Correction Livre Francais

français première livre unique toutes séries

livre du professeur Partie TEXTES sous la direction de

Valérie Presselin Professeur agrégé de Lettres modernes Lycée Jules Ferry, Versailles

Pauline Bruley Maître de conférences à l’université d’Angers

Simon Daireaux Professeur certifié de Lettres modernes Lycée Jean-Monnet, La Queue-lezYvelines

Miguel Degoulet Professeur agrégé de Lettres modernes Lycée Le Mans-Sud, Le Mans

Karine Foucher Professeur PLP lettres-anglais et coordonnatrice CLEMI Amiens Lycée professionnel Rimbaud, Ribécourt

Litterature.indb 1

Partie MÉTHODES sous la direction de

François Mouttapa Inspecteur pédagogique régional de Lettres Académie de Nantes

Stéphane Jacob Professeur agrégé de Lettres modernes Lycée Jean Dautet, La Rochelle

Claude Mouren Professeur agrégé de Lettres modernes Lycée Jules Ferry, Versailles

Sylvie Neel Professeur agrégé de Lettres modernes Lycée Camille Guérin, Poitiers

Amélie Pacaud Professeur agrégé de Lettres modernes Lycée Duplessis-Mornay, Saumur

Estelle Plaisant-Soler Professeur agrégé de Lettres modernes Lycée Arago, Perpignan

Claudine Poulet Professeur agrégé de Lettres classiques Lycée Jean Bodin, Les-Ponts-de-Cé

Daniel Salles Professeur certifié de Lettres classiques Formateur image et médias Collège de l’Europe, Bourg-de-Péage

Patricia Vasseur Professeur agrégé de Lettres classiques Lycée Jean-Baptiste Corot, Savigny-sur-Orge

Francesco Viriat Professeur agrégé de Lettres modernes Lycée Marguerite Yourcenar, Le Mans

06/09/11 11:52

Couverture : Nicolas Piroux Maquette intérieure : Nadine Aymard Mise en page : Médiamax © HACHETTE LIVRE 2011, 43 Quai de Grenelle, 75905 Paris Cedex 15 ISBN 978-2-01-135543-0 www.hachette-education.com Tous droits de traduction, de reproduction et d’adaptation réservés pour tous pays. Le Code de la propriété intellectuelle n’autorisant, aux termes des articles L. 122-4 et 122-5, d’une part, que les « copies ou reproductions strictement réservées à l’usage privé du copiste et non destinées à une utilisation collective », et d’autre part, que « les analyses et les courtes citations » dans un but d’exemple et d’illustration, « toute représentation ou reproduction intégrale ou partielle, faite sans le consentement de l’auteur ou de ses ayants droit ou ayants cause, est illicite ». Cette représentation ou reproduction, par quelque procédé que ce soit, sans autorisation de l’éditeur ou du Centre français de l’exploitation du droit de copie (20, rue des Grands-Augustins, 75006 Paris), constituerait donc une contrefaçon sanctionnée par les Articles 425 et suivants du Code pénal.

Litterature.indb 2

06/09/11 11:52

Sommaire Chapitre 1 Le personnage de roman, du XVIIe siècle à nos jours .......................................................5 Séquence 1 Le personnage, reflet du monde ? ........................................................7 Séquence 2 Parcours de lecteur : Abbé Prévost, Manon Lescaut, 1731 ................32 Séquence 3 Histoire des arts : Voyages au bout de la nuit ....................................44 Séquence 4 Personnage et société ........................................................................54 Séquence 5 Parcours de lecteur : Laurent Gaudé, La Mort du roi Tsongor, 2002 ......79 Vers le bac : « Le récit poétique » ........................................................................85 Vers le bac : « Le personnage de roman au cœur de l’Histoire » .........................88

Chapitre 2 Le texte théâtral et sa représentation, du XVIIe siècle à nos jours .....................................................91 Séquence 6 Mettre en scène la variété du comique .............................................93 Séquence 7 Parcours de lecteur : Alfred de Musset, Lorenzaccio, 1834 ..............121 Séquence 8 L’évolution du tragique : des héros aux personnages ordinaires .....129 Séquence 9 Histoire des arts : De l’espace sacré antique à la scène moderne ....152 Vers le bac : « Monologue et solitude dans le théâtre contemporain » .............157 Vers le bac : « La lettre, accessoire de jeu » .......................................................160

Chapitre 3 Écriture poétique et quête du sens, du Moyen Âge à nos jours ..................................................163 Séquence 10 Les jeux de l’amour .......................................................................165 Séquence 11 Histoire des arts : Dame Nature en son jardin ..............................185 Séquence 12 Le poète, arpenteur du monde ......................................................192 Séquence 13 Parcours de lecteur : Guillaume Apollinaire, Alcools, 1913 .........213 Vers le bac : « Chanter la révolte » ...................................................................224

Chapitre 4 La question de l’Homme dans les genres de l’argumentation, du XVIe siècle à nos jours ...........229 Séquence 14 Les visages de l’Homme ................................................................231 Séquence 15 Parcours de lecteur : Albert Camus, La Peste, 1947 .....................258 Sommaire |

Litterature.indb 3

3

06/09/11 11:52

Séquence 16 Les découvertes des voyageurs ......................................................270 Séquence 17 Histoire des arts : La photographie humaniste .............................288 Vers le bac : « La condition féminine » .............................................................294 Vers le bac : « Seul ou au milieu des autres ? » ..................................................297

Chapitre 5 Vers un espace culturel européen : Renaissance et humanisme – série L .............................301 Séquence 18 L’idéal humaniste à travers l’Europe ............................................303 Séquence 19 Histoire des arts : L’inspiration humaniste au cœur de l’art de la Renaissance .............................................................322 Séquence 20 Parcours de lecteur : M. de Montaigne, « Sur le démenti », Les Essais, 1595 ............................................................................327 Vers le bac : « Éloge et blâme du souverain » ...................................................339

Chapitre 6 Les réécritures, du XVIIe à nos jours – série L ...............341 Séquence 21 Réécrire pour faire œuvre nouvelle ...............................................342 Séquence 22 Histoire de arts : Les Vampires ......................................................361 Vers le bac : « L’anecdote de la jeune Veuve » ..................................................366

Méthodes ......................................................................................................369 Chapitre 1 Éducation aux médias (fiches 1 à 7) ................................................369 Chapitre 2 Travailler en autonomie (fiches 8 à 11) ...........................................382 Chapitre 3 Le personnage de roman, du XVIIe siècle à nos jours (fiches 12 à 18) .................................................................................389 Chapitre 4 Le texte théâtral et sa représentation du XVIIe siècle à nos jours (fiches 19 à 23) .................................................................................398 Chapitre 5 Écriture poétique et quête du sens, du Moyen Âge à nos jours (fiches 24 à 27) .................................................................................405 Chapitre 6 La question de l’Homme dans les genres de l’argumentation, du XVIe siècle à nos jours (fiches 28 à 32) .........................................412 Chapitre 7 Objets d’étude de la filière littéraire (fiches 33 à 36) .......................417 Chapitre 8 Lire et analyser (fiches 37 à 44) ........................................................424 Chapitre 9 Préparer le baccalauréat (fiches 45 à 56) ..........................................440 Chapitre 10 Étude de la langue (fiches 57 à 62) .................................................451 4 | Sommaire

Litterature.indb 4

06/09/11 11:52

Chapitre

1

Le personnage de roman, du XVIIe siècle à nos jours Livre de l’élève  p. ¤‚ à ⁄⁄⁄

Présentation du chapitre  p. ¤‚ Objectifs Les Instructions officielles assignent un objectif à l’étude du personnage de roman : « montrer aux élèves comment, à travers la construction des personnages, le roman exprime une vision du monde qui varie selon les époques et les auteurs et dépend d’un contexte littéraire, historique et culturel, en même temps qu’elle le reflète, voire le détermine. » Pour cela, le chapitre propose des activités qui permettent : d’identifier les moyens et les enjeux romanesques pour représenter un personnage, de connaître l’histoire du roman et l’évolution du personnage, d’établir et analyser les liens entre personnage et contexte historique, de comprendre le personnage comme miroir des enjeux d’une société.

Organisation Le chapitre s’organise en cinq séquences progressives qui permettent d’aborder la notion de personnage, puis de la complexifier et de la problématiser. La séquence 1 aborde le genre romanesque à partir de la notion du personnage. Elle fait entrer dans l’atelier du romancier pour éclairer différents modes de fabrication et de création du personnage, parfois divergents. Le premier corpus (« Le personnage et le spectacle du monde ») permet de s’interroger pour comprendre comment des personnages prennent vie, parviennent à s’incarner

et à gagner en épaisseur. Le personnage prend corps et identité à partir d’éléments du réel (noms, mœurs et comportement…) autour desquels se développe et s’organise le monde romanesque. C’est en se saisissant des réalités typiques ou pittoresques, nouvelles et significatives de l’évolution d’une société que le romancier parvient à vitaliser sa fable et ses personnages. Le second corpus (« Le personnage insaisissable ») dévoile un autre mode de fabrication du personnage qui repose moins sur son identité que sur la crise même de cette identité. La création de personnages insaisissables ou inclassables accompagne une nouvelle vision du monde fondée sur le mouvement et la mouvance (Diderot). La crise du personnage peut aller jusqu’à son effacement ou des jeux de miroir troublants avec le lecteur (Butor). Le personnage acquiert alors une intensité par son absence. La séquence 2 est consacrée à une première œuvre intégrale. La lecture de Manon Lescaut de l’Abbé Prévost se donne pour objectif de découvrir des personnages en rupture. L’analyse de cette œuvre permet aussi de comprendre les mutations à l’œuvre au XVIIIe siècle. La séquence 3 (« Voyage au bout de la nuit ») est centrée sur le thème de la guerre. À travers des supports variés (peinture, photographie, roman, installations ou encore témoignages et cinéma), les Arts interrogent les limites de la représentation. La séquence 4 (« Personnage et société ») se centre davantage sur les relations entre le personnage et la société, devenant révélatrices d’une vision du monde. Le premier corpus (« Le personnage dans un monde oppressant ») met en |5

Litterature.indb 5

06/09/11 11:52

relation personnage, histoire et société. Confronté à l’événement lui-même, à des situations de crise, au danger absolu (l’enfermement, le mal, la mort), le personnage de roman permet de façonner des grandes attitudes. En action ou en opposition, en devenir, le personnage suit des modèles mythiques ou non, entre en rupture, renouvelle sensibilité et attitudes face à l’Histoire. La notion même de personnage, entre héros et antihéros, s’en trouve bouleversée. Le second corpus (« Le personnage face à son destin ») montre comment le personnage porte et intériorise un débat sur les valeurs en cours. Les mutations idéologiques, culturelles et sociales (par exemple, l’émancipation féminine et féministe au XVIIIe siècle) favorisent ce dialogue que le personnage anime sur des choix possibles qui engagent son destin, le sens des normes et des valeurs d’une société (l’absurdité de la Justice perçue par Meursault), l’appel de l’ailleurs et d’autres civilisations. La séquence 5 propose la lecture d’une seconde œuvre intégrale. Il s’agit d’un roman contemporain : La Mort du roi Tsongor de Laurent Gaudé. Prix Goncourt des lycéens en 2002, cette œuvre s’inspire des grandes épopées antiques et se présente comme une réécriture de La Guerre de Troie. Des personnages aux destins tragiques se déchirent et sombrent dans le chaos. Les deux corpus « Vers le bac » offrent deux possibilités différentes d’évaluation : le premier est construit autour de récits au caractère poétique affirmé. Le second interroge les relations entre le roman et l’histoire.

Pistes pour l’exploitation de l’image  August Macke est un des représentants de l’expressionnisme allemand. Né en 1887, il poursuit des études académiques classiques avant de s’intéresser à l’impressionisme. À partir de 1907, il se rend régulièrement à Paris et s’intéresse à la ville elle-même ainsi qu’aux peintres contemporains. Il fréquente alors Kandinsky, Klee ou encore Delaunay pour ne citer que les plus connus. Il meurt en 1914 pendant la guerre. Il n’a que vingt-sept ans. La partie la plus marquante de son œuvre aura finalement été peinte en deux années. Elle est à la croisée de plusieurs mouvements de son époque : impressionnisme, cubisme et finalement expressionnisme.

 Macke a peint plusieurs « vitrines ». Ce thème rejoint la question plus large de la modernité et de la ville, de la promenade mais aussi de la consommation. On perçoit sur le tableau un couple avec un enfant qui regarde à travers une vitrine. La représentation des personnages est d’inspiration cubiste.  Dans l’optique d’un travail d’ouverture sur le personnage de roman, on pourra s’interroger : – sur la représentation des personnages : comment le peintre représente-t-il les individus sur la toile ? Observez les visages : que voit-on ? – sur la représentation du monde : peut-on dire que Macke cherche à représenter le monde ? Quel mode de représentation choisit-il ?  L’image montre comment une scène de la vie quotidienne peut : – déclencher l’imagination : que s’est-il passé ? Pourquoi ces personnages se trouvent-ils à cet endroit ? Quel événement a mené à cette situation ? Quelle est la suite possible ? Que cherchent-ils ? Les visages qui demeurent sans traits laissent l’imagination du spectateur libre ; – impliquer des choix esthétiques précis : la peinture, par le jeu des couleurs et des formes (cubisme) donne une vision du monde particulière. Quelle est-elle ? Peut-on la définir ? – jouer sur plusieurs dimensions complémentaires : l’imagination, l’absence de réalisme.  Exploitation possible : faire imaginer le dialogue entre les trois personnages dans le cadre d’une écriture d’invention. Confronter les dialogues produits en fonction des contextes choisis. Montrer, à partir du corpus de productions des élèves, que le tableau ouvre sur différents types de personnages et de situations.

Bibliographie – COHN Dorrit, La Transparence intérieure, Paris, Le Seuil, 1981 – GENETTE Gérard, Figures III, Paris, Le Seuil, 1972 – JOUVE Vincent, L’Effet-personnage dans le roman, Paris, Presses Universitaires de France, 1998 – MIRAUX Jean-Philippe, Le personnage de roman : genèse, continuité, rupture, Paris, Nathan, 1997 – RAIMOND Michel, Le Roman, Armand Colin, 2002 – ROBBE-GRILLET Alain, Pour un nouveau roman, 1963 – SARRAUTE Nathalie, L’Ère du soupçon, 1956

6 | Le personnage de roman, du XVIIe siècle à nos jours

P005-090-9782011355430.indd 6

06/09/11 11:58

Séquence

⁄

Le personnage, reflet du monde ? Livre de l’élève  p. ¤⁄ à ›°

Présentation de la séquence  p. ¤⁄ Dès ses origines, le roman fait participer le personnage à la comédie du monde et au jeu des apparences sociales. Le roman de la société est celui d’un spectacle permanent : personnages principaux et secondaires participent à ce théâtre du monde, souvent fondé sur le mensonge et l’hypocrisie, dont le romancier décrit les rites et les codes. Le personnage de roman peut vouloir se jouer de cette comédie permanente (textes 1 et 2). Aussi, l’une des finalités du roman satirique et réaliste est-elle de débusquer l’humanité derrière les masques. La fiction du XVIIIe siècle met à nu les instincts et la crudité du désir qui gouvernent les actes. La séquence vise à montrer comment cette veine s’affirme avec le roman satirique (textes 1 et 2). L’identité du personnage risque de se perdre dans ses modèles illusoires. Don Quichotte de Cervantès qui présente un personnage perdu dans ses illusions et qui confronte en permanence l’idéal à la réalité, demeure le modèle romanesque majeur, celui qui fonde le roman moderne (texte 4) et qui perdure dans la peinture de la société contemporaine (texte 6). Roman du roman ou fiction sur le lecteur de fictions, ces textes tentent de cerner les pouvoirs de l’illusion romanesque et leurs limites. Roman des sociétés plus que d’une société, d’un monde qui évolue, la fiction peut montrer comment un personnage peut s’attacher à un monde disparu, éprouver la nostalgie d’une société qui n’existe plus au point de reconstituer le théâtre de ce véritable microcosme dominé par des codes et des rites désuets (textes 3 et 5). Par ce biais, le roman retrouve ses origines : faire renaître des personnages, reflets d’un monde disparu à jamais. Mais c’est encore le pouvoir du roman que d’en maintenir l’image.

H istoire des arts

Georges de La Tour, La Madeleine pénitente, XVIIe siècle

 p. ¤¤-¤‹

« Vanitas vanitatum, et omnia vanitatum » LECTURE DE L’IMAGE 1. Le peintre a travaillé à l’extrême simplicité de la scène ainsi qu’à son épure. L’épisode emprunté à la Bible est transposé dans le monde et le décor quotidiens du XVIIe siècle. Le dénuement de l’espace, le naturel du modèle qui a posé, l’absence

de fard et d’ornement imposent une représentation réaliste. Ce rapprochement, établi par le peintre, entre le lointain monde biblique et la réalité du XVIIe siècle dans laquelle baigne le spectateur contemporain de l’artiste, aide à entrer dans le sujet.

2. Le corps de la Madeleine occupe tout l’espace de la toile. Les habits dont elle est revêtue combinent simplicité et beauté des tissus. Le peintre a montré toute sa virtuosité dans leur traitement pictural puisque, par un jeu de lumière, il a su rendre le plissé de la chemise et la finesse de la toile, dont les nuances viennent se confondre avec la couleur laiteuse de la chair. La jupe qui vient recouvrir les pieds est à l’inverse faite d’un tissu plus lourd et lisse. Elle enserre la taille et 1 Le personnage, reflet du monde ? |

Litterature.indb 7

7

06/09/11 11:52

met en valeur le renflement du ventre. Tournant la tête vers le miroir, la Madeleine met en valeur une chevelure qui tombe majestueusement sur ses épaules.

3. Aussi une lecture symbolique de la toile s’impose-t-elle : l’esthétique de la simplicité répond d’une éthique religieuse : pureté retrouvée (blancheur immaculée de la chemise), dignité et pudeur (l’érotisme demeure discret), humilité et recueillement par la pose des mains sur le crâne, piété. 4. Le mot « vanité » désigne ce qui est dénué de réalité, de consistance et de sens, et donc un ensemble de défauts : la fatuité, l’orgueil, la futilité. Le mot a pris des significations riches à travers la culture religieuse. La parole de l’Ecclésiaste (« Vanité des vanités, tout n’est que vanité ») impose une vision de l’humanité et du monde voués à la mort. La vanité est aussi un genre pictural qui assemble toute une série de symboles du monde (les fleurs, les fruits, des instruments de musique, des objets précieux) autour d’un crâne pour prouver la fragilité de l’existence et des plaisirs terrestres. Dans ce type de composition subsiste la forte influence de la culture baroque. 5. Le peintre s’est ingénié à faire alterner de vastes pans d’ombre et de lumière. Le premier plan est baigné par l’ombre du corps. La lumière survient alors en irradiant le sujet, des pieds jusqu’au buste, suivant une ligne diagonale. Le fond sur lequel repose le miroir est également noyé par les ténèbres, ainsi que ce qui s’y reflète. Seule la bougie voit sa longue flamme s’étirer verticalement. On peut donc parler de clairobscur. Le bord gauche du tableau rompt la surface rougeoyante par l’ombre de la Madeleine elle-même. 6. Au premier plan, gisent sur le sol, aux pieds de la femme, les bijoux dont elle semble s’être dépouillée. Jetés par terre, ces objets précieux ont perdu toute valeur pour celle qui s’est convertie à une autre richesse, spirituelle. En arrière-plan, le peintre a fait disposer sur la table un miroir ouvragé dont le cadre est orné, ainsi qu’un somptueux collier de perles. Mais la tête de mort qui repose sous les mains de la Madeleine montre leur peu de valeur, et, plus largement, la vanité des plaisirs et des richesses terrestres. Le bougeoir, simple mais solide,

impose une lumière qui est celle que l’homme recherche intérieurement.

7. Le personnage ne disparaît pas mais nous échappe : il impose sa présence mutique, mystérieuse. L’effacement est moins physique qu’il n’est intérieur : la Madeleine semble absorbée par la contemplation de la flamme, repliée sur la richesse de son monde intérieur. Son visage ne trouve pas son reflet dans le miroir, ce qui prouve l’absence de coquetterie ou de futilité narcissique. Le seul reflet est celui de la bougie et de son incandescence. La Madeleine est déjà toute à la religion et à Dieu. Tournant la tête vers la flamme, elle ne découvre plus ses charmes. 8. Le regard porté sur la lumière symbolise la quête de la foi. L’épure du tableau, entre couleurs sombres et lumières rougeoyantes ou intenses, révèle une piété faite d’humilité et de ferveur.

VERS LE BAC Invention S’adressant à ses commanditaires religieux, Georges de La Tour peut expliquer l’intérêt de choisir un modèle dans le peuple pour incarner le personnage sacré, à partir des arguments suivants : – grâce au réalisme, attirer davantage le public qui pourra se reconnaître dans le personnage représenté : la peinture sacrée en tire une force et un attrait supplémentaires ; – poursuivre la tradition du Caravage en l’adaptant à de nouveaux codes esthétiques (l’épure, la simplicité…) ; – être au plus près de la leçon spirituelle : humilité, acceptation de l’homme tel qu’il est. Il conviendra de respecter les règles du discours sur le plan de l’énonciation, de la composition et de la mise en page. Les élèves pourront amorcer le texte par quelques éléments narratifs qui offrent le contexte du discours.

Dissertation Pour donner de la force à un personnage, peintres, cinéastes et romanciers jouent sur des moyens différents. 1) L’absence de description d’un personnage peut mobiliser l’imagination du lecteur. Ex. : Dans les romans du XVIIe siècle, la part descriptive est ténue, voire inexistante, ou limitée


Litterature.indb 8

06/09/11 11:52

à une série de clichés. Le personnage dont l’apparence est définie de façon floue n’enferme pas l’imaginaire mais libère celui-ci. Franz Kafka choisit de réduire son personnage à une seule et simple initiale : « K ». L’énigme du nom rejoint celle de l’existence. Jean Giono dans Le Hussard sur le toit choisit de donner très peu de détails physiques sur le personnage féminin, Pauline de Théus, qui acquiert ainsi une aura et un charme mystérieux. À peine le lecteur sait-il la couleur de ses cheveux. Le seul portrait se limite à son visage en forme de fer de lance. 2) Le silence est un moyen pour donner de l’épaisseur à un personnage. Ex. : Le personnage peut s’imposer par sa présence mutique comme les hôtes obligés d’accueillir l’officier allemand dans Le Silence de la mer de Vercors. Ex. : Au cinéma, Jean-Pierre Melville s’est rendu maître dans le recours au silence : ses héros, souvent des gangsters (Le Cercle rouge, Le Samouraï) ne disent quasiment rien, fascinant le spectateur par ce mélange de force, d’ascèse et de retenue. 3) Un récit lacunaire, n’exposant pas toutes les informations sur le personnage, motive la lecture. Ex. : Balzac recourt à cette stratégie pour le personnage de Vautrin. Certes, le lecteur dispose d’un portrait physique, encore que le héros endosse des costumes et des déguisements différents. Mais, à travers les cycles et les romans, le lecteur découvre progressivement l’identité clandestine et maudite de Vautrin.

LE PERSONNAGE ET LE SPECTACLE DU MONDE

⁄

Paul Scarron, Le Roman comique,

⁄§∞⁄  p. ¤›-¤∞ Le monde est un théâtre LECTURE DU TEXTE 1. Cet extrait constitue l’incipit du roman. Roman des comédiens, le récit lui-même emprunte des effets de théâtralité. Après la

situation de l’événement dans le temps (l. 1 à 9), le conteur décrit l’aspect général de la charrette (l. 9 à 14) pour développer le portrait du protagoniste (l. 14 à 29) et celui du comédien plus âgé (l. 29 à 35). Le passage se clôt sur le spectacle que le convoi des comédiens constitue pour les gens de la ville du Mans et la révélation de leurs noms (l. 35 à 51).

2. La formule inaugurale pour désigner le moment de la journée est une personnification (le soleil est assimilé à Apollon, dieu solaire, conducteur d’un char), doublée d’un système d’images (« penchant du monde », « pente du chemin »). Le conteur parodie le langage des romans précieux qui refusent de désigner la réalité telle qu’elle est pour l’évoquer par le détour d’images poétiques. En indiquant l’heure (l. 4 et 8), le romancier passe du langage soutenu à celui plus courant et donne toute la problématique de son roman « réaliste » : imposer la représentation du réel contre son idéalisation. 3. La description du charroi des comédiens emprunte à un courant de peinture réaliste. Le tableau s’attache à détailler des réalités ou realia : animaux (bœufs, jument poulinière, poulain, poule, oison), objets (coffres, malles, gros paquets), habits et costumes, poses. Le conteur multiplie les notations visuelles saisissantes qui donnent vie au tableau (hypotypose) et créent un effet de réel. 4. Le portrait du comédien joue constamment sur des décalages triviaux mettant en valeur une réalité prosaïque. Plutôt qu’en costume pompeux et riche comme les héros de romans précieux en sont revêtus, Le Destin est représenté pauvre. À la place d’un chapeau, il s’est coiffé d’« un bonnet de nuit entortillé de jarretières de différentes couleurs » (l. 20-21). Son pourpoint est fait d’un tissu de mauvaise qualité (« casaque de grisette »). Le portrait se construit sur une série de substitutions burlesques : une « courroie » fait fonction de ceinture, des « brodequins à l’antique » remplacent les souliers. Le lecteur perçoit rapidement qu’il s’agit d’un costume d’emprunt sous lequel Le Destin cache son identité (d’où l’emplâtre, le masque). Les habits qui ne ressemblent à rien, qui participent d’une réalité hétéroclite et absurde mettent en scène des objets de la vie ordinaire. 1 Le personnage, reflet du monde ? |

Litterature.indb 9

9

06/09/11 11:52

5. Le Satiricon de Pétrone est considéré comme le texte à l’origine du roman moderne. De jeunes voyous (Encolpe, Ascylte, Giton) ont des mauvaises mœurs et fréquentent une société romaine décadente. Le langage noble (éloquence, poésie, tragédie) est mis en scène dans des situations triviales et réalistes. 6. « Le monde est un théâtre » : l’incipit du Roman comique est placé sous le signe de l’illusion. Le conteur qui peut tricher dans sa représentation du monde. Ainsi la parodie du langage précieux (question 1) dénonce l’écart entre l’idéalisation et la réalité. C’est sans compter sur les personnages eux-mêmes qui trompent leur entourage : Le Destin dissimule son identité sous un « emplâtre ». Le roman des comédiens est donc celui du spectacle du monde, entre apparence et mensonge. 7. Le roman des comédiens peint le théâtre du monde dans la variété des conditions sociales : les comédiens, les bourgeois de la ville (l. 37), la canaille qui s’attroupe (l. 37), les représentants de l’autorité (« bourgmestres », « lieutenant de prévôt »). Le conteur joue sur les conditions intermédiaires : « moitié ville, moitié campagne » (l. 14), le monde de la bourgeoisie qui se situe entre le peuple et l’aristocratie. 8. On note trois interventions du conteur : lignes 7 et 8 (« pour parler plus humainement et plus intelligiblement »), lignes 32 à 35 (« Quelque critique murmurera… »), ligne 35 (« Retournons à notre caravane »). Par ces interventions, le conteur se met lui-même en scène. Il joue sur les registres de la narration (roman précieux / roman burlesque), anime un dialogue avec ses lecteurs qui s’amorce comme une conversation amusante et pleine d’esprit au risque de digresser et de perdre de vue l’objet du récit, recentre la narration sur ses péripéties principales. 9. Ceux qui voient le charroi des comédiens se trouvent à leur tour décrits et donc objets du spectacle : les représentants de la ville (bourgmestres, lieutenants, bourgeois) sont peints dans leurs ridicules. Les caractérisations « honorables » et « avec une autorité de magistrat » montrent comment ils se gonflent d’importance. 10. Le Destin, La Rancune, La Caverne sonnent comme des noms mystérieux et rappellent qu’il

s’agit d’un récit à suspense qui traitent d’identités empruntées, substituées, révélées. Deux registres apparaissent : les surnoms romanesques (Le Destin, La Caverne) qui signifient des aventures malheureuses, le surnom ironique (La Rancune) qui focalise sur un trait de caractère aigri qui sera forcément burlesque ou ridicule.

HISTOIRE DES ARTS Ce portrait du Joyeux Violoniste participe de l’esthétique réaliste de la peinture flamande du XVIIe siècle. Celle-ci sera très prisée en France dès l’époque de Scarron. La vitalité du personnage tient au sujet lui-même : plaisir de la musique, plaisir du vin. Cette pose bachique (le personnage lève son verre) justifie l’emploi de couleurs vives et contrastées (bleu, rouge, gris). La richesse des tissus et de leurs motifs montrent la virtuosité du peintre. La pose qui consiste à représenter le personnage le buste en avant et de trois quarts, la disproportion entre ce même buste rapetissé et le visage épanoui et rieur créent un effet réaliste.

VERS LE BAC Question sur un corpus Les deux incipits de Scarron et de Diderot jouent sur une certaine provocation du lecteur. Les premières lignes remettent en question les conventions d’un romanesque qui s’éloignerait de la réalité. Ainsi, Scarron parodie le langage précieux qui use d’un détour pour éviter la trivialité du détail réaliste de l’heure. Diderot propose une série de questions (« Comment s’étaient-ils rencontrés ? Par hasard, comme tout le monde. Comment s’appelaient-ils ? Que vous importe ?… ») pour briser l’illusion romanesque. En créant cette distanciation entre lecteur et la fiction, les deux auteurs entendent mettre en place une esthétique réaliste du roman.

Commentaire Le commentaire du passage s’attachera à mettre en valeur la dimension théâtrale de la scène où les élèves pourront réinvestir certains éléments de réponse aux questions 1, 3, 4, 7, 9. La deuxième partie sur la présence joyeuse du conteur pourra souligner la dimension parodique des premières lignes du récit, l’identité


Litterature.indb 10

06/09/11 11:52

du romancier comme conteur qui enchante son auditoire, qui l’amuse par son esprit et par sa vision critique du monde.

Dissertation Par le choix de personnages originaux ou singuliers, le romancier manifeste son intérêt pour des réalités et des identités sociales peu ou moins connues (ici, les comédiens dans Le Roman comique), son souci de piquer la curiosité du lecteur (comme dans Gil Blas de Lesage ou Jacques le Fataliste de Diderot), son goût pour l’univers de la fantaisie (L’Écume des jours de Boris Vian). Par l’écart qu’il marque avec les normes, le personnage devient soit le représentant d’un monde de la marge (comédiens, artistes, voyous…), soit le contestataire de règles morales et sociales, soit le personnage d’un nouveau mode de vie. Le choix d’un personnage conformiste permet à l’inverse de peindre l’univers social tel qu’il est. Ainsi Émile Zola choisit des personnagestypes qui deviennent révélateurs et emblématiques des milieux auxquels ils appartiennent. Mais la conformité du personnage au réel devient un moyen de critiquer la société dans le roman moderne : chez Kafka (personnage du petit employé ou fonctionnaire), Michel Butor (L’Emploi du temps), Nathalie Sarraute, Emmanuel Carrère (La Moustache), la conformité, voire le conformisme vaut pour absence de qualité, ce qui revient à dire que le personnage devient insignifiant et se trouve déconstruit. Le choix d’un personnage original ou conformiste est donc révélateur du projet romanesque que l’auteur se donne : place de la peinture du réel, critique de la société et distanciation ou non avec les normes en cours, rapport au personnage lui-même entre exemplarité (conformité à une image sociale) et déconstruction.

¤

Marivaux, Le Paysan parvenu,

⁄‡‹›-⁄‡‹∞  p. ¤§-¤‡ La comédie des appétits LECTURE DU TEXTE 1. La scène de repas est un lieu commun du roman réaliste qui représente les personnages dans la satisfaction de leurs besoins et instincts

vitaux : boire, manger… Dans ce passage, la nourriture occupe le premier plan : il n’est question que d’œufs frais (l. 3, 9, 12, 14, 23, 43), de pot de confiture (l. 11), de boisson (l. 5, 16), de pain (l. 17, 18, 19), de ragoût de la veille et de volailles froides (l. 16). De quoi mettre en appétit le lecteur. Les personnages eux-mêmes trouvent leur fonction en rapport avec la nourriture : les hôtesses (les sœurs Habert), la servante cuisinière (Catherine) et celui qui est reçu (Jacob). Une ligne de partage s’instaure entre les personnages gloutons ou voraces, qui manifestent un appétit solide (Catherine et Jacob) et ceux dominés par un régime (les sœurs Habert qui veulent se contenter d’un pot de confiture). Le contraste met en valeur la vitalité du paysan et l’ascétisme suspect des dévotes.

2. La narration est dominée par le dialogue : – dialogue entre le conteur et son lecteur (l. 1) ; – dialogue entre les maîtresses de maison et la servante (l. 2-7, l. 10-14) : dans les romans du XVIIIe siècle, la mise en page ne détache pas le dialogue du corps du récit. Il n’est pas encadré par des guillemets dont l’usage sera plus tardif ; – dialogue entre Catherine et le narrateur (l. 7-9, l. 23-49) ; – propos que le narrateur se tient à lui-même (l. 18 à 22). La multiplication des dialogues tisse les voix et les fait s’enchevêtrer. La narration dont le mouvement est celui de la parole acquiert une dimension « dialogique ». On observera que le registre est celui de la conversation courante et familière, ce qui ancre le roman dans une représentation réaliste. Il existe un déséquilibre entre le dialogue des sœurs et celui entre Catherine et Jacob beaucoup plus développé : la servante et le paysan, tous deux de condition modeste, sont plus proches de la vérité et du naturel. 3. Jacob est hébergé par deux dévotes. Il est donc normal que le romancier recourt au langage religieux propre à ces personnages, à leur identité et à leur condition. Le narrateur se moque de la religion en tournant en dérision son langage. En comparant Catherine qui a un trousseau de clefs à « une tourière de couvent », il se montre malicieux et irrévérencieux, bien dans le ton des écrivains des Lumières. Les personnages eux-mêmes, Jacob et Catherine, jouent avec le langage religieux. Quand il goûte le pain, le jeune paysan constate « qu’il 1 Le personnage, reflet du monde ? |

Litterature.indb 11

11

06/09/11 11:52

n’y avait qu’une main dévote qui pût l’avoir pétri » (l. 20). Catherine encourage Jacob à manger parce que « Dieu veut qu’on vive » (l. 23-24). Par coquetterie, elle se dit âgée, bonne « qu’à faire son salut » (l. 41). Elle assure Jacob qu’elle se plaît « à servir son prochain » (l. 48). Les deux personnages, dans leur comédie de la gourmandise et de la séduction, adoptent un discours faussement religieux dont le détachement contraste avec la vitalité et la crudité des instincts (désir, faim).

4. Le conteur emploie le registre satirique pour se moquer du milieu des dévots dans la tradition du Tartuffe de Molière. 5. Jacob endosse avec une grande facilité le rôle de Baptiste qui est mort (l. 31-42). Cette substitution des identités (qui a été étudiée par René Démoris dans Le Roman à la première personne, Droz) montre l’avidité du personnage et sa stratégie de captation des rôles et des places. Elle est propre également au personnage-type du parvenu. La comédie des appétits n’est pas qu’affaire de nourriture : les êtres se dévorent les uns les autres. Si les sœurs Habert ont une alimentation mesurée, elles nourrissent l’espoir de consommer ce beau garçon qu’est Jacob. Ce dernier, sous des airs ingénus, est mû par l’intérêt et une avidité de reconnaissance sociale.

HISTOIRE DES ARTS Dans la hiérarchie des genres picturaux, la toile de Chardin appartient au petit genre puisqu’elle représente la réalité courante : des fruits, des verres, un pichet reposant sur une table. Il s’agit d’une nature morte dont Chardin sait détourner le sens. Au lieu de signifier la vanité de toutes choses, le peintre s’est plu à en magnifier la consommation gourmande. La grenade au premier plan est ouverte. La juxtaposition des verres révèle que du vin a été bu dans l’un d’eux. Le choix des couleurs, l’application du pinceau visent à faire ressortir l’éclat de la chair, de la pulpe. C’est un nouveau regard qui est porté sur la réalité : sens du détail, sensualité de la représentation, gourmandise pour la réalité.

VERS LE BAC Invention Pour mettre en place cette écriture d’invention, il est possible de demander aux élèves de jouer

la scène avant de la retranscrire sur le mode théâtral. À l’inverse, la réalisation de l’écriture d’invention peut prêter à sa mise en scène et au jeu théâtral afin d’en évaluer la justesse et la dynamique verbale.

Dissertation Le sujet interroge la place et la représentation de l’objet dans le roman. Celles-ci s’avèrent incontournables dans le cadre d’un roman réaliste ou naturaliste. Les objets ancrent l’histoire dans un univers propre à un milieu ou une condition (Zola, Huysmans, Maupassant…). Aussi la part descriptive du roman n’est-elle pas ornement mais lieu central du récit. La fable est bien centrée sur les personnages au sein d’un monde économique fondé sur l’échange et sur des objets qui fonctionnent comme des signes extérieurs de richesse, de pauvreté, de médiocrité (Balzac). Toutefois les objets acquièrent une dimension symbolique. Ils donnent sens à l’univers décrit. Ils participent à la mise en place d’une atmosphère (roman noir, récit policier, roman de la ville), d’une intrigue, d’une psychologie (le tableau dans Le Portrait de Dorian Gray d’Oscar Wilde). Certains romanciers vont jusqu’à conférer à l’objet un statut mythique et poétique : les machines monstres chez Zola (l’alambic, la locomotive, le magasin…). La saturation du roman par les objets offre une autre voie (Les Choses de Pérec). Elle introduit un déséquilibre entre les objets et les personnages qui perdent en valeur et en signification et dont l’existence se réduit à la possession matérielle de quelques biens. Michel Houellebecq (La Carte et le Territoire) montre combien l’existence de l’individu contemporain s’évalue au nombre de messages électroniques reçus, à la taille du disque dur…

Oral (analyse) Marivaux construit un récit subjectif : – en faisant raconter les événements par Jacob lui-même (récit à la première personne), – en mettant en valeur la parole plurielle des personnages (question 2), – en manifestant une vision critique de la société représentée (questions 3 et 4). L’émergence de l’individu au début du XVIIIe siècle explique le triomphe du récit subjectif, ce qui ne veut pas dire pour autant que


Litterature.indb 12

06/09/11 11:52

le narrateur dit la vérité : il faut se méfier de son discours et y suspecter tricheries et détours. Entre le Jacob narrateur et le Jacob personnage, des distorsions existent : l’amabilité et l’enjouement du héros cachent des appétits plus troubles ou ambigus (question 5).

‹

Honoré de Balzac, Le Cabinet des Antiques,

⁄°‹· Une vision grotesque

 p. ¤°-¤·

LECTURE DU TEXTE 1. Le narrateur fait découvrir le monde aristocratique tel qu’il s’est reconstitué après la Révolution, au moment de la Restauration, à Alençon. La comparaison inaugurale (« Ce salon était alors comme une cage de verre ») acquiert des significations fortes : – elle insiste sur l’idée de microcosme social dans un lieu clos et fermé, à l’image d’une caste qui exclut ; – elle met en valeur la notion de spectacle comme si cette vieille société d’avant la Révolution, archaïque et décalée, devenait un objet de curiosité à l’égal d’une attraction, d’une foire. Aussi le tableau est-il marqué par la mise en scène du regard : curiosité sociale et infraction du regard dans un monde d’élite (l. 8-9), contemplation des figures féminines puis masculines, retour aux voyeurs (l. 50-53), fascination que mademoiselle Armande exerce sur le narrateur (l. 53-62). Le complexe scopique (regarder, voir) recouvre différents types de regards, de l’effroi à l’admiration. 2. Le mot « grotesque » acquiert des significations particulières chez les auteurs romantiques (Hugo, Musset…). Il ne se limite pas à la seule dimension burlesque ou comique, mais ouvre sur une esthétique de la fantaisie, du fantasque qui mêle horreur et humour, imagination délirante et satire. Victor Hugo en fait l’une de ses catégories esthétiques dans la préface de Cromwell et l’oppose au sublime.

Pistes : il est intéressant d’orienter les recherches des élèves vers les peintures grotesques découvertes dans la villa dorée de Néron à Rome ou encore de mettre en relation le goût pour le grotesque dans l’écriture et l’œuvre graphique de Victor Hugo (dessins).

3. Sous le regard du narrateur, les vieilles aristocrates deviennent des personnages grotesques grâce à une série d’indices qui les assimilent à des momies (« chef branlant » l. 14, « desséchées et noires comme des momies » l. 14). Aussi perdent-elles toute vie ou tout naturel pour devenir des pantins ou des marionnettes (« têtes de casse-noisettes » l. 31, « corps bossués » et « membres mal attachés » l. 32). Le lexique des vêtements ou des apparences renvoie à un maquillage proche du grimage (« rouge invétéré » l. 28) ou du costume de théâtre. Les personnages n’ont pas qu’une dimension comique : ils prennent l’allure fantastique de morts-vivants (« leur teint de cire, leurs fronts ruinés, la pâleur des yeux » l. 40-41). L’imagination du narrateur s’échauffe : accumulations, énumérations, antithèses (« bouffonnes » / « sérieuses » l. 18, « mourants » / « vivants » l. 24), hyperboles (« exorbitants », « luxuriantes » l. 34), métaphores outrées (« couleurs fanées » l. 38 , « fronts ruinés » l. 40-41), comparaisons qui établissent une analogie entre l’humain et l’inanimé (« qui ressemblaient aux têtes de casse-noisettes » l. 30-31) révèlent un affolement du style, un goût pour la surenchère grotesque qui tourne à la vision fantastique. 4. Le parallèle entre le Cabinet des Antiques et les « garde-meubles » (l. 46) insiste sur l’idée d’une société dépassée, archaïque : les aristocrates sont comme des vestiges remisés dans l’hôtel d’Esgrignon. 5. L’image qui est donnée de l’aristocratie est délibérément critique. Le tableau sous-tend une analyse des mécanismes historiques et sociaux. La réduction du cercle des Esgrignon à des mannequins grotesques et archaïques révèle l’obstination d’une caste à ne pas prendre en compte les bouleversements de l’Histoire et à s’emmurer dans le passé. À l’inverse, deux personnages créent l’espoir : « la suave mademoiselle Armande » (l. 54-55) et « ce délicieux enfant, Victurnien » (l. 55-56). 1 Le personnage, reflet du monde ? |

Litterature.indb 13

13

06/09/11 11:52

Cette description qui ouvre le roman contient donc la problématique même de l’intrigue : les rejetons de cette famille balayée par la Révolution sauront-ils lui redonner du lustre et sauver leur nom ?

HISTOIRE DES ARTS Le tableau de Francisco de Goya représente deux vieilles femmes qui interrogent leur miroir : « Où en suis-je ? ». Un ange armé d’un balai semble regarder ce qui s’y inscrit. La flèche de diamant dans l’une des coiffures permettrait d’identifier l’une des vieilles femmes comme étant la reine Marie-Louise. Le peintre fustigerait alors la famille royale espagnole responsable de la défaite contre les troupes de Napoléon. Dans cette perspective, l’ange serait l’agent possible pour débarrasser l’Espagne des envahisseurs. Sur un plan plus fantasmatique, les deux femmes incarnent la Mort. Leurs faces osseuses et grimaçantes, proches de têtes de mort, leur allure squelettique, en font des Parques terribles ou des sorcières. Elles semblent lire le grand travail négatif de l’histoire. Le personnage angélique paraît impuissant devant ce surgissement de l’horreur. Le geste de l’ange qui menace de son balai prend une signification ambiguë : s’agit-il d’un geste libérateur ou sacrilège ? L’arme symbolique plane au-dessus de la tête royale.

VERS LE BAC Invention Les élèves veilleront à bien reprendre la forme et les codes de la lettre. Il conviendra de contextualiser le propos en tenant compte des repères historiques, des identités culturelles et sociales (auteur, éditeur). La lettre vise à convaincre l’éditeur de choisir le tableau de Goya comme illustration du roman. L’argumentaire pourra rapprocher les deux œuvres : – sur un plan narratif : concordance des motifs et des personnages (vieille aristocratie), image des femmes âgées et hideuses ; – sur un plan esthétique : l’auteur indique dans l’extrait lui-même qu’il souhaite surpasser en horreur deux auteurs de la littérature fantastique,

Maturin et Hoffman (l. 25). Il peut soutenir à l’éditeur que son ambition littéraire est d’égaler la peinture de son époque ; – sur un plan philosophique : le récit de Balzac est animé, comme le tableau de Goya, par une vision négative de l’Histoire : poids de la mort et du passé, espérance fragile, fascination pour une société qui n’existe plus, marquée par la décadence.

Dissertation Les romanciers peuvent choisir de représenter leurs personnages « sur les limites du réel et du fantastique » pour : – grossir des éléments du réel et leur donner une signification forte Ex. : Balzac n’hésite pas à rapprocher personnages et animaux dans ses portraits pour souligner un trait de caractère ou une passion dominante. Émile Zola présente certains héros comme de véritables prédateurs (voir Aristide Saccard dans La Curée). L’expressivité de la peinture aide le lecteur à mieux cerner les enjeux de signification. – donner une dimension mythique à un personnage Ex. : dans la littérature populaire, le personnage de Fantômas s’ancre dans un contexte sociologique précis (essor du banditisme) et fascine par son identité diabolique (capacité à changer d’identité, à s’échapper, à être partout, à faire le mal comme Satan). – explorer ce qui dépasse les seules dimensions sociale et historique Ex. : dans Les Misérables, Victor Hugo fait s’affronter les personnages Valjean et Javert dans une lutte qui est celle du Bien et du Mal. Le destin de Cosette enfant, qui tient du cauchemar, est écrit comme une descente aux Enfers. Les héros se définissent ainsi par leur rapport à l’absolu : damnation de Javert, rédemption et salut de Valjean. La réalité est déchiffrée dans une dimension morale et métaphysique. – remettre en question la notion de personnage Ex. : réduit à une seule lettre, K., héros de Kafka dans Le Château, évolue dans un monde absurde où il est écrasé par des figures d’autorité indépassables et incompréhensibles.


Litterature.indb 14

06/09/11 11:52

›

Gustave Flaubert, Madame Bovary,

⁄°∞‡ Roman intérieur

 p. ‹‚-‹⁄

LECTURE DU TEXTE 1. Le récit fait alterner rêve et réalité dans un mouvement de contraste qui dit toute la déception du personnage féminin, Emma Bovary. De la ligne 1 à la ligne 32, le texte passe en revue plusieurs échappées lyriques que la jeune femme se plaît à vivre en imagination. L’amorce du paragraphe suivant (« La conversation de Charles était plate comme un trottoir » l. 33-34) est très nettement déceptive. La comparaison sonne comme une cassure, une rupture brutale qui fait retomber dans la réalité (l. 33-49). Suit l’admiration de Charles pour son épouse dessinatrice et pianiste (l. 50-59). Mais cette admiration confine chez le mari à l’idiotie et à la vanité (l. 60-64). 2. La retranscription des pensées d’Emma s’amorce par l’utilisation du discours indirect (« Elle songeait quelquefois que… » l. 1). Puis, le discours indirect libre (« Pour en goûter la douceur, il eût fallu… » l. 2-3) permet de glisser dans le monde intérieur d’Emma. Le passage qui suit (l. 3-10) est proche du discours direct (présent de l’indicatif). Le narrateur ressaisit le lecteur par un verbe introducteur : « il lui semblait que… » (l. 10) pour ensuite céder de nouveau au mouvement des pensées animant Emma et à leur retranscription au discours indirect libre (l. 13-29). L’absence de qualité du mari prête également à un monologue intérieur au discours indirect libre (l. 44-49). Une lecture à haute voix, chorale, permettra aux élèves de saisir les nuances de cette retranscription. 3. La représentation qu’Emma se fait de la lune de miel reprend tout un ensemble de clichés redevables au roman et à la poésie romantiques : – harmonie entre le sentiment amoureux et les paysages sensuels et sublimes du Sud (l. 3-12) ; – mélancolie propre aux pays nordiques : Suisse, Écosse ; – peinture d’une âme tourmentée et insatisfaite (l. 17-22) ; – attitude du don absolu (l. 23-32). La correspondance entre le paysage et l’âme

d’un peuple est une idée développée avec beaucoup d’originalité par madame de Staël, dans De l’Allemagne. Mais cet essai, victime de son succès, est repris et réduit à une succession de stéréotypes. Ces clichés nourrissent l’écriture des romans sentimentaux à la psychologie sommaire.

4. Une lecture expressive permettra de mettre en valeur le ton ironique qui sous-tend le passage. Les excès du lyrisme et des clichés font naître le soupçon et trahissent la distanciation du narrateur par rapport à son sujet. 5. Dans la tradition romanesque qui oppose l’idéalisation à la platitude du réel, Gustave Flaubert développe des contrepoints déceptifs : « plate comme un trottoir de rue » (l. 34), « costume ordinaire » (l. 36), « boulettes de mie de pain » (l. 53). Il y a une retombée du rêve dans la banalité d’un quotidien médiocre et bourgeois, d’une vie routinière qui s’oppose à toute forme d’exaltation et d’enthousiasme. 6. La négation domine dans le portrait de Charles : « sans exciter d’émotion » (l. 36) : préposition qui exprime le manque, l’absence ; « il ne savait ni…, ni…, ni… » (l. 40-41) : conjonction ni employée en corrélation avec ne ; « il ne put, un jour, lui expliquer » (l. 41-42) : particule négative ne ; « il n’enseignait rien […] ne savait rien, ne souhaitait rien » (l. 46-47) : pronom indéfini comme auxiliaire de ne. À l’inverse d’un héros romanesque, Charles est l’homme sans qualité dont le portrait ne peut être que négatif, c’est-à-dire une somme de négations ou du moins la soustraction systématique de toute forme de talent. On fera commenter les structures insistantes et répétitives, le martèlement de négations absolues qui traduisent l’insatisfaction d’Emma. 7. Qu’il s’agisse d’Emma ou de Charles, le romancier adopte un rapport distancié, caustique et ironique : la rêverie pleine de clichés d’Emma (premier paragraphe), l’idiotie et la vanité de Charles (deux derniers paragraphes). 8. Le roman met en abyme la littérature romanesque elle-même. Consommatrice de récits sentimentaux ou « sentimentaires », l’héroïne finit par confondre réalité et rêve, à la manière du Don Quichotte de Cervantès. Le « bovarysme » ne relève donc pas de la psychologie ordinaire (naïveté, croyance), mais ouvre 1 Le personnage, reflet du monde ? |

Litterature.indb 15

15

06/09/11 11:52

une réflexion sur la littérature et ses pouvoirs. L’exaltation d’Emma montre-t-elle le pouvoir insidieux des rêves romanesques ou le désastre qu’ils génèrent ?

monde dans ses contradictions et tensions, à l’égal des couples ou des duos de personnages dans la littérature : Pantagruel et Panurge, Don Quichotte et Sancho Panza, Jacques et son maître…

HISTOIRE DES ARTS La pose d’Isabelle Huppert (yeux fermés, tête inclinée, absorption dans le sentiment, mouvement d’inspiration et de soupir, bras rejetés en arrière) traduit l’état extrême où le personnage d’Emma aime à se porter. L’écrin naturel qui se prolonge en arrière-plan, la robe d’une couleur sombre donnent une grandeur et une profondeur au personnage. Peut-être l’enjeu de la transposition filmique tient-il à la capacité de l’actrice à incarner des états aussi extrêmes, à en faire ressentir le vertige au spectateur.

VERS LE BAC Commentaire Le projet de lecture sera nettement orienté sur le décalage entre le rêve et la réalité dans sa dimension déceptive. Dans cette perspective, les questions 1, 2 et 3 peuvent préparer l’exercice. L’ironie du narrateur apparaît à plusieurs niveaux : – dans la représentation des personnages (pour Charles, voir questions 5 et 6), – dans le jeu entretenu avec le lecteur puisque ce dernier est sans cesse sur le point d’être piégé par l’abondance du discours intérieur d’Emma et rappelé à s’en distancier par des indices subtils.

Oral (analyse) L’extrait offre une représentation de l’échec du couple : les tempéraments des deux époux s’opposent totalement et se contredisent. Sur un plan littéraire, les deux personnages se complètent : – déception du réel incarné par le mari, qui relance le rêve de l’épouse, – richesse du monde intérieur (imagination d’Emma) versus platitude du monde extérieur, – exaltation sentimentale (lyrisme, poésie) versus rapport au monde concret et pragmatique, – représentation noble et élitiste (conception de l’héroïsme par Emma) versus identité bourgeoise prosaïque. Le personnage d’Emma ne peut fonctionner seul. Il est inséparable de son contraire que Charles représente. Le couple permet de peindre la totalité du

∞

Marcel Proust, Du côté de chez Swann, ⁄·⁄‹  p. ‹¤-‹‹

Résurrection du monde de l’enfance LECTURE DU TEXTE 1. Le narrateur met en scène le phénomène de la mémoire involontaire. La résurgence du souvenir fait « événement » comme le révèle l’emploi des temps : à l’imparfait qui permet d’évoquer des actions indistinctes qui s’étirent dans le temps, sans relief ni intérêt (enfouissement de la mémoire et routine quotidienne l. 1-4), succède une série de verbes au passé simple, lesquels marquent une progression de micro-événements jusqu’à celui extraordinaire du réveil de la mémoire grâce à la sensation (« je tressaillis » l. 11). Le passage au présent de l’indicatif de la voix passive (« m’est apparu » l. 14) signifie pleinement que le passé est désormais redevenu présent. Les indices de temps qui marquent l’irruption brutale du souvenir sont nombreux : « à l’instant même » (l. 10), « Et tout à coup » (l. 14). Le conteur n’est pas avare en hyperboles (« tressaillis » l. 11, « extraordinaire » l. 12). Or, ce phénomène qui bouleverse le narrateur est provoqué par un tout petit morceau de madeleine et tire donc son origine de sensations ténues. Le goût déclenche le souvenir et s’avère le sésame qui ouvre les portes de la mémoire. 2. De façon humoristique, le narrateur décrit le biscuit dans sa forme (« courts et dodus » l. 6) en établissant une comparaison : « qui semblent avoir été moulés dans la valve rainurée d’une coquille de Saint-Jacques » (l. 6-7). Il évoque même son « plissage sévère et dévot » (l. 25). La référence renvoie aux coquilles que les pèlerins accrochaient sur leurs capes au retour de Saint-Jacques de Compostelle. L’analogie


Litterature.indb 16

06/09/11 11:52

savoureuse entre le gâteau et l’emblème religieux, confère à la madeleine un pouvoir sacré, celui de réveiller la mémoire, de provoquer la résurrection du passé. Il ne s’agit pas seulement du passé vécu mais aussi du temps idéal, celui des essences platoniciennes.

3. L’extrait tel qu’il est délimité s’apparente à un triptyque : – la première partie (l. 1-12) marque la résurgence d’une sensation, d’un souvenir que le narrateur ne parvient ni à identifier ni à nommer ; – dans le second versant du texte (l. 14-32), grâce à des associations d’idées (rapprochement entre la madeleine donnée par sa mère et celle offerte par tante Léonie), le narrateur se ressaisit de souvenirs à l’état fragmentaire : le lieu (l. 15), un moment (« le dimanche matin… avant l’heure de la messe » l. 15-16) ; – le personnage dispose alors de toute sa mémoire pour reconstituer Combray dans sa totalité (l. 33-50). 4. La référence au monde théâtral est explicite à la ligne 37 : « vint comme un décor de théâtre ». Les lieux s’assemblent, se déploient, se déplient successivement : la vieille maison grise, le petit pavillon, la place, les rues, les chemins. Le conteur se plaît à rapprocher la reconstitution de Combray avec le mécanisme d’un décor qui se déploie. La comparaison du théâtre, suivie de celle du jeu japonais, aide à concrétiser un mécanisme psychologique difficile à décrire : la réapparition progressive d’un monde grâce à la mémoire. La référence au théâtre permet de mettre en valeur la dimension quasi magique du phénomène de la mémoire, dont le pouvoir assez inexplicable est de faire revivre un monde disparu comme par enchantement. Enfin, la petite ville est en elle-même un théâtre social avec ses acteurs principaux (la tante Léonie, M. Swann…), son cérémonial, ses drames. 5. On pourra aider les élèves à visualiser la structure d’une phrase grâce à des arborescences. La longueur des phrases contribue à déployer les phénomènes et le processus en cours, à en suivre le détail, à mettre en place un monde. 6. Le souvenir de Combray touche à des dimensions multiples : – une généalogie (la maison de la tante, le pavillon construit pour les parents, l. 38) ;

– l’univers familial avec ses rites (l’infusion de thé ou de tilleul, l. 18) ; – l’éveil à la sensualité (fleurs, jardins, parc) ; – la première exploration du monde (courses, promenades, l. 41) ; – la connaissance d’un microcosme social (M. Swann, « les bonnes gens du village », l. 48). Le texte procède par amplification et cercles qui s’élargissent. À mesure que resurgit le souvenir, se reconstitue l’histoire intime du narrateur qui touche à son identité, à l’éveil de ses sens et de sa conscience. Le conteur passe du noyau familial au monde social de Combray : il entreprend alors la chronique d’une société disparue.

7. L’épisode de la madeleine met en valeur deux dimensions de la mémoire : – sa capacité à faire renaître un monde : la fulgurance de la résurgence du souvenir, le réseau des signes qui s’assemblent jusqu’à la reconstitution complète de Combray l’illustrent. – le rapport qui existe entre mémoire, souvenir affectif et sensation : de la ligne 22 à la ligne 32, le narrateur analyse le pouvoir des sensations qui maintiennent le souvenir présent à travers le temps.

HISTOIRE DES ARTS Édouard Vuillard déploie un même univers sous la forme d’un triptyque. Peut-être ce choix a-t-il été déterminé par des contingences matérielles (adaptation au lieu d’exposition puisqu’il s’agit de la décoration d’un hôtel particulier). Cependant, la fragmentation acquiert plusieurs significations que l’on ne peut exprimer que sous la forme de questions. Le peintre a-t-il voulu représenter plusieurs âges de la vie ? Si l’on balaie du regard les panneaux de la gauche à la droite, on constate que les figures enfantines présentes dans le premier, et qui incarnent la jeunesse joueuse et rieuse, disparaissent au centre du tableau où ne figurent que des adultes, pour laisser le spectateur sur le personnage habillé de noir du troisième panneau. En suivant cette trajectoire, il semble que le groupe social se disloque pour laisser la place à la solitude. S’agit-il de trois visions de la femme, qui peuvent être complémentaires ? Cette microsociété bourgeoise, qui semble pleine de vie et d’activité, apparaît, par le choix du triptyque, beaucoup plus cloisonnée, mettant en avant autant les rites de convivialité que la rupture 1 Le personnage, reflet du monde ? |

Litterature.indb 17

17

06/09/11 11:52

de la communication et la place du silence. L’emplacement des personnages dans l’espace marque un certain éloignement. Faut-il lire la rupture entre le monde des enfants et celui des adultes ? Sous l’apparence d’un monde lisse et tranquille, le tableau de Vuillard présente beaucoup d’ambiguïtés.

VERS LE BAC Invention L’écriture de ce texte à la manière de Proust prête à un processus d’enrichissement et exige de procéder par étape, pas à pas : Étape 1 : choix individuel d’un souvenir et de sa résurgence involontaire. Étape 2 : mise en récit. Étape 3 : réécriture liée à l’art du détail et à l’évocation d’un monde ou d’un univers. Étape 4 : réécriture permettant l’enrichissement du lexique (sensations…). Étape 5 : inscription du récit dans une structure mythique.

Dissertation L’objet de la délibération littéraire porte sur le choix pour le personnage entre un voyage intérieur ou un accomplissement dans le monde extérieur. 1) Depuis le modèle de l’Iliade et de l’Odyssée, la trajectoire du héros s’apparente à une traversée du monde. a) Le roman d’aventures en donne la version la plus simple. Au fil des aventures et des épreuves, le héros souvent positif se qualifie. Il en est ainsi pour les personnages de Jules Verne (voir Jean-Yves Tadié, Le Roman d’aventures, PUF) : l’aventurier est un globe-trotter et un héros. b) La traversée du monde est une odyssée morale et sociale. Du Picaro aux héros de Céline et de Joyce, le déplacement, l’errance, voire la perte dans un monde qui apparaît comme un labyrinthe, font éprouver au personnage une interrogation sur les valeurs et leur fragilité. c) L’affrontement au monde extérieur n’est pas seulement physique. Il atteint une signification métaphysique dans les romans de chevalerie (espace de la quête et de la recherche, notamment du Graal), dans les fictions de Victor Hugo (Les Travailleurs de la mer) où les héros luttent contre les éléments représentant le Mal (la nuit, l’océan, les espaces infinis).

2) Mais cette odyssée peut être intérieure. a) L’extrait de Proust montre comment le personnage-narrateur se réfugie dans le monde de la mémoire et laisse progressivement se reconstituer le souvenir d’une société disparue qui correspond à son enfance, au noyau familial dont il peine à se séparer, à un microcosme social dont la disparition nourrit sa nostalgie, mais dont les rites et les codes suscitent fascination et amusement. b) Le roman de Michel Butor, La Modification, raconte un voyage en train à Rome. Mais l’intérêt du récit consiste dans les débats intérieurs, contés à la deuxième personne du singulier, que vit le personnage, la décision qu’il tente de prendre dans ses choix amoureux, le débordement du rêve. 3) Il s’avère difficile de dissocier exploration du monde extérieur et voyage intérieur. Bien des personnages romanesques permettent de relier les deux. a) Le choix d’une représentation onirique ou absurde permet de mêler les deux dimensions. K., héros du Château de Kafka, est un arpenteur. Son exploration de la société et des lieux énigmatiques (il est à peine possible d’accéder au château) s’allie à une expérience intérieure de l’absurde et de l’effondrement de l’identité. b) Un roman d’aventures aussi populaire que celui du Comte de Monte Cristo combine l’errance du héros, sa traversée de la société parisienne et un parcours spirituel sur la signification même de la Justice. On peut en dire autant de Jean Valjean qui, pour sauver Marius recherché par la police, s’enfonce dans les égouts, enfer et envers de la société : il y rencontre les représentants de la pègre, les restes de l’histoire (« le haillon de Marat »), la nuit.

§

Georges Perec, Les Choses, ⁄·§∞

 p. ‹›

Avoir LECTURE DU TEXTE 1. Le texte s’amorce par une formule paradoxale (« Ils ne méprisaient pas l’argent. Peutêtre, au contraire, l’aimaient-ils trop ») qui renforce l’idée de l’attrait de l’argent tenu pour


Litterature.indb 18

06/09/11 11:52

un idéal de vie. En effet, parce qu’il est un « équivalent universel » (Aristote), l’argent permet de tout échanger, de tout acquérir, à commencer par « les choses » produites et désirées en masse. La fiction de Perec appartient en effet à une époque précise : l’explosion de la société de consommation dans les années 1960.

2. L’écriture romanesque procède par associations et séries de mots : – sur les valeurs en cours : « solidité » (l. 2), « certitude » (l. 2), « permanence » (l. 3) ; – sur les lieux (topographie parisienne) : « la rue des Gobelins » (l. 9), « rue Cuvier » (l. 10), « gare d’Austerlitz » (l. 11), « rue Monge » (l. 12), « rue des Écoles » (l. 12), « SaintMichel, Saint-Germain » (l. 12-13), « le PalaisRoyal, l’Opéra, ou la gare Montparnasse, Vavin, la rue d’Assas, Saint-Sulpice, le Luxembourg » (l. 13-14) ; – sur les objets : « canapé de cuir », « assiette », « plat de faïence », « verre taillé », « bougeoir de cuivre », « chaise cannée » (l. 18-19) ; – sur les types de magasins : « antiquaires, libraires, marchands de disques, cartes de restaurants, agences de voyages, chemisiers, tailleurs, fromagers, chausseurs, confiseurs, charcuterie de luxe, papetiers » (l. 20-22). Cette écriture sérielle qui joue de l’énumération et de l’accumulation se caractérise par la volonté de dresser un inventaire ou un répertoire systématique des éléments du monde, qui participe autant de l’esthétique réaliste du XIXe siècle (héritage du roman balzacien) que de la création moderne. Cette écriture sérielle n’est pas sans rapport avec le « name dropping » qu’affectionnent les romanciers contemporains, comme Brett Easton Ellis dans American psycho ou Martin Amis dans Money, money. C’est une façon d’établir une nomenclature étrangement poétique, celle des objets de marques, quintessence de la société de consommation. Ces objets ne servent ni à courir, ni à se vêtir, ni même à faire preuve de raffinement. Ce sont de simples supports, de simples surfaces où le logo peut s’étaler. C’est peu dire qu’ils ont perdu toute valeur d’usage au profit d’une valeur d’échange extravagante, reposant sur ce que les anciens appellent la vanité (voir La Madeleine) et que le marketing nomme désir de reconnaissance. Perec pose les prémisses de ce mouvement. 3. On distingue très nettement la caractérisation dépréciative (« sinistre rue Cuvier », « abords

plus sinistres encore de la gare d’Austerlitz », l. 10-11) et l’implicite valorisant pour les quartiers de la grande ou haute bourgeoisie que forment le Palais-Royal, Saint-Sulpice, le Luxembourg. Au désintérêt et au pas rapide de deux promeneurs qui négligent de regarder ce qui les entoure, succède une marche lente (l. 15). Les objets eux-mêmes valent par les signes extérieurs de richesse (« reflets rougeâtres du cuir », ornement sur les assiettes), leur aspect clinquant (« luisance d’un verre taillé », cuivre du bougeoir), l’idée de raffinement et de confort (« finesse galbée d’une chaise »). Ces catégories correspondent à un luxe bourgeois ostentatoire. Dans Mythologies, Roland Barthes se livre de même au démontage du luxe et de l’idéologie de la petite-bourgeoisie.

4. L’ironie du narrateur est perceptible à travers : – la situation et l’attitude paradoxales des personnages : Jérôme et Sylvie ne sont pas riches, mais rêvent de l’être, ou se contentent de l’imaginer ; – l’excès de l’accumulation ; – la présence constante de clichés (voir lexique, manuel de l’élève) et d’une représentation stéréotypée de la vie à travers l’idéal du confort bourgeois.

HISTOIRE DES ARTS La place de l’objet devient déterminante dans la société de consommation. Aussi la peinture d’Andy Warhol est-elle représentative de ce contexte : un objet banal, voire trivial, comme une boîte de conserve Campbell ou un paquet de lessive Brillo, devient le sujet central et omniprésent d’une toile. Le peintre a d’ailleurs procédé à des peintures en série sur ce motif. On peut en visualiser des exemples sur le site du musée Ludwig de Cologne : www.museum-ludwig.de.

VERS LE BAC Question sur un corpus Aussi bien Flaubert que Perec fustigent chez leurs personnages l’évasion dans un imaginaire stéréotypé. Celui d’Emma Bovary est conditionné par les clichés mis à l’honneur par le romantisme : culte de la sensibilité et de l’amour, quête de l’homme idéal, évasion dans l’irréel et la féérie… Celui de Jérôme et de Sylvie correspond à une société fondé sur la 1 Le personnage, reflet du monde ? |

Litterature.indb 19

19

06/09/11 11:52

consommation, la place dominante de l’objet, la valeur argent, les représentations bourgeoises. Dans les deux cas, le roman critique une aliénation des individus par l’idéologie dominante, qu’elle soit littéraire ou économique. Cependant, du XIXe siècle au XXe, le lecteur est passé du rêve au matérialisme.

Invention Pour favoriser l’élaboration d’une écriture sérielle, on pourra proposer aux élèves de consulter des catalogues d’objets, des listes…

‡

Michel Houellebecq, Extension du domaine de la lutte, ⁄··›  p. ‹∞

Regard froid sur l’humanité LECTURE DU TEXTE 1. La société telle qu’elle est décrite par Michel Houellebecq s’avère paradoxale et absurde : les gens tentent de se donner une identité différente, tout en formant des petits groupes et donc en se rassemblant, sans trouver d’unité. La plénitude existentielle qu’ils affichent ne correspond qu’à la satisfaction d’acheter ou de consommer. Cet ordre co-existe avec des slogans propres à la culture punk et au hard rock (« Kill them all ! », « Fuck and destroy »), ce qui prouvent qu’une culture d’opposition très contestataire a fini par se fondre dans la banalité du quotidien et devenir à son tour un objet de mode ou de consommation, dépourvu de sens. 2. Dans ce texte, le romancier se livre à une observation du monde. La dimension descriptive est dominante. Le narrateur adopte le regard distancié d’un scientifique qui étudie les comportements. C’est pourquoi le texte suit une progression précise : – mise en place du dispositif d’observation : choix de s’installer sur une des dalles de béton (l. 1-2) ; choix de l’objet observé estimé représentatif (« cette place est le cœur, le noyau central de la ville » l. 3) ; – questionnement : « Quel jeu se joue ici exactement ? » (l. 3) ; – amorce des trois paragraphes suivants par « J’observe » avec un regard ciblé successivement

sur les groupes et leur déplacement (l. 4-10), sur les visages et leur expression (l. 11-18), sur soimême par opposition (l. 19-20) ; – clôture par le retrait dans le café, qui s’avère un échec. Ce regard distancié est aussi celui d’un moraliste qui s’attache à déchiffrer les comportements et les apparences. L’écriture romanesque n’hésite pas à recourir à l’analyse à partir des concepts de la « ressemblance » et de « l’individualisation », sans qu’il en ressorte une loi claire et évidente. Là réside le malaise du narrateur.

3. Le passage se clôt sur un mouvement de retrait piteux (refuge dans un café) et sur la vision d’un dogue allemand énorme (l. 22) qui menace de mordre. Le narrateur insiste donc sur la fragilité et la faillite de l’être humain, vite dépassé par les animaux eux-mêmes. À moins qu’on ne perçoive, dans cette image du chien, une référence au cynisme chez un auteur qui pratique une vision cynique du monde.

VERS LE BAC Invention Il s’agit d’écrire à partir d’un support iconographique. On pourra demander aux élèves de reprendre le dispositif énonciatif et descriptif construit par Michel Houellebecq.

Oral (entretien) Le candidat peut exposer plusieurs pistes : – un personnage romanesque en rupture conduit forcément à adopter un regard critique sur la société (par exemple, L’Étranger de Camus) ; – la rupture avec les valeurs traditionnelles ou conventionnelles permet d’engager un autre rapport au monde. Ainsi Adam Pollo, héros du Procès Verbal, se tourne vers l’animalité, la nature (la mer, le soleil), un monde autre que celui des hommes. La rupture avec la société occidentale amène à explorer d’autres cultures (Désert de Le Clézio) ; – ce type de personnage risque de paraître singulier à l’extrême, marginalisé, moins représentatif des enjeux que l’humanité plus moyenne porte (par exemple, Langlois dans Un Roi sans divertissement s’engage dans une relation au monde et à la vie énigmatique aux yeux de la communauté villageoise).


Litterature.indb 20

06/09/11 11:52

LE PERSONNAGE INSAISISSABLE

8

Denis Diderot, Jacques le fataliste, ⁄‡·§

 p. ‹6-‹‡

Objectifs du texte : L’incipit de Jacques le fataliste est un texte fondamental pour l’histoire du roman moderne. Publié de façon posthume en 1796, mais rédigé en 1778, l'œuvre explore la forme romanesque en exhibant tous ses possibles. L’incipit est une sorte de synthèse de ce projet : la présence d’un narrateur qui joue avec le lecteur et, ce faisant, brise l’illusion romanesque ; l’introduction dès la première page de la forme théâtrale, puis une histoire peu banale d’un valet qui va raconter ses amours à son maître sont les traits les plus marquants de ce début de roman.

Comment s’étaient-ils rencontrés ? LECTURE DU TEXTE 1. Les premières lignes du premier paragraphe ne peuvent que surprendre le lecteur. Le jeu de questions-réponses laisse entendre deux voix : une première voix pose des questions à propos d’individus (« ils ») qui ne sont identifiés que par la suite ; la seconde propose des réponses qui sont autant de fins de non recevoir. Il faut s’attacher au sens des questions pour comprendre qu’il s’agit des interrogations habitant tout lecteur au début d’un roman et que les réponses apportées sont celles du narrateur. Autrement dit, l’originalité de cet incipit est qu’il met en scène de façon originale le lecteur et le narrateur, exhibant ainsi ce qui est habituellement caché avec soin dans la construction romanesque. Dans le même mouvement, en dévoilant le « pacte de lecture » tacite noué entre auteur et lecteur, Diderot rompt l’illusion réaliste, qui fait que l’on croit à une histoire pourtant invraisemblable, tout au long de notre lecture. Le dernier paragraphe est plus explicite encore puisque le narrateur s’adresse directement au « lecteur », qu’il apostrophe, et qu’il fait référence à ses fonctions et à son pouvoir dans la fiction. Les questions terminant l’extrait sont autant de récits possibles. La conclusion du narrateur est explicite

et métadiscursive : « Qu’il est facile de faire des contes ! » (l. 47). 2. Les lignes 6 à 35 se présentent comme un dialogue théâtral (à l’exception des lignes 10 et 11) : la présence des noms avant les répliques, l’insertion des paroles par le biais des tirets rappellent les codes du genre. Le lecteur peut avoir le sentiment que deux genres alternent dans cet extrait : le roman, avec la présence étonnante d’un narrateur qui s’adresse à son lecteur, mais aussi le théâtre avec des personnages clairement identifiés par la présentation typographique. 3. Les ruptures et les digressions laissent entendre au lecteur tout le potentiel romanesque du texte. Mais elles annoncent aussi la narration à venir : le récit des amours de Jacques, qui sera sans cesse repoussé. 4. Cet incipit remplit ses fonctions à sa façon : il pose les questions auxquelles le lecteur attend une réponse : qui sont les personnages ? Dans quel cadre spatio-temporel évoluent-ils ? Quelle est l’action ? Mais les réponses ne sont pas données. Au contraire, le narrateur, dans ses interventions, refuse de répondre avec une arrogance qui souligne assez son pouvoir. De ce point de vue, les premières lignes de Jacques le fataliste sont inédites. Pourtant, en déstabilisant le lecteur et en refusant les codes habituels, cet incipit remplit pleinement une autre fonction fondamentale : piquer la curiosité. 5. La dialogue nous apprend que, suite à une altercation entre Jacques et son père, le personnage s’engage dans l’armée (l. 18). Il reçoit alors une balle dans le genou (l. 20) et tombe amoureux sans que le lien entre sa blessure et la relation amoureuse soit établi. 6. Le « déterminisme » est une doctrine philosophique considérant que tout événement humain est lié à des événements antérieurs. La métaphore qui en rend compte est celle de la chaîne, reprise par Jacques (« les chaînons d’une gourmette », l. 22). Ainsi, ce personnage analyse tout ce qu’il lui arrive de bon ou de mauvais sur le mode de la fatalité : tout est « écrit là-haut » (l. 5) et tout s’enchaîne sans qu’il ait prise sur le cours des événements : « Sans ce coup de feu, par exemple, je crois que je n’aurais pas été amoureux de ma vie, ni boiteux » (l. 22-24). 7. Le dialogue entre Jacques et son maître change des relations habituelles entre maître 1 Le personnage, reflet du monde ? |

Litterature.indb 21

21

06/09/11 11:52

et valet, mais non des dialogues de comédie. Il est fréquent dans les pièces de Molière ou de Marivaux, par exemple, de mettre en scène un valet malin ou une soubrette astucieuse qui va devenir le maître du jeu. Ici, toute l’attention est portée sur la parole de Jacques et plus précisément le récit de ses amours.

8. Cet incipit rompt l’illusion romanesque dans la mesure où il exhibe les procédés que les autres romans tendent à cacher. Le lecteur n’a pas le sentiment d’entrer dans une histoire se racontant toute seule. Au contraire, il est interpelé par un narrateur refusant de répondre à ses questions, questions exhibées dans le texte puisque « le lecteur » est devenu un personnage à part entière, qui a voix au chapitre et qui intervient dans la fiction. L’incipit propose au fond un pacte de lecture original : l’intérêt de la lecture sera moins attaché au pouvoir de la fiction (Diderot n’essaie pas de nous faire croire à son histoire : au contraire, il souligne à grands traits qu’elle n’est que pure fiction) qu’à l’intérêt de la narration. Pourtant, le lecteur se prend au jeu et aimerait bien, lui aussi, connaître les amours de Jacques.

HISTOIRE DES ARTS La position des comédiens sur la scène traduit une relation de proximité. On peut aussi noter un effacement de la hiérarchie qui les unit : ils sont assis l’un à côté de l’autre et la position de Jacques, à droite, dénote à la fois décontraction et bonne humeur. La photographie de la mise en scène de Nicolas Briançon tend à souligner la complicité entre les personnages et donc la singularité de leur relation.

VERS LE BAC Commentaire 1) Le jeu avec les codes de l’incipit romanesque a) Des voix inattendues : les échanges entre le narrateur et le lecteur b) Un narrateur qui malmène le lecteur c) L’intrusion étonnante de la structure théâtrale 2) Un dialogue sur l’individu et sa liberté a) Des références explicites au déterminisme b) Une vision fataliste de la liberté de l’Homme c) Le potentiel romanesque de cette vision de l’Homme

Oral (analyse) Pendant l’entretien, on pourrait développer les pistes suivantes : – Le début de Jacques le fataliste introduit des personnages difficiles à identifier et un nombre considérables d’actions. – Mais surtout cet incipit est singulier parce qu’il n’apporte pas les réponses aux questions que peut se poser un lecteur au début d’un roman. Au contraire, il cherche à déstabiliser le lecteur en les rappelant pour refuser d’y répondre.

·

G. Faubert, Bouvard et Pécuchet, ⁄88⁄

 p. ‹8-‹·

Objectifs du texte : Le texte proposé est situé au début du roman. Nous sommes encore dans l’incipit. Il s’agit donc de comprendre comment l’auteur propose un premier portrait assez ironique de personnages qui s’apparentent à des antihéros.

Et leurs yeux se rencontrèrent LECTURE DU TEXTE 1. Le début de Bouvard et Pécuchet se passe à Paris : les personnages évoquent la « capitale » (l. 43) et la « banlieue » (l. 41), mais aussi « Bercy » (l. 56). Ils sont sur un « boulevard » (l. 10), dont on sait dans le passage précédant qu’il s’agit du boulevard Bourbon. Dans cet extrait, le lecteur reconnaît la géographie parisienne : la « Bastille » (l. 2) et le « Jardin des Plantes » (l. 3). Cet ancrage spatial offre un cadre réaliste au récit. 2. Les personnages forment physiquement un couple antithétique, à la manière de Laurel et Hardy. Flaubert insiste sur le contraste qu’ils offrent, qui crée un contrepoint comique. Ils s’opposent d’abord par leur taille : autant Bouvard est « grand » (l. 3), autant Pécuchet est « petit » (l. 6). Bouvard est blond et frisé (l. 31) tandis que Pécuchet a les cheveux noirs et plats (l. 36). Leurs couvre-chefs diffèrent : chapeau pour Bouvard (l. 4), casquette pour Pécuchet (l. 8). Au début du texte, Bouvard semble


Litterature.indb 22

06/09/11 11:52

physiquement très à l’aise, plutôt dévêtu (l. 4-5), tandis que Pécuchet se drape dans ses vêtements pour se cacher (l. 6-8). Enfin, Bouvard a l’air « enfantin » (l. 32) tandis que Pécuchet semble « sérieux » (l. 34) et viril (voir l’évocation de sa voix, l. 38). D’un point de vue psychologique, la position de leur tête au début du texte est significative : Bouvard, plus fier, a « le chapeau en arrière » tandis que Pécuchet, plus introverti, marche tête baissée (l. 7). Mais les deux compères, pour différents qu’ils soient, font bien la paire : tous deux ont les mêmes manières : ils ont, par exemple, écrit leur nom à l’intérieur de leur coiffe pour éviter un vol. Ils ont le même réflexe : s’asseoir au même moment au même endroit (l. 10-12). Ils ont le même métier, « employé » (l. 25). D’un point de vue politique, les deux personnages partagent les mêmes opinions plutôt conservatrices (l. 53-54). Et, bien sûr, ils alignent sur les femmes tout un catalogue, voire un dictionnaire, d’idée reçues très négatives (l. 60).

3. Les deux personnages se considèrent, pour reprendre le verbe de la ligne 26, mis en valeur par la structure en paragraphes. Le portrait de chaque personnage fait de cette scène de rencontre une parodie de coup de foudre romanesque. Les verbes « charm[er] » (l. 27) et « frapp[er] » (l. 34) en témoignent. On pourrait même comparer ce passage avec la rencontre amoureuse entre Frédéric Moreau et Madame Arnoux dans L’Éducation sentimentale, comme si Flaubert s’amusait à réécrire ses propres textes sur un mode comique et distancié. La dimension parodique tient aux aspects caricaturaux d’un texte qui reprend, sur le mode de l’hyperbole, les conventions du genre. Ainsi, les points communs nombreux entre les deux personnages (mêmes métiers, mêmes idées sur les femmes et la politique, mêmes habitudes), leur discussion tissé de lieux communs détournent, pour la caricaturer, la rencontre amoureuse romanesque traditionnelle. Prolongement On retrouve, dans Madame Bovary, une même scène de séduction tournée en dérision. On peut la retrouver dans le manuel de Seconde, ainsi que des extraits de la correspondance à Louise Collet expliquant la difficulté du travail nécessaire à cette écriture aussi ironique que réaliste

ainsi que le but de cette entreprise littéraire.

4. La parodie tient essentiellement à l’utilisation des clichés (voir lexique dans le manuel de l’élève). En effet, Flaubert reprend les lieux communs de la rencontre amoureuse : deux individus se croisent, leurs regards s’arrêtent l’un sur l’autre. Après ce coup de foudre, ils se découvrent des points communs et envisagent ensemble un avenir possible. Pour qu’il y ait parodie, il faut un intertexte auquel l’auteur se réfère implicitement. Ici, il s’agit de L’Éducation sentimentale, publiée en 1869. 5. Bouvard et Pécuchet sont deux « employés » (l. 24 et 25) de bureau vivant à Paris. Ils semblent assez aigris, égoïstes et critiquent leurs contemporains. Ainsi, ils ont la dent dure contre la classe ouvrière (l. 52-54). La dernière phrase, commentaire glaçant du narrateur, souligne l’envers de leur individualisme : ils vivent dans une triste solitude. La tragédie intime perce sous leur portrait grotesque et hautement comique. En effet, Pécuchet est célibataire (l. 62), tandis que Bouvard est veuf sans enfants (l. 63). C’est pour rompre avec cette vie morne et grise qu’ils rêvent de campagne (l. 40) ou plus simplement d’un ailleurs et se libèrent de leurs vêtements. Leur rencontre va permettre à chacun de trouver, à défaut de compagne féminine, un alter ego avec qui rêver une nouvelle vie. 6. Les deux personnages principaux d’un roman en sont les héros. Pourtant, leurs valeurs n’ont rien d’héroïque ! Le terme d’« antihéros » désigne précisément des « héros » de roman qui portent, comme ici, des valeurs médiocres que Flaubert attribue à la petite bourgeoisie, classe montante et représentative de la réalité des années 1870. Égoïstes, repliés sur eux-mêmes, soupçonneux à l’égard de leurs compagnons (voir le nom dans le chapeau), ils refusent l’idée de solidarité ou d’appartenance à une communauté : au contraire, ce sont des individualistes qui ne peuvent parler au nom de tous. Pourtant, leur tristesse grise les rend pathétiques et, peutêtre, attachants. 7. Bouvard et Pécuchet, finalement, sont ridicules et prêtent à sourire. Leur physique contrasté fait de leur couple improbable un duo plus comique qu’héroïque. Leurs comportements stéréotypés et mécaniques, leur peur de la classe populaire, leur autosatisfaction bourgeoise les 1 Le personnage, reflet du monde ? |

Litterature.indb 23

23

06/09/11 11:52

inscrivent dans une médiocrité dont Flaubert est le romancier génial. Il va, sur ce rien, faire tenir tout un roman, qui en analyse les ressorts pour mieux la railler.

HISTOIRE DES ARTS Pour pouvoir répondre à la question posée, il est nécessaire de définir la notion de « grotesque ». On entend par cet adjectif une esthétique qui pourrait être définie comme extravagante ou excentrique et qui peut prêter à sourire. D’une certaine façon, elle pourrait correspondre à la conception baudelairienne du Beau, toujours « bizarre ». Ici, la terre crue de Daumier tend vers cette conception : la personne représentée voit ses traits légèrement accentués, sans être dans la caricature. On pourra justement la comparer avec les plus célèbres de Daumier pour comparer les procédés et saisir les différences.

2) Deux antihéros a) Des personnages individualistes, qui ne représentent pas une collectivité b) Des valeurs qui ne sont pas celles de héros c) Une scène parodique

Oral (analyse) La réponse pourrait s’appuyer sur les points suivants : – Le lecteur ne s’attend pas à ce que la rencontre entre les deux employés utilise la rhétorique de la rencontre amoureuse. – Le regard ironique du narrateur signale clairement les intentions de Flaubert. La distance qu’il prend avec ses personnages pourrait surprendre.

⁄‚

⁄·‹8

Commentaire 1) Le réalisme de la scène a) Le cadre spatial (Paris) b) Les personnages et le détail des portraits (vêtements, postures) c) Une rencontre réaliste (points de vue et détails)

 p. ›‚-›⁄

Objectifs du texte : Analyser un texte dans lequel le personnage prend conscience de l’existence de son corps et en ressent un sentiment d’étrangeté à lui-même.

VERS LE BAC Question sur un corpus Bouvard et Pécuchet comme Jacques le fataliste subvertit les codes littéraires. La réponse pourrait développer deux points : 1) Les deux romans présentent un narrateur qui joue avec le lecteur de roman – Celui de Diderot s’adresse au lecteur pour refuser de lui donner les informations qu’il attend. – Celui de Flaubert fait une présentation ironique des personnages. 2) Les deux romans jouent avec l’horizon d’attente traditionnelle du lecteur de roman – Le lecteur de Diderot attend le récit des amours de Jacques… qui les donnera… ou pas ! – Celui de Flaubert ne s’attend pas une nouvelle rencontre presque « amoureuse » entre les deux employés de bureau parisiens.

J.-P. Sartre, La Nausée,

Étranger à soi-même LECTURE DU TEXTE 1. La Nausée prend la forme d’un journal intime écrit par Antoine Roquentin. À travers l’écriture, le personnage parvient à exprimer le rapport étrange qu’il entretient avec son propre corps. Son regard se pose sur les différentes parties de son corps, comme si elles étaient autonomes, voire extérieures à lui. Il prend alors une conscience aiguë de leur poids, leur chaleur, le mouvement de ses viscères ou de sa graisse (l. 28) et de « toutes les sensations qui se promènent là-dedans » (l. 29-30). Pour la plupart des hommes, le corps fonctionne sans qu’ils en aient conscience : respiration, sudation, salivation se font naturellement, sans y penser. Dans ce texte, c’est l’inverse. Le sujet ne peut s’arrêter de penser, sur le mode de la « rumination douloureuse » (l. 39) à la vie qui anime malgré lui chaque parcelle de son corps. Le premier paragraphe donne le ton ; il insiste sur le trajet mécanique de la salive de sa bouche à sa gorge, jusqu’au dégoût, jusqu’à la nausée.


Litterature.indb 24

06/09/11 11:52

On nomme « existentialisme » cette conscience douloureuse d’exister.

2. Le texte s’ouvre sur un constat très général qui va ensuite être approfondi tout au long du texte. Ainsi, les premiers mots du texte, « j’existe » (l. 1) trouvent un écho dans les derniers : « je pense que j’existe » (l. 41). Entre ces deux bornes, Roquentin fait l’expérience de l’existence de son propre corps en plusieurs étapes : – Un corps étranger, l’eau, vit dans son corps (l. 3-6). – L’eau lui fait prendre conscience de l’existence de ses propres organes (l. 6-7), de leur fonctionnement autonome, sur lequel il a peu de prise. Ils fonctionnent sans lui, et pourtant, ils font partie de lui, ils sont lui. – Roquentin observe sa propre main (l. 8-31) et lui prête pour le temps de l’observation une existence autonome. Pourtant, elle aussi fait partie de lui-même. « Elle vit – c’est moi » (l. 8). – La fin du texte propose le même constat pour le déroulement de ses pensées, qui suit un cheminement autonome, échappant par moment à la raison consciente. Ce constat remet en cause la définition classique du sujet humain, maître de lui comme de l’univers. Pour Descartes, la faculté de penser de manière claire, rationnelle et consciente constitue notre essence. C’est la racine de notre être, notre identité profonde d’être humain. Penser permet d’avoir conscience de soi, de maîtriser nos raisonnements et d’être responsables de nos actes. Rien de tel pour le personnage : il ne maîtrise pas la vie souterraine de son corps, il ne dirige pas toujours ses pensées, faites de mots qu’il n’a pas inventés et qui « reviennent tout le temps » le hanter, sans qu’il puisse mettre un terme à cette mécanique énigmatique (l. 39). Or, si notre essence rationnelle est ainsi remise en cause, que reste-t-il ? Le sentiment que l’on existe de manière contingente, comme cela, pour rien. Au même titre que le « champignon » auquel le héros se compare dans un autre extrait. « L’existence précède l’essence », explique Sartre. Ici, son personnage réécrit le « cogito » de Descartes et transforme le « je pense donc je suis » (c’est mon essence, ma définition d’être humain) en « je pense que j’existe » (je constate mon existence, je n’y suis pour rien et je ne sais pas encore quel sens elle a, si tant est qu’elle en ait un).

3. La main est présentée comme un animal vivant sa propre vie : « elle vit » (l. 8). Elle peut en effet choisir de se présenter « sur le dos » (l. 9 et 15) ou sur « le ventre » (l. 10, 13, 14). Les doigts sont comme les « pattes » de l’animal (l. 11, 18), comparables à celles du crabe (l. 11, 12). Son dos est comparé à celui d’un poisson (l. 15-16). Cette bête est douée de caractéristiques propres : elle pèse son poids, dégage sa propre chaleur. Elle a une existence pour soi. Le personnage s’en rend compte lorsqu’il pose les mains sur un objet neutre, bien distinct de lui, la « table qui n’est pas moi » (l. 19) : il perçoit alors pleinement la masse de ses deux mains sur la table. Il réitère l’expérience en laissant pendre sa main le long du corps : elle pèse de tout son poids. Il fait ainsi l’expérience de l’existence de sa main, en dehors de lui et pourtant à lui. Prolongement Ce passage est en dialogue constant avec la deuxième des Méditations métaphysiques de Descartes. Voir l’expérience du morceau de cire.

4. On comprend pourquoi dire « je » ou « moi » devient difficile : chaque partie de « moi » est constitutive de mon être. On peut citer les constats suivants : « Et cette mare, c’est encore moi. Et la langue. Et la gorge, c’est moi. » (l. 6-7), « [...] ma main [...]. Elle vit – c’est moi » (l. 8), « Je vois les ongles – la seule chose de moi qui ne vit pas » (l. 13-14), « C’est moi ces deux bêtes » (l. 17). Et pourtant, je ressens chaque parcelle de mon corps comme étant autonome, extérieure à moi, échappant peu ou prou à ma maîtrise. Ainsi, le narrateur parvient à détacher ses organes, en particulier sa main. Il en fait des éléments étrangers à lui-même en prenant conscience de leur existence. Ainsi, l’expression de soi devient difficile car elle repose sur une séparation très nette entre l’individu, son propre corps et même les pensées qui l’agitent, sans qu’il puisse toujours en canaliser le cours. Le texte pose la question suivante : qui suis-je, si la plupart des choses qui se passent en moi échappent totalement à mon contrôle ? C’est peut-être pour cela que le mot moi, qui clôt le texte est en italique. Le moi « continue » et « déroule » le fil d’une pensée qu’il n’est pas libre d’arrêter. 1 Le personnage, reflet du monde ? |

Litterature.indb 25

25

06/09/11 11:52

Prolongement L’autoportrait de Bacon montre un visage aux traits défigurés. Littéralement, le peintre ne se reconnaît pas. Il est étranger à lui-même, à son propre moi. À la question « qui suis-je ? », léguée par Montaigne, la réponse est délicate.

5. Le dernier paragraphe souligne le malaise du narrateur. Il ne peut que constater, sans la diriger, son existence, purement contingente. Donnée comme telle, elle est dépourvue de toute signification. Prolongement L’existence ainsi appréhendée semble a priori absurde. On peut rapprocher ce texte de La Peste de Camus (voir « parcours de lecteur », séquence 15) et de Caligula, du même auteur (voir manuel de l’élève). Seule l’action du héros donnera un sens à son existence. Il va lui falloir s’engager dans la vie, œuvrer pour autrui et faire des efforts pour lui conférer une signification qu’elle n’a pas encore. C’est en ce sens que « l’existentialisme est un humanisme », comme l’explique Sartre dans une de ses conférences.

HISTOIRE DES ARTS Le tableau de Francis Bacon pose la question du portrait et de la représentation de soi. Le brouillage du visage peut être interprété comme la difficulté d’être à soi-même. En faisant ce choix, Bacon se représente d’une façon qui montre cette difficulté même. Ainsi, il reprend la tradition de l’autoportrait du peintre tout en soulignant que les conditions même de cette représentation ne sont plus réunies.

VERS LE BAC Invention Les élèves doivent : – adopter un point de vue interne, propre à mettre au jour les pensées d’un personnage, – entrer dans l’écriture du journal intime, – devenir les spectateurs d’un événement social qui appelle une analyse.

Dissertation La dissertation peut développer deux pistes pour étayer la thèse selon laquelle le roman peut

mettre à distance le monde et les personnages. 1) Par des choix d’écriture qui peuvent être des formes de prise de distance a) Choix narratifs : la deuxième personne chez Butor (p. 42) b) Volonté de rompre avec l’esthétique traditionnelle du personnage (p. 43) 2) Par une mise à distance dans l’analyse des rapports entre le monde et le personnage a) Roquentin et son expérience de l’existence (Sartre) b) Meursault et son rapport à la société (Camus, p. 88-89)

⁄⁄

M. Butor, La Modification, ⁄·∞‡

 p. ›¤

Objectifs du texte : Analyser une œuvre marquante du Nouveau Roman dont le choix énonciatif rend le personnage difficile à saisir.

Un personnage inattendu LECTURE DU TEXTE 1. Les choix énonciatifs de Michel Butor sont assez simples : le narrateur est extérieur à l’histoire (hétérodiégétique pour reprendre la terminologie de Gérard Genette) et le récit centré sur un personnage (focalisation interne), ici, le personnage principal Léon Delmont. Autrement dit, le lecteur a accès aux pensées du personnage par le biais d’un narrateur qui ne connaît que celles-ci. Mais Butor complexifie le procédé en évoquant son personnage et ses pensées non pas à la troisième personne du singulier, mais à la deuxième personne du pluriel. Il ne choisit pas un pronom « représentant », mais un pronom « nominal ». Ainsi, le texte se trouve adressé à un destinataire et cela brouille les pistes : « vous » est bien sûr le personnage, Léon Delmont, mais aussi le lecteur. La notion de « personnage » se trouve ainsi brouillée parce que l’adresse est ambiguë. C’est une façon originale mais déroutante d’impliquer le lecteur dans le récit et de lui faire partager l’aventure du personnage.


Litterature.indb 26

06/09/11 11:52

2. Les élèves pourront comparer leurs impressions en lisant par exemple un extrait de Si par une nuit d’hiver un voyageur d’Italo Calvino (1979) ou, moins connu, Un Homme qui dort de Perec (1967). 3. Le texte oppose deux sentiments : le malaise actuel du personnage et le soulagement espéré par le voyage. On peut ainsi relever deux champs lexicaux : le malaise (« lassitude », « malaise », « fatigue », « tension », « crispation », « inquiétude ») ; le soulagement (« libération », « rajeunissement », « nettoyage », « bienfaits », « exaltation », « guérison », « repos », « réparation », « délassé »). Mais l’étude des verbes montre que les effets positifs espérés dans le voyage n’ont pas lieu. Dans la première phrase, l’emploi du conditionnel marque le doute : le voyage n’a pas les effets immédiats attendus. Les verbes de sensation (« ressentir », « tenir », « envahir ») et la comparaison avec la fissure de la digue (ligne 8 et suivantes) marquent la persistance du malaise et de la souffrance du personnage. Les questions du troisième paragraphe interrogent justement cette absence de changement, de « modification ». 4. En guise de synthèse, on peut retenir la façon singulière qu’a Butor de nous donner accès aux pensées du personnage. Il fait une analyse fine du malaise personnel de Léon Delmont par le biais d’un choix narratif classique. Mais l’emploi de la deuxième personne modifie singulièrement notre perception des sentiments du personnage. Le texte est comme adressé à lui tout autant qu’au lecteur, qui se trouve pris au piège de ce « vous » particulièrement inclusif. Pris à parti, il est invité à ressentir les sensations et sentiments d’un personnage qui lui ressemble comme un frère. Comment ne pas songer à Baudelaire : « Hypocrite lecteur, – mon semblable, – mon frère ! »

VERS LE BAC Invention Pour réussir l’écriture d’invention, on sera attentif aux critères de réussite suivants : – un emploi de la deuxième personne du pluriel qui permette les mêmes effets de lecture : le narrateur doit bien donner accès aux pensées du personnage pour que le lecteur perçoive son rapport à la « routine du quotidien »,

– le choix d’une « routine du quotidien » qui permette l’expression d’un vrai malaise. Il faut pour cela choisir un élément du réel qui soit réellement porteur d’enjeux pour l’existence de l’individu.

Oral (analyse) Deux modifications sont à l’œuvre dans le roman : – celle, personnelle, du personnage qui doit passer du malaise au bonheur. Dans cet extrait, nous voyons que le trajet, l’éloignement ne suffisent pas à provoquer ce changement ; – celle, plus réflexive, du roman lui-même, qui propose d’autres pistes pour raconter une histoire et donner à lire ce qu’est, au fond, un personnage.

⁄¤

A. Robbe-Grillet, Pour un nouveau roman, ⁄·§‹

 p. ›‹

Objectifs du texte : Lire un texte théorique fondateur pour le Nouveau Roman qui remet en question la notion de personnage.

« Nous en a-t-on assez parlé, du “personnage” ! » LECTURE DU TEXTE 1. Alain Robbe-Grillet s’oppose à la conception du personnage de roman héritée du XIXe siècle (l. 4) et encore portée par la « critique traditionnelle » (l. 6-7). Pour lui, le personnage est mort et la conception ancienne qui consiste à lui donner tous les attributs d’une personne réelle, soit dans le troisième paragraphe une identité, une histoire et un caractère, est dépassée. 2. Le texte est polémique. La première phrase, par sa syntaxe assez familière et sa tonalité exclamative, marque bien la volonté de RobbeGrillet d’attaquer les tenants de la conception traditionnelle du personnage. Les termes « maladie » (l. 2), « décès » (l. 3), « momie » (l. 5), 1 Le personnage, reflet du monde ? |

Litterature.indb 27

27

06/09/11 11:52

« postiche » (l. 6), ainsi que l’expression « le [le personnage] faire tomber du piédestal » souligne cette volonté d’en découdre. Robbe-Grillet est aussi volontiers ironique lorsqu’il emploie les guillemets pour désigner le « vrai » romancier.

3. Balzac et Dostoïevski sont connus pour leurs grandes fresques romanesques (le second s’étant d’ailleurs beaucoup inspiré du premier). RobbeGrillet s’oppose donc à une conception réaliste qui, chez Balzac, s’est traduite par le projet de « copier l’État-civil », même si son œuvre déborde très largement cette conception par trop étroite du réalisme. 4. Dans le dernier paragraphe, Robbe-Grillet aborde la conception traditionnelle du personnage qui a une identité, un caractère et une histoire qui font que le lecteur s’y intéresse. L’énumération prend une valeur ironique. Par ailleurs, la reprise du verbe « doit » (l. 17, 18 deux fois) marque bien la prise de distance de l’auteur avec une esthétique à laquelle il s’oppose.

Dissertation La question posée invite à interroger le geste créateur du romancier. Le sujet part de la thèse de Robbe-Grillet pour lequel il faut remettre en question les notions romanesques essentielles, dont celle de personnage. Il critique le romancier qui « créé des personnages » pour, finalement, laisser entendre que le geste créateur peut aussi être ailleurs. Il ne va pas de soi de suivre Robbe-Grillet : son propos, polémique à souhait, est avant tout une provocation et lui-même, à la fin de sa vie, a pu réemprunter des voix narratives assez traditionnelles. Toutefois, il convient d’entrer dans le débat. On peut développer deux thèses : 1. De nombreux romanciers ont remis le personnage en question 2. Mais le personnage est une valeur sure du roman

VERS LE BAC Invention L’élève va devoir répondre à l’argumentation de Robbe-Grillet qui repose sur la polémique. L’auteur ne développe pas dans cet extrait des arguments et des exemples assez précis pour qu’ils soient le fondement de la réponse destinée à un magazine littéraire, mais l’on pourra tout de même prendre appui sur l’œuvre de Balzac. Quelques arguments peuvent être mis en avant : – La construction d’une identité complète et complexe entraîne le lecteur dans sa lecture. Il veut connaître la totalité du parcours du personnage (ex. : les personnages qui reviennent sur plusieurs romans chez Balzac. Vautrin par exemple ou encore Julien Sorel qui évolue dans la société, p. 84-85 du manuel de l’élève). – Certains personnages sont tellement développés qu’ils deviennent à leur tour des types ou des symboles, signes de leur impact sur les lecteurs de plusieurs générations (ex. : Cosette, p. 76-77 du manuel de l’élève). – Connaître le personnage et ses pensées permet de mieux prendre part à son destin, adhérer et vivre avec lui leurs tourments (ex. : René, p. 74-75 du manuel de l’élève et Delphine, pp. 72-73).

⁄‹ ⁄›

Sylvie Germain, Magnus, ¤‚‚∞ Sylvie Germain, Les Personnages, ¤‚‚›  p. ››-›∞

Objectifs du texte : Lire un incipit qui propose un pacte de lecture singulier. En effet, celui-ci décrit une esthétique du personnage et quasiment une méthode pour construire une représentation du monde.

Personnage en fragments LECTURE DU TEXTE 13 1. Le texte propose de suivre une méthode d’archéologue ou de généticien. Il s’agit dans tous les cas d’observer « un fragment d’os »


Litterature.indb 28

06/09/11 11:52

(l. 2), « la structure et l’aspect d’un animal préhistorique, d’un fossile végétal, l’ancienne présence d’une flore luxuriante » (l. 3-4). Pour le narrateur ou la narratrice, tout élément du monde porte en lui ses origines. L’écrivain doit donc saisir cet élément vital et faire appel à « l’imagination et l’intuition ». Le passé peut ainsi se reconstruire à partir de traces, de bribes et de fragments arrachés au néant.

2. La mémoire comme l’écriture sont lacunaires. Elles ne peuvent rendre compte de l’ensemble du réel. La comparaison est clairement opérée dans la question posée aux lignes 12 à 14. La mémoire, comme l’écriture, est donc « désordre », « esquisse », « blancs », « creux », « échos » etc. pour reprendre quelques-uns des termes du texte. 3. La phrase « Un vent de voix, une polyphonie de souffles » souligne la multiplicité des voix, mais aussi des vies à l’œuvre dans le roman. Il n’y a pas un conteur ou un seul narrateur. Comme les premières lignes de l’incipit le soulignent, le récit est lacunaire et doit être complété par d’autres voix. C’est cette polyphonie narrative que le début du roman souligne et met en scène. 4. La dernière phrase est une métaphore. L’écriture est comparée à l’acte du souffleur qui, tout à la fois, écoute et parle à chacun comme au théâtre. Cette métaphore met en avant le langage (les « mots », répétés trois fois) et le double mouvement d’écoute et de parole du souffleur. Parler et raconter semblent donc indispensables pour écrire. 5. Sylvie Germain propose à son lecteur d’aller à l’origine de toute chose, de toucher au plus près l’essence d’un être. Elle suggère que l’écriture peut toucher à la vérité, mais doit aussi combler les lacunes de l’histoire et de la mémoire. Le roman est donc tout à la fois vérité et mensonge, réel et fiction. 6. Dans le texte 13, Sylvie Germain suggère que le roman naît pour combler une lacune du monde, mais aussi que l’histoire qu’il porte est contenue dans l’ADN de ce même monde. Cela rejoint l’extrait de son texte intitulé Les Personnages (texte 14) qui montre que le personnage s’impose à l’auteur. Ainsi, une même conception de l’écriture, fragmentaire, inspirée et guidée par une forme de transcendance est mise au jour.

HISTOIRE DES ARTS Le portrait de Picasso présente la même ambiguïté dans la représentation que celle exposée par Sylvie Germain. Il s’agit d’une forme de morcellement du sujet, comme le roman peut être une écriture fragmentaire. Mais cette esthétique permet aussi de dévoiler ce qui reste caché. Le tableau invite le lecteur à porter un regard plus attentif sur l’œuvre d’art et, d’une certaine façon, lui impose un travail d’appropriation. Le portrait cubiste n’est pas donné intégralement : celui qui le regarde doit chercher à le comprendre, autrement dit le regarder vraiment.

Prolongement On pourra rapprocher ce tableau de ceux présents dans le « parcours de lecteur » consacré à Apollinaire (p. 255 et suivantes), parcours qui pose aussi la question de l’identité morcelée par la vie, puis reconquise par l’écriture.

VERS LE BAC Question sur un corpus Les élèves pourront développer deux pistes pour montrer que les deux incipits bouleversent les formes traditionnelles du roman. 1) Les deux textes présentent des projets romanesques étonnants a) Présence d’un narrateur maître du jeu b) Présentation d’une narration étonnante c) Jeu avec l’horizon d’attente du lecteur 2) Les deux textes portent une réflexion esthétique a) Ils remettent en question la notion d’histoire b) Ils remettent en question la notion de personnage c) Ils portent une réflexion sur le genre romanesque

Invention Les élèves ont une grande liberté pour ce qui est de l’énonciation. Ils doivent néanmoins tenter de lier intimement le portrait physique et le portrait psychologique. Il ne peut s’agir de les séparer : la consigne d’écriture indique explicitement que le physique doit traduire, voire montrer une souffrance personnelle ancienne. 1 Le personnage, reflet du monde ? |

Litterature.indb 29

29

06/09/11 11:52

⁄∞

Olivier Adam, À l’Abri de rien, ¤‚‚‡

 p. ›6

Objectifs du texte : Comprendre comment le romancier peut donner à lire le désarroi d’un personnage.

Femme à la dérive LECTURE DU TEXTE 1. Marie, personnage principal du roman d’Olivier Adam, est totalement perdue. De nombreux termes évoquent une destruction personnelle : les termes « perdition » et « engloutissement » (l. 4), l’expression « fin du monde » (l. 4-5), « mourir » (l. 5), « tout allait s’arrêter, interruption des programmes » (l. 6-7) et la phrase finale « je me suis dit qu’on allait s’y dissoudre nous aussi » (l. 24). Le monologue intérieur évoque également l’incohérence des pensées du personnage (l. 17-18). Elle est comme au bord du gouffre, n’a plus de gestes cohérents, comme le montre sa réponse mécaniquement donnée à son fils qui est à côté d’elle (l. 22). L’état d’esprit du personnage est en accord avec la tempête à l’extérieur. On relèvera en particulier « la pluie diagonale, couchée presque » (l. 8-9), qui rejoint l’état d’esprit du personnage, elle-même abattue. 2. Les migrants sont des individus sans identité, des « types » (l. 8 et 10). La narratrice décrit leur situation sous la tempête et leur souffrance (« épuisés » et « démunis » l. 9). Elle fait également des conjectures sur ce qu’ils peuvent ressentir et évoque en comparaison les violences qui leur sont faites (l. 14-17). 3. La formule finale ancre le texte dans un registre tragique : le personnage semble échapper à tout contrôle. Elle subit un désordre intérieur qui est en accord avec le déchaînement des éléments. Les termes qui évoquent la mort et la destruction confirment ce registre. 4. Le monologue intérieur tente de représenter ce que pourrait être un flot de pensées : au début du texte, l’emploi de la première personne, mais aussi une syntaxe nominale, qui ne s’encombre pas des conventions grammaticales de l’écrit. Le lecteur a ainsi le sentiment d’avoir accès à une pensée en train de s’élaborer.

VERS LE BAC Invention On vérifiera que l’élève : – respecte la situation d’énonciation tout en introduisant un dialogue entre la narratrice et son fils, – s’appuie sur le contexte de ce dialogue (dans une voiture, sur une route pleine de migrants), – que le personnage de la mère développe un registre pathétique.

Oral (entretien) Deux pistes peuvent être développées lors d’un entretien : – Le roman a développé au fil du temps des techniques propres à mimer la pensée (monologue intérieur notamment). Du point de vue littéraire, c’est sans doute la façon la plus convaincante de représenter l’intériorité du personnage, ses tourments, ses hésitations, en quelque sorte la meilleure façon de rendre compte de l’humaine condition. – Pourtant, cette technique est particulièrement artificielle (on pourra s’appuyer sur le texte de Mauriac, p. 47 du livre de l’élève). L’individu qui évolue dans le réel n’a pas le temps ni peutêtre le recul pour s’examiner ainsi – sauf dans le cadre précis d’une thérapie. C’est sans doute le pouvoir de la littérature que de permettre à l’homme de mieux se comprendre en lui donnant un lieu précis pour le faire.

POUR ARGUMENTER : LES PERSONNAGES DE ROMAN PEUVENT-ILS NOUS AIDER À MIEUX COMPRENDRE LE MONDE ?  p. ›‡ Objectifs du texte : Mettre au jour les artifices de l’introspection du personnage et des dialogues dans le roman.

LECTURE DU TEXTE 1. La thèse de Mauriac est résumée par une phrase, ligne 12 : « L’essentiel, dans la vie, n’est jamais exprimé ». Selon lui, les personnages de


Litterature.indb 30

06/09/11 11:52

roman parlent, se confient, s’analysent sans comparaison possible avec ce qui se passe réellement. Ainsi, ce qui nous semble être réaliste ou de l’effet de réel est justement ce qui s’en éloigne le plus.

2. Le roman réaliste s’oppose donc au réel en ce qu’il en propose « une image transposée et stylisée » (l. 4). Mauriac s’appuie sur l’exemple de la passion qui unit Tristan et Yseult. Le roman s’éloigne singulièrement de la vie réelle et de sa banalité et les sentiments s’expriment sans commune mesure avec ce qu’une passion « réelle » permettrait. 3. La référence à Tristan et Yseult est particulièrement intéressante. Grâce à elle, Mauriac touche justement le sentiment le plus complexe à cerner, à définir et à analyser. Or, dans n’importe quel roman d’amour tout va se focaliser sur la parole et l’expression amoureuse. C’est un exemple tout à fait adapté pour mesurer la distorsion entre la fiction et la réalité.

HISTOIRE DES ARTS La peinture de Magritte propose un écho tout à fait riche au texte de Mauriac. On voit un

peintre qui semble copier attentivement un œuf posé à sa gauche. Or, ce qu’il représente n’est pas un œuf. C’est toutefois un élément qui n’en est pas non plus complètement éloigné puisqu’il s’agit de ce que l’œuf pourrait devenir : un oiseau. Cette toile souligne donc le pouvoir du créateur qui peut transformer, voire transfigurer le réel. Le titre est d’ailleurs explicite : « La Clairvoyance » souligne le regard différent – prophétique ? – que pose le peintre sur notre monde, ce qui est aussi le cas pour le romancier.

ÉCRITURE Argumentation Le débat doit pouvoir maintenant être mené. Les élèves pourront développer deux thèses : – Le roman est forcément éloigné du monde : l’écriture et le style l’empêchent de « copier » le réel et donc l’en éloignent. – Mais, le roman nous donne à lire un monde, une représentation du nôtre autrement puisqu’elle développe ce que l’on tait dans la vie réelle.

1 Le personnage, reflet du monde ? |

Litterature.indb 31

31

06/09/11 11:52

Séquence

¤

Abbé Prévost, Manon Lescaut, ⁄‡‹⁄ Livre de l’élève  p. ∞⁄ à ∞°

Présentation et objectifs de la séquence  p. ∞⁄ Manon Lescaut, roman du début du XVIIIe siècle, se situe à la charnière de plusieurs traditions romanesques et c’est ce qui en constitue l’un des principaux ressorts. Entre le roman d’analyse, dont le chef-d’œuvre, La Princesse de Clèves, a été publié en 1678, le roman picaresque qui connaît son essor en France avec Gil Blas de Santillane, le roman libertin qui triomphera avec Crébillon fils ou plus tard Laclos, l’œuvre de l’Abbé Prévost se présente comme une œuvre inclassable, parfois déroutante, mais toujours à même de susciter l’intérêt des élèves. La construction de l’intrigue, les jeux d’emboîtements narratifs, l’alternance entre discours et récit, les effets d’annonce très fréquents se prêtent à des analyses formelles variées. Ce roman relativement bref permet une navigation aisée pour les élèves qui pourront très vite maîtriser les détails de l’intrigue et aborder des études d’ensemble. Dans le cadre de l’objet d’étude « Le personnage de roman, du XVIIe siècle à nos jours », Manon Lescaut offrira la possibilité de découvrir l’avènement de personnages modernes, échappant aux classifications traditionnelles, personnages dont l’ambivalence continue de surprendre le lecteur contemporain : le Chevalier et Manon sont tour à tour candides, manipulateurs, sincères, médiocres, vertueux ou fripons. Cette richesse psychologique est l’une des clés pour entrer dans l’œuvre et entamer le parcours de lecture. L’analyse portera ensuite davantage sur l’inscription de Manon Lescaut dans l’histoire littéraire du genre romanesque, avant d’explorer la dimension que l’on pourrait qualifier d’hybride de ce roman proposant une réflexion sur le bonheur, qui se veut édifiante, mais sans sombrer dans la moralisation ni dans la condamnation univoque du libertinage. La séquence s’achèvera par l’étude de la fresque subtile et tragique de la passion.

⁄) Entrée dans l’œuvre : frivole Manon !

 p. ∞¤

1. La situation de la jeune fille, balancée par un jeune homme debout derrière elle et tenant les « rênes » de l’escarpolette, est le premier signe de frivolité. La légèreté du flottement, le plaisir du mouvement se ressentent dans l’abandon de la jeune femme. Il se manifeste par un regard alangui, la position étrange des mains et des doigts, qui semblent jouer des cordes de la balançoire comme d’un instrument. La frivolité s’exprime également à travers la position du pied gauche, pointé vers l’avant, laissant s’envoler l’escarpin dans la direction du jeune spectateur. C’est cette position de la jambe tendue vers le haut

qui livre également un bref instant au regard du jeune homme ravi, l’intimité de la jeune fille. Le deuxième escarpin reste encore attaché au pied droit, mais pend négligemment, avec un érotisme à peine voilé, laissant espérer une chute prochaine. La jeune fille est donc doublement frivole, par son balancement aérien, et également par ce que ce mouvement révèle sur sa légèreté de mœurs.

2. Le personnage de Manon se caractérise par un mélange constant d’innocence et de manipulation, d’abandon et de contrôle. Cette ambivalence apparaît dans l’attitude de la jeune fille dont on ne parvient pas à démêler la part de candeur et de séduction consciente. L’homme


Litterature.indb 32

06/09/11 11:52

qui tire les fils de l’escarpolette peut tout aussi bien être un complice qu’un amant déjà négligé au profit d’un autre. L’aboutissement du mouvement, qui mène à la perte de l’escarpin et à la révélation fugace de l’entre-jambes peut tout autant être mis sur le compte du hasard que sur celui d’un dévoilement opportun. De la même manière, Manon se montre souvent ambiguë vis-à-vis de Des Grieux. Elle l’assure de l’exclusivité de son amour, lui promet fidélité et semble ignorer la portée de ses trahisons. Elle assume sa frivolité au point d’y voir un moyen de garantir la pérennité financière de sa liaison avec le Chevalier, comme dans la première partie, à la page 56.

3. La pomme d’amour évoque la candeur, l’enfance, la promesse de plaisirs à la hauteur de la beauté de la sucrerie. Elle renvoie à l’univers plutôt contemporain du divertissement, de la fête foraine. Cette pomme entamée se réfère par ailleurs symboliquement au fruit défendu dans la mythologie biblique. C’est le fruit dans un premier temps refusé et finalement goûté par Ève, qui convainc ensuite Adam de céder lui aussi à la tentation. Le fruit ainsi habillé évoque donc l’engrenage du plaisir, de la séduction, de la manipulation de l’autre, thèmes importants dans Manon Lescaut. 4. Voici quelques suggestions d’illustrations pour les trois peintres évoqués dans la question : • Watteau – Scène galante : www.sightswithin.com/Jean. Antoine.Watteau/Scene_galante.jpg – Le Faux-pas : www.sightswithin.com/Jean. Antoine.Watteau/Le_Faux_Pas.jpg • Boucher – L’Odalisque : www.mtholyoke.edu/courses/nvaget/230/ images18/boucherodalisk2.jpg – Marie-Louise O’Murphy : http://1.bp.blogspot.com/_xkAozlGOmZo/ S8oCRqmSiEI/AAAAAAAABUU/Zqr6xJO AnhQ/s1600/MarieLouiseO%27Murphymistres stoLouisXV_FB1752.jpg – Pastorale d’automne : www.friendsofart.net/ static/images/art1/francois-boucher-an-autumnpastoral-detail.jpg – Jeune fille avec un bouquet de roses : www.paintinghere.com/uploadpic/Francois%20 Boucher/big/Young%20Woman%20with%20 a%20Bouquet%20of%20Roses.jpg

• Fragonard – L’amant couronné : www.rdm-fr.com/tableaux/Peintres_du_17eme/ Fragonard/L_Amant_couronne_1771.jpg – Le verrou : http://lusile17.l.u.pic.centerblog. net/o/eb6366f7.JPG Tous les tableaux faisant apparaître la frivolité, la séduction, le caractère ambigu des relations amoureuses sont susceptibles d’être retenus et commentés par les élèves.

¤) L’œuvre et son contexte

 p. ∞¤

1. « Les filles du roy » étaient des orphelines, pupilles du roi, envoyées en Amérique entre la fin du XVIIe et le début du XVIIIe siècle afin d’être mariées aux colons nouvellement installés. Cette mesure avait pour objectif de développer le peuplement des nouvelles colonies. Les femmes étaient dotées par le roi, mais leurs conditions de voyage et de mariage ont pu s’apparenter à une véritable déportation comme le suggère l’Abbé Prévost. Un seul site institutionnel ressort d’une recherche sur Internet : www.civilization. ca/mcc/explorer/musee-virtuel-de-la-nouvellefrance/population/les-filles-du-royles-fillesdu-roy-intro. D’autres sites, comme l’article de Wikipedia (http://fr.wikipedia.org/wiki/Filles_du_Roi) semblent fiables, mais ne garantissent pas une information absolument authentifiée. L’article de Wikipedia cité plus haut se contente ainsi de piller le site du musée canadien des Civilisations sans même le mentionner. Cette recherche montre donc les limites d’Internet dans un domaine très spécialisé, pour lequel seuls les ouvrages de spécialistes peuvent faire référence. On trouvera une bibliographie sur ce sujet sur le site suivant : www.civilization.ca/mcc/explorer/ musee-virtuel-de-la-nouvelle-france/population/ les-filles-du-roy/les-filles-du-roy27. 2. La présentation, page 52, laisse entendre, dès le début du roman, un dénouement tragique. La jeune fille semble être une prostituée exilée vers l’Amérique. La lecture des pages 15 à 20 permet de découvrir le Chevalier Des Grieux suivant le convoi des « filles de joie » où se trouve Manon, puis de le retrouver seul, éploré, de retour d’Amérique deux ans plus tard. En révélant 2 Manon Lescaut |

Litterature.indb 33

33

06/09/11 11:52

une partie du destin des personnages sans trop le dévoiler, le narrateur aiguise l’intérêt du lecteur, curieux de rétablir les ellipses narratives. Le roman s’ouvre ainsi sur la promesse d’un récit à venir, récit dont un événement majeur est pourtant déjà partiellement connu. Entre révélations et secrets à découvrir se joue le plaisir du texte.

‹)

EXTRAIT 1

La rencontre  p. ∞‹

Le registre tragique domine la scène, là où le lecteur attendrait plutôt une légèreté de ton dans un contexte de rencontre amoureuse. Dès la première ligne, l’interjection « Hélas ! », suivie de la formule « que ne le marquais-je un jour plus tôt ! » expriment le regret face à une décision irréversible. La passivité avec laquelle Des Grieux subit cette passion soudaine (« je me trouvai enflammé tout d’un coup », l. 10-11), la soumission immédiate aux lois de l’amour (« je m’avançai vers la maîtresse de mon cœur », l. 13), de même que l’allusion explicite à la fatalité (« l’ascendant de ma destinée, qui m’entraînait à ma perte » l. 30-31) confirment la dimension tragique de la rencontre. Le roman s’ouvre donc sous un jour funeste laissant présager pour le lecteur un enchaînement fatal d’événements liés à la rencontre de Manon. L’inexpérience du narrateur soulignée à plusieurs reprises (l. 2-3, 8-9, 21) ainsi que le conflit entre l’autorité parentale et l’impétuosité de l’amour (l. 23-24 et 34-36) dessinent d’emblée les grandes lignes d’une passion impossible. Dans l’extrait de La Princesse de Clèves, pages 80-81, Madame de Chartres éduque sa fille dans le but de la protéger des dérèglements de la passion et de la trahison des hommes. Mademoiselle de Chartres devient un modèle de beauté vertueuse à la Cour. Fidèle à son éducation, elle épouse le Prince de Clèves, plus par raison que par amour. S’installant dans une vie mettant à distance les sentiments violents, elle cède pourtant à la puissance d’un amour interdit avec le duc de Nemours. Cet amour est d’autant plus fort qu’il entre en conflit avec l’éducation tout en retenue et en tempérance prônée par Madame de Chartres. L’éducation constitue donc un ressort romanesque essentiel, à la source même de l’intrigue de La Princesse de Clèves.

Dans l’extrait du roman de Stendhal Le Rouge et le Noir, pages 84-85, le père de Julien cherche, en le frappant, à rappeler à son fils son devoir familial. Le père s’inscrit dans la logique du déterminisme social en exigeant de son fils qu’il travaille à la scierie comme ses frères. Mais Julien est en rupture avec ce milieu familial et social modeste, où les livres, la culture, le raffinement vestimentaire sont des luxes que l’on ne peut se permettre. Tout le parcours de Julien dans le roman, son ascension sociale et jusqu’à sa chute peuvent s’expliquer au moins partiellement par ses origines et par sa volonté de résister à la loi du père. Le personnage de roman reflète souvent les aspirations contradictoires d’individus prisonniers de leur éducation et de leur milieu, et dont la valeur découle en partie de l’énergie qu’ils déploient pour s’affranchir du pouvoir parental. On pourra évoquer d’autres romans mettant en scène la rupture générationnelle avec, par exemple, le personnage de Nana dans L’Assommoir ou dans le roman éponyme de Zola.

›)

EXTRAIT 2

Une profession de foi libertine ?  p. ∞›

Le Chevalier développe un discours très particulier, qui s’apparente à une sorte de morale à rebours des conventions sociales et religieuses. Cette morale a une finalité, la recherche du bonheur, et se donne comme moyen principal pour l’atteindre, l’amour : « J’aime Manon ; je tends au travers de mille douleurs à vivre heureux et tranquille auprès d’elle » (l. 13-14). Elle évolue dans le dernier paragraphe du texte vers l’hédonisme : « il est certain que notre félicité consiste dans le plaisir » (l. 30-31). On peut donc bien parler de morale dans la mesure où Des Grieux expose une règle de conduite générale (aimer passionnément) orientée vers un objectif supérieur (le bonheur). En revanche, là où la morale dominante prône le contrôle des passions pour atteindre un bonheur éternel dans l’autre vie, la morale libertine cultive la passion qui procure plaisir et bonheur, ici et maintenant. Le raisonnement de Des Grieux est particulièrement efficace. Il repose sur une analogie entre la morale hédoniste du jeune homme et celle que défend Tiberge, dont les fondements sont


Litterature.indb 34

06/09/11 11:52

religieux. Dans les deux cas, il s’agit de trouver le bonheur (l. 19), mais par une audace rhétorique inouïe, Des Grieux substitue à la dévotion divine l’amour d’une femme comme moyen d’atteindre le bonheur. Il évoque à deux reprises les similitudes entre la quête spirituelle de Tiberge, faite de douleurs et de renoncements, et les souffrances de l’amour : – « une disposition toute semblable » (l. 12-13) ; – « Toutes choses me paraissent donc égales de votre côté et du mien » (l. 17-18). De nombreux procédés rhétoriques soutiennent son argumentation, on citera entre autres : – l’emploi de questions rhétoriques (l. 2 à 6 ; l. 11 à 13) ; – les hyperboles (« mille peines » l. 8, « tissu de malheurs » l. 9, « mille douleurs » l. 13) ; – le parallélisme (« le bonheur que j’espère est proche, et l’autre est éloigné » l. 19). Si l’on suit le raisonnement du Chevalier, la voie religieuse choisie par Tiberge et celle du libertinage ont en commun cet ascétisme de la souffrance. On peut néanmoins nuancer le terme de « libertinage » car Des Grieux cherche avant tout à construire un système philosophique justifiant le bonheur individuel au nom de l’amour. La manipulation de l’autre, le jeu pervers du désir ne font pas partie de ses aspirations. Dans l’extrait de La Princesse de Clèves, l’éducation de Mademoiselle de Chartres repose sur le goût de la vertu (l. 10-11, p. 81), qui doit l’éloigner de la « galanterie ». Cette vision du monde, héritée de sa mère, présente l’amour comme un piège et les hommes comme étant peu dignes de confiance. L’extrait des Liaisons dangereuses, pages 82-83, montre le système « moral » de la Marquise de Merteuil. Elle s’impose un certain nombre de règles très rigides, destinées à faire d’elle une parfaite libertine : « Cette utile curiosité, en servant à m’instruire, m’apprit encore à dissimuler » (l. 6-7) ; « je me suis travaillée » (l. 14), etc. La finalité morale de ces deux « systèmes » est évidemment radicalement différente. Il s’agit dans le premier cas de défendre la vertu en accord avec des principes religieux et sociaux ; dans l’autre, de défendre une réputation, un rapport de domination valorisé dans le milieu des libertins et dont la vertu classique est naturellement bannie.

Pourtant, ces deux visions féminines du monde ont certains éléments en commun : elles font apparaître une grande méfiance vis-à-vis des hommes, la fragilité de la position féminine dans les sociétés du XVIIe et du XVIIIe siècles et la nécessité de trouver les « armes » pour résister au danger. Là où Madame de Chartres prône la retenue, l’honnêteté et la simplicité d’une vie maritale, la Marquise de Merteuil défend le plaisir et le pouvoir par l’intrigue et la dissimulation.

∞)

EXTRAIT 3

ingénue

Une libertine  p. ∞∞

L’ambivalence de Manon se manifeste régulièrement dans cet extrait, tout d’abord dans l’admiration non dissimulée qu’elle exprime face à la vie luxueuse offerte par G… M… (l. 3 à 10, p. 55) et qui trouve son aboutissement dans cette réplique : « Je vous avoue, continua-telle, que j’ai été frappée de cette magnificence » (l. 10-11). Manon essaye alors de concilier cette vie fastueuse et son amour pour le Chevalier : « J’ai fait réflexion que ce serait dommage de nous priver tout d’un coup de tant de biens […] et que nous pourrions vivre agréablement aux dépens de G… M… » (l. 11 à 15). Elle est donc frivole, ne considérant pas sa vénalité comme une infidélité, et imprudente en surestimant la naïveté de sa victime. Des Grieux, blessé par cette ambiguïté cherche à disculper Manon en dissociant l’intention de l’acte lui-même. Si Des Grieux peut paraître naïf, à l’échelle de l’ensemble de l’œuvre, l’évolution de Manon semble lui donner raison, la jeune femme évoluant peu à peu de la légèreté décomplexée à la contrition, avant d’aspirer à la simplicité d’une vie apaisée en Amérique. Lorsque Manon se laisse séduire par G… M… dans le but d’obtenir de lui des avantages matériels pour elle et le Chevalier, elle endosse le rôle de la courtisane ou de la femme entretenue. S’il n’est point question de sentiments, il y a de la part de Manon un calcul qui rappelle les premiers essais de dissimulation de la Marquise (l. 19 à 24, p. 82). Les deux personnages partagent également une maturité précoce. Manon, malgré son ingénuité est déjà une femme d’expérience, qui « fait réflexion » (l. 11-12) de l’attitude la plus opportune, à un degré moindre 2 Manon Lescaut |

Litterature.indb 35

35

06/09/11 11:52

cependant que la Marquise de Merteuil qui prétend posséder, à quinze ans « les talents auxquels la plus grande partie de nos politiques doivent leur réputation ». C’est précisément sur ce point que les deux personnages diffèrent : Manon demeure dans la frivolité d’une attitude ponctuelle, destinée à améliorer son confort alors que le libertinage de la Marquise de Merteuil est beaucoup plus sombre et sérieux, consistant en une sorte de politique austère dont la finalité est le pouvoir.

6) La réception de l’œuvre  p. ∞§ 1. Manon est de « condition commune » (p. 29, l. 340), elle se trouve flattée d’être aimée par un aristocrate, fût-il de petite noblesse comme Des Grieux. Par leurs mensonges, manipulations et tromperies, les personnages de Manon Lescaut partagent des traits communs avec le picaro. Manon cherche à améliorer ses conditions matérielles d’existence en organisant avec M. de B… « l’enlèvement » de Des Grieux par son père. Plus tard, c’est Des Grieux lui-même, initié par le frère de Manon, qui triche au jeu pour s’assurer des revenus. Les nombreuses péripéties sont également caractéristiques du roman picaresque. On peut citer l’enlèvement de Des Grieux, le repentir de Manon cherchant à revoir le Chevalier sur le point d’entrer dans les ordres à Saint-Sulpice, la fuite des deux amants à Chaillot, l’incendie de leur logis, le vol de leurs biens par leurs domestiques, ou encore la deuxième trahison de Manon avec Monsieur de G… M… Les aventures des deux personnages s’achèvent par leur voyage en Amérique, dans la deuxième partie, voyage qui confirme la dimension picaresque du roman, tout en y mettant un terme, la vie des deux personnages s’orientant vers la simplicité et la vertu à leur arrivée au Nouveau Monde. 2. La tonalité polémique apparaît notamment à travers l’antithèse entre les adverbes intensifs « tant » et « si », qui soulignent la qualité de l’œuvre et les noms « catin » et « escroc » dénonçant la moralité douteuse des personnages. L’ironie perce également à travers l’allusion à la condition religieuse de Prévost, dont la vie parfois dissolue (voir biographie p. 629 du manuel) l’a conduit plusieurs fois à l’exil. Enfin, le verbe « se débiter » est très clairement péjoratif.

Malgré cette distance vis-à-vis de l’œuvre de Prévost, l’emploi de termes mélioratifs (« écrit avec tant d’art, et d’une façon si intéressante »), ainsi que l’allusion au succès du roman traduisent l’ambiguïté du rédacteur de l’article.

3. Les deux auteurs développent un jugement contrasté sur l’œuvre de Prévost. Ils dénoncent l’immoralité des personnages tout en reconnaissant le talent de l’auteur. Montesquieu, quant à lui, distingue le « motif noble » qui anime les personnages, l’amour, de leur « conduite » qu’il juge « basse ». On attendra donc des élèves qu’ils établissent soit une confrontation de ces deux perceptions contradictoires de l’œuvre à partir de leur lecture, soit qu’ils remettent en cause les jugements de Montesquieu et du Journal de la Cour et de la Ville.

ÉCRITURE Vers la dissertation Suggestion de plan : 1) Ces personnages sont souvent relégués au second plan a) Les personnages « immoraux » valorisent indirectement les autres Certains romans font apparaître des personnages « repoussoirs », dont les défauts ont pour fonction de rehausser les qualités des personnages principaux. Dans Les Misérables, le couple des Thénardier incarne la bassesse humaine et fait ressortir par là même la force morale de Fantine ou Jean Valjean dont l’attitude est noble. b) Ils constituent des opposants au héros et dynamisent l’intrigue Sans obstacle, sans forces obscures contre lesquelles lutter, un héros positif aurait du mal à briller. C’est précisément parce qu’il doit résister à l’immoralité de certains personnages qu’il s’élève en dignité et force le respect du lecteur. Dans Une vie de Maupassant, Julien de Lamare, le mari de Jeanne s’avère égoïste, menteur, avare et infidèle. C’est dans l’adversité que Jeanne révèle sa noblesse d’âme, en essayant tout d’abord d’aimer malgré tout Julien, pour finir par le craindre, puis le détester. L’intrigue repose donc sur la tension négative créée par le personnage de Julien. 2) L’attrait pour des personnages dont l’attitude est immorale a) Ces personnages peuvent devenir les héros d’un roman


Litterature.indb 36

06/09/11 11:52

Les héros conformes à la morale dominante sont parfois ennuyeux et relégués au second plan par le panache de héros sombres. Dans Les Liaisons dangereuses de Laclos, le Vicomte de Valmont et la Marquise de Merteuil brillent malgré leur noirceur. Ils sont intelligents, vifs et connaissent des émotions plus exaltantes que les personnages qui suivent la voie de la vertu, comme Cécile de Volanges ou sa mère, Madame de Volanges. Ils sont donc les personnages principaux du roman. Seule la Présidente de Tourvel échappe à la fadeur en choisissant le camp de la vertu et en résistant tragiquement à Valmont. b) Ils permettent de comprendre certains caractères humains Même s’ils ne peuvent prétendre à l’approbation du lecteur, certains personnages immoraux le font pénétrer dans les abymes de la conscience humaine : ils constituent des « outils » de compréhension du monde. Dans Le Rouge et le Noir de Stendhal, Julien Sorel devient l’exemple même de la destruction d’un homme hanté par une ambition dévorante. En se servant de Mme de Rênal pour assouvir son désir d’ascension sociale, il court à sa perte. c) La beauté du diable Le lecteur peut être fasciné par la beauté noire émanant de certains personnages. C’est le cas de Milady dans Les Trois Mousquetaires. Cette femme démoniaque, fascinante de beauté, attire malgré ses exactions et ses intrigues. 3) Des personnages à l’image de la complexité humaine a) La recherche du réalisme psychologique et moral L’être humain se caractérise rarement par son homogénéité psychologique et morale. Les personnages de roman sont donc souvent, par réalisme, le reflet de cette ambivalence de caractère, entre médiocrité et sublime. Madame Bovary est une femme dont certaines aspirations sont ridicules. Elle recherche un idéal de l’amour qu’elle s’est forgé en lisant des romans sentimentaux. Pour autant, ce rêve d’un amour pur est sublime et confère au personnage une aura l’arrachant à la médiocrité environnante. b) Une invitation à la réflexion sur la condition humaine Un personnage ambigu est plus difficile à saisir ; il amène le lecteur à réfléchir sur ce qui est juste, beau, médiocre, sur ce qui mérite d’être vécu. Par

un processus d’identification, le personnage joue alors le rôle d’un révélateur. Dans Manon Lescaut, il est difficile de condamner absolument l’héroïne éponyme et le Chevalier. À travers leur ambivalence, entre candeur, sincérité et friponnerie, le lecteur peut juger de la difficulté à construire une existence conciliant épanouissement individuel et défense de valeurs universelles, garantes du bonheur d’autrui. c) Des personnages uniformes dans le mal ? Si on peut parler de mal absolu pour certains personnages romanesques (voir le portrait du kapo, manuel p. 292), la plupart laissent transparaître une face positive. C’est précisément cette lueur de bonté qui, alliée au mal, crée la fascination. Le personnage de Javert dans Les Misérables de Victor Hugo est un monstre d’obsession répressive. Il a la passion du châtiment de ceux qu’il juge coupables à jamais, comme Jean Valjean. Pourtant, lorsqu’il découvre qu’un homme peut changer, lorsqu’il reconnaît que son pire ennemi lui a sauvé la vie, son monde vacille et il admet l’erreur de toute une vie. Cette vérité, qu’il a la lucidité de formuler, l’amène à la fin tragique que l’on connaît.

VERS LE BAC 5. Invention Voici une piste possible pour la rédaction de cette lettre. Monsieur l’Abbé Prévost, Je viens de lire votre roman Manon Lescaut et j’ai souhaité sans tarder vous communiquer quelques modestes impressions de lecture. Je tiens tout d’abord à vous féliciter pour la vivacité de votre roman, son rythme, les multiples rebondissements de l’intrigue qui m’ont tenu en haleine. Il y avait bien longtemps qu’un récit ne m’avait pas autant charmé par les surprises permanentes que vous ménagez pour vos lecteurs. Je voudrais néanmoins vous adresser quelques interrogations concernant certaines invraisemblances dans l’attitude de vos personnages. Pensez-vous qu’une femme soit si inconstante au point de tromper par trois fois l’homme qu’elle aime le plus au monde ? Comment comprendre l’ambiguïté de Manon qui semble n’accorder aucune importance à ces trahisons et qui s’empresse, dès que l’occasion se présente, de renouer 2 Manon Lescaut |

Litterature.indb 37

37

06/09/11 11:52

avec son amant favori ? Je vous avoue que j’ai été très surpris par la scène où Manon vient retrouver le Chevalier à Saint-Sulpice pour le prier de lui pardonner. La réaction de Des Grieux ne m’a pas moins déconcerté. Comment admettre qu’un homme abandonné et trahi par cette femme puisse, après deux années de souffrance et de renoncements, et alors qu’il s’apprête à rentrer dans les ordres, renouer et s’enfuir avec elle sur le champ ? Je veux bien reconnaître le pouvoir qu’une jeune et belle femme peut exercer sur un homme, mais tout de même, je doute qu’un être aussi intelligent que Des Grieux se complaise dans la souffrance et accepte de suivre encore une fois celle qui l’a déjà entraîné à sa perte. Il est de ce fait également très difficile de comprendre le revirement vertueux de Manon à la fin du roman. Comment une jeune femme si frivole et si libre d’esprit peut-elle se transformer en une femme si prude, si réservée et si soumise lorsqu’elle arrive en Amérique ? Malgré ma perplexité et mes doutes sur la vraisemblance psychologique de vos personnages, je n’en admets pas moins la fascination que le personnage de Manon a exercé sur moi et qui, je dois l’admettre, m’a fait accepter ces mêmes invraisemblances au nom du plaisir que je n’ai cessé d’éprouver à la lecture de votre roman. Je vous transmets, Monsieur, l’humble reconnaissance d’un lecteur parfois malmené, mais charmé d’être entré dans votre univers romanesque.

ÉDUCATION AUX MÉDIAS 6. On pourra proposer, entre autres, les arguments suivants aux élèves : – Un journal qui se veut généraliste, comme les grands quotidiens nationaux, ne peut faire l’impasse sur la vie culturelle, en particulier l’actualité littéraire. – La qualité d’un journal se mesure à la place accordée à ces pages littéraires. De grands quotidiens comme Libération, Le Monde, Le Figaro font appel à de grandes plumes pour les rédiger. – La littérature n’est pas déconnectée du monde social, politique ou économique. Elle est en prise avec le monde contemporain. Parfois, elle le pressent et l’annonce (voir Le poème à Lou, prémonitoire, p. 220). À ce titre, elle a sa place dans un journal où l’actualité est au premier plan.

7. Les élèves pourront confronter l’importance des rubriques littéraires en termes de pagination et de position dans l’organisation du journal. Les trois quotidiens évoqués plus haut accordent par exemple quotidiennement une place modeste à la critique littéraire, mais insèrent, une fois par semaine, un « supplément livres » important. On montrera en quoi ce supplément constitue un véritable « petit journal » dans le grand.

‡) Fiche de lecture ⁄ : Un roman  p. ∞‡ à la croisée des genres De l’Abbé Prévost au Chevalier Des Grieux 1. Comme le Chevalier Des Grieux, l’Abbé Prévost a connu une jeunesse tumultueuse. En 1720, il se brouille avec son père à cause d’une maîtresse, épisode qui rappelle « l’enlèvement » du Chevalier. En 1729, alors qu’il est précepteur du fils de M. Eyles à Londres, il tente d’épouser secrètement sa fille. Expulsé en Hollande, il se lie avec une aventurière du nom de Lencki Eckhardt, dont la vie dispendieuse l’oblige à contracter des dettes et à pratiquer certaines opérations financières douteuses. Là encore, on pense à l’évolution du Chevalier escroquant au jeu les notables pour assurer le train de vie exigé par Manon. L’Abbé Prévost a également vécu à Chaillot, vers 1736, à l’instar du couple sulfureux du roman. Page 52, ligne 979, on apprend que Des Grieux endosse l’habit ecclésiastique et que « le nom d’Abbé Des Grieux » remplace celui de « Chevalier ». Les éléments autobiographiques sont donc transparents. Le personnage de roman devient le support fictionnel d’événements réellement vécus par l’auteur. L’emploi de la première personne dans un récit rétrospectif confirme cette illusion autobiographique. Illusion bien sûr, car le narrateur n’est pas l’Abbé Prévost, ne porte pas son nom et, parmi toutes les péripéties que traverse le personnage, la plupart relèvent de la pure fiction. On peut cependant noter la volonté de l’auteur de se créer un double littéraire, témoignant des étapes de sa propre vie. Une visée réaliste 2. Le baiser à la dérobée de Fragonard, plus qu’une scène précise du roman, évoque le climat sulfureux, la loi du désir et le contexte d’intrigue


Litterature.indb 38

06/09/11 11:52

caractéristique de Manon Lescaut. Visiblement, le couple vit dans le secret. La femme presse son amant de la laisser rejoindre l’assemblée se trouvant dans le salon, derrière la porte entrouverte de l’antichambre. Les plissements de la robe sont figurés avec une extrême finesse par le peintre. La lumière qui se verse sur le pan droit de la robe en magnifie la splendeur. Les objets, d’une manière générale, sont rendus avec beaucoup de réalisme : les détails du tapis, les nuances du bois du guéridon, l’ombre du rideau à gauche créent l’illusion du réel. La concentration de la lumière et des lignes de force du tableau autour du visage et des mains des amants est également très riche. On perçoit tout à la fois l’insistance du jeune homme à retenir son amante et la crainte de la jeune fille d’être découverte, tout ceci concentré dans le mouvement de quelques doigts et la moue de la jeune fille qui provoque une légère inclinaison de son visage, soulignée par son regard fuyant. L’Abbé Prévost est encore loin du souci réaliste des romanciers du XIXe siècle. Les descriptions de lieux restent sommaires, comme celle du Nouveau Monde (p. 210). Ce sont plutôt les personnages qui sont décrits avec plus de réalisme, en particulier sur le plan psychologique, comme la description de Manon (p. 54, l. 1 041 à 1 047) ou celle de son frère (p. 65, l. 1 256 à 1 263).

3. Le genre des mémoires se présente comme un récit d’événements vécus ou dont une personne réelle a été témoin. Il s’agit donc d’un texte placé sous le sceau de l’authenticité. L’absence du nom de l’Abbé Prévost sur la page de titre en est un gage supplémentaire. L’« homme de qualité » n’est pas nommé, mais c’est lui qui est présenté comme l’auteur véritable de ces mémoires. Un roman d’aventures : péripéties et rebondissements 4. Les élèves pourront reprendre les éléments de la page 256 de l’édition utilisée, les présenter horizontalement, les compléter avec les références des pages et éventuellement y ajouter d’autres événements jugés importants dans la progression narrative. Cette frise réalisée sur une feuille au format A3 pourra être agrémentée de citations et d’illustrations picturales.

5. On peut retenir les trois trahisons de Manon comme coups de théâtre, ainsi que son exil pour la Louisiane. L’inconstance de Manon ne cesse

en effet de surprendre, y compris après sa première trahison, car chacune d’entre elles est suivie d’un repentir sincère. Le libertinage de Manon, en osant le paradoxe, est innocent, il n’est jamais prémédité longtemps et n’est pas contrôlé comme dans le cas d’une véritable libertine.

6. Si le roman est souvent considéré au XVIIIe siècle comme un genre peu sérieux, à côté des genres nobles que sont la poésie ou la tragédie, c’est en partie parce qu’il place au premier plan le plaisir du lecteur. L’intérêt du lecteur doit être en permanence relancé, la multiplication des rebondissements et des aventures y contribue. 7. La navigation vers l’Amérique, qui dure deux mois, occupe un paragraphe, page 210. Les pages consacrées à l’entretien de Saint-Sulpice relatent une rencontre dont la durée se situe probablement autour d’une vingtaine de minutes. Le romancier cherche moins à décrire le dépaysement de l’Amérique et son pittoresque potentiel qu’à resserrer l’attention du lecteur sur l’analyse psychologique dans l’échange amoureux. Les ellipses rapprochent dans le roman chacun de ces moments de proximité ou de douleur amoureuses là où les pauses développent le véritable sujet visé par l’Abbé Prévost et attendu par ses lecteurs. Une mise en scène narrative 8. La prolepse de la page 149 se trouve aux lignes 3 740-3 742 : « La résolution fut prise de faire une dupe de G… M…, et par un tour bizarre de mon sort, il arriva que je devins la sienne ». Page 171, elle se situe aux lignes 1 à 3 : « Je cédai à ses instances, malgré les mouvements secrets de mon cœur, qui semblaient me présager une catastrophe malheureuse ». Ce procédé est très fréquent dans le roman, il intervient pour réactiver la tonalité tragique du roman, qui apparaît dès les premières pages, lors des deux rencontres entre le mémorialiste et Des Grieux. On peut également y voir le souci de garantir la captatio benevolentiae. Par ces effets d’annonce, le narrateur maintient une sorte de connivence omnisciente avec le lecteur.

9. Grâce à l’ouverture in medias res, le lecteur accède directement au destin de personnages qu’il découvre pris dans un réseau d’actions qu’il ne peut pas encore comprendre, mais qui 2 Manon Lescaut |

Litterature.indb 39

39

06/09/11 11:52

aiguisent sa curiosité. L’analepse vient combler toutes les lacunes de cette entrée en matière déroutante. On assiste, grâce au point de vue du mémorialiste à une première scène montrant Des Grieux tentant de parler à Manon enchaînée, sur le point d’être déportée en Amérique. On retrouve, quelques pages plus loin (p. 19, l. 161) le narrateur rencontrant Des Grieux deux ans après la première scène, visiblement accablé. Que lui est-il arrivé en Amérique ? Qu’est devenue cette jeune fille enchaînée qu’il suivait deux ans plus tôt ? Autant de questions auxquelles l’analepse qui occupe presque tout l’espace du roman va répondre en reprenant le fil de l’histoire depuis ses origines. Ce montage savant de la narration, bien que perturbant pour un lecteur à la recherche d’une progression linéaire et chronologique, crée un paradoxe plaisant : le narrateur a pu accéder à la fin de l’histoire, sans connaître le cœur de l’intrigue. Il est donc invité à remonter le temps, à lire l’histoire de Des Grieux à rebours. Des personnages paradoxaux 10. À ce stade du récit, Manon, qui a trahi Des Grieux pour la troisième fois avec le fils de Monsieur G... M..., se trouve dans la maison du jeune homme. La jeune fille n’a pas véritablement l’air surpris de voir le Chevalier dans la maison de son nouvel amant. Le naturel avec lequel elle lui répond, ses effusions, comme si rien ne s’était passé, semblent désarmer Des Grieux (l. 4 087 à 4 093, p. 161). Manon joue ici un jeu troublant. Elle a cédé aux avances du jeune G… M…, mais elle reconnaît en Des Grieux son « amour » (l. 4 092). Son « étrangeté » vient de sa capacité à assumer deux relations simultanément, en continuant à aimer sincèrement. Manon est une courtisane, elle vend son corps, mais non son cœur.

11. La première antithèse, « naïvement rouée », résume très justement le caractère de Manon. Elle appartient à la catégorie des roués caractéristique de la littérature libertine, mais n’en assume ni le cynisme ni la distanciation froide. Manon est libertine par étourderie. C’est presque par distraction qu’elle « oublie » Des Grieux le temps d’une aventure. L’opposition lexicale entre « perfide », « redoutable » et « spirituelle », « charmante » renvoie à d’autres aspects du caractère de Manon : elle

est clairement du côté de l’immoralité lorsqu’elle trompe le Chevalier, mais ses qualités parviennent à effacer, à trois reprises, la faute commise, toujours assumée, regrettée et pardonnée. L’adjectif « troublante » laisse apparaître un idéal féminin, entre inquiétude et fascination, qui confère à Manon tout son charme sulfureux.

12. Des Grieux évoque tout d’abord la difficulté de nommer les sentiments qu’il éprouve (l. 1 815 à 1 823). La « douleur », le « dépit », « la jalousie », « la honte » sont évoqués, mais le jeune homme admet sous une forme hypothétique qu’il éprouve peut-être aussi « encore plus d’amour » (l. 1 826). Manon parvient donc non seulement à se faire aimer malgré sa trahison, mais probablement grâce à elle. Des Grieux reconnaît ici les étranges détours de l’amour, qui augmente à proportion de la souffrance infligée par l’inconséquence, la frivolité ou la liberté de l’être aimé. Les nombreuses questions rhétoriques et les phrases exclamatives soulignent l’intensité du trouble du Chevalier. Par un curieux procédé, qui s’apparente au discours indirect libre, il donne la parole à Manon pour lui répondre en son absence dans un monologue dialogué obsessionnel et accusateur : « Elle appréhende la faim. Dieu d’amour ! quelle grossièreté de sentiments ! […] Elle m’adore, dit-elle. Si tu m’adorais, ingrate, je sais bien de qui tu aurais pris tes conseils » (l. 1 833 à 1 840, p. 85-86). 13. Des Grieux se caractérise lui aussi par l’ambivalence et la complexité de son caractère : – Après avoir tiré sur le domestique pour s’évader de Saint-Lazare, il reproche à Lescaut de lui avoir donné un pistolet chargé, tout en reconnaissant après que, sans cela, son évasion aurait échoué (p. 113, l. 2 712 à 2 716). – Lorsque Lescaut, page 115, laisse entrevoir que M. de T. pourrait monnayer son aide contre les faveurs de Manon, il occulte la malhonnêteté de la démarche au bénéfice de l’objectif à atteindre, la libération de Manon. – Il utilise sa physionomie d’honnête homme pour pratiquer l’escroquerie au jeu (p. 76, l. 1 639 à 1 642). Autobiographie et vision de l’homme 14. Un récit autobiographique ne vise jamais la seule confession de souvenirs qui, sortis de leur contexte familial, social et historique, ne présenteraient que peu d’intérêt pour le lecteur.


Litterature.indb 40

06/09/11 11:52

L’autobiographie permet de tracer, à travers un parcours individuel, un cheminement intellectuel et affectif qui rejoint certains universels humains. La peur de la mort, la découverte du monde par l’enfant, les doutes de l’adulte sur le sens même de l’existence, lorsqu’ils sont évoqués par l’autobiographe rejoignent des interrogations atemporelles, communes à tous les hommes. Dans Les Confessions, Rousseau évoque ainsi, à propos de son enfance, le sentiment d’injustice et d’incompréhension qui le frappe lorsqu’on l’accuse, à tort, d’avoir cassé un peigne, sentiment universel, vécu par de nombreux enfants, parfois jusqu’au traumatisme et jouant fortement sur le développement de l’adulte.

8) Fiche de lecture ¤ : Du libertinage à la tragédie  p. ∞° HISTOIRE DES ARTS 1. Le verbe latin lustrare signifie tout à la fois « éclairer » et « purifier ». L’une des fonctions de l’illustration est donc de rendre le texte plus lumineux, de le magnifier par le dessin et la mise en scène graphique, dans l’esprit des enluminures médiévales. L’illustration peut aussi se comprendre au sens figuré « d’éclairer », c’està-dire permettre une meilleure compréhension du texte. L’image permet la synthèse visuelle du sens textuel. Elle donne une vision globale des enjeux d’une œuvre et ce, par une voie sensible et non plus seulement intellectuelle. Un roman d’édification ? 2. Les putti ont tout d’abord une fonction thématique. Ils rappellent que l’amour est le sujet principal de Manon Lescaut, le moteur de l’intrigue. Cette nuée de petits Amours cherche à entraîner Des Grieux vers l’arrière-plan, dans une sorte d’alcôve végétale où se trouve une femme qui pourrait représenter la nymphe Eucharis, symbolisant le désir. Les putti bandent leur arc, tirent sur la tunique du jeune homme ou sur une ceinture florale dont ils le ceignent.

3. Cette gravure s’inscrit dans un univers culturel évident pour un lecteur du XVIIIe siècle : Les Aventures de Télémaque de Fénelon (1699) constituent la grande référence du roman d’édification français. Le personnage sur la droite rappelle donc Mentor, qui doit guider

spirituellement le jeune Télémaque pour l’aider à dominer ses passions, notamment l’amour qui l’attire vers la nymphe Eucharis. Ce Mentor désigne un calvaire, rappelant le Golgotha, lieu de souffrance du Christ à l’attention du jeune novice. Il s’agit donc clairement d’opposer le vice de la débauche sensuelle à l’élévation spirituelle et religieuse, celle du Christ souffrant pour racheter les fautes des hommes. Le vieil homme trouve son équivalent idéologique en la personne de Tiberge dans le roman de Prévost. Il est celui qui cherche à détourner Des Grieux de ses passions, à le ramener vers le droit chemin et à le séparer de Manon, cause principale de sa dérive.

4. En étant placée sous l’égide des Aventures de Télémaque, l’œuvre de Prévost apparaît dans toute son ambiguïté. Cette vignette constitue tout autant un hommage qu’une parodie de l’œuvre de Fénelon. On peut en effet prendre au sérieux l’iconographie convenue de la lutte entre la spiritualité inspirée par Dieu et l’attrait pour les plaisirs terrestres. De même, l’épigraphe peut être lue comme une injonction pathétique sur les conséquences d’une erreur de jeunesse. Cependant, alors que le Télémaque de Fénelon finit toujours par suivre les préceptes de Mentor, le Des Grieux-Télémaque de la gravure de Pasquier hésite, ce que traduisent son regard et sa position. Il n’est pas pleinement déterminé à suivre Tiberge-Mentor, attiré par le chant des Amours et la sensualité de la nymphe. Un détail, par ailleurs, vient ruiner le sérieux de cette scène « édifiante » : au-dessus de la nymphe, un premier couple de tourterelles se « bécote » au sens littéral du terme, tandis qu’un deuxième, un peu plus haut, copule ouvertement. L’épigraphe ellemême est à double sens. Elle pourrait tout aussi bien se lire comme une incitation à choisir uniquement des femmes frivoles, moins ambigües dans leurs intentions que Manon ! Ces détails déplacent l’œuvre dans une autre catégorie que l’édification : celle du conte licencieux, du roman libertin, où le discours de la vertu, parodié, ennuyeux, n’est là que pour mieux mettre en valeur l’éclat de l’amour et du désir. La recherche du bonheur 5. Après avoir un temps placé le bonheur par l’amour ou la vertu sur un pied d’égalité (voir 2 Manon Lescaut |

Litterature.indb 41

41

06/09/11 11:52

extrait 2), Des Grieux tempère ses propos. Il montre que, si la quête vertueuse est moralement supérieure, l’amour permet de supporter les peines (p. 107, l. 2 518-2 521), et a le mérite d’animer avec constance les hommes, là où la vertu sévère décourage. Des Grieux tente donc à ce stade du roman de concilier amour et vie vertueuse, en considérant le bonheur tourmenté obtenu par l’amour comme une épreuve nécessaire pour atteindre ensuite le bonheur pur de la vertu.

6. Le couple formé par le Chevalier et Manon en Amérique est en rupture radicale avec les dérèglements et la débauche de leur vie parisienne. Le retour vers la religion est souligné (l. 5 632 à 5 635) et devient le moyen de concilier deux tendances jusque-là incompatibles : le bonheur individuel et la morale (l. 5 642 avec l’expression « amour vertueux »). Le libertinage 7. À chaque évolution des personnages dans le roman pourrait correspondre l’un des trois sens proposés par le TLFI pour le substantif « libertin ». Le premier sens – « (Celui, celle) qui a une conduite, des mœurs très libre(s) ; qui s'adonne sans retenue aux plaisirs de la chair » – correspond surtout au personnage de Manon jusqu’à son arrivée en Amérique. Le second sens – « Qui refuse les contraintes, les sujétions ; qui manifeste un grand esprit d’indépendance, qui fait preuve de non conformisme » – concernerait Des Grieux et Manon, rompant tous deux avec les normes sociales, refusant le pouvoir des parents, défiant la morale au nom de la liberté individuelle. L’étymologie souligne cette volonté d’affranchissement. Alors que leurs parents les destinaient à une vie rangée, guidée par la religion, le couvent pour Manon, les ordres pour Des Grieux, les deux héros se sont rebellés contre une fatalité sociale qui allait les emprisonner dans une vie antinomique avec l’énergie et la fougue de leur jeunesse. Il y a donc, au-delà de la recherche du plaisir, et parfois de la débauche, une affirmation de liberté individuelle très moderne de la part des deux personnages. Le troisième sens enfin » – « Qui refuse le dogmatisme des croyances établies ou officielles et en particulier celui de la religion et la contrainte de sa pratique » – pourrait partiellement s’appliquer à Des Grieux rejetant le principe de

renoncement aux plaisirs terrestres prôné par la religion, notamment dans son entretien avec Tiberge (Extrait 2).

8. D’après l’interprétation du Chevalier, c’est le goût du confort matériel, le plaisir de l’aisance procurée par l’argent qui mènent Manon à la vénalité. Cette fatalité paraît presque rassurante à Des Grieux, car elle ne procède pas d’une perversion de nature, mais de penchants liés aux circonstances matérielles. Voilà pourquoi Manon peut être sincère en affirmant l’aimer dans l’appartement de l’homme avec qui elle vient de le tromper. Le motif de son libertinage est on ne peut plus clair : les hommes dont elle accepte les avances sont âgés pour deux d’entre eux et leur dénominateur commun est de posséder du bien, ce qui signifie l’espoir de relations lucratives. Cette prostitution est fatale selon Des Grieux qui saisit vite le caractère de Manon, tentée tout autant par la gratuité de l’amour que par la possibilité de s’enrichir en usant de ses charmes. Ne pouvant garantir à Manon la pérennité du confort financier et matériel, Des Grieux se résigne aux futures trahisons de la jeune femme. Un roman tragique : une peinture subtile de la passion 9. Ces quelques vers que Musset lui consacre rappellent combien la fascination pour le personnage de Manon dépasse le cadre du XVIIIe siècle. L’antithèse entre l’amour et la haine se réfère au domaine de la passion amoureuse, sujet tragique par excellence. L’« ardeur inouïe » de Manon et sa « perversité » font d’elle une femme « impossible », dont on ne peut parler qu’en termes hyperboliques et passionnés. Sa duplicité entraîne fatalement le mensonge, les faux-semblants, la trahison et la souffrance d’un homme comme Des Grieux qui n’adhère pas à la logique libertine. Les codes de la tragédie classique sont présents à l’échelle de l’œuvre entière : – présence insistante de la notion de fatalité (la vénalité de Manon est inéluctable) réactivée dans le roman par les nombreuses prolepses ; – champ lexical et thème de la passion ; – ambiguïté des personnages prisonniers de forces contradictoires (la vertu contre la liberté de mœurs).

10. Des Grieux laisse paraître plusieurs signes de sa violente passion :


Litterature.indb 42

06/09/11 11:52

– un état maladif traduit par des hyperboles : « Jamais apoplexie… » (l. 4 914-4 915) ; – la douleur affective se transforme en malaise du cœur (l. 4 915-4 916) ; – l’évanouissement, assimilé à une petite mort (l. 4 916-4 917). La passion tragique est vouée à l’échec ; elle est placée sous le signe d’une fatalité contre laquelle ses victimes ne peuvent lutter. Bien qu’il prenne très vite la mesure du caractère de Manon, Des Grieux ne peut s’empêcher de l’aimer. Chaque nouvelle trahison ne fait qu’aggraver le poids de cette fatalité. Le Chevalier ne cesse d’évoquer les souffrances endurées au nom de son amour, sans être pour autant capable d’y mettre fin. Cette lucidité impuissante est l’une des marques du héros tragique.

11. Le commentaire de Voltaire peut être perçu autant comme un éloge envers un auteur capable de s’élever jusqu’au genre suprême de la tragédie, que comme un reproche, l’Abbé Prévost ayant fait le choix du roman, genre encore mineur au XVIIIe siècle. La citation met l’accent sur la force principale de l’œuvre, qui réside moins dans la vraisemblance des situations ou la représentation de la société que dans la finesse de la peinture des passions. Le pluriel n’est pas anecdotique, car au-delà de la passion amoureuse, l’Abbé Prévost dépeint également la passion de l’argent (qui saisit tout autant Manon que le Chevalier) et ce que l’on pourrait qualifier de passion du bonheur, dont l’affranchissement des codes sociaux est le préalable. La possibilité d’adapter Manon Lescaut au théâtre paraît donc tout à fait plausible. Au-delà de la transformation générique d’un texte narratif en un texte dialogué, cette adaptation supposerait également, en prenant comme référence les codes de la tragédie classique, de procéder à d’autres ajustements. La vraisemblance des situations romanesques est parfois douteuse, la présence assumée de la débauche, de comportements parfois vulgaires est également incompatible avec les codes de la tragédie classique. La condition sociale inférieure de Manon n’en fait pas non plus une héroïne de tragédie. La liste des incompatibilités ne s’arrête pas là, mais la question a surtout pour objectif de permettre aux élèves de réactualiser les connaissances acquises sur la tragédie en seconde. 12. Toutes proportions gardées, l’inspiration tragique de Manon Lescaut n’est probablement pas

étrangère au modèle racinien de la passion. L’aveu de Phèdre à Œnone en est l’une des pièces maîtresses. Le registre tragique se manifeste, entre autres, par l’emploi du champ lexical de la fatalité (« ce nom fatal », « le feu fatal à tout mon sang », « incurable amour », « Cruelle destinée ! »), l’obsession de la mort et de la terreur provoquée par la passion (« Pourvu que, de ma mort respectant les approches, / Tu ne m’affliges plus par d’injustes reproches », « le comble des horreurs », « J’ai conçu pour mon crime une juste terreur ») et l’assimilation de la passion à une maladie que l’on subit (« Je le vis, je rougis, je pâlis à sa vue ; / Un trouble s’éleva dans mon âme éperdue »). Parmi les figures d’amplification, innombrables, on pourra relever les hyperboles (« l’ennemi dont j’étais idolâtre ») et la gradation (« Je le vis, je rougis, je pâlis à sa vue »). L’extrait page 53 (l. 998 à 1 013) et l’œuvre dans sa globalité expriment la douleur, la fatalité, mais également la beauté noire de la passion tragique. De Racine à Prévost, la passion est un sujet riche en potentialités esthétiques, offrant au lecteur une palette psychologique et un raffinement d’émotions largement supérieurs à ce que pourrait offrir le tableau de la vertu.

Prolongement Le professeur pourra travailler sur le mythe de Manon, à travers l’écoute ou la lecture d’extraits de l’opéra Manon de Massenet ou de Manon Lescaut de Puccini. Plus récemment, Serge Gainsbourg a écrit une chanson intitulée « Manon » pour le film Manon 70, adaptation moderne du roman de Prévost par le réalisateur Jean Aurel en 1968, avec Catherine Deneuve dans le rôle principal.

Conclusion La richesse de la caractérisation des personnages et l’idée, relativement récente en 1731, que l’analyse psychologique puisse constituer le sujet principal d’un roman, annoncent les évolutions futures du genre romanesque au XIXe siècle. La grande liberté enfin, des personnages relativement aux mœurs de leur époque souligne l’intemporalité et l’universalité de la réflexion sur le bonheur, qui se construit dans le mince espace entre la réalisation individuelle et l’adhésion aux valeurs communes d’une société. 2 Manon Lescaut |

Litterature.indb 43

43

06/09/11 11:52

Séquence

‹

Voyages au bout de la nuit Livre de l’élève  p. ∞· à §§

Objectifs et présentation de la séquence  p. ∞· Objectifs : – Étudier les moyens esthétiques pour rendre compte de l’enfer de la guerre. – Aborder des œuvres qui posent la question des limites de la représentation. Le XXe siècle est celui de tous les paroxysmes : il a vu naître des progrès sociaux, économiques et technologiques inouïs, tout en atteignant les sommets de la barbarie et de la destruction. Les deux guerres mondiales, le règne des totalitarismes, les génocides constituent autant de « voyages au bout de la nuit », de moments ultimes de négation de l’homme par l’homme. Le roman, la peinture, la photographie et les formes les plus contemporaines de la création artistique se sont saisies du paradoxe de cette barbarie rationnelle et industrielle. À côté des documents et témoignages directs, l’art est un moyen de rendre sensible ce qui pourrait ne rester qu’une abstraction historique pour les générations suivantes. Il permet également d’approcher l’énigme de la barbarie humaine. Là où le discours rationnel achoppe, l’art résiste, continue à vouloir représenter, questionner et comprendre l’incompréhensible. La séquence propose tout d’abord de montrer comment la peinture se saisit du motif de la première guerre mondiale et dialogue avec la littérature pour décrire l’univers des tranchées (p. 60-61). Une deuxième partie aborde, d’une manière plus générale, la difficulté de la représentation de la guerre, tant sous la forme de la fiction illustrée que sous le mode documentaire recherché par le photojournalisme (p. 62-63). Elle confronte enfin deux manières de représenter la Shoah : une installation artistique impliquant un parcours de la part du spectateur et le témoignage direct d’un rescapé (p. 64-65). Cette séquence éclaire des courants artistiques qui se sont saisis du thème de la guerre au XXe siècle. Elle montre également comment les blessures de l’histoire ont contribué à une remise en cause profonde de la création artistique. L’art au XXe siècle ne cherche pas seulement à capter le monde concret dans une représentation, mais à rendre visible ce que nous ne pourrions voir autrement, ce qui échappe à la compréhension rationnelle, en d’autres termes, à donner une forme visible à l’invisible.

⁄ Peindre la guerre

ÉTUDE D’UNE ŒUVRE ABSTRAITE

 p. §‚-§⁄

Objectifs – Analyser les rapports entre le sujet représenté et la technique picturale. – Étudier un mouvement artistique marqué par une tragédie historique.

Contexte : Étudiant prometteur de l’école des beaux-arts de Dresde, George Grosz a 20 ans lorsque la guerre éclate. Il est libéré de ses obligations militaires pour cause de maladie en 1915, mais sera finalement rappelé sous les drapeaux en 1917. Interné dès le lendemain de son rappel dans un hôpital psychiatrique, victime de graves


Litterature.indb 44

06/09/11 11:52

troubles nerveux, il est finalement réformé en 1917. Explosion a été peint à l’issue de cette série d’épreuves douloureuses.

1. Le rouge et le noir dominent la composition de l’œuvre. Quelques touches d’un vert criard, de bleu et de jaune lui confèrent une dimension irréelle. Le noir évoque la nuit d’une ville surprise par la guerre. Le rouge semble inonder de l’intérieur les éléments architecturaux. Les bâtiments paraissent imploser sous l’effet du bombardement et des flammes. Au-delà de cette fonction référentielle, le rouge peut symboliser la violence, le sang, la folie destructrice de la guerre. Le jeu de contrastes violents avec le noir fait entrer le spectateur dans un réseau culturel qu’il pourra identifier comme celui de la représentation de l’enfer. On peut penser, entre autres, à L’Enfer de Jérôme Bosch. 2. Le tableau fait apparaître explicitement la guerre, le bombardement, la destruction d’une ville. Sous la déformation et la déstructuration des lignes, le spectateur reconstitue des bâtiments, des fenêtres, des débris, une rue. L’impact de l’explosion, point de fuite principal du tableau, situé en son centre, est clairement identifiable. Les volutes de fumée dans la partie supérieure décrivent également très clairement le développement de l’explosion. Néanmoins, le contraste violent entre les couleurs, la dislocation des lignes de fuite et la transformation géométrique de la scène – rappelant la technique cubiste – nous placent du côté de l’allégorie et de la transfiguration symbolique. 3. Explosion est une œuvre à la croisée de plusieurs esthétiques. La figuration est encore bien présente, à travers les bâtiments représentés, le feu, la fumée, mais ces éléments réalistes se présentent comme des traces improbables de la réalité, des formes en train de disparaître, de s’abstraire du monde. De nombreuses parties du tableau, en particulier les zones périphériques, ne permettent pas d’identifier clairement les éléments référentiels. L’explosion déforme la ville jusqu’à l’abstraction, repoussant les limites de ce qui est représentable et de ce qui ne l’est pas. Seule la partie centrale du tableau, près de l’impact, permet encore d’identifier une ville, la zone périphérique traduisant par son abstraction la confusion des formes, le chaos de la guerre. Cette progression vers l’abstraction est à l’image

d’un monde défiguré en train de basculer dans l’irreprésentable. Explosion est donc une œuvre tout à la fois abstraite et figurative, à l’image de la guerre dans son absurdité, terriblement réelle par ses conséquences, mais demeurant une énigme pour la raison.

4. Un certain nombre de lignes convergent vers le centre du tableau, une zone noire qui pourrait figurer une rue vue du ciel. La verticalité s’exprime notamment à travers les trois immeubles représentés de part et d’autre de cette étroite zone noire. En revanche, le bâtiment qui apparaît partiellement au premier plan déroute. Il semble comme séparé du reste du tableau, échappant aux lois de la perspective, au bord du tableau. D’une manière générale, les nombreuses lignes qui traversent le tableau, rendues très visibles par le contraste entre le rouge et le noir apparaissent comme des traces ostensibles du geste du peintre. L’effacement du trait dans l’harmonie des couleurs et de la composition est remis en cause. La visibilité des lignes dément la recherche de mimesis, le peintre revendiquant pleinement son intervention dans l’acte de la représentation. La déconstruction de la perspective dérange, perd le spectateur qui ne sait plus où placer son regard, qui ne parvient plus à construire clairement l’espace représenté. Par une déconstruction très travaillée, l’œuvre donne une sensation de vertige, de chaos, de confusion qui fait ressentir, au-delà d’une image, une expérience de la guerre.

DE L’IMAGE AU TEXTE 1. Le tableau d’Otto Dix se présente comme une illustration du texte de Barbusse. Il est donc particulièrement intéressant d’analyser la manière dont le peintre met le texte en image. Les Flandres retient de l’extrait proposé : – la présence fantomatique de corps ou de formes humaines (« taché d’êtres », « tous ces hommes à face cadavérique » « il sort d’un côté ou d’un autre quelques revenants », p. 61). Au premier plan, on identifie difficilement trois visages qui paraissent comme détachés du reste du corps ; – le « surnaturel champ de repos » qui se dessine à travers l’amas de débris, de branches, de boue, d’eau, de tissus et d’hommes endormis ou morts. La vie se réduit sur le tableau à des manifestations minuscules (un œil ouvert, une main posée sur le sol), de même que le texte de Barbusse évoque ces « êtres qui dorment, ou qui, s’agitant 3 Voyages au bout de la nuit |

Litterature.indb 45

45

06/09/11 11:52

doucement […] se mettent à revivre, ou sont en train de mourir » ; – les « amas de terre » du Feu sont bien visibles sur le tableau d’Otto Dix, du premier plan jusqu’à la ligne d’horizon ; – l’indétermination de la nationalité (« Sont-ils Allemands ou Français ? »), aucun uniforme ne permettant d’identifier les soldats visibles ; – l’absence d’armes (« ils n’ont pas leur fusil »).

2. Le titre évoque la représentation d’un paysage. L’indication géographique nous situe également dans l’horizon d’attente de la peinture flamande, en particulier celle du XVIIe siècle, dans la lignée de Rubens, qui développe particulièrement l’art du paysage. L’image dément violemment le titre. Si la nature est encore représentée, elle est bouleversée par l’action humaine. La guerre façonne un nouveau type de paysage, chaotique, dépourvu de toute harmonie, marqué par l’hétérogénéité de ses composantes. Les éléments naturels se mêlent aux objets et aux tissus humains. 3. Le corps des hommes n’apparaît pas comme un élément extérieur au paysage. Il est intégré à la boue, à la couleur de la terre. Il se fond presque parfaitement avec elle, ne manifestant que par quelques touches insolites sa présence spectrale. La boue unificatrice fait disparaître les limites entre l’humain et l’inanimé. Les nuances kaki et brunes de la terre se fondent avec celles des vêtements, en particulier au premier plan, tandis que le vert de gris des cratères remplis d’eau rappelle celui des uniformes. Seul le ciel paraît homogène, échappant à l’indistinction de la partie inférieure du tableau où l’amassement de corps, de débris, de branches mortes rappelle le spectacle glaçant évoqué par Barbusse. 4. La question de l’illustration du texte par la peinture traverse l’histoire de l’art. La doctrine de l’ut pictura poesis affirme la subordination du tableau à l’ordre du discours. Les rapports qu’entretient l’art pictural avec la littérature sont cependant plus complexes qu’une simple transposition d’un langage à un autre. Si la locution prépositionnelle « d’après » laisse entendre dans un premier temps que le peintre se situe dans cette tradition d’imitation du texte par la peinture, l’examen comparé du texte et de l’image montre bien plus qu’une simple transposition. La valeur illustrative du tableau, qui a été étudiée dans la première question, ne peut masquer

les écarts et les transformations entre le texte et le tableau. La ligne au premier plan, lorsque l’on parcourt le tableau de gauche à droite, relie le point situé au-dessus de la branche noire, à l’extrémité du corps recroquevillé sur la partie droite du tableau et forme ainsi une sorte de talus humain, de relief contre-nature. Cette impression d’amas organique relève davantage de l’interprétation du peintre. Le tableau évoque l’indifférenciation de la terre et des hommes par des moyens purement graphiques, le jeu des lignes du tableau, l’aspect granuleux des visages et le travail sur la couleur. Le surgissement de branches décharnées dans le tableau relève également davantage de l’interprétation, conférant à la scène une dimension tragique, les arbres apparaissant comme des bras séparés de leur corps, invoquant vainement le ciel au milieu d’un paysage de désolation.

5. La figure de style utilisée est la métonymie. Les hommes sont tout d’abord désignés comme « des amas de terre » avant d’être identifiés de manière très insolite, en fin de phrase, comme des hommes. La position finale du substantif « êtres » transcrit stylistiquement l’inversion de la hiérarchie naturelle provoquée par la guerre. Les hommes ne sont reconnus qu’en dernière analyse. La terre prend le dessus sur eux, enterre vivants et morts sans distinctions et laisse à peine émerger une humanité à la limite de la disparition. L’expérience du spectateur du tableau, quoique foncièrement différente, peut faire écho à celle du lecteur. Le premier coup d’œil ne laisse voir qu’un paysage boueux. Seul un regard plus aiguisé finit par distinguer les contours et les formes de ce qui reste des hommes sur le champ de bataille.

ÉCRITURE Vers la dissertation Pistes 1) L’artiste au service du combat pour la liberté a) Le romancier est un visionnaire Par sa capacité à s’abstraire du présent, l’écrivain peut imaginer une société libérée des diverses formes que peut prendre l’oppression. Victor Hugo, en particulier dans Les Misérables, élabore une fresque qui annonce la révolte du peuple contre un ordre social injuste. On peut


P005-090-9782011355430.indd 46

06/09/11 14:17

penser notamment au tableau mythique des barricades. Ainsi, quand le narrateur se demande « quel horizon on voit du haut de la barricade », le personnage d’Enjolras répond : « l’avenir ». b) Un combat qui passe par la dénonciation La fiction romanesque peut être un moyen de souligner les dérives d’une société, d’en démonter les mécanismes de pouvoir et de domination. Dans 1984, George Orwell décrit un monde désincarné où l’individu ne peut plus exercer la moindre liberté, ses pensées elles-mêmes étant traquées par le pouvoir. Milan Kundera, dans La Plaisanterie, dénonce quant à lui le totalitarisme qui sclérose la société tchécoslovaque en la privant de ses droits fondamentaux. c) Les écrivains engagés Certains écrivains ne se contentent pas d’un combat purement littéraire, mais s’engagent également sur le terrain politique. Hugo, Zola, Sartre, Camus, Aragon, Malraux, Char, entre autres, illustrent cette volonté d’avoir prise sur la réalité politique et sociale, par une action militante, qui a pu, pour certains d’entre eux, prendre la forme d’une véritable lutte armée.

On pourra développer une troisième partie montrant que le romancier ne peut écrire hors du temps, de la société, du contexte dans lequel il évolue et que le roman, par nature, s’inscrit dans les combats de son temps. L’efficacité du roman, si elle n’est pas immédiate, souligne les phénomènes universels et intemporels de la domination. Les causes de l’oppression restent souvent transposables dans d’autres contextes. Les combats de Victor Hugo, en particulier dans Les Misérables, traversent les époques. Certains écrivains, comme Sartre et Camus, considèrent quant à eux que l’écriture et la révolte sont indissociables.

2) Les artistes ne sont pas les mieux placés pour mener ce combat a) La répression et la censure Les écrivains sont confrontés à la répression et à la censure qui les empêche d’exprimer leurs idées librement. Le contrôle des idées par le pouvoir constitue un frein à leur combat. Victor Hugo a dû s’exiler près de vingt ans, ses œuvres ont été censurées par le régime de Napoléon III, ce qui a en partie remis en cause l’efficacité de sa lutte. b) Le rôle du romancier se situe ailleurs que dans le combat pour la liberté Les défenseurs de la théorie de l’art pour l’art revendiquent la séparation absolue entre l’art et le monde réel, la société, la politique. Leur but est de cultiver la beauté pour elle-même. Ces artistes refusent donc toute fonction subversive. Huysmans, dans À rebours, élabore un roman mettant en scène un personnage vivant dans l’obsession de l’esthétisme, coupé du monde et de ses problèmes. c) L’écriture nécessite une maturation, son efficacité est moindre par rapport à d’autres formes de lutte Le délai nécessaire à la création peut remettre en cause l’efficacité d’un combat qui doit se mener au présent.

¤ Images de guerre

L’étude de deux tableaux représentatifs du mouvement de la Nouvelle Objectivité aura permis aux élèves de percevoir le lien entre l’esthétique et l’historique, dans la mesure où les techniques mêmes de composition de ces peintres sont indissociables de l’expérience de la guerre.

 p. §¤-§‹

Objectifs – Étudier la problématique de l’illustration du texte littéraire. – Interroger la question de l’objectivité de la photographie de presse.

DE L’IMAGE AU TEXTE 1. Tardi cherche à traduire la ferveur patriotique qui saisit le peuple français en 1914. Le texte de Céline évoque, à partir de « C’est le signe… », la folie patriotique qui vire à la fureur sanguinaire. Les « Pacifiques » sont les victimes expiatoires de cette lame de fond, ils sont désignés par des termes péjoratifs (« leur sale vie baveuse ») et voués au déchaînement de violence du peuple. C’est l’ironie corrosive de Céline que Tardi cherche à illustrer au moyen de cette foule de squelettes hagards, animés par une violence aveugle. Il ne s’agit donc pas d’illustrer une scène narrative, mais de trouver les moyens de rendre compte d’une réflexion abstraite : le peuple est manipulé par le pouvoir politique et sa propagande. Le patriotisme est le mensonge nécessaire 3 Voyages au bout de la nuit |

Litterature.indb 47

47

06/09/11 11:52

pour faire oublier aux soldats qu’ils vont mourir pour une cause absurde. Il pousse les soldats à une frénésie de combat, de mort et de destruction. Parallèlement aux planches illustrant des scènes ou des descriptions réalistes (comme celle qui ouvre la séquence p. 59 ou les planches de la p. 66), l’illustrateur choisit parfois de représenter un mouvement de pensée, une réflexion plus abstraite du romancier.

2. Pour Voyage au bout de la nuit, Tardi a fait le choix de l’illustration et non celui de l’adaptation en bande dessinée. Le dessin ne prend jamais la place du texte, il n’en est qu’une ponctuation régulière. Illustrer consiste donc davantage, selon l’étymologie du mot, à éclairer, à mettre en lumière le texte. L’illustrateur, contraint d’être très sélectif, est confronté avec Voyage au bout de la nuit à une difficulté supplémentaire : le texte est foisonnant, baroque. Tardi cherche à retrouver dans le dessin la profusion verbale de Céline. La multitude de crânes, s’étendant jusqu’à l’horizon, l’arrière-plan montrant un cimetière dont on ne distingue pas les limites, le drapeau sur la gauche, la confusion qui se dégage de ces squelettes, à la fois morts, dévorés par les corbeaux et continuant pourtant à vivre pour revendiquer leur patriotisme, sont autant de moyens de répondre aux débordements verbaux et stylistiques du texte de Céline. 3. Céline évoque au début de l’extrait la déchéance du corps sous terre, dans une sorte de prolepse fictive. Le narrateur s’imagine mort, recevant la visite de sa famille sur sa tombe. Tardi retient du passage l’obsession de la mort, devenue banale, admise par tous, y compris par la famille. L’image montre donc une armée de morts, mais des morts agressifs, virulents, qui s’arment du patriotisme pour masquer l’aberration de leur sacrifice. La présence cynique du corbeau qui plonge son bec dans l’orbite d’un crâne vient ironiquement démentir la noblesse du combat pour la patrie : ceux qui se battent ne sont voués qu’à devenir les « saucissons de bataille » évoqués par Céline. L’illustration est donc non seulement une interprétation du texte par le dessinateur, mais elle permet également au lecteur de nourrir son imaginaire et d’enrichir son expérience de lecture dans le va-et-vient entre le texte et l’image.

4. Les élèves trouveront facilement dans leur C.D.I. ou en médiathèque d’autres ouvrages de Tardi, en particulier la série d’adaptations en bande dessinée des Nestor Burma de Léo Malet, ou celle du Cri du peuple de Jean Vautrin. L’intérêt de l’adaptation de textes classiques de la littérature repose sur l’attrait exercé par l’association du texte et de l’image. Pour le lecteur qui découvre une œuvre sous la forme d’une adaptation, il devient possible d’entrer visuellement et rapidement dans un univers romanesque, l’expérience pouvant inciter à la lecture du roman original. Pour le lecteur qui a déjà lu l’œuvre originale, l’adaptation peut enrichir l’imaginaire, et procurer le plaisir de la « revivre » autrement. 5. La séquence offre deux exemples de dialogue direct entre la littérature et la peinture ou le dessin (p. 61-62). Il ressort de l’étude du tableau d’Otto Dix et du travail sur l’adaptation du Voyage au bout de la nuit que cet échange ne se limite pas à une simple traduction d’un support à un autre, mais constitue un enrichissement réciproque. On ne voit pas « plus » sur le tableau de Dix ou sur le dessin de Tardi, mais on voit autre chose, autrement, sous un angle inédit que le texte ne pouvait offrir. Il peut être intéressant d’élargir la réflexion au cinéma et d’aborder la notion d’adaptation cinématographique, constituant un autre exemple important de dialogue entre les arts. On peut se référer à la séquence 22 sur les vampires (p. 423) qui évoque le passage d’un mythe littéraire à son adaptation filmique

ÉDUCATION AUX MÉDIAS 1. Si le cliché de Capa s’est élevé au rang de mythe, c’est probablement grâce à un mélange de maîtrise technique, d’intuition et de hasard, comme cela arrive très souvent en photographie. Le sujet photographié de près est décentré sur la gauche de l’image, comme en train de sortir du cadre, le fusil n’étant d’ailleurs pas complètement dans le champ visuel. Le cadrage laisse à penser qu’avec les moyens techniques de l’époque, le photographe n’était qu’à quelques mètres du combattant fauché par la mort. Robert Capa a donc pris d’énormes risques pour obtenir ce cliché, probablement depuis un renfoncement du terrain,


Litterature.indb 48

06/09/11 11:52

légèrement plus bas que le combattant, ce qui explique l’impression de contre-plongée. Les deux lignes de fuite définies par les deux extrémités du fusil, la tête et les pieds du combattant « ouvrent » la perspective vers la gauche du tableau, vers un espace qui semble vide, où le ciel occupe la place principale. L’homme donne l’impression étrange d’ouvrir les bras vers cet espace vide. Les lignes horizontales qui dominent (ciel, pente du terrain, paysage au loin) sont en contraste violent avec la verticalité de l’homme et du fusil. La position très particulière du soldat en train de tomber associée à la pente du terrain confère à l’image une force tragique saisissante : l’homme tombe en arrière, à contre-courant du mouvement de la pente. La mort le retient, l’empêche d’aller vers cet « avant » du combat et de la résistance à l’armée franquiste. C’est peut-être l’instant retenu par le photographe au moment de la prise de vue qui contribue le plus à rendre cette image si fascinante. On y éprouve le vertige de voir l’irreprésentable, l’instant même de la mort d’un homme. Cet homme n’est ni vivant ni mort, il est en train de mourir. C’est cet instant insaisissable qui semble comme figé sur le cliché. Au-delà de la compassion que le spectateur peut éprouver face à la disparition d’un combattant républicain, c’est aussi la peur universelle de la mort, le rappel de la condition humaine qui frappe l’esprit de celui qui découvre cette photographie.

rendre plus saisissante. Certains clichés de guerre ont une telle force d’évocation qu’ils en perdent presque leur statut documentaire, supposé objectif, pour entrer pleinement dans la dénonciation. La photo de Nick Ut montrant une petite fille vietnamienne brûlée par le napalm, fuyant un bombardement en fait partie (www.ac-grenoble. fr/lycee/vincent.indy/IMG/pdf_Phan_Thi_Kim_ Phuc.pdf). Le cliché de Capa pose un autre problème, celui de son authenticité contestée. Le débat n’étant pas tranché, on peut proposer aux élèves un atelier sur le sujet, en utilisant l’excellent dossier du site « Arrêt sur images » : www.arretsurimages.net/contenu.php?id=2170.

2. Le cliché de Robert Capa constitue l’acte de naissance du photojournalisme, dans la mesure où il offre une vision personnalisée de la guerre, à une époque où dominaient encore des photos prises en plan très général, montrant plus le champ de bataille que le destin individuel des hommes. La guerre devient réelle, la mort n’y est plus une abstraction, mais une évidence cruelle. Le statut de cette image est donc ambigu. C’est un cliché pris dans le feu de l’action par un journaliste, il témoigne de la réalité du conflit et son statut documentaire est incontestable. Mais la composition très travaillée, la focalisation sur un homme qui n’est plus un simple soldat, mais acquiert le statut de symbole d’un combat sur le point d’être perdu, sa force tragique l’élèvent au rang d’œuvre artistique. C’est cette ambiguïté qui est aujourd’hui encore parfois reprochée aux photographes, qui travaillent l’image pour la

Aujourd’hui, la récupération de cette photographie par l’État américain est dénoncée par certains artistes. Ainsi, l’œuvre d’Edward Kienholz intitulée Le monument commémoratif ambulant (1968, musée Ludwig, Cologne) témoigne de cette interrogation sur le détournement de l’information et de la communication. Dans une maquette grandeur nature, des statues représentent les soldats de la photo. Ils se tiennent debout devant un tableau noir en forme de tombe où s’inscrit le nom des pays rayés de la carte par une guerre. Derrière eux, la célèbre affiche représentant l’Oncle Sam demandant aux jeunes citoyens de s’engager. Voici le commentaire de son auteur : « Je tiens à préciser avant tout que je ne veux nullement insulter ce pays – l’Amérique – car je l’aime, je pense, autant que vous. J’ai cependant le droit de vouloir le changer, et à ma façon. Ma

3. La photographie de Joe Rosenthal a elle aussi fait l’objet d’une controverse. Sans entrer dans le détail de la polémique, on comprend aisément l’intérêt qu’un tel cliché pouvait présenter pour le pouvoir politique et militaire des États-Unis : un drapeau américain hissé sur une colline, quatre hommes les bras tendus vers l’étendard et vers le ciel symbolisent clairement le triomphe d’une nation sur le pouvoir totalitaire du Japon. Le cliché a été abondamment utilisé et diffusé par les services de propagande de l’armée américaine dans le but de stimuler le patriotisme et de donner un signe fort annonçant la victoire prochaine.

Prolongement : premières « L »

3 Voyages au bout de la nuit |

Litterature.indb 49

49

06/09/11 11:52

méthode – celle de tout artiste – est un système de mises au point et de points de vue. Pour ce qui est de cette œuvre, elle se lit comme un livre : de gauche à droite. À gauche, il y a les moyens de propagande : l’Oncle Sam de la première guerre mondiale, Kate Smith chantant Dieu bénisse l’Amérique et Les marines au Mont Suribachi […] Je regrette vraiment tous ces hommes morts dans l’absurdité de la guerre, car dans leur mort je ne peux pas lire notre avenir. Paix ! »

4. Un débat oral peut être mené à partir des arguments auxquels les élèves auront réfléchi préalablement à l’écrit. On pourra proposer une synthèse rassemblant les différents arguments : – La photographie de presse se doit d’informer. Elle ne doit donc pas orienter le public vers une interprétation unique et fermée, ce qui la distingue de l’image de propagande. Elle est un outil d’analyse de l’actualité, non une profession de foi. – Elle ne doit pas jouer sur le pathos, ce qui peut la rendre manipulatrice. Le rôle du journaliste de presse n’est pas d’émouvoir, mais de donner aux lecteurs les outils leur permettant de se forger leur propre représentation de l’actualité. – On peut opposer aux deux arguments précédents le rôle d’investigation et parfois de dénonciation que peut avoir le journalisme. Il n’existe pas de forme absolument objective pour rendre compte des événements. Le photographe propose donc à travers ses clichés une vision du monde que le lecteur pourra confronter à d’autres pour se constituer son opinion personnelle. – L’émotion a aussi une valeur informative : c’est en étant touché émotionnellement que le lecteur peut prendre conscience d’une réalité historique, qu’il peut vouloir approfondir sa connaissance de l’actualité. L’émotion n’est pas l’ennemie de l’analyse.

‹ La Shoah dans l’art et dans la littérature

 p. §›-§∞

Objectifs – Aborder le problème de la représentation de la Shoah. – Comparer les approches de la littérature et de l’art sur ce sujet.

ÉTUDE D’UNE INSTALLATION 1. L’étude du travail de Boltanski peut être l’occasion d’aborder le statut de l’œuvre d’art contemporaine, souvent déroutante pour les élèves, par sa forme, son abstraction ou son statut éphémère. L’installation de Christian Boltanski est organisée en parcelles rectangulaires occupant toute l’allée centrale du Grand Palais. Dans l’une des ailes est disposé un tas de vêtements plus important que l’on voit sur la photographie à l’arrière-plan. Les vêtements, installés en tas géométriques, dégagent une impression contrastée, mélange glaçant d’ordre et de désordre. Il est évidemment impossible d’évoquer l’œuvre en termes de beauté purement plastique : il s’agit d’un travail mettant en jeu l’émotion, l’intellect, la mémoire collective, l’énigme de la barbarie. L’installation ne se suffit pas à elle-même, elle ne peut s’achever que dans le parcours et le travail de conceptualisation de chaque spectateur. 2. Christian Boltanski aborde très régulièrement la question de la Shoah dans son œuvre. L’approche n’est pas toujours frontale, comme dans Personnes. On n’observe aucune étoile jaune, aucune manifestation explicite du génocide des Juifs pendant la seconde guerre mondiale. Les vêtements sont contemporains. Pourtant, le visiteur qui a vu Nuit et brouillard, ou des photos montrant l’accumulation de vêtements dans des hangars fait très vite le rapprochement. Dès leur arrivée dans les camps d’extermination, les déportés devaient se déshabiller, leurs vêtements étaient alors rassemblés, triés par d’autres détenus et déposés dans des hangars que les nazis avaient baptisés « Canada ». En dépouillant hommes, femmes et enfants de leurs vêtements, les nazis cherchaient à faire disparaître toute notion d’identité et entamaient le processus de déshumanisation dans le camp. 3. L’installation, par définition, n’est pas destinée à durer, elle n’existe que pendant le temps de l’exposition. Le caractère monumental du travail de Boltanski rend impossible sa conservation dans un musée. Il s’agit donc d’une œuvre éphémère, qui ne peut exister que dans un temps et dans un espace limités. Le statut transitoire de l’œuvre constitue l’une des problématiques de l’art contemporain.


Litterature.indb 50

06/09/11 11:52

L’œuvre n’est plus sacrée. Elle peut être détruite pendant ou après l’exposition, comme certaines machines autodestructrices de Jean Tinguely. Elle peut même n’exister que sous une forme textuelle décrivant un dispositif que l’artiste ne réalise pas lui-même. Il ne s’agit plus pour l’artiste d’exhiber sa capacité à fabriquer une œuvre, mais de créer une relation, une réflexion avec le spectateur, dont l’œuvre réalisée n’est qu’une composante.

4. A priori, le titre déroute. Des « personnes », nous ne voyons que les vêtements désordonnés, de toutes tailles. Ils apparaissent comme des corps vides, dépouillés de leur chair. Si l’on rétablit la référence historique aux camps d’extermination, le titre s’éclaire. L’œuvre de Boltanski, tout en montrant l’horreur de la déshumanisation, rétablit aussi en quelque sorte tous ces morts anonymes dans leur dignité de personne, en montrant ces vêtements comme la trace indélébile d’une humanité qu’on a voulu effacer, purement et simplement. Le thème de la trace, de la restitution d’une identité perdue traverse toute l’œuvre de Boltanski. Il ne s’agit pas uniquement de concevoir des installations « tragiques » commémorant la douleur de la disparition. L’artiste cherche toujours parallèlement à restituer l’identité, à résister, malgré tout, à l’anonymat de la mort.

DE L’IMAGE AU TEXTE 1. Les prisonniers sombrent dans une animalité qui s’explique par les conditions de transport épouvantables, le froid, mais surtout la faim. Cette déshumanisation fait disparaître les valeurs morales, brise l’unité familiale, au point d’amener un homme à tuer son propre père pour un morceau de pain. 2. La disposition en tas de vêtements mélangés, et dessinant pourtant en même temps des formes géométriques régulières, exprime la perte d’identité. Le fait même d’accumuler autant de vêtements vides, sans corps pour les habiter, dérange profondément. Plus les vêtements s’accumulent, plus l’absence des personnes qui pourraient les porter est soulignée. 3. Élie Wiesel construit La Nuit comme un témoignage. Il fait le choix d’une représentation directe de la Shoah, d’une description de l’horreur, à travers les souvenirs de l’adolescent qu’il était au

moment où il a vécu la scène. Christian Boltanski suggère l’indicible à travers des signes forts : le nombre très impressionnant de vêtements évoque l’ampleur du crime, les dimensions mêmes du lieu d’exposition sont monumentales. Les habits, au sol, témoignent symboliquement de l’abandon de millions d’hommes victimes de la mécanique meurtrière du nazisme. Montrer directement la Shoah revient aux témoins directs, aux historiens. Le rôle de l’artiste consiste plutôt, tout en évoquant le crime, à permettre au spectateur de le concevoir, de le penser et aussi à éprouver sensiblement ce qui en fait un événement si vertigineusement monstrueux.

4. Le texte de Wiesel évoque de façon très crue la bestialité qui saisit les hommes voulant s’emparer du morceau de pain : « Ce fut une ruée… miettes ». La mort du père assassiné par son fils est également évoquée au moyen de termes très réalistes : « L’autre se jeta sur lui », « poussa un râle et mourut ». La dernière phrase souligne le décalage entre ce que devrait vivre un adolescent de quinze ans et la cruauté de la scène dont il est le témoin. Cet adolescent a vu en quelques mois ce qu’un adulte ne pourrait imaginer à l’échelle de toute une vie : le paroxysme de la barbarie exercée par l’homme sur l’homme. 5. Boltanski se situe tout autant dans une position de gardien de la mémoire, que dans celle d’un intellectuel interrogeant un événement qui continue à dépasser l’entendement. Ce passé-là ne passe pas. Le rôle de l’artiste consiste à accompagner ses contemporains pour penser la barbarie nazie.

ÉCRITURE Vers la dissertation La célèbre affirmation du philosophe Adorno peut être l’occasion d’une dissertation ouverte à toutes les formes d’art, amenant les élèves à une démarche comparative.

Pistes pour la dissertation 1) Les artistes peinent à représenter cet événement a) Les ouvrages sur le sujet sont la plupart du temps des témoignages et non des œuvres de fiction. 3 Voyages au bout de la nuit |

Litterature.indb 51

51

06/09/11 11:52

De nombreuses œuvres, à commencer par Si c’est un homme de Primo Lévi, se présentent sous forme de récit autobiographique. b) User de la fiction peut paraître indécent. Il est possible d’évoquer les reproches adressés à Steven Spielberg à propos de son film La Liste de Schindler, reconstituant en studio un camp d’extermination. c) Cet événement est irreprésentable. Comment mettre artistiquement des images ou des mots sur un événement qui dépasse la raison ? Le texte de Wiesel évoque souvent les impressions du narrateur, lorsque ce qui a lieu devient inimaginable. 2) Les artistes peuvent évoquer indirectement cet événement a) Les installations On se reportera aux réponses apportées plus haut sur l’œuvre de Boltanski. b) La bande dessinée Le travail d’Art Spiegelman dans Maus met à distance la réalité par la représentation des hommes sous les traits d’animaux. c) Des œuvres de résistance Le Verfügbar aux enfers de Germaine Tillon, sorte d’opérette burlesque écrite dans les camps, a été un moyen pour elle de résister à l’horreur quotidienne grâce à la création.

› Atelier d’écriture

 p. §§

La correction de ce travail peut être l’occasion d’aborder plus en détail l’œuvre de Céline. Il est ainsi possible de lire l’extrait du Voyage au bout de la nuit, correspondant aux trois dessins de Tardi. On peut le retrouver dans l’édition Folio (2010), pages 15 (« Combien de temps faudraitil qu’il dure leur délire ») à 18 (« J’ai quitté ces lieux sans insister, joliment heureux d’avoir un aussi beau prétexte pour foutre le camp »). Au cours de cette lecture, les élèves pourront relever les différentes formes de discours rapporté, les passages en monologue intérieur, les accumulations, anaphores et autres procédés d’amplification attendus dans le travail d’écriture. Ils relèveront et étudieront également les marques du langage parlé et argotique, ainsi que la manière dont ce langage s’immisce dans un moule très littéraire.

Prolongements 1) La première guerre mondiale dans la peinture allemande – On peut montrer aux élèves et analyser d’autres œuvres de Grosz comme Scène de rue ou Journée grise dont l’ironie glaçante souligne l’insouciance des classes dirigeantes qui continuent à jouir de leur pouvoir et de leur fortune : www.friendsofart.net/en/art/george-grosz/ street-scene www.friendsofart.net/en/art/george-grosz/ grey-day – L’œuvre d’Otto Dix fournira elle aussi de multiples exemples illustrant le traumatisme de la première guerre mondiale. On citera entre autres La Rue de Prague à Dresde que l’on trouvera à la page 68 de ce manuel, Le Triptyque de la guerre (www.art-ww1.com/fr/texte/099text.html), Assaut sous les gaz (www.art-ww1.com/fr/texte/021text. html) ou encore le triptyque Metropolis. On trouvera sur le site suivant d’excellentes analyses du travail de Dix, ainsi qu’une riche iconographie : http://vouloir.hautetfort.com/tag/art – On pourra enfin consulter le très bel ouvrage Allemagne, les années noires aux éditions Gallimard (2007), un parcours d’œuvres caractéristiques de l’expressionnisme noir et de la Nouvelle Objectivité en Allemagne dans les années 1920-1930. 2) L’adaptation d’œuvres littéraires en bande dessinée – Les deux liens suivants permettent d’accéder à une bibliographie d’adaptations d’œuvres littéraires en bande dessinée : http://eprofsdocs.crdp-aix-marseille.fr/Adapta tions-d-oeuvres-litteraires.html http://lewebpedagogique.com/cdidocs/2008/09/ 05/adaptation-litteraire-en-bande-dessinee/ – Les élèves peuvent rédiger une synthèse sur la problématique de l’adaptation d’une œuvre littéraire en bande dessinée à partir de l’article suivant : http://publifarum.farum.it/ezine_articles. php?art_id=198 – Sur la question de l’adaptation littéraire chez Tardi, on peut lire Tardi. Entretiens avec Numa Sadoul aux éditions Niffle-Cohen (2000). 3) Le photojournalisme – On pourra mettre en parallèle le travail sur le photojournalisme avec la fiche méthode


Litterature.indb 52

06/09/11 11:52

numéro 3, « L’information par l’image », p. 444-445. – Sur la question de la manipulation des images de guerre, il est également possible de travailler en interdisciplinarité avec un professeur d’histoire sur un cliché montrant la mort d’un soldat français au cours d’un assaut en 1916… photo extraite d’un film tourné en 1928. Le site « L’histoire par l’image » en propose une excellente analyse : www.histoire-image.org/site/oeuvre/analyse. php?i=52&d=1&m=poirier 4) La représentation de la Shoah Il est possible, en fin de séquence, de projeter aux élèves un extrait du film Shoah de Claude Lanzmann et de prolonger la réflexion sur les moyens de représenter le génocide des Juifs. Le réalisateur fait le choix du témoignage pur. Les victimes y prennent la parole, mais aussi d’anciens bourreaux ou des villageois habitant à proximité des camps de concentration. Sans aucune image d’archives, le réalisateur mène

l’enquête et analyse les rouages de l’industrie de la mort. On peut également demander aux élèves d’élaborer un dossier personnel sur la Shoah, rassemblant extraits de textes littéraires, peintures et présentation de films évoquant le sujet. 5) La lecture de romans – La Voleuse de livres, Markus Zusak, 2005 Cette œuvre pour adolescents et jeunes adultes a été couronnée par de nombreux prix. La narratrice est peu banale : la mort elle-même prend la parole et témoigne de la folie des hommes. Liesel, seule survivante du récit, trouve son salut dans les livres qu’elle vole et qu’elle sauve de l’autodafé organisé par les SS. Le récit comporte des dessins et des schémas qui tentent de d’exprimer l’indicible. – Le Rapport de Brodeck, Philippe Claudel, 2007 Le narrateur doit rédiger un rapport qui permettra de classer une sombre affaire impliquant tous les hommes du village. Ceux-là même qui l’ont dénoncé aux nazis.

3 Voyages au bout de la nuit |

Litterature.indb 53

53

06/09/11 11:52

Séquence

›

Personnage et société Livre de l’élève  p. §‡ à ·‹

Présentation de la séquence  p. §‡ La représentation d’un monde en crise favorise la création de personnages qui doivent l’affronter ou qui peuvent en incarner les tensions. La séquence a pour objectif de faire comprendre la part de l’Histoire qui peut entrer dans la création d’un personnage au niveau de : – son identité : les personnages aristocratiques (textes 2 et 3) ; – sa condition : l’enfant misérable (texte 4) ; – son parcours : le héros partagé entre les Lumières occidentales et le despotisme oriental (texte 1) ; – sa dimension symbolique : le héros qui affronte le mal (texte 5). Le personnage de fiction devient un miroir des ruptures historiques et sociales. Il permet de créer un point de vue sur les événements, sur les partis en présence, sur le renouvellement de valeurs. Il peut aussi dévoiler l’impact d’un événement sur une conscience ou une intériorité. Face à la brutalité des événements (misère, guerre, violences physiques et morales), le personnage quitte le seul modèle héroïque pour traduire des conflits intérieurs, parfois une perte de repères qui aboutit à remettre en question le sens même de l’Histoire. La création romanesque est alors indissociable d’une inscription de l’œuvre dans une époque. Le personnage devient emblématique d’un moment de l’Histoire et de la société. Il entre dans l’imaginaire de la conscience collective (par exemple, texte 4) ou, au contraire, apparaît comme une contre-figure des idéologies en cours (texte 5).

que cette guerre a générée a laissé des marques irréparables.

H istoire des arts

Otto Dix, La Rue de Prague, ⁄·¤‚

 p. §°-§·

Un monde en morceaux LECTURE DE L’IMAGE 1. Le tableau d’Otto Dix renvoie à la première guerre mondiale et à ses conséquences désastreuses. La scène représentée s’ancre dans le quotidien allemand de l’après-guerre. Les deux culs-de-jatte sont des anciens combattants dont les corps ont été mutilés ou gravement handicapés au moment des combats. Du côté français, on appelait ces soldats complètement défigurés des « gueules cassées ». Le retour à la vie normale est donc impossible puisque la catastrophe

2. L’observation des corps mutilés ne manque pas d’être inquiétante pour le spectateur. L’esthétique expressionniste joue sur de violents contrastes. Les deux personnages s’opposent et s’avèrent complémentaires. Il s’agit avant tout de corps incomplets, privés d’une de leurs parties : les jambes pour le personnage au premier plan, les bras pour le second. L’un se trouve réduit à la fonction de mendiant, avec un regard vide ; l’autre circule en semblant fanfaronner un slogan (« Juden Raus ! ») préfigurant une nouvelle catastrophe. Le peintre prive ces corps de vie et les réduit à l’état de marionnettes. Les prothèses en bois, volontairement simplifiées comme des membres de pantins, sont fichées ou emboîtées dans les


Litterature.indb 54

06/09/11 11:52

chairs. Les personnages semblent des marionnettes désarticulées : recroquevillé et inerte pour l’un, figé dans la pose d’un batteur de tambour pour l’autre. C’est la notion même d’individu qui se trouve interrogée. Les deux hommes semblent les pantins d’une mascarade historique et politique qui tourne au cauchemar et au tragique. Les violences de la première guerre mondiale laissent présager un nouveau chaos.

3. Le tableau joue sur la saturation de l’espace par des objets hétéroclites. À l’arrière-plan, la scène de café (conversation entre deux femmes) prolonge l’impression d’un monde figé et mort. Les mannequins (entiers ou morcelés), dans la vitrine de droite, renforcent un rapport au corps fondé sur l’absence de vie, sa fragmentation et sa dimension d’objet. Ils exhibent une chair nue mais artificielle. Les corsets et les gaines (ajustés sur un corps plus masculin) suggèrent un érotisme morbide. Le motif du mannequin prolonge et accentue l’idée de mutilation par celle du morcellement. 4. L’accumulation des objets et des figures bouleverse un rapport traditionnel à l’espace fondé sur l’ordre. Le regard peut emprunter plusieurs cheminements : d’une figure à une autre par le seul mouvement de la curiosité, ou la fascination d’éléments qui se trouvent réinscrits en plusieurs endroits (par exemple, les mains) ; en suivant une couleur (par exemple, le bleu ou le rouge). La position renversée du cul-de-jatte du premier plan invite à une circulation du regard à partir des lignes obliques ou transversales. L’esthétique du débordement domine la composition de cette toile, proche du chaos. 5. L’environnement des deux mutilés est constitué de chiens, d’un homme qui donne au mendiant et d’une passante, eux-mêmes présentant des corps incomplets puisqu’ils apparaissent en bordure de l’image et qu’une partie de leur corps reste hors du cadre ou dans le hors-champ. La main qui se penche indique un mouvement descendant, signifiant la chute et la dégradation. Les hommes privés de leurs jambes et de toute hauteur, vivent au niveau des animaux. Sur le bord droit, les figures des hommes sont mises au même niveau que celui d’un postérieur de femme. Ce détail volontairement obscène et comique rabaisse l’humanité.

6. L’affiche de propagande « Juden raus ! » marque l’émergence d’un courant antisémite, fort et agressif qui annonce la politique répressive et exterminatrice contre la population juive, servant ici d’exutoire aux frustrations et amertumes nées de la première guerre mondiale. Des pogroms violents éclatent déjà en Allemagne et dans certains pays de l’Est. 7. L’esthétique expressionniste chez Otto Dix livre une vision très ambivalente du monde, entre dérision et tragique. L’accumulation de figures carnavalesques (pantins, poupée, mannequins) signifie la perte de toute dignité de l’être humain et son avilissement. L’inscription puissante de signes morbides ou macabres construit une vision apocalyptique, entre mémoire et prophétie d’un chaos historique qui n’en finit plus de saper les valeurs et de ravager l’humanité.

VERS LE BAC Invention / Éducation aux médias Le texte produit doit tenir compte des caractéristiques propre à un article de journal (densité et concision, date, signature, appartenance à une rubrique, respect du contexte et du cadre chronologique). L’article peut suivre différentes progressions : – récit du moment de stupéfaction face au tableau d’Otto Dix puis prise de recul et analyse de l’image (composition, esthétique) ; – récit de l’événement de l’exposition du tableau, réaction de la foule (rejet ou fascination), confrontation du point de vue du critique à celui des autres, en vue de prouver qu’il s’agit d’un chef-d’œuvre ; – présentation plus classique : auteur, description de l’œuvre, analyse ; – annonce de l’affirmation d’une école esthétique (l’expressionnisme), analyse de ses caractéristiques à travers l’exemple de La Rue de Prague. Le vocabulaire attendu est celui de l’émotion esthétique (choc, stupéfaction, attrait…), de l’art pictural (le locuteur a une identité culturelle bien précise qui est celle d’être critique d’art). On attendra également que l’article énonce un point de vue singulier : admiration / refus / ambivalence des sentiments (attrait / horreur). 4 Personnage et société |

Litterature.indb 55

55

06/09/11 11:52

LE PERSONNAGE DANS UN MONDE OPPRESSANT

Dissertation La délibération littéraire porte sur la liberté qu’un artiste a de déformer la représentation du monde. – Toute représentation romanesque repose sur la sélection d’éléments du réel jusqu’à leur possible grossissement : par exemple, l’argent chez Balzac, la passion chez Stendhal, le corps et le sexe chez Zola. Sans ce choix, la peinture du monde perdrait en sens. Même un roman dit réaliste ne reproduit pas la réalité telle qu’elle est, mais la reconstitue à partir d’éléments choisis. – La déformation aide le lecteur à prendre de la distance pour critiquer le monde. Elle participe alors de l’art de la caricature ou de la satire (par exemple, les personnages grotesques dans les romans de V. Hugo). – Le roman permet de découvrir le monde à partir d’un point de vue autre. Dans L’Étranger de Camus, le regard de Meursault crée une représentation déformée de la société qui en accentue l’absurdité. Dans Le Procès Verbal de Le Clézio, le personnage Adam Pollo fait l’expérience d’une rupture avec la société afin d’être au plus près de la nature (ressembler à l’animal). – La déformation peut tenir à la capacité du roman à atteindre à la poésie ou au délire onirique. Les objets monstres comme la locomotive et l’alambic chez Zola montrent combien l’écriture romanesque peut tourner à la vision épique. En privilégiant une vision déformée du monde, le roman peut adopter un point de vue subjectif volontairement délirant : c’est le cas dans Voyage au bout de la nuit de Céline où la folie du monde (horreur, guerre, misère, abjection) se rejoue dans celle du personnage de Bardamu. – Certaines esthétiques qui mettent en valeur le point de vue personnel du créateur favorisent la liberté dans la représentation du monde : place et rôle du tempérament de l’écrivain chez Diderot, qui peut aller jusqu’au délire de l’enthousiasme ou de la verve (La Religieuse, Jacques le Fataliste), génie de l’artiste et de son regard sur le monde dans le roman romantique, singularité d’un style (Picasso).

⁄

Montesquieu, Les Lettres persanes,

⁄‡¤⁄ Un cri de révolte

 p. ‡‚-‡⁄

LECTURE DU TEXTE 1. Usbek use d’un ton diplomatique, qui lui évite de donner un ordre de façon trop autoritaire. À une première série de questions rhétoriques dont la réponse est entendue (promesse obtenue de la part de Roxane de veiller à la paix du sérail), suit une récusation (refus de recourir à la violence préconisée par le grand eunuque) et une justification de la diplomatie. La lettre se clôt par une exhortation à obéir. La formule finale qui joue sur l’opposition « maître » / « époux » tente un ultime adoucissement. À travers cette lettre, le lecteur peut donc découvrir la complexité du personnage d’Usbek qui, grâce à son voyage en Europe, s’est ouvert à la philosophie des Lumières. C’est aussi l’art d’employer une rhétorique qui vise tout à la fois à convaincre et à persuader son destinataire. La violence, pour être dissimulée et policée, n’est cependant pas absente. 2. La lettre de Roxane (CLXI) frappe le lecteur par sa violence. Visuellement, elle procède par juxtaposition de paragraphes brefs qui traduisent la virulence du propos proche d’un cri. La syntaxe privilégie l’asyndète (« Oui, je t’ai trompé ; j’ai séduit tes eunuques ; je me suis jouée de ta jalousie », l. 1-2). L’emploi du présent de l’indicatif situe le lecteur dans l’immédiateté d’une actualité brutale et dramatique. Enfin, dès l’exorde, l’assertion (« je vais mourir ») éclate comme un coup de tonnerre. Si l’on compare les formules inaugurale et conclusive (« Je vais mourir » / « je me meurs »), on constate que le lecteur assiste à l’agonie de Roxane. Ce texte traduit bien la réflexion sur le genre épistolaire dans le roman du XVIIIe siècle, entre prise de recul réflexif (lettre d’Usbek) et immédiateté du présent (actualité tragique que le lecteur est amené à découvrir comme en direct, selon une esthétique de la surprise et du choc dramatique). La lettre qui met en scène le


Litterature.indb 56

06/09/11 11:52

suicide de Roxane fait de ce personnage une grande héroïne tragique.

3. Roxane défie le pouvoir et l’autorité d’Usbek, propriétaire du sérail. Si l’émoi domine le ton de la lettre, la jeune femme n’en développe pas moins un argumentaire extrêmement subtil : – accusation qui vise à dénoncer le fait d’abuser de la crédulité d’une femme (l. 9-11) ; – justification d’un comportement qui trouve sa cohérence et son unité dans la revendication d’indépendance (l. 12-14) ; – concession qu’Usbek devrait faire à Roxane en raison d’une soumission pour respecter les apparences (l. 15-19) ; – réfutation de toute attitude amoureuse qui déguisait le sentiment de la haine (l. 20-21) ; – raisonnement par l’absurde (l. 22-24) puisque l’héroïne révèle une tromperie réciproque. Le ton de cette lettre est volontairement celui de l’insolence et de la colère. Les arguments développés recouvrent certes les lieux communs d’une revendication féministe (rupture de la soumission aux hommes). Mais ils émanent d’une personnalité hors-norme, capable de révolte et surtout dominée par la haine. Roxane préfigure la marquise de Merteuil. 4. Le suicide de Roxane bouscule toute une série de tabous : la domination des femmes par les hommes et la volonté de renverser cette hiérarchie ; la libre détermination de l’individu sur tous les plans (sexuel, social, idéologique) ; la remise en question d’une autorité qui ne se soutient que par l’arbitraire. Roxane élucide la duperie dont elle est victime et dénonce un système d’aliénation. Pour autant, le sérail est le lieu du despotisme oriental et ne peut être confondu avec la société européenne. On veillera à ne pas inscrire les Lumières, ici émergentes, dans la perspective d’une visée révolutionnaire. 5. Même si Roxane retourne la violence contre elle-même par le suicide, la jeune héroïne veut blesser mortellement son interlocuteur. Le réseau sémantique qui s’organise à partir du thème du mensonge est subtil. La revendication de la tromperie (l. 1 et 24) vise à provoquer une vexation amoureuse, en suscitant la jalousie. Grâce au lexique de la comédie (« je me suis jouée » l. 1, « paraître » l. 16 et 17), Roxane tente de renverser les rôles et révèle à Usbek

qu’il a été la dupe des apparences. Le motif de la tromperie acquiert une signification plus philosophique lorsque l’héroïne évoque la crédulité (l. 10), proche de la naïveté et de la bêtise, que son maître a pu lui prêter. Le ton du discours est déclamatoire, centré sur la première personne (« je ») dans un moment dramatique. Il s’agit d’une parole qui défie un pouvoir arbitraire jusqu’à la mort, par le suicide. Comme une héroïne tragique, Roxane met en scène sa révolte. Le lecteur éprouve de la pitié pour la victime d’un despote.

HISTOIRE DES ARTS Le tableau et le roman mettent en valeur la figure du despote oriental. Toutefois, celleci prend un sens différent en fonction des contextes littéraires et artistiques. Dans le texte de Montesquieu, le personnage du despote vit la tension entre l’arbitraire de son pouvoir et une attitude éclairée qu’il a acquise par son voyage dans l’Europe des Lumières. Chez Delacroix, Sardanapale devient une figure de la perte et du vertige absolu. Au moment de mourir, il fait sacrifier son harem selon un rituel proche du sadisme. Des esclaves musculeux viennent mettre à mort les femmes et les bêtes dans une débauche de cruauté et d’érotisme morbide, alors que le maître oriental demeure immobile, le regard inflexible. Le tableau devient une pièce phare de l’esthétique romantique : excès du sujet, débauche de couleurs somptueuses (dont le rouge si symbolique du sang et du luxe), émotions violentes, culte de l’imagination qui emporte l’âme du spectateur hors de la platitude du réel. Piste de lecture : Analyse du tableau de Delacroix par Charles Baudelaire dans ses Salons.

VERS LE BAC Commentaire comparé Le commentaire présente cette spécificité de devoir engager une lecture comparée des deux lettres. – La confrontation des portraits pourra mettre en valeur les hésitations du maître entre philosophie des Lumières et despotisme naturel (c’est bien un personnage poussé jusqu’à ses contradictions par le soulèvement du sérail) et la révolte 4 Personnage et société |

Litterature.indb 57

57

06/09/11 11:52

de Roxane, qui marque une personnalité entière et engagée jusqu’à la mort (voir questions 1 et 2). – L’aspect polémique vise la remise en question de l’autorité abusive et arbitraire, soit que l’on adopte le point de vue du bourreau, lui-même plus très sûr de l’intérêt d’un ordre imposé par la violence et tentant une manœuvre diplomatique (texte 1), soit que l’on entre dans le point de vue de la victime (texte 2) (voir questions 3 et 5).

¤

Germaine de Staël, Delphine, ⁄°‚¤  p. ‡¤-‡‹

Accepter son destin LECTURE DU TEXTE 1. Le couple est pris dans les violences de l’Histoire. Cette page romanesque livre un tableau sanglant des désordres révolutionnaires : guerre, exécutions, mort. Les éléments narratifs offrent la mise en scène lugubre des derniers moments de Léonce. La dramatisation de l’épisode tient au rituel de l’exécution : voiture qui conduit le condamné sur le lieu du supplice, traversée du peloton, séparation et cérémonie des adieux, ultima verba. La scénographie laisse affleurer le souvenir douloureux des exécutions publiques, encore très présent dans la mémoire de lecteurs qui ont connu et qui ont pu être victimes des événements révolutionnaires. En arrièreplan, Delphine évoque « une révolution sanglante, qui va flétrir pour longtemps la vertu, la liberté, la patrie » (l. 21-23). Cette page romanesque délivre donc une vision négative de la Révolution, à rebours de sa représentation officielle ou de l’héritage politique dont certains se revendiquent. 2. La marche à la mort que l’extrait relate semble assez comparable à un chemin de croix puisque les deux héros souffrent et doivent apprendre à renoncer à la vie. Leur discours (l. 9-30, l. 35-39 et l. 44-47) est très redevable au langage tragique qui exalte le sentiment de la malédiction et du malheur. Le couple oppose l’amour éternel à la mort. D’ailleurs, l’air qui retentit au moment du supplice rappelle à Léonce celui

qui s’est élevé au moment de son mariage avec Mathilde. Dans cette posture sacrificielle, les deux personnages invoquent leur innocence au moment de périr. Aussi, les amis du couple deviennent-ils les témoins d’un sacrifice dont ils auront la charge de conserver la mémoire.

3. Le discours assez long de Delphine vient s’inscrire en plein cœur de l’événement lugubre. Il vise à aider Léonce à se détacher de la vie et constitue donc un véritable ars moriendi en trois mouvements. – Ce moment de communion tardive et enfin assouvi cache les souffrances antérieures (l. 10-13). – Delphine rappelle le souvenir des blessures amoureuses que Léonce lui a infligées, certes involontairement (l. 13-15). – L’héroïne place leur existence sous le signe de la souffrance et du malheur auxquels ils n’auraient pas échappé, quelle que soit l’époque : « des êtres tels que nous auraient toujours été malheureux dans le monde » (l. 15-16). 4. L’héroïne joue donc un rôle primordial, celui de faire accepter la mort à Léonce. Son discours atteint le résultat escompté puisque si l’on compare l’attitude initiale et celle finale de Léonce, le héros a évolué. En effet, celui-ci éprouve d’abord un violent sentiment d’injustice et de révolte : la première réaction de Léonce consiste à exprimer directement une plainte à Dieu (« Ah, Dieu ! que vous ai-je fait pour m’ôter la vie… ? », l. 9). Il finit par adopter une attitude stoïque au moment du supplice. 5. Le drame se hisse à la grandeur d’une tragédie à travers trois dimensions. Le tempo du récit est celui d’une narration assez précise, qui décrit l’exécution de Léonce, étape après étape. L’esthétique de ce passage est celle des pages romanesques funèbres ou lugubres du XVIIIe siècle où l’on se plaît à exacerber le pathétique ou le tragique par un cérémonial de la mort. Le contexte des guerres révolutionnaires fournit des éléments réalistes à ce rituel de l’entrée dans la mort. La mort brutale de l’héroïne par empoisonnement marque un effet de surprise. Aucun indice ne permettait de suspecter l’idée de suicide chez Delphine, à part le grand discours sur l’acceptation du destin. La mort simultanée des deux amants est propre au tragique romantique.


Litterature.indb 58

06/09/11 11:52

6. De nombreux romans romantiques vont mettre en scène cette mort tragique. Goethe en a donné le ton dans Les Souffrances du jeune Werther où le héros, en décalage profond avec la société, finit par se suicider. La mort tragique rôde dans le roman romantique : – Raphaël de Valentin dans La Peau de Chagrin (Balzac), qui voit, à chacun de ses désirs satisfaits, le talisman magique se rétrécir ; – les squelettes enlacés de la Esméralda et de Quasimodo dans Notre-Dame de Paris (Hugo) ; – la tentation du suicide chez René (Chateaubriand) ou Octave dans La Confession d’un enfant du siècle où maints coups de pistolets lui font frôler la mort ; – la grande agonie d’Atala (Chateaubriand) ; – la tête coupée de Julien Sorel que son amante Mathilde de la Mole tient sur ses genoux (Stendhal, Le Rouge et le Noir) ; – la décollation de Cinq-Mars (Vigny) et celle des deux héros de La Reine Margot (Dumas). 7. Les violences de l’Histoire révolutionnaire permettent à l’auteur de doter ses personnages d’une dimension romantique. Les événements historiques, par leur dimension tragique, confèrent une épaisseur à la psychologie des personnages. Le sentiment de malédiction qu’ils éprouvent ne résulte plus d’un vague état d’âme, mais d’un affrontement direct et frontal avec les horreurs de l’Histoire. Leur identité d’aristocrate les désigne comme des victimes, sans doute parce que cette identité est devenue impossible dans un monde « révolutionné » (Bonald) qui définit autrement l’individu.

HISTOIRE DES ARTS De façon évidente, le peintre de cette scène historique majeure (l’exécution de la reine MarieAntoinette en 1793) a nimbé le personnage royal d’une lumière qui émane de sa robe blanche et immaculée. La pose est celle d’une victime sensible et stoïque face à l’événement tragique. Son regard porté au ciel lui confère une certaine sainteté. En contrepartie, la horde des soldats aux mouvements amples et brusques, le tumulte d’une foule populaire aux expressions criardes et agressives, manifestent une force historique proche du chaos et du désordre. On le comprend, la représentation de l’événement en propose une lecture symbolique (Bien versus Mal), selon un point de vue idéologique très clair : William Hamilton

impose une contre-image de la Révolution française pour en montrer l’insoutenable violence perpétrée sur une victime innocente et pure. Il s’agit là d’une œuvre qui entre dans le vaste courant d’une peinture contre-révolutionnaire, tentant de restaurer l’image de la famille royale et inscrivant son sacrifice dans une dimension quasi hagiographique. Cette œuvre oppose aux violences de l’histoire révolutionnaire la légende de la reine martyre. C’est ainsi qu’elle reconquiert les cœurs : s’adressant au sentiment davantage qu’à la froide raison, elle touche et soude la communauté des âmes sensibles. L’évocation fuligineuse et sanglante du théâtre de la guillotine complète ce dispositif symbolique : larmes et frissons rassemblent le peuple dans un même frémissement. C’est ainsi que ce tableau s’inscrit pleinement dans le premier romantisme français, ultra catholique et ultra royaliste parce qu’ultra sensible. C’est d’ailleurs ce que déplore Michelet : les révolutionnaires, trop froids, n’ont pas su instituer de cérémonies pour fédérer efficacement le peuple français, quand le culte contre-révolutionnaire a su refonder la société, unie dans les larmes « d’un cœur qui se déborde ».

VERS LE BAC Invention Le texte produit adoptera le point de vue d’un témoin favorable aux deux héros. Il s’agit d’un discours narratif à forte dimension testimoniale et charge émotive. On sera donc vigilant à ce que : – les élèves prennent en compte les différents constituants et étapes du récit ; – la caractérisation des héros s’inscrive dans le genre de l’éloge ; – les marques du parti-pris subjectif soient présentes : registre pathétique qui exprime la pitié et la compassion, indices d’admiration, expressivité propre à cette dernière : exclamation, interrogations… Ce nouveau point de vue partisan sur les événements autorise l’accentuation de la dimension hagiographique ou héroïque. La consigne d’écriture précise la progression du texte en deux étapes : une première partie narrative ; une seconde, plus de nature argumentative. L’argumentaire sur la conduite à adopter face aux violences de l’Histoire peut s’engager dans les perspectives suivantes : 4 Personnage et société |

Litterature.indb 59

59

06/09/11 11:52

– les mouvements collectifs peuvent dégénérer en hystérie meurtrière ; – c’est dans de telles circonstances que des attitudes héroïques peuvent émerger ; – il convient d’en entretenir la mémoire pour ensuite prendre du recul et analyser le cours de l’Histoire et d’attitudes parfois irrationnelles. Piste : rien n’interdit de séparer la classe en deux groupes distincts, recevant une consigne d’écriture différente : pour le premier, celle donnée dans le manuel ; pour le second, le même récit à partir d’un point de vue hostile aux aristocrates.

Oral (analyse) 1) Les personnages exemplaires souffrent certes de leur modélisation excessive (courage, bravoure, vertu…) mais supportent et incarnent des valeurs fortes, capables de nous instruire sur l’attitude à tenir dans les événements historiques. Ex. 1 : Dans Les Misérables de V. Hugo, le romancier déploie une série de figures très contrastées, entre des jeunes révolutionnaires exaltés dans leur combat pour la liberté, des personnages plus réactionnaires (Javert épris du seul respect, à la lettre, d’une Loi arbitraire et inégalitaire). Ex. 2 : Le roman d’aventures est grand pourvoyeur de figures exemplaires et romanesques. Ce type de récit se construit à partir de l’opposition fondamentale entre le bien et le mal, selon un manichéisme assez simple, mais significatif. Ainsi, le lecteur peut-il s’identifier à un héros comme Michel Strogoff (Jules Verne) qui fait preuve de bravoure et d’abnégation. De même, Saint-Exupéry sait évoquer l’épopée des conquérants de l’inutile, comme Mermoz (manuel de l’élève p. 453). Ex. 3 : Les romans de Malraux proposent des figures de héros qui tentent de défier l’absurdité de la vie par des actes de fraternité : Garine dans Les Conquérants, Kyo dans La Condition humaine, les personnages de L’Espoir. Ces figures édifiantes, prêtes au sacrifice et au don de soi, servent une morale laïque et non plus strictement religieuse. 2) Toutefois, l’excès d’exemplarité peut priver un personnage de toute humanité. Certains romans ont pour fonction de démonter cette réduction du héros à un modèle. Ex. 1 : Dans Don Quichotte, Cervantès met en scène un chevalier qui abuse de la lecture de romans de chevalerie et qui en devient ridicule.

Le texte romanesque fonctionne sur le contraste entre réalité et rêve. Ex. 2 : Le même procédé romanesque est à l’œuvre dans Madame Bovary de Flaubert puisque l’auteur confronte les rêves sublimes et naïfs de son héroïne à la platitude du réel. Ex. 3 : Dans son conte philosophique Candide, Voltaire fustige certains stéréotypes romanesques qui créent l’amalgame entre personnage, vertu et perfection. Les héros trop naïfs ne connaissent que les infortunes de la vertu. Le roman a bien cette fonction de déconstruire une approche théorique et dogmatique de la vie (ici, la vertu, l’optimisme) pour réimposer l’humanité dans ses contradictions, voire son abjection ou ses turpitudes.

‹

F. R. de Chateaubriand, René, ⁄°‚¤  p. ‡›-‡∞

Le vague des passions LECTURE DU TEXTE 1. « Le vague des passions » traduit un état d’insatisfaction chez l’homme en quête d’infini. Les élèves pourront structurer leurs recherches autour de trois scansions littéraires et historiques : – La force du sentiment dans la littérature du tournant des Lumières : enthousiasme ressenti par celui qui contemple l’immensité de la nature et les paysages sublimes (Chateaubriand et le Voyage en Amérique), reconnaissance d’une aspiration de l’homme à l’infini. – L’interprétation idéologique que Chateaubriand donne de « ce vague des passions » dans Le Génie du christianisme : l’auteur expose que seule la religion chrétienne pouvait satisfaire une soif d’infini qui ne peut s’assouvir qu’en Dieu et qui demeure sans issue après la destruction des cloîtres et couvents au moment de la Révolution. – L’exploitation romantique du motif : mal du siècle, ennui de vivre, malaise, déception du réel, dégoût de la vie chez les héros romantiques. 2. Le malaise que le personnage éprouve entre dans une relation étroite avec le sentiment d’un déclin historique : fin du règne de Louis XIV


Litterature.indb 60

06/09/11 11:52

(« je ne pourrai t’entretenir de ce grand siècle dont je n’ai vu que la fin dans mon enfance » l. 2-3). Les antithèses (« génie » / « souplesse de l’esprit », « religion » / « impiété », « gravité des mœurs » / « corruption » l. 5-7) construisent l’idée d’une chute et d’une décadence sociale. Le regard que René porte sur son époque est donc négatif. En retour, le héros paraît inadapté à son temps : son goût pour la grandeur et le sublime entre en contradiction avec la médiocrité de ses contemporains. Son esprit est jugé « romanesque » (l. 19-20). Le personnage se plaît donc à souligner le décalage entre lui et la société, au prix d’un état d’isolement et d’anomie (singularité irréductible du héros qui ne parvient plus à correspondre avec les normes de son temps).

3. Il en résulte une mise en scène de l’isolement. Le traitement de la topographie inscrit le personnage dans les marges : de retour dans sa patrie (la France), René choisit de « [se] retirer dans un faubourg pour y vivre totalement ignoré » (l. 21-22). La formule « vie obscure » (l. 23) marque un goût pour le retrait hors du monde et des hommes. Dès lors le texte privilégie les lieux de la solitude et de la rupture avec la société : refuge dans l’église (l. 25-37), promenade au moment du coucher du soleil qui a pour itinéraire les ponts, « un labyrinthe de rues solitaires » (l. 41-42). Le récit enferme le personnage dans les cercles d’une solitude indépassable. Chacune de ses stations marque une étape symbolique. Tout d’abord, René éprouve un sentiment d’étrangeté (« Je me trouvai bientôt plus isolé dans ma patrie », l. 13), qui est très proche de l’état de l’exil. La station dans l’église dote le malaise de René d’une dimension religieuse, voire métaphysique : sentiment d’être abandonné de Dieu, imploration pour être libéré de cet ennui de vivre, conscience de rédimer une faute pourtant inconnue. La dernière étape du texte (coucher du soleil, retentissement des cloches) laisse le personnage sur l’obsession de la mort : « chaque heure dans la société ouvre un tombeau » (l. 48). 4. L’exclamation « vaste désert d’hommes » (l. 24) joue sur l’association de termes contradictoires (solitude / société) et s’apparente à un oxymore. L’épanchement de la douleur est central à ce texte où domine le registre lyrique. Le discours

de René est celui d’une longue déploration du personnage sur lui-même. L’intonation exclamative est constamment présente, de la formule inaugurale (« Hélas ! mon père… ») jusqu’à la clôture (« Hélas !… »). La déploration est avant tout répétition et ressassement de mêmes thèmes (exil, mort, ennui de vivre) qui confère une unité de ton au discours, qui hisse le lyrisme élégiaque jusqu’au lyrisme funèbre. Le rythme acquiert une importance. La cadence dominante consiste à permettre à la parole de s’amplifier (phrases de plus en plus longues) avec des effets de brisure et de rupture (rétablissement de phrases plus brèves) qui reconduisent au silence. Certaines phrases sont construites sur le mode de périodes oratoires (l. 19-21) : les trois appositions (« Traité… honteux… dégoûté… ») forment un triple palier qui permet à la voix de s’élever jusqu’à ce qu’elle ait atteint son intensité maximale dans la proposition principale (« je pris le parti de me retirer dans un faubourg », pour retomber et s’amuïr en fin d’énoncé (« pour y vivre totalement ignoré »). Lorsque le personnage s’adresse directement à Dieu, son discours prend la forme d’une prière et d’une incantation. Le système des images poétiques contribue au lyrisme du passage. Les clameurs à l’extérieur de l’église sont comparées aux « flots des passions » et aux « orages du monde » (l. 29-30). La métaphore filée qui emprunte à une image biblique forte (« de se régénérer, de se rajeunir aux eaux du torrent, de retremper son âme à la fontaine de la vie », l. 34-35) rejoint la grande poésie sacrée. René quitte le seul registre de la déploration pour offrir une vaste méditation sur le temps et la mort, qui atteint à la grandeur d’un discours tragique. L’analogie entre l’astre oscillant et « le pendule de l’horloge des siècles » impose des formules somptueuses, dignes d’une oraison funèbre (« horloge des siècles » l. 41, retentissement des coups). Le dernier paragraphe peut être considéré comme un véritable poème en prose qui a son unité et sa cohérence (voir Commentaire).

5. Par bien des aspects, René va servir de modèle aux héros romantiques : noblesse hautaine en rupture avec une société dominée par des valeurs viles ou médiocres, goût pour la solitude et refuge dans les arts, ennui de vivre qui atteint à une dimension métaphysique. Toutefois, dans l’extrait qui est proposé, René 4 Personnage et société |

Litterature.indb 61

61

06/09/11 11:52

est moins un modèle qu’une figure originale et singulière : il est un aristocrate dont le déclassement s’explique par le contexte révolutionnaire, l’émigration et l’exil en Angleterre. De plus, le personnage ne saurait se confondre avec son auteur même si son prénom – René – est identique. Par le jeu de l’auto-fiction, Chateaubriand invente un personnage mythique dont la désespérance est loin d’être exemplaire : sentiment de perte et d’abandon, absence de vocation, obsession envoûtante de la mort. Le personnage va nourrir l’imaginaire du romantisme noir, voire sulfureux (inceste entre René et Amélie).

– place incomprise de l’homme qui goûte les arts et la poésie.

René est celui dont l’identité – médiocre mais confortable – de cadet aristocrate destiné à une carrière dans l’armée royale s’est vue détruite par la Révolution. Cette énergie désormais inutile et sans but se renverse en mélancolie sans fond, sans fin. Elle trouve à s’employer dans l’écriture, moyen de renaître à soi-même et de se forger une nouvelle identité.

Commentaire

HISTOIRE DES ARTS Le visage de Delacroix émerge de l’ombre et se trouve nimbé par les ténèbres. Il donne un caractère sombre au jeune homme (on a pu parler de « beau ténébreux »). S’il s’agit d’un autoportrait, le fait que le peintre se regarde lui-même pour se représenter révèle un face-à-face tragique, un certain penchant à la délectation morose où le mélancolique prend goût à sa propre douleur. Ce dispositif en miroir est très proche de celui du texte de Chateaubriand où le récit à la première personne livre René à une auto-contemplation doloriste.

VERS LE BAC Invention Les deux textes produits qui viendront en regard l’un de l’autre (déception de René / prévention des dangers de la mélancolie par sa sœur) devront respecter les formes et les codes de la lettre. L’argumentaire de René, soutenu par l’emploi d’un registre pathétique ou tragique, peut s’inscrire dans les perspectives suivantes : – dégoût éprouvé envers la société suite aux violences et aux tumultes révolutionnaires ; – perte des valeurs nobles et nouveau rôle de l’argent ;

L’argumentaire d’Amélie peut donner l’exploitation des pistes suivantes : – l’excès de mélancolie aboutit à l’aliénation, à la folie, à la pathologie ; – la mélancolie entraîne vers une solitude dangereuse et conduit à rompre avec ses semblables ; – il ne faut pas cultiver une trop grande nostalgie du passé ou de certaines valeurs, qui amènerait à ne plus s’adapter au monde et à n’en pas comprendre l’évolution inéluctable.

Le paragraphe final s’apparente à un véritable poème en prose. René y décrit sa solitude, à l’égal de celle de Jean-Jacques Rousseau dans Les Rêveries du promeneur solitaire, mais dans un contexte historique plus tragique (Révolution française, émigration et exil à Londres). Le mouvement du texte est celui de la construction d’une solitude radicale et douloureuse. La topographie joue un rôle primordial (cf. question 3) : elle traduit le retrait de la communauté des hommes. À l’enfoncement dans les ténèbres (coucher de soleil, labyrinthe des rues solitaires), s’oppose la lumière des lieux de convivialité ou de sociabilité d’où se trouve exclu René (« les lumières qui brillaient », l. 42, « éclairaient », l. 44). Le discours de René repose bien sur l’antithèse : Je / les hommes. Ce mouvement de l’exil s’accompagne d’un regard sur le paysage et le monde. René est un contemplateur : « je m’arrêtais sur les ponts » (l. 38-39), « en regardant » (l. 42). Le tableau du coucher du soleil acquiert une dimension symbolique : l’entrée dans le monde de la nuit intérieure. Aussi le texte se construit-il sur le thème de la disparition progressive de la lumière. Les métaphores inaugurales (« enflammant les vapeurs de la cité » l. 39-40, « un fluide d’or » l. 40) marquent l’irradiation lumineuse dans toute sa splendeur. Puis la lumière n’est plus que celle artificielle des bougies et des demeures (l. 42-43), avant que le texte ne célèbre les ténèbres (« le soir » l. 38, « la nuit » l. 41). Ce passage présente une méditation lyrique sur le destin des hommes et la mort. René « song[e] » (l. 44). Le ton devient funèbre : comparaison grandiose et pompeuse du soleil au « pendule de l’horloge des siècles » (l. 41),


Litterature.indb 62

06/09/11 11:52

mise en scène de l’édifice gothique (l. 46). La cadence épouse un mouvement de déploration : interjection (« hélas »), formule qui joue de la personnification et de la métaphore macabre et lugubre (« ouvre un tombeau » l. 48), affleurement des affects sur le mode pathétique ou tragique (« fait couler des larmes » l. 48). Tout le paragraphe se caractérise par un allongement progressif des phrases (crescendo de la douleur et de la solitude), puis par une sorte de decrescendo qui privilégie la réduction des phrases finales jusqu’à la déploration brève et frappante et l’expiration de la voix dans le silence.

›

Victor Hugo, Les Misérables,

⁄°§¤ L’enfant en enfer

 p. ‡§-‡‡

LECTURE DU TEXTE

lugubres, voire macabres (blessure, sang, mort). La peinture romantique de la nuit tourne au cauchemar. La « grosse étoile » qui semble par sa taille écraser l’enfant est l’astre maléfique. Le deuxième paragraphe introduit une rupture forte, puisque l’on passe de la lumière rougeâtre au noir complet. Le champ sémantique de l’obscurité est alors particulièrement développé dans le passage : « ténébreux » (l. 6), « l’opacité » (l. 17), « ombres » (l. 19). Très vite le thème de la nuit se trouve associé à l’angoisse et au vide (« grand vide noir » l. 24-25, « cavités de la nuit » l. 25, « immensité sépulcrale du silence » l. 28). La lumière s’avère fragile face à la puissance de la nuit : il n’est question que de « lueurs » (l. 7). Le descripteur qui devient un contemplateur des fantasmagories nocturnes insiste sur le caractère terrifiant des formes : « les ronces se tordaient comme de longs bras » (l. 10). Cette déformation des éléments joue sur l’apparence squelettique, la monstruosité (« torses d’arbres » « échevellements obscurs » l. 27).

2. Le romancier situe le lecteur du point de vue de l’enfant qui contemple, effarée, la nuit. La formule inaugurale (« L’enfant regardait d’un œil égaré cette grosse étoile ») marque bien le déséquilibre entre le petit être, chétif et fragile, et l’immensité noire de la nuit, dominante et menaçante. Dans les lignes qui suivent, le romancier ne fait plus mention du personnage de Cosette qui semble avoir été absorbée ou engloutie par la nuit.

4. Le passage relève du fantastique. La peur est le sentiment dominant (« le cœur serré » l. 16, « anxiété » l. 18, « tremblement » l. 19). Le lecteur bascule dans un monde proche de l’irrationnel et de l’irreprésentable : « l’inconcevable » (l. 21), « on ne sait quoi de vague et d’insaisissable » l. 23, « inconnus » l. 29). La contemplation de la nuit fait découvrir un monde surnaturel où les éléments de la nature s’animent de façon inquiétante et s’apparentent à des spectres. Le passage peut donc nourrir une réflexion sur le fantastique. Certes, on en retrouve les grandes caractéristiques telles que Todorov a pu les énoncer : rupture avec le monde de la convention et de la raison, incertitude grandissante qui bouscule les repères traditionnels. Toutefois chez Victor Hugo, le fantastique acquiert une signification métaphysique (présence du mal, d’un monde de la mort) et une dimension esthétique (sublime terrifiant et négatif qui dépasse l’entendement de celui qui voit).

3. La scène présente une atmosphère nocturne inquiétante. La lumière elle-même qui pourrait être un élément rassurant prend une dimension fantastique et étrange en raison de sa couleur rouge. En effet, les qualifications successives (« rougeur horrible », « empourprée », « plaie lumineuse » l. 4-5) associent l’astre à des idées

5. Du premier au troisième paragraphe, le champ de la vision s’élargit pour prendre en compte l’immensité et l’infini de la nuit. Le volume même du paragraphe devient significatif : on passe de cinq à vingt lignes. L’écriture poétique à l’œuvre joue sur l’accumulation et l’énumération (l. 25-31) dans une sorte d’effet panique.

1. Le texte présente une progression selon trois étapes marquantes. Le romancier expose la situation de son personnage : Cosette livrée à la nuit et seule dans la forêt (l. 1-14). Suit la description du paysage nocturne oppressant (l. 15-36). Le conteur revient alors sur son personnage qui sort de la fascination pour reprendre ses esprits et s’enfuir (l. 37-51). Des titres possibles sont : « L’enfant dans la nuit » (partie 1), « L’ombre » (partie 2), « La fuite » (partie 3).

4 Personnage et société |

Litterature.indb 63

63

06/09/11 11:52

Les significations religieuses et métaphysiques deviennent de plus en plus manifestes : atmosphère effrayante, puis animation d’un monde surnaturel et fantomatique, enfin abîme et chaos. En ce sens, le paragraphe qui suit (l. 35-36) forme une première chute ou clôture : « Les forêts sont des apocalypses » (l. 35).

6. À ce niveau de l’analyse, il devient clair que la nuit ne renvoie pas au monde commun mais devient une nuit intérieure : – perception d’un monde surnaturel : l’hésitation « dans l’espace ou dans son propre cerveau » (l. 22) marque cette frontière ténue entre le réel et un monde autre ; – un vertige intérieur de l’angoisse, du vide, du néant : il existe un rapport de disproportion entre le petit personnage et l’immensité nocturne ; – un monde des enfers et des âmes damnées. 7. L’inscription du personnage de l’enfant dans un tel paysage acquiert une signification symbolique. L’épisode atteint à la force d’une image allégorique : l’enfant misérable au cœur de l’enfer social, victime des puissances du mal. La forêt est le lieu de la perte : les branches s’entremêlent, le fouillis des végétaux en fait un grand lieu de l’informe où rien ne peut être distingué ni nommé clairement. C’est donc un lieu de la marge, une frontière que le personnage franchit au prix de disparaître et de ne plus exister. Toutefois, le texte laisse affleurer d’autres hantises chez Hugo : il semblerait que l’enfant doive être retiré du monde des morts et des limbes (en rapport avec la mort de Léopoldine ?), ce que Valjean va faire en venant chercher Cosette.

HISTOIRE DES ARTS La mise en scène de Raymond Bernard participe d’une esthétique très représentative du cinéma des années 1930 : l’expressionnisme. Le noir et blanc accentue les effets saisissants de contraste. Le plan joue également sur le cadre choisi : mise en valeur des branches menaçantes qui, symboliquement ou métaphoriquement, semblent des mains qui vont prendre l’enfant minuscule qui apparaît en arrièreplan. Le cinéaste a su magnifiquement restituer la dimension fantastique de l’épisode. En effet, le

spectateur est projeté dans un monde quasi-irréel où affleurent des motifs inquiétants. Le cinéma des années 1930 est passé maître dans la réalisation de films fantastiques ou oniriques (Docteur Mabuse et Métropolis de Fritz Lang). Il restera à examiner avec les élèves si l’on peut rapprocher tant que cela les deux esthétiques littéraire et cinématographique. La déformation du réel en vue d’aboutir à une vision surréelle joue sur de tels effets de contraste chez Hugo (antithèses, hyperboles, système des images). L’expressionnisme cinématographique se crée à partir d’éléments spécifiques : cadrage du plan, effet de profondeur, lumières.

VERS LE BAC Commentaire L’analyse des procédés propres au fantastique pourra s’appuyer sur les réponses aux questions 3 et 4. Les enjeux de cette page romanesque s’avèrent plus complexes. On pourra insister sur la critique sociale qui vise à dénoncer la misère qui frappe la victime la plus innocente, une enfant (voir question 7). Les dimensions symboliques de la nuit traduisent un état psychologique (angoisse, vide et néant – voir question 6). Cet anéantissement touche à une vision métaphysique du monde dominé par les forces inquiétantes du Mal (voir question 5).

Dissertation Le sujet de dissertation invite à s’interroger sur le pouvoir de la littérature à remettre en question les faits dans la lutte contre l’injustice sociale. 1) Des premiers exemples peuvent fonder un espoir dans ce combat contre l’injustice par les armes du roman. Ex. 1 : Les Misérables ont eu une portée considérable sur la sensibilité sociale. Mais l’œuvre s’inscrit dans le sillage de toute une série de romans réalistes, notamment anglais (Dickens, Oliver Twist). Ex. 2 : De grands romans de la captivité (Soljenitsyne, Une journée d’Ivan Denissovitch) ont permis de faire connaître l’horreur du goulag et de la répression communiste. De même, les fictions de Milan Kundera ne peuvent se lire et se comprendre que par rapport à un système totalitaire brimant la liberté des personnages (L’Insoutenable Légèreté de l’être).


Litterature.indb 64

06/09/11 11:52

2) Mais la fonction de la littérature est moins de lutter contre une injustice particulière que de créer une fable universelle qui fasse croire dans la justice et dans des engagements possibles. Ex. 1 : Ainsi, dans La Condition humaine de Malraux, les protagonistes qui souhaitent l’insurrection sont écrasés par les troupes communistes. Au cœur même de leur défaite, ils savent se hisser jusqu’à des gestes héroïques : la fraternité dans la mort par le don du cyanure. Ex. 2 : dans L’Assommoir, les personnages de Zola n’ont aucune épaisseur héroïque, mais leur destin permet de dénoncer une aliénation. 3) Enfin, la lutte pour la justice n’a pas qu’une valeur morale dans le roman. Elle permet la création de grands personnages exaltés par leur engagement. Ex. 1 : Dans Le Rouge et le Noir, Julien Sorel, issu d’un milieu modeste, s’insurge contre l’ordre établi de la société de la Restauration. Il va même jusqu’à la tentative de meurtre et meurt guillotiné. Son procès révèle un être énergique, passionné, pétri de contradictions mais dont la fougue et la générosité dépassent les traits de violence. Ex. 2 : Edmond Dantès (Le Comte de Monte Christo de Dumas) est un personnage d’une puissante carrure. Lésé dans ses biens et ses droits, le jeune homme est jeté en prison d’où il parvient à se libérer, pour se livrer à une vengeance impitoyable et sadique qui excède les normes de la justice. La lutte contre l’injustice fonde un destin romanesque exceptionnel, servant l’imaginaire fictionnel.

∞

Jean Giono, Un roi sans divertissement,

⁄·›° La fascination du mal

 p. ‡°-‡·

LECTURE DU TEXTE 1. Le langage d’Anselmie, qui est celui d’une paysanne, est dominé par l’oralité : – recours à l’exclamation ; – insertion constante de l’adverbe « bien », de l’interjection « bon », « bien alors » ; – ruptures syntaxiques nombreuses ; – énoncés incomplets : « puisque je vous dis qu’il était comme d’habitude… » ;

– phrases extrêmement courtes et minimales ; – emploi fautif des pronoms : « j’y ai dit » ; – ellipses : « Bien, voilà… c’est tout » ; – utilisation du présentatif : « c’était une voix en colère… » ; – reprise des phrases par la conjonction de coordination « et »… Cette oralité qui envahit le roman est l’une des caractéristiques de la fiction moderne (Céline, Joyce). Jean Giono est également influencé par le vérisme italien du XIXe siècle (Verga, Les Malavoglia). Anselmie incarne le personnage du simple qui est témoin des faits et gestes de Langlois. Elle participe du chœur des paysans qui racontent l’histoire du héros.

2. L’attitude de Langlois est marquée par l’étrangeté : colère (l. 4), personnage sombre (l. 16), demande énigmatique et autoritaire (l. 20), ordre sadique de tuer et de décapiter l’oie (l. 29), hiératisme silencieux (l. 37), fascination mutique du sang sur la neige pendant de longues heures (l. 45-46). La cruauté des faits (l’oie tuée, le goût pour le sang) ne peut qu’intriguer le lecteur. 3. Le choix d’une focalisation externe renforce l’étrangeté du personnage dont le lecteur n’a accès ni à la conscience ni aux pensées, si bien que le héros conserve une dimension énigmatique. Les intentions et les attitudes de Langlois échappent à un ordre traditionnel pour acquérir des significations ésotériques. 4. La nature hivernale, recouverte de neige, est l’image même du vide, du néant suscitant l’angoisse et l’ennui. La nécessité du divertissement s’impose alors. L’amour, la conquête de la gloire, la chasse sont des palliatifs connus et communs. « Le sang, en revanche, c’est le divertissement par excellence ». Pour M.V, puis Langlois, la trace rouge sur la neige blanche conjure l’angoisse du néant. Jusqu’à la fascination. De même, pour l’auteur, la trace d’encre sur la page blanche tient à distance la peur du vide. « Si j’invente des personnages et si j’écris, c’est tout simplement parce que je suis aux prises avec la grande malédiction de l’univers à laquelle personne ne fait jamais attention : c’est l’ennui », dit Giono dans M. Machiavel ou le cœur humain dévoilé. Cette explication donnée par Giono lui-même permet de comprendre la référence à Pascal (qui 4 Personnage et société |

Litterature.indb 65

65

06/09/11 11:52

figure dans le manuel) : « malgré notre siècle de science et les progrès que nous avons faits, il est incontestable que nous mourons d’ennui ». La contemplation du sang sur la neige s’avère troublante. La neige symbolise la pureté. Le sang vient donc tâcher la surface immaculée du sol : symbole de la faute et du crime. Les deux éléments s’opposent : ce qui est froid versus ce qui a conservé la chaleur de l’organisme. Ils sont aussi complémentaires : vie et mort. Car le sang est la matière même de la vie. Celle-ci ne peut être révélée et contemplée que dans la mort, que lorsque le sang est répandu sur la neige qui le met en valeur.

5. Plus que de curiosité, il s’agit d’une fascination, c’est-à-dire d’un personnage qui contemple le sang sur le mode de l’effroi et de l’attrait, jusqu’à ne plus pouvoir parler. Alors que les autres villageois exigent des détails, Anselmie précise qu’il n’y a rien à raconter : « pas du tout » (l. 6), « Non, comme d’habitude » (l. 10), « c’est tout » (l. 28). À l’abondance du propos d’Anselmie s’oppose le laconisme de Langlois (« Coupelui la tête » l. 29, « Donne » l. 44). Le héros s’enferme dans une attitude mutique : « Il ne m’a pas répondu et n’a pas bougé » l. 51). Aussi le regard de Langlois est-il celui d’une sidération. 6. Au lieu de fumer un cigare, Langlois allume une cartouche de dynamite. L’éclatement de la tête est évoqué par le biais d’une métaphore : « l’énorme éclaboussement d’or » (l. 65) qui inverse la représentation de la mort. Le jaillissement du sang jusqu’au ciel symbolise la fusion du corps de Langlois avec les forces de la nature. Le sang répandu permet au personnage d’atteindre enfin « les dimensions de l’univers » (l. 67). L’image de la lumière (« or », « éclaira la nuit ») suggère une apothéose : le héros se fond avec le cosmos. On le voit, les significations du sang répandu dans la nature échappent aux représentations conventionnelles. Celui-ci relève d’une curiosité primordiale pour ce qui constitue la vie organique, sa vitalité énergique, par delà le bien et le mal. L’acte de Langlois participe aussi d’un sens caché : se fondre dans le cosmos et la nature (forme de panthéisme). La mort est moins le vertige d’une âme perdue (le suicide) que l’acte de transformation de Langlois ou de la transmutation de son trouble (fascination du mal) en une renaissance au sein des puissances

de la nature. Le lexique de la démesure est bien présent : « énorme », « univers ». Le personnage se grandit.

7. Le silence de Langlois prend alors différentes valeurs : – il exprime la fascination, ce qui dépasse la parole ; – il participe d’un secret et d’une pensée ésotérique (voir question 6) ; – il confère au personnage la dimension du mystère, au sens sacré du terme.

HISTOIRE DES ARTS La mise en scène de l’épisode par François Leterrier joue sur le contraste des trois couleurs : grande cape noire de Langlois, blancheur immaculée de la neige et sang qui constelle de rouge le sol. La pose du personnage emprunte au réalisme et à la crudité du geste comme à son caractère mystérieux. La confrontation du texte et de son adaptation cinématographique permet de cerner deux esthétiques différentes. Le romancier met en avant l’irreprésentable : témoin qui rapporte mais qui ne comprend pas, mutisme du héros, recours à des images pour délivrer la signification symbolique. Le film ne peut éviter la représentation.

VERS LE BAC Commentaire Le mélange de trivialité et de cruauté sert plusieurs dimensions du texte : l’écart et le décalage entre le monde villageois composé de gens simples et la grandeur du héros Langlois ; le rôle de l’oie décapitée qui relie bestialité, cruauté, révélation ; l’énormité de l’issue (fumer une cigarette, allumer une cartouche de dynamite). Pour développer la dimension triviale : les élèves pourront s’appuyer sur les réponses à la question 1. Pour donner sens à la cruauté, les questions 4 à 7 fournissent les éléments nécessaires.

Dissertation L’objet de la délibération littéraire porte sur la capacité du roman à « mettre en scène un monde en crise ». 1) La crise politique et sociale trouve une inscription de plus en plus importante dans le roman a) Les périodes de crise sont particulièrement fécondes pour la création romanesque, dans la


Litterature.indb 66

06/09/11 11:52

mesure où le genre lui-même ne peut se satisfaire d’une vérité intangible. La remise en question de l’autorité au moment de la Régence conduit à l’éclosion de romans qui explorent l’affirmation de l’individu (roman à la première personne), les modes de la liberté et du libertinage (Manon Lescaut), la relativité des points de vue et des valeurs en fonction des civilisations (Les Lettres persanes). b) Les romans du XIXe siècle, en mêlant Histoire et destin personnel, inscrivent la crise sociale dans l’intrigue elle-même. Les personnages en révolte ou en opposition contre la société de la Restauration portent l’héritage des bouleversements politiques : Napoléon est le modèle de Julien Sorel dans Le Rouge et le Noir. Le roman intègre la représentation des événements politiques (révolutions sociales de 1830 et de 1848) au parcours du personnage. c) Le roman peut n’être centré et resserré que sur un moment de crise sociale et politique. Malraux se ressaisit en romancier de la révolution chinoise. Le récit n’expose que les moments paroxystiques de l’histoire et du destin des personnages, en une série de fragments. 2) Cependant le roman ne parvient à mettre véritablement en scène la crise qu’à travers celle d’un personnage a) Hugo dans Les Misérables fait s’affronter le policier Javert aux limites de son système pénal et moral : l’application à la lettre d’une justice sans pitié. Fait prisonnier par les insurgés et libéré par le bagnard qu’il a poursuivi toute sa vie, l’homme de la police prend conscience de l’absurdité de son système et se suicide. b) Le langage même du personnage permet de révéler le monde dans sa folie. Dans Voyage au bout de la nuit, Céline choisit d’adopter le point de vue de son personnage. Rescapé de la guerre (parce qu’il a déserté), mais atteint de folie, Bardamu livre une vision délirante du monde qui tente d’en dire l’abjection, la laideur et le grotesque. La violence verbale, l’oralité, le flux des pensées et des invectives remodèlent la vision du monde. c) Le traumatisme de la première guerre mondiale provoque, par contestation, le goût pour la liberté et la fantaisie. On assiste au renouvellement des personnages (enfants et adolescents chez Radiguet et Cocteau) et des styles de l’écriture romanesque (dadaïsme, surréalisme).

La réponse à la crise peut être une attitude de légèreté et d’insouciance. 3) La mise en scène d’un monde en crise implique la remise en question de la représentation romanesque et de ses codes mêmes a) L’énigme de l’existence même peut conduire à renouveler les codes de la description et du récit. Sartre dans La Nausée met en scène un monde dénué de sens que Roquentin tâche de comprendre ou d’élucider. Aussi le héros tient-il un journal de ses expériences philosophiques du monde : la perception de la nature, de son propre corps, de l’observation des hommes. Dans le Nouveau Roman, le personnage est éclipsé et vidé de toute signification. La description des objets prend une place majeure. b) La place du rêve dans Nadja de Breton amène à réhabiliter la folie contre l’ordre et les normes sociales, à ouvrir les descriptions à l’insolite, l’inconnu et le mystère. Les textes sont mis en regard de photographies et de dessins énigmatiques.

Oral (analyse) Cette fin du roman est singulière. Elle laisse le lecteur sur : – une énigme à déchiffrer (voir questions 2 et 6) ; – une ouverture plus qu’une clôture ; – un fragment de Pascal à relire et réinterpréter à la lumière de la fiction : « Qui a dit : “Un roi sans divertissement est un homme plein de misères” ? »

LE PERSONNAGE FACE À SON DESTIN

§

Madame de La Fayette, La Princesse de Clèves, ⁄§‡°

 p. °‚-°⁄

Objectifs du texte : Le récit de Madame de La Fayette romance la vie à la Cour d’Henri II, qui régna de 1547 à 1559. La jeune Mademoiselle de Chartres, future Princesse de Clèves, personnage imaginé par l’auteur, fait une entrée remarquée. L’analyse du texte fait comprendre la mise en scène et le récit d’un personnage fictif, idéalisé à la cour d’Henri II. 4 Personnage et société |

Litterature.indb 67

67

06/09/11 11:52

Une jeune femme à la Cour LECTURE DU TEXTE 1. La figure de style dominante est l’hyperbole. Les adjectifs sont souvent superlatifs : « parfaite » (l. 2), « extraordinaires » (l. 7), « extrême » (l. 21 et 25), « grande » (l. 29). Plusieurs expressions relèvent de l’expression hyperbolique : « si accoutumé » (l. 3), « une des plus grandes » (l. 4-5), « un éclat que l’on n’avait jamais vu qu’à elle » (l. 31), « plein de grâce et de charmes » (l. 33), ainsi que l’adverbe « extrêmement » (l. 26). Les choix lexicaux, enfin, portent thématiquement vers la bonté et la beauté, à l’exception des lignes consacrées aux hommes (l. 16-17 en particulier). Le portrait de Mademoiselle de Chartres est marqué par sa perfection, tant physique que morale, ainsi que par l’extrême qualité de son éducation. Elle est mise en scène dans un milieu où ce raffinement est habituel (l. 3-4). Ainsi, la Cour est présentée comme un monde parfait. 2. La présentation de la jeune Mademoiselle de Chartres attire « les yeux de tout le monde » (l. 1) et suscite l’« admiration » (l. 3). La caractérisation de sa beauté (« parfaite » l. 2 et « grande » l. 29) ne laisse aucun doute sur les qualités physiques du personnage. Sa naissance est vantée (l. 4-5) et le portrait est en grande partie indirect : des lignes 4 à 28, il s’agit de sa famille, puis de son éducation. Ce faisant, le lecteur apprend que Madame de Chartres a donné une éducation parfaite à sa fille, cultivant son « esprit », sa « beauté » (l. 10) et surtout sa « vertu » (l. 10). 3. Le tableau en creux que fait le narrateur à travers le regard de Madame de Chartres est nettement différent de ce que l’on entend au tout début du texte. En préparant sa fille à être vertueuse (ligne 10 et suivantes) et « honnête » (l. 18), en la prévenant contre les hommes (ligne 15 et suivantes) et en prônant une vie sentimentale fidèle (l. 23), elle peint indirectement la Cour comme le lieu de la « galanterie » (l. 12) et de la perdition. 4. Dans le texte, la vertu s’oppose à la galanterie. Par « vertu », il faut entendre à l’époque la « disposition habituelle, comportement permanent, force avec laquelle l’individu se porte volontairement vers le bien, vers son devoir, se conforme à un idéal moral, religieux, en dépit des obstacles

qu’il rencontre » (Trésor informatisé de la langue française). Par « galanterie », le texte signifie plus précisément « disposition à se montrer courtois envers les femmes, à les traiter avec déférence, à les entourer d’hommages respectueux, d’aimables prévenances » (Trésor informatisé de la langue française). En filigrane, le débat oppose donc fidélité et légèreté, honnêteté et infidélité. L’insistance du texte sur ce point peut laisser entendre au lecteur qu’il s’agira d’un élément-clé de l’intrigue à venir.

5. Sur le plan théologique, on pourra retenir du jansénisme son caractère fataliste : la grâce du salut ne serait accordée, selon cette doctrine, qu’à quelques élus, dès leur naissance. Dès lors, toute action vertueuse et tout mérite restent sans écho. D’une façon plus large, le jansénisme est associé à une très grande rigueur morale, une pratique religieuse très scrupuleuse et une austérité certaine. La vie que mène Madame de Chartres après le décès de son mari (l. 5) et l’éducation qu’elle donne à sa fille s’opposent bien aux dérèglements qu’elle laisse entendre par la voix du narrateur. 6. L’absence de la jeune fille dont il est question peut pousser le lecteur à s’interroger. Même si le texte n’est pas centré sur elle mais sur sa mère, on apprend à la connaître à travers sa famille, ses origines et l’éducation dont elle a bénéficié. Cela marque à la fois la retenue de la jeune fille, fruit des efforts de sa mère, mais aussi l’emprise de la génitrice sur sa fille. Il y a là de quoi piquer la curiosité du lecteur.

HISTOIRE DES ARTS La vanité est un thème pictural très fécond au XVIIe siècle. Appartenant au genre de la nature morte, elle représente des objets allégoriques qui ouvrent à la méditation sur la condition humaine et invitent celui qui regarde le tableau à une vie plus humble. Sans entrer dans une analyse détaillée de l’œuvre de Jacob Marrel, on fera remarquer aux élèves la symbolique associée à la musique. La place majeure du violon, sa taille, son éclairage et le soin apporté à sa réalisation le mettent en valeur. Or, la musique est volontiers associée au divertissement, voire à une sensualité dangereuse – en particulier à cette époque. Elle peut « charmer », au sens étymologique et amener l’individu à oublier ce qui est essentiel : Dieu, la vertu, le salut. On pourra aussi relever la position précaire des métaux précieux en bas du tableau.


Litterature.indb 68

06/09/11 11:52

VERS LE BAC Invention Le débat à écrire doit mettre en tension deux positions opposées : – dire et prévenir les enfants et donc porter à leur connaissance les dangers du monde ; – au contraire, taire ces dangers en faisant le pari que l’ignorance pourrait les en détourner, les en préserver. Pour éclairer ce débat, on pourra se référer aux critiques que Rousseau faisait à Molière, auquel il reprochait de représenter les vices et des ridicules des hommes et donc de les favoriser.

Dissertation La dissertation doit mettre sous tension deux thèses : – Le roman est une représentation et une vision esthétique du monde. Ainsi, sa portée édifiante ne peut qu’être limitée (en dehors du roman à thèse notamment). – Pour autant, le personnage de roman et la fiction peuvent être de merveilleux instruments d’analyse du monde. Le texte romanesque pousse au plus profond l’analyse des sentiments et permet de mieux comprendre l’Homme. En cela, il peut donner des leçons parmi les plus bénéfiques.

‡

P. Choderlos de Laclos, Les Liaisons dangereuses, ⁄‡°¤

 p. °¤-°‹

Objectifs du texte : Le roman épistolaire de Laclos présente une femme qui voit dans le libertinage un moyen de mettre en scène sa vie et de diriger son destin. Dans la fameuse lettre 81, elle dévoile son jeu.

La revanche d’une libertine LECTURE DU TEXTE 1. La lettre LXXXI présente l’éducation libertine de Madame de Merteuil non comme un laisseraller conduisant à la débauche mais comme une

véritable ascèse permettant de conquérir liberté et maîtrise de soi. On distingue plusieurs étapes, en particulier en début du texte. Dans le premier paragraphe, elle révèle la première étape de son parcours, consistant à « observer et réfléchir » (l. 2-3), à faire des « observations » (l. 49) pour aller au-delà des apparences et comprendre les rouages du jeu social, qu’ « on cherchait à [lui] cacher » (l. 5). Ensuite, il s’agit pour elle d’apprendre à « dissimuler » (l. 6-7) : elle en donne à Valmont plusieurs exemples. Enfin, ultime étape de son apprentissage, elle apprend à se contrôler et à simuler les sentiments. Une série d’oppositions montre qu’elle peut feindre le contraire de ce qu’elle ressent : « chagrin » (l. 11) s’oppose à « sérénité » et « joie » (l. 12), « douleur » (l. 13) à « joie » (l. 15) avec une référence au masochisme. Au terme de son éducation, elle peut même contrôler sa physionomie. Elle est alors prête à participer à la comédie sociale, sans en être la dupe. Les troisième et quatrième paragraphes montrent le personnage jouant son rôle de femme convenable avec art, armé de sa nouvelle science (l. 31). Spectatrice d’elle-même (l. 21), elle affine son jeu, goûtant avec délice le sentiment de supériorité orgueilleuse que sa maestria lui procure. Enfin, les trois derniers paragraphes rendent compte du plaisir physique et du mariage, derniers volets de l’apprentissage de la vie. Parfaitement instruite et expérimentée, elle peut s’avancer dans la vie. Prolongement Dès la double préface des Liaisons dangereuses, l’auteur fait de l’éducation des jeunes filles un véritable enjeu. Être instruite, mais aussi expérimentée et déniaisée, au sens que Voltaire donne à ce terme, est le seul moyen de ne pas finir comme Cécile de Volanges : trahie, bafouée et tournée en dérision.

2. L’apprentissage que narre Madame de Merteuil à Valmont est celui d’une actrice. Son théâtre est la grande scène du monde. Elle y évolue avec une grande aisance car elle est capable de dissimuler ses propres sentiments et d’en feindre d’autres au prix d’un « travail sur [elle]-même » (l. 25). Cet art lui permet d’avancer masquée, de manipuler autrui et de l’emporter sur lui. Dans le texte, elle s’amuse d’ailleurs des effets qu’elle a pu constater sur Valmont, destinataire de la lettre, qui a pu se montrer 4 Personnage et société |

Litterature.indb 69

69

06/09/11 11:52

« étonné » (l. 16). La tournure syntaxique « Je me suis travaillée » (l. 14) montre bien la prise de conscience et le recul qu’elle a sur elle-même. L’art théâtral est une arme redoutable, permettant aux libertins de jouer avec la naïveté des victimes et de savourer l’ironie des situations avec cynisme.

3. La lettre de la Marquise de Merteuil traduit sa volonté indéfectible d’échapper à la condition de femme qui lui est imposée. Dès son plus jeune âge, « fille encore » (l. 1), elle refuse le « silence » et l’« inaction » (l. 2). La Marquise de Merteuil affirme ainsi une supériorité précoce : « Je n’avais pas quinze ans, je possédais déjà les talents auxquels la plus grande partie de nos politiques doivent leur réputation, et je ne me trouvais encore qu’aux premiers éléments de la science que je voulais acquérir » (l. 29-31). Derrière cette haute opinion d’elle-même, fondement de l’orgueil, le personnage laisse entendre qu’elle veut prendre sa revanche. D’ailleurs, dans un autre passage de la lettre LXXXI (qui n’est pas reproduit dans le manuel de l’élève), elle se dit « née pour venger [son] sexe ». On ne sait pas explicitement contre qui s’exerce sa vengeance : elle évoque un « on » (l. 3-5) qui reste indéfini ou encore des « yeux » qui l’entourent (l. 6-7). Mais le discours porte en lui une forte valeur subversive, une volonté farouche de refuser une condition dictée par la société contemporaine. 4. Pour atteindre à la maîtrise de soi, la Marquise de Merteuil fait appel à l’« observation » et développe une méthode quasi scientifique. En secret, cachée derrière le masque des convenances, elle scrute avec un regard avisé les comportements en société. Elle peut les percer à jour et les détourner à son seul profit. C’est ainsi qu’elle conquiert sa liberté et développe une pensée autonome. 5. Le goût de l’étude est évident chez la Marquise (l. 6, l. 30, l. 36) : il lui permet d’approfondir son art de la dissimulation et sa maîtrise d’elle-même. Elle se perfectionne, en quelque sorte, en toute occasion, y compris quand elle pourrait s’abandonner sans arrière-pensée au plaisir. La première occurrence, ligne 2, peut s’entendre dans le sens de « considérer avec attention, avec application ». La seconde occurrence, « J’observais mes discours », (l. 21), prend un sens supplémentaire

et signifie « examiner (un objet de connaissance scientifique) pour (en) tirer des conclusions scientifiques » (Trésor informatisé de la langue française).

6. On peut dire que la Marquise de Merteuil pervertit les idéaux des Lumières. En effet, elle met la Raison au service non pas de la science, de la vérité et de la transparence mais de la noire dissimulation et de la tromperie mauvaise (Madame de Tourvel mourra de ses turpitudes et Cécile de Volanges finira enfermée au couvent). On peut dire de ce texte, comme des œuvres de Sade, qu’il révèle l’envers sombre des Lumières : la science désintéressée et la raison tournée vers le Bien ne permettent pas de conquérir liberté et autonomie au grand jour. Le croire est une niaiserie. Le seul moyen de s’affirmer, d’être libre, est de tromper son monde. En effet, si le comparse de la marquise, le Vicomte de Valmont, peut, en homme, afficher au grand jour son comportement libertin, il n’en va pas de même pour la Marquise. Son statut social et matrimonial l’oblige à jouer la comédie. Se jouer d’autrui, pervertir l’idéal des Lumières pour en faire l’instrument des ténèbres lui procure une joie orgueilleuse et solitaire.

HISTOIRE DES ARTS L’image extraite du film de Stephen Frears présente le personnage de la Marquise de Merteuil face à son miroir. Ses yeux montrent qu’elle s’observe ou, pour reprendre le texte, qu’elle travaille sur sa physionomie. On pourrait dire que cette photographie illustre parfaitement la phrase « je m’amusais à me montrer sous des formes différentes » (l. 20-21), peut-être ce « regard distrait » qui est évoqué ligne 9. Ainsi, cette image traduit bien la duplicité du personnage : le miroir renvoie une image mise en scène, pensée et travaillée, et montre que le paraître peut tout à fait différer de l’être.

VERS LE BAC Question sur un corpus Les textes de Montesquieu et de Laclos présentent deux femmes puissantes et subversives : 1) En prenant le pouvoir par la parole a) Toutes deux imposent un « je » et se présentent comme sujet autonome b) Elles construisent un discours d’affrontement, de provocation


Litterature.indb 70

06/09/11 11:52

2) En s’opposant aux codes sociaux qu’on veut leur imposer a) Elles observent le monde qui les entoure, la société pour mieux en prendre le contrôle b) Les deux femmes choisissent leur destin, quitte à en mourir 3) En révélant l’hypocrisie de la société des Lumières a) Les hommes des Lumières ont un comportement public exemplaire mais restent des tyrans domestiques. C’est ce que les deux personnages féminins révèlent ou plutôt crachent au visage de leur destinataire b) Le seul espace de liberté possible est celui de la dissimulation et de la tromperie. Porter un masque est le seul moyen d’être soi, paradoxalement. C’est un postulat anti-rousseauiste

Commentaire Le commentaire du texte de Laclos pourra développer le plan suivant : 1) L’extrait des Liaisons dangereuses inverse la représentation traditionnelle du libertin a) Il s’agit d’un libertinage féminin b) Madame de Merteuil se consacre à l’étude rationnelle, à l’observation quasi scientifique du « monde comme il va » c) Même les « distractions futiles » (l. 34) doivent être l’occasion d’un apprentissage exigeant. Il s’agit davantage d’une ascèse dans le Mal qu’un abandon au plaisir épicurien 2) Madame de Merteuil est un personnage complexe a) Orgueilleuse et sûre d’elle-même b) Libertine sans pouvoir le paraître, elle est condamnée à la dissimulation et au jeu théâtral c) Individualiste, elle n’est pas féministe : elle travaille uniquement à sa propre émancipation d) En revanche, l’auteur promeut l’éducation des femmes et il se sert de son personnage de papier pour le faire savoir. Cette stratégie rend plus complexe encore sa créature, individualiste, mais au service d’un discours subtil

Dissertation La question posée porte sur la valeur édifiante du roman. Il s’agit donc d’en débattre. On pourra développer le plan suivant : 1) Le roman relève de la fiction a) Sa fonction première n’est pas l’édification ou l’instruction du lecteur, mais bien l’évasion et le divertissement

b) Le roman est une représentation, une vision esthétique du monde. Il ne peut donc interagir avec lui 2) Pour autant, même si elle est une fiction, la création romanesque peut toucher le lecteur a) Le destin des personnages peut être transposé à un destin individuel et aider le lecteur b) La littérature a une fonction cathartique : elle amène le lecteur à découvrir l’autre et, en en tirant une leçon, à réfléchir à sa propre condition

°

Stendhal, Le Rouge et le Noir,  p. °›-°∞

⁄°‹‚

Objectifs du texte : Analyser un extrait du début du roman Le Rouge et le Noir pour comprendre comment un personnage peut s’opposer à son milieu et construire son propre destin.

Un personnage en conflit LECTURE DU TEXTE 1. Le père de Julien Sorel possède une scierie : le début du roman se passe dans son « usine » (l. 1). Il s’agit d’un milieu de travailleurs manuels comme le montre le travail des deux frères jouant de la « hache » (l. 3 et 5). Eux trois ne voient pas dans les activités intellectuelles un vrai « travail » mais une « charge » (l. 61), une perte de temps et d’argent. La première rencontre du roman entre le père et le fils est marquée par la violence : Julien a abandonné son poste pour lire. Son père le frappe à deux reprises (l. 18 et 20). Tout oppose les deux personnages, que ce soit leur physique ou leurs goûts. Le père ne sait pas lire (l. 13) et hait de toutes ses forces ceux qui maîtrisent ce savoir. Le premier coup décoché par le père atteint d’ailleurs le livre. Les seules valeurs paternelles sont le travail physique et la force virile, valeurs qu’il impose sans discours mais à coups de poing. Julien, personnage plutôt fragile comme le montre le dernier paragraphe, déteste cette brutalité fruste et tyrannique. Il aime la réflexion passionnément, la nourrit par la lecture et la fréquentation du curé, 4 Personnage et société |

Litterature.indb 71

71

06/09/11 11:52

homme lettré (l. 28-31). En cela, il fait figure d’étranger, au sein même de sa famille et de son milieu d’origine.

2. La violence de la scène lui confère un réalisme certain. La description du travail à la scierie dans le premier paragraphe, la précision de la tâche effectuée par les deux frères (l. 2-6), ainsi que les indications du bruit qui envahit l’usine soulignent à quel point Julien est en décalage dans sa position surplombante, « cinq à six pieds de haut » (l. 8) et en train de lire. Ainsi, la peinture réaliste ne vise pas seulement la représentation objective et mimétique d’un milieu. Elle révèle la problématique du personnage (héritage de l’idéal napoléonien versus monde prosaïque de l’argent et du travail), son affrontement au monde (révolte, refus) et un point de vue subjectif (société incapable d’un idéal, destruction de tout idéal). 3. Cet extrait du début du roman souligne la singularité de Julien Sorel. La différence très forte entre le héros et son milieu, la violence très marquée et l’incompréhension du père face à la nature de son fils annoncent certainement une rupture nette dans la suite de l’histoire. En commençant ainsi son roman, Stendhal pose les jalons d’une intrigue : comment le héros va-t-il survivre dans ce milieu ? Va-t-il en sortir ? Va-t-il vivre ses idéaux, quitte à être en rupture de ban ? 4. Le portrait de Julien se fait par opposition aux portraits de ses frères et de son père. Assez petit et fluet, doté d’une « taille mince » (l. 11), « svelte et bien prise [qui] annonçait plus de légèreté que de vigueur » (l. 58-59), il paraît bien faible à côté de ses frères, qui sont tout simplement deux « espèces de géants » (l. 2-3). De même, le père est un titan. Sa force se traduit d’emblée par sa voix forte (l. 2), mais aussi par les coups qu’il porte aisément à son fils et la façon dont il le sauve alors qu’il aurait pu tomber dans la machine (l. 22-24). Dans l’univers de la scierie, pareil physique est un handicap et lui vaut le mépris. Pourtant, la faiblesse physique pourrait bien n’être qu’apparente (l. 51). Une sombre énergie semble l’animer. Si les traits de son visage sont réguliers, il présente un profil aquilin et ombrageux. Yeux noirs et joues empourprées témoignent de sa colère, le rouge et le noir faisant écho au titre du roman. Ses yeux luisent « de

la haine la plus féroce » (l. 54). Et ses cheveux, plantés bas, lui donnent un « air méchant » tout à fait antipathique. Sa petitesse et sa sveltesse le condamnent, tant qu’il est contraint de vivre dans sa famille, à être toujours « battu » (l. 63) et à ravaler ses larmes de colère. C’est en cela qu’il peut sembler napoléonien : il est mu par une rage et une violence souterraines d’autant plus fortes qu’elle sont comprimées. C’est ce qui fait la singularité de ce personnage, battu mais indomptable.

5. Le livre et la lecture sont un monde inconnu du père de Julien : il ne sait pas lire (l. 13). Il ne contrôle donc pas ce que son fils fait et sait. C’est en cela que la lecture représente une activité intellectuelle subversive : Julien s’enfuit dans son monde, fait sécession et nie les valeurs familiales, alors qu’il devrait participer, comme ses deux frères, à l’activité manuelle. Devant la défection dédaigneuse de son fils, le vieux Sorel est envahi par la haine : il fait pleuvoir les coups (l. 18 et 19). La réponse par la brutalité montre que le père est démuni face à son fils, que le langage n’est pas le mode de communication habituel dans la famille. Par ailleurs, le portrait final de Julien montre que le personnage est porteur d’une révolte intérieure. Lui aussi hait. C’est ce qui fait sa force. 6. Le père Sorel incarne la continuité : il travaille à la scierie et impose à ses trois fils de marcher dans ses pas, d’adopter le même mode de vie et les mêmes valeurs. Nul moyen de se soustraire à la loi du père. Si cette autorité ne pose aucun problème aux aînés, taillés pour ce genre de vie (l. 1-2), il n’en va pas de même pour Julien, « pensif » et « pâle ». Elle est vécue comme une férule injuste et comme l’écrasement, la négation de ses qualités propres, tournées en dérision. Il rêverait, comme Napoléon, de mettre un terme à cet ordre ancien. L’Empereur représente une rupture et l’accession au pouvoir d’une nouvelle et jeune génération. 7. Les jeunes romantiques sont condamnés parce qu’ils sont nés une génération trop tard, bien après le désastre de Waterloo. Les vieilles idées et les gérontes sont revenus et ont confisqué le pouvoir. Ils ne veulent rien céder, condamnant à l’inactivité et à l’ennui mélancolique la jeune génération. Ils n’ont plus qu’à lire les exploits de Napoléon, tout comme Julien, et ne peuvent


Litterature.indb 72

06/09/11 11:52

plus espérer participer à un temps de conquête. Ainsi, c’est la nostalgie et la mélancolie qui dominent les « enfants du siècle ».

HISTOIRE DES ARTS Pour représenter Napoléon, David choisit le portrait équestre. Ce dispositif lui permet de mettre en scène celui qui n’est encore que vice-consul dans une position de pouvoir. Sur son cheval cabré, Napoléon domine et ses vêtements le présentent bien en chef de guerre qui montre le chemin, comme l’indique son doigt. D’ailleurs, le cheval et les vêtements font du tableau un ensemble en mouvement autour d’un cavalier qui est un guide en marche. Les indications du bas du tableau rassemblent Bonaparte, « Annibal » et « Karolus Magnus IMP », soit Hannibal, grand homme politique carthaginois des IIIe et IIe siècles avant Jésus-Christ, et l’Empereur Charlemagne. Tous trois ont pour point commun d’avoir franchi les Alpes. En mettant Napoléon sur le même plan que les deux autres hommes, David traduit son admiration et élève déjà celui qui ne sera empereur qu’en 1804 au même rang que d’autres grands hommes mythiques.

VERS LE BAC Invention Le texte que les élèves doivent écrire devra respecter la situation d’énonciation : c’est bien Stendhal qui s’exprime et défend son projet romanesque. On évitera tout anachronisme : l’auteur est un écrivain du XIXe siècle. Plusieurs pistes peuvent être exploitées pour défendre le choix de Julien comme héros de roman : – Julien présente la nouvelle génération romantique. Il ne reprend pas les habits de ses prédécesseurs et présente un nouveau profil : il n’incarne pas la force physique et le courage et préfère à toute activité manuelle la lecture. – Julien a de nouveaux idéaux liés au contexte historique des années 1820-1830 et après les défaites napoléoniennes et pendant la Restauration. – Il s’agit donc d’un héros nouveau, romantique car désenchanté après une période historique forte (Révolution française puis règne de Napoléon Ier) qui se tourne vers lui-même pour développer sa singularité.

Commentaire Le commentaire du texte de Stendhal pourra développer le plan suivant : 1) Le décalage entre le personnage et son milieu d’origine a) L’activité intellectuelle (la lecture) vs l’activité manuelle (le travail de la scierie) b) La violence du père et la force des frères vs la faiblesse physique du héros c) Un idéal politique (Napoléon) vs l’aliénation du quotidien 2) Les enjeux de cette présentation a) Créer une tension entre les personnages et lancer une intrigue b) Esquisser un caractère et un destin : celui du héros étranger à son milieu c) Susciter la curiosité du lecteur qui s’identifie au héros 3) L’énergie du désespoir a) Portrait du héros en rouge et noir b) La force de la haine

Prolongement Cet extrait peut être comparé au début du texte de Musset, La Confession d’un enfant du siècle, de 1836, en particulier le célèbre passage commençant par « Alors s’assit sur un monde en ruines une jeunesse soucieuse. » jusqu’à « Et ils parlèrent tant et si longtemps que toutes les illusions humaines, comme des arbres en automne, tombaient feuille à feuille autour d’eux, et que ceux qui les écoutaient passaient leur main sur leur front, comme des fiévreux qui s’éveillent. » Le questionnement pourrait être le suivant : 1) Pourquoi Musset est-il un « enfant du siècle » ? Expliquez les causes historiques. 2) Relevez, dans le premier paragraphe, le champ lexical et les figures de style évoquant la destruction du passé. Décrivez l’état d’âme qui en résulte. 3) À quoi les jeunes gens nés sous l’Empire se croyaient-ils destinés ? Dans le paragraphe 4, que leur propose-t-on à la place ? Quel procédé insiste sur le saccage de leurs rêves ? 4) Quelles images idéalisent la violence des guerres napoléoniennes et de la Révolution ? Pourquoi fait-elle rêver les enfants du siècle ? 5) À partir du cinquième paragraphe, quelles réactions physiques le mot « liberté » produit-il sur les jeunes gens ? Qu’arrive-t-il aux 4 Personnage et société |

Litterature.indb 73

73

06/09/11 11:52

trois hommes redressant un peu trop la tête ? Expliquez l’humour noir. 6) Dans les paragraphes 2 et 3, quel portrait Musset fait-il des exilés et des royalistes quémandant des faveurs ? Quel registre domine ? 7) Dans le dernier paragraphe, que dénonce le dernier orateur ? Quelle métaphore exprime la perte des illusions ?

·

R. Radiguet, Le Bal du comte d’Orgel, ⁄·¤›

 p. °§-°‡

Objectifs du texte : L’extrait du roman de Radiguet propose une étonnante rencontre entre des personnages aisés qui se rendent au dancing et une foule spectatrice de cet étrange cortège. Le texte est l’occasion, pour l’auteur, de mettre en exergue la fuite dans la fête après la première guerre mondiale.

La fuite dans la fête LECTURE DU TEXTE 1. Le texte met face à face deux groupes : la belle société qui se déplace en automobile (l. 10) pour danser et la « foule » (l. 11), des « rodeurs de barrières et les braves gens de Montrouge » (l. 12), qui profite du spectacle. La foule est fascinée par les gens riches, profitant « d’un spectacle gratuit, donné chaque soir » (l. 33-34), tandis que les gens riches feignent la gêne (« ce supplice charmant », l. 17-18) ou jouent la peur (l. 22-23). Or, le texte met en avant la théâtralité de cet échange social : la comparaison avec « la petite syncope du Grand Guignol » (l. 22), l’assimilation à un « spectacle » (l. 33) et aux « films luxueux » (l. 38-39), la mise en scène de la princesse d’Austerlitz lors de la panne de sa voiture (l. 47-49) montrent bien que les gens riches jouent un rôle devant une foule subjuguée. 2. Plusieurs éléments tendent à déplacer la situation en dehors du réel : le déplacement à

la campagne en banlieue (l. 1), la situation de la scène la « nuit » (l. 4) et la menace de la police (l. 3 et 52) face à la clandestinité. Ainsi, la fête, « nécessité » (l. 2) d’après-guerre, prend un goût d’interdit qu’il est délicieux de braver.

3. Radiguet porte un regard distancié sur ses personnages. Il désigne la foule de façon plutôt familière en utilisant les substantifs « badauds » (l. 14), mélange de sottise et de voyeurisme, et « populace » (l. 23) qui désigne le peuple de façon péjorative. La foule est également comparée à une « haie effrontée » (l. 14). La façon dont Radiguet désigne les personnes aisées qui vont danser souligne le paraître et leur côté parvenu. François est mis en scène comme un pantin qui se rend de façon automatique au dancing (l. 6-7). Le narrateur présente les Parisiens qui partent danser comme « le beau monde » (l. 13) ou encore les « heureux du jour » (l. 41), propriétaires de voitures (l. 15-17), ce qui est une marque de luxe absolu pour l’époque. Les femmes portent des bijoux (l. 27) et des vêtements luxueux (l. 30). On voit donc se construire une opposition de classes dans laquelle les riches étalent ce qu’ils possèdent devant les yeux d’un peuple qui joue les voyeurs. 4. Les phrases s’enchaînent le plus souvent de façon paratactique. Le premier paragraphe, par exemple, montre une syntaxe qui fait une description froide et objective à la manière des récits du XVIIe siècle qui sont ainsi pastichés. 5. Le texte met au jour l’écart entre les plus riches et les plus pauvres. Les premiers sont plutôt exhibitionnistes, ce que le narrateur souligne ironiquement (par exemple avec les « peureuses » qui jouent quelque peu la comédie, l. 21-22). Les seconds sont assez nettement voyeurs, « friand[s] d’un spectacle gratuit » (l. 33-34), ils prolongent le plaisir qu’ils trouvent au cinéma. Le texte critique ainsi la mise en scène de la richesse et l’omniprésence du paraître dans une société qui vit pleinement les « années folles » pour oublier le carnage de la première guerre mondiale. Prolongement On pourra étudier des extraits du Voyage au bout de la nuit de Céline qui propose un regard complémentaire sur la fête après la première guerre mondiale.


Litterature.indb 74

06/09/11 11:52

HISTOIRE DES ARTS L’œuvre célèbre de Marcel Gromaire évoque la « place blanche », place fameuse du quartier de Pigalle où l’on trouve le Moulin Rouge, présent également sur le tableau avec ses mythiques ailes. Le tableau évoque la fête des « années folles », dont les excès répondent au désastre de la première guerre mondiale. Mais l’image qui est donnée est ambiguë : la surabondance des couleurs et des décors soulignent l’artificialité de la fête. Le personnage féminin, au centre et au premier plan, présente une figure elle-même ambiguë car peu expressive. Ainsi, il se dégage du tableau une impression d’exubérance, mais aussi de tristesse caractéristique d’une période singulière qui cherche à tout prix à oublier l’histoire immédiate.

VERS LE BAC Question sur un corpus Pour confronter les deux textes, on comparera les choix narratifs qui permettent de décrire la beauté et le luxe. On se reportera à la réponse aux questions 1 et 2 pour le texte Radiguet, mais aussi aux réponses aux questions 1, 2 et 3 pour le texte de Madame de La Fayette.

Invention L’écriture d’invention appelle un texte « critique » à l’égard des badauds. Il ne s’agit donc pas de critiquer l’attitude des riches, même si celle-ci pourrait l’être. La restriction doit donc bien être prise en compte. Pour répondre au sujet, on pourra s’appuyer sur les questions 3 et 5 de la lecture analytique. Plusieurs pistes peuvent être développées : – le voyeurisme des badauds, – leur intérêt pour l’argent et le paraître, – une certaine forme d’aliénation du peuple.

Dissertation Deux thèses peuvent être développées : 1) A priori, le sentiment d’évasion naît du dépaysement. Le romancier doit donc imaginer un monde qui soit étranger à celui du lecteur. Ce monde peut être créé à partir d’un monde réel ou totalement imaginé. 2) Mais le romancier peut aussi amener le lecteur à voir autrement son propre monde, son quotidien.

⁄‚

A. Camus, L’Étranger,  p. °°-°·

⁄·›¤

Objectifs du texte : Le passage choisi est un extrait du procès de Meursault, qui est le narrateur de l’histoire. Ce choix de l’auteur nous permet de vivre avec le personnage sa mise en accusation et son face à face avec la société.

Un monstre moral LECTURE DU TEXTE 1. L’histoire est racontée du point de vue de Meursault, qui est également le narrateur. Le texte est écrit à la première personne du singulier et les sentiments et les pensées du personnage sont ainsi livrés directement au lecteur. Cette restriction de la focalisation au seul personnage principal renforce son isolement : nous avons principalement son point de vue et donc l’expression de son incompréhension. Les paroles rapportées permettent néanmoins de savoir ce que dit l’avocat et surtout d’avoir le développement du procureur. 2. Le substantif « clarté », repris deux fois dans le deuxième paragraphe, est employé ici au sens figuré. Ligne 21, « clarté » prend le sens d’« évidence », tandis que, ligne 29, le substantif souligne la qualité du discours de l’avocat, qui est clair et compréhensible. L’emploi du substantif dans le texte souligne les contradictions du procès : les faits, mais aussi les apparences, évidents, clairs, sont contre Meursault. 3. Meursault est accusé d’un « crime » (l. 20). L’avocat et le procureur plaident dans le même sens à une différence prêt : l’avocat lui trouve des « excuses » (l. 5), pas le procureur. Le procureur plaide la préméditation (l. 31-32) et le crime de sang froid, ce que prouvent les « quatre balles » (l. 35). Au-delà, on reproche à Meursault sa façon d’être, notamment à l’égard de sa mère (l. 23-25) et son comportement après sa mort, notamment ses relations ambiguës avec Marie et Raymond (l. 25-31). 4. La plaidoirie du procureur, rapportée par le narrateur, met au jour un homme en rupture 4 Personnage et société |

Litterature.indb 75

75

06/09/11 11:52

avec la morale conventionnelle. Au-delà de son crime, on lui reproche globalement son « insensibilité » (l. 24), notamment à l’égard de la mort de sa mère au début du roman. Par ailleurs, son comportement est critiqué : il n’a pas porté le deuil et s’est laissé aller à se distraire juste après. Enfin, il a des fréquentations « de moralité douteuse » (l. 31).

b) La parole de l’avocat qui présente sa propre vision du crime et de son client c) Un accusé spectateur 2) Un coupable idéal a) Meursault étranger au sentiment filial b) Une intelligence qui joue contre Meursault c) Des apparences qui plaident contre lui

5. Qualifier Meursault d’homme « intelligent » (l. 41, repris par le narrateur l. 44) est un élément à charge, paradoxalement. Cela le rend pleinement coupable de son geste. Il ne peut pas être taxé d’ignorance ni de bêtise donc il n’a pas de circonstances atténuantes pour son geste.

Deux thèses peuvent être développées pour répondre au sujet de dissertation : 1) Les personnages étranges et déroutants remettent en cause les préjugés et les attentes du lecteur. 2) Les personnages étranges et déroutants ont un fort potentiel romanesque.

Dissertation

HISTOIRE DES ARTS L’image extraite du film de Visconti rend particulièrement bien la mise en accusation du personnage. Isolé à droite, c’est celui que l’on voit en dernier dans le sens de la lecture. Par ailleurs, tous les autres personnages, public et avocats, sont tournés vers lui (à l’exception de l’avocat le plus proche, sans doute le sien). Enfin, Meursault est le seul personnage debout. On note également que le regard du public est hostile.

⁄⁄

Objectifs du texte : Le texte extrait du roman de Le Clézio intitulé Désert présente un monde étrange, tant par son environnement que par les valeurs qu’il véhicule. L’homme y prend une autre dimension que celle qu’il peut avoir dans un milieu urbain. La lecture analytique du texte s’arrêtera donc sur ces deux aspects : un espace infini et un homme différent.

VERS LE BAC Question sur un corpus Comme Sisyphe, Meursault se trouve dans une situation absurde : les apparences et ses actes plaident contre lui. Il ne peut donc se défendre et doit subir son calvaire sans pouvoir prendre la parole. On analysera dans l’extrait de L’Étranger la tension entre la parole et le silence, c’est-à-dire la parole que Meursault voudrait pouvoir prononcer et le silence que lui impose la société et, plus précisément son avocat.

Commentaire Pour montrer que l’attitude de Meursault peut être considérée dans cet extrait comme un problème pour la société, le commentaire de texte pourra développer le plan suivant : 1) Un personnage étranger à son propre procès a) Le choix narratif : la focalisation interne, centrée sur Meursault, montre qu’il voudrait intervenir mais ne le fait pas

J.-M. G. Le Clézio, Désert, ⁄·°‚  p. ·‚-·⁄

Un homme différent LECTURE DU TEXTE 1. Le désert est le lieu dans lequel Le Clézio a posté ses personnages. Il décrit tout d’abord un espace infini : l’étendue est « sans limites » (l. 35), la route sans fin (l. 19) et tout est « à perte de vue » (lignes 9-10). Le désert semble être la reproduction infinie du même, les « crêtes mouvantes des dunes » (l. 10) par exemple, et fonctionne dans des espaces circulaires, à l’image des « routes » (l. 17). 2. Le texte est marqué par le champ lexical du voyage : on peut relever les nombreuses occurrences du verbe « marcher » (l. 2, 23, 30) et ses déclinaisons : « venir » (l. 21 et 22), « revenir » (l. 25), « repartir » et « voyager » (l. 27), « fuir » (l. 28). Le texte est également marqué par les


Litterature.indb 76

06/09/11 11:52

indications spatiales du troisième paragraphe et les noms de ville à consonance africaine. Cette marche est associée à la douleur (l. 5), « la faim, la soif et la fatigue » (l. 15), sous la menace permanente de la mort (l. 8 et 41). Le dernier paragraphe notamment donne des exemples précis de la dureté de la vie des Touaregs : la mort, souvent violente (« frappés par une balle ennemie, ou bien rongés par la fièvre », l. 31-32), les accouchements sans entourage médical (l. 32-34), la nature envahissante et agressive (« au sable, aux chardons, aux serpents, aux rats, au vent », l. 36).

3. La marche des Touaregs, à la fois rude et déterminée, offre une image fascinante : le lecteur est surpris par la communion entre des hommes, ni plus ni moins forts que d’autres, et un espace plus hostile qu’ailleurs, mais aussi plus proche des gestes forts de la vie : vivre, naître (l. 32-33) et mourir. 4. Le voyage sans fin des Touaregs, essentiellement circulaire, comme le montre le deuxième paragraphe, peut être vu comme une métaphore de la vie humaine. L’être humain revient sans cesse sur ses pas et, même s’il avance en permanence, il ne peut échapper à son destin et à sa finitude. La vie se confond avec la mort : apprendre à « marcher, à parler, à chasser et à combattre » (l. 40) revient à « apprendre à mourir sur le sable » (l. 41). 5. La mort domine dans le texte car elle est un danger permanent. Elle est présente dès la ligne 8 et elle termine le texte. Apprendre à vivre revient à apprendre à mourir (voir la dernière phrase de l’extrait). 6. Le texte souligne à la fois la fragilité de l’Homme, mais aussi leur grandeur. Fragiles, le désert les montre sans cesse au bord du gouffre. Mais justement, communiant avec la nature, ici le désert, ils ne font qu’un avec lui et ne meurent jamais. Ils sont pris dans un cycle qui renouvelle sans cesse l’être humain.

HISTOIRE DES ARTS Le tableau de Girardet offre un écho tout à fait intéressant au texte de Le Clézio. Les sensations de paix et l’impression de communion avec le désert sont rendues principalement par le jeu avec la couleur. Girardet parvient à fondre ses

personnages dans le désert : les vêtements, les montagnes et le sable se répondent dans la même gamme de couleur. Les personnages n’offrent pas un visage très lisible, autant à cause de la distance que des vêtements qui les cachent. Ainsi, ils fusionnent encore davantage avec l’environnement désertique. Enfin, leur taille semble très petite à côté de celle des montagnes : ils ne sont que de petits pions au cœur d’un ensemble qui les dépasse.

VERS LE BAC Dissertation La dissertation pourrait fonder par exemple sa problématique sur le verbe « opposer » : s’agit-il seulement de présenter des valeurs différentes au lecteur ou plus radicalement d’en imposer ? À partir de cela, il est possible de développer deux thèses : – L’intérêt, voire le désir du lecteur, d’être bousculé dans ses habitudes et ses certitudes. – Mais aussi les limites de la portée critique d’un roman.

Oral (analyse) La lecture analytique du texte de Le Clézio pourrait s’appuyer sur la réponse apportée à la question 6 et adopter sur le plan suivant : – dans un premier temps, montrer que le texte présente un espace qui dépayse le lecteur occidental par l’analyse de la description du désert (réponses aux questions 1 et 3). – dans un second temps, analyser les valeurs humaines que le texte porte (réponses aux questions 2, 4 et 5).

Oral (entretien) Lors de l’entretien, l’élève-candidat doit répondre le plus personnellement, et donc le plus librement possible. Plusieurs réponses sont possibles, sans s’exclure les unes les autres, à condition que des exemples personnels viennent les étayer : – Le roman, et plus largement la fiction, permettent d’aborder des mondes différents de celui du lecteur (géographiquement, culturellement, temporellement etc.). L’évasion est donc intrinsèquement mêlée au genre même du roman. – Pour autant, la lecture ne permet qu’une relation de surface avec l’Autre et l’Ailleurs. Elle peut être un point de départ et inviter au voyage. 4 Personnage et société |

Litterature.indb 77

77

06/09/11 11:52

– On peut aussi imaginer une position assez nettement différente, de la part d’un lecteur plus faible, qui aurait besoin de l’image pour réellement s’évader. Il s’agirait alors de montrer que la lecture de roman, en faisant appel à l’imaginaire du lecteur, ne permet pas une évasion suffisamment explicite.

POUR ARGUMENTER : QU’EST-CE QU'UN PERSONNAGE « RÉUSSI » ?

 p. ·¤

Objectifs du texte : La lecture analytique de cet extrait d’un essai publié par Milan Kundera mettra au jour le débat qui porte sur la place de la psychologie dans le roman. Kundera, comme Robbe-Grillet (p. 43), remettent en cause la construction traditionnelle du personnage.

LECTURE DU TEXTE 1. Kundera analyse l’œuvre de Franz Kafka et oppose la « psychologie » (l. 8) traditionnelle du personnage à l’« examen d’une situation » (l. 8-9). Chez Kafka, la psychologie est « au second plan » (l. 11). Ainsi, le personnage n’est pas déterminé par son « enfance » ou son éducation (l. 11), mais conditionné par la situation dans laquelle il est placé. 2. Le troisième paragraphe est consacré au réalisme. Pour Kundera, il n’est pas nécessaire de chercher à créer l’« illusion réaliste ». Cette dernière expression synthétise l’ensemble des moyens mis en œuvre par le romancier pour faire croire à son lecteur, le temps de sa lecture, à la réalité de la situation et des personnages. Au contraire, pour Kundera, il n’est pas nécessaire de faire croire au lecteur que le personnage est une personne, qu’il est « aussi réel que vous et moi » (l. 20), ni de donner « toutes les informations possibles » (l. 19-20) pour qu’il soit réussi et convaincant dans la « situation que le romancier a créée pour lui » (l. 21-22). Finalement, l’illusion réaliste n’est pas un critère convaincant pour évaluer la création d’un personnage. 3. Alain Robbe-Grillet et Milan Kundera proposent des analyses très proches. Tous deux attaquent la construction traditionnelle du personnage, héritée du XIXe siècle, qui tend à le confondre avec une

personne. Pour autant, ils ne parviennent pas à la même conclusion : pour Kundera, qui s’appuie sur Kafka, la psychologie existe, mais ne vient qu’au « second plan » (l. 11), tandis que pour RobbeGrillet, c’est tout la construction du personnage qui est l’objet de ses attaques.

ÉCRITURE Argumentation Deux thèses peuvent être développées par les élèves : – D’une part, une grande quantité d’informations sur un personnage permet d’approfondir sa connaissance et la compréhension de la situation dans laquelle le romancier le met. Il peut utiliser pour cela une focalisation adaptée qui permet de donner accès aux pensées les plus intimes. – D’autre part, un personnage plus énigmatique laisse une place au lecteur qui peut le coconstruire avec le romancier. L’imaginaire peut combler les lacunes de la narration.

VERS LE BAC Dissertation Le sujet proposé appelle une définition très personnelle de la part des élèves. Pour le corrigé, on pourra s’appuyer sur quelques-unes des pistes suivantes : 1) Un personnage réussi est pris au cœur de la tourmente, prisonnier d’un destin a) La révolte de la jeunesse : Stendhal (p. 84-85) b) Le héros romantique face à la passion : Mme de Staël (p. 72-73) c) Un personnage contemporain en pleine tourmente sociale : Olivier Adam (p. 46) 2) Un personnage réussi ouvre les portes d’un « ailleurs » à son lecteur a) La tyrannie du sérail et la révolte des femmes : Montesquieu (p. 70-71) b) L’exotisme du désert : Le Clézio (p. 90-91) et Laurent Gaudé (p. 95-102) c) Les « ailleurs » de l’écriture : Butor (p. 42) et Sylvie Germain (p. 44) 3) Un personnage réussi bouleverse les représentations du lecteur a) Un être étranger à la société : Camus (p. 88-89) b) Une libertine qui prend sa revanche : Laclos (p. 82-83) c) Un narrateur qui nous ouvre une voie pour l’analyse de soi : Proust (p. 32-33)


Litterature.indb 78

06/09/11 11:52

Séquence

∞

Laurent Gaudé, La Mort du roi Tsongor, ¤‚‚¤ Livre de l’élève  p. ·∞ à ⁄‚¤

Présentation de la séquence  p. ·∞ La Mort du roi Tsongor est un roman contemporain qui a reçu le Goncourt des lycéens en 2002. Il met en scène une Antiquité imaginaire et reprend le schéma de la guerre de Troie : « On a une ville, on a un roi, on a une fille et deux prétendants, et ensuite une guerre qui se déclenche. » (interview de Laurent Gaudé dans le DVD joint au manuel). Étudier le roman de Laurent Gaudé permet donc de se plonger au cœur d’un schéma antique et d’une œuvre épique. Les personnages romanesques construits par l’auteur sont à la fois héritiers d’une tradition littéraire et romanesques, mais aussi renouvellement et réécriture de cette tradition. Entre emprunts et création, Gaudé écrit une œuvre qui touche finalement le lecteur. On consultera avec profit l’interview de Laurent Gaudé et sa retranscription mises à disposition avec le manuel. Toutes deux sont utilisables librement en classe.

⁄) Entrée dans l’œuvre : l’épopée au cœur du roman  p. ·§ Objectifs : – Faciliter l’entrée dans l’œuvre en introduisant la notion de registre « épique ». – Introduire le thème de la vengeance et ses ressorts littéraires et romanesques.

Analyse de l’image L’image choisie pour l’ouverture appartient à un film en noir et blanc de 1937. Il renvoie, comme La Mort du roi Tsongor, à une Antiquité africaine (sur ce point, voir le DVD fourni avec le manuel : Laurent Gaudé précise où l’on peut situer son roman). La grandeur héroïque est d’abord mise en scène par le nombre impressionnant d’acteurs : à pied ou à cheval, les hommes sont innombrables. Leur positionnement, ensuite, le laisse pas d’impressionner : lignes droites et parallèles, groupes homogènes et innombrables eux aussi, armés et prêts à la guerre. L’affrontement est imminent, les hommes sont comme prêts depuis toujours à se battre.

1. Textes possibles : – pour l’épopée : Homère, Iliade (p. 410 du manuel de l’élève) ;

– pour la tragédie : Eschyle, Agamemnon (p. 154-155 du manuel de l’élève). Les deux textes sont liés à la guerre de Troie : l’Iliade en est le grand chant tandis qu’Agamemnon d’Eschyle se déroule dix ans plus tard. Les deux textes sont liés à la guerre, à la vengeance et à la mort.

2. Les monologues sont marqués par une syntaxe particulière : les phrases sont courtes, parfois nominales (exemple : « En armes », p. 21 de l’édition « Le Livre de poche »). Les phrases ou les expressions les plus importantes sont répétées (exemple, p. 21 : « Je suis le roi Tsongor », trois fois repris). Comme dans l’épopée antique, les mots qui doivent frapper le lecteur sont mis en exergue dans les paroles du personnage. 3. Provoquer la terreur et la pitié, tel est le but de la tragédie selon Aristote dans sa Poétique. Or, le lecteur est bien horrifié par la destruction en chaîne des membres d’une même famille et il compatit au sort des personnages qui se trouvent prisonniers d’un mécanisme qui les dépasse et que, pour partie, ils n’ont pas souhaité. Ils se trouvent pris au piège du destin : alors que le roi Tsongor avait pensé apaiser les tensions par sa mort, il n’en est rien et la guerre est déclarée. 5 La Mort du roi Tsongor |

Litterature.indb 79

79

06/09/11 11:52

VERS LE BAC Dissertation Il est possible d’envisager la question de deux points de vue : 1) Du point de vue de l’écriture a) La vengeance génère des tensions entre les personnages et construit une intrigue b) Elle permet des affrontements épiques c) Elle exacerbe les passions humaines 2) Du point de vue de la lecture a) La vengeance crée une lecture fondée sur le suspense b) Elle incite le lecteur à choisir un parti entre les différents clans et personnages c) Elle participe de la catharsis : le lecteur éprouve la terreur et la pitié (cf. réponse à la question 1) Prolongement / Activités complémentaires La lecture du roman peut s’appuyer sur les acquis des élèves, notamment l’étude de la tragédie en classe de seconde. Une lecture préalable ou une réactivation par le biais du passage d’un extrait d’une captation peuvent aussi aider à la contextualisation ou à la préparation de l’analyse.

¤) EXTRAIT 1 Une Antiquité imaginaire

 p. ·‡

Objectifs : – Étude de l’incipit : mise en place de l’intrigue et du contexte spatio-temporel. – Présentation d’un univers antique. La présentation du jour qui commence annonce son caractère extraordinaire. Les deux premiers paragraphes s’opposent : « d’ordinaire » (l. 1) versus « ce matin-là » (deux fois l. 7) ; « premier à se lever » (l. 1) versus « il n’y avait pas eu de nuit » (l. 12) ; « les couloirs vides » (l. 2) versus « une agitation fiévreuse régnait dans les couloirs » (l. 7-8) ; « sans croiser personne » (l. 4) versus « des dizaines et des dizaines d’ouvriers et de porteurs » (l. 8). On comprend donc que le déroulement normal de la journée est bouleversé et qu’un grand événement se prépare. Celui-ci est annoncé à la fin du dernier paragraphe : il s’agit des « noces de Samilia, la fille du roi Tsongor » (l. 25-26).

La liesse que suscitent les noces de Samilia s’exprime par le caractère hyperbolique du texte : – pour qualifier l’activité humaine, « une agitation fiévreuse » (l. 7), « une activité de fourmis » (l. 14) ou encore la phrase « Massaba vivait à un rythme qu’elle n’avait jamais connu » (l. 19-20) ; – pour caractériser la foule qui s’affaire (le verbe est employé l. 11) : « des dizaines et des dizaines d’ouvriers » (l. 8), « des caravanes entières » (l. 15), « des milliers de tentes » (l. 20-21) ; – les fournitures et les présents : « des caravanes entières venaient des contrées les plus éloignées pour apporter épices, bétail et tissus » (l. 15-16), « des sacs innombrables de fleurs » (l. 19). Le décor antique est posé dès l’incipit : – par l’onomastique : le choix des noms a une consonance très marquée, à la fois antique mais aussi plus simplement africaine : Katabolonga, Massaba, Tsongor, Samilia ; – par l’espace qui évoque l’Orient : le palais, le tabouret d’or, les terres de sel ; – les éléments qui renvoient au désert : les caravanes, les tentes, le sable, les nomades. De la même façon, la planche de Druillet présente un univers dans la démesure, mêlant l’infiniment grand et l’infiniment petit. Le texte de Le Clézio et cet extrait ont pour point commun le désert, mais ils diffèrent : La Mort du roi Tsongor présente néanmoins un espace urbain avec le palais. Tous deux présentent des hommes en marche, prêts à venir de loin, à travers le désert au sens propre du terme. Les valeurs qui sous-tendent la conception du monde par les auteurs semblent converger : les deux textes célèbrent la vie, son apprentissage jusqu’à la mort pour Désert, les noces et le renouveau pour Tsongor. Prolongement Une lecture de l’incipit de Salammbô de Flaubert pourrait être menée. Elle permettrait de comparer la façon dont les auteurs mettent en scène des mondes antiques imaginaires autour d’événements : noces pour Gaudé, festin pour Flaubert.


Litterature.indb 80

06/09/11 11:52

‹) EXTRAIT 2 La mort d’un roi

 p. ·°

Objectifs : – Comprendre comment l’auteur met en scène la mort du roi Tsongor. – Le dilemme de Katabolonga. – Le registre tragique. La scène est paradoxale : il s’agit de la mort de Tsongor, qui « s’entaill[e] les veines » (l. 4) et qui reçoit un coup ultime par Katabolonga (l. 22 et suivantes). Mais la violence de ce geste contraste singulièrement avec la voix du personnage, « Calme et douce » (l. 6), « douce » (l. 21). Pourtant, les détails du suicide ne sont pas épargnés au lecteur : le sang coule (l. 5, 7-8, 10, 20-21, 26-27), l’arme est omniprésente et les gestes des personnages, ceux de Tsongor, puis ceux de Katabolonga, sont détaillés. Mais ce que disent les personnages et le lien qui les unit changent considérablement le regard du lecteur sur la scène. Katabolonga est d’abord désemparé : il ne parvient pas à répondre à la demande de Tsongor. Il est médusé : « Il se tenait là, les bras ballants, incapable de rien faire » (l. 1-2). Il est ensuite spectateur du suicide de Tsongor (l. 3-22). Katabolonga est en plein dilemme : à cause d’un serment ancien, il doit tuer Tsongor. Mais les liens qui les unissent sont trop forts. Dans cette scène, c’est Tsongor qui le lui demande mais Katabolonga ne peut pas. Il faut que Tsongor se fasse violence pour que Katabolonga, in fine, accepte d’abréger les souffrances de son ami (l. 23-24). Les « voix lointaines » qui rient à la fin du texte incarnent le dilemme, la dualité de Katabolonga, pris entre le guerrier qu’il fut et le serviteur fidèle qu’il est. Ce passage est tragique parce que Katabolonga est impuissant : Tsongor a choisi de mourir et il n’a pas d’autre choix que de l’y aider. Katabolonga est à la fois victime (il ne choisit pas son geste) et finalement coupable car c’est lui qui achève le roi Tsongor. Ce dernier participe aussi du tragique de la scène : il se pose en victime expiatoire et espère que par sa mort la menace de la guerre disparaîtra. La suite du roman prouvera assez rapidement qu’il n’en sera rien.

La mort d’un personnage n’est pas un élément anodin dans la trame romanesque ou littéraire, en particulier lorsque tous les détails de l’agonie sont livrés au lecteur. Dans le cas des textes d’Eschyle, de Giono et de Gaudé, ce sont des morts violentes qui sont évoquées : la description est sanglante, donc frappante et bouleversante. Le lecteur ne sortira pas indemne de ces passages, autant parce qu’il a pu s’attacher au personnage que parce que sa mort remet en question l’histoire et l’intrigue du texte. Prolongement Cette scène pourra être travaillée en lien avec le corpus théâtral consacré à la mort des héros sur scène (manuel de l’élève p. 154-164).

›) EXTRAIT 3 Le souffle épique

 p. ··

Objectif : Analyser le registre épique dans une scène d’affrontement guerrier. Parmi les procédés propres au registre épique, on pourra relever : – le champ lexical de la bataille, notamment les indications sonores du premier paragraphe : « les cris », « les hurlements », « les appels », « les insultes », « le cliquetis » ; – l’expression de la rage et de la fureur (champ lexical et comparaison avec un démon, l. 18) ; – l’amplification épique, notamment l’affrontement entre Liboko, seul, et les Cendrés, ensemble collectif indéterminé (l. 18-23). La prise de la porte est symbolique : elle représente à elle seule toute la ville. Si elle cède, c’est tout le dispositif de défense qui est mis à mal. Liboko est un personnage tragique mais pas seulement parce qu’il meurt dans le passage. Il l’est également parce qu’il est à la fois victime et coupable (comme d’autres personnages tragiques) : en effet, il n’est pas seulement celui qui est tué par Orios, il a lui aussi pris part à l’affrontement et a choisi son camp. Mais son sort est encore plus tragique parce qu’il est resté humain jusqu’au bout. Alors qu’il reconnaît Sango Kerim, il ne peut se résoudre à le tuer (l. 26-27). Malgré la haine qui anime les deux camps, Liboko reste profondément attaché à son ami. Cela lui coûte la vie. 5 La Mort du roi Tsongor |

Litterature.indb 81

81

06/09/11 11:52

Gaudé a emprunté pour ce passage les ressorts des scènes de bataille des récits antiques. Dans les deux extraits, il s’agit de corps à corps qui se terminent dans le sang. Rien n’est épargné au lecteur des coups et de la souffrance physique et morale des héros.

∞) Les sources littéraires de l’œuvre

 p. ⁄‚‚

Objectif : Approfondir la filiation entre La Mort du roi Tsongor et l’épopée antique.

1. Le texte extrait de l’Iliade oppose ses deux personnages-clés : Hector et Achille. Le registre épique du passage est très net : – par la scène de combat et de mise à mort, – la dénomination épique des personnages : « divin » tous les deux, « ardent » en sus pour Hector, – la mise en scène des armes et postures quasifantastique des hommes. 2. Les deux textes étendent de la même façon le combat pour instaurer un suspens. Pour sa part, Laurent Gaudé développe le récit du combat entre Liboko et les Cendrés et recule d’autant le combat au corps à corps. Chez Homère, c’est la description même des personnages qui prépare et retarde le coup fatal. Dans les deux cas, on retrouve un souffle identique : l’affrontement et la mort de l’un des deux combattants sont portés par l’écriture.

2. Le personnage de Souba est à part dans le roman. Tout d’abord, il s’agit du plus jeune des enfants. Mais surtout, il est éloigné du théâtre des opérations car il doit répondre à une demande de son père : construire sept tombeaux. Il effectue un très long périple qui prend la forme d’un voyage initiatique. Au terme de son voyage et à la lecture de l’explicit, on comprend surtout qu’il a été épargné et qu’il peut reconstruire tout à la fois le palais détruit, mais aussi la dynastie familiale.

VERS LE BAC Invention L’enjeu de ce travail d’écriture est de souligner plusieurs points de convergence entre le roman ou récit épique et le cinéma. On pourra développer plusieurs arguments en s’appuyant sur des extraits précis : – l’image cinématographique va pouvoir traduire et amplifier l’Antiquité imaginée par Gaudé ; – le grand écran est le média le mieux à même de rendre les scènes de combat (jeux par les points de vue de la caméra) ; – le cinéma peut mettre en image efficacement les déchirements tragiques des personnages (Samilia notamment, mais aussi Katabolonga). Prolongement L’étude d’extraits de Troie de Wolfgang Petersen (2004, photogramme dans le livre de l’élève p. 410) pourra prolonger cette réflexion sur l’adaptation cinématographique de l’épopée.

‡) Fiche de lecture ⁄ : Récit des origines §) La réception de l’œuvre

 p. ⁄‚‚

Objectif : S’intéresser au point de vue d’un metteur en scène, adaptateur du texte, qui présente un point de vue critique.

1. Le metteur en scène s’intéresse à des éléments-clés de la construction romanesque : l’histoire, la narration, la langue et les personnages (premier paragraphe). Les substantifs et les adjectifs utilisés (« force », « clarté », « puissance », « inaltéré ») soulignent la qualité du roman de Laurent Gaudé.

 p. ⁄‚⁄

Une Antiquité recréée 1. Laurent Gaudé construit une Antiquité imaginaire à partir de références réelles et légendaires. Il mélange ensemble le mythe (Priam, Hécube et la guerre de Troie) et les lieux réels (Palmyre, Athènes), des personnages historiques (Nabuchodonosor) avec ce qui relève de la légende (Babylone, ville antique aujourd’hui en ruines). La légende est aussi présente grâce « aux conteurs bambara » qui racontent des histoires transmises oralement de conteur en conteur.

2. David Roberts représente une Antiquité synonyme de grandeur. La toile nous laisse découvrir


Litterature.indb 82

06/09/11 11:52

une architecture des plus imposantes, qui rivalise avec les pyramides de l’arrière-plan. Les personnages, en masse, ne se laissent pas individualiser. Ce sont de minuscules fourmis au cœur du tableau. Le thème de l’exode renvoie à la tragédie. Conflit des origines 3. Tsongor reprend le schéma de la guerre de Troie : « On a une ville, on a un roi, on a une fille et deux prétendants, et ensuite une guerre qui se déclenche. » (interview de Laurent Gaudé dans le DVD joint au manuel). Les élèves pourront rapprocher Samilia d’Hélène de Troie, Sango Karim étant celui qu’elle aime, il peut être assimilé à Pâris, tandis que Ménélas trouve certains échos dans le personnage de Kouame, prince des terres de sel qui tient sa légitimité de Tsongor.

4. À la mort d’Œdipe, Antigone, Polynice et Étéocle subissent un destin lié à l’inceste originel dont ils sont issus. Polynice et Étéocle devaient régner alternativement sur Thèbes. Étéocle prend la première année, mais se refuse à laisser sa place à son terme. Une guerre sans merci commence. Antigone souffre elle aussi de ses origines et a dû errer avec son père jusqu’à sa mort. Les combats fratricides s’inscrivent aussi dans le mythe biblique d’Abel et Caïn, fils d’Adam et Ève dans La Bible. Ces récits marquent l’autodestruction et relèvent du tragique le plus fort si on le définit comme une violence fait au cœur des alliances les plus marquées (la filiation, la fratrie étant les plus fortes). La guerre et ses raisons 5. Tous les deux ont des raisons différentes : – Kouame a obtenu la main de Samilia par son père Tsongor. – Sango Kerim a le serment de Samilia enfant de lui rester fidèle.

6. Tsongor est avant tout un guerrier sanguinaire. Il a conquis ses territoires en réponse au mépris d’un père qui le déshérita. 7. Le roi Tsongor a choisi de se donner la mort, et pour partie de l’obtenir aussi de son fidèle Katabolonga, pensant que ce deuil retarderait l’affrontement des deux prétendants. Mais, en réalité, le texte ne laisse pas de suspens : la guerre est inévitable tant chacun est décidé et sûr de son bon droit. Comme les enfants

d’Œdipe, ceux de Tsongor paient les crimes paternels.

8. Pour Priam, l’homme est avant tout un guerrier et la justification de sa vie se trouve les armes à la main. La phrase qui termine l’extrait pourrait sembler paradoxale, mais elle montre au contraire que la guerre est un bon moyen pour que l’homme se détourne de sa condition de mortel. 9. La guerre est au cœur du roman de Laurent Gaudé La Mort du roi Tsongor. On sait que le roi a été un guerrier sanguinaire, qu’il a conquis son territoire en balayant tout sur son passage. On constate dans le roman que les jeunes hommes existent par la guerre. On peut donc dire que les hommes existent eux aussi dans l’affrontement et dans les tensions. Prolongement On pourra proposer en prolongement aux élèves la lecture de La Guerre de Troie n’aura pas lieu de Jean Giraudoux. Une comparaison entre les deux œuvres serait fructueuse pour évaluer les emprunts de Gaudé, mais aussi pour discuter du potentiel littéraire de l’affrontement entre deux hommes pour une même femme.

°) Fiche de lecture ¤ : Des destins tragiques

 p. ⁄‚¤

Les « sept visages du roi Tsongor » 1. En mourant, Tsongor pense éviter la guerre à sa famille. Mais il honore également dans ce geste le serment qu’il a fait à Katabolonga qui peut disposer librement de sa vie.

2. Avant de mourir, Tsongor demande au dernier de ses fils, Souba, de lui construire sept tombeaux (p. 43 de l’édition Le Livre de poche) qui rendront compte des différents visages du personnage (p. 143) : 1. le premier dans la ville que Tsongor aimait, Saramine (p. 132), tombeau de « Tsongor le glorieux » (p. 143), 2. un tombeau pour Tsongor le bâtisseur (p. 144), 3. une île cimetière pour Tsongor l’explorateur (p. 144), 4. un tombeau pour Tsongor le guerrier (p. 144), 5 La Mort du roi Tsongor |

Litterature.indb 83

83

06/09/11 11:52

5. un tombeau pour Tsongor le père (p. 144), 6. un tombeau maudit pour Tsongor le tueur (p. 168), 7. un lieu à l’échelle de son père : les montagnes (p. 206).

3. Au terme de sa quête, Souba a mis au jour les différents visages de son père et a découvert l’étendue du royaume. Selon les mots de l’oracle, il est devenu un vrai « Tsongor ». Cette tâche menée par le fils est une marque de reconnaissance de tout ce qu’a fait le père, tant en Bien qu’en Mal. D’une certaine façon, cela rachète ses crimes. 4. Katabolonga est la mémoire de Tsongor, le tueur et le guerrier. Il est le gardien d’un secret qui scelle leur destin. Sa présence lui rappelle leur serment et son passé. La force du destin 5. Le personnage est partagé entre deux hommes, Sango Kerim et Kouame, mais aussi entre deux pulsions contradictoires : obéir à son devoir et donc à son père, ou à son désir. Elle résout ce dilemme en déclarant être « aux deux », c’est son destin tragique contre lequel elle ne peut rien, comme une héroïne tragique. Mais cela ne satisfait personne et elle n’est finalement qu’ « une femme de guerre ».

6. D’une certaine façon, Samilia est comme Phèdre, un autre personnage tragique, condamnée à être la proie de pulsions contradictoires. Phèdre, quant à elle, était partagée entre son désir pour son beau-fils et son mariage. 7. Samilia est victime dans le sens où elle ne peut choisir l’homme qu’elle aime. Mais elle est aussi coupable parce qu’elle s’est engagée sans l’accord de son père auprès de Sango Kerim. Elle est donc partagée entre le sens du devoir et le désir amoureux.

L’humaine condition 8. Les personnages sont responsables dans la mesure où aucun ne fait de concession à ses propres pulsions : ni les deux jeunes hommes, ni la jeune femme qui se dit appartenir aux deux hommes, même si elle choisit de suivre Sango Kerim, « par fidélité » (extrait cité p. 102 du livre de l’élève). Tsongor est victime de son serment et d’une forme de destin qui le rattrape et lui fait payer ses crimes. Katabolonga est lui aussi prisonnier d’un serment qu’il ne veut pas honorer et que Tsongor l’oblige à respecter.

9. Katabolonga a la grandeur des anciens guerriers : il garde la mémoire de sa force et les valeurs chevaleresques chevillées au corps. Mais son destin est lui aussi tragique : il doit se rendre coupable du meurtre de son ami malgré lui. 10. Voir question 4 p. 101 (manuel de l’élève) pour l’opposition des jumeaux. 11. La grandeur épique seule peut être intéressante. Mais le roman n’est pas l’épopée, il n’a pas pour vocation de chanter un peuple, une nation et d’exalter les exploits guerriers. Au contraire, le roman permet d’entrer dans la psychologie d’un personnage, d’en sonder la grandeur et la petitesse, d’en mettre au jour les contradictions.

VERS LE BAC Invention 12. Le portrait devra accorder un physique particulier et une force morale. On sera attentif à ne pas séparer les deux éléments et, au contraire, à les mettre en écho de façon constante.

Oral (entretien) 13. On pourra développer deux pistes lors de l’entretien : – l’intérêt des descriptions ; – la narration des exploits guerriers.


Litterature.indb 84

06/09/11 11:52

Vers le bac : « Le récit poétique » Livre de l’élève  p. ⁄‚‹ à ⁄‚§ Objectifs : Le corpus vise à mettre en valeur une orientation de l’écriture romanesque : le récit poétique. Même si cette dimension peut être présente dans des fictions antérieures au XVIIIe siècle (par exemple, les romans de chevalerie qui sont des poèmes), la fusion entre le lyrisme et le roman ne devient manifeste qu’avec La Nouvelle Héloïse de Rousseau et culmine dans les romans romantiques (en particulier, René de Chateaubriand). Le récit poétique permet de s’interroger sur : – la place de la description dans le roman lorsqu’elle tend à se substituer au récit lui-même ; – une approche poétique du monde pour tenter d’en élucider le sens et le mystère par l’acte de la « vision » ; – la prédominance de la dimension spatiale et géographique sur celle du temps, conduisant à se saisir de territoires (espaces cimmériens chez Hugo, mystère de l’île de Guérande chez Gracq, mais aussi terres sauvages et sacrées du Cotentin chez Barbey d’Aurevilly). On pourra se reporter à l’étude de Jean-Yves Tadié, Le Récit poétique, « Tel », Gallimard (1994).

QUESTIONS SUR UN CORPUS 1. La personnification et la métaphore sont les figures de style qui dominent l’écriture de ces extraits. Dans le texte de Victor Hugo, la description du navire « arraché aux vagues » (l. 9) suggère l’action destructrice de l’océan. Tout un réseau de métaphores s’organise autour de cette idée : « déraciné » (l. 9), « tordu » (l. 10), « cassé comme une latte » (l. 12). La personnification des éléments naturels devient très explicite avec la formule : « pris en sens inverse par les deux mains de la tempête » (l. 11-12). Le champ sémantique du coup (« assené », « enfoncer ce

coin » l. 15) culmine avec l’image de la massue : « l’ouragan s’était fait massue » (l. 16). Par sa représentation négative de l’océan, ce passage traduit la hantise hugolienne de l’eau (exil, mort de Léopoldine, monde des profondeurs maléfiques…). Chez Michel Tournier, la personnification de l’île révèle sa dimension voluptueuse et sensuelle. L’extrait se structure à partir du dialogue et du rapport qui s’instaurent entre le héros, Robinson, et cette terre qui le réchauffe et l’émeut (l. 13), qui l’enveloppe (l. 14), qui lui répond (l. 18). De la qualification (« la présence presque charnelle de l’île » l. 12-13), le narrateur passe à l’évocation de « ce grand corps tellurique » qu’étreint Robinson (l. 15). La personnification apparaît également dans la description de la forêt « qui cherche à regagner son terrain en s’agrippant aux franges les moins surveillées » (l. 16-17) dans le texte de Julien Gracq. Les termes signalent une vie mystérieuse de la nature : « se massant », « se couvrant », « patrouillant », « levant la tête » (l. 17-19). L’emploi de métaphores assimile paysage et organisme vivant : « ciel qui caille » (l. 21) ou qui a « secrété […] une pellicule mate et encore translucide » (l. 26-27), « voile laiteux » (l. 30), bois qui se soudent « par caillots plus denses et plus serrés » (l. 24-25), frange de jour qui semble « brûler » (l. 34). Le paysage se structure autour de trois pôles symboliques (la forêt, le ciel, la mer) et des éléments primordiaux (feu, air, eau ou liquide). Cette description est volontairement énigmatique. Le dessin de Victor Hugo transforme la vague en une rafale qui chahute le navire, en une puissance qui représente le destin ou la fatalité à l’œuvre.

2. La description poétique qui procède à partir du point de vue du personnage (focalisation interne) traduit : – une interrogation sur la puissance du Mal dans l’extrait des Travailleurs de la mer. Ainsi la description tourne-t-elle à la fascination du démembrement et de la dislocation de La Durande qui symbolisait la conquête technique par les Vers le bac |

Litterature.indb 85

85

06/09/11 11:52

hommes à laquelle s’oppose l’infini inquiétant et négatif de l’océan. – les retrouvailles entre l’homme et la nature sur le mode d’une sensualité primitive, originelle, parfois monstrueuse, excédant les normes morales : la relation entre Robinson et l’île (extrait 2) est assimilée à un dialogue et une étreinte amoureuse. – la confrontation au mystère du monde : le paysage de la presqu’île (extrait 3), entre terre et ciel, forêt et mer, conduit Simon à en percevoir l’étrangeté, le brouillage des frontières, l’irruption d’une dimension « autre », peut-être sacrée : « Simon n’était plus qu’un guetteur aux yeux tendus, essayant de déchiffrer dans ce paysage qui muait les signes qui allaient dénoncer l’approche de la côte » (l. 31-33). Le romancier insiste sur l’opacité des signes et la difficulté pour les interpréter (« une tension sourde », « on devinait » l. 22-23). In fine, par-delà l’écriture poétique et ses spécificités (personnification et métaphores, voir question 1), les textes de Hugo et de Gracq évoquent la nature comme le lieu d’une révélation : dominé par le paysage, le personnage accède à une vérité, encore formulable chez l’auteur romantique (manifestation des forces du mal et métaphysique claire qui repose sur un manichéisme, la lutte entre le Bien et le Mal), plus indicible chez le romancier moderne (figure de l’attente et d’une révélation à venir, toujours en suspens). L’extrait de Vendredi ou les limbes du Pacifique suggère une relation clairement érotique qui s’avère une découverte du corps, de la nature du désir et de ses formes.

TRAVAUX D’ÉCRITURE Commentaire Le commentaire de cet extrait pourra mettre en valeur comment l’on passe d’une description référentielle (découverte du désastre) à l’élaboration d’une vision poétique. 1) Une description saisissante L’analyse de cette dimension éclairera : a) La structure du texte : arrivée du personnage (l. 1-2) et mise en place du point de vue (l. 3-4, « parvint sous la Durande, leva les yeux et la considéra »). Le premier mouvement du passage, interrompu par la coupe, correspond à la description du vaisseau dans les airs. Celle-ci prête au récit du désastre via des détails dans un second

temps (l. 9-17). Puis la contemplation du navire dépecé et en pièces. b) L’objet même de ce tableau (un navire suspendu à des écueils) qui joue sur la surprise, le renversement de la logique, la dimension paradoxale et énigmatique de cette situation : « saisie », « suspendue » (l. 5), « arraché aux vagues » (l. 9), « déraciné de l’eau par l’ouragan » (l. 10), « retenu » (l. 11). La description joue sur l’inversion des perspectives, que traduit l’image : « La quille faisait plafond au-dessus de sa tête » (l. 25-26). c) La violence des faits, qui prête à l’expressivité outrée de la description : le champ sémantique du combat (« arraché », « déraciné », « tordu », « cassé », « chassé », « assené », « disloqué », « défoncée », « délabrées ») met en valeur le conflit qui a opposé la nature et la machine. Énumération, hyperboles et gradations abondent : ainsi, aux lignes 23-24, « haillons », « tronçons », « débris ». Le poète romancier joue également sur le contraste entre le chaos décrit au quatrième paragraphe et la tranquillité souveraine des éléments (l. 27-28). d) Le gigantisme : « la cale défoncée avait vidé dans la mer les bœufs noyés » (l. 18). 2) Le débordement visionnaire et le poème Dans cette partie, on insistera sur : a) La lecture symbolique du tableau : l’océan est assimilé à une puissance maléfique (voir questions 1 et 2). Exploitation possible du document iconographique. b) La dimension visuelle des choix de mise en page : la fragmentation même du texte en paragraphes courts évoque le thème de la dislocation. L’écriture poétique mime le démembrement du navire en privilégiant le retour à la ligne. La mise en page permet de voir le mouvement de crescendo (de la l. 1 à 17, volume de plus en plus important des paragraphes) puis de decrescendo (phrases plus brèves à partir de la ligne 18). Les énoncés qui se détachent de la page apparaissent comme des vers libres et irréguliers, mettant en valeur des jeux de rythme (l. 25-26 : première phrase 6 / 6 / 3 puis pour la seconde 7 / 6) et de sonorités (par exemple ligne 18 : « La cale défoncée / avait vidé / dans la mer / les bœufs noyés »). Par son unité et sa structure cyclique (découverte du navire, puis évocation de la tempête, retour à la vision du navire suspendu à l’écueil), le texte pourrait s’apparenter à un poème en prose.


Litterature.indb 86

06/09/11 11:52

c) L’importance des blancs qui traduisent l’effroi face à l’énormité du désastre et de la violence quasi-sadique qu’elle révèle. Le mutisme du personnage est significatif. Sur un plan esthétique, la description s’inscrit dans la catégorie du sublime négatif qui mêle fascination, sidération et horreur, et qui a pour fonction de placer le lecteur au bord de l’insondable (l’agressivité, le Mal). Le silence que les blancs matérialisent sur la page devient aussi important que le texte lui-même.

Dissertation L’objet de la délibération littéraire porte sur la vision poétique du monde qu’un personnage de roman peut proposer. 1) La vision poétique peut traduire les rapports entre le personnage et le monde qui l’entoure a) Rapport à la nature : dans René de Chateaubriand, et de façon plus large dans les récits d’inspiration romantique, la nature devient un refuge. Les paysages reflètent des états d’âme ou deviennent les supports de l’expression de sentiment (révolte, ennui, enthousiasme). On trouve chez Camus (La Peste) des pages lyriques qui traduisent l’unité retrouvée entre le héros et le monde méditerranéen. De même, les fictions de Giono proposent une célébration poétique de la nature (Le Chant du monde). b) Rapport à l’Histoire : la description poétique dote le roman d’un souffle épique dans le récit de l’Histoire. Par exemple, la description de Waterloo dans Les Misérables. c) Rapport à la société : dans Germinal, la mine est perçue par Étienne Lantier comme un monstre dévorateur des hommes. Cette représentation subjective, clairement inscrite dans des mythes (ogre, monde souterrain) marque la descente aux Enfers et offre une vision dantesque de la mine. 2) Cette vision poétique, lorsqu’elle se confond avec une représentation trop idéalisée du monde, pose indéniablement problème. Elle nuit à la dimension réaliste et objective, attendue dans un roman. a) Lieux utopiques (Le Forez dans L’Astrée d’Honoré d’Urfé, la Bétique dans Les Aventures de Télémaque de Fénelon, Clarens dans La Nouvelle Héloïse de Rousseau) paraissent artificiels. D’ailleurs, Voltaire se moque de ces lieux imaginaires dans Candide (L’Eldorado).

b) Idéalisation de l’amour : dès Don Quichotte, le roman repose sur la confrontation même entre idéal et réalité. Dans Madame Bovary, Flaubert peint un personnage féminin qui tente de fuir les déceptions du réel en se réfugiant dans un imaginaire sentimental niais, et qui devient victime de ses amants (Léon, Rodolphe). 3) L’intérêt pour le réel dans le roman permet de renouveler la vision poétique du monde. Il autorise : a) Un regard nouveau sur les objets. Zola tente de centrer la description poétique sur des objets non poétiques, empruntés au monde prosaïque : par exemple, les machines (La Bête humaine), ou la nourriture (Le Ventre de Paris). Un objet peut acquérir une existence égale, voire supérieure à celle d’un personnage (le magasin dans Au Bonheur des dames). b) Un rapport inédit à l’espace : par exemple, l’île dans Vendredi ou les limbes du Pacifique (extrait 3). Le personnage est resitué dans les dimensions d’un monde qui le dépasse : la lumière contre les ténèbres, l’espace infini (Hugo, Les Travailleurs de la mer). c) Le dévoilement d’un monde insaisissable : le rêve, l’onirisme, les incursions dans le fantastique comme dans Le Château de Kafka, La Modification de Butor ou Nadja de Breton.

Écriture d’invention On veillera à ce que chacun des interlocuteurs développe un argumentaire permettant de nourrir l’échange et le débat : – Alors que B soutiendra que l’action est une absolue nécessité du roman, A pourra rétorquer que les descriptions poétiques ne sont pas gratuites et permettent d’exprimer l’intériorité des personnages, d’en enrichir le répertoire. – Alors que B présentera les descriptions poétiques comme une évasion hors du genre, A montrera que cette même vision poétique renouvelle notre regard sur le réel (voir dissertation). – Alors que B défendra l’exposition d’une action et d’une quête réalistes, A analysera comment une vision plus poétique du monde peut ouvrir sur des dimensions inconnues et mystérieuses et ainsi enrichir la notion même de quête et d’exploration. Le ton sera celui de la polémique.

Vers le bac |

Litterature.indb 87

87

06/09/11 11:52

Vers le bac : « Le personnage de roman au cœur de l’Histoire » Livre de l’élève  p. ⁄‚‡ à ⁄⁄‚ Objectifs : Le corpus propose des textes et un tableau du XIXe siècle qui renvoient à l’épopée napoléonienne. Dans les trois œuvres, il s’agit de la bataille de Waterloo, vue par Fabrice, le héros de La Chartreuse de Parme et de façon plus générale et surplombante chez Hugo et Andrieux. Le texte de Vigny, préface de Cinq-Mars qui romance un complot au temps de Louis XIII, met en perspective la mode contemporaine du roman historique. Le corpus se propose donc d’interroger les relations entre le roman et l’Histoire. Il s’agira, à travers la question sur un corpus et les différents travaux d’écriture : – de s’interroger sur les rapports qui lient le roman et le réel et sur la façon dont la fiction émerge de cette rencontre, – de comprendre comment un auteur peut créer un personnage et le relier à l’Histoire, – d’analyser les choix narratifs des romanciers et la façon dont le personnage s’inscrit dans l’Histoire et en rend compte, – de saisir les effets sur le lecteur. Pour prolonger la réflexion sur le roman historique, on pourra se reporter aux ouvrages de référence suivants : – Georges Luckas, Le Roman historique, 1965 (réédition Payot, 2000) – Gérard Gegembre, Le Roman historique, 2005 – Isabelle Durand-Le Guern, Le Roman historique, A. Colin, 2008 Pour l’épopée : – Daniel Madelénat, L’Épopée, Presses Universitaires de France, 1986

QUESTIONS SUR UN CORPUS 1. Les points de vue adoptés dans les deux récits de la bataille de Waterloo sont différents. Stendhal adopte un point de vue interne : il choisit de nous faire vivre l’épisode à travers les yeux de son personnage principal. Le narrateur est extérieur à l’histoire, hétérodiégétique, et le récit est à la troisième personne. Nous avons accès qu’à ce que voit Fabrice (l. 2 par exemple) et à ce qu’il « remarqu[e] » (l. 5) ou encore entend (l. 6). Nous avons aussi ses impressions (l. 8 et suivantes). Cela permet l’écriture d’un texte réaliste mais d’un réalisme subjectif puisqu’il passe par le regard d’un personnage en particulier. Hugo, en revanche, écrit son texte d’un point de vue omniscient. Le récit est effectué par un narrateur extérieur à l’Histoire, hétérodiégétique. La description et la narration semblent aller d’elles-mêmes et sont rédigées à la troisième personne, mais sans être centrées sur un personnage. Le narrateur se trouve sur position panoramique. Ligne 18, l’emploi du pronom indéfini « on » le pose en spectateur ébloui : « on vit un spectacle formidable ». Ce choix narratif permet à Hugo de développer un texte épique par la description de l’héroïsme de la cavalerie française. Andrieux, quant à lui, propose une vision de la bataille qui rejoint celle de Victor Hugo. La bataille est mise à distance, ce qui rend l’impression de foule, mais aussi paradoxalement la violence. Le peintre ne donne pas à voir de détails sanglants, mais un champ de bataille immense qui traduit la confusion et la rage des participants. 2. Dans la préface qu’il propose pour son roman historique Cinq-Mars, Vigny présente les apports du roman face à l’intérêt contemporain pour l’Histoire. Le roman répond à « l’amour du FABULEUX » (l. 25), il donne aux faits historiques « un enchaînement palpable et visible » (l. 29) qui lui fait défaut et une « conclusion morale » (l. 30). La « fable » (l. 45), c’est-à-dire


Litterature.indb 88

06/09/11 11:52

le roman, donne corps à l’Histoire en retrouvant le lien qui unit les faits et en mettant ceux-ci en perspective (à la place de Dieu, en quelque sorte, l. 32-33). Chacun à leur façon, les textes de Stendhal et de Hugo remplissent cette fonction. Stendhal permet de vivre de l’intérieur la bataille de Waterloo : le récit est fait du point de vue subjectif d’un jeune soldat maladroit, spectateur et naïf. Ce n’est pas une vision héroïque et historique des faits, mais cela pourrait être aussi une certaine vérité de l’événement historique. Hugo donne une vision tout à fait différente de la bataille : il choisit un point de vue omniscient et permet l’amplification épique. Il fait l’éloge de la cavalerie française qui va pourtant être défaite par l’ennemi. Il s’agit également d’un point de vue subjectif, non pas celui d’un personnage, mais celui de Victor Hugo qui choisit de mettre en avant la grandeur de la France dans l’adversité alors qu’objectivement Napoléon est sur la voie de la déroute.

TRAVAUX D’ÉCRITURE Commentaire Le commentaire du texte de Stendhal pourrait suivre le plan suivant : 1) La bataille de Waterloo a) La description de la bataille – une description sonore et visuelle – une description lapidaire et évasive b) Les participants – Fabrice et le Maréchal – les chevaux c) Une vision réaliste ? – une attention particulière aux détails qui crée un effet de réel – un manque plus global de précision 2) Fabrice, un héros-spectateur a) La fascination du personnage pour l’action en cours – choix narratifs : focalisation interne et point de vue subjectif b) Un héros qui passe à côté de l’action – Fabrice spectateur – intervention ironique du narrateur (l. 18) c) Un héros ? – les deux occurrences du terme dans le texte – un passage qui ne le condamne pourtant pas

Dissertation Le sujet de dissertation propose d’interroger les relations qui unissent roman et Histoire.

L’expression « dans quelle mesure » invite l’élève à évaluer la façon dont ils peuvent se « mêler ». Le plan suivant pourrait servir de fondement à la réflexion : 1) Dans une première partie, on pourrait montrer que le roman peut incarner une période historique et une société. a) Pour l’idéaliser : Madame de La Fayette, La Princesse de Clèves et la cour d’Henri II. b) Pour l’analyser : Zola, Les Rougon-Macquart, histoire naturelle et sociale d’une famille sous le second Empire. c) Ou plus généralement pour tirer parti de son potentiel romanesque : Vigny, Cinq-Mars. 2) Dans un deuxième temps, il est possible d’aller plus loin et d’approfondir les relations entre le roman et l’histoire. a) Le roman permet une connaissance du réel : le Paris du XIXe siècle dans les romans réalistes par exemple. b) Le roman est aussi un moyen de comprendre les mécanismes sociaux, voire de les dénoncer : Hugo, Les Misérables. c) Le roman permet de combler les lacunes de l’Histoire : voir la préface de Cinq-Mars dans le corpus et l’extrait des Misérables. 3) Mais la fiction a ses limites et les deux champs, roman et Histoire, restent bien distincts. a) La fonction du roman est de créer une fiction, le roman n’est pas un « document » : l’invention des personnages, d’un nouvel « état-civil » (Balzac) par le romancier. b) Le jeu sur les points de vue romanesques crée forcément un point de vue subjectif : la vision de la bataille de Waterloo par Fabrice ne peut être prise pour un document historique, pour une « chronique » (voir note page 107 du manuel de l’élève pour la définition du genre). c) Mais les deux genres restent voisins : l’Histoire inspire le roman et le roman peut combler les « angles morts » de l’Histoire. D’où le succès intemporel du roman historique.

Écriture d’invention L’analyse des mots-clés du sujet doit permettre de cerner au mieux les attentes : – un dialogue entre deux personnages : la forme et la situation d’énonciation sont clairement indiquées, il s’agit d’un dialogue. L’échange doit être fluide et motivé. Vers le bac |

Litterature.indb 89

89

06/09/11 11:52

– la bataille de Waterloo : cette indication impose le cadre spatio-temporel du dialogue. Au-delà, l’élève doit surtout effectuer une analyse fine des textes pour se projeter dans ce cadre et éviter tout anachronisme. – deux points de vue opposés sur la guerre : exalter versus dénoncer l’horreur. Il est nécessaire de construire un argumentaire. Il serait inapproprié de faire l’éloge sanguinaire de la guerre et de lui opposer une naïve pensée pacifique. Au contraire, en s’appuyant sur les textes de

Stendhal et d’Hugo, on peut développer deux thèses que l’on opposera : Thèse A : la guerre amène tout homme à se dépasser, à faire preuve d’une bravoure qui l’honore dans l’adversité, à l’image de la France qui va pourtant connaître la déroute à Waterloo. Thèse B : pourtant, les morts signent l’échec de l’entreprise de Bonaparte. Face à l’horreur et à la vanité de la guerre, l’Homme pourrait se grandir en acceptant la défaite.


Litterature.indb 90

06/09/11 11:52

Chapitre

2

Le texte théâtral et sa représentation, du XVIIe siècle à nos jours Livre de l’élève  p. ⁄⁄¤ à ⁄··

Présentation du chapitre  p. ⁄⁄¤ Objectifs Faire découvrir des œuvres théâtrales qui renouvellent les formes classiques. Sensibiliser les élèves à l’art de la mise en scène. Faire percevoir les interactions entre texte et représentation. Comparer des mises en scène. Analyser les fonctions et significations du théâtre antique, ses conditions de représentation, sa dimension religieuse et civique. Dans sa progression, le chapitre montre l’évolution des formes théâtrales de l’Antiquité à nos jours : la comédie est abordée à travers des scènes de mensonge ou de travestissement, puis étudiée dans sa dimension critique. C’est la notion de héros qui permet de découvrir l’univers de la tragédie et de montrer l’évolution, voire la dégradation du personnage dans le théâtre contemporain. Pour chaque texte, des images de mises en scène viennent à l’appui de l’interprétation du texte. Enfin, l’analyse de l’espace théâtral antique permet de comprendre les enjeux d’une scénographie moderne.

Organisation Séquence 6 : La variété du comique est analysée d’abord dans des scènes où la théâtralité et la double énonciation sont exhibées : scènes où

des personnages jouent des rôles, mentent pour mieux manipuler leurs partenaires, sous le regard complice du spectateur. Ce premier corpus va de l’Antiquité au théâtre de boulevard. Le deuxième corpus s’interroge sur la fonction satirique de la comédie. En fin de séquence est posée la question de la nécessité et des fonctions de la représentation. Un drame romantique, Lorenzaccio, fait l’objet d’un « parcours de lecteur « (Séquence 7) : pour comprendre l’originalité radicale de ce genre théâtral, nous analysons la figure du héros romantique, ainsi que le rapport au lieu et à l’histoire. La modernité de l’œuvre est soulignée par les comparaisons de mises en scène. Séquence 8 : Deux corpus montrent l’évolution de la notion de personnage tragique, depuis les modèles de héros proposés par le théâtre grec jusqu’aux figures ordinaires du théâtre de l’absurde. Nous analysons l’évolution de l’écriture théâtrale et du registre tragique chez des auteurs contemporains. Est également posé le problème d’un espace et d’un jeu tragique modernes. Séquence 9 (Histoire des Arts) : Le théâtre antique est abordé à travers la notion d’espace : conditions de représentation du théâtre grec, fonctions rituelles de l’espace, transpositions et interprétations modernes. Vers le bac : Deux corpus sont proposés, l’un axé sur l’écriture théâtrale, montre l’évolution du monologue dans le théâtre contemporain, l’autre axé sur le rapport du texte à la scène étudie la fonction d’un accessoire comme la lettre. | 91

Litterature.indb 91

06/09/11 11:52

Pistes d’étude de l’image Le héros de Mouawad, auteur québécois d’origine libanaise, décide de s’enfermer dans les toilettes pour protester contre l’invasion de son appartement. L’image suggère le ridicule de la situation : un groupe de personnages joyeux avec des ballons, des tenues colorées, des expressions enthousiastes s’oppose au héros solitaire accroupi seul devant son gâteau d’anniversaire, avec une mine d’enfant désemparé. Les personnages de Mouawad, sont toujours en quête d’eux-mêmes, à la fois pathétiques et risibles. On peut remarquer une scénographie minimaliste, sol nu et panneau noir sur roulette pour structurer l’espace. L’espace moderne est le plus souvent symbolique.

Bibliographie – CORVIN Michel, Dictionnaire encyclopédique du théâtre à travers le monde, Bordas, 2008 – DAVID Martine, Le Théâtre, Belin, 1995

– RYNGAERT Jean-Pierre et SERMON Julie, Le Personnage théâtral contemporain : décomposition, recomposition, Éditions Théâtrales, 2006 – SARRAZAC Jean-Pierre (sous la direction de), Lexique du drame moderne et contemporain, Circé Poche, 2005 – Le Théâtre français du XVIIe siècle, L’Avant-Scène théâtre, Sceren, 2009 – Le Théâtre français du XVIIIe siècle, L’Avant-Scène théâtre, Sceren, 2010 – Le Théâtre français du XIXe siècle, L’Avant-Scène théâtre, Sceren, 2010 – Le Théâtre français du XXe siècle, L’Avant-Scène théâtre, Sceren, 2011 – UBERSFELD Anne, L’École du spectateur, Éditions sociales, 1991 – VASSEUR-LEGANGNEUX Patricia, Les Tragédies grecques sur la scène moderne, P.U. du Septentrion, 2004 Ressources en lignes : – www.cndp.fr/antigone – http://crdp.ac-paris.fr/piece-demontee/

92 | Le texte théâtral et sa représentation du XVIIe siècle à nos jours

Litterature.indb 92

06/09/11 11:52

Séquence

6

Mettre en scène la variété du comique Livre de l’élève  p. ⁄⁄‹ à ⁄‹·

Présentation de la séquence  p. ⁄⁄‹ Deux corpus sont proposés. L’un permet de travailler sur l’aspect ludique de la comédie, quand sont révélés les artifices théâtraux, tels que le déguisement, le masque, le mensonge. L’autre montre la fonction satirique du rire. À de multiples reprises, les comparaisons de mises en scène permettent de confronter des interprétations différentes d’un même texte. C’est la question de la représentation qui est ainsi posée. Cette interrogation trouve son prolongement dans un débat argumentatif, s’appuyant sur un texte d’Artaud (« Pour argumenter »). Enfin, l’histoire littéraire fait le point sur cette problématique, en montrant les évolutions techniques et idéologiques de la mise en scène.

H istoire des arts

E. Ionesco, La Cantatrice chauve, ⁄·∞‚  p. ⁄⁄›-⁄⁄∞ Intérêt : Cette mise en scène, qui a connu un vif succès, date de 1992. Elle a été reprise en 2006 sous la direction de l’assistant de J.-L. Lagarce, F. Berreur. Elle est disponible en DVD (Arte-vidéo) avec des interviews et explications de F. Berreur sur l’univers proposé par Lagarce et les personnages. Lagarce, auteur contemporain (voir l’extrait de Juste la fin du monde, p. 173), avait une grande admiration pour Ionesco. Cette mise en scène a créé l’événement car elle prenait le contre-pied de la mise en scène de référence, celle de Nicolas Bataille, approuvée par Ionesco et toujours à l’affiche du Théâtre de la Huchette depuis sa création en 1950. Cette image montre clairement ces choix de mise en scène, concernant l’espace, les costumes ou l’attitude des personnages et permet donc d’aborder facilement la notion de représentation : des personnages agissant dans un espace donné.

Mettre en scène un univers absurde LECTURE DE L’IMAGE 1. Le décor est constitué d’une pelouse verte en matière synthétique et d’une façade de maison en bois clair, avec cinq fenêtres ornées de jardinières fleuries de géraniums et une porte. On voit bien qu’il ne s’agit que d’une façade à l’artificialité exhibée. Le fond est noir, avec des projections de « ciel » tout aussi artificielles. L’univers ressemble à celui des dessins animés, très coloré et simple. La scène se passe dans le jardin, en extérieur. 2. L’univers anglo-saxon (Lagarce dit s’être inspiré de Hopper) est présent par l’architecture en bois et le soin apporté au jardin et aux fleurs. Mais aucun ameublement typiquement anglais ne permet de vraiment identifier le lieu. La scène ne se passe plus à l’intérieur. En sortant l’histoire de la maison, Lagarce renonce au huisclos. Il se donne davantage de champ pour les déplacements des comédiens (ils peuvent utiliser la largeur et la profondeur de l’espace scénique). Cela renforce les effets comiques d’une inconfortable garden-party, sans sièges, ni table pour accueillir le thé. 6 Mettre en scène la variété du comique |

Litterature.indb 93

93

06/09/11 11:52

L’univers bourgeois est respecté : la maison est assez grande, coquette et les personnages sont en tenues soignées et distinguées.

3. Hommes et femmes ont des tenues parfaitement identiques, faisant de chaque couple le double burlesque de l’autre. En effet, Lagarce a choisi des acteurs aux physiques opposés : la grande Madame Smith avec son mari rond est le symétrique comique de la petite Madame Martin et de son mari, grand et maigre. De plus, les dames, surtout, donnent dans le kitsch britannique : leur robuste tailleur en tweed, leur chapeau coloré et leurs bijoux rappellent ceux de la reine d’Angleterre. Les hommes ont certes des costumes stricts gris, mais leurs chemises jaunes et leurs cravates orange les rendent ridicules. Si le kitsch est lié au monde de l’enfance, on a l’impression de voir des personnages qui jouent aux bourgeois respectables. 4. Les Smith, qui reçoivent, se sont accaparés les deux fauteuils et laissent les Martin assis inconfortablement dans l’herbe, ce qui n’est pas très pratique pour la femme en tailleur serré. Ils sont alignés et n’ont donc aucune possibilité de face à face. On voit les deux hommes admirer Mme Smith, tandis que Mme Martin est recroquevillée sur elle-même dans une attitude angoissée (elle est le bouc émissaire du groupe que les autres harcèlent).

ÉDUCATION AUX MÉDIAS Quelques éléments importants de l’interview de Lagarce : – l’artificialité : « l’idée de la façade de cette maison qui est en bois‚ comme dans un tableau de Hopper‚ est importante ; l’effet est volontairement appuyé pour que l’on sente bien qu’il n’y a là qu’une façade‚ c’est-à-dire un décor. On est là pour faire semblant et on sait qu’on fait semblant » ; – l’univers : « on est entre le dessin animé et le feuilleton américain des années 50. Le tout étant renforcé par des rires enregistrés qui soulignent certaines répliques ; on est vraiment comme dans un feuilleton télévisé ! Et on entend rire alors qu’il n’y a absolument rien de drôle » ; – le jeu des acteurs : « j’ai demandé aux acteurs de jouer de manière très sérieuse » ; – l’absurde : « L’absurde aujourd’hui‚ ce sont les

feuilletons télévisés auxquels vous ne comprenez strictement rien si vous ne les regardez pas de manière régulière ». L’article critique doit expliquer le parti pris du metteur en scène, son projet, sa façon d’interpréter l’œuvre. Il peut décrire certains aspects des décors, des costumes, du jeu des acteurs. Dans un deuxième temps, il faut donner un avis sur ce parti-pris : fonctionne-t-il bien ? Est-il comique ? Rend-il compte du sens de l’œuvre ?

ÉCRITURE Vers l’écriture d’invention Faire lire l’extrait du dénouement de La Cantatrice chauve p. 485.

VERS LE BAC Oral (entretien) Le comique repose d’abord sur une esthétique visuelle : l’ensemble est artificiel et très coloré, rappelant l’univers des dessins animés ou des feuilletons télévisés qui se passent dans des lotissements américains tous identiques. Cet univers kitsch est accentué par des personnages loufoques, à la fois par leurs ressemblances, leurs tenues (question 3) et par leurs comportements : on assiste à une parodie de réception mondaine avec des invités que l’on installe inconfortablement à même le gazon, alors qu’ils se sont mis sur leur trente et un (question 4). La disposition en rang d’oignon insiste sur les différences de taille (decrescendo) et montre les rapports de pouvoir entre les couples : Mme Smith, imposante, monopolise l’attention alors que Mme Martin est prostrée et montre un air coupable et malheureux.

Bilan / Prolongement On retiendra l’idée de décor à la fois concret, mimétique et symbolique ; c’est l’une des caractéristiques de la mise en scène moderne. La représentation théâtrale permet l’analyse critique de toute forme de rituel social : on peut se reporter à l’extrait et aux images du Roi se meurt (p. 168-169) pour analyser la remise en question d’un autre rituel social, celui de la monarchie dans l’exercice de ses fonctions. Voir aussi le rituel de la visite au musée avec l’extrait de Théâtre sans animaux (p. 138). Ces rituels


Litterature.indb 94

06/09/11 11:52

renvoient à une interrogation sur l’absurde, au sein des conventions sociales. Pour approfondir la définition du théâtre de l’absurde, outre Ionesco cité ci-dessus, on tirera profit des images et textes de Beckett, pages 16667, 177, 191, 194, 490.

MASQUES, MENSONGES ET JEUX DE RÔLES

Plaute, Amphitryon,

⁄ Molière, ¤ Amphitryon, vers ¤‚‚ av. J.-C

⁄668  p. ⁄⁄6-⁄⁄8

Objectifs : – Travailler sur une réécriture d’un œuvre antique par Molière permet d’analyser l’imitation et l’écart par rapport au modèle. – Analyser une forme de mise en abyme par le biais du déguisement. – Mettre en évidence le rôle comique de la double énonciation théâtrale, caractéristique fondamentale du texte de théâtre.

Un dédoublement troublant LECTURE DES TEXTES 1. Le spectateur sait que Mercure ment et s’amuse, comme lui, du désarroi de Sosie finissant par douter de sa propre identité. Les procédés théâtraux renforcent le comique de la situation : – la succession de phrases interro-négatives utilisées par Sosie pour se justifier prouve qu’il n’est pas très sûr d’être lui, même si ce sont des questions rhétoriques ; – la reprise par Mercure des mêmes phrases sous forme affirmative précédées de « c’est moi » génère un comique de répétition ; – la menace des coups pour faire taire le malheureux Sosie relève de la farce. C’est un moment

attendu et, comme tel, on le trouve aux lignes 9-10 chez Plaute et aux vers 27-28 chez Molière ; – l’aparté final de Sosie qui avoue ne plus être sûr d’être lui-même permet de finir en riant.

2. Le premier élément concret est la lanterne qu’il tient à la main et qui lui permet d’éclairer la porte de leur maison. On trouve cet objet scénique à la ligne 8 (Plaute) et au vers 1 (Molière). Ensuite, il est sûr d’être éveillé, puisqu’il a ressenti le coup porté par Mercure (l. 10-11 chez Plaute, v. 20-21 chez Molière). Molière développe l’analyse des sentiments de Sosie. On observe la gradation suivante : – indignation devant une situation absurde avec questions rhétoriques et phrase exclamative (v. 1-5) ; – recherche d’indices prouvant qu’il ne dort pas : il cherche à se rassurer car il est malgré tout troublé, comme en témoignent les questions rhétoriques interro-négatives, se succédant à un rythme saccadé, ponctuées de verbes à la première personne en début de vers (v. 6-22) ; – retour de la confiance et détermination avec une phrase exclamative et des verbes injonctifs (v. 23-26). 3. Mercure prouve son identité en ajoutant des détails vrais aux informations données par Sosie, par exemple le meurtre du roi Ptérélas (l. 18 chez Plaute, v. 35 chez Molière). Molière ajoute des détails sur la vie personnelle de Sosie : sa famille, père, frère, épouse et ses sentiments (« dont l’humeur me fait enrager », v. 40), surtout ses ignominies cachées : « mille coups d’étrivière, marqué par derrière sans en avoir jamais rien dit » (v. 41-42). Qui peut connaître les secrets de Sosie, sinon Sosie lui-même ? Les procédés : – anaphore de « c’est moi » ; – énumération des membres de la famille avec parallélisme de construction : « fils de », « frère de », « mari de » ; – utilisation des octosyllabes pour scander plus énergiquement les informations importantes, les plus secrètes : vers 40, 42, 44 ; à la rime « étrivière » / « par derrière ». 4. Il est acteur parce qu’il résiste, se défend, se justifie, cherche à entrer malgré tout dans la maison pour accomplir sa mission : « entrons chez nous » (l. 11, Plaute), « laisse à mon devoir 6 Mettre en scène la variété du comique |

Litterature.indb 95

95

06/09/11 11:52

s’acquitter de ses soins » (Molière). Mais il est spectateur quand il écoute et se laisse convaincre par Mercure. La fin des deux extraits insiste sur ce rôle. Relevons : « à l’entendre » (Plaute), « maintenant que je le considère » / » je vois qu’il a de moi taille, mine, action » (v. 26, Molière). Sosie est bien devant un acteur qui joue un rôle et le persuade qu’il est Sosie.

5. Les thèmes baroques présents dans cette scène : – le théâtre dans le théâtre : Mercure joue un rôle sous les yeux des spectateurs complices ; – l’incertitude entre le rêve et la réalité (v. 7-8) ; – le thème du double, du reflet trompeur (v. 4, v. 45-50).

HISTOIRE DES ARTS Dans les deux mises en scène, les deux acteurs sont habillés à l’identique. Ils portent une combinaison et un manteau large qui renvoie vaguement à l’Antiquité pour les acteurs de la Comédie Française. Le costume est plus moderne dans la mise en scène de Sobel (Kleist, auteur du XXe siècle, a traduit et adapté la pièce de Molière) et il fait un peu paysan. Cependant, la ressemblance physique entre eux est plus probante, sans doute à cause du chapeau qui cache les cheveux, et donne aux deux acteurs un même visage rond. Chez Vassiliev, les cheveux et les barbes n’ont pas la même longueur. Sosie / Mercure chez Vassiliev : le décor fait de ponts et d’arcades peut rappeler l’architecture grecque, mais il suggère surtout que Sosie est suspendu au-dessus du vide et n’a plus de repère : on ne distingue aucune vraie maison en arrièreplan, on ne voit qu’un labyrinthe d’arcades. Cette scénographie renvoie à l’espace mental de Sosie, son équilibre précaire. Le valet est posé face public, le regard dans le vague, il semble perdu. Mercure le toise d’un air goguenard et hautain. Pas plus que Sosie, il ne joue avec le public : il est détaché, sûr de sa position de dieu qui a le contrôle de la situation. Sosie / Mercure chez Sobel : le plateau est vide et l’espace nocturne ne permet pas de voir les repères sur lesquels est censé s’appuyer Sosie. On ne distingue pas de maison en arrière-plan. Sobel opte donc aussi pour une scénographie symbolique, espace de cauchemar et de pénombre. Le jeu des deux acteurs est comique : Sosie, allongé par terre, accroché à sa lanterne, a une mine effarée. Il s’adresse au spectateur, le prend à parti.

Mercure est assis derrière lui et regarde aussi le public, d’un air faussement renfrogné, la main droite tenant un bâton ou une épée. Il joue au méchant.

ÉCRITURE Vers la dissertation 1) Du dialogue conflictuel au duel verbal Le dialogue, caractéristique majeure du texte de théâtre, permet, par le rythme de l’échange, de mettre en scène les tensions propres au conflit. Plus les répliques sont courtes, plus l’échange devient vif, voire violent (on peut citer le cas particulier de la stichomythie pour les dialogues en vers). L’échange conflictuel le plus simple repose sur l’alternance question/réponse. Des modulations sont bien sûr possibles : les réponses peuvent être éludées ou ironiques ; les questions peuvent se faire menaçantes, exhibant ainsi les rapports de classe ou de force opposant maître et valet. Pour le vérifier, il n’est que de lire l’extrait du Mariage de Figaro, pages 130-131 et de L’Île des esclaves, page 487. Pour illustrer le pouvoir abusif d’un roi, reportons-nous à Ubu Roi (p. 132-133). Pour découvrir la puissance écrasante de l’argent, regardons le numéro d’une pauvre devenue milliardaire, tiré de La Visite de la vieille dame (p. 134-135). On remarque dans ces deux dialogues que les personnages voulant résister à la volonté de puissance que manifeste la violence verbale n’y parviennent pas et finissent par se contenter de gémir (dans Ubu Roi) ou, dans l’extrait de Dürrenmatt, par accepter l’argent proposé pour se taire. 2) Le rapport de force physique Le conflit au théâtre trouve une expression et une résolution spectaculaire dans la violence tragique, scéniquement réalisée : – simples coups de bâton ou menaces dans la comédie : Amphitryon ; – bagarre échevelée et générale dans le vaudeville : Le Dindon (p. 126-127) ; – violence tragique s’achevant dans un bain de sang, devant un chœur de citoyens tétanisés de peur : Agamemnon (p. 154-155).

VERS LE BAC Oral (entretien) Molière imite la progression conçue par Plaute : le dialogue est coupé par des menaces et des


Litterature.indb 96

06/09/11 11:52

Commentaire

d’autres, aux vers 27-28 où les allitérations en [k] et [t] font résonner la menace. Mercure reprend comiquement les interrogatives de Sosie à la forme affirmative. À chaque fois, il les fait précéder de « c’est moi qui », en anaphore aux vers 30, 31, 33, 36. Chaque information reprise est donnée dans un style plus soutenu : « commis » (v. 11) / « députe » (v. 31). On remarque ainsi l’inversion du complément de lieu (v. 32), l’ajout d’une métaphore : « récit des faits » (v. 14) / « annoncer la valeur de son bras » (v. 33), l’invention du complément du nom « remporter une victoire pleine, a mis le chef bas ». Il se moque de Sosie en révélant des informations intimes peu honorables : sa mauvaise entente avec sa femme (v. 40) et surtout ses condamnations à être fouetté ou marqué au fer rouge (à la rime « étrivière » / « par derrière »). La honte ressentie par Sosie est exprimée par l’octosyllabe du vers 42. La double énonciation rend le dialogue comique : le public se range du côté du dieu insolent contre l’esclave niais et poltron.

1) Un rapport de force comique – Sosie est déterminé à accomplir sa mission : il reprend chacun des termes de ce qu’Amphitryon lui a demandé (v. 11-14), en insistant sur les acteurs (« mon maître Amphitryon », « Alcmène sa femme », ces deux GN, tous deux placés en début et fin de vers et de phrase, portent sur le contenu : « vantant sa flamme… un récit de ses faits »). Il tient tête à Mercure, en insistant sur les détails matériels prouvant qu’il maîtrise la situation. Par exemple, il insiste sur la lanterne qu’il brandit et qui éclaire le pas de la porte où se tient Mercure (v. 16-17). Son indignation et son assurance sont marquées par une phrase exclamative (v. 23-24) et par des impératifs insistant sur sa volonté d’entrer dans la maison : aux vers 25-26, on relève la rime interne « cesse » / « laisse » et des allitérations en [s]. – Mercure est de son côté déterminé à l’empêcher d’entrer et à se moquer de lui : le dieu s’impose par la menace et la force physique : Sosie rappelle les coups déjà reçus, insistant sur sa propre lâcheté de façon comique (les vers 19-22 comportent des hyperboles comme « ta furie », « roué de coups ») et Mercure en annonce

2) Une réflexion baroque sur le théâtre – C’est une scène de théâtre dans le théâtre : Mercure joue le rôle de Sosie avec Sosie pour spectateur. Il se présente en déclinant son identité complète ainsi que son rôle dans l’histoire (v. 31-40). Il est déguisé, a la même apparence que Sosie et le résultat convainc Sosie lui-même (v. 49-50). Cette imitation parfaite du modèle, vérifiable sur les images de mises en scène, correspond bien à ce qu’on attend d’un acteur. – Le théâtre est un outil de réflexion sur le monde : domaine de l’illusion, il pose la question de ce qu’est la réalité puisqu’il en propose un reflet plus vrai que nature. Ce sont les tourments de Sosie qui l’expriment, sa crainte de rêver cette scène (v. 7-8), son angoisse de ne plus être lui-même. Son trouble identitaire est marqué par l’accumulation de phrases interro-négatives (v. 2-3) avec un octosyllabe au rythme saccadé 3/5. Puis, vers 15-22, on voit que les verbes à la première personne scandent chaque début de vers, comme si Sosie s’accrochait désespérément à ce « je ». Sa surprise est marquée par la phrase exclamative (v. 5). Enfin, son désarroi est exprimé dans la dernière réplique prononcée en aparté : il prend le public à témoin de sa détresse.

coups dès que Sosie veut pénétrer dans sa maison. Il reprend le principe des phrases interrogatives de Sosie, qui servent de tests d’identité et l’on voit à nouveau Mercure répondre en ajoutant des informations vraies, prouvant qu’il connaît la situation aussi bien que Sosie (détail de la victoire et de la mort du roi Ptérélas). Mais la structure en vers permet à Molière de développer, dans un registre lyrique, le trouble baroque face au reflet plus vrai que le modèle : en témoignent rythme des vers, parallélismes de construction, phrases interrogatives et exclamatives. La question de l’identité devient alors centrale (v. 1-4), alors que Plaute jouait seulement sur le rapport de force comique entre l’homme et le dieu. Le Sosie de Molière se cherche luimême, se pose la question de son existence (question cartésienne) et finit par accepter l’existence d’un autre lui-même (v. 45-46). C’est pourquoi Mercure s’étend sur la vie intime de Sosie, quand Plaute en restait à sa mission d’esclave d’Amphitryon.

6 Mettre en scène la variété du comique |

Litterature.indb 97

97

06/09/11 11:52

Enfin, le lexique aussi a son importance : le mot « étonnement » (v. 47) est renforcé par l’hyperbole « dont mon âme est saisie ».

Bilan / Prolongement Ce texte permet donc de réfléchir à la capacité du théâtre à imiter le réel ou à en donner une image plus vraie, plus saisissante que la réalité elle-même. On peut proposer une mise en voix en chœur de la réplique de Sosie, comme s’il se démultipliait en 4 ou 5 personnages. C’est une façon de donner corps à la folie qui le gagne. Le DVD de la mise en scène de Vassiliev est disponible à la Comédie Française (coffret Molière). Documents sur la mise en scène de Sobel sur le site du théâtre MC93, saison 2010-2011 : www.mc93.com/fr/2010-2011/amphitryon.

‹

Molière, Dom Juan, ⁄66∞  p. ⁄⁄·-⁄¤⁄

Objectifs : Analyser une autre pièce baroque de Molière, écrite dans les mêmes années qu’Amphitryon, à un moment où le dramaturge cherche à renflouer les caisses de sa compagnie avec des pièces à machines et à grand spectacle. Il s’agit de montrer que l’esthétique classique n’avait pas supplanté totalement l’esthétique baroque et permettait des écarts par rapport aux règles. Le personnage de Dom Juan est ici envisagé sous le masque de l’hypocrite et dans son rapport à Sganarelle, rôle joué par Molière lui-même, ce qui permet aussi de traiter la convention théâtrale du couple maître / valet de comédie.

Le masque du fils repentant LECTURE DU TEXTE 1. Le libertin pose les problèmes de la limite de la morale individuelle face à la société. C’est un personnage provocateur qui, par ses défis à

la morale, suscite des péripéties. Le spectateur, indigné et amusé (on est au théâtre), attend de voir qui pourra l’arrêter ou le punir. Comme le libertin est toujours soumis, in fine, à la vengeance divine, l’auteur délivre ainsi une leçon de morale.

2. La réaction de Dom Louis montre autant sa crédulité de père faible (« tendresse d’un père », l. 22-23) que la force de persuasion de Dom Juan. Le père exprime sa satisfaction et son soulagement par une phrase exclamative (l. 22-25). Il insiste avec des hyperboles sur son pardon complet : « les offenses s’évanouissent », « je ne me souviens déjà plus des déplaisirs », « tous mes vœux sont satisfaits ». Il joint le geste à la parole et embrasse son fils de joie (l. 32). Il remercie le Ciel de ce miracle, qu’il appelle « saintes résolutions » (l. 31-32, 37-38). Sa joie sera complète lorsqu’elle sera partagée avec sa femme, ce qu’il espère aux lignes 35-36. On remarque le vocabulaire hyperbolique de la joie dans toute sa réplique : « des larmes de joie », « les doux transports du ravissement ». Cette satisfaction est reprise par Sganarelle au début de la scène 2, pratiquement avec les mêmes termes, mais dans un style plus courant, révélateur de sa classe inférieure : « que j’ai de joie », « grâce au Ciel, mes souhaits accomplis ». Le comique de ces deux explosions de joie est renforcé par l’effet de répétition, et surtout par la révélation de l’hypocrisie de Dom Juan. 3. Même sans la didascalie indiquant son hypocrisie, la réplique de Dom Juan est trop exagérée pour être honnête. Il a changé du jour au lendemain : « je ne suis plus le même d’hier au soir ». Il insiste sur l’aspect miraculeux du phénomène : « le Ciel tout d’un coup », « un soudain changement de vie ». Le vocabulaire avec lequel il présente sa vie passée appartient au lexique religieux du péché : « je regarde avec horreur le long aveuglement », « les désordres criminels », « toutes les abominations ». Il met trop en scène cette conversion, veut s’en glorifier : « faire éclater aux yeux du monde ». On remarque le rythme ternaire, très artificiel, des lignes 13-16 qui insiste sur les étapes de cette contrition publique. Il réclame même un directeur de conscience alors qu’il affirmait son indépendance par son libertinage : « faire le choix d’une personne qui me serve de guide » !


Litterature.indb 98

06/09/11 11:52

4. L’acteur peut interpréter la didascalie en appuyant sur certains mots (voir question 3). 5. Dom Juan utilise une énumération de trois termes pour définir sa démarche : « pure politique », « un stratagème utile », « une grimace nécessaire ». Les termes de « grimace » ou « masque » (l. 68) renvoient au jeu théâtral. Il veut se ménager des alliances, éviter d’être poursuivi pour immoralité (« cent fâcheuses aventures »). Il a besoin du masque de la respectabilité pour continuer à vivre dans son milieu aristocratique, au milieu de ses pairs. Et il souligne que tout le monde agit ainsi dans la société. Il est étrange qu’un homme qui fait aussi peu de cas de la crainte divine (l. 53-54), accepte de jouer le jeu de la comédie sociale. La complexité du personnage tient également à cette façon de se confier à son valet : il a besoin d’un témoin de ce qu’il est vraiment, à la fois pour en jouir et pour se faire admirer (comme le marque la répétition comique de « quel homme ! » par Sganarelle l. 46-47). Sganarelle est garant de sa véritable liberté de penser. 6. Sganarelle est le témoin abasourdi de cette confession et ses réactions apportent un registre comique à un aveu cynique et inquiétant. Le comique tient d’abord à son incompréhension : en attestent les phrases incomplètes et les exclamations des lignes 46-47, reprises à la fin de la scène. Puis, il oppose à Dom Juan les phénomènes surnaturels auxquels ils ont assisté, preuve de la puissance divine et de sa menace (l. 50-51). Sganarelle ne cherche pas à raisonner avec Dom Juan mais à l’effrayer, ce qui est vain.

HISTOIRE DES ARTS Mise en scène du Footsbarn Traveling Theater : la différence de classe est indiquée d’abord par les costumes : vêtements sales et de couleur terne pour Sganarelle et habit rouge, chemise à dentelle, perruque pour Dom Juan. Les postures sont elles aussi révélatrices : Sganarelle est assis inconfortablement sur un minuscule tabouret, alors que Dom Juan est en position décontractée, un pied appuyé sur un coffre et le menton sur un poing. Très sûr de lui, il regarde avec mépris droit devant lui, sans vraiment se préoccuper de son valet qui, au contraire, le surveille du coin de l’œil, sans oser se retourner pour un franc face à face. Les deux personnages sont proches mais sans vrai lien physique.

Les grimaces des deux acteurs sont burlesques. Le Footsbarn est en effet une compagnie qui travaille sur les techniques du clown et de la Commedia dell’Arte avec un jeu très expressif soulignant ici la prétention du maître et la crainte un peu sotte du valet. Mise en scène de Daniel Mesguich : la position est inversée par rapport à la précédente : c’est Dom Juan qui est au sol, sur les genoux, le corps penché en avant, tandis que Sganarelle, debout derrière lui, l’enveloppe de ses bras et appuie sa tête tendrement sur l’épaule de son maître, qui ne le regarde pas. La tenue loufoque du valet, clownesque (le maillot rayé, la calotte avec un épi dressé) est dans les mêmes tons rouges que la robe de chambre brodée du maître : ils sont dans les mêmes tons, mais pas dans le même registre. Le geste affectueux de Sganarelle montre le souci que Dom Juan lui donne, son envie de le sauver ; mais l’indifférence apparente de Dom Juan transforme cet abandon en geste inutile d’animal domestique. Le comique subsiste malgré tout dans la relation : Sganarelle a surmonté sa crainte et se jette ainsi maladroitement sur son maître pour le protéger. Mise en scène de Jacques Lassalle : plus rien de comique dans cette version où Sganarelle rase son maître en chemise, alors que lui-même porte un habit soyeux et brodé. Avec la gorge très dénudée, Dom Juan semble à la merci de Sganarelle qui baisse vers lui un regard qui n’est ni complaisant ni craintif. Mais la posture désinvolte de Dom Juan, les yeux vers son valet, montre sa totale confiance en lui-même. Sa face fardée a toute l’apparence du masque qu’il veut endosser. Une certaine tension se dégage de cette scène : Dom Juan défie son valet désapprobateur.

ÉCRITURE Vers la dissertation Pour préparer l’argumentation, on peut lire le texte 6, page 493. Il s’agit d’abord de comprendre les deux mots proposés. Quand on interprète un texte, on suppose un sens préexistant qu’il s’agit de révéler par la mise en scène. Au contraire, la recréation revendique une certaine liberté par rapport au texte. Chacune des trois mises en scène présentées ici cherche plutôt à donner une image lisible du texte, donc à l’interpréter. 6 Mettre en scène la variété du comique |

Litterature.indb 99

99

06/09/11 11:52

La relation entre Sganarelle et Dom Juan évolue en permanence entre admiration, affection, crainte, désapprobation. L’image de la page 119 insiste sur la distance sociale et intellectuelle : Sganarelle est un benêt apeuré. Cette image peut être considérée comme caricaturale, mais elle est sans doute proche de l’interprétation qu’en donnait Molière lui-même. Celle de Mesguich montre la dépendance et l’affection de Sganarelle pour son maître. Dom Juan ne paraît pas ému par cette démonstration excessive de tendresse et cela correspond bien à son rôle d’homme distant et froid. Enfin, le Sganarelle mûr et imposant que joue Roland Bertin (p. 121) manifeste davantage la désapprobation morale de l’homme du peuple vis-à-vis du libertinage cynique du maître.

VERS LE BAC Oral (analyse) 1) Le rapport entre les personnages, comme la progression du dialogue se conforment bien à la convention comique du maître et de son valet. Dom Juan se moque de son valet avec une insulte adressée au public : « La peste, le benêt ». Il le ridiculise en soulignant sa naïveté : « Quoi ? Tu prends pour de bon argent » ce qui n’est qu’une croyance sociale. 2) L’infériorité sociale de Sganarelle est aussi suggérée par sa sottise : voir question 6. Il manifeste son incrédulité et son ébahissement par les répétitions comiques de « quel homme » ! 3) La supériorité du maître sur le valet n’est cependant jamais suffisante : le valet doit être un faire-valoir de son maître. Ici, Dom Juan s’explique auprès de Sganarelle (« je veux bien, Sganarelle, t’en faire confidence »). Il se justifie, il cherche même son approbation : « pourquoi non ? ». Le valet est donc l’indispensable garant de la vraie personnalité de Dom Juan : « je suis bien aise d’avoir un témoin du fond de mon âme ». La relation de dépendance de l’un vis-à-vis de l’autre est donc plus complexe qu’on ne le pense.

Commentaire 1) La relation comique maître / valet Même si Sganarelle commence et termine la scène, c’est Dom Juan qui domine l’échange, en se mettant en scène devant son valet d’abord séduit par la conversion de son maître, puis

interloqué et admiratif de son hypocrisie et de son cynisme. a) Un maître moqueur face à son valet éberlué Sganarelle est un valet naïf exprimant toujours de façon hyperbolique ses émotions. Se multiplient ainsi les phrases exclamatives (l. 39-41), qui comportent des formules d’insistance comme « il y a longtemps que j’attendais » ou « tous mes souhaits accomplis ». Dom Juan réagit à ce débordement de joie par une insulte, en connivence avec le public : « la peste, le benêt ! » Sganarelle manifeste alors doute, incompréhension et étonnement. Le comique de langage est relevé par les procédés suivants : répétition de l’insulte proférée par Dom Juan, puis succession de phrases inachevées (l. 46) et enfin triple répétition de la phrase exclamative « quel homme ! », qu’on retrouvera en clôture de scène. Les questions rhétoriques des lignes 50-51, puis 62-64 expriment à la fois son incrédulité et sa crainte superstitieuse face à « la surprenante merveille de cette statue mouvante et parlante ». b) Un maître qui a besoin du regard de son valet Si Dom Juan exprime au début de la scène son impatience devant la sottise de Sganarelle par une question rhétorique en guise de reproche (l. 44-45), il prend le temps de s’expliquer devant lui, montrant ainsi sa dépendance visà-vis de son valet. Dans une comédie, celui-ci est l’indispensable faire-valoir d’un maître qui n’existerait pas sans son regard. Dom Juan l’explique aux lignes 59-60 : Sganarelle est « un témoin du fond de [son] âme ». Le plaisir que Dom Juan prend à déguiser ses vraies pensées nécessite un spectateur, comme pour un acteur. Les mots « grimace » (l. 56) et « masque » (l. 68) appartiennent au monde du théâtre. Et c’est même l’approbation de Sganarelle qu’il réclame à la fin de la scène par une phrase interrogative « pourquoi non ? » Tant et si bien qu’on peut comprendre la réplique finale du serviteur, non comme un reproche voilé, mais comme une marque d’admiration pour la puissance de jeu et de dissimulation de Dom Juan. 2) Le portrait d’un hypocrite a) Un homme sans crainte ni scrupule À la seule objection superstitieuse de Sganarelle, Dom Juan rétorque en affirmant son athéisme, fondé sur une démarche intellectuelle : « quoi que ce puisse être, cela n’est pas capable, ni


Litterature.indb 100

06/09/11 11:52

de convaincre mon esprit, ni d’ébranler mon âme ». Cette indépendance vis-à-vis de toute forme de crainte religieuse, lui permet d’expliquer son hypocrisie, qu’il caractérise (l. 56) par une énumération de trois termes de plus en plus péjoratifs : « pure politique, un stratagème utile, une grimace nécessaire ». Il a joué cyniquement le repenti devant son père par intérêt, ce qu’il appelle les « véritables motifs » : « un père dont j’ai besoin ». Cette attitude lui permet en outre de continuer à fréquenter le monde sans en craindre la réprobation, voire la condamnation : il peut se « mettre à couvert du côté des hommes de cent fâcheuses aventures ». b) Une vision cynique et pessimiste de la société La justification ultime de Dom Juan se trouve dans le spectacle de la société elle-même. Il ne fait que reproduire ce « train de vie exemplaire » qui suffit à asseoir sa bonne réputation et à être accepté dans le monde. Et sa dernière réplique le dit crûment puisqu’il parle de « métier » pour désigner un comportement apparemment répandu : « tant d’autres […] se servent du même masque ». Molière critique, comme dans Le Tartuffe, la fausse dévotion qui cache des conduites scandaleuses. Cette image du masque de théâtre est souvent rendue dans les mises en scène par le maquillage soutenu du visage de Dom Juan, comme celui proposé dans la photo de la mise en scène page 121. Ce maquillage était à la mode, pour les hommes comme pour les femmes, à la cour de Louis XIV. Mais il prend ici une valeur symbolique.

Bilan / Prolongement Si le déguisement dans Amphitryon est uniquement ludique et révélateur de la puissance du théâtre, il prend ici une dimension sociale critique : le monde, en particulier celui de l’aristocratie et de la cour, est un théâtre où chacun joue un rôle dans son propre intérêt. Il faut rappeler que la pièce fit l’objet d’une censure et que Molière dut modifier des scènes où l’athéisme déclaré de Dom Juan était choquant. La mise en scène de D. Mesguich est disponible en DVD édité par la COPAT (2005), l’extrait également dans le DVD du manuel ainsi qu’une interview de D. Mesguich. Le DVD de la mise en scène de Lassalle est disponible dans le coffret Molière de la Comédie Française.

Un autre extrait de la pièce, page 489, ainsi que des extraits du Mariage de Figaro (p. 131 et 489) permettent d’approfondir les relations entre maître et valet.

›

Lesage, Turcaret, ⁄‡‚·  p. ⁄¤¤

Objectifs : – Faire connaître un auteur moins connu pour son théâtre que pour son roman Gil Blas de Santillane. – Analyser la dégradation des valeurs aristocratiques en comparant ce personnage avec celui de Dom Juan. – Analyser le rapport entre le texte et le jeu : quel est le rôle d’un accessoire, du comique de gestes ?

Jeu de dupes autour d’un diamant LECTURE DU TEXTE 1. La tension entre les personnages se joue autour de la bague en diamant : Frontin veut la faire enlever à la Baronne pour la récupérer et Marine fait tout pour en dissuader sa maîtresse. Ce sont donc les didascalies concernant les gestes qui rythment la scène. On peut les résumer en ces termes : Lignes 1-10 : la Baronne veut aider le Chevalier et Marine la retient. Lignes 11-25 : Frontin trouve des arguments pour apitoyer la Baronne qui se laisse peu à peu fléchir. Lignes 30-40 : La Baronne cède et Marine constate son échec. 2. Les différents procédés comiques sont : – le comique de langage : Marine répète de façon ironique les marques d’affliction de sa maîtresse (l. 9-10, 15-16) ; – le jeu avec le diamant (comique de geste) ; – les exagérations utilisées par Frontin pour décrire la situation de son maître et la résistance de Marine (comique de situation). 6 Mettre en scène la variété du comique |


101

06/09/11 11:52

Ces procédés visent aussi à critiquer l’hypocrisie des relations, minées par le pouvoir de l’argent.

3. Toute relation est fondée sur l’argent : le Chevalier, endetté et menacé de déshonneur s’il ne rembourse pas ses dettes (l. 19-20), a besoin de la caution de la Baronne : « il peut toujours faire fonds sur moi ». Elle-même est entretenue par le banquier Turcaret (l. 32-33). Chacun utilise le chantage affectif pour obtenir de l’argent. La Baronne et le Chevalier ont perdu tout honneur et tout scrupule. Ils sont capables de tout pour obtenir de l’argent et Marine juge à la même enseigne valet et maître, tous deux des fripons sans foi ni loi. Sa trop grande honnêteté la fera d’ailleurs renvoyer par la Baronne crédule, manipulée par Frontin.

VERS LE BAC Oral (entretien) Le comique de situation montre concrètement et visuellement les tensions entre les personnages et les enjeux sociaux : le diamant, au centre de la scène, est le symbole de cette lutte de pouvoir entre les deux domestiques, l’un voulant berner la Baronne, l’autre voulant la protéger. Les exagérations comiques créent une image caricaturale et donc aussi plus lisible des personnages : la Baronne apparaît comme une femme crédule, Frontin et le Chevalier comme deux fripouilles sans scrupule. Les interventions comiques de Marine permettent de souligner ces défauts.

vision très pessimiste de la société ; ils décrivent et critiquent tous deux un monde où la seule « valeur » est celle de l’argent, équivalent universel (Aristote) qui permet de tout échanger, de tout acheter, même ce qui n’a pas de prix : Clara rejetée quand elle était dans la misère, est adulée parce qu’elle est riche et s’achètera l’exécution de Ill. La Baronne, comme le Chevalier, sont incapables d’un amour sincère et monnaient leurs faveurs. Dans les deux cas, le corps humain, bien inaliénable, est bel et bien vendu. Et on en rit !

Bilan / Prolongement Ce texte est intéressant pour le jeu physique entre les trois personnages : donner / retenir la bague, partir / rester, retenir / faire sortir l’autre. Elle est amusante à jouer sans paroles, comme un film burlesque muet, avec une très grosse bague. On peut faire le rapprochement avec L’Avare : Harpagon a au doigt un diamant auquel il tient. Son fils parvient à le lui arracher pour le passer lui-même au doigt de Mariane, jeune fille désargentée qu’il aime mais que convoite son père. La scène est symbolique : celui qui a le diamant aura la femme ! Le parcours de lecteur sur Manon Lescaut (p. 51) permet d’explorer également la critique de la société corrompue du XVIIIe siècle.

Question sur corpus L’argent au théâtre est d’abord signifié par des éléments scéniques : les costumes, les bijoux disent la richesse d’un personnage. Voir la didascalie décrivant Clara. Ensuite, l’argent est mis en jeu : c’est la bague que la Baronne enlève, remet, puis finit par donner ; c’est l’argent que Bobby donne au chef de gare pour le calmer. En ce qui concerne les relations entre les personnages, celui qui détient l’argent est flatté, fêté (Clara par les habitants de Güllen) ou manipulé (la Baronne par Frontin). Les excès d’enthousiasme ou le grossier chantage affectif sont tous deux comiques. Deux types de personnages de riches se dessinent : la dupe ridicule (la Baronne, et plus encore le banquier Turcaret) ou au contraire celui qui abuse de son pouvoir sur autrui (Clara). Lesage et Dürrenmatt ont une

∞

Marivaux, Le Jeu de l’amour et du hasard, ⁄‡‹‚  p. ⁄¤‹-⁄¤›

Objectifs : – Analyser le déguisement comme moyen de séduction amoureuse. – Comprendre la double énonciation théâtrale avec le rôle des apartés. – Comprendre la critique des conventions sociales. – Comparer des mises en scène pour voir la portée verbale, ludique et théâtrale du marivaudage.



06/09/11 11:52

Jeu de rôles révélateur LECTURE DU TEXTE Prérequis : un extrait de la scène d’exposition se trouve page 485 et permet de comprendre les enjeux de la pièce.

1. Le marivaudage, terme inventé à partir du théâtre de Marivaux, est un échange de galanteries. Si « badinage » est donné en synonyme à ce mot dans le dictionnaire, il apporte une autre idée, celle de jeu léger, sans enjeu sérieux. Silvia, au début de sa réplique, dit de son père et de son frère qu’ils sont spectateurs d’une comédie. Le marivaudage amoureux est donc un jeu de rôles. Ce jeu de séduction s’affiche par des échanges conventionnels et reconnaissables au lexique amoureux : « suivant la coutume, tu arrives avec l’intention de me dire des douceurs », « laissons là l’amour ». Les rôles de chacun sont préétablis : l’homme complimente la femme pour lui avouer son amour et celle-ci résiste à ses avances : même s’il se défend de vouloir la séduire, Dorante fait l’éloge de Silvia (« avec ton air de princesse, tu as l’air bien distingué ») et celle-ci le repousse : « je ne suis point faite aux cajoleries », « soyons bons amis », « je te remercierais de ton éloge ». Les deux personnages font comme si tout cela n’était qu’un jeu sans conséquence, où l’on répond du tac au tac à de fausses attaques (l. 38-45). 2. Chacun d’eux voulait observer, depuis une place de domestique, ce que valait le maître ou la maîtresse, mais se retrouvant tous deux serviteurs, ils ne pourront s’avouer leurs sentiments, tout en se reconnaissant mutuellement des qualités : « je ne plains pas la soubrette qui l’aura », « Il n’y a point de femme au monde à qui sa physionomie ne fît honneur », « Ma parure ne te plaît pas ? », « Quel homme pour un valet ! ». 3. La condition est le rang social, la place dans la société. « Être de condition », c’est appartenir à la haute société. Un nombre important d’expressions y font directement référence : « garçon », « fille », « valet », « soubrette », « suivante » s’opposent à « un homme de condition », « femme », « maîtresse », « fille de condition ». « L’esprit domestique » est méprisé par Dorante comme par Silvia, qui le repère au premier coup d’œil à l’habit que porte Dorante : « ceux dont la garde-robe ressemble à la tienne ». La familiarité

de langage est propre au peuple (l. 15-16). De même, « l’air », c’est-à-dire la mine, la tournure révèlent, selon eux, la distinction de la classe des maîtres (l. 40, 45). Ce que Marivaux critique, c’est le mépris des maîtres, bourgeois ou nobles, pour les serviteurs issus du peuple, ne leur reconnaissant aucune qualité, ni aucune possibilité de s’élever socialement.

HISTOIRE DES ARTS Mise en scène d’Alfredo Arias : le costume de Silvia semble être à la fois celui d’une maîtresse, (la soie, le double jupon, les parures) et celui d’une servante (le tablier blanc et le bonnet posé sur la tête). Celui de Dorante est un costume d’Arlequin, donc de serviteur, mais très marqué théâtralement. Il faut rappeler ici que Marivaux avait confié cette pièce à la troupe des Italiens qu’il trouvait plus performante que celle de la Comédie Française. Mais ce qui frappe dans cette mise en scène, ce sont les deux masques de singes qui détonnent sur les costumes somptueux. Arias veut ainsi souligner le propos de Marivaux : Dorante et Silvia singent leurs domestiques et singent aussi l’amour. Ils jouent un jeu, comme le souligne le titre de la pièce. Ces masques les ridiculisent et rendent comiques leurs scènes de séduction : on remarque le geste peu distingué de Dorante, consistant à se gratter la tête et l’attitude contorsionnée, gênée, peu naturelle de Silvia. Le marivaudage est révélé comme grimaces et absence de sincérité. Mise en scène de Jean Lermier : les costumes de domestiques du XVIIIe siècle sont plus réalistes : simplicité des étoffes, coloris assez ternes, tablier et bonnet. Les deux personnages sont occupés comme des valets, Silvia plie un drap et Dorante croule sous des bagages et de la literie. Ils ne sont pas à leur avantage pour une scène de séduction. Silvia, à genoux au sol, a une attitude guindée, surveillant l’approche de Dorante du coin de l’œil. Le décor lui-même constitue une sorte de piège glissant : la façade de la maison est déposée à plat horizontalement ; le sol est en pente et de nombreuses portes s’ouvrent dans le plancher, au lieu d’être verticales. L’espace montre symboliquement à la fois le va-et-vient des domestiques et des maîtres et les chausse-trappes dans lesquelles Dorante et Silvia risquent de tomber. La pente suggère symboliquement l’ascension ou la descente sociale. 6 Mettre en scène la variété du comique |


103

06/09/11 11:52

ÉCRITURE Vers le commentaire Le comique de situation – Deux maîtres jouent à être des domestiques : Dorante et Silvia sont obligés à une familiarité de domestiques qui les gêne, surtout Dorante qui doit se montrer, par convention, effronté : ils s’appellent par leur nom (« dismoi Lisette » ; « Bourguignon ») se tutoient, plaisantent, se moquent un peu l’un de l’autre (l. 15-17, l. 27-28, l. 42-43). Dorante se permet une remarque ironique sur la maîtresse de Silvia (l. 7-8) qui est un éloge de la servante. – Une vraie fausse déclaration d’amour : alors qu’un valet tente toujours de séduire crûment une servante, avec des manières directes et grossières (jeu de l’Arlequin de la Commedia dell’Arte), Dorante suit la stratégie habituelle des maîtres : « j’ai un penchant à te traiter avec des respects qui te feraient rire ». Il complimente Silvia : « ton air de princesse » (l. 18). Celle-ci, comme une soubrette lucide sur ses intentions, et peu flattée, repousse fermement ces avances (l. 9-10, l. 24-25). L’impératif souligne le ton de la rebuffade : « soyons bons amis ». Enfin, elle tente de le faire taire en riant de lui aux lignes 42-43. Le comique de caractère – Les contradictions des personnages sont révélées par les apartés : dès l’entrée en scène du partenaire, chacun manifeste sa surprise et son admiration pour le personnage qu’il découvre (l. 2, l. 4-5, l. 31). Ces apartés exhibent la double énonciation théâtrale : le spectateur est de connivence avec les personnages et assiste en même temps à leurs difficultés. Alors qu’ils croyaient maîtriser la situation, surtout Silvia (« mettons tout à profit », « il va m’en conter »), ils sont piégés par leur jeu de mensonges. – Le ridicule de leurs préventions sociales : Dorante et Silvia, tout en jouant à être des domestiques, ne cessent de répéter qu’ils ne veulent épouser qu’une personne de condition, ce qui est totalement absurde. Et leurs phrases abondent en contradictions ou oppositions, par exemple aux lignes 11-13 : « tout valet que je suis », « je n’aime pas l’esprit domestique, mais à ton égard » ou aux lignes 40-41 : « on est quelquefois fille de condition sans le savoir ». Silvia dit vouloir repousser les avances des hommes, sauf s’il s’agit d’un maître (l. 32-33).

Et Dorante tient le même propos (l. 35-37). Le spectateur, qui sait qu’aucun des deux n’est domestique, n’aura aucun mal à accepter la proposition qui lui sera faite.

VERS LE BAC Oral (entretien) Marivaux critique ou, du moins, met en évidence, dans cet extrait le poids des préjugés sociaux : tout en ayant endossé des rôles de domestiques, Silvia et Dorante ne peuvent s’empêcher d’exprimer leur mépris vis-à-vis de cette classe sociale. C’est que, comme le dit Marivaux dans nombre de ses pièces, « on a rangé les conditions ». Et cette identité sociale, une fois attribuée par le hasard de la naissance, est inamovible. Le prétendre serait vain. L’auteur se moque également de l’hypocrisie des relations amoureuses dans les milieux aisés : l’amour n’est qu’un jeu vain. Ce qui importe, c’est la condition sociale des futurs époux qui doit être égale. Pour parvenir à exprimer un peu de sincérité, Dorante et Silvia sont obligés de se déguiser, de mentir. Et d’en souffrir. Le masque, paradoxalement, est le seul révélateur de l’âme humaine.

Invention Il s’agit ici de réutiliser la question d’histoire des arts.

Bilan / Prolongement Un dossier sur la mise en scène de Jean Liermier, avec des extraits vidéo et une interview du metteur en scène expliquant sa scénographie, se trouve sur le site www.tv5.org. L’on peut également y commander le DVD du spectacle. On peut approfondir la notion de comique de situation et de caractère, ainsi que la réflexion sur le fonctionnement du marivaudage en comparant cette scène avec celle des Fausses Confidences (p. 195). Ce travail fait comprendre que les artifices théâtraux (jeux de rôles, déguisements) sont chez Marivaux le moyen de révéler les sentiments vrais. Les personnages, contrairement à Dom Juan, se trompent plus eux-mêmes qu’ils ne trompent l’autre. Dans une autre perspective, on peut approfondir le rôle comique des apartés avec l’extrait de Tardieu (p. 598).



06/09/11 11:52

6

Alfred de Musset, On ne badine pas avec l’amour, ⁄8‹›  p. ⁄¤∞

Objectifs : – Comprendre le rapport du texte à l’espace théâtral grâce à la présence d’un personnage, caché pour ses partenaires, mais visible pour le public. – Analyser le fonctionnement de l’énonciation théâtrale. – Réfléchir sur le registre comique et son évolution dans le théâtre romantique.

Double jeu amoureux LECTURE DU TEXTE 1. Perdican s’adresse d’abord à Rosette, avec qui il a un rendez-vous amoureux, en témoignent les nombreux verbes injonctifs qui lui sont destinés. Indirectement, il s’adresse à Camille, qu’il sait cachée, en mentionnant des faits la concernant : « c’était une bague que m’avait donnée Camille », « tu ne veux pas te faire religieuse » (au contraire de Camille). Camille, visible uniquement pour les spectateurs, exhibe le fonctionnement de l’énonciation au public. 2. Le badinage est censé être un jeu sans gravité. Or, ici, la scène est particulièrement cruelle pour chacune des jeunes filles. Rosette est utilisée pour rendre jalouse Camille, alors qu’elle croit en la sincérité de Perdican : la dernière réplique avec le « hélas » et l’expression « comme je pourrai » indique qu’elle ne se sent pas à la hauteur de cet amour, mais qu’elle est tombée amoureuse. Et Camille souffre de voir sa bague, symbole de lien, d’engagement, jetée sans hésitation dans l’eau. Dans cette scène, on ne sait rien des sentiments de Perdican : cherche-t-il vraiment un amour plus sincère, plus pur avec Rosette, comme il le dit aux lignes 17-21 ? On ne sait pas. Le registre de cette scène n’est donc pas comique, mais plutôt pathétique. 3. La mise en espace est fondamentale avant de décider des intentions de chacun : qui regarde qui ? À qui chaque réplique est-elle adressée ? Les personnages sont-ils proches ou distants les uns des autres ? On peut d’abord faire jouer la scène sans parole, puis en ne gardant que les phrases les plus importantes.

HISTOIRE DES ARTS Le décor de P. Faure est constitué d’une vraie pelouse plantée sur un plateau nu en pente. L’action est ainsi tournée, projetée même vers le public. Il ne s’agit pas d’un lieu précis, identifiable. On sait que tout se passe en extérieur mais on ne trouve ni fontaine, ni arbre, ni maison qui servirait de point de repère. On sait seulement que l’on est dehors, dans la nature. Et plus précisément dans la Nature, avec un grand N, dont Perdican parle souvent comme d’un lieu enchanté, symbole de l’enfance heureuse et pure. C’est une conception romantique du paysage. Pourtant, ce paysage ne reflète pas l’état d’âme des personnages. Il y a même un sérieux décalage entre le décor (renvoyant au vert paradis des amours enfantines) et leur ressenti. C’est le costume qui l’exprime : tous sont vêtus de noir, ce qui tranche avec le vert très vif de l’herbe. Les costumes ne renvoient pas au XIXe siècle. Ils donnent aux jeunes gens une allure sévère, comme s’ils étaient déjà en deuil de leurs illusions. La mort rôde. Ce que dit P. Faure de ces choix : « Le vert du règne végétal choisi comme couleur d’éveil, de secret et d’épanouissement de la jeunesse à travers la réalité d’un gazon véritable. […] Des costumes noirs qui s’affirment picturaux, libres et délivrés dans l’élégance. » Dans cette scène, Camille est placée en avant-scène, elle ne regarde pas ni Rosette ni Perdican : par convention, le public doit accepter que personne ne se voit. P. Faure exhibe ainsi nettement l’artificialité de la situation. Mais en rapprochant Camille du public, il le prend davantage à témoin de la cruauté de la situation, d’autant plus que la position allongée du couple renforce la tendresse de leurs relations, ce qui rend la scène insupportable aux yeux de Camille.

ÉCRITURE Invention Pour comprendre ce qu’est un monologue, on peut lire le monologue romantique d’Antony (p. 489) ou le corpus (p. 191-93). Pour le registre lyrique, voir l’extrait de la scène d’exposition d’On ne badine pas avec l’amour (p. 539) et une tirade de Camille (p. 487). 6 Mettre en scène la variété du comique |


105

06/09/11 11:52

Bilan / Prolongement Le comique de situation du trio amoureux conventionnel se teinte ici de gravité et comporte une critique sociale : la servante est un jouet au milieu des querelles d’amoureux irresponsables et égoïstes. Ce personnage, traditionnellement l’adjuvant du jeune couple, fait dans cette pièce les frais de leur dépit. Elle en meurt tragiquement. Pour comprendre l’évolution du théâtre à l’époque romantique, dans la forme et la conception des personnages, on peut lire le « Parcours de lecteur » consacré Lorenzaccio (p. 145 sq.).

‡

Georges Feydeau, Le Dindon, ⁄8·6  p. ⁄¤6-⁄¤8

Objectifs : – Analyser le fonctionnement d’un quiproquo. – Comprendre les procédés comiques d’un vaudeville : comique de situation, comique de gestes et de paroles, utilisation d’accessoires, rythme. – Analyser le rapport du texte à la scène : le lien entre le dialogue et les didascalies.

De mensonges en portes qui claquent LECTURE DU TEXTE 1. Les différents quiproquos : Vatelin prend Mme Pinchard endormie dans le lit pour Maggy, sa maîtresse (l. 8-9). Pinchard prend Vatelin pour sa femme endormie (l. 30), puis pour un amant de sa femme (l. 42). Lucienne prend Mme Pinchard pour la maîtresse de son mari (l. 49-50 et 60) Et, enfin, Pontagnac croit que Lucienne parle de lui quand elle annonce qu’elle prendra un amant (l. 73-76). Ces quiproquos en série sont possibles parce que le garçon d’étage a attribué la même chambre aux Pinchard et à Vatelin. Ensuite, Vatelin se couche sans distinguer qui est sous la couverture et s’endort rapidement à cause du somnifère. Enfin, Lucienne surprend, comme elle s’y

attendait, son mari dans le lit d’une autre femme et ne peut interpréter autrement la situation. Vatelin ne peut s’expliquer sur sa présence dans cette chambre puisqu’il s’enfuit en courant. Le dernier quiproquo sur l’identité de sa maîtresse n’est donc pas résolu. Quant à Pontagnac, il n’a jamais douté qu’il serait l’amant de Lucienne et c’est sa présomption qui le piège.

2. Les objets et accessoires servent autant à rendre vraisemblable la situation qu’à accentuer le comique. – Vatelin enlève et dépose sur le lit, sur le fauteuil ses vêtements : alors qu’il est dans une situation d’adultère, il prend soin de tout plier. Il a – romantiquement – apporté ses pantoufles, comme s’il était chez lui (l. 5-8), mais il a oublié au dernier moment d’enlever son chapeau de sa tête (l. 20-21). Ce sens de l’ordre petit bourgeois, dont Feydeau se moque ici, lui sera bien utile au moment de fuir (l. 46-47) ! – Vatelin prend les chaussures de Pinchard pour celles de Maggy alors qu’elles sont d’une grande pointure (l. 13-14) : fonction comique. – Vatelin boit le verre de somnifère croyant que c’est de l’alcool. C’est ce qui explique qu’il n’entend pas Pinchard entrer (l. 15-16). – Pinchard met sur le ventre de Vatelin un cataplasme brûlant qui le réveille en sursaut (l. 29-31) : fonction comique. 3. L’expression « être le dindon de la farce » signifie être trompé, être la dupe de quelqu’un. Pontagnac espère, en prenant Vatelin en flagrant délit d’adultère, avoir Lucienne. Mais à la fin de la scène 17, elle annonce qu’elle veut avoir une liaison avec Rédillon. Pontagnac aura monté ce piège pour rien (l. 64 à la fin) ! Voir aussi l’extrait de l’acte I, scène 1 où Pontagnac tente de séduire Lucienne (p. 541).

HISTOIRE DES ARTS Identifier les personnages sur l’image : debout sur le lit, Mme Pinchard ; Lucienne secoue son mari, Vatelin, qu’elle a tiré du lit en sous-vêtements ; devant eux, de dos, Pinchard ne comprend rien à la scène ; à la porte, espérant tirer parti de la situation, Pontagnac. Cette scène de flagrant délit devient une scène de flagrant délire : dans une ambiance de folie, on assiste à l’hystérie de Mme Pinchard, l’incrédulité de son mari, la colère de Lucienne qui



06/09/11 11:52

n’hésite pas à malmener son mari et à la sournoiserie d’un Pontagnac qui ne s’avance pas dans la chambre et les laisse régler leurs comptes. La place centrale et la taille du lit rendent bien compte aussi de l’importance de l’espace : la chambre d’hôtel est le lieu de l’adultère, au centre des intrigues de vaudeville.

VERS LE BAC Invention Au préalable, on peut lire ce que Feydeau dit de sa pièce (p. 493), ainsi qu’un autre extrait du Dindon (p. 541). Ce travail aidera à trouver des arguments positifs mais de nature différente : – arguments mettant en valeur le comique : théâtre divertissant, léger, d’accès facile avec des situations de quiproquos, des courses-poursuites, des cris, des bagarres. Le vaudeville propose un théâtre d’action, il est extrêmement visuel ; – arguments soulignant la virtuosité du rythme des dialogues, du jeu d’acteurs perpétuellement dans l’excès (voir les mimiques sur les images, p. 127 et p. 493), les démonstrations physiques ; – arguments suggérant aussi la visée satirique : le milieu petit bourgeois et son hypocrisie, sa médiocrité (Vatelin n’est pas un séducteur sympathique), les conventions sociales du mariage, les tromperies.

Commentaire Le comique du vaudeville est une mécanique très bien orchestrée avec des situations absurdes poussées jusqu’au burlesque et des dialogues très rythmés mettant en scène des caricatures de bourgeois, certes mesquins et lâches mais tellement réjouissants. 1) Le comique de situation – Il faut mener l’analyse des différents quiproquos (question 1) et leur rapport à l’espace et aux objets : le lit où deux personnes sont profondément endormies, le cataplasme posé par erreur sur Vatelin, les vêtements ramassés à la hâte par Vatelin (l. 46-47) et Mme Pinchard (l. 53-54), tous deux dans une situation embarrassante. – Ensuite, on peut examiner les conséquences comiques des quiproquos : la peur de Vatelin, la colère du mari, l’effroi de Mme Pinchard, l’indignation de Lucienne. Chaque réaction est soulignée par des répliques courtes, exclamatives avec des répétitions qui les rendent caricaturales, aux lignes 35-37, 42.

2) Le comique de gestes et de langage – L’enchaînement des répliques est extrêmement rapide. Il consiste surtout en cris de surprise, de colère, de peur, surtout au début de la scène (l. 32-37). Le plus comique est la stupeur réciproque de Vatelin et Mme Pinchard, surpris en flagrant délit d’adultère sans même se connaître. – Les personnages en viennent tout de suite aux mains : on peut relire aux lignes 39-44 les appels à l’aide des trois personnages se croyant attaqués (l. 41) et les répétitions comiques des lignes 40 et 44. – L’intrusion de deux nouveaux personnages vient encore compliquer les relations : elles s’enveniment avec la colère de Lucienne (l. 44), la peur de Vatelin (l. 45). Pinchard semble alors conforté dans sa volonté d’en découdre avec Vatelin et la poursuite commence : Vatelin sort le premier, suivi de Pinchard, suivi de Mme Pinchard, suivie de Lucienne. Les sorties dans le vaudeville se font toujours en trombe, avec des portes qui claquent. Pontagnac, enfermé à la fin de la scène, est vraiment le dindon de la farce. 3) Des personnages ridicules Chaque personnage est enfermé dans son univers et sa sottise : Pinchard n’arrête pas de répéter qu’il y avait un homme dans le lit de sa femme (répétition comique de « ma femme » l. 42, l. 48-49, l. 51-52), sans même se rendre compte que celle-ci est tout aussi surprise que lui. Il l’abandonne dans la chambre et elle se sent alors obligée de le poursuivre dans le couloir (l. 54-55). Vatelin, dès qu’il aperçoit Lucienne, agit en mari coupable et fuit. C’est le type du lâche, incapable d’assumer les conséquences de ses actes. – Mais les plus comiques sont sans doute Lucienne et Pontagnac : l’épouse indignée est prête à se venger de son mari, alors qu’elle-même est infidèle. Elle exprime fortement son désir de revanche par des phrases exclamatives au futur, scandées d’interjections (l. 67, 70). Elle répète le mot « amant » pour se persuader de son bon droit. – Pontagnac, l’ami prévenant qui fait tout pour dénoncer Vatelin, croit que Lucienne se tourne vers lui : il lui rappelle sa promesse et manifeste sa satisfaction à la ligne 72. Il est certain de connaître déjà le nom de l’heureux élu (l. 75) et reste suffoqué quand elle prononce le nom de… Rédillon. Ce moment d’incompréhension lui est fatal : il trouve porte close quand il veut sortir. 6 Mettre en scène la variété du comique |


107

06/09/11 11:52

Dissertation Ce sujet permet de montrer le rapport étroit entre la scène et le texte. Il s’agit de faire comprendre que certains éléments sont indispensables au bon déroulement d’une scène et que d’autres sont de libres interprétations du texte par le metteur en scène. Chacun des termes de la citation doit être expliqué : – demander aux acteurs de jouer avec des accessoires : ils doivent utiliser de façon dramatique ou comique certains objets ou accessoires de costume qui sont nécessaires ; – faire vivre des objets : les utiliser de façon symbolique et non seulement illustrative ; – animer les décors : jouer avec l’espace, lui donner une fonction ludique ou symbolique. 1) Un espace qui s’anime – Le lieu où se passe l’intrigue est toujours représentatif d’un milieu, d’une époque, d’une situation, comme le prouvent le palais tragique ou l’intérieur bourgeois de la comédie, la chambre du vaudeville. La scénographie choisie par le metteur en scène souligne ces éléments sociaux, en fait des clichés. On donne l’exemple du jardin anglais pour La Cantatrice chauve (p. 114115) ou l’intérieur raffiné d’Art (p. 136-137). – Cet espace a une fonction dramatique importante, soulignée par les auteurs romantiques ou contemporains en de longues didascalies (voir textes 4 p. 485, 1 et 3 p. 492). L’espace chez Beckett, par exemple, accentue la solitude profonde de personnages se raccrochant à des objets (voir Oh les beaux jours, p. 191, 194 et 492). – Dans le vaudeville, l’espace est au contraire ludique : il permet des allées et venues complexes, rythmées et comiques (Le Dindon). On peut y être caché des autres, mais être à vue du public : Le Dindon est à comparer avec le fonctionnement plus dramatique de l’espace dans On ne badine pas avec l’amour (p. 125). 2) Des objets indispensables avec lesquels on joue – Certains accessoires indiqués dans les didascalies viennent seulement apporter de la vraisemblance à la représentation d’un milieu ou d’une situation : le jeu avec les vêtements et les objets dans la scène du Dindon (question 2), la description de Clara dans la didascalie initiale de La Visite de la vieille dame (p. 134) en sont de bons exemples.

– Certains accessoires prévus par l’auteur sont indispensables à la construction d’une scène : la fiole de poison avec laquelle se suicide Ruy Blas (p. 162), les objets dans les textes du corpus sur la lettre (p. 195-198), les éléments de maquillage ou les postiches indispensables à la transformation de Jean en rhinocéros dans la pièce de Ionesco (p. 280-81). – L’objet peut être un praticable qui se déplace, comme la voiture de Mère Courage et ses enfants (p. 152-53) : elle est l’outil de travail, la maison, la raison d’être de l’héroïne et sa perte aussi. Pour Brecht, tout objet est révélateur de la situation sociale. 3) Des objets ajoutés par le metteur en scène pour éclairer une scène Le metteur en scène est toujours libre d’introduire des objets permettant de mieux comprendre les relations entre les personnages ou des éléments de décor symboliques rendant compte de l’atmosphère. Il faut alors se demander si ces ajouts sont des interprétations pertinentes du texte ou s’ils parasitent la bonne compréhension de la situation. – Sganarelle rase Dom Juan dans la mise en scène de Lassalle (p. 121) et semble ainsi tenir son maître en son pouvoir. – Omar Porras fait jouer ses acteurs avec des masques pour insister sur l’aspect caricatural des personnages de La Visite de la vieille dame (p. 134). – Sobel installe une main géante comme décor d’Ubu Roi pour signifier l’abus de pouvoir et la folie du personnage (p. 133) Les acteurs s’y déplacent de façon très inconfortable, ce qui souligne l’instabilité de tout pouvoir. – Ariane Mnouchkine transpose Shakespeare dans l’univers japonais pour en souligner l’étrangeté et la puissance spectaculaire (p. 139).

Bilan / Prolongement Le vaudeville est une forme qui permet de bien comprendre les enjeux d’une mise en scène parce qu’il exhibe en permanence la théâtralité : jeu avec des apartés, avec l’espace, avec des accessoires, mensonges et quiproquos en série. Même si la satire sociale n’est pas l’objectif premier des auteurs du théâtre de boulevard, elle est pourtant présente et ce texte peut faire le lien avec le corpus suivant.



06/09/11 11:52

Des documents sont disponibles sur la mise en scène du Dindon par Philippe Adrien sur le site du Théâtre de la Tempête (saison 2010-2011).

LE THÉÂTRE, LIEU DE LA SATIRE SOCIALE ET POLITIQUE

8

Aristophane, Les Cavaliers, ›¤› av. J.-C.  p. ⁄¤·

Objectifs : – Introduire l’idée d’un théâtre critique et satirique. – Découvrir le modèle grec et les enjeux politiques du théâtre dans une démocratie.

Jouer les dérives de la société LECTURE DU TEXTE Prérequis : Lire les informations concernant le théâtre grec (p. 140) et regarder l’image de vase grec représentant le chœur des cavaliers : sont visibles les masques et le musicien accompagnateur. Puis, lire les pages 182-186 pour comprendre le rôle de l’espace et du chœur. Rappeler le contexte rituel des représentations.

1. Lepeuple est une personnification du corps des citoyens athéniens, à savoir des hommes adultes, nés d’un père athénien, libres. Ne sont citoyens, ni les femmes, ni les étrangers, ni les esclaves. Seuls les citoyens sont autorisés à voter. Lepeuple est présenté de façon caricaturale : son caractère est dénigré avec les termes : « rustre d’humeur » et « petit vieux acariâtre ». Il est de santé fragile, atteint de surdité : « quinteux », « dur d’oreille », ce qui signifie qu’il n’entend pas les bons discours. C’est surtout sa naïveté qui est tournée en dérision : il se laisse manipuler par n’importe quel flatteur : on le voit à l’énumération de tous les efforts du Paphlagonien pour le séduire (l. 5-7). Lepeuple est paresseux, il préfère son bon plaisir aux séances du tribunal (l. 8-9). La métaphore de la maison, l’utilisation d’un langage familier ou du discours direct rendent le portrait plus concret, en font une petite scène de théâtre. La métaphore filée de la nourriture

avec laquelle on nourrit Lepeuple suggère que la démocratie ne fonctionne pas sur le sens civique, les motivations politiques des citoyens ou leur analyse critique d’une situation donnée mais sur des distributions d’avantages, des contreparties matérielles. Le blocus de Pylos où Nicias a échoué et Cléon gagné, est transformé en plat préparé par l’un et apporté par l’autre : « c’est pourtant moi qui les avais battus ».

2. Le procédé principal de la caricature et de la satire est l’hyperbole dont on trouve ici plusieurs variantes : – répétition, ligne 5 et à nouveau ligne 12 de « fieffé » ; – accumulation, lignes 5-6, renforcée dans la traduction par la répétition de « et » ; – gradation (l. 9) des synonymes employés : « empiffre-toi », « bouffe », « bâfre ». Le traducteur a cherché des allitérations en [f] pour accentuer l’effet comique ; – métaphore du chasse-mouche pour chasser les orateurs ; – métaphore des oracles pour suggérer les promesses peu crédibles du Paphlagonien et de la sibylle pour évoquer l’aspect fumeux des positions politiques de Lepeuple.

ÉCRITURE Vers la dissertation – Le principe de la caricature exagère les traits pour les rendre plus visibles, plus concrets : voir sur ce point les caricatures politiques dans les journaux et la personnification de Lepeuple en petit vieux grincheux chez Aristophane. – La transposition des situations politiques en situations domestiques, plus directement familières au public, souligne les enjeux des relations entre les hommes politiques et les citoyens, fait ressortir les défauts des uns et des autres. – La description d’un univers carnavalesque (Aristophane) ou bouffon (Ubu Roi p. 132-133) montre les dérives possibles des régimes politiques. Mais ce discours comique n’a pas de réel impact sur la vie politique. Il sert seulement de contrepouvoir, d’espace de liberté. La démocratie athénienne a succombé à ses défauts et Aristophane n’a rien pu y faire. 6 Mettre en scène la variété du comique |


109

06/09/11 11:52

VERS LE BAC Oral (analyse) 1) Ce texte montre les dérives de toute forme de démocratie : les citoyens n’ont pas de véritable sens civique et se laissent donc facilement berner par des démagogues, parasites sans scrupules, qui leur font de belles promesses, les flattent et surtout maintiennent leurs privilèges ou leur confort et en récoltent pour eux-mêmes des avantages substantiels. L’intérêt collectif passe après l’intérêt individuel (voir question 1). 2) Ceux qui pourraient éveiller la conscience critique des citoyens sont facilement écartés ou muselés. Lepeuple est difficile à diriger, versatile, peu reconnaissant des efforts accomplis pour le bien collectif : les plaintes du serviteur fidèle et la référence à la nourriture, préparée par l’un et servie par un autre, en témoignent (l. 10 à la fin) (voir deuxième partie du commentaire).

Ses viles flatteries sont évoquées par l’accumulation comique et familière des lignes 5 à 7. Son discours obséquieux est rapporté au discours direct pour le rendre plus vivant. Il comporte des verbes injonctifs d’exhortation, et une phrase interrogative montrant que le parasite sait ce qui fait plaisir à son patron. – Le fidèle serviteur, en narrant ce qui se passe dans la maison, manifeste son indignation avec véhémence : les lignes 10-13 se terminent par deux phrases exclamatives. Il explique la stratégie du parasite : se faire bien voir avec de bons petits plats, préparés en réalité par d’autres (allusion à un événement réel, la victoire de Pylos, voir note), écarter ceux qui pourraient l’inciter à faire sérieusement de la politique (la métaphore du chasse-mouches) et l’endormir avec de belles paroles (métaphore des oracles).

Commentaire

Bilan / Prolongement

Les citoyens athéniens sont ici incarnés par un maître stupide et égoïste. La démocratie athénienne est épinglée à travers la métaphore filée de la maison livrée à un parasite sans scrupule.

La comédie politique n’a connu qu’une durée de vie limitée à Athènes. Elle s’éteint avec la démocratie qui a permis son apparition, peu après la tragédie. La comédie romaine n’aura pas vocation critique ou satirique. Elle transporte le public dans un pur univers ludique (voir Amphitryon de Plaute, p. 116). Pour évoquer un parasite qui s’installe dans une maison, on peut faire lire un extrait de la scène d’exposition du Tartuffe de Molière et comparer le bon serviteur d’Aristophane avec Dorine (extrait p. 489).

1) Un patron stupide et naïf – Le texte commence par un portrait à charge de Lepeuple (voir questions 1 et 2) : les défauts indiqués ici évoquent un manque de conscience civique, une absence de véritable vue politique, une naïveté alliée à une grande versatilité. – Les nombreuses références à la nourriture suggèrent que Lepeuple ne se préoccupe que de cela et qu’il suffit de lui servir les plats qu’il aime pour avoir ses faveurs (gradation : l. 8-9) : les fèves destinées au vote ou l’allocation versée pour participer aux assemblées deviennent dans le texte des aliments à consommer. La transposition comique chez Aristophane transporte les personnages dans un univers carnavalesque où le seul but est le festin final. 2) Une maison livrée à un serviteur sans scrupules Dans cette maison, s’affrontent deux types de serviteurs : les fidèles qui disent vouloir le bien de leur maître (mais est-ce si sûr ?) et le parasite qui le flatte pour mieux l’exploiter ou le tromper. – Cléon, démagogue notoire de 424 av. J.-C., est dépeint sous les traits de l’esclave paphlagonien appelé : « fieffée canaille », « fieffé menteur ».

·

Beaumarchais, Le Mariage de Figaro, ⁄‡‡8  p. ⁄‹‚-⁄‹⁄

Objectifs : – Analyser une scène de conflit : rythme, enchaînement des répliques, lutte de pouvoir. – Comprendre l’évolution du couple maître / valet au XVIIIe siècle et ses enjeux sociaux. – Analyser les procédés de la satire sociale.



06/09/11 11:52

Le duel du valet et du maître LECTURE DU TEXTE Prérequis : Lire l’extrait de la préface de Beaumarchais (p. 605) pour comprendre la visée de l’auteur. Un extrait du Barbier de Séville se trouve page 196.

1. Figaro a aidé le Comte à enlever Rosine à Bartholo, dont elle était la très jeune pupille et la future femme. Rosine est devenue la Comtesse. En récompense, Almaviva a donné à Figaro un emploi de valet. Mais maintenant, lassée de son épouse si difficilement conquise, il convoite Suzanne, la fiancée de Figaro. Il se montre donc ingrat à son égard. Les deux hommes sont devenus rivaux amoureux. 2. Les deux apartés des lignes 17-18 montrent que chacun essaie d’avoir l’avantage sur l’autre et, pour cela, examine les réactions de l’adversaire. Les répliques sont relativement courtes (c’est un duel verbal) et c’est seulement vers la fin de l’extrait que Figaro semble gagner du terrain avec des répliques plus développées. L’insolence de Figaro est perceptible quand il refuse de répondre aux questions du Comte (voir la l. 5, puis la reprise du pronom « combien », l. 14). Un certain nombre de phrases interrogatives ou exclamatives sont des reproches que chacun lance à l’autre (l. 7, 10-12, 14, 31). Alors que le Comte peut se permettre d’attaquer directement son valet Figaro, celui-ci doit biaiser. C’est pourquoi il utilise des formes impersonnelles (« on en voit partout » l. 9) ou des présents de vérité générale (l. 14-16). 3. Le Comte reproche à Figaro d’intriguer dans son dos, de le trahir. Il est donc en colère, se méfiant de son valet, ni sincère ni honnête. On le constate aux lignes 1, 3, 8, 13, en relevant la métaphore de la marche : « jamais aller droit ». Figaro reproche au Comte son ingratitude et son manque de respect (l. 6-7). Il se sent méprisé. Il accuse son maître de l’avoir poussé à cette attitude hypocrite. Tous deux sont amers et ont perdu la complicité qui les avait réunis dans Le Barbier de Séville. 4. Figaro utilise l’ironie : il oppose le calme paisible de sa vie en Andalousie avec les missions trépidantes (« le courrier étrenné de nouvelles intéressantes » avec jeu de sonorités sur les mots) que lui confierait le Comte à Londres :

« il faudrait la quitter si souvent que j’aurais bientôt du mariage par-dessus la tête ». En réalité, il sait très bien que le Comte profiterait de ses absences pour séduire Suzanne. Quand le Comte envisage une carrière pour lui, « dans les bureaux », ministères, ambassades, Figaro lui rappelle que seule l’obséquiosité, la flatterie permettent d’avancer : « médiocre et rampant ; et l’on arrive à tout ». Toute sa dernière réplique comporte des paradoxes avec une succession de verbes à l’infinitif décrivant une société corrompue, où chacun intrigue sans aucune morale (« répandre des espions et pensionner des traîtres »), où les plus médiocres arrivent mieux que les autres (« paraître profond, […] quand on n’est que vide et creux »), où tous les moyens sont bons (« ennoblir la pauvreté des moyens par l’importance des objets »).

HISTOIRE DES ARTS Voici les éléments de la préface de Beaumarchais à reprendre : « Le Comte Almaviva doit être joué très noblement, mais avec grâce et liberté. La corruption du cœur ne doit rien ôter au bon ton de ses manières. » Pour Figaro : « L’on ne peut trop recommander à l’acteur qui jouera ce rôle de bien se pénétrer de son esprit [...]. S’il y voyait autre chose que de la raison assaisonnée de gaieté et de saillies, surtout s’il y mettait la moindre charge il avilirait [le] rôle. » L’auteur insiste donc sur les nuances des deux rôles : le Comte reste un homme du monde et Figaro n’est pas une canaille non plus. Nulle caricature, cruauté ou cynisme chez le Comte ; nulle vulgarité chez Figaro. C. Rauck respecte cette vision des deux hommes. L’image de mise en scène montre deux hommes qui ne s’affrontent pas en face : le Comte est raide dans son habit du soir et Figaro pointe un doigt accusateur vers le public, incarnant la société. Son geste est véhément et le Comte, s’il semble mécontent, a l’air incapable de vraiment réagir. La distance entre eux est celle de l’amertume que chacun ressent. On peut comparer cette image à celles de Sganarelle et Dom Juan (p. 119-121) : quand Lassalle imagine que Sganarelle rase Dom Juan (p. 121), il fait en effet une référence implicite à Figaro, barbier de Séville. Il établit donc un pont entre le valet soumis du XVIIe siècle et le valet frondeur du XVIIIe siècle. 6 Mettre en scène la variété du comique |


111

06/09/11 11:52

VERS LE BAC Question sur un corpus Les ressemblances : le maître domine : il attaque directement à son valet. Mais Dom Juan est beaucoup plus méprisant de le Comte : on est dans le registre de l’insulte avec « la peste, le benêt », « du louche dans tout ce que tu fais », « jamais aller droit ». Le maître tutoie son valet qui le vouvoie, mais le « Monsieur » de Sgnarelle est moins obséquieux que les « Monseigneur », « Votre Excellence » ironiques de Figaro. Les maîtres montrent que la présence du valet leur est indispensable : les apostrophes de Dom Juan à Sganarelle (l. 59-60), et les regrets exprimés par le Comte (l. 1) en attestent. Les maîtres se confient à leurs valets. Les différences : Sganarelle est un valet impressionné et admiratif (répétition de « quel homme »). Il ne se révolte pas contre Dom Juan, il se permet à peine des remontrances, des marques de désapprobation que Dom Juan arrête rapidement. Au contraire, Figaro est un valet insoumis, un homme qui attaque en même temps que son maître toute une classe sociale de privilégiés corrompus et sans scrupules. Son maître est d’ailleurs conscient des qualités de son valet : qu’on relise les lignes 25-26. On constate donc bien une évolution entre le XVIIe siècle et le XVIIIe. Elle correspond à la propagation des idées des Lumières, en particulier celle qui veut que les bonnes places soient distribuées au mérite.

Invention Il ne s’agit pas de faire écrire des didascalies, mais un dialogue entre metteur en scène et des acteurs, en répétition. On peut donc inclure quelques passages du texte de Beaumarchais, mais pas trop. Il faudrait faire préciser les positions respectives dans l’espace : face à face ou non, à distance ou non. Il faudrait imaginer comment sont dits les apartés. Et rappeler qu’on évitera de proposer une scène trop agitée : au théâtre, les duels verbaux fonctionnent mieux quand les adversaires ne sont pas trop mobiles, sinon le spectateur perd le texte.

Bilan / Prolongement Un extrait de L’Ile des esclaves (p. 487) de Marivaux permet de confronter le personnage

d’Arlequin, valet insolent et paresseux de la Commedia dell’Arte à Figaro qui a gagné en profondeur et en conscience politique. Marivaux, même s’il utilise des déguisements de domestiques pour des personnages nobles (Le Jeu de l’amour et du hasard, p. 123-124) ne remet pas foncièrement en cause la hiérarchie sociale. On peut faire écouter un extrait des Noces de Figaro de Mozart comme ouverture sur l’histoire des arts.

⁄‚

Alfred Jarry, Ubu Roi, ⁄8·6  p.⁄‹¤-⁄‹‹

Objectifs : – Analyser les procédés de la satire au théâtre (parodie, caricature, burlesque). – Analyser le rapport du texte à l’espace théâtral (dans une parodie de scène d’exécution). – Confronter les registres comique et tragique.

Une parodie de roi LECTURE DU TEXTE 1. Définition du Robert de « jeu de massacre » : jeu forain qui consiste à abattre des poupées à bascule, en lançant des balles de son. L’exécution expéditive des nobles, puis des magistrats ressemble à ce jeu de foire. On leur laisse à peine le temps de répondre. Puis, ils sont condamnés et exécutés (l. 24, 39). Ils sont précipités dans une trappe, où ils tombent. On peut d’ailleurs imaginer un jeu de scène qui rappellerait cela, en alignant les nobles et en les faisant simplement basculer en avant sur l’ordre d’Ubu. 2. Le burlesque consiste à traiter un genre noble (la tragédie et les scènes de pouvoir) de façon triviale. La justice expéditive d’Ubu est donc une parodie burlesque de tribunal. Ubu se comporte lui-même comme un roi bouffon (voir le dessin qu’en a fait Jarry, p. 141). Il est d’ailleurs appelé « Père Ubu » expression utilisée à la campagne. Son langage est familier et comporte des



06/09/11 11:52

insultes grossières, d’autant plus drôles que certaines sont inventées par l’auteur : « pigner », « stupide bougre », « bouffresque », « merdre » resté célèbre. Malgré ses dérapages verbaux, il se prend au sérieux : « je vais d’abord réformer la justice, après quoi nous procéderons aux finances » (l. 27-28). Pourtant, son seul objectif n’est pas le bien du royaume mais son enrichissement personnel, qu’il annonce crûment aux lignes 12-13 : l’emploi de la majuscule sur les adjectifs possessifs suggère un ton insistant, puis la phrase, lignes 22-23, est cynique.

3. La parodie est une imitation caricaturale permettant de critiquer ou ridiculiser une personne, un groupe, une situation. Cette scène est une parodie de cour de justice royale : en réalité, les nobles ne sont accusés de rien. Ils doivent indiquer le montant de leurs richesses (pour qu’on puisse savoir exactement ce qu’on peut leur prendre) puis, ils sont automatiquement condamnés à mort. Qu’ils soient pauvres (l. 3) ou aisés (l. 6-8), leur sort est le même : il n’y a pas de petit profit au pays du Père Ubu. La violence de l’autocrate se manifeste dans ses phrases injonctives (l. 15, 24-25), ses décisions arbitraires (l. 4, 9), par son impatience (l. 15-24), les injures qui ponctuent son discours et, scéniquement, par le mode d’exécution voulant que les condamnés passent réellement à la trappe (voir la répétition insistante de « à la trappe »). On peut même les empiler collectivement (l. 24, 39). Bien sûr, Ubu ne supporte ni objection ni critique (l. 38-39, 43-44). 4. Ubu veut augmenter sa seule fortune personnelle. Pour récupérer l’argent de tous les riches, il les fait exécuter. Il demande aux juges de se payer sur les justiciables et condamnés pour faire des économies. Cela aggravera le caractère arbitraire de la justice, puisqu’elle sera fonction des revenus des accusés que l’on va spolier. Cette politique est également stupide, puisqu’elle élimine des gens qui pouvaient être des alliés ou des administrateurs du royaume. D’autre part, en s’enrichissant, Ubu appauvrit le royaume. C’est la Mère Ubu qui le lui fait remarquer, de la ligne 40 à la fin.

HISTOIRE DES ARTS Une autre image de cette mise en scène est disponible (p. 142). La main gigantesque symbolise

le pouvoir absolu, presque divin. C’est un pouvoir écrasant mais aussi un pouvoir instable : le relief chaotique de cette main gêne les déplacements des acteurs sans cesse en déséquilibre et on voit des doigts cassés : cette main de plâtre peut se briser ou écraser celui qui croit en être le maître. Le jeu de Denis Lavant (voir aussi p. 142) est excentrique, il fait de grands gestes, danse ; avec sa petite canne, il fait penser, en plus noir, au personnage de Charlot et non à un roi qui tiendrait en main un sceptre. Ses tenues sont extravagantes et non majestueuses : sa chemise pend sur ses cuisses (p. 133), sa cuirasse jure avec son collant noir moulant (p. 142) et ce contraste lui donne une silhouette rachitique et fragile.

VERS LE BAC Question sur un corpus Les deux rois sont fous et dangereux : tous deux décident d’exécuter des nobles pour s’accaparer leurs biens. Tous deux ne laissent aucune place à la désapprobation ou la critique. Ils fonctionnent sur la menace et l’intimidation. Cependant, Caligula est un roi tragique qui n’a pas un comportement burlesque, mais très inquiétant : ce n’est pas tant son intérêt personnel qui le motive que l’absurdité même et la malhonnêteté foncière de tout acte de pouvoir : puisque « gouverner, c’est voler » alors autant le faire sans limite : « pour moi, je volerai franchement », avoue-t-il. Alors qu’Ubu agit par caprice et stupidité, Caligula agit logiquement, froidement : « puisque j’ai le pouvoir, vous allez voir ce que la logique va vous coûter ». Caligula est habité d’un profond désespoir qui le rend extrêmement dangereux. Au contraire, la sottise d’Ubu est tellement visible, les exécutions semblent si peu réelles, que le spectateur ne doute pas qu’il sera renversé.

Invention On peut partir de la comparaison de plusieurs définitions pour mettre en évidence les deux sens importants : le lieu du spectacle et l’art de représenter des textes. On peut faire la liste d’expressions comportant le mot : faire son théâtre, c’est du théâtre, un coup de théâtre, un homme / une femme de théâtre, etc. 6 Mettre en scène la variété du comique |


113

06/09/11 11:52

Bilan / Prolongement La figure du roi est un modèle de personnage dont la théâtralité est exhibée : tous les rites de la royauté sont orchestrés dans un espace singulier et ils utilisent des accessoires, costumes, etc. Le théâtre met en évidence ces conventions pour mieux questionner le pouvoir. Voir le texte du Roi se meurt de Ionesco (p. 168-169) et le sujet de dissertation, p. 165.

⁄⁄

F. Dürrenmatt, La Visite de la vieille dame, ⁄·∞6  p. ⁄‹›-⁄‹∞

Objectifs : – Analyser les procédés comiques de la satire. – Analyser la construction d’un personnage de théâtre à travers son costume et sa première entrée. – Comprendre comment le théâtre met en scène des rapports de pouvoir.

L’entrée en scène fracassante d’une milliardaire LECTURE DU TEXTE 1. Une châsse est un coffre où l’on enferme les reliques d’un saint. En général, elle est ornée de pierres précieuses et fabriquée en matériaux nobles. L’extrême vieillesse de Claire fait penser qu’elle est presque à l’état de squelette (« inconfortable vieille carcasse ») et ce corps amoindri est entièrement recouvert de vêtements et bijoux, qualifiés avec un lexique hyperbolique : « chapeau immense », « collier de perles », « énormes bracelets d’or ». Tous ces objets signifient sa richesse. Elle semble, au vu de son équipage nombreux et du public qui l’attend, faire l’objet d’une vénération collective, comme si elle était devenue une sainte à force d’être riche. On attend d’elle des miracles. Pourtant, Dürrenmatt ne prend pas son personnage totalement au sérieux, il a une distance critique dans

sa didascalie : « d’une grâce peu commune en dépit de tout ce qu’elle a de grotesque ». Clara est une caricature de milliardaire décrépite.

2. Le chef de train est sûr de son bon droit et veut à tout prix faire respecter le règlement, tout en restant extrêmement poli : « puis-je vous demander une explication ? » (l. 16). Puis, comme Claire ne répond pas, il se fait plus autoritaire, mais toujours protégé du règlement : « j’attends une explication » (l. 31-32). Devant cette attitude légaliste, Claire répond par le mépris : « je tire toujours les sonnettes d’alarme » s’oppose à « on ne tire jamais la sonnette d’alarme, même en cas d’alarme ». La logique de Claire fait résonner comiquement l’absurdité des règlements. Ensuite, elle ne s’occupe plus du tout du chef de gare, jusqu’à ce qu’il se rappelle à elle. L’insulte (« vous êtes un imbécile »), l’adverbe « évidemment » et la question rhétorique « prétendez-vous » (l. 33-43) montrent qu’elle ne fait aucun cas de ses remarques. Et elle finit par régler le problème avec une grosse somme d’argent. Le comique repose sur la confrontation entre l’indignation du chef de gare (aussi furieux que le Roland Furieux, nom comique pour un train), personnage campé sur ses positions (le rappel des horaires) et le calme olympien, méprisant de Claire. 3. Les habitants de Güllen sont comiques dans leur affolement : comme ils ont été pris au dépourvu par l’arrivée de Claire, leur fête est ratée. Ils s’agitent dans tous les sens, comme le montre la succession de phrases exclamatives, ordres lancés de tous côtés (l. 24-30). Tous les « gens importants » (le maire, le pasteur, le proviseur) se sentent responsables de l’événement et font tout pour rattraper leur erreur, le maire ayant même besoin de son épouse pour parader. L’admiration sans bornes et stupide des gens est exprimée par les répliques collectives : « Des voix : La Zahanassian ! » (utilisation de l’article « la » comme pour une star unique au monde) ; « La Foule : Cent mille ? » Personne n’entend son jugement très négatif : « je reconnais ce triste trou, le patelin, ce pays sinistre ». Ill reste à l’écart de cette agitation. La didascalie mentionne qu’il est dans un rêve : il revit sa jeunesse avec Claire (c’est le seul qui l’appelle par son prénom), leur histoire d’amour à laquelle elle fait allusion (l. 19). Pourtant, elle



06/09/11 11:52

vient demander sa condamnation à mort et son exécution aux habitants de Güllen.

4. Les personnages secondaires fonctionnent comme une sorte de chœur (voir le chœur antique p. 186-87) : il commente et souligne les actions des personnages principaux. Mais il ne faut pas y voir une référence à la morale, comme dans la tragédie antique : ils servent principalement de faire-valoir lâches et veules à Claire. Ils sont répartis en deux groupes : ceux qui arrivent avec elle, mari et domestiques mettant en avant son train de vie extraordinaire (l. 6-10) mais ils n’ont aucune identité propre, comme le montrent les noms dont elle les a affublés. Ceux qui l’attendent, l’admirent d’emblée et espèrent d’elle des miracles pour les sauver de la ruine (qu’elle a en réalité provoquée). L’effet est comique, car ils ressemblent tous à des pantins autour du personnage très fort de Claire. L’auteur critique ainsi le pouvoir de l’argent qui transforme les gens en moutons, au service de celui qui peut tout se payer, même faire arrêter un train express dans un petit village.

HISTOIRE DES ARTS / ÉDUCATION AUX MÉDIAS La scénographie est minimaliste : tout est en bois, avec un plancher vert et des murs en planches marron. Cela représente la pauvreté du village de Güllen. Les personnages sont traités comme des types avec des masques souples couvrant la tête et des costumes ou accessoires immédiatement reconnaissables : la tenue bleue de l’employé du train est agrémentée d’une horloge géante pendue à son cou, la tenue de pêcheur du dimanche du mari qui se tient au garde à vous, la tenue très pauvre de Ill. Aucun bijou pour Claire, juste une robe noire à fanfreluches et un corsage à ramages, ce qui est assez sobre par rapport à la didascalie. Les masques empêchent de voir les expressions des visages : les personnages sont traités comme des marionnettes. Les bagages, nombreux, sont en carton pâte. O. Porras exhibe ainsi la théâtralité de la scène, souligne l’excès et les outrances de Claire, en créant autour d’elle un univers de pure fiction, sans aucun réalisme. Pour l’interview d’Omar Porras, il faut se poser la question du travestissement et des masques : Omar Porras joue lui-même le rôle de la vieille femme. On peut parler aussi de l’équilibre entre

la farce et la tragédie, entre l’univers très théâtral et la critique sociale bien réelle : le jeu souligne le grotesque des personnages mais la mise à mort d’Ill intervient bel et bien à la fin de la pièce.

VERS LE BAC Oral (entretien) Dürrenmatt donne l’impression d’un personnage à la fois ridicule et inquiétant : son arrivée avec armes et bagages est loufoque, son accoutrement est invraisemblable, mais l’auteur la décrit comme respectable malgré tout : « très femme du grand monde, d’une grâce peu commune ». Sa puissance tient à son argent : les hommes passent dans sa vie, portent de simples numéros mais sont beaucoup plus jeunes qu’elle (l. 8). Elle peut arrêter un train où elle veut, se payer n’importe quoi : un chef de train, un village, une vengeance. Et elle écrase tout le monde de son mépris : personne n’est capable de résister à la puissance de son argent. Michel Serres compare l’argent à un joker : dans un jeu de cartes, le joker n’a aucune valeur en soi. C’est une carte vide ou plutôt vacante : le joueur qui la détient lui donne la valeur qu’il souhaite et c’est pour cela qu’il est assuré de gagner la partie. Avec l’argent, c’est pareil. L’argent moderne est un bout de papier sans valeur marchande, voire un simple support numérique. Mais lors d’un échange, on peut le convertir en ce que l’on veut, quand on veut, où l’on veut. Et, tant que l’on n’a rien dépensé, on détient un immense cercle de possibilités. C’est cette réserve de puissance qui fait peur, qui fascine, qui fait saliver d’envie. Avec cela, on est sûr de l’emporter dans tous les rapports de force. C’est l’histoire que met en scène cet auteur contemporain. La vieille dame, qui sait très bien quelle carte maîtresse elle a en main, n’a aucun respect pour ceux qui, à travers elle, adorent le veau d’or : elle n’adresse aucune parole aimable à quiconque. C’est un personnage écrasant, mu par une volonté de puissance décuplée par le pouvoir de l’argent. C’est pourquoi rien ne peut l’arrêter.

Commentaire 1) Un personnage comique et inquiétant a) Construction scénique du personnage : la didascalie – Claire est une silhouette, un costume, des accessoires (voir question 1). 6 Mettre en scène la variété du comique |


115

06/09/11 11:52

Son excentricité est indiquée par les adjectifs hyperboliques : « immense », « énorme » et les adjectifs appréciatifs contradictoires qui sont des commentaires de l’auteur : « très femme du monde », « grâce peu commune » // « grotesque. » C’est un pur personnage théâtral ; l’adjectif « impossible » indique qu’elle est une fiction, une femme comme elle, ne peut exister. – Ses acolytes : trois serviteurs avec de nombreux bagages sont des signes de richesses. Le mari n° 7, « qu’elle appelle Moby », indique qu’elle est une femme qui collectionne les maris, ceux-ci ont peu d’importance pour elle puisqu’ils ne sont qu’un numéro et que c’est elle qui leur attribue un nom. Ce nom est d’ailleurs proche de celui du valet : tous deux se partagent le même rôle de faire-valoir. Les gens autour d’elle sont des marionnettes qu’elle manipule. Ce mari est caractérisé par son physique agréable et viril, et son attirail de pêche lui donne un côté décalé. C’est le seul qui vient pour l’aspect bucolique de Güllen. b) Un personnage autoritaire et cynique – Le premier personnage avec qui elle entre en communication est le chef de train : il est le porte-parole d’une forme de norme : l’institution des Chemins de fer, qui implique respect de l’horaire, respect des règles (« on ne tire jamais la sonnette d’alarme »), respect des itinéraires (« si vous désirez visiter Güllen »). Il ne connaît pas Claire et veut donc lui appliquer le règlement. Mais justement Claire n’est pas n’importe qui. Elle impose son mode de fonctionnement : elle est au-dessus des lois : « je tire toujours les sonnettes d’alarme » est l’exact contraire de la formulation du chef de train. Elle refuse de donner des explications et, au lieu de répondre au chef de train, s’adresse à Moby, ce qui marque son mépris pour le chef de gare. Quand enfin il insiste, elle l’insulte. La suite de phrases interrogatives rhétoriques, ironiques, indique son mépris des règles. – Enfin, elle règle le problème en donnant une somme extravagante, elle prend au pied de la lettre la menace du chef de train : « cela vous coûtera cher » et montre que n’importe quelle amende serait ridicule à ses yeux. Elle peut s’offrir n’importe quoi, même arrêter un express en pleine campagne et le chef de gare finira par s’excuser et vouloir même lui rendre son argent.

2) Une arrivée inattendue et comique a) Une cérémonie ratée Le principal effet comique du texte tient à la panique que suscite l’arrivée imprévue de Claire. Tout le monde l’attendait à l’arrivée de l’omnibus. Une foule (les notables, proviseur, maire et pasteur, un chœur = « des voix », « le premier » ; ils sont quatre en tout) est venue l’attendre, car le village, ruiné, compte lui demander une aide. Mais chacun semble avoir oublié comment Claire a quitté le village : enceinte, elle a été chassée alors que le père de son enfant, Ill, a refusé de le reconnaître. Elle est ensuite devenue prostituée et c’est ainsi qu’elle a épousé un milliardaire. Claire n’a rien oublié et est bien décidée à se venger du village. Il y a donc un décalage comique entre l’enthousiasme des villageois et son attitude distante. – C’est Ill qui la reconnaît et l’appelle par son prénom, signe de leur ancienne intimité. Aussitôt, son nom de famille est repris par le proviseur et le chœur : « La Zahanassian », nom de son premier mari milliardaire ; l’article défini la désigne comme une star, c’est affectueux et admiratif. Plus loin, c’est son prénom et son nom de jeune fille qui seront dits deux fois par le chœur. Ils rappellent ainsi qu’ils la connaissent bien, qu’elle est l’une des leurs. – La panique se marque par les appels des notables pour mettre en place rapidement ce qui avait été prévu : on entend une suite de répliques constituées de phrases exclamatives nominales, donnant des ordres pour rassembler tout le monde. La mise en scène n’est pas prête, seule Claire a fait son entrée comme elle le souhaitait. Tout ce passage montre leur crainte devant elle. Ils veulent faire bonne impression, mais c’est assez pitoyable : les didascalies montrent que l’un « part en courant » ; que l’autre « crie après lui ». b) La mise en place de la relation de pouvoir Claire, pas plus qu’elle ne s’adresse au début au chef de train, ne s’adresse à aucun d’eux, ni ne réagit à leur panique. Elle semble ne pas les voir : elle décrit le lieu à Moby avec des termes péjoratifs : « ce triste trou ». Elle parle de « patelin ». Puis, de « pays sinistre ». Elle exprime donc ouvertement son mépris (« me faire perdre une heure »). Pourtant, elle explique son arrêt pour « visiter ». Et il semble que seul son mari pêcheur y trouvera son compte. Mais les lieux qu’elle passe en revue sont en réalité



06/09/11 11:52

essentiels : « la grange à Colas » dans la forêt était le lieu de ses rendez-vous amoureux avec Ill. C’est d’ailleurs après cette référence qu’Ill la reconnaît. – Son mépris pour les habitants et leur village, sa façon de jouer avec son argent annoncent qu’ils vont être ses victimes et non les bénéficiaires de ses largesses. Elle ne donne pas par générosité, c’est une femme tyrannique et égocentrique.

Bilan / Prolongement Pour approfondir l’analyse de la mise en scène de l’abus de pouvoir, on peut comparer cette scène avec celle d’Ubu Roi (p. 132-33). Sur la notion de personnages caricaturaux, on peut comparer l’emploi des costumes et accessoires dans la mise en scène d’O. Porras à celui de La Cantatrice chauve par J.-L. Lagarce (p. 114-115) : on retrouvera la même exhibition de la théâtralité mais avec des moyens un peu différents, en particulier le masque supprime toute psychologie aux personnages. On peut revenir aux origines du masque de théâtre avec les Grecs (p. 189-190).

ingénieur (l. 51). Le médecin a acheté très cher un tableau entièrement blanc (l. 6-8) dont il est très fier (l. 18). L’intrigue se construit autour des réactions de ses amis à cet achat original.

2. Le dialogue porte d’abord sur la valeur marchande de la toile (l. 22-35), puis sur sa valeur esthétique (l. 36-42). Enfin Marc, d’abord sceptique et prudent, réagit très négativement et violemment (l. 44-48). Serge attend de Marc approbation et admiration (l. 36, 45). Le conflit théâtral se joue autour des valeurs esthétiques que chacun revendique (l. 52-55) ou autour des valeurs de l’amitié (l. 10). Ce conflit est immédiatement visible et les monologues qui ponctuent la scène indiquent les sous-entendus ou les enjeux implicites de la pièce. 3. Le tableau de Malevitch est le premier tableau monochrome de l’histoire de la peinture. Il constitue donc en 1917 une révolution, celle de l’abstraction, un art sans objet ni représentation. Au XXIe siècle, les toiles monochromes sont devenues banales et l’art abstrait est partout. Serge n’est donc pas particulièrement avantgardiste en achetant cette toile, qu’effectivement on lui a sans doute vendue à un prix exorbitant.

HISTOIRE DES ARTS

⁄¤

Yasmina Reza, Art, ⁄··›  p. ⁄‹6-⁄‹‡

Objectifs : – Analyser une scène d’exposition. – Découvrir la satire sociale chez un auteur contemporain. – Comprendre l’évolution du langage dramatique dans le théâtre contemporain.

Exposer la prétention culturelle

Le décor et les costumes sont en accord avec le tableau qu’ils mettent en valeur (posé au fond au sol) : les murs sont dans des dégradés de bleu anthracite et de gris, les meubles et le sol sont blancs. Les trois amis sont en noir, avec chacun une note individuelle : Marc porte un tee-shirt sous sa veste, Serge n’a pas de cravate et Yvan porte une cravate mais aussi un gilet peu élégant : ils sont à la fois interchangeables et un peu individualisés, habillés avec un standing qui indique leur milieu. Les silhouettes noires dessinent une note graphique et picturale sur le fond gris et blanc, ils forment eux-mêmes un tableau. L’objet du conflit est au centre, mais pas encore accroché. Il est éclairé par en bas, ce qui le rend un peu mystérieux.

LECTURE DU TEXTE 1. Une scène d’exposition doit présenter les personnages, la situation et annoncer l’intrigue. Les personnages sont deux amis de milieu social favorisé : l’un est dermatologue (l. 11), l’autre

VERS LE BAC Oral (analyse) Y. Reza renvoient les deux personnages dos à dos. 6 Mettre en scène la variété du comique |


117

06/09/11 11:52

1) Serge se croit supérieur parce qu’il aurait eu le culot d’acheter cette toile avant-gardiste, parce qu’il aurait l’audace de se dire l’ami de la modernité. En indiquant le prix, il donne une idée de ses revenus, il étale son aisance matérielle. Il exhibe aussi sa culture, ses relations avec le monde de l’art (« Handtington lui-même »), indiquant par là une volonté d’être reconnu comme un membre à part entière de l’élite, sphère de la « distinction ». Selon la mise en scène, cette prétention à la distinction peut être insupportable : s’il critique la « vanité incompréhensible » de Marc, il en fait preuve lui aussi. Ou au contraire pathétique : que cherche-t-il à prouver ainsi ? 2) Marc se présente d’emblée comme quelqu’un d’un peu distant par rapport à ce qu’il appelle « l’art », en italiques (l. 12). Il manifeste une certaine étroitesse d’esprit, sa formation d’ingénieur lui ayant surtout donné des habitudes de rationalisme : il ne cesse de décrire la toile dans son monologue et ses nombreuses phrases exclamatives expriment son incompréhension totale (et sa volonté butée de ne pas rentrer dans le jeu de l’autre). Enfin, son jugement final est brutal et sans concession (l. 48). Les deux amis sont aussi bornés l’un que l’autre. 3) L’hypocrisie des relations sociales est également soulignée : alors qu’ils se disent amis, on voit dans les monologues ce que chacun pense en réalité depuis toujours de l’autre : mépris et jalousie de l’ingénieur pour le médecin qui gagne mieux sa vie que lui et peut se payer des toiles ; prétention et mépris de l’amateur d’art moderne pour qui n’est pas versé dans ce domaine.

Les deux textes posent la question de la place de l’art dans la société, de sa valeur esthétique et marchande.

Dissertation 1) Le théâtre comme lieu des conventions et des artifices – Le théâtre fonctionne sur des codes que le spectateur doit accepter pour adhérer à l’histoire : • code de situations : les apartés (Le Jeu de l’amour et du hasard p. 123), les monologues (corpus p. 191-94), les quiproquos (Le Dindon p. 126) ; • code de personnages : le couple maître / valet (Dom Juan p. 122, Le Mariage de Figaro p. 130). – Le théâtre exhibe cette artificialité par des jeux de déguisement (Amphitryon p. 116-17), une surenchère de signes (La Cantatrice chauve p. 114, La Visite de la vieille dame p. 134-35) ou des parodies (Ubu Roi p. 132). 2) Le théâtre comme révélateur de l’hypocrisie et du mensonge Par son effet grossissant, le théâtre permet de mieux comprendre le fonctionnement social, en particulier dans des dialogues de duel ou d’affrontement : les enjeux de pouvoir sont ainsi mis en scène entre riches et pauvres (La Visite de la vieille dame p. 134), entre amis (Art p. 136), en famille (Juste la fin du monde p. 173). L’hypocrisie amoureuse, le poids des conventions sociales et des préjugés sont présentés de façon ludique : Le Jeu de l’amour et du hasard (p. 123), Art (p. 136), Théâtre sans animaux (p. 138).

Question sur un corpus Les œuvres d’art sont de deux types : l’œuvre achetée très cher par un particulier (Art), révélatrice de son snobisme ou de son avant-gardisme et les œuvres du patrimoine culturel présentées dans un musée, offertes au regard d’un public pas toujours au fait de l’histoire de l’art, mais convaincu par avance d’être devant des chefs-d’œuvre. Les réactions des personnages sont comiques pour plusieurs raisons : excessives dans l’admiration ou le rejet (Art), opposées dans l’intérêt ou le désintérêt (l. 5-7 de Théâtre sans animaux), décalées (les commentaires sur Matisse ou la Vénus de Milo), montrant des gens qui ramènent l’art à des choses qu’ils connaissent.

⁄‹

Jean-Michel Ribes, Théâtre sans animaux, ¤‚‚⁄  p. ⁄‹8

Objectifs : – Découvrir et analyser la satire sociale chez un auteur contemporain. – Analyser une forme de dialogue originale parce que sans personnage. – Comprendre l’évolution du personnage dans le théâtre contemporain.



06/09/11 11:52

L’exhibition de la sottise ordinaire LECTURE DU TEXTE 1. Les personnages sont des visiteurs anonymes défilant devant les tableaux du musée (didascalie initiale). Leur dialogue ne dure pas plus longtemps que l’arrêt devant une toile. Dans la mise en scène qu’il propose en 2002, Ribes a accroché des tableaux vides ; les personnages sont tous habillés de la même façon et marchent comme des marionnettes ; ils sont interchangeables. On peut reconnaître, dans le dialogue, différents types de personnages : celui qui met en avant sa (pseudo)culture de façon maladroite (l. 4-6 ; 14), celui qui veut pouvoir la mettre en avant par ses photos (l. 19-21), celui qui est fatigué d’arpenter les salles du musée (l. 8-13), celui qui pose des questions sans rapport avec l’œuvre mais relaie ainsi un discours antisémite sur l’art (l. 15-16). Chacun saura s’y reconnaître, ou non ! 2. Le comique repose sur des décalages entre les réactions des personnages qui interviennent à deux : opposition entre la couleur décrite dans les tableaux et celle de la cafétéria ; opposition entre « je tiens des kilomètres » et « tu marches avec les yeux », remarque complètement absurde ; opposition entre les attentes du visiteur et la réalité de l’œuvre : « c’était qui, Milo, un nain ? », le vocabulaire familier mettant en exergue le décalage comique (l. 20-21). Il s’agit avant tout d’un comique de mots, accentuant la sottise des différents personnages (qui est souvent aussi celle du spectateur. S’il a de l’humour, il le sait). 3. Ribes montre en riant notre incapacité à saisir l’art et même à éprouver un simple plaisir esthétique devant des œuvres présentées comme des références culturelles. Le public qui fréquente les musées manque de connaissances ou a des attentes incongrues. L’art demande un effort, un investissement personnel, de la patience. Est-ce encore possible lorsqu’il est devenu un objet de consommation de masse ?

ÉCRITURE Vers l’écriture d’invention On peut s’inspirer autant de ce texte que de celui de Y. Reza (p. 136-137).

VERS LE BAC Oral (entretien) Voir la question sur corpus de la page précédente (portant sur la comparaison entre Art et Théâtre sans animaux) ainsi que la deuxième partie de la dissertation, page précédente.

Dissertation 1) Le théâtre est dans l’exagération – Le théâtre, dès son origine grecque, choisit des personnages n’appartenant pas à la réalité : on peut donner l’exemple d’Œdipe (p. 184). Ces personnages forts permettent au spectateur de s’interroger sur la morale, la politique, qu’ils soient des héros véritables comme dans la tragédie (Antigone p. 158) ou de grotesques parodies (Ubu Roi p. 132, Le Roi se meurt p. 168). La comédie présente, elle, des types humains (L’Avare, Le Misanthrope). – Le théâtre, c’est avant tout du spectacle : les situations sont donc exacerbées, les conflits poussés à l’extrême, les passions destructrices (Phèdre p. 159). – Ionesco lui-même transforme des idées abstraites en images visuelles concrètes et claires : les conséquences du totalitarisme sont vues à travers la métamorphose en rhinocéros (p. 280), la hantise de la mort est jouée physiquement dans Le Roi se meurt (p. 168). – Beckett montre l’absurdité et le vide de l’existence avec des héros meurtris, prisonniers de situations invraisemblables, comme Winnie enfoncée dans un tas de sable (p. 191). 2) Le théâtre peut aussi être proche de la réalité La réalité quotidienne peut ne pas être disloquée mais mise en scène de façon épurée, dans une langue qui imite au plus près la saveur du langage courant, avec des personnages très ordinaires : – des êtres de chair jouent des situations de la vie quotidienne avec vraisemblance : la dispute familiale de Juste la fin du monde (p. 173), les ouvriers sur un chantier de Cinq hommes (p. 176), l’atelier de couture de Grumberg (p. 199) ; – la transposition de conversations familières dans le théâtre contemporain est aussi très proche de la réalité : voir Y. Reza (p. 136), J.-M. Ribes, N. Sarraute (p. 490). 3) Le théâtre comme lieu d’expérimentation grandeur nature Par le jeu de la mise en scène, la scénographie, les costumes et maquillages, le théâtre met en 6 Mettre en scène la variété du comique |


119

06/09/11 11:52

évidence le fonctionnement de la société, les passions humaines ou les vices. Ce n’est pas nécessairement l’exagération qui fait sens, mais le rapport à l’espace, la tension entre le texte et sa représentation : la chambre d’hôtel transformée en champ de bataille par Feydeau ridiculise le milieu bourgeois (p. 127), la théâtralisation de la voiture de Mère Courage est tragique (p. 153), la lumière bleue dans laquelle baigne la mort de Phèdre (p. 160), le ring de la dispute familiale (p. 173).

POUR ARGUMENTER : LE TEXTE DE THÉÂTRE EXISTE-T-IL SANS LA SCÈNE ?  p. ⁄‹·

LES ENJEUX 1. Artaud oppose un théâtre reposant principalement sur le texte et un théâtre spectