópolis de Atenas. Este estilo consistía en pintar un fondo de color tostado y pintura blanca sobre un fondo vidriado negro con algunos detalles incisos, representaciones de personas reducidas que con estilo se remplazaban con motivos más simples como coronas, delfines, rosetas, etc. Variaciones de este estilo se extendieron por todo el mundo griego con centros notables en Creta y Apulia, donde las escenas figurativas eran solicitadas.
Laginο decorado con instrumentos musicales, 150-100 a. C., Museo del Louvre.
En esta época aparece el relieve, indudablemente a imitación de las vasijas hechas con metales preciosos: se aplicaron coronas en relieve al cuerpo de los vasos Se han encontrado complejos relieves basados en animales o en criaturas mitológicas. En resumen, las formas de los vasos se inspiraron en la tradición del metal. Los talleres volvieron a una decoración negra brillante adornada con decoraciones florales o animales, o cambiaron radicalmente de postura: si no era posible conseguir colores variados con la cocción, bastaba con pintar el vaso después. En este caso, los colores son evidentemente menos duraderos. Esta técnica estaba generalmente reservada a los vasos funerarios. No obstante, en ciertos lugares, subsistían focos de producción donde seguían haciendo cerámicas con decoraciones figurativas. En Creta se fabricaron hasta principios del siglo II a. C. escenas mitológicas. Los principales centros de producción fueron Cnosos y Gortina. Los artistas buscaron una variedad mayor de tintes que en el pasado. Sin embargo, estos colores novedosos eran más delicados y no soportaban el calor. Se tenía que aplicar la pintura después de la cocción, al contrario que en la práctica tradicional. La fragilidad de los pigmentos impedía el uso frecuente de estas cerámicas, y se reservaron para los funerales. Los ejemplares más representativos de este estilo provienen de la antigua ciudad siciliana de Centuripa, donde se trabajó activamente hasta el siglo III a. C.. Estos vasos se caracterizaban por una base pintada de color rosa. Las figuras, a menudo mujeres, se representaban con vestidos coloridos: quitones azul violeta, himationes amarillos, velos blancos, etc. Este estilo tiene reminiscencias de Pompeya y se sitúa más cerca de la pintura contemporánea que de la herencia de la cerámica de las figuras rojas. En la ciudad pakistaní de Taxila se han hallado diseños helenísticos. Fue colonizada con artesanos y ceramistas después de que la conquistara Alejandro Magno.
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Fabricación Materiales La cerámica griega tenía como material de base que la arcilla, aunque no todas las arcillas eran iguales. Así, la de Atenas era rica en óxido de hierro (Fe2O3): con la cocción adquiría un bello color rojo anaranjado. La de Corinto, desprovista de óxido de hierro, tenía un color blanquecino. Estas diferencias permitieron, mediante un análisis químico, determinar el origen de los vasos cerámicos: de este modo, se ha podido saber que las hidrias de Hadra utilizadas en Alejandría, en el periodo helenístico, como urnas funerarias habían sido fabricadas en Creta y no en Egipto. La arcilla se extraía de canteras o de minas de arcilla, purificada después mediante lavado durante varias semanas. Se ponía a remojo en grandes estanques donde las partículas finas subían a la superficie y eran recuperadas. Esta etapa permitía eliminar las impurezas que podían provocar el estallido en la cocción. A continuación se secaba al sol cortada en bloques. Después eran almacenados durante algún tiempo para que adquirieran sus cualidades plásticas.
Elaboración Al fabricar un vaso, el alfarero amasaba la pasta para expulsar la burbujas de aire y trabajaba sobre un torno invención del Oriente próximo llegada a Grecia en el segundo milenio a. C., accionado por el propio alfarero o por un asistente. Los vasos pequeños podían ser montados de una vez, pero las piezas de mayor tamaño estaban constituidas de varias partes que después eran ensambladas en la barbotina (arcilla desleída en el agua recuperada de los estanques de purificación). Incluso por las asas o los pies, los vasos eran moldeados. Alfarero en su horno. Placa de estilo corintio descubierta circa 575-550 a. C., Una vez fabricado se ponía a secar. A Museo del Louvre. continuación se pintaba, según una técnica que variaba según el estilo empleado. De manera general, el pintor jugaba con el contraste del color rojo de arcilla y con una capa de color negro.
Coloración Por lo que respecta a la cerámica ática de figuras negras o rojas, se utilizó un procedimiento especial a partir del periodo protogeométrico. En la fase de la purificación de la arcilla pro decantación y cuando se liberaba de las impurezas, se recuperaba el agua que había servido y se había saturado en arcilla, llamada barbotina. Esta agua se utilizaba para dibujar los motivos decorativos. Mediante la cocción resurgían los dibujos sobre el fondo de color arcilloso. No se trataba, por lo tanto, de pintura. No obstante, algunos resaltos de color podían añadirse después de la cocción.
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Cocción Una vez se había secado la pintura, el pintor dejaba paso al alfarero para cocción, operación delicada, compuesta de tres etapas: 1. Cocción en atmósfera oxidante (respiraderos abiertos para dejar pasar el dioxígeno) a cerca de 800 °C: el vaso era totalmente rojo. 2. Cocción en atmósfera reductora (respiraderos cerrados) a unos 950 °C, con la añadidura de vegetales en el fuego para producir el ahumado; después la temperatura era bajada a 900 °C. El monóxido de carbono liberado por la combustión incompleta de los vegetales, compuesto reductor, permitía reducir el óxido férrico (Fe2O3) en óxido ferroso (FeO) o en magnetita (Fe3O4) de color negro: el vaso era completamente negro y la parte recubierta con la imprimación negra se vitrificaba, volviéndose impermeable. 3. Cocción en atmósfera reoxidante (respiraderos abiertos) siempre sobre 900 °C: el dioxígeno del aire permitía oxidar el óxido ferroso en óxido férrico en las partes no imprimadas, que se volvían rojas; las partes imprimadas, que previamente se habían vuelto impermeables, quedaban negras. La cocción era relativamente simple en principio, pero requería atención y experiencia. Se sabe de un cierto número de vasos mal cocidos, malogrados o con pequeñas imperfecciones, producido por un contacto intempestivo con un vaso vecino. Generalmente, esos defectos no impedían la comercialización del vaso.
Tipología Los griegos poseían muchos tipos de recipientes, generalmente destinados a un uso particular: un ánfora servía más bien para transportar líquidos, especialmente aceite de oliva. Una hidria, como indica su nombre, era una jarra para el agua. Por la necesidad de clasificación, se distinguen los diferentes recipientes según su forma y dotándoles de nombres específicos: un vaso será clasificado como aríbalo o alabastrón, mientras que los griegos eran probablemente mucho menos estrictos en las denominaciones. • alabastrón, frasquito de perfumes (generalmente, de alabastro o vidrio) con la base redondeada destinado a estar suspendido. • aríbalo, especie de botellita de cuerpo esferoidal. • ánfora, vasija alta y con dos asas junto al cuello, ya terminada en pie chato, ya en punta y de forma fusiforme para colocarla en este caso hundida en el suelo arenoso o bien sobre u montante y cuyo destino era el de guardar y transportar líquidos y granos. • anforidion o anforisca, ánfora pequeña. • askos, botijo deprimido y con un asa por encima para servir el vino aguado. • bombylios, aríbalo de forma oblonga. • crátera, vasija grande con boca ancha y dos asas o mangos hacia el tercio interior de la parte ventruda que servía para mezclar en ella el agua y el vino. • dinos, crátera esferoidal montada sobre un pie independiente. • oenochoe, jarra con asa y que tiene por lo común la boca trebolada cuyo destino era verter el vino en las copas. • guttus, especie de lécito o aríbalo y de cuello muy estrecho para verter aceite en las comidas. • hidria, gran vasija a modo de tinaja provista de tres asas dispuestas de modo que pueda volcarse fácilmente y que se destinaba a depósito de agua. • Kantharus o copa de Hércules y de Baco. Gran copa con asas elevadas. • kélebe, ánfora ventruda y con pie chato y asas que llegan hasta rasar con el borde. • kernos, vaso múltiple o conjunto de vasos unidos que servían para ciertas ceremonias religiosas. • kílix o cáliz, copa de poco fondo, ancha y con dos asas. • kyathos o ciathus, la misma copa con un asa. • lagynos o lagena, cantarito a modo de botella para el vino en las mesas. • lécito o lekythos, frasco de estrecho y largo cuello con asa en el mismo destinado a guardar aceite o perfumes.
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lekane, plato hondo con tapadera semejante a una píxide muy achatada. olpe, jarrito panzudo y con asa. oxibaphon, crátera con las asas en le tercio superior de la vasija. pelike, hidria con dos asas pithos, gran vasija esferoidal y de boca estrecha. pixis, pote achatado y con tapadera para servicios de tocador. ritón, vaso para beber que tiene la forma de cuerno terminado en hocico de animal y con un asa. skyphos o shyphus, vaso o taza semiesférica o en forma de cono truncado. stamnos, crátera de asas pequeñas y de boca menos ancha.
Los vasos que se empleaban en el culto pagano, además de kernos se llaman ápteras, preferículos, fialas y símpulos, los cuales son por lo común de metal artísticamente labrado. Otras ánforas o jarrones grandes y elegantísimos que eran objetos de lujo se destinaban a premios para los vencedores en juegos públicos y a regalos o aguinaldos siendo entre todos muy célebres las ánforas panatenaicas de ancha boca y pie sólido.
Véase también • Corpus vasorum antiquorum • Grupo pionero • • • •
Cerámica minoica Cerámica ática Cerámica corintia Copa de Aisón, (Museo Arqueológico Nacional de Madrid).
Bibliografía • VV.AA. (2004). El vaso griego y sus destinos, CIUDAD: EDITORIAL. ISBN 84-8181-217-6. • John Beazley: • Attic Black-Figure Vase Painters, Oxford University Press, Oxford, 1956. • Attic Red-Figure Vase Painters, Oxford University Press, Oxford, 1963 (2e édition). • Paralipomena, Oxford University Press, Oxford, 1971. • John Boardman:
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Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Cerámica griega. Commons • La cerámica griega [1] — La Red Social de la Arqueología e Historia.
Referencias [1] http:/ / www. arqueologos. org/ historia-antigua/ 54-la-ceramica-griega. html
Cerámica de figuras negras La técnica de la cerámica de figuras negras es un estilo de pintura de la antigua cerámica griega en la que la decoración aparece silueteada en negro sobre fondo rojo. La técnica decorativa que se designa con la expresión de figuras negras debe su nombre a que, con anterioridad a la cocción del vaso, el ceramógrafo pintaba en negro las siluetas de las figuras, indicando los detalles externos con un hábil y rico juego de finísimas incisiones –mediante una punta de metal o de hueso- que descubrían el color natural de la arcilla, y añadiendo en caso necesario algunos toques de blanco y rojo oscuro. Este sistema de decoración para la pintura de vasos se introdujo en Corinto hacia el año 700 a. C., y allí fue objeto de sucesivos perfeccionamientos durante todo el siglo VII a. C.
Atenea vistiendo la égida, hidria ática de figuras negras por el ceramista Panfeo (firmado) y el pintor Eufileto, c. 540 a. C. Cabinet des Médailles, BNF (París), De Ridder n°254.
Los artistas áticos adoptaron la nueva técnica en el periodo orientalizante, y obtuvieron con ella resultados de gran originalidad en la última fase de la producción de los vasos llamados por los estudiosos «protoáticos» (630 – 620 a. C.). Con esta producción se inicia la gran serie de la cerámica de figuras negras, que tiene su principal centro en Atenas y que se prolonga hasta comienzos del siglo V a. C., comprendiendo la fase intermedia de los llamados vasos bilingües (es decir, realizados con una técnica mixta de figuras negras y rojas, a partir del 530 a. C.
Técnicas de elaboración Los vasos griegos estaban hechos de una clara arcilla rica en hierro burda que se volvía de un color naranja rojizo cuando era cocida. El diseño era bosquejado en líneas generales, luego rellenado usando arcilla refinada como pintura. Los detalles eran añadidos con una herramienta de grabado, rascando a través de la capa de pintura a la arcilla de abajo. El vaso era cocido en un horno a una temperatura de unos 800º C, con la oxidación consiguiente, volviendo a la cerámica de un color naranja rojizo. La temperatura era aumentada a unos 950º C con las aberturas del
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horno cerradas y con madera verde añadida para eliminar el oxígeno. El vaso se volvía totalmente negro. La etapa final requería que las aberturas fueran reabiertas para dejar entrar oxígeno al horno, para permitir enfriarlo. La pieza volvía a su color naranja debido a la renovada oxidación, mientras que la capa pintada se quedaba del color negro satinado creado en la segunda etapa. Aparte del negro, los otros colores podían ser usados modificando las características de la arcilla usada para pintar el vaso. El más común era un blanco amarillento derivado de una purificada arcilla ferrosa, y un rojo violáceo derivado de la misma arcilla refinada usada para producir las áreas negras mezclada con ocre (óxido de hierro rojo) y agua.
Estilos y temas Los corintios usaron originalmente la cerámica de figuras negras para representar frisos de animales hasta mediados del siglo VI a. C., cuando los grandes pintores atenienses desarrollaron un estilo sofisticado de decoración narrativa que representaba temas como escenas de batallas, seres míticos y episodios legendarios. La cerámica de figuras negras retrataba siluetas de figuras, pero era algo limitada en su alcance artístico debido a las limitaciones de las herramientas de grabado. Sólo algunos pintores son conocidos por su nombre, aunque muchos vasos han sido agrupados en base al estilo pictórico y parecen ser el trabajo de personas o talleres. El pintor nombrado más famoso es Exequias, un pintor de vasos del siglo VI a. C., que es sobre todo conocido por sus escenas de batallas.
Escena de ánfora de figuras negras de Atenas (siglo VI a. C., Museo del Louvre).
Pintores de figuras negras El estudio de la cerámica ática de figuras negras se apoya en la monumental obra de sir John D. Bezley, en la que están catalogados y atribuidos a artistas concretos o a escuelas, todas las cerámicas que las excavaciones han sacado a la luz. Los nombres de antiguos ceramógrafos documentados en sus propias obras son solamente una docena, pero el gran investigador escocés ha podido individualizar alrededor de 400 artistas o grupos. A estos pintores, cuya identidad real se desconoce, se les han atribuido nombres convencionales, ya sea por asociación al del ceramista que modeló el vaso –las firmas de los pintores, cuando aparecen en el vaso, están acompañados de la palabra ‘’egrapsen’’, que quiere decir “”pintó”; las de los ceramistas de la palabra epoiesen, esto es, “hizo-, ya por la ubicación de los vasos en los museos con su número de registro, o por el nombre del propietario moderno que posee el vaso más característico del artista o que permitió su identificación –por ejemplo el pintor de Atenas 533, el Pintor de Durand-, o incluso derivándolo del tema decorativo más típico del artista en cuestión (como el Pintor de Belerofonte). Después de una etapa experimental en los grandes vasos protoáticos (Pintor de Polifemo, 675-650 a. C., las primeras grandes personalidades que encontramos son el Pintor de Nesos (620-600 a. C. y el Pintor de la Gorgona (primeras décadas del siglo VI a. C.) hasta llegar al primer ceramógrafo cuyo nombre conocemos a través de su firma: Sófilos (600-575 a. C. Entre el 585 y el 570 a. C. está la serie de tazas llamadas de Siana (por el centro de la isla de Rodas donde fueron hallados los dos ejemplares que permitieron caracterizar toda la serie). En los años setenta y sesenta del siglo VI a. C. estuvo activo Clitias, autor del famoso Vaso François (Museo Arqueológico Nacional de Florencia), de riquísima decoración. En la siguiente década destacó Nearco, quien firmaba sus vasos como ceramista y pintor. Una serie bien caracterizada es la de los llamados ‘’miniaturistas’’, que se suceden entre el 570 y el 540 a. C.
Cerámica de figuras negras Del periodo 550-530 a. C. son los vasos decorados por los celebérrimos Lydos y el Pintor de Amasis, mientras que otro gran artista, Exequias, está activo entre los años 545 y 525 a. C. Con Psiax (525-500 a. C.) llegamos a la última personalidad eminente de la técnica de figuras negras. Las cerámicas decoradas con figuras negras documentan prácticamente todas las formas de la cerámica griega. Sus representaciones son vivos retazos de la vida cotidiana, escenas de competición y palestra, ceremonias religiosas, etc. Junto a ellas aparecen numerosos temas mitológicos, ya sean episodios de carácter narrativo, ya figuraciones de las principales divinidades del Olimpo.
Ánforas panatenaicas Las ánforas panatenaicas constituyen una clase de ánforas autónoma: se trata de grandes vasijas, de sesenta a setenta centímetros de altura, típicas por la forma de su 'cuello', relativamente corto, y su 'vientre' ovoidal, que se entregaban como premio, llenas de aceite, a los vencedores de las competiciones panatenaicas que tenían lugar durante las fiestas en honor de la diosa Atenea. La parte frontal llevaban una representación de la diosa, y la posterior mostraba la competición en que se había obtenido el triunfo (una carrera, un combate, etc.); pero la característica más singular de estos vasos es que, elaborados hasta finales del siglo IV a. C., mantuvieron siempre la técnica decorativa de las figuras negras, aun cuando ésta ya había caído en desuso.
Véase también • Cerámica de figuras rojas • Grupo pionero • Cerámica minoica
Referencias • • • • •
Beazley J.D., Attic Black-figure vase painters, London, 1956 Boardman, J., Athenian Black Figure Vases, London, 1974 Williams, D., Greek Vases, London, 1985 "Black-figure vase painting". The Bloomsbury Guide to Art (1996) "Black-figure vase painting" The Concise Oxford Dictionary of Art Terms. Michael Clarke. Oxford University Press, 2001 • "Black-figure pottery" Encyclopædia Britannica. 2006 • "Black-figure vase painting" The Oxford Dictionary of Art. Ed. Ian Chilvers. Oxford University Press, 2004
Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Cerámica de figuras negras. Commons • Black Figure Pottery for Kids [1] (en inglés) • J.D.Beazley The Development of Attic Black-Figure [2] (en inglés)
Referencias [1] http:/ / www. historyforkids. org/ learn/ greeks/ art/ pottery/ blackfigure. htm [2] http:/ / content. cdlib. org/ xtf/ view?docId=ft1f59n77b& brand=eschol
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Cerámica de figuras rojas
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Cerámica de figuras rojas La cerámica de figuras rojas es uno de los más importantes estilos figurativos de la cerámica griega. Se desarrolló en Atenas hacia 530 a. C. y fue utilizado hasta el siglo III a. C. Reemplazó al estilo previo predominante de la cerámica de figuras negras al cabo de unas décadas. Su nombre está basado en las representaciones figurativas de color rojo sobre fondo negro, en contraste con el mencionado estilo precedente, de figuras negras sobre fondo rojo. Las zonas más importantes de producción, además del Ática, estuvieron en la Magna Grecia (Italia). El estilo fue adoptado en otras partes de Antigua Grecia. Etruria llegó a ser un importante centro de producción fuera del ámbito griego. Los vasos áticos de figuras rojas se exportaron por toda Grecia y más allá del Mediterráneo. Durante mucho tiempo, dominaron el mercado de cerámica de calidad. Sólo algunos centros de producción pudieron competir con Atenas en términos de innovación, calidad y capacidad de producción. Más de 40.000 ejemplares y fragmentos de vasos han sobrevivido. Del segundo centro de producción en importancia, la Magna Grecia, más de 20.000 vasos y fragmentos se han conservado. Desde los primeros que los estudiaron, John D. Beazley y Arthur Dale Trendall, se ha progresado mucho en el estudio en el estilo de este arte, logrando adscribir muchos vasos a artistas o escuelas. Las imágenes representadas proporcionan una evidencia irreemplazable para la exploración de la historia de la cultura, la vida diaria, la iconografía y la mitología griegas.
La aparición de las figuras rojas Alrededor del 530 a. C., en el taller del ceramista ateniense Andócides, maduraba la innovación tecnológica que iba a imponer el estilo de cerámica de figuras rojas (reservadas de la capa de barniz que cubría enteramente las paredes del vaso), en lugar del tradicional de figuras negras. Andócides reemplazó las figuras negras, excepto en el caso de las ánforas panatenaicas. Esta nueva técnica permitía una representación más próxima a la realidad, restituyendo a la luz de las imágenes que la antigua técnica definía antinaturalmente con la opacidad de la sombra.
mujer oficiando en un altar, kílix de figuras rojas por Chairias, c. 505 a. C., Museo de la Antigua Ágora de Atenas
Pioneros de esta ceramografía de figuras rojas en las últimas décadas del siglo VI a. C. fueron Eufronios, Eutímides y Fincias, asociados en el arte y en la vida, como se deduce del vivo intercambio de réplicas, como un diálogo entre colegas, que se aprecia en las numerosas leyendas de sus vasos. En tanto que las frecuentes referencias a jóvenes aristócratas sugieren contactos con el ambiente de la juventud dorada ateniense. La trayectoria de Eufronios, cortada demasiado pronto por algún problema visual (es una hipótesis de Beazley), se caracteriza por la energía con que se enfrenta al escorzo y al análisis de la anatomía masculina, en consonancia con la evolución de la escultura contemporánea, especialmente en los bajorrelieves.
Cerámica de figuras rojas Eutímides, por el contrario, es el paradigma de una tendencia sintética, en la que la fluidez del contorno atenúa la crudeza del despiece de la musculatura. Si los citados pioneros pintan habitualmente sobre recipientes de grandes dimensiones, que exaltan su inclinación por lo monumental, un cálculo estadístico revela que, durante el primer período de las figuras rojas, ocho de cada diez vasos pintados son de tipo kílix, es decir, tazas con dos asas cuya decoración comprende no sólo las paredes externas, sino que se extiende a la superficie circular interior (el llamado tondo). El kílix es la forma claramente preferida en las etapas tardoarcaica y severa. Especialistas en su decoración son, entre muchos otros, Oltos y Epicteto, el Pintor de Panaitios y Onésimos (estos dos últimos, de la escuela de Eufronios, pudieran ser tal vez una misma persona en dos fases distintas de su evolución estilística), el Pintor de Brygos y Macrón, más recientes, y Dúrides, dotado de una extraordinaria longevidad artística (del 500 al 460 a. C.). Una especie de grandiosa recapitulación de la realidad, cotidiana y heroica, individual y colectiva, en todos los registros posibles, desde el violento de la orgía y la guerra hasta el imperturbable de los dioses, discurre por las bandas continuas exteriores y se reinterpreta, con episodios fuertemente alusivos, en la superficie interior de los vasos. En las representaciones de héroes, Heracles cede la primacía a Teseo, en el clima ideológico de la nueva democracia codificada por el legislador Clístenes. El desnudo masculino, y también el femenino luego, de mano de Onésimos, asume una gran coherencia estructural, exaltada por el gesto atlétioc; y hasta expresiones propias del anciano y el joven comienzan a manifestarse en la rica gama dl Pintor de Brygos. Pero las dos personalidades más representativas de la segunda generación de los ceramógrafos de figuras rojas, en las tres o cuatro décadas que van desde la cíada de los pisistrátidas a la doble victoria del imperialismo ateniense, son el Pintor de Cleofrades y el Pintor de Berlín, divergentes y complementarios: el primero, quizá corintio, discípulo de Eutímides, que no se cansa de ensayar las posibilidades comunicativas de la narración pictórica, y el de Berlín, un temperamento contemplativo, que con caligrafía nítida y seguridad absoluta de trazo, dibuja en cada lado del vaso una o pocas figuras, aislada de un contexto narrativo jamás explícito pero sobreentendido siempre. En la técnica de figuras rojas, el fondo es llenado con pintura negra y solo los detalles pequeños son pintados, permitiendo que las porciones no pintadas asuman el tono rojizo de la arcilla ateniense después de que ser quemado en presencia de oxígeno.
La técnica de figuras rojas Crear una pieza de cerámica de figuras rojas requería la estrecha colaboración entre el alfarero y el pintor. El alfarero daría forma a la pieza de arcilla y la entregaba al pintor mientras la arcilla todavía estaba húmeda. El pintor pintaría el vaso usando un instrumento como una bolsa de pastel con una boquilla que accionaba una jeringa de hueso o madera para poner los detalles y colores de fondo. Debido a que la pintura solamente contraía el color una vez la pieza era horneada, el pintor tenía que pintar casi completamente de memoria, incapaz de ver su trabajo previo. Adicionalmente, los colores podían ser aplicados mientras la arcilla todavía estaba húmeda, así que el pintor tenía que trabajar muy rápidamente. En las grandes cráteras pintadas con la técnica de figuras rojas, esto significaba que decenas de miles de líneas habían sido aplicadas, cada una terminaba precisamente en el punto exacto para impedir coincidencias en el intrincado detalle de la obra. A pesar de estas restricciones, los pintores de figuras rojas desarrollaron un estilo intrincado y detallado. Los pintores que trabajaban en la primera técnica de figuras negras habían sido forzados a mantener sus figuras bien separadas unas de otras y a limitar la complejidad de su ilustración; desde que todos elementos del primer plano eran cubiertos con la misma sombra negra, dos figuras que coincidieran podrían resultar indistinguibles. El detalle anatómico más allá del simple esbozo era casi imposible en el estilo de figuras negras, cuando sólo un número
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limitado de colores (principalmente, un blanco crudo) destacaría sobre las figuras negras. Por contraste, la técnica de figuras rojas permitió la mayor libertad. Cada figura fue silueteada naturalmente contra el fondo negro, como si fuera iluminada por luz teatral, y el más natural esquema de rojo sobre negro, en conjunción con la variedad más grande de colores que el artista podía emplear, permitió que los pintores de figuras rojas retrataran los detalles anatómicos con más exactitud y variedad. El grupo pionero de pintores en particular usó la técnica de figuras rojaspara conseguir un naturalismo no visto antes en estilos anteriores. Humanos y animales fueron retratados en poses naturalistas con anatomía esquemática pero exacta, y la técnica del escorzo y perspectiva de ilusionista fue desarrollada para explotar la relativa libertad del método de figuras rojas. Artistas posteriores, explorando los límites de la técnica figuras rojas, reintroducen el blanco como un color de detalle (casi abandonado al final de la ténica de figuras rojas) y el extendido uso del dorado se integró en el estilo de figuras rojas.
Pintores de cerámica de figuras rojas • El Pintor de Aquiles • El Pintor de Andócides • El Pintor de Berlín • • • • • • • •
Dúrides Eufronios Eutímides El Pintor de Cleofón El Pintor de Cleofrades Oltos Fincias Polignoto
Véase también • Cerámica griega • Cerámica de figuras negras • Grupo pionero
Referencias • Beazley J.D., Attic Red-figure Vase Painters, 3 vols., Oxford, 1963 • Hellenistic Pottery and Terracottas, H.A and D.B. Thompson [1]
Enlaces externos
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Cerámica de figuras rojas. Commons • _IXSS_=_IXFPFX_%3dgraphical%252ffull%252f%26_IXNOMATCHES_%3dgraphical%252fno_matches%252ehtml%26%252 [2] - London: Red-figured water jar] (en inglés) • [3] - Greek pottery images] (en inglés) • Cerámica griega - Técnicas de las inscripciones [4] • La cerámica griega [1] - La Red Social de la Arqueología e Historia
Cerámica de figuras rojas
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Referencias [1] [2] [3] [4]
http:/ / books. google. com/ books?as_brr=1& id=Ec8ejUxhfVwC& vid=ISBN0876619448& dq=greek+ art& jtp=1 http:/ / www. thebritishmuseum. ac. uk/ compass/ ixbin/ hixclient. exe?_IXDB_=compass& _IXSR_=or1& http:/ / www. mlahanas. de/ Greeks/ Pottery. htm http:/ / w3. cnice. mec. es/ eos/ MaterialesEducativos/ bachillerato/ arte/ arte/ x-antigu/ gre-c-di. htm
Aquiles (pintor) Aquiles (siglo V a. C.) fue un pintor griego de vasijas, apodado Aquiles Pintor por un ánfora decorada con una pintura de Aquiles y Briseida, cuya autoría se le atribuye. Vivió en Atenas durante los tiempos de Pericles, siendo contemporáneo de Fidias. Su jarrón de Aquiles (de сerca del 450 a. C.) está entre los más finos ejemplos existentes de cerámica de figuras rojas del período clásico. Es también conocido por sus lecitos, unos jarros funerarios con figuras coloreadas sobre un fondo blanco, los cuales son considerados el más alto legado fiable de pintura griega monumental. Se le han atribuido más de 200 vasijas auténticas.
Enlaces externos •
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Lécito ático de fondo blanco del Pintor Aquiles (440 a. C., M.A.N., Madrid)
Andócides (pintor)
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Andócides (pintor) Andócides
Heracles en reposo, ánfora de Andócides, h. 520 a. C., Staatliche Antikensammlung de Múnich Nombre real
En griego, Ανδοκίδης
Nacionalidad
Grecia antigua
Área
Pintura de figuras negras sobre fondo rojo
Andócides era un artista griego decorador de céramicas que vivía en la región de Atenas hacia finales del siglo VI a. C., en actividad del 535 al 515 a. C., aproximadamente. Designa por el nombre de un alfarero para el que trabajó. Su importancia es crucial en la historia de la cerámica griega antigua, pues es considerado por la mayor parte de los especialistas como el inventor y el primer usuario de la técnica de pintura sobre cerámica llamada figuras rojas que suplantará completamente a la antigua técnica de figuras negras.
Génesis de su arte Andócides comenzó su actividad con la técnica de figuras negras. Sin duda fue alumno de Exequias, uno de los maestros de la época. Los límites técnicos alcanzados hacia mitad del siglo VI a. C., no permitían quizás a más artistas hacerse un nombre y varios buscaron un medio de sobrepasar a sus maestros. Tras las pruebas de utilizar la pintura blanca con el pincel directamente sobre un fondo negro barnizado, Andócides tuvo la idea de invertir radicalmente el procedimiento y reservar en negro brillante el fondo en lugar de siluetas de figuras como antes. De esta manera, el color rojo de la tierra era el fondo absorbente sobre el que eran pintados en negro los detalles de los personajes con un pincel fino, lo que permetía una fineza más grande de detalles que la incisión con buril o con estilo sobre las siluetas de antes. Hacia el 530 a. C. aparecen los primeros testimonios de esta técnica que se generalizó progresivamente. Se puede seguir con precisión el perido de transición en el que Andócides produjo obras, sobre todo ánforas, que presentan caras tratadas, unas con figuras negras y otras con figuras rojas, a veces con la misma escena, como las pruebas para presentar una técnica nueva, aún no suficientemente conocida por los clientes. Estos vasos son llamados ‘’bilingües’’. Segidamente, no producirá más que vasos exclusivamente de figuras rojas. No fue el único, en esta época, en lanzarse a estas innovaciones, otros, como Oltos o Epicteto produjeron también vasos bilingües, pero la mayoría de especialistas están de acuerdo para datar las obras de Andócides algunos años anteriores a las otras producciones, lo que permite pensar que fue el principal inventor de la técnica de las figuras rojas sobre el 530 a. C., innovación que favoreció a la cerámica ática durante casi dos siglos.
Andócides (pintor)
Estilo y obras de Andócides Una veintena de obras de figuras rojas, cuya atribución es contestada por algunos investigadores, muestran que había alcanzado una gran maestría y virtuosismo en los detalles que no se encontrará tan pronto en la nueva técnica que parece un poco impregnada de rigidez al principio y en la que hubo algunas utilizaciones de la incisión, por ejemplo, para los cabellos. A continuación, sacará un mejor partido del rojo, jugando con la gama de colores del rojo al cataño socuro. Anuncia la llegada de los grandes artistas de las figuras rojas como Eufronios. Sus temas predilectos son las escenas mitológicas que representan a dioses y a héroes, sobre todo Heracles, su personaje favorito. Se le atribuye : • • • •
Una veintena de vasos de figuras negras Una ánfora con tema blanco sobre fondo negro (Louvres, inv F203) Seis ánforas y una copa bilingües Siete ánforas y un vaso de figuras rojas
Véase también • Cerámica griega • Cerámica de figuras rojas. • Cerámica de figuras negras
Bibliografía • • • •
R. M. Cook, Greek painted pottery, Methuen, Londres, 3ª ed. 1982. Beazley, J., Attic Black-figure Vase-Painters, Clarendon Press, Oxford, 1956. Boardman, J., Athenian Black Figure Vases: A Handbook, Thames and Hudson, Londres, 1974. Williams, D., Greek Vases, British Museum Press, Londres, 1999.
Enlaces externos •
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Dúrides
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Dúrides Dúrides (griego Δοῦρις, Doũris) era un pintor de vasos de figuras rojas, activo de 500 a 460 a. C.
Obra Empieza su carrera trabajando para los ceramistas Cleofrades y Eufronios, antes de empezar una larga colaboración con Pitón. Firma 39 vasos como pintor, e igualmente uno como alfarero[1] y un vaso únicamente como ceramista.[2] Entre 250 y 300 vasos le son atribuidos.[3] La mayoría de estos vasos son kílix, es decir, copas. Su nombre parece haber sido popular, pues se lo encuentra sobre otros vasos: figura así sobre un vaso llevado por una chica en una copa de Onésimos.[4] En la base de estas firmas, de las inscripciones kalos y de la decoración subsidiaria de los vasos, el historiador del arte John Beazley ha distinguido en su carrera cuatro grandes fases:
Peleo levantando a Tetis, medallón de copa de la Fase IV, borde de doble meandro, Cabinet des médailles (Inv. 539).
Fase I Está caracterizada por una decoración recargada y por la diversidad de motivos de orladura. Los temas preferidos son los banquetes, los komoi (cortejos deèges de gente borracha) o los guerreros. El nombre de kalos favorito es Queréstrato. Beazley sugiere que en esta época, Dúrides pudo trabajar junto con Onésimos, otro gran pintor de copas del período. Respecto a este último, en Dúrides privma la gracia de sus personajes. Fase II La colaboración con Eufronios se acaba; Dúrides trabaja en adelante con Pitón. Khærestratos queda como nombre del kalos preferido, paralelamente con Panaitios, que se encuentra igualmente sobre las obras de Onésimos. La decoración subsidiaria es menos importante; la mayoría de los medallones no tienen borde. Los temas preferidos son las escenas de jóvnes y de atletas. El trazo de Dúrides se singulariza en adelante por el uso de una clase de garabato para figurar la extremidad interna de la clavícula. La obra maestra de este periodo es un psykter (vase para enfriar) adornado con sátiros borrachos.[5] Fase III
Clavícula en gancho característico del estilo de Dúrides, detalle de un medallón de copa, hacia 480 a. C., museo del Louvre (G 121)
Es la fase más característica de Dúrides, y su apogeo. Las orladuras de los medallones se caracterizan por la alternancia de un elemento de meandro y de cuadrados; las asas de la copa están decoradas con palmetas. El nombre de kalos preferido es en adelante Hipodamas; las firmas se hacen raras. Dúrides vuelve a las escenas de banquete, y se interesa por los estudios de guerreros y por escenas escolares. La obra maestra del periodo es la copa llamada la «pietá de Memnon»: Eos lleva el cuerpo de su hijos Memnón, muerto por Aquiles durante la guerra de Troya.[6]
Dúrides
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Fase IV Dúrides vuelve a una ornamentación recargada. Las orladuras comprenden en adelante dos elementos de meandro por cada cuadrado; las palmetas en las asas se complican y motivos de loto aparecen en paralelo. Las firmas desaparecen y los nombres de kalos se hacen más raros. El dibujo pierde gracia y vigor.
Bibliografía • John Boardman, Les Vases athéniens à figures rouges. La période archaïque, Thames & Hudson, Paris, 1996 1e édition 1975), p. 137-139. • (en inglés) Diana Buitron-Olivier, “Douris. The Master Painter of Athenian Red-figure Vases”, dans Kerameus. Forschungen zur antiken Keramik, 2e livraison, vol. 9 (2005), Mayence [7].
Véase también • Kílix de Dúrides y Calliades, (Museo del Louvre)
Enlaces externos •
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Firma de Dúrides (griego ΔΟΡΙΣ ΕΓΡΑΦΣΕΝ), detalle de la copa llamada «pietà de Memnon», hacia 490-480 a. C., museo del Louvre (G 115).
Referencias [1] Un cántaro, Bruxelles A 718. Cf. Beazley, Attic Red-Figure Vase-Painters 2 édition, 1963), 445, 256. Illustration sur Perseus (http:/ / www. perseus. tufts. edu/ cgi-bin/ image?lookup=1993. 01. 0406). [2] Un aríbalo globular, Athènes 15375. ARV2, 447, 274. [3] Boardman indica «sobre unos trescientos» (op. cit., p. 137); Dyfri Williams indica «alrededor de 250», Greek Vases, Presses du British Museum, 1999 1 édition 1985), p. 77. [4] Brunswick, Collège Bowdoin, 1930.1. ARV2, 328, 114. Illustration sur Perseus (http:/ / www. perseus. tufts. edu/ cgi-bin/ image?lookup=Perseus:image:1990. 33. 0489. lg). [5] Londres E 768. ARV2, 446, 262. Ilustración del sitio del Museo Británico (http:/ / www. thebritishmuseum. ac. uk/ compass/ ixbin/ goto?id=OBJ3271). [6] Louvre G 115. ARV2, 434, 74. Illustration Ilustración del sitio del Museo del Lovre (http:/ / www. louvre. fr/ llv/ oeuvres/ detail_notice. jsp?CONTENT<>cnt_id=10134198673225600& CURRENT_LLV_NOTICE<>cnt_id=10134198673225600& FOLDER<>folder_id=9852723696500785& bmUID=1168505172931). [7] http:/ / alkestis. perseus. tufts. edu/ hopper/ text. jsp?doc=Perseus:text:1999. 04. 0011:section=1
Eutímides
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Eutímides Eutímides era un ceramista ateniense y pintor de vasos, principalmente activo entre 515 y 500 a. C. Fue miembro del antiguo movimiento artístico griego conocido como "grupo pionero" por su exploración del nuevo estilo decorativo conocido como cerámica de figuras rojas. Eutímides era más minimalista que otros del movimiento, y su tendencia a dibujar relativamente pocas figuras, y sólo rara vez coincide con ellos. Fue admirado para su representación del movimiento humano y los estudios de perspectiva, y pintó figuras que están entre las primeras en mostrar miembros en escorzo.
Hoplita colocándose la armadura, cara A de un ánfora de figuras rojas, 510–500 a. C., Staatliche Antikensammlungen (Inv. 2308)
Sus obras eran normalmente inscritas con "Eutímides me pintó". Eutímides fue rival del también ateniense Eufronios, y efectivamente una de sus ánforas fues manchado con la burla juguetona de "Eufronios nunca hizo algo así"". Solamente seis vasos pintados por Eutímides sobreviven, el más famoso de los cuales es probablemente Los juerguistas, una ánfora que retrata a tres hombres divirtiéndose. Están presumiblemente borrachos; uno de ellos está bebiendo de una "crátera", un vaso normalmente reservado para mezclar vino y agua.
Enlaces externos • (en inglés) Neils, J: Phintias and Euthymides [1]
Referencias [1] http:/ / www. perseus. tufts. edu/ Secondary/ Painter_Essays/ Phintias_1. html
Eufronios
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Eufronios Eufronios era un alfarero y pintor de cerámica griega de figuras rojas que vivió a finales del siglo VI a. C. y en la primera mitad del siglo V a. C. en Atenas. Formó parte de los más célebres artistas de su época, en concreto del grupo pionero, y es conocido por las obras de gran calidad que firmó y que han llegado hasta nosotros.
Teseo y Escirón, Teseo y Procusto, cara A de una copa de figuras rojas, v. 500-490 a. C.
Contexto general La cerámica griega antigua tiene una larga historia y Eufronios entra en la época charnela, que ve la aparición de un nuevo estilo, más expresivo, de la nueva técnica de la cerámica de figuras rojas que reemplazó progresivamente la técnica anterior de figuras negras a partir de los años 530 a. C. Ya, desde la mitad del siglo VI a. C., los diferentes talleres griegos son suplantados por los talleres de la región de Atenas que producen la cerámica ática en la que Eufronios ejerce su arte.
Caballero, interior de copa, h. 500-490 a. C.
Elementos históricos
Pocas cosas son conocidas de la vida de Eufronios, sólo sus firmas y su estilo reconocible permiten situarlo cronológicamente. Pionero y virtuoso de la técnica de figuras rojas, se conocen seis de sus obras firmadas como pintor (euphronios égraphsen, «Eufronios ha pintado») y una veintena de otras le son atribuida por el estilo. Otras diez cerámicas son firmadas como alfarero (euphronios époiésen, «Eufronios ha fabricado»), y son decoradas por otros artistas. Parece, por las dataciones, que Eufronios habría sido en primer lugar pintor decorador, luego se hizo viejo y menos hábil, y habría acabado quizás su carrera como encargado de taller y alfarero. Una inscripción sobre la base de una estela votiva destruida de la Acrópolis de Atenas lleva la inscripción Eufronios kérameus («Euphronios ceramista)» y acredita la tesis de la reputación y de la fortuna de este taller.
Eufronios
El estilo artístico Eufronios es, incontestablemente, un gran artista de la época y un notable dibujante que pudo abrirse camino con la técnica más fina y expresiva de la cerámica de figuras rojas. Pintó, seguramente, un gran número de obras, perdidas la mayoría. Se observa una predilección por los vasos de gran tamaño, ánforas y cráteras. Saca su inspiración tanto de temas de la vida cotidiana, efebos en la palestra o aseándose, más que de temas épicos y mitológicos como por ejemplo las hazañas de Heracles que ilustra numerosas veces. En todo caso, su estilo es reconocible por el virtuosismo y la precisión del dibujo. Se ocupa particularmente de reproducir minuciosamente los detalles, sobre todo la precisión de la anatomía de sus personajes, Teseo y Anfítrite, interior de copa, h. 500-490 a. C. muy a menudo representados desnudos. Se aplica en representar el máximo de músculos en acción. Busca también trabajar la variedad de los ángulos de vista, la diversidad de las actitudes y la composición de escenas con múltiples personajes sobre una superficie circular. Adorna también sus composiciones con menciones manuscritas, el nombre de los personajes representados, reales o mitológicos, y, sobre numerosos vasos, una aclamación que alaba la belleza de los efebos de su época, particularmente de un tal Leagro, muerto en una batalla.
Algunas obras célebres • • • •
Las cratéras de cáliz del museo del Louvre, (G 103 et G 110), la lucha de Heracles y de Anteo. La crátera de Berlín, Staatliche Museen, (número2180), escena de efebos aseádonse. La copa del Staatliche Antikensammlungen de Múnich, (número2620), las hazañas de Heracles: La crátera de cáliz del Metropolitan Museum of Art, (Inv. 1972.11.10), la retirada del cadáver de Sarpedón por Hipnos y Tánatos.
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Eufronios
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Otros artistas ceramógrafos contemporáneos (época preclásica) • Pintores cuyos nombres son conocidos: • Eutímides. • Onésimos. • Fincias. • Esmicros. • Dúrides. • Oltos . • Pintores conocidos por el nombre del taller de alfarería: • El Pintor de Andócides, • El Pintor de Pistoxenos. • El Pintor de Brygos. • El Pintor de Cleofrades.
Sátiros y Ménades, crátera de cáliz, h. 510-500 a. C.
• El Pintor de Brygos. • Pintores nombrados por una obra magistral en un museo, el nombre de este museo, o el lugar de descubrimiento: • El Pintor de Berlín. • El Pintor de Aquiles. • El Pintor de Gela. • El Pintor de las Nióbides. • El Pintor de Pentesilea.
Véase también • Cerámica griega • Cerámica de figuras rojas. • Cerámica de figuras negras
Bibliografía • (en inglés) R. M. Cook, Greek painted pottery, Methuen, Londres, 3ª édition 1982.
Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Eufronios. Commons • (en inglés) Vaso (firmado por Eufronios) Metropolitan Museum of Art [1].
Referencias [1] http:/ / www. metmuseum. org/ Works_of_Art/ viewOnezoom. asp?dep=13& zoomFlag=0& viewmode=1& item=1972%2E11%2E10
Polignoto (pintor de vasijas)
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Polignoto (pintor de vasijas) Polignoto (activo aproximadamente entre 450 y 420 a. C.) fue un pintor de vasijas griegas en Atenas. Es considerado como uno de los más importantes pintores de cerámicas del estilo de figuras rojas del período alto clásico. Se formó en el taller del pintor Nióbides y se especializó en vasijas monumentales, a la manera del pintor Polignoto de Tasos, del que probablemente debe su nombre pero que no debe confundirse con él. Pintó principalmente vasos de gran tamaño como stamnos, cráteras, hidrias y ánforas de cuello, así como ánforas de Nolan y pelikes. Además de este famoso pintor de vasijas, existen otros dos pintores de cerámicas con el mismo nombre de Polignoto. En la literatura académica se les conoce como el pintor de Lewis y el pintor de Nausicaa.
Atenas, Museo Nacional 1441: Pelike de Polignoto: Joven con una hetaira
Atenas, Museo Nacional 18063: Stamnos de Polignoto: Teseo rapta a Helena
París, Louvre G 375: Pelike de Polignoto Apolo y Ticio
Véase también • Museo Arqueológico Nacional de Atenas
Referencias • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Polignoto (pintor de vasijas). Commons • John Beazley, Attic red figure vase painters, 1963. • Susan B. Matheson, Polygnotos and Vase Painting in Classical Athens, 1996.
Enlaces externos • Susan Matheson: Polygnotos and His Group. Polignoto y su grupo (en inglés) [1]
Referencias [1] http:/ / www. perseus. tufts. edu/ cgi-bin/ ptext?doc=Perseus%3Atext%3A1999. 04. 0015;layout=;loc=1;query=toc
Cerámica minoica
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Cerámica minoica La Cerámica minoica es más que una útil herramienta para datar la civilización minoica. Su rápida secuencia de estilos artísticos revela el placer en la novedad, y además ayudan a los arqueólogos a asignar las fechas relativas de los estratos arqueológicos. Jarras conteniendo aceites y ungüentos, exportados desde siglo XVIII a. C. de Creta, han sido encontradas en sitios a través de las islas egeas y el continente griego, en Chipre, a lo largo de la costa de Siria y en Egipto, mostrando los altos contactos comerciales con los minoicos. La excelente cerámica llamada cerámica de Kamares y la del Minoico final estampadas de "estilo marino" son los puntos álgidos de la tradición cerámica minoica.
"Pithoi medallón", o jarras de almacenamiento, en el palacio de Cnosos. LLamadas así por los discos, datan del MM III/MF IA.
Cronología tradicional La cronología tradicional para datar la civilización minoica fue desarrollada por Sir Arthur Evans en los primeros años del siglo XX. Su terminología y la propuesta por N. Platon aún se usa en general y es la que aparece en este artículo. Evans clasificó la cerámica según los cambios en su forma y estilo de decoración. Platon se concentró en la historia episódica del Palacio de Cnosos. En la actualidad existe un nuevo método todavía en pañales, el análisis de la estructura [1], que pone el énfasis en el análisis geológico de la arena y sobre todo de pedazos de cerámica no decorados como si fueran rocas. La clasificación resultante está basada en la composición de los trozos de cerámica. Friso restaurado de Cnosos mostrando cerámica minoica. Aunque el ritón (vaso cónico) es probablemente de esteatita, el resto es probablemente de cerámica.
Cerámica minoica
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Minoico Antiguo Una breve introducción sobre el tema de la cerámica minoica de la primera época sigue a continuación. Trata sobre los estilos mejor conocidos, pero no debe ser considerada completa. Una variedad de formas [2]son conocidas. En general, el período se caracteriza por un gran número de artículos locales con frecuentes paralelismos o importaciones cicládicos, lo que sugiere una población de mestizaje étnico proveniente de varios emplazamientos en el Egeo oriental o incluso de origen más amplio.
NF, MI I Estantería de cerámica del Minoico Antiguo, principalmente cerámica Vasiliki,
La cerámica del Minoico Inicial hasta cierto Museo de Heraclion. punto continuó, y posiblemente evolucionó del Neolítico Final[3] (NF) sin una grave ruptura. Muchos han sugerido que la civilización minoica evolucionó in situ y no fue importada del Este. Su otra característica principal es su variedad de sitio a sitio, lo cual es indicativo del localismo de las tradiciones sociales del Minoico Inicial. Estudios de la relación entre MI I y el NF han sido realizados principalmente en el Este de Creta [4]. Allí el Neolítico Final tiene afinidad con las Cícladas, mientras ambos establecimientos del NF y MI I eran contemporáneos, con el MI I reemplazando gradualmente al NF. De las tres posibilidades, no inmigración, total reemplazamiento de nativos por inmigrantes, inmigrantes establecidos entre nativos, Hutchinson[5] tiene la siguiente opinión: "El periodo Neolítico en Creta no finaliza con una catástrofe; su cultura se desarrolló en la Edad del Bronce bajo la presión de la infiltración de relativamente pequeñas bandas de inmigrantes del sur y del este, donde el cobre y el bronce habían sido usados mucho tiempo."
Cerámica de Pyrgos Los tipos del MI I incluyen la cerámica de Pyrgos,[6] también llamada cerámica estampada bruñida [7] . La etapa prepalacial de Creta, con nuevas gentes venidas de Asia Menor, presenta una cerámica que, en los primeros niveles del Minoico Inicial, reemplaza las formas neolíticas La forma más característica era la de "cáliz" de pie alto, o cáliz Arkalochori, en la cual una copa combinada con una forma de embudo podía ser colocada sobre una superficie firme sin derramarse, junto con vasos de dos asas y cuencos globulares con asas perforadas para permitir su suspensión mediante cuerdas. (Ejemplo [8]). Cuando el yacimiento de Pyrgos era un refugio de roca usado como osario, algunos barajan la hipótesis de un uso ceremonial [9]. Este tipo de cerámica era negra, gris o marrón, de superficie bruñida y decoración también bruñida con algún tipo de líneas incisas grabadas, cruzadas o quebradas. Podría haber imitado la madera.
Cerámica incisa Otro tipo del MI I, es la cerámica incisa, también llamada cerámica grabada, fue hecha a mano, de parte inferior redondeada, jarras oscuras bruñidas (Ejemplo [10]) y copas bulbosas y cajas ("pixis"). La decoración predilecta era dibujos de línea grabados, verticales, horizontales o dibujos en espiga. (Ejemplo, pixis [11]). Estos vasos son del norte y noreste de Creta y parecen ser modelado después de la fase de Kampos de la cultura Grotta-Pelos del Cicládico Inicial I. Alguno [12] ha sugerido importaciones o inmigraciones. Véase también Hagia Potia.
Cerámica minoica
Hagios Onouphrios, Lebena A fines del MI I, otro estilo cerámico se extiende por toda la isla de Creta, es el denominado de cerámica de Hagios Onouphrios, por el yacimiento del mismo nombre situado en el centro de Creta. Con un fondo de color crema, la decoración pintada forma series de líneas ocres o rojas paralelas y cruzadas. La forma más importante es la jarra de pico, además de las tazas, copas cónicas y cuencos. (Ejemplos 1 [13], Ejemplos 2 [14] .) La cerámica llegó del norte y sur de la Creta central, hecha como la cerámica Lebena de los mismos tipos pero decorada con pintura blanca sobre fondo pintado de rojo. (Ejemplo [15]). La última provino de las tumbas del MI I.
Kumasa y Cerámica fina gris En el MI IIA los diseños geométricos de la cerámica Kumasa parecen haberse desarrollado de la cerámica de Agios Onouphrios. Los diseños son en rojo o negro sobre fondo claro. Las formas son copas, cuencos y jarras. (Ejemplo: "Diosa de Mirtos" [16]). Existen vasijas con siluetas de animales (principalmente toros) e incluso de figuras humanas, destacando las que aparecieron en los thóloi de Kumasa y tumbas de habitación de Mojlos. De esta última es también conocido el ritón en forma de mujer embarazada cuyos senos hacían las veces de pico vertedor, una burda representación de la fecundidad. También desde el MI IIA están los pixis cilíndricos y esféricos llamados cerámica fina gris o cerámica gris, de superficie pulida con diagonales incisas, puntos, anillos y semicírculos. (Ejemplo [17])
Cerámica Vasiliki En el MI IIA y IIB la cerámica Vasiliki [18], llamadas así por el yacimiento minoico al este de Creta, estaba moteada con efectos vidriados, primitivos experimentos con el color, en alargadas jarras terminadas en picos semicirculares muestran los comienzos de la tradición de elegancia minoica (Ejemplos 1 [19], Ejemplos 2 [20]). Esta cerámica con predominio de la forma llamada tetera, presentaba una superficie decorada a base de pintura roja y negra dispuesta en manchas o flameada, como también se la denomina. Este tratamiento parece que comenzó siendo accidental, por haber cocido las vasijas a fuego abierto. Pero después se realizó deliberadamente para producir este efecto ornamental .
Cerámica del MI Del periodo Hutchinson dice:[21] "... la característica más reseñable es la expansión de las ciudades de Creta central... a expensas de la ciudades cretenses del este..." En la última breve transición (MI III), la cerámica [22] en el este de Creta comienza a cubrirse de oscuro con decoración de líneas y espirales; los primeros motivos a cuadros aparecen; las primeras curvas en forma de pétalos y bandas de hojas aparecen, en Gournia (Walberg 1986). Rosetas y espirales aparecen a veces unidas a las bandas. Estos motivos son similares a los encontrados en los sellos [23]. En el norte de Creta central, donde iba a surgir Cnosos, hay una pequeña similitud: el oscuro prevalece sobre luminosas bandas lineales; copas con pies comienzan a aparecer (Ejemplo [24]).
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Minoico Medio Del palacio de Cnosos y otros más pequeños como los de Festos, Malia y de otros lugares, Willetts dice:[25] "Estos grandes palacios eran elementos centrales de las ciudades importantes... Aparentemente, también fueron centros administrativos y religiosos para las regiones autónomas de la isla." El surgimiento de la cultura de palacios, de los "viejos palacios" de Cnosos y Festos y de su nuevo tipo de sociedad urbanizada, centralizada con centros de redistribución requerían de más vasijas de almacenamiento, algunas de ellas con características especialmente prepraradas para cumplir una variedad de funciones. En los talleres de los palacios, la estandarización trajo mayor supervisión de las operaciones y el surgimiento de mercancías de élite, poniendo énfasis en el refinamiento y la creatividad, de esta manera, se diferenciaron las cerámicas de los palacios de aquellas de las provincias. Las formas [26] de las mejores cerámicas fueron diseñadas para vajillas [27].
Kamares, cerámica Eggshell Cerámica Kamares o Camares fue llamada así por la cerámica encontrada en la cueva santuario de Kamares en el Monte Ida en 1890. Es la primera cerámica policroma de la civilización minoica, aunque las primeras expresiones de decoración proto-Kamares es anterior a la introducción del torno de alfarero. Con arcilla más fina, trabajada en el torno, permite mayor precisión en las formas y bajo fondos oscuros brillantes, azules o negros, se decora con colores blanco, rojo, naranja, amarillo o pardo fluidos diseños florales [28], con motivos como rosetas, ondas, cruces potenzadas, esvásticas o espirales. Los diseños suelen ser repetitivos y generalmente, compuestos simétricamente. Comienzan aquí los temas naturalistas, con figuras de pulpos, crustáceos, lirios, azafranes o palmeras, todos muy estilizados. Toda la superficie del recipiente está densamente cubierta, y a veces, el espacio está dividido en bandas. Una variedad es la de cáscara de huevo (en inglés: egg shell pottery) por tener su cuerpo extremadamente delgado (Ejemplo 1 [29]).
Vaso estilo Kamares, período de los Antiguos Palacios, 2100 a. C.-1700 a. C.
Gisela Walberg en 1976 identificó cuatro etapas en la cerámica Kamares, con un "estilo clásico de Kamares" situado en el período MMII, sobre todo en el complejo del palacio de Faistos. Se introdujeron nuevas formas, con motivos curvilíneos y radiantes [30]. (Ejemplo con pie [31], Ejemplos de jarras [32], Ejemplo de pitos (pithoi) de Faistos [33], Ejemplos varios [34], Ejemplo de Faistos [35], Sello postal [36]).
Edad de la Eflorescencia Durante el período MMIIB (Minoico Medio IIB), la utilización, cada vez mayor, de motivos extraídos de la naturaleza, anunció el declive y el fin del estilo Kamares. Se caracterizaba por diseños florales unidos entre sí que cubrían toda la superficie (Matz). En el período MMIII (Minoico Medio III) comenzó a aparecer el Estilo Estampado con diseños de temática vegetal. Esta fase fue reemplazada por escenas individuales de temática vegetal, que marca el inicio del Estilo Floral. Matz se refiere a ella como la "Edad de la Eflorescencia", que alcanzó su apogeo en el período LMIA (Minoico Reciente IA). (Algunos incluyen la cerámica Kamares en el estilo floral.)
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Minoico Reciente El período LMI (Minoico Reciente I) marca el momento álgido de la influencia minoica en todo el sur del Egeo (Peloponeso, Cícladas, Dodecaneso y el suroeste de Anatolia). La cerámica del Minoico Reciente era ampliamente exportada y se ha encontrado en Chipre, Egipto y Micenas. Estilos marino y floral.
Estilo marino
En el MFIB el estilo marino surge también; en este estilo, quizá inspirado en los frescos, la superficie entera del vaso era cubierta con criaturas marinas, pulpos, peces y delfines, contra un fondo de rocas, algas y esponjas. (Ejemplos 1 [37], Ejemplos 2 [38], Ejemplos 3 [39], Ejemplos 4 [40], Ejemplos 5 [41]) El estilo marino fue el último puramente minoico; hacia el final del MFIB, todos los palacios, excepto Cnosos, fueron violentamente destruidos y muchas de las villas y ciudades.
Referencias • Preziosi, Donald and Louise A. Hitchcock 1999 Aegean Art and Architecture ISBN 0-19-284208-0 • Platon, Nicolas, Crete (translated from the Greek), Archaeologia Mundi series, Frederick Muller Limited, London, 1966 • Hutchinson, Prehistoric Crete, many editions hardcover and softcover • Matz, Friedrich, The Art of Crete and Early Greece, Crown, 1962 • Mackenzie, Donald A., Crete & Pre-Hellenic, Senate, 1995, ISBN 1-85958-090-4 • Palmer, L. A., Mycenaeans and Minoans, multiple editions • Willetts, The Civilization of Ancient Crete, Barnes & Noble, 1976, ISBN 1-56619-749-X
Enlaces externos • Dartmouth College: Prehistorical Archaeology of the Aegean website:
• • • • • •
• 5. Early Minoan [42] • 10. Middle Minoan [43] • 14. Late Minoan [44] University of Oklahoma: Gallery of outstanding Minoan pottery vases, pouring vessels and rhyta. [45] Doumas Kristos' description of local pottery and Cretan imports from the excavations at Akrothiri [46] (Santorini)(en inglés) GiselaWalberg finds little influence between Minoan vase-paintings and glyptic motifs [23](en inglés) Material and Techniques of the Minoan Ceramics of Thera and Crete [47], Thera Foundation A LM IA Ceramic Kiln in South-Central Crete [48], Joseph W. Shaw et al., Hesperia Supplement 30, 2001. Victor Bryant, Web Tutorial for Potters [49], under Crete & Mycenae
Cerámica minoica
Lecturas complementarias • Betancourt, Philip P. The History of Minoan Pottery is a standard work. • MacGillivray, J.A. 1998. Knossos: Pottery Groups of the Old Palace Period BSA Studies 5. (British School at Athens) ISBN 0-904887-32-4 Bryn Mawr Classical Review 2002 [50] • Walberg, Gisela. 1986. Tradition and Innovation. Essays in Minoan Art (Mainz am Rhein: Verlag Philipp Von Zabern) • Dartmouth College: [51] Bibliography (see Pottery) • Edey, Maitland A., Lost World of the Aegean, Time-Life Books, 1975
Referencias [1] http:/ / sphakia. classics. ox. ac. uk/ fabresearch. html [2] http:/ / www. fhw. gr/ chronos/ 02/ crete/ en/ gallery/ ceram17. html [3] Este término (http:/ / www. reference-wordsmith. com/ cgi-bin/ lookup. cgi?exact=1& terms=Neolithic) que data de finales del siglo XX representa la última fase de transición del Neolítico, en la cual están en uso al mismo tiempo herramientas de piedra con elementos de la siguiente edad de los metales. Los términos "Calcolítico", "Edad del Bronce" y "Subneolítico" claramente caen dentro de esta categoría. Es usado en este sentido general en la arqueología de Europa. (http:/ / www. comp-archaeology. org/ Central_European_Neolithic_Chronology. htm) Sin embargo, el término tiende a ser usado también por culturas específicas. En referencia al Egeo significa que el Neolítico Final Ib - II (http:/ / antiquity. ac. uk/ ProjGall/ mavridis/ index. html), durante el cual la cerámica pintada fue reemplazada por cerámica vulgar en las Cícladas, y en Creta supone el Neolítico antes que el MI I. En sentido general el MI fue el "Neolítico Final", cuando los materiales de bronce no empezaron hasta el periodo MM. No es usado en este sentido al referirse a Creta. [4] http:/ / www. rhodes. aegean. gr/ maa_journal/ docs/ volume3%20No1%20Jun2003/ hayden. pdf#search=%22Crete%20%22Final%20Neolithic%22%22 [5] la obra citada, capítulo 6 [6] Pyrgos I-IV (http:/ / www. uk. digiserve. com/ mentor/ minoan/ pyrgos. htm), del MI I hasta el MF I, han sido definidos. [7] http:/ / www. bartleby. com/ 61/ 46/ B0564600. html [8] http:/ / www. albany. edu/ faculty/ griggs/ 208/ 3/ pyrgos. jpg [9] http:/ / wwwold. unict. it/ cac-ct/ Pubb/ CA2ab. htm [10] http:/ / www. fhw. gr/ chronos/ 02/ crete/ en/ gallery/ pm_pot1. html [11] http:/ / www. colorado. edu/ Classics/ exhibits/ GreekVases/ images/ 22716. jpg [12] http:/ / www. fas. harvard. edu/ ~semitic/ wl/ digsites/ Islands/ Hagiaphotia_05/ index. htm [13] http:/ / ccwf. cc. utexas. edu/ %7Ebruceh/ cc307/ minoan/ images/ 2d. jpg [14] http:/ / www. fhw. gr/ chronos/ 02/ crete/ en/ gallery/ pm_pot10. html [15] http:/ / www. fhw. gr/ chronos/ 02/ crete/ en/ gallery/ pm_pot9. html [16] http:/ / www. culture. gr/ 2/ 21/ 211/ 21124m/ 00/ lk24m03a. jpg [17] http:/ / www. culture. gr/ 2/ 21/ 211/ 21124m/ 00/ lk24m033. jpg [18] http:/ / www. uk. digiserve. com/ mentor/ minoan/ vasiliki. htm [19] http:/ / www. hartzler. org/ cc307/ minoan/ images/ 2f. jpg [20] http:/ / cartelen. louvre. fr/ cartelen/ visite?srv=car_not_frame& idNotice=5481 [21] Obra citada, el Tercer Periodo del Minoico . [22] http:/ / projectsx. dartmouth. edu/ classics/ history/ bronze_age/ lessons/ les/ 5. html#15 [23] http:/ / www. noteaccess. com/ Texts/ Walburg/ TI3RelationM. htm [24] http:/ / www. culture. gr/ 2/ 21/ 211/ 21124m/ 00/ lk24m031. jpg [25] Work cited, Chapter 4 [26] http:/ / www. fhw. gr/ chronos/ 02/ crete/ en/ gallery/ ceram65. html [27] http:/ / www. anistor. co. hol. gr/ english/ enback/ a985. htm [28] http:/ / www. fhw. gr/ chronos/ 02/ crete/ en/ gallery/ diak70b. html [29] http:/ / www. dilos. com/ region/ crete/ ceramic. html [30] http:/ / www. fhw. gr/ chronos/ 02/ crete/ en/ gallery/ diak70a. html [31] http:/ / www. virtourist. com/ europe/ crete/ 10. htm [32] http:/ / webfea-lb. fea. aub. edu. lb/ arch121/ Aegean%20Art/ page2. htm [33] http:/ / nautarch. tamu. edu/ pottery/ Bronze%20Age/ Kamares%20pithos%20from%20Phaistos. jpg [34] http:/ / www. uoregon. edu/ ~arthist/ arthist_204/ monumentimages/ kamares_ware. gif [35] http:/ / www. fhw. gr/ chronos/ 02/ crete/ en/ gallery/ kamares2. html [36] http:/ / www. mlahanas. de/ Hellas/ LX/ KamaresStil. jpg [37] http:/ / www. ou. edu/ finearts/ art/ ahi4913/ aegeanhtml/ minoanpottery3. html
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Cerámica minoica [38] [39] [40] [41] [42] [43] [44] [45] [46] [47] [48] [49] [50] [51]
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Cerámica micénica •
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La Cerámica micénica es la producida por ceramistas micénicos y está clasificada por los arqueólogos en una serie de fases estilísticas, que pueden agruparse en cuatro grandes etapas, que se corresponden aproximadamente con las etapas culturales/históricas. • Heládico reciente I-IIA (c. 1675/1650-1490/1470 a. C.) • Heládico reciente IIB-IIIA1 (c. 1490/14701390/1370 a. C.) • Heládico reciente IIIA2-B (c. 1390/1370-1190 a. C.) • Heládico reciente IIIC (c. 1190-1050/1025 a. C.).
Características Al inicio del período heládico reciente o período Crátera micénica encontrada en la tumba 45 en Enkomi (Chipre), micénico se encontró cerámica de forma vascular en los Museo Británico. círculos de tumbas de Micenas que son imitaciones de la cerámica minoica de la época con nuevos motivos de elementos tomados de la naturaleza. Con esta base, se desarrolló el estilo palacial, de forma similar al hallado en Cnosos pero organizado más racionalmente. Hacia 1500-1450 a. C. se ampliaron las formas cerámicas hasta alcanzar 68 perfiles distintos, como las copas efíreas (parecidas a las copas de champán actuales), las cráteras con dos asas horizontales o la jarra de estribo, con asa doble y pico vertedor descentrado, decoradas con motivos florales o marinos junto a otros geométricos, que desembocará en el estilo de metopas.
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En el período final, surge el llamado estilo del granero, caracterizado por sus pinturas de círculos horizontales y el estilo tupido, de tipo lineal, con temas minoicos muy estilizados. A partir del siglo XIII a. C., hay gran actividad exportadora de la cerámica por el Mediterráneo y el Próximo Oriente, llegando algunas piezas hasta lugares tan alejados como la Península Ibérica. Asociado a la construcción de los palacios micénicos a principios del siglo XII a. C., en el estilo pictórico, se ha encontrado el llamado Vaso de los guerreros, donde se representa una fila de guerreros, despedidos por una joven que alza los brazos.
Otras cronologías
Jarrón micénico exportado a Ugarit, siglos XIV al XIII a. C., Museo del Louvre
La llamada cerámica submicénica se considera actualmente como la etapa final de la Heládica reciente III C y es seguida por la cerámica protogeométrica (1050/25-900 a. C.).[1] Hasta ahora no se ha encontrado evidencia arqueológica de una invasión de los dorios entre 1200 y 900 a. C., por lo que ningún estilo de cerámica puede estar asociada a ellos. Dendrocronológicamente y a través del C14 se evidencia que el inicio del periodo protogeométrico debería ser revisado al menos al 1070 a. C. si no antes.[2]
Véase también • Período heládico • Civilización cicládica • Cerámica griega
Bibliografía • A. Furumark, Mycenaean Pottery I: Analysis and Classification (Stockholm 1941, 1972) • P. A. Mountjoy, Mycenaean Decorated Pottery: A Guide to Identification (Göteborg 1986)
Enlaces externos • Mycenaean Pictorial Art and Pottery [3] http://projectsx.dartmouth.edu • Late Bronze Age Greek Pottery [4] http://www.historyforkids.org
Referencias [1] [2] [3] [4]
Oliver Dickinson, 'The Aegean from Bronze Age to Iron Age',London 2006, 14-15 http:/ / dendro. cornell. edu/ articles/ newton2005. pdf http:/ / projectsx. dartmouth. edu/ history/ bronze_age/ lessons/ les/ 24. html http:/ / www. historyforkids. org/ learn/ greeks/ art/ pottery/ latebronze. htm
Cerámica ática
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Cerámica ática La cerámica ática designa la producción de cerámica en esta región, con centro en Antigua Atenas. Con cerca de 20.000 piezas áticas de figuras negras, que constituye el más largo y al mismo tiempo la colección de cer´ñmcias más significativa, seguido únicamente de la céramica ática de figuras rojas.[1] Los alfareros áticos se beneficiaron de la excelente arcilla rica en hierro del Ática. La gran calidad de las figuras negras tienen un uniforme, brillante, recubrimiento negro como la brea y el intenso color de terracota de la arcilla fue meticulosamente suavizada. La piel de las mpujeres siempre se pintaba con color blanco opaco, el cual fue usado frecuentemente para detalles individuales en representaciones de caballos, vestidos y ornamentos. Los más destacados artistas áticos elevaron la pintura de vasos a la categoría de arte gráfico, pero un gran número pero un gran número eran de calidad media y producidos para el mercado de consumo masivo. La extraordianria significancia de la cerámcioa ática se debe a su repertorio casi interminable de escenas que cubren una amplia gama de temas. Estas proporcionan ricos testimonios sobre todo en lo que respecta a la mitología, pero también en lo referente a la vida cotidiana. Por una parte,prácticamente no hay imágenes que se refieren a los acontecimientos contemporáneos. Tales referencias son evidentes sólo ocasionalmente en forma de anotaciones, por ejemplo cuando las inscripciones kalos se incluían en un vaso. Las piezas fueron producidas para el mercado interno, por una parte, y eran importantes para las celebraciones o para los actos rituales. Por otro lado, también fueron un importante producto de exportación vendido en toda el área mediterránea. Por esta razón la mayor parte de los vasos provienen de las necrópolis etruscas.[2]
Aquiles arrastrando el cuerpo de Héctor. Lecito ático de fondo blanco, h. 490 a. C. Provinencia: Achille traînant le corps d'Hector. Lécythe attique à fond blanc, v. 490 av. J.-C. Proveniencia: Etruria.
Cerámica ática de figuras negras Primer periodo (633-570 a. C.) En la década del 630 a. C. aparecieron los primeros pintores áticos que utilizaron las figuras negras para el conjunto de los vasos cerámicos. Atenas importó de Corinto la técnica de la figuras negras y los frisos de animales, dominantes en aquella polis. También de influencia corintia fueron lasnuevas formas de los vasos (copa, crátera) y los frisos narrativos. A finales de este periodo (635-570), la representación del friso de naimlaes tocó a su fin.
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El Pintor de Neso Este pintor recibe su nombre de una de sus obras, la que representa a las Gorgonas en medio de un combate entre Héracles y Neso. Ilustró bastante bien el pasaje mitológico con la técnica de figuras negras (como son hermano mayor el Pintor de Berlín). Utilizó un diseño para el dibujo de los contornos (rostro de mujeres, dientes de león, etc.) y tambiéndesarrolló las líneas incisas (dobles o triples). Empleó poco el color blanco, a veces para la piel de los personajes, en cambio usó mucho el rojo para las superficies anchas. Sabía cómo casar las mejores características de la tradición ateniense con nuevas técnicas y temas pictóricos de Corinto. El ánforade cuello, Pintor de Neso, vaso epónimo, es el mejor ejemplo de su producción.
Heracles combatiendo con Neso, ánfora ática de figuras negras, c. 620-610 a. C., Museo Arqueológico Nacional de Atenas (Inv. 1002)
Detall del combate.
Pintor de la Gorgona Lo primeros años del siglo VI a. C. supusieron una revolución para el barrio de alfareros de Atenas, que conoció una gran difusión de sus cerámicas. El Pintor de la Gorgona (600- circa 580 a. C.) fue el sucesor más prolífico del Pintor de Neso. Pintó poco sobre temas mitológicos y humanos, prefería los animales. Sus ejecuciones gozan de un estilo minucioso (son característicos los leones: hocico cuadrado, mechones rayados, etc.). Las figuras humanas que pintó eran bastante rígidas; es Dinos del Pintor de la Gorgona. por ello que uno de sus vasos, el epónimo, es en el que se puede apreciar la primera escena completamente figurativa: se trata de un combate de las Gorgonas persiguiendo a Perseo. El pintor de la Gorgona estaba todavía sometido a la influencia de los rasgos pictóricos de Corinto.
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Sófilos Sófilos fue el último de esta generación y también el primero en firmar sus obras (tres vasos pintados, uno como alfarero). Se interesó más por las escenas mitológicas que sus precedesoresIl s'intéresse plus aux scènes mythologiques que ses prédécesseurs, sin embargo sus vasos se asemejan a los del Pintor de la Gorgona. Su estilo ambicioso es todo menos preciso.
Luterión de Sófilos.
Su firma.
De 575 a 550 a. C. Durante este periodo la representación de escenas miológicas y humanas deviene la preocupación de los mejores pintores (los frisos de animales fueron relegados a un segundo plano). Los pintores de copas que reemplazaban las figuras de animales por figuras antropomórficas marcaronlaetapa entre el Pintor de la Gorgona y Sófilos, y la obra capital de este perido es el Vaso François (575-550 a. C.)
El Vaso François, Clitias.
Copa con asas de Siana.
Copas de Siana Se beneficiaron de una gran difusión en el mundo panhelénico. Los principales pintores fueron: el Pintor C (por su marcado acento corintio) y el Pintor de Heidelberg, cuyo grado de maestría era superior al del Pintor C.
Clitias Se puede encontrar algun semejanza entre la obra de Clitias y la de las mejores piezas del Pintor de C, pero su estilo es bastante más minucioso. Poseía una gran dominio de los colores y de los detalles. Los efectos, en conjunto, estaban muy bien ejecutados y transmitían emociones. La utilización del color blanco y del dibujo del contorno le
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convertía en el heredero de los pintores de la Gorogona y de Sófilos. Trabajó principalmente con el alfarero Ergótimos. Es también con él con quien comparte firma en el Vaso François, enun aforma cerámica nueva: la crátera con volutas. Esta pieza es la obra capital de esta época; los frisos animalísticos habían prácticamente desaparecido y fueron reemplazados por escenas mitológicas de una gran variedad.
Detalle de la técnica pictórica de Clitias en el Vaso François.
De mediados a finales del siglo VI a. C. Tres artistas, cuya carrrera se extendió de 565 a 525 a. C., hasta los inicios de las figuras rojas, representan el apogeo de las figuras negras atenienses, a nivel técnico y estético. Estos ceramógrafos fueron Lidos, Amasis y Exequias.
Lidos Subsiten dos vasos firmados ho Lydos («el lidio»), que a pese a sus orígenes es altamente probable que naciera en Atenas. Su obra forma parte de vasto grupo de vasos, homogéneo a nivel estilístico, del que es difícil extraer su obra personal; se supone que estos vasos fueron la producción de un taller cuyas convenciones estilísticas fueron definidas por el lidio. La producción es de su estilo es muy desigual, pero su duración fue bastante larga.
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Vaso de Lidos
Pintor de Amasis El pintor de Amasis fue delicado tanto en el trazo como en el espíritu, lo que contasta con Lidos («el obrero»), y también con la dignidad de Exequias. Su estilo fue en parteon de las figuras negras áticas, aunque se pueden apreciar afinidades con las pinturas del asl copas de Siana. Según Hiedelberg, sobre todo. Realizó cerámcias com oalfarfero y firmó coho vasos. Como pintor de figuras megras Amasis fue original tanto en sus obras de alfarería como es su paleta de colores; tal vez debido a sus orígenes orientales: Amasis es un nombre egipcio.
Dionisos y las ménades, de Amasis, bnf 222.
Reencuentro de Menelao y Helena. Cara B de un ánfora ática, h. 550 a. C. Proveniencia: Vulci.
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Exequias Grupo E El grupo E (...) fue un grupo importante y coherente, muy estrechamente ligado a la obra del pintor de Exequias, aunque anterior (...) la mayor parte de los vasos que se le atribuyen (...). Las obras del Grupo E fueron en su origen resultado del trabajo de este pintor (...). Beazley. Los pintores del Grupo E seguidores de Exequias más que de Lidos o del pintor de Amasis, en la segunda mitad del siglo VI a. C., marcaron una ruptura con la tradición de los años 550 a. C., en las formas empladas, (dominio del ánfora de panza, surgimiento del tipo A y el desinterés por los pequeños formatos). También se caracterizaron por su estilo, aunque no tuviera la monumentalidad del de Exequias. La importancia de Exequias en la historia de la cerámica griega se debio a su talento como pintor y ceramista. Puede presumirse que constiye el auge del ánfora de tipo A. Fue también probablemente el inventor de la crátera de cáliz; la primera de la que se tiene constancia es obra suya. Su activiad como pintor fue limitada, y corresponde al tercer cuarto del siglo VI a.C. No hizo ninguna concesion al nacimiento de las figuras rojas, pero los primeras pintores de esta técnica se basaron es su trabajo. Exequias aportó mucho al esmero de la ejecución de sus figuras rojas, que prueban su gran habilidad. Pero el carácter reseñable de su obra es la majestuosidad cuasi-monumental que supo dar a las figuras, debido a la elocuencia y la originalidad de sus composciones. Por ejemplo, fue el priemro en representar a Dionisos ocupando todo el espacio del tondo de un kílix. Sus héroes y sus caballos tienen una innegable dignidad. Fue, en fin, el primero en introducir la presencia divina en todos los dominios del pensamiento y de la actividad humana en el arte cerámico.
Dionisos en una embarcación navegando entre delfines. Kílix ático de figuras negras, h. 530 a. C. Proveniencia: Vulci.
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Los pequeños maestros Los pintores de Siana estaban en la cima de su arte, cuando sus figuras cubrían el mayor espacio posible, al contrario que sus sucesores. Dieron pruebe de espíritu minimalista: sus decoraciones se sitúan en estrechos frisos sobre vasos de nuevas formas muy elegantes.
Período de cohabitación con las figuras rojas En 530 a. C. fue invnetada la t´cnica de figuras rojas, seguramente por el pintor Andócides, quine pintaba figuras rojas y en ocasiones hacía cohabitar ambas técnicas en el mismo vaso, como otros pintores «bilingües» de este periodo (530-490), con influencias de diferetnes técnicas. y avoir des influence des différentes techniques entre elles. Sin embargo, a pesar de la invención de las figuras rojas, estos pintores pintaron sus cerámicas con figuras negras.
Vasos bilingües
Andócides, cara pintada en figuras negras de Atenea y Heracles.
Andócides, cara pintada en figuras rojas de Atenea y Heracles.
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Cerámica ática de figuras rojas Es la cerámica de figuras rojas elaborada a partir de 530 a. C.. Su difusión a lo largo y ancho del Mediterráneo, se debió a la buena acogida que estos piezas de exelente acabado y calidad tuvieron entre las culturas de la periferia mediterránea, desde los escitas de las costas del Mar Negro, hasta la Península Ibérica, pasando por el impoortante mercado etrusco. No sólo sirvieron como objetos de prestigio a las distintás élites de de las aristocracias indígenas, sino que desde finales del siglo V a. C., pero sobre todo durante los primeros 50 o 60 años del siglo IV a. C., estas cerámicas fueron accesibles a una parte considerable de las poblaciones iberas urbanas del Levante, sureste y alta Andalucía.[3]
Vasos del Pintor de Pisticci.
Historia Es una técnica de producción de vasos cerámicos utilizada en la cerámica griega, etrusca y en la romana de los primeros siglos de la República. Esta nueva técnica surgió en Atenas en los años 530 a. C. y reemplazó gradualmente a la técnica de la cerámica ática de figuras negras. Desde Grecia, se propagó a la Magna Grecia, cuyo precursor fue el llamado Pintor de Pisticci.
Principio de la técnica Las imágenes de las escenas eran representadas en color rojo sobre fondo negro. Los detalles de los contornos de las imágenes o de parte de estas eran evidenciadas por líneas negras, lo que permitía a los pintores desarrollar los detalles de la perspectiva y de la anatomía humana. A fin de obtener este resultado, el vaso era recubierto de barniz de arcilla depurada en el que se pintaban los motivos decorativos. Después de la cocción el resultado erea un vaso de figuras rojas sobre fondo negro. Otra manera de proceder era mediante la aplicación de barniz rojo después de la cocción del vaso sobre el cual se aplicaría al pintura negra.
Véase también • • • •
Cerámica griega Grupo pionero Tipología de vasos griegos La cerámica etrusca del periodo helenístico que es importada y modificada, copia las cerámicas áticas para su propio uso y exportación.
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Bibliografía • John Boardman (trad. Anne Duprat), Les Vases athéniens à figures noires (Athenian Black Figure Vases), Thames & Hudson, coll. «L'Univers de l'art», París, 1996 (primera edición en 1974, revisado en 1991). ISBN 978-2-87811-103-6 • John D. Beazley, The Development of attic Black Figure(1951) -Attic black figure Vase Painters (1956) • G.M.A. Richter, Archaic Greek Art (1949) • Este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo Céramique attique à figures noires de la Wikipedia en francés, concretamente de attique à figures noires esta versión [4], bajo licencia Creative Commons Compartir Igual 3.0 y GFDL. • Este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo Céramique attique à figures rouges de la Wikipedia en francés, concretamente de attique à figures rouges esta versión [4], bajo licencia Creative Commons Compartir Igual 3.0 y GFDL. • Este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo Black-figure pottery#Attica de la Wikipedia en inglés, concretamente de pottery#Attica esta versión [5], bajo licencia Creative Commons Compartir Igual 3.0 y GFDL.
Referencias [1] John Boardman: Schwarzfigurige Vasen aus Athen, von Zabern, Mainz 1979, S. 7. [2] Heide Mommsen: Schwarzfigurige Vasenmalerei. En: Der Neue Pauly (DNP). Band 12, Metzler, Stuttgart 1996–2003, ISBN 978-3-476-01470-3, Sp. 274–281. [3] García Cano, José Miguel y Gil González, Francisco (2009). la cerámica ática de figurs rojas: talleres y comercio (siglo IV a. C.), pp. 140. ISBN 978-84-8371-908-4. [4] http:/ / fr. wikipedia. org/ wiki/ Céramique [5] http:/ / en. wikipedia. org/ wiki/ Black-figure
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Periodo protogeométrico
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Periodo protogeométrico El periodo protogeométrico o época protogeométrica se extiende aproximadamente de 1050 a 900 a. C. en la Antigua Grecia. Tras la caída de la cultura palacial micénica-minoica y la subsiguiente Edad Oscura emergió este estilo como la primera expresión de una civilización renacida. A raíz del desarrollo de un torno más rápido, los vasos de este período son considerable y técnicamente más logrados que los ejemplares de principios de la Edad Oscura. El estilo marca la transición entre las decoraciones lineales más simples de la Edad del Bronce y el empleo de semicírculos y círculos concéntricos dibujados con compás. Esta nueva cerámica, llamada «protogeométrica», en razón de la decoración, que se relaciona con la tradición micénica, revela, como se ha dicho, el uso de un torno rápido y la generalización del compás y del pincel con puntas múltiples para reproducir los motivos concéntricos. Ponen de manifiesto los distintos elementos que constituyen el recipiente (pie, panza, cuello, labio, asas). La decoración de estos vasos se limita a los elementos puramente abstractos y se caracteriza por amplias bandas horizontales en el cuello y en el vientre. El aspecto de las cerámicas queda más austero, con alguna formas de base: línea vertical u horizontal, círculo o semicírculo, triángulo, cuadrado y losange.
Ánfora protogeométrica con panza, provista de asas. C. 975–950 a. C.. Hecha en Atenas. Protogeométrico reciente. Colección del Museo Británico.
Algunas de las innovaciones incluyen algunas nuevas formas de influencia micénica, como las ánforas panzudas, las ánforas con cuello, las cráteras y los lecitos. Los artistas áticos rediseñaron estos vasos cerámicos para aumentar la altura y por lo tanto la superficie disponible para la decoración. Las ánforas panzudas tienen un eje horizontal reforzado por una ancha banda con un triglifo, el resto se pintaba de negro (Dipylon negro). El cuello y el pie adquirían volumen y tamaño. El arte protogeométrico se desarrolló en el Ática y en Eubea, después en Beocia, en Tesalia y en Esciros (1015-900 a. C.) Aunque las cerámicas preservadas son numerosas, se pueden destacar las encontradas en la necrópolis de Lefkandi, en Eubea, donde se halló una hidra protogeométrica que representa a dos arqueros enfrentados; y la crátera de cuatro asas con un escena de un cazador apuntando a unas aves que salió a la luz en el yacimiento arqueológico de Enkomi, en Chipre.
Periodo protogeométrico
Véase también • Periodo geométrico • Cerámica micénica • Cerámica griega
Referencias • Murray, R. L. The Protogeometric Style: the first Greek style (1975) • Eiteljorg, H., The fast wheel, the multiple brush compass and Athens as home of the Protogeometric style AJA 84 (1980) pp. 445-452
Enlaces externos • • • • •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Cerámica ática protogeométrica. Commons Greek Art & Archaeology [1], (en japonés e inglés) Introducció al Mundo Antiguo: Grecia [2], Universidad de Texas en Austin Cerámicas protogeométricas [3] (en francés) Cerámicas del [[Museo arqueológico del Cerámico [4]] de Atenas]
• Cerámica protogeométrica ática [5] • Este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo Protogeometric art de la Wikipedia en inglés, concretamente de art esta versión [6], bajo licencia Creative Commons Compartir Igual 3.0 y GFDL. • Este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo Période protogéométrique de la Wikipedia en francés, concretamente de protogéométrique esta versión [7], bajo licencia Creative Commons Compartir Igual 3.0 y GFDL.
Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6] [7]
http:/ / www2. ocn. ne. jp/ ~greekart/ vase/ h_proto_e. html http:/ / www. utexas. edu/ courses/ introtogreece/ lect10/ lect10imgs. html http:/ / colleges. ac-rouen. fr/ montville/ spip. php?article383 http:/ / www. unige. ch/ lettres/ archeo/ introduction_seminaire/ obscurs/ athenes3. html http:/ / laescueladeateanas. wordpress. com/ 2007/ 11/ 03/ ceramica/ http:/ / en. wikipedia. org/ wiki/ Protogeometric http:/ / fr. wikipedia. org/ wiki/ Période
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Periodo geométrico
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Periodo geométrico El periodo geométrico es una etapa arqueológica de Grecia acaecida entre el 900 a. C. y el 700 a. C. Toma su nombre del estilo decorativo de la cerámica entre la que predominan los vasos sin fondo usados en rituales funerarios. Igualmente son habituales los temas relacionados con la muerte.
Marco geográfico Puede decirse que el estilo geométrico se extendió por la mayor parte del mundo griego, aunque alcanza su mayor calidad en Atenas. Sin embargo se desarrollan escuelas regionales con importantes peculiaridades entre las que destacan la escuela de Tebas, Beocia, Corinto y Argos.
Cronología La base usada para la elaboración de una cronología del periodo geométrico es la evolución de la cerámica, ya que es el elemento del que más piezas nos han llegado. Se puede dividir en tres periodos: • Geométrico antiguo (900 a. C.-800 a. C.) • Geométrico medio (800 a. C.-760 a. C.) • Geométrico tardío (760 a. C.-700 a. C.)
Geométrico antiguo El cambio más importante con respecto al periodo protogeométrico aparece en la decoración: se abandona la línea curva en favor de trazos rectilíneos. Comienza la representación figurada de animales y personas al tiempo que la decoración gana terreno en el recipiente (horror vacui). Se conserva el fondo barnizado de negro.
Píxide geométrica con tapa en forma de caballo.
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Geométrico medio Aparecen dos innovaciones tipológicas: por un lado representaciones de caballos como pomos en las tapaderas de las píxides. Son caballos de formas geométricas muy esquemáticos. Por otro lado aparece la forma cántaro, que no está documentada anteriormente. Por lo demás, apenas hay cambios en los elementos decorativos.
Geométrico tardío Se fabrican recipientes de gran tamaño, en ocasiones de más de metro y medio. En ésta etapa predomina el fondo de color claro, en contraposición con las épocas anteriores. La decoración se presenta en forma continua o bien en forma de metopas separadas por triglifos. Aparece el primer artista individualizado en cerámica griega: el Pintor del Dipilón, a cuyo taller se le deben 20 vasos funerarios aparecidos en la necrópolis del Dipilón en Atenas. Su estilo se caracteriza por el uso del friso continuo en la decoración de los vasos, entre los que Detalle del ánfora 804 del Pintor del Dipilón que muestra a un destaca el ánfora 804 del Museo Arqueológico Nacional difunto en su lecho fúnebre rodeado de plañideras. de Atenas. También se ha distiguido al pintor de Hirschfeld, más avanzado técnicamente que el Pintor del Dipilón, y cuyas obras más conocidas son la crátera 990 del Museo Arqueológico Nacional de Atenas y la crátera del Museo Metropolitano de Nueva York.
Escultura Durante la edad oscura desapareció casi totalmente la escultura, excepto algunas figurillas modeladas en terracota entre las que destacan el centauro de Lefkandi. A partir del siglo VIII a. C. aparecen pequeñas esculturas geométricas de bronce con trazas geométricas. Se trata de figuras de animales, generalmente caballos, o humanas procedentes de santuarios en los que fueron depositadas como exvotos. Estas figuras comparten con la decoración cerámica en que el cuerpo de las figuras se reduce a lo imprescindible, marcándose exageradamente las articulaciones y los músculos. Muchas de las figuras representan guerreros ataviados con cascos y armas, cuya morfología podría indicar que se trata de dioses o héroes. Uno de los grupos más interesantes representa la lucha entre un centauro y un héroe, quizás Heracles y Neso, procedente de Olimpia y fechado a mediados del siglo VIII a. C. También destacan varias figurillas de marfil como la Dama del Dipilón.
Arquitectura Después de la Edad Oscura, en esta época, en Creta y algunas islas cicládicas, se han encontrado diminutos santuarios que recuerdan el antiguo megaron, rematado su vestíbulo con antas y entre ellas, podían existir columnas que anticipan el templo clásico in antis, como en el santuario de Apolo en Dreros (c. 750 a. C.). La vivienda tendrá forma cuadrada o más ancha y la técnica de construcción, contaba en algunos casos con zócalos de piedra de hasta 1 m y utilizaban principalmente el adobe y postes de madera. En el continente, sigue imperando la forma de megaron, aunque se conocía también desde el Heládico Medio la construcción de casas con ábside, aunque con técnica muy pobre. Sólo a finales del siglo VII a. C. se empezará a utilizar la piedra como zócalo de los muros. El tejado, con ramajes a dos aguas.
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La evolución del megaron micénico a una construcción más alargada y que llegará a desembocar en prototipos de templos arcaicos, tiene su ejemplo en los primeros santuarios como el de Termo (Etolia), donde desde el siglo IX a. C. se superponen diferentes modelos, desde absidal hasta presentar cella y opistodomos rodeado por columnata, precedente de la perístasis, en el siglo VIII a. C. Otros edificios similares, encontrados de este período se encontraron en Lefkandi y Eretria (ambos en Eubea). También de la época se han encontrado restos de los Templos de Hera en Samos, Argos y Olimpia.
Bibliografía • Storch de Gracia, Jacobo. El Arte Griego (I): La Edad Oscura y el período geométrico (Historia 16). Madrid. 1989. M.32.415) Predecesor: 'Periodo Geométrico' Protogeométrico
Sucesor: Período orientalizante Estilo protocorintio Cerámica de figuras negras
Período orientalizante Se conoce como periodo orientalizante a la etapa que vivieron las distintas regiones de Grecia desde finales del siglo VIII a. C. y durante el siglo VII a. C. El nombre de dicho período proviene de la influencia que pueblos más orientales —como Fenicia y Asiria en su etapa final—, que muestran los nuevos materiales (tejidos, marfiles), manufacturas y técnicas artísticas griegas durante este periodo. En ocasiones se considera a este periodo como una etapa de transición a la Época Arcaica.
Inicios del periodo orientalizante A finales del siglo VIII a. C., el aumento demográfico griego les llevó a iniciar un proceso de colonización por el mar Mediterráneo. Ésta expansión colonial les llevó a tomar contacto con otros pueblos mediterráneos y a intensificar su actividad colonial, muy deteriorada tras la Edad Oscura. Estos contactos introducen en Grecia nuevos materiales y técnicas artesanales que permitirán desarrollar la cerámica, la escultura y la arquitectura. Creta será una de las primeras áreas en acusar el influjo oriental a través de tejidos, marfiles, etc. La muestra más famosa de esta influencia será una serie de escudos votivos encontrados en el santuario de Zeus en la cueva del Ida por sus escenas de clara inspiración asiria.
Arquitectura del periodo orientalizante La arquitectura griega de esta época comienza a mostrar lo que será el patrón arquitectónico clásico. Los templos inician la planta rectangular, desapareciendo el ábside típico de etapas anteriores y comenzando el esquema típico con pronao, cella y opistodomos. Entre los ejemplos más conocidos de este periodo destacan el Templo de Apolo en Termo (mediados del siglo VII a. C.), que sustituye al megaron de época anterior. Otro gran templo de finales del siglo VII es el Templo de Hera en Olimpia, o Hereo, así como el templo A de Prinias en Creta.
Período orientalizante
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Regionalización según la cerámica La forma de datación más utilizada para analizar el periodo orientalizante es, al igual que para las épocas anteriores, la cerámica. Sin embargo durante ésta época, en contraste con la relativa homogeneidad del periodo geométrico, la cerámica griega se va a diversificar según la región poniéndose a la cabeza de la producción la cerámica corintia, cuyo estilo se conocerá como estilo protocorintio. También tendrán un importante desarrollo las producciones áticas, las cuales se conocerán como de estilo protoático. De este estilo se desarrollarán la cerámica de figuras negras, primero, y la cerámica de figuras rojas después.
Véase también • Cerámica orientalizante • Cerámica de figuras negras • Estilo protocorintio
Enlaces externos •
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Período orientalizante
Sucesor: Cerámica de figuras negras
Corpus vasorum antiquorum El Corpus vasorum antiquorum(en latín, «corpus de vasos antiguos»), abreviado como CVA, es un proyecto de investigación de la recherche de la Unión académica internacional, cuyo propósito es publicar los vasos del mundo griego y de los que sufrieron su influencia, como la cerámica etrusca, chipriota, italiota, ibera o tracia. El proyecto fue lanzado en 1919 bajo la égida de la Union académica internacional, nacida el mismo año. Se debió a al iniciativa del Edmond Pottier, por aquel entonces conservador en jefe del departamento de Antigüedades grecorromanas y orientales del Museo del Louvre. El primer fascículo, publicado en 1922 por Pottier, incluye además las colecciones de este museo. Su pretensión es publicar «todos los vasos antiguos de arcilla, comprendidos los de cerámica esmaltada y los de cerámcia en relieve, vasos tanto decorados como no, que representen la civilización europea y la del Oriente Próximo mediterráneos. De este conjunto se excluyen los vasos de pieda, de metal y de vidrio (…) así como los vasos de Extremo Oriente que constituyen una categoría aparte.
Fragmento de pitos de estilo palacial (Minoico Reciente I) proveniente de Cnosos, Museo del Louvre, primer vaso publicado en el CVA.
El proyecto, que reunió inicialmente a seis países -Bélgica, Francia, Dinamarca, Gran Bretaña, Italia y los Países Bajos– cuenta en 2010 con veintiseis. Se han inventariado más de 100.000 vasos expuestos en colecciones públicas. Las reglas, fijadas en 1919, preveían que la fotografía fuese el modo de reproducción exclusivo de los vasos, en lugar del dibujo o el calco. Cada vaso debía tener al menos una vista de conjunto. La publicación se hace por museo o colección, cada fascículo in-quarto , llevando a la vez el
Corpus vasorum antiquorum nombre de la institución y el del país: el primero publicado por le CVA efue el fascículo 1 del Museo del Louvre y el fascículo de la serie Francia. Las lenguas de publicación son el inglés, el francés, el italiano y el alemán. En cada país el proyecto es confiado a una sociedad científica que asume la publicación de las colecciones de su territorio a su costa. Así, la serie Francia está bajo la responsabilidad de la Academia de las inscripciones y lenguas antiguas, que hace inventario de las colecciones del Museo del Louvre, del Cabinet des médailles de la Biblioteca Nacional de Francia y de los museos provinciales como el Museo Vivenel de Compiègne, el Museo Dobrée de Nantes y el Museo Nacional de Ensérune. En Gran Bretaña, es administrado por la Academia Británica, bajo la dirección de Sir John Boardman. Los fascículos publicados cubren mayoritariamente las colecciones del Museo Británico, el Museo Ashmolean de Oxford, el Museo Fitzwilliam de Cambridge, la Colección Burrell del Hunterian Museum and Art Gallery de Glasgow, de Castle Ashby, de Winchester College, de la universidad de Reading, del Marischal Museum de la universidad de Aberdeen o de Harrow School. En Italia, está confiado a la Unione accademica nazionale, que hasta 2009 ha publicado 74 volúmenes en 2009, encargándose sobre todo del Museo Nacional Etrusco, los Museos Capitolinos, el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, el Museo Arqueológico Nacional de Chiusi o el Museo Arqueológico Nacional de Tarquinia.
Bibliografía • Donna Kurtz, «A corpus of ancient vases: hommage à Edmond Pottier», Revue archéologique, n°2 (2004), pp. 259-286. ISSN 0035-0737
Enlaces externos • pággina web del Corpus vasorum antiquorum [1], albegada en la Beazley Archive • Este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo Corpus vasorum antiquorum de la Wikipedia en francés, concretamente de vasorum antiquorum esta versión [2], bajo licencia Creative Commons Compartir Igual 3.0 y GFDL.
Referencias [1] http:/ / www. beazley. ox. ac. uk/ CVA/ Projectpages/ CVA1. htm [2] http:/ / fr. wikipedia. org/ wiki/ Corpus
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Grupo pionero
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Grupo pionero El Grupo Pionero fue un número de pintores de vasos de figuras rojas que trabajaban en el Cerámico o en el barrio de los ceramistas al principio del siglo V a. C. Caracterizados por John Boardman como quizás el primer movimiento artístico de la tradición occidental, el grupo comprendía a los pintores Eufronios, Eutímides, Esmicros, Hisias, el "Pintor de Dicaios" y Fincias. Podemos dar crédito a John Beazley como el primero en identificar a estos artistas como un grupo coherente, aunque no hay restos de evidencias documentales sobre ellos; todo lo que sabemos sobre ellos consiste en su propio trabajo. Crátera de Eufronios.
Los artistas del grupo pionero no fueron los innovadores de la técnica de figuras rojas, sino los adaptadores de la práctica desarrollada por pintores bilingües como Andócides y Psiax. Apareciendo unos 10 años después de los primeros trabajos de Eufronios, sus obras empezaron a ser producidas alrededor del 520 a. C. Su trabajo denota, a menudo, una alegre competencia entre los integrantes del grupo. Su producción se caracteriza por la simplificación de los vestidos, el uso audaz de la anatomía, el uso experimental del escorzo y una preferencia temática por las representacioness de simposios.
Referencias • R.T. Neer: Styles and Politics in Athenian Vase Painting, the Craft of Democracy circa 530 to 470 BCE, CUP 2002 • John Boardman: Athenian Red Figure Vases, The Archaic Period - handbook, Thames and Hudson 1975
Tipología de vasos griegos
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Tipología de vasos griegos Tipología de vasos griegos clasifica las diferentes formas, tipos y variantes de cerámica de la antigua Grecia. No se diferencia entre cerámica fina y gruesa, y tampoco se abordan productos de cerámica como la terracota (plástica, cerámica de construcción, o figuras de tanagra). Los investigadores diferencian las cerámicas antiguas en la forma del recipiente y en el adorno. Normalmente los cambios de adorno suelen ir acompañados de cambios en la forma. Hay diferentes clases de tipología que se solapan. Una posibilidad para su clasificación es por ejemplo la división en ánforas, jarras, hidrias, calderas, calderos, vasijas para beber así como vasijas para aceites y ungüentos.[1] Otra posibilidad es la clasificación según su uso en recipientes para provisiones, mixtos, riego, culto, beber, ungüento y demás.[2] Una división adicional seria formas abiertas y cerradas. En primer lugar se muestran las formas principales de la cerámica griega. Para mostrarse a continuación diferentes categorías de tipos y variantes de amplia variedad o de las que existe una tipología especial. Se ha intentado mostrar una gama representativa de los periodos geométrico y orientalizante con las diferentes formas y estilos. En especial para el arte ático de los periodos de arte clásico y arcaico, del periodo de la cerámica de figuras negras y del período de las figuras rojas existe una tipología claramente diferenciada, que se aborda en el artículo.
Ceramicas de diferentes formas y estilos como complementos en una tumba infantil en el Museo Nacional Arqueológico de Atenas.
Diferentes formas y tipos de cerámicas griegas.
Diferentes formas y tipos de cerámica corintia en el museo de Corinto.
Tipología de vasos griegos
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Formas Forma
Aplicación
Notas
Alabastrón (Αλάβαστρον)
Recipiente cerrado de perfume y ungüento.
Usado por las mujeres, la versión masculina era el aríbalo.
Amis
Urinario.
Ánfora (Αμφορεύς)
Recipiente para provisiones y transporte.
Anforisco
Recipiente cerrado de aceite y Ánfora pequeña para guardar perfumes. ungüento.
Aríbalo (Αρύβαλλος)
Recipiente cerrado para aceite y ungüento.
Askos (Ασκός)
Recipiente cerrado para aceite También empleado como decoración. y ungüento.
Astrágalo
Piedra para jugar.
Pelota Balsamarion
Recipiente cerrado para aceite y ungüento.
Batanion
Recipiente abierto para cocer.
Vaso
Sencillo recipiente para beber. Raramente a base de arcilla
Regadera
Recipiente cerrado para decantar.
Chytra
Recipiente abierto para cocer.
Dinos
Recipiente mixto abierto.
Dolium
Recipiente abierto de almacenaje.
También llamado patanion. Conocidos de Athenaios, una atribución exacta no está clara.
En los períodos arcaicos y clásicos ya no se usaba.
Con forma de crátera. En la antigüedad el término designaba un recipiente para beber que ya no se puede identificar en la actualidad. El término dinos es, de hecho, incorrecto.
Ejemplo
Tipología de vasos griegos
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Epiquisis (Επίχυσις)
Recipiente cerrado para aceite y ungüentos o provisiones
Epinetron
Rodillera
Eschara
Recipiente abierto para cocer.
Exaleiptron
Recipiente cerrado para aceite En ocasiones se ha denominado kothon; a veces identificado con el y ungüentos. plemochoe.
Plato con peces
Abierto.
Flakon
Recipiente cerrado para aceite y ungüentos.
Botella
Recipiente cerrado para provisiones y transporte.
Almacenaje de cereales.
Recipiente cerrado para provisiones y transporte.
Taza para decantar.
Recipiente para decantar abierto.
Guttos
Recipiente cerrado para aceite También empleado como decoración. y ungüentos.
Hidria
Recipiente cerrado para el transporte.
Ídolo
Obra de arte figurativa libre de uso religioso.
Kados (Κάδος)
Recipiente cerrado para el transporte.
Kakkabe
Recipiente abierto para cocer.
Solo hay prueba escrita de su existencia.
Kalathos (Κάλαθος)
Recipiente abierto para provisiones.
Imitando cestos trenzados; para almacenaje de la lana. Las formas pequeñas también se usaron como recipientes para beber.
Kalyx
Recipiente abierto para beber.
En forma de cáliz; es muy escaso.
Herramienta para el procesado de la lana
Forma característica del plato.
Tipología de vasos griegos
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Kantharos (Κάνθαρος) Recipiente abierto para beber.
Kernos (Κέρνος)
Recipiente abierto de culto.
Raramente a base de arcilla.
Asiento para niños.
Silla para niños y orinal.
Kiste
Recipiente para provisiones.
Clepsidra
Cronógrafo.
Klibanos
Recipiente abierto para cocinar.
Sólo hay prueba escrita de su existencia.
Kothon (Κώθων)
Recipiente abierto para beber.
su clasificación no está clara. A veces se llama así a un recipiente similar a un exaleiptron o un plemochoe sober un trípode.
Crátera (Κρατήρ)
Recipiente abierto mixto.
Kyathos
Cucharón, recipiente para jarrear.
Lagynos (Λάγυνος)
Recipiente cerrado para decantar.
Lakaina
Recipiente abierto para beber.
Lebes (Λέβης), véase dinos Lebes Gamikos (Λέβης γαμικός)
Recipiente abierto de culto.
Lekane (Λεκάνη)
Cuenco abierto.
Lekanis
Cuenco abierto.
Para el agua en las bodas y el lavado de los muertos.
Tipología de vasos griegos
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Lecito (Λήκυθος)
Recipiente cerrado para aceite y ungüentos.
Lopas
Recipiente abierto para cocer.
Luterion
Cuenco abierto.
Lutróforo (Λουτροφόρος)
Recipiente cerrado de culto.
Lydion (Λύδιον)
Recipiente cerrado para aceite y ungüentos.
Mastoide
Recipiente abierto para beber.
Recipiente plástico, de forma similar a un pecho femenino.
Mastos
Recipiente abierto para beber.
Recipiente plástico, de forma similar a un pecho femenino.
Medallón
Obra de arte plana de forma libre.
Nestoris (Νεστορίς)
Recipiente cerrado para el culto.
Enócoe (Οινοχόη)
Recipiente cerrado para decantar.
Olla
Recipiente cerrado para provisiones.
Olpe
Recipiente cerrado para decantar.
Onos
Pie, soporte.
Hallado en la Baja Italia, también se denomina trozella.
A veces empleado de forma incorrecta como denominación para el epinetron.
Tipología de vasos griegos
Oon (Ωόν)
58 Recipiente en forma de huevo.
Patera
Recipiente para el culto abierto.
Pelike (Πελίκη)
Recipiente cerrado para el almacenaje.
Perirrhanterion
Depósito abierto.
Phiale (Φιάλη)
Recipiente abierto para el culto.
Phormiskos (Φορμίσκος)
Recipiente cerrado para el culto.
Sonajero.
Pinax
Tabla votiva.
También llamada pinakion (Πινάκιον)
Pithos (Πίθος)
Recipiente cerrado para el almacenaje.
Recipiente grande, similar a una ánfora.
Placa
Tabla votiva
Recipientes plásticos
Abiertos y cerrados para distintos propósitos.
Los recipientes plásticos se encuentran en diversas formas cerámicas, como los aryballoi, guttoi, kantharoi, lekythoi, mastoi, rhyton y cuernos para beber.
Plemochoe (Πλημοχόη)
Recipiente cerrado para ofrendas.
Su uso es discutido. A veces se identifica con el exaleiptron.
Granada
Cerrado.
Psykter (Ψυκτήρ)(Φιάλη)
Recipiente mixto cerrado.
Pixis (Πυξίς)
Recipiente cerrado.
Ratte
Recipiente cerrado.
Casi siempre de piedra.
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Rhyton
Recipiente cerrado para beber. Recipiente con forma plástica.
Rechipiente para mamar.
Recipiente cerrado para decantar.
Cuenco
Recipiente abierto para beber.
Fuente / cuenco grande Recipiente abierto para almacenamiento. Colador
Colador
Situla
Recipiente abierto para el transporte.
Recipiente en forma de cubo.
Skyphos (Σκύφος)
Recipiente abierto para beber.
También llamado kotyle (Κοτύλη).
Bobina
Stamnos (Στάμνος)
La forma recuerda a una bobina o un yo-yo. El uso es desconocido; posiblemente es la parte superior de un huso. Recipiente abierto mixto.
Soporte/pie
Pie para diversas formas, empleado y necesario sobre todo para el dinos.
Stelon
Recipiente abierto para cocinar.
Solo existen testimonios escritos.
Jarrón de Strainer
Forma cerrada.
Taza
Recipiente abierto para beber.
Teganon (Τεγανον)
Recipiente abierto para cocinar.
Plato
Recipiente abierto para la comida.
Thymiaterion
Recipiente abierto.
Quemador de incienso.
Lámpara de cerámica
Lámpara
En parte se fabricaban como los jarrones sobre el torno alfarero.
Tubo de cerámica
Tubo
Los tubos de cerámica se emplaban para las canalizaciones; a veces también como urnas funerarias.
Embudo
Ayuda para cambiar líquidos de recipiente.
También llamado tegenon y peganon; sólo hay testimonios escritos.
180px
Tipología de vasos griegos
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Trípode
Empleado a menudo como pie o soporte.
Trozella véase nestoris Unguentarium
Recipiente cerrado.
Urna
Recipiente de culto cerrado.
Pesa de telar
Pesa de telar.
Dado
Empleado en juegos.
Recipiente funerario par los restos mortales de personas.
Se empleaban como los dados modernos.
Tipos y variantes Alabastrones Tipo
Variante
Comentario
Alabastrón heládico tardío
Alabastrón corintio
Alabastron ático
Pintado a menudo en estilo de fondo blanco.
Esquema
Ejemplo
Tipología de vasos griegos
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Ánforas Tipo
Variante
Comentario
Ánfora de vientre
Ánfora de vientre de tipo A Ánfora de vientre de tipo B Ánfora de vientre de tipo C Ánfora en forma de cabeza de caballo
Se define principalmente, pero no exclusivamente, por el dibujo.
Pelike
gilt auch als eigenständige Vasenform
Ánfora de cuello
Ánfora de asas en el vientre
Ánfora de asas en el cuello
Ánfora de asas en el hombro Ánfora panatenaica (forma temprana)
Ejemplo
Tipología de vasos griegos
Ánfora panatenaica (forma tardía)
Ánfora de Nola
Ánfora de Nikosthenes
Ánfora tirrénica
Ánfora de asa en forma de soga
Ánfora de pico
Ánfora de Italia inferior
Ánfora de cuello helenística
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Tipología de vasos griegos
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Ánfora de transporte Lutróforo
También se puede considerar como una forma de jarrón.
Anforisco
También se puede considerar como una forma de jarrón.
Pithos
También se puede considerar como una forma de jarrón.
Aríbalos Tipo
Variante
Comentario
Aríbalos esférico
Aríbalos en pico
Aríbalos plástico Aríbalos en forma de figurilla
Existen innumerables variantes, desde partes del cuerpo, como piernas o pies, hasta animales.
ejemplo
Tipología de vasos griegos
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Aríbalos en forma de cabeza
Askos Tipo
Variante
Comentario
Ejemplo
Askos sencillo
Askos múltiple
Los askos múltiples tienen habitualmente de dos a cuatro picos
Askos plástico
Los askós plásticos existen con diversas formas, habitualmente como animales.
Exaleiptron Tipo Forma normal
En forma de trípode
Con asas
Variante
Comentario
Ejemplo
Tipología de vasos griegos
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Hidrias Tipo
Variante
Comentario
Ejemplo
Hidria Hidrias de hombro
Kalpis
Las transiciones, sobre todo en el cuello, son más acuados que en el kalpis. Las hidrias de hombro se emplearon sobre todo como soporte de pintura para la cerámica de figuras negras.
Las transiciones, sobre todo en el cuello, son más suaves que en la hidria normal. Las kalpis se emplearon sobre todo como soporte de pintura para la cerámica de figuras rojas.
Calderos, cráteras, vasijas mixtas Tipo
Variante
Comentario
Heládico reciente, crátera con forma inspirada en una ánfora.
Crátera geométrica.
Se empleó para un enterramiento.
Crátera de asas en forma de estribo, geométrico reciente.
Crátera de columnas (corintia)
también crátera de asas en forma de barras
Crátera de columnas (ática)
Crátera de Calcis
también crátera de asas en forma de estribo
Ejemplo
Tipología de vasos griegos
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Crátera de campana
Crátera de cáliz
Crátera de volutas (ática)
Crátera de volutas (suritálica) Crátera skyphos
Crateriscos Dinos (Lebes) Dinos en forma de cuenco
Pie de dinos
Lecitos
Tipología de vasos griegos
Typ Aribalístico
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Variante
Bemerkung
Siglo V a. C.
Siglo IV a. C.
Deyanira
Lecitos en forma de bellota
Lecitos con cabeza de pipa Lecitos de hombro
También llamado lecitos secundario.
Lecitos cilídrico.
También llamado lecitos estándar.
Beispiel
Tipología de vasos griegos
68 De figuras negras
De figuras rojas
De fondo blanco
Lecitos sin pie.
Lecitos de Beocia
Tipología de vasos griegos
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Jarras Typ
Variante
Epichysis
Lagynos
Platschkanne Enócoe Enócoe minoico
Enócoe geométrico ático
Enócoe geométrico tardío ático
Enócoe geométrico reciente ático
Bemerkung
Beispiel
Tipología de vasos griegos
Enócoe orientalizante
Enócoe corintio
Enócoe corintio tardío
Tipo ático 1
Tipo ático 2
Tipo ático 3: jous (Χους)
Jarrita de choen Tipo ático 4
Tipo ático 5a
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Tipología de vasos griegos
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Tipo ático 5b
Tipo ático 6 Tipo ático 7
Tipo ático 8a
Tipo ático 8b Tipo ático 8c Tipo ático 9
Tipo ático 10 Enócoe en forma de cabeza
Enócoe en forma de figura
Olpe
De este tipo sólo se conoce hasta el momento un único jarrón pintado con figuras.
Tipología de vasos griegos
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Olpe ático
Olpe corintio
Pinakes Tipo
Variante
Comentario
Ejemplo
Pinax funerario Serie de pinax funerarios
Por el momento sólo se conocen dos series del pintor de cerámica Exekias.
Pinax votivo grande
Pinax votivo pequeño
Pixis Tipo Pixis con caballo
Variante
Comentario
Ejemplo
Tipología de vasos griegos
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Pixis de asas
Pixis esférico
Pixis corintio
Pixis ático Tipo A
Tipo B Tipo C Tipo D
Pyxis de Nikosthenes Pixis de tres pies Pixis doble
Desarrollado en el taller de Nikosthenes.
Tipología de vasos griegos
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Copas Tipo
Variante
Comentario
Copa de pie alto micénica
Copa de Rodas heládica tardía
Copa de pie alto protoática
Copa con pájaros de la Grecia oriental Copa con pájaros de Beocia con pie
Copa con pájaros de Beocia
Copa de Beocia
Copa corintia
Copa laconia
Copa de Vroulia
Copa geométrica ática
Copas áticas (kílix) (Κύλιξ) Copa comaste
Primer tipo de copa desarrollado en el Ática.
Doppeldecker - copa de Siana
La diferencia con la variante Knickfries está en el dibujo.
Ejemplo
Tipología de vasos griegos
75 Knickfries - copa de Siana
La diferencia con la variante Doppeldecker está en el dibujo.
Copa de Gordión
Copa de los «maestros menores» o antecesor de este tipo de copa.
Copa de Droop
Copa de los «maestros menores» o antecesor de este tipo de copa.
Copa de Kassel
Copa de los «maestros menores» o antecesor de este tipo de copa.
Copa de borde
Copa de los «maestros menores».
Copa de banda
Copa de los «maestros menores».
Copa calcidicante Copa de asa con botón
Kílix de tipo A: Augenschale
Kílix de tipo B
Kílix de tipo C
Copa sin pie Copa-skyphos
Skyphoi
Forma mixta entre skyphos y copa
Tipología de vasos griegos
Tipo
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Variante
Comentario
Skyphos heládico tardío
Skyphos geométrico
Skyphos corintio siglo VIII a.d.C.
siglo VII a.d.C.
siglo V a.d.C.
Skyphos ático Skyphos protoático
Cátera skyphos
Schalenskyphos
Tipo estándar A
Tipo estándar B Skyphos de tipo Heron Skyphos de tipo Saint Valentin
Mischform aus Skyphos und Schale
Ejemplo
Tipología de vasos griegos
77 Skyphos de Hermógenes
Desarrollado en el taller del alfarero Hermógenes.
Skyphos de banda
Mezcla de skyphos y copa de banda.
Skyphos de Cabiros
Skyphos de Italia inferior
Recipientes plásticos / figurativos Tipo
Variante
Comentario
Aribalístico figurativo
Askos plástico
Vaso en forma de cabeza Guttos figurativo
Kantharos en forma de cabeza
Lecito en forma de bellota
Mastos
Askos plásticos los hubo de diversas formas, en su mayoría en froma de animal.
Ejemplo
Tipología de vasos griegos
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Enócoe plástico Enócoe en forma de cabeza
Enócoe figurativo
Rhyton
Thymiaterion plástico
Abierto
Quemador de incienso.
Cuerno para beber
Véase también • Cerámica griega
Bibliografía • Gisela M. A. Richter, Marjorie J. Milne, Shapes and Names of Athenian Vases, Metropolitan Museum of art, New York, 1935. • Wolfgang Schiering: Die griechischen Tongefässe. Gestalt, Bestimmung und Formenwandel, Mann, 2. Auflage, Berlin 1983 (Gebr.-Mann-Studio-Reihe) ISBN 3-7861-1325-4
Tipología de vasos griegos
Enlaces externos •
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En alemán • Vasenformen auf der Webseite der Universität Gießen [3] En francés • Les vases grecs: formes, dénominations et fonctions [4] En inglés • • • •
Beazley Archive [5] Comprehensive List of Vase Shapes [6] Forms from the webseite of the Beazly archive [7] Erweiterte Liste von Vasenformen beim Beazley-Archive [8]
Referencias [1] Ingeborg Scheibler: Gefäße/Gefäßformen- Typen, in: Der Neue Pauly Bd. 4 (1998), Sp. 853-858 [2] Andrea Gorys: Wörterbuch der Archäologie, dtv, Munich 1997, Pág. 509 [3] http:/ / www. uni-giessen. de/ ~g81007/ HomeNE06. htm [4] [5] [6] [7] [8]
http:/ / www. ephodia. eu/ ceramiquegrecoitaliq/ http:/ / www. beazley. ox. ac. uk/ BeazleyAdmin/ Script2/ PotProfiles5. htm http:/ / www2. ocn. ne. jp/ ~greekart/ vase/ s_menu_e. html http:/ / www. beazley. ox. ac. uk/ pottery/ shapes/ default. htm http:/ / www. beazley. ox. ac. uk/ xdb/ ASP/ testSearch. asp?searchBy=Shape& txtValue=*
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Alabastrón
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Alabastrón Un alabastrón (griego antiguo αλάβαστρον;[1] plural: alabastra o alabastrones) es un tipo de cerámica usado en la antigüedad para contener aceite, especialmente aceites perfumados o para masajes.
Características La mayoría de los alabastrones tienen un cuerpo estrecho con extremo redondeado, un cuello estrecho y una amplia y abierta boca. A menudo carecen de asas, pero algunos tipos tienen unas protuberancias en forma de oreja en las que se practicaban unos agujeros. A través de estos se introducían cordeles para su transporte. Su cuerpo es estrecho y alargado, similar a la forma del ánfora, y parecido a otros dos tipos de vasijas de esa época: lecito y aríbalo. Su cuello es alargado y estrecho para dejar escapar sólo una reducida cantidad de líquido, gota a gota. En la embocadura del alabastrón, el labio es ancho y plano para permitir la aplicación del aceite sobre la piel. Su fabricación generalmente era en terracota (cerámica), aunque se han descubierto ejemplares de pasta de vidrio o de alabastro en las costas del Mar Mediterráneo. Como los vasos de esta época, las decoraciones eran muy ricas y finamente pintadas.
Alabastrón en pasta de vidrio.
En Egipto Su origen se remonta alrededor del siglo XI a. C., en el Antiguo Egipto, como recipientes de alabastro —de ahí el nombre— pero se difundió a través de la Antigua Grecia a otras partes del mundo clásico. La mayoría de los tipos de alabastrones tuvieron un cuerpo estrecho con una base redondeada, un cuello estrecho y largo. Normalmente, no tenían asas, pero ciertos tipos estaban dotados con una oreja en forma de patas o de agujeros que permitía la introducción de un cordel para facilitar su manipulación. El diseño del primer alabastrón egipcio se inspiró en las palmeras, con una forma en columnas. Más tarde se fabricó en vidrio decorado, con diversos motivos decorativos, tales como las vieiras, las guirnaldas, motivos abstractos o anillos en zigzag.
Alabastrón
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En Grecia Alrededor del siglo VII a. C., el alabastrón se difundió en Grecia y llegó a ser un elemento importante de la cerámica griega. Existieron tres tipos distintos de alabastrón: • * Uno corintio de forma bulbosa, de un tamaño de 8 a 10 cm, un diseño popular en toda Grecia. • Una versión larga y puntiaguda comúnmente en la cerámica de la Grecia oriental, Etruria, y la italo-corintia.
Alabastrón antiguo de figuras negras y de fondo blanco, hacia 540 a. C..
Uno ático, de unos 10 a 20 cm, con una base redondeada y salientes en formas de orejas para asirlos. La decoración, finamente ejecutada, representaba a menudo escenas típicas de la época. Al cabo de unos cien años de su extensión por Grecia, los artesanos produjeron alabastrones de plata con decoración muy elaborada, largos y estrechos, de un tamaño de 12 a 16 cm. Generalmente, la decoración introducida dividía el cuerpo en cuatro zonas horizontales mediante franjas ornamentales.
En otros lugares Los alabastrones también se fabricaron en otros lugares del mundo antiguo, como en Asiria, Siria y Canaán, presumiblemente inspirados en los exportados de Grecia o de Egipto.
Véase también • • • •
Otros vasos para aceites perfumados: lecito y aríbalo Tipología de vasos griegos Pintura griega Cerámica griega
Alabastrón
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Referencias [1] (en inglés) Alabastron, Henry George Liddell, Robert Scott, A Greek-English Lexicon, en Perseus (http:/ / www. perseus. tufts. edu/ cgi-bin/ ptext?doc=Perseus:text:1999. 04. 0057:entry=#3817)
• "Alabastron." Encyclopædia Britannica. 2006
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Alabastrón. Commons
Ánfora Una ánfora es un recipiente cerámico de gran tamaño con dos asas y un largo cuello estrecho. Aparecen por primera vez en las costas del Líbano y Siria, durante el siglo XV a. C. y se extienden por todo el mundo antiguo. Fue utilizada por los antiguos griegos y romanos como el principal medio de transporte y almacenamiento de la uva, vino, aceitunas, aceite de oliva, cereales, pescado, y otros productos básicos. El volumen medio contenido en un ánfora se aproximaba a los 25-30 litros (un pié cúbico).[1] Es importante, pues el peso de lo contenido en un ánfora rellena de agua, daba lugar al talento, como la medida de peso y también como unidad monetaria. En Grecia, el volumen se correspondía con unos 26 litros,[2] en Roma, con 32,3 kg o litros de agua; en el Antiguo Egipto para llenar el ánfora media se necesitaban 27 kg o litros de agua,[2] y en Babilonia 30,3 kg o litros de agua.[3]
Anforas del castillo de Bodrum, Turquía.
Fueron elaboradas a gran escala en los tiempos de la Antigua Grecia y utilizadas en todo el Mediterráneo hasta el siglo VII, cuando fueron suplantadas por recipientes de madera y piel. Los primeros tipos griegos presentaban un perfil curvo continuo. Los ejemplares más modernos y los romanos presentan claramente diferenciada la parte alta (cuello y boca) del resto del cuerpo. Las ánforas panatenaicas se entregaban llenas de aceite a los atletas vencedores en las fiestas Panatenaicas. Casi todas ellas son de figuras negras, incluso en los siglos V y IV a. C.
Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Ánfora. Commons • Bulletin amphorologique [4] • Pasado y presente de la epigrafía anfórica griega en Cataluña [5]
Ánfora
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Anfora ebusitana, España.
Referencias [1] Talent (Biblical Hebrew), unit of measure (http:/ / www. unitconversion. org/ weight/ talent-biblical-hebrew-conversion. html), unitconversion.org. [2] John William Humphrey, John Peter Oleson, Andrew Neil Sherwood, Greek and Roman technology, p.487. [3] Herodotus, Robin Waterfield and Carolyn Dewald, The histories (1998), p. 593. [4] http:/ / www. amphoreus. org/ index. php?lang=en [5] http:/ / ceipac. ub. edu/ biblio/ Data/ A/ 0507. pdf
Aríbalo
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Aríbalo El aríbalo (griego ἀρυβάλλος, aryballos ) es un vaso griego de base ancha y cuello estrecho, por lo que se ha comparado con una bolsa cerrada. Figura entre los utensilios de baño por haber servido para conservar el aceite perfumado destinado al cuidado del cuerpo. La raíz de esta palabra es αρυω que significa "extraer". Los aríbalos son muy frecuentemente utilizados como depósitos de aceite para los atletas. En las colecciones de vasos de barro pintados abunda el aríbalo. Es siempre un frasco pequeño de pocos centímetros (unos 6 a 10). Los más bonitos son los de estilo corintio (del siglo VI a. C.) en forma de ampolla, esto es, esférico sin pie, achatado o de pera (en este caso suele llamarse bombilios) y con reborde ancho y redondo en la boca, cuello muy corto y asa ligera. Están decorados con figuras de animales o de guerreros.
Aríbalo ático de figuras rojas (ca. 480-470 a. C.
El Museo Arqueológico Nacional de España alberga algunos ejemplares procedentes de Grecia. En Ampurias, se han econtrado ejemplares en sepulturas que se pueden contemplar en el Museo de Gerona.
Contexto histórico La aparición del aríbalo parece situarse dos siglos después de la del enócoe, del que toma la forma, es decir, en el estilo periodo protocorintio alrededor del 700 a. C. Los primeros ejemplares conocidos tienen forma esférica y su decoración ocre y beige, a menudo bastante simplista en relación con otras cerámicas, permite atribuirlos a la ciudad de Corinto. Este género de cerámica se propagó enseguida y perduró hasta el período helenístico. Su estilo evolucionó y ganó así una base llana, una forma más esbelta y a veces una segunda asa. La pintura del aríbalo pasó también de la época arcaica a la helenística de las figuras negras a las rojas.
Formas En al literatura el aríbalo es a menudo confundido con vasos como el lecito o el alabastrón. De tamaño a menudo comprendido entre 6 y 20 cm, el aríbalo tiene forma de bolsa con una base ancha. Como todos los recipientes de aceite tiene un cuello bastante largo que terminz con labios anchos y ensanchados. Una fina asa vertical está fijada entre los labios y la panza. Se puede pensar razonablemente que dichos vasos podían estar atados por una cuerda a la cintura de su propietario.
Utilización Los usos de estos vasos son conocidos por un texto de Pollux[1] y por diversas pinturas encontradas en otros vasos contemporáneos. Su uso principal era el transporte de aceites, quizá perfumados, por los atletas para untarse la piel. Podía servir de recipeinte de aceite destinado a las ceremonias o a algunos ritos funerarios, aunque parece que en este caso se impuso el lecito.
Bibliografía • Le Dictionnaire des Antiquités Grecques et Romaines de Daremberg et Saglio, (entrada :"Aryballos"), Hachette, Paris, 1877
Aríbalo
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Enlaces externos • Imagen de aríbalos en el Museo del perfume de Barcelona [2]
Referencias [1] Pollux, Escena de los caballeros de Aristófanes, VII,166;X,63. [2] http:/ / www. museudelperfum. com/ ficha. php?lang=es& pieza=0040A
Askos Askos (del antiguo griego - tubo; plural - askoi) es el nombre dado en terminología moderna a un tipo de vasija de cerámica de la Grecia Antigua. El askos se utilizaba para servir pequeñas cantidades de líquido, como por ejemplo aceite. Se reconoce fácilmente por su forma plana y por disponer de un pitorro en uno o sus dos lados que puede utilizarse como asa. Por lo general, se los decoraba artísticamente como si fueran jarrones y se utilizaban generalmente para almacenar aceite y rellenar con él las lámparas. Un askos en el Louvre
Referencias • Descripción del askos (inglés) [1]
Referencias [1] http:/ / www. beazley. ox. ac. uk/ pottery/ shapes/ askos. htm
Copa de Aisón
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Copa de Aisón La Copa de Aisón es un kílix, (copa de cerámica para beber vino, con un cuerpo relativamente poco profundo y ancho levantado sobre un pie y con dos asas dispuestas simétricamente), elaborado en la Antigua Grecia data del año 520 - 420 a. C y fue pintada por el artista ateniense Aisón, lo cual otorga a la pieza la categoría de obra maestra dentro de la cerámica griega.
Origen de la pieza La cerámica fue elaborada en Ática (en griego: Αττική, At-tiké), una región y una prefectura de Grecia formada por cuatro nomos (prefectura): Atenas (que contiene Atenas, la capital del país), El Pireo, Ática Oriental y Ática Occidental.
Imagen de la Copa de Aisón del Museo Arqueológico Nacional.
Simbología La cerámica esta totalmente decorada con las pinturas de Aisón, que representan las hazañas del héroe ateniense Teseo y sus enfrentamientos con diversos oponentes como por ejemplo Sinis (Σίνις) un gigante de fuerza extraodinaria, hijo de Poseidón, Procusto, bandido y posadero del Ática (o según otras versiones de las afueras de Eleusis). Se le consideraba también hijo de Poseidón, contra el Minotauro y además contra Cerción, hijo de Hefesto (aunque otras versiones dicen que era hijo de Poseidón y de una hija de Anfictión o de Branco y de la ninfa Argíope). Aunque natural de Arcadia, se convirtió en rey de Eleusis (en el Ática), además de ser un célebre forajido.
Teseo captura al Toro de Maratón, (Detalle de la Copa de Aisón).
Características • Estilo: Griego. • Técnica: Cocción mixta al horno. • Material: Arcilla. • • • •
Altura: 14,2 centímetros. Diámetro: 36,4 centímetros. Diámetro máximo: 45,7 centímetros. Diámetro del medallón: 21 centímetros.
Conservación La pieza pertenece a la colección del Museo Arqueológico Nacional de España, en Madrid, con el número de inventario 11265.
Copa de Aisón
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Véase también • • • • • •
Centauro Teseo Cerámica griega Ática Antigua Grecia Sinis
Fuentes • Página de la Copa de Aisón en el Museo Arqueológico Nacional [1]
Enlaces externos •
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Teseo lucha con Cerción. (Detalle de la parte inferior de la Copa de Aisón).
El medallón del kílix muestra la victoria de Teseo sobre el Minotauro en presencia de Atenea.
Referencias [1] http:/ / www. mcu. es/ museos/ reddigital/ busquedas/ motorbusquedas/ mainServlet
Dinos
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Dinos Dinos, de la palabra griega δινος, giro o torno, de donde se obtiene vaso globular. El plural es dinoi. Vasija griega, de forma muy característica, con la boca amplia, sin asas y con el fondo convexo, similar a los modernos quinqués. Un caldero o receptáculo con forma de globo se encuentra sobre un soporte vertical más o menos adornado. De moda durante la Época Arcaica, más tarde cayó en desuso debido a que la mayor parte de su superficie no era apta para la decoración figurada. Sin embargo, su peculiar apariencia le hizo sobrevivir al menos hasta finales del siglo IV a. C.. Su mejor momento fueron los siglos VII y VI a. C. También es llamado lebes, y una variedad, consistente en un dinos con un pie alto y asas verticales, es llamado lebes nupcial por su utilización exclusivamente ritual en las ceremonias de matrimonio.
Dinos del Museo del Louvre.
Enlaces •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Dinos. Commons
Referencias • Fatás, Guillermo (2006). Diccionario de términos de Arte y elementos de Arqueología, Heráldica y Numismática, Madrid: Alianza Editorial. ISBN 84-206-3657-6.
Epiquisis
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Epiquisis Epiquisis era un vaso destinado a escanciar el vino o trasegar un líquido de una vasija grande a otro recipiente, como se deduce de su nombre (epichysis) que en griego significa libación, derivado de cneo (verter) y epi (sobre). Pero este nombre es tan vago que se puede aplicar a varias especies de vasos de los distintos que figuraba como utensilios propios para sacar un líquido cualquiera de un vaso mayor, entre ellos el aristico y el ciato. Distintos autotes hablan de epiquisis de bronce y de otros que servían para echar el aceite en las lámparas, pero las referencias más explícitas son las de Varrón, quien dice que al introducirse en Roma las modas griegas, el epiquisis reemplazó al guttus y el ciato al simpulum de los romanos. Y como éste era sumamente parecido al ciato griego, es de suponer que el epiquisis fuera el equivalente al guttus de los latinos.
Bibliografía • Ussing, De nominibus vasor, graecor. (1844) • Krause, Angeiologie
Epiquisis.
El contenido de este artículo incorpora material del tomo 20 de la Enciclopedia Universal Ilustrada Europeo-Americana (Espasa), con copyright anterior a 1930, el cual se encuentra en el dominio público.
Epinetron El epinetron era un recipiente de cerámica de la antigua Grecia. El epinetron era utilizado por las mujeres áticas mientras tejían para evitar que la grasa de la lana manchara sus prendas. Los epinetrones más ornamentales eran situados en las tumbas de las doncellas solteras o dedicados en los templos, sobre todo de la diosa Atenea. A menudo, se trataba de un regalo de boda y llevaba una cabeza o busto de Afrodita en el frente. Se decoraba con escenas de mujeres tejiendo o incluso amazonas.
Referencias • Este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo Epinetron de la Wikipedia en inglés, bajo licencia Creative Commons Compartir Igual 3.0 y GFDL.
Base de un epinetron ateniense
Hidria
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Hidria Una hidria es un tipo de cerámica de la Antigua Grecia usada para transportar agua. Contaba con tres asas: una a cada lado del cuerpo del recipiente usadas para levantarlo y transportarlo, y una tercera, situada en el centro respecto a las otras dos, usada para verter el agua. Esta vasija puede hallarse tanto en el estilo de figuras rojas como de figuras negras. A menudo incluye escenas de la mitología griega, reflejando deberes morales y sociales. Para mediados del siglo V a. C., los artesanos griegos también creaban hidrias de bronce, algunas de la cuales eran minuciosamente decoradas con figuras muy detalladas.
Enlaces externos •
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• Hidria griega de las Muchachas en la fuente. Pieza del Mes. Octubre 2006. Museo Arqueológico Nacional (Madrid) [1]
Hidria de figuras rojas mostrando un sátiro y una mujer (Paestum, 360–350 a. C.).
Tipología de vasos griegos. La Hidria es el número 9.
Referencias [1] http:/ / man. mcu. es/ publicaciones/ pdf/ hidria_griega. pdf
Kantharus
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Kantharus Un kantharus (griego, κάνθαρος) es un tipo de cerámica griega utilizado para beber. Se caracteriza por sus dos asas altas y contorneadas que se extendían sobre el borde del vaso. Su pie suele ser alto. Su forma puede ser rastreada hasta el siglo VIII a. C.[1] En el Museo Nemzeti Magiar de Budapest, hay un kantharus de bronce de finales del siglo IV a. C. que fue encontrado en Szob, Pest. "Es muy similar a las vasijas encontradas cerca de Delfos y puede haber estado entre los restos del ataque al santuario por parte los celtas en el año 279 a. C."[2] El dios Dionisio tenía dicha copa y nunca estaba vacía.[3]
References • •
Kantharus rojo, Museo Arqueológico Nacional de Atenas..
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Kantharus. Commons Wikcionario tiene definiciones para kantharus.Wikcionario
[1] Descripción del kantharus (http:/ / www. beazley. ox. ac. uk/ pottery/ shapes/ kantharos. htm) [2] Barry Cunliffe, The Ancient Celts, (Penguin, 1999) pie de fig. 59, p. 86. [3] Sannion's Sanctuary - The Symbols of Dionysos (http:/ / www. winterscapes. com/ sannion/ dionysos_symbols. htm)
Clepsidra Los relojes de agua o clepsidras datan de la antigüedad egipcia y se usaban especialmente durante la noche, cuando los relojes de sol perdían su utilidad. Los primeros relojes de agua consistieron en una vasija cerámica que contenía agua hasta cierto nivel, con un orificio en la base de un tamaño adecuado para asegurar la salida del líquido a una velocidad determinada y, por lo tanto, en un tiempo prefijado. El recipiente disponía en su interior de varias marcas de tal manera que el nivel de agua indicaba los diferentes periodos, tanto diurnos como nocturnos. Los relojes de agua también se usaron en los tribunales Clepsidra egipcia, de la época de Ptolomeo II, hallada en el Iseo atenienses para señalar el tiempo asignado a los Campense (Roma). oradores. Cuentan que el filósofo Platón inventó un reloj de agua muy eficiente. Más tarde fueron introducidos en los tribunales de Roma, con el mismo fin, además se usaban en las campañas militares para señalar las guardias nocturnas. El reloj de agua egipcio, más o menos modificado, siguió siendo el instrumento
Clepsidra
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más eficiente para medir el tiempo durante muchos siglos.
Historia • En el año 1530 a. C. se construyó para el rey Amenhotep I en Egipto una vasija con características de reloj de agua. • En el Templo de Amón en Karnak se ha encontrado un reloj de agua datado en el siglo XIV a. C. • En siglo IV a. C. Platón realizó un despertador con la ayuda de un reloj de agua. • En la antigua Grecia y Roma se medía el tiempo de hablar mediante relojes de agua. • En el siglo III a. C. Ctesibios, un alumno de Arquímedes, desarrolló un reloj de agua con indicadores numéricos y manilla. • El chino Su Sung describe y construye en 1090 un reloj de agua con elementos mecánicos. • En el año 1982 se hace un reloj de agua de 13 m de altura (Batiendo el récord del Francés Bernard Gitton) ubicado en Berlín. • Su declive se debió al avance de los relojes mecánicos.
Reloj de agua o clepsidra.
Véase también • Reloj de arena • Reloj de sol • Reloj
Enlaces externos •
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Crátera
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Crátera Crátera, palabra que viene del griego κρατηρ. Era una gran vasija de gran capacidad destinada a contener una mezcla de agua y vino, (los antiguos raras veces bebían el vino puro). Con esta mezcla se llenaban las copas de vino. Se llevaba al lugar de la comida y se depositaba en el suelo o sobre una tarima. El copero (llamado en latín pincerna o pocillator) administraba el líquido con una cuchara (llamada en latín cyathus) y llenaba las copas (pocula o calice) de los invitados.
Crátera en el Museo de Zaragoza. S. I a. C.
Tipos Las cráteras se fabricaban en barro y en metales preciosos y se modelaban con formas distintas según el gusto del artista. Tenía siempre una boca muy ancha. Las formas más extendidas y que se han encontrado en las excavaciones son: Crátera de columnas, con asas verticales como fustes, que están rematadas por un saliente horizontal. Ésta es la forma más antigua. Crátera de volutas. Se llama así porque sus asas, que sobresalen por encima de la boca, forman volutas, es decir forma de espiral o caracol. Crátera de cáliz, cuyo perfil tiene forma casi de trapecio invertido. Ésta es una moda más moderna que las dos anteriores. Crátera de campana, con asas salientes y dirigidas hacia arriba y con forma de campana invertida. Es un tipo de uso tardío. La crátera de la imagen es de tipo campana. Está hecha en arcilla y es del siglo IV a. C. Fue hallada en la necrópolis de Villaricos (Almería), en la tumba 48-I y sirvió para depositar los restos de una incineración. Está decorada con figuras de sátiros (divinidad campestre y lasciva) y ménades (sacerdotisas de Baco) en la cara A, y tres jóvenes con himation (manto) en la cara B. Se halla expuesta en el Museo Arqueológico Nacional de España.
Véase también • Crátera de la locura de Heracles, hallada en Paestum, Magna Grecia. El contenido de este artículo incorpora material de una entrada de la Enciclopedia Libre Universal en español bajo la licencia Creative Commons Compartir-Igual 3.0.
Enlaces externos •
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Referencias [1] http:/ / enciclopedia. us. es/ index. php/ Cr%25E1tera
[1]
, publicada
Kyathos
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Kyathos Kyathos-Kyathoi (cerámica griega). Es el nombre dado en la moderna terminología a un tipo de vaso griego pintado. Es un pequeño tazón que se caracteriza por tener un asa alta, alargada y vertical. Algunos afirman que su paralelo moderno es el cucharón.
Enlaces externos •
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Un ejemplo de kyathos.
Kílix Un kílix (plural kílix o kílices; a veces transcrito por error como kylix) es una copa para beber vino, con un cuerpo relativamente poco profundo y ancho levantado sobre un pie y con dos asas dispuestas simétricamente. El círculo de interior casi plano sobre la base de interior de la copa, llamado tondo, fue la superficie principal para la decoración pintada en los kílix de figuras negras o figuras rojas del siglo VI y V a. C. Como Kílix de Euergides (c. 500 a. C.) del Museo las representaciones estaban cubiertas de vino, las escenas sólo se Británico, Londres. revelaban por etapas cuando el vino se apuraba. Fueron a menudo diseñados con esto en mente, con escenas creadas con el propósito de que sorprendieran al bebedor al quedar al descubierto. Como el principal uso del kílix era en los simposios, a menudo se decoraban con escenas divertidas, románticas, o de naturaleza sexual, que se hacían visibles cuando el asistente se bebia la copa. Dioniso, el dios del vino, y sus sátiros eran temas corrientes. También se representaban escenas de amor heterosexual o pederástico, sexo u orgías. La forma del kílix permitía al bebedor beber mientras estaba recostado, como se hacía en los simposios. La palabra kílix procede del griego κύλιξ "copa". •
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Kílix
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Véase también • Cerámica griega • Kílix de Aisón
Lecito Un lecito o lécito (griego λήκυθος, lếkythos) es un vaso griego antiguo utilizado para almacenar aceite perfumado destinado al cuidado del cuerpo. Los lecitos son frecuentemente utilizados como vasos funerarios.
Forma Se caracteriza por una forma alargada, un cuello estrecho y una embocadura ancha, que permite a la vez limitar el flujo del aceite y facilitar su aplicación. La forma tradicional (del fin del siglo VI a. C. hasta el segundo cuarto del siglo V a. C.) es de tipo cilíndrico, con un pequeño pie, un hombro ancho desviado, un asa vertical y una embocadura ancha. La escena es pintada en la panza, el hombre está generalmente adornado con un motivo de palmetas. El vaso mide generalmente de 30 a 50 cm, pero existen algunos lecitos muy grandes (1 metro) al final del siglo V a. C. La función de estos es mal conocido: quizás fueran puramente decorativos, o constituían una solución alternativa menos costosa qeu una lecito grande de mármol, a la moda de la época en sustitución de las estelas funerarias.
Gran lecito funerario de mármol, h.400 a. C., H. 83 cm, Museo del Louvre
Otros tipos: • El «tipo Deyanira», de origen corintio, se caracteriza por su forma oval y su hombro redondo. De pequeño tamaño (20 cm), fue producido desde el principio de la época de las figuras negras hasta la mitad del siglo VI a. C. • el tipo secundario, conocido con el nombre de «lecito con hombro» (mitad del siglo V a. C.), es una variación del tipo cilíndrico: el diámetro es más ancho a nivel del hombro. La mayoría tienen el fondo blanco y miden alrededor de 20 cm. Fue uno de los soportes preferidos por el Pintor de Amasis. • el lecito aribalístico, de moda en el siglo V a. C., parece un lecito truncado: tiene la panza esférica y el fondo llano. Se trata principalmente de pequeños vasos de menos de 20 cm. • El tipo «bellota» (acorn lekythos) es de forma oval con un filete de puntos en relieve en la base de la panza, que recuerda a una bellota. Este tipo, bastante raro, fue producido al final del siglo V a. C.
Pegaso en un lecito de tipo aribalístico (480-460 a. C., Staatliche Antikensammlungen).
Lecito
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Decoración Los lecitos son decorados también con figuras rojas, las figuras negras con una técnica particular, la de fondo blanco. Este estilo aparece al final del siglo VI a. C., como variante del estilo de figuras negras: la panza es recubierta de un engobe blanco, las siluetas son pintadas en negro, los detalles eran incisos.
Heracles y el León de Nemea en un lecito de figuras negras (h. 540 a. C., Louvre)
Evolucionó al mismo tiempo que los progresos efectuados en las figuras rojas: el dibujo se hace a trazos, primero con pintura negro brillante, después mate, rojo o negro. Los colores secundarios hacen su aparición, principalmente para los cabellos o las pañerías marrón-púrpura, ocre. Otros colores más frágiles eran añadidos tras la cocción: verdes, azules y malvas. Desafortunadamente, pocos de estos pigmentos ha sobrevivido. Estos lecitos son un buen testimonio de lo que debió ser la pintura mural clásica.
Lécito ático de fondo blanco del Pintor de Aquiles (440 a. C., M.A.N., Madrid)
el más allá.
Al ser más frágil el fondo blanco, los vasos primero realizados bajo pedido. A partir de 470–460 a. C., el estilo se relega a los lecitos funerarios, depositados en la tumba: n son manejados más que una sóla vez y no son sometidos a la intemperie. Consecuencia de esta evolución, la iconografía evoluciona: portadores antes de escenas variadas, los vasos representan en adelante escenas funerarias. Son esnea de despedida o de deploración, pero también representaciones del difunto como era en vida, por ejemplo sentado delante de su tumba, como se espera de los visitantes. En algunos casos, el pintor ha incluso representado un lecito al aldo del difunto. algunas escenas son de inspiración mitilogía: así Caronte haciéndole atravesar la Estigia, Hermes psicopompo acompañando a l difunto o Hipnos y Tánatos llevándole ahacia
Lecito
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El Pintor de Aquiles (activo a mitad del siglo V a. C.) y el Pintor de Tánatos (probablemente su alumno) son los pintores más productivos en materia de lecitos funerarios: lo que representa la mitad de la obra del primero y la totalidad de la del segundo. El Pintor de Tanatos debe su nombre al gran lecito (48 cm) de la figura 2:[1] a la izquierda, Tanatos (la Muerte), barbudo, sostiene los pies del difunto, mientras que su hermano Hipnos (el Sueño), lampiño, le sujeta por los hombros. Se trata de un tema clásico, habitualmente reservado a los héroes muertos. Aquí, un casco corintio es puesto sobre la tumba, dejando así supner que el muerto es un soldado- en todo caso un simple mortal. Si los colores han cambiado a na especie de marrón, es probable que la policromía original haya sido limitada.
Véase también • Alabastrón • Aríbalo • Lutróforo. • Lécito de Hipnos y Tánatos, (Museo Británico).
Fig. 2 — Lécito de Hipnos y Tánatos, lecito con fondo blanco del Pintor de Tánatos, v. 440 a. C., Museo Británico.
Bibliografía • (en inglés) Maxwell G. Kanowski, Containers of Classical Greece, University of Queensland Press, Saint Lucia, 1984 ; • E. Pottier, Étude sur les lécythes blancs attiques à représentation funéraire, Bibliothèque des Écoles françaises d'Athènes et de Rome, n° 30, Ernest Thorin, Paris, 1883 ; • (en inglés) Donna Carol Kurtz, Athenian White Lekythoi, Oxford University Press, Oxford, 1976 ; • (en inglés) Gisela M. A. Richter, Marjorie J. Milne, Shapes and Names of Athenian Vases, Metropolitan Museum of art, New York, 1935.
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Lecito.Commons
Referencias [1] Cf. B. Holtzmann et A. Pasquier, Histoire de l'art antique : l'Art grec, Documentation française, coll. « Manuels de l'École du Louvre », Paris, 1998, p. 190–191.
Lutróforo
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Lutróforo Un lutróforos es un tipo distintivo de vaso de cerámica griega caracterizado por un cuello alargado con dos asas. El lutróforos fue usado para llevar agua durante los rituales del matrimonio o funerarios, y era colocado en las tumbas de las mujeres solteras. lLos lutroóforos mismos son un motivo de las lápidas, bien como un relieve (por ejemplo, el lecito en la estela de Panecio) o bien como vaso de piedra. Hay muchos en el zona fuenraria del Cerámico de Atenas, alguno de los cuales se guardan en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas.
Enlaces externos • (en inglés) Image of the Relief-Loutrophoros of Panaetius [1].
Lutróforo protoático del Pintor de Analatos, c. 680 a. C., museo del Louvre (CA 1960)
Referencias [1] http:/ / www. davidgill. co. uk/ attica/ nm884. htm
Enócoe
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Enócoe En Grecia Antigua, un enócoe (idioma griego οἰνοχόη, oinokhóê, del griego antiguo οἶνος, oĩnos, el «vino» y del griego antiguo χέω, khéô, «verter») es una jarra de vino que sirve para sacar el vino de una crátera — donde ha sido aguado— antes de servirlo. Este tipo de vaso se caracteriza por una única asa y un tamaño de 20 a 40 cm. Se distinguen varios tipos según la forma de la embocadura y de la panza. El más común (tipo 1) posee un pico trilobulado. El tipo 8 recuerda a las jarras de cerveza modernas, con un cuerpo cilíndrico y una embocadura con labio. El apogeo del enócoe se sitúa en el periodo geométrico. Se hace más raro durante las figuras negras. Es, sin embargo, en los enócoes de figuras rojas arcaicos en los que se funda esta clasificación, elaborada por John Beazley. El otro tipo de vaso para verter es el olpe.
Bibliografía • Maxwell G. Kanowski, Containers of Classical Greece, University of Queensland Press, Saint Lucia, 1984 (inglés); • Gisela M. A. Richter, Marjorie J. Milne, Shapes and Names of Athenian Vases, Metropolitan Museum of art, New York, 1935 (inglés).
Enócoe de pico trilobulado del estilo de las cabras salvajes, h. 625‑600 a. C., museo del Louvre
Véase también • Cerámica griega
Enlaces externos •
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Olpe
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Olpe Dentro de la cerámica griega, se llama olpe (en plural, olpai) a un jarro con asa alta. El olpe tiene una función similar al enócoe pero se distingue de éste por tener mayor altura que anchura. También por el perfil liso de su borde frente al trilobulado del énocoe y por contar con un asa alta que a menudo se eleva de forma característica por encima del borde. Se encuentran numerosos ejemplos de olpes en cerámica negra.
Referencias • Descripción del olpe [1]
Olpe, 600-590 a.C., Museo del Ágora de Atenas
Referencias [1] http:/ / www. beazley. ox. ac. uk/ pottery/ shapes/ oinochoe. htm
Pelike
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Pelike Una pelike es un recipiente de cerámica griega similar al ánfora. Tiene dos asas abiertas, verticales, en los lados que llegan incluso hasta la panza, un cuello estrecho, una boca con reborde, y una hundida, casi esférica panza. A diferencia de la parte inferior de muchas ánforas, la parte inferior del pelike es siempre con reborde, así que se mantiene en pie por sí misma. Las pelikes son a menudo pintadas con una escena relacionada con gente. La forma apareció primero en Atenas sobre el 1000 a. C. y continuó hasta más o menos el 620 a. C.
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Pelike. Commons • Pelike de figuras rojas por el Pintor de Darío [1] (en inglés) • Pelike con contexto aulódico [2] (en inglés) • Pelike de figuras rojas atribuida al Pintor de Marsias inglés)
[3]
(en
• Formas de la cerámica griega [4] (en inglés)
Referencias [1] [2] [3] [4]
http:/ / www. getty. edu/ art/ collections/ objects/ o14976. html http:/ / www. sikyon. com/ Athens/ Archaic/ amphra_eg33. html http:/ / www. thebritishmuseum. ac. uk/ compass/ ixbin/ goto?id=OBJ3222 http:/ / www. cvaonline. org/ cva/ projectpages/ PotProfiles6. htm
Pelike de figuras rojas hallada en Sinope. Siglos V–IV a. C. Museo de Civilizaciones Anatolias, Ankara.
Fiale
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Fiale Phiale (griego antiguo φιάλη, phiálê) es el nombre dado por la moderna terminología a un tipo de antigua cerámica griega o vaso metálico. Tenía forma de cuenco —redondo, ancho y poco profundo— sin asas ni pie, no como el kílix. Principalmente se usaba para libaciones.
Véase también • Cerámica griega
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Fiale. Commons Apolo Citaredo ofreciendo una libación, c. 460 a. C. (Museo Arqueológico de Delfos).
Pinax Dentro de la cultura de la Antigua Grecia y Magna Grecia, un pinax (πίναξ) (plural: pinakes - πίνακες) o «tabla» es una tablilla votiva de madera pintada,[1] terracota, mármol o bronce, que se utilizaba como objeto votivo, depositado en un santuario, o como artículo conmemorativo, fijándolo dentro de una cámara mortuoria. En la vida cotidiana, pinax también podía indicar una tablilla para escribir cubierta en cera. En un contexto cristiano, los iconos («imágenes») pintados son pinakes. En el teatro de la Antigua Grecia, eran imágenes coloridas, ya sea talladas en piedra o madera, o incluso fabricadas con tela, que se colgaban como fondo en las escenas. Los pinakes de mármol se esculpían individualmente, mientras que los de terracota se realizaban en moldes, y los de bronce podían crearse en forma repetitiva a partir de un modelo al que se le tomaba un molde de cera y resina, siguiendo la técnica denominada moldeo a la cera perdida. En Locri se han recuperado miles de pinakes cuidadosamente sepultados que, en su mayoría, pertenecieron a los santuarios de Perséfone o al de Afrodita.
Pinax de Perséfone y Hades de Locri (Museo Nazionale di Reggio di Calabria).
El arquitecto Vitruvio romano menciona la presencia de pinakes en las cellas de los templos, e incluso como posesión de las personas. Estas colecciones se denominaban una pinakothek,[2] que actualmente es el término alemán moderno para designar a un museo de arte, como por ejemplo el Alte Pinakothek de Múnich.
Pinax Calímaco, poeta y curador de la Biblioteca de Alejandría, confeccionó una especie de índice o «mapa pictórico» del contenido de la biblioteca, al que llamó Pinakes.[3] Las pinakes son un rasgo característico de las colecciones clásicas pertenecientes a los museos más extensos.
Véase también • Exvoto
Referencias Bibliografía • Ulrich Hausmann, 1960. Griechischen Weihereliefs (Berlin)
Enlaces externos • "Pinakes: ancient votive tablets" [4] • Marilyn B. Skinner, "Nossis and Women’s Cult at Locri" [5] • (Cleveland Museum of Art) "Pinakes" [6] Dedicatoria de pinakes de terracota del santuario de Perséfone en Locri Epizefiria.
Referencias [1] Tras ser recuperados por los arqueólogos, los pinakes de madera pintada solían perder prácticamente todo rastro de las imágenes pintadas. Los pinakes de terracota también estaban pintados con colores brillantes. [2] Compárese con bibliothek (biblioteca), que sirve para designar a colecciones en varios idiomas europeos modernos. [3] Christian Jacob, From Alexandria to Alexandria: Scholarly Interfaces of a Universal Library, 2002. (http:/ / dc-mrg. english. ucsb. edu/ conference/ 2002/ documents/ christian_jacob. html) [4] http:/ / persephones. 250free. com/ pinakes. html [5] http:/ / www. stoa. org/ diotima/ essays/ fc04/ Skinner. html [6] http:/ / www. clevelandart. org/ exhibcef/ mg/ html/ 1254180. html
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Pithos
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Pithos Pithos, del griego πίθος (el plural es Pithoi πίθοι), es una tinaja grande de forma ovoidal y panzuda que se utilizaba para conservar virtualmente cualquier cosa pero, sobre todo, cereales y aceite. Fabricados la gran mayoría de cerámica, con una decoración tosca, podían ser de gran tamaño, incluso de una altura superior a la humana. Típica del periodo minoico, se hallaron decenas de ellas entre los restos del Palacio de Cnosos, pero también en el yacimiento submarino de Uluburun, por lo que se puede certificar su uso en el transporte de mercancías. Pithoi, también es el nombre dado a las vasijas cerámicas de gran tamaño utilizadas por los fenicios para el almacenaje y transporte de mercancías. Son de forma esférica u ovoide, con ancha boca, y pueden llevar de dos a cuatro asas, geminadas y de sección circular. Su decoración es variada, e incluye desde bandas pintadas con engobe rojo, enmarcadas en líneas negras, a simples líneas horizontales en negro. Tanto el tipo de decoración como su forma, se difundieron rápidamente entre los poblados indígenas mediterráneos.
Pithos del yacimiento minoico de Cnosos.
Los pithoi fueron vasijas muy comunes en los poblados fenicios; también se utilizaron en las necrópolis para depositar los restos calcinados de los seres difuntos. En la cultura ibérica de El Algar se utilizaron, durante su fase B (1500-1300 a. C.), en enterramientos.
Enlaces •
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Referencias • Fatás, Guillermo (2006). Diccionario de términos de Arte y elementos de Arqueología, Heráldica y Numismática, Madrid: Alianza Editorial. ISBN 84-206-3657-6.
Psykter
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Psykter Un psykter es una clase de vasija griega que se caracteriza por su cuerpo bulboso, colocado sobre una base alta y estrecha. Se lo utilizaba para refrigerar el vino. El psykter era llenado con vino y luego colocado dentro de una crátera con agua fría o hielo.
Enlaces externos •
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Muestra de un psykter (Louvre).
Rhyton Rhyton (plural rhyta) es la antigua palabra griega (ῥυτόν rutón) para un recipiente en el cual los fluidos esperaban a ser bebidos, o bien, vertidos en alguna ceremonia como la libación.
Rhyton de oro del periodo aqueménida de Irán. Excavado en Ecbatana. Conservado en el Museo Nacional de Irán.
Rhyton
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Nombre y función La palabra se cree que deriva del protoindoeuropeo *sreu- [1], "verter", y podría así significar "vertedor". Muchos vasos considerados rhyta caracterizados por una amplia boca en la parte superior y un orificio a través de una cónica constricción en el pie del cual el fluido corre. La idea es que uno saca vino o agua de una vasija de almacenamiento o una fuente similar de agua, sujeta el agujero con un pulgar, y deja que el fluido corra en la boca (o en el suelo en la libación) del mismo modo que el vino es bebido hoy de una bota. Smith apunta que este uso está atestiguado en pinturas clásicas y acepta la etimología de Ateneo que era llamado apo tes rhyseos, "del fluir". Smith también clasifica el nombre como que había sido una forma reciente (en época clásica) de una vasija antiguamente llamada kera, "cuerno", en el sentido de cuerno para beber. La palabra rhytonno está Rhyton de cabeza de jabalí de Ugarit, visto desde presente en lo que se conoce de la forma más antigua del griego, el el pie. griego micénico, escrito en lineal B, pero el rhyton de cabeza de toro, de la que muchos ejemplos sobreviven, es mencionado en el inventario de vasos de Cnosos, como la tablilla 231 (K872), as ke-ra-a,[2] mostrada con el ideograma del toro. La palabra está restaurada como un adjetivo, *kera(h)a, con una h micénica intervocálica.
Proveniencia
Cuerno, posiblemente para bebidas, en el Museo Arqueológico de Candía, Creta.
No puede suponerse que cada cuerno de bebida o vaso de bebida alcohólica fue perforado en la parte inferior, especialmente en las fases prehistóricas de la forma. La función de cuchara habría venido primero. Una vez los agujeros comenzaron, sin embargo, invitaron a la de interpretación zoomórfica y decoración plástica de las formas de cabezas de animal, con el fluido derramándose a borbotones del pitorro como una boca: bóvidos, equinos, cérvidos, e incluso caninos.
Los rhyta se encuentran entre los restos de civilizaciones que hablan lenguas diferentes y grupos de lenguas alrededor del Próximo y Medio Oriente, como la Persia del segundo milenio adC en adelante. Son modelados a menudo como una cabeza de animal o cuerno y pueden ser muy ornamentados y compuestos con metales preciosos y piedras. En la Creta minoica, cabezas de toro de plata y oro con agujeros redondos para el vino (permitiendo al vino ser vertido desde la boca del toro) parecen particularmente corrientes, varias han sido recuperadas de los grandes palacios (Museo Arqueológico de Candía). No todos los rhyta eran tan valiosos; muchos eran simples copas cónicas decoradas de cerámica.
Rhyta de esteatita minoica del Museo Arqueológico de Candía.
Rhyton
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Simbolismo griego La cerámica clásica ateniense, como los vasos de figuras rojas, son decorados con temas típicos de la mitología. Un tema usual retrata a sátiros, que son símbolos obscenos, con rhyta. La forma de cuerno de los rhyta es entretejida en la composición cuidadosamente con los órganos masculinos rectos de los sátiros, pero este tema descaradamente sexual y algo humorístico parece ser un desarrollo reciente, de acuerdo con el humor ateniense, como es expresado en las obras de Aristófanes. Los elaborados y valiosos rhyta preciado de las grandes civilizaciones de los primeros tiempos son grandiosos más que obscenos, lo cual da una dimensión satírica adicional a los vasos pintados. La conexión de los sátiros con el vino y los ryhta fue hecha muy pronto. En la epopeya de Nono de Panópolis, Dionisíacas, dice éste sobre los sátiros: ...Y entonces como las copas aún no existían, extrajeron la bebida con cuernos de buey; por eso después se tomó el divino nombre del cuerno para la mezcla del vino.[3] [4] Karl Kerenyi citando este pasaje (Kerenyi 1976 p 60) comenta el mito "En el punto principal de este mito exquisitamente elaborado, en el cual el poeta recuerda los rhyta, no es fácil separar los elementos cretenses de los originados en Asia Menor."
Enlaces externos Imágenes de rhyta: • • • • • • • • •
Foto de un rhyton [5] Rhyton de léon aqueménida persa [6] Rock-crystal Rhyton de la Creta minoica [7] Antiguo rhyton de caballo iranio [8] Rhyton minoico de cabeza de toro [9] Rhyta prehistóricos europeos [10] Rhyton tibetano [11] Rhyton de Egipto de estilo cretense [12] Vaso de figuras rojas ático, sátiro sosteniendo un rhyton [13]
Referencias •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Rhyton. Commons
Referencias [1] http:/ / www. bartleby. com/ 61/ roots/ IE493. html [2] Ventris & Chadwick, Documents in Mycenaean Greek, 2nd Edition, Page 330. [3] Nono de Panópolis, Dionisíacas, xii, 359-362. [4] Nono asocia kéras ("cuerno") con keránnymi ("mezclar") [5] http:/ / www. pix8. net/ pro/ pic/ 753Ki2ke/ 92776. jpg [6] http:/ / www. persiandna. com/ images/ rhyton. jpg [7] http:/ / www. daedalus. gr/ DAEI/ THEME/ B33. jpg [8] http:/ / www. khm. at/ system2E. html?/ staticE/ page1651. html [9] http:/ / www. uark. edu/ campus-resources/ dlevine/ Rhyton. jpg [10] http:/ / www. cimec. ro/ Arheologie/ gumelnita/ foto/ 3/ 1/ index. htm [11] http:/ / www. asianart. com/ articles/ heller/ large/ 33_rhyton_det01. jpg [12] http:/ / www. ceramicstudies. me. uk/ hgrafs04/ ch486ts. gif [13] http:/ / www. perseus. tufts. edu/ cgi-bin/ image?lookup=Perseus:image:1990. 24. 0407
Skyphos
Skyphos En la clasificación de cerámica de Grecia antigua, un skyphos (Griego: σκύφος; skyphoi, plural) es una taza de vino profunda con dos asas con una base baja y ancha o sin base. Las asas pueden ser pequeñas y horizontales proyectadas desde el borde (en formas corintias y atenienses) o pueden ser en forma de lazo que se colocan en el borde o que sobresalen de la base. Los skyphoi del tipo llamado glaux (búho) tiene un pequeña asa horizontal y una vertical. Skyphos ático, del 490-480 a.C. Los skyphos más antiguos fueron hechos durante el período geométrico. Corinto estableción las convenciones de diseño que Atenas siguió. Durante un largo periodo la forma siguió siendo igual mientras que el estilo de decoración cambió.
Los Skyphoi también fueron hechos con metales preciosos. Un ejemplo es la taza de Warren. Unos skyphos romanos de vidrio tallado se pueden ver en el museo Getty. Formas comparables manejadas para bebiendo de una taza sobre una base incluyen: • Kotyle, un término más genérico para cualquier taza. • Kantharos • Komast La palabra skyphos de se han adoptado para los propósitos de la clasificación biológica con respecto a las medusas, que se incluyen en la clase Scyphozoa (literalmente animal en forma de platillo).
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Stamnos
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Stamnos Stamnos, del griego στάμνος. El plural es stamnoi. Es una vasija de forma globular que se distingue por unas pequeñas asas horizontales que surgen de la panza, y por una boca que se estrecha ligeramente en comparación con el volumen de la pieza. Su uso más común era la conservación del vino.
Enlaces •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Stamnos. Commons • Stamnos ático de figuras rojas de los museos vaticanos [1]
Referencias
Un stamnos del Museo Británico.
• Fatás, Guillermo (2006). Diccionario de términos de Arte y elementos de Arqueología, Heráldica y Numismática, Madrid: Alianza Editorial. ISBN 84-206-3657-6.
Referencias [1] http:/ / mv. vatican. va/ 4_ES/ pages/ x-Schede/ MGEs/ MGEs_Sala09_01_031. html
Vasija Vasija, pieza cóncava y pequeña, de barro u otra materia y de forma común u ordinaria, que sirve para contener especialmente líquidos o cosas destinadas a la alimentación. Se denomina vasija a un recipiente destinado a contener líquidos y que por su tamaño no se utiliza para beber directamente. Principalmente son aquellos de forma tubular abombada en el centro, abiertos, con asa y pie, y fabricados en vidrio, porcelana, cerámica , barro u otros materiales.
Historia La fabricación de vasijas en la cual se les incluia orina para introducirla al horno enroscando ticon pura de arcilla en espiral y moldeándolas, parece datar de antes del 7000 a. de C.; así se hacía para moldear la arcilla hasta que tomaba la forma del interior de una cesta. El secado al sol sería insuficiente para producir recipientes resistentes al agua, por lo que se hizo necesaria la utilización de hornos en los que cocer el barro lentamente. El horneado se utilizó por primera vez en Mesopotamia y Persia alrededor del 4000 a. de C. y en Egipto a lo largo de los mil años siguientes.
La vasija de Portland.
Vasija
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Estilos Entre las piezas griegas más emblemáticas con simbología religiosa funeraria se hallan: • Larnaque: un sarcófago tipo osario, en el que se depositaban los huesos del difunto y se tapaba con una cubierta plana. Están decorados con temas vegetales y de toros, y pertenecen a las tumbas micénicas que se encuentran en las islas del mar Egeo, particularmente en Creta, datadas entre el siglo XV y finales del XIII a. de C. • Lecito: vasija de cuerpo esbelto con pie, de cuello alargado y un asa. Especial para contener ungüento, aceite balsámico, como ofrenda para el difunto. • Lutróforo: vasija alargada de tipo anfórico, con dos grandes asas adosadas al cuello y con pie. • Crátera: recipiente con la parte superior acampanada, que servía para mezclar el vino con agua. Utilizada para banquetes y como ofrenda a los muertos. • Alabastrón: copa de pie con dos grandes asas que servía para beber el vino. No tiene nada que ver con lo que entendemos actualmente con un cántaro, vasija grande para transportar agua. También este tipo de vaso, originario de Corinto, se utilizaba para guardar perfumes u óleos para masaje. Esta tradición cerámica griega continuó en la Antigua Roma. Entre sus restos arqueológicos, una de las vasijas más famosas es la denominada vasija de Portland, recipiente romano construido en el siglo I, el cual ha servido de inspiración para muchos fabricantes.
Colecciones Los principales museos del mundo poseen colecciones de vasijas griegas recuperadas: el British Museum, Louvre, Vaticano, Berlín, e incluso el Arqueológico Nacional, en Madrid. Este último cuenta con más de mil piezas, de las que, como ocurre con las restantes e importantes colecciones de loza y porcelana española, sólo se hallan expuestas, por falta de espacio, una ínfima cantidad.
Véase también • Alfarería • Botija
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Fuentes y contribuyentes del artículo
Fuentes y contribuyentes del artículo Cerámica griega Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=38476871 Contribuyentes: Airunp, Albertoj88, Beatriz Glez. 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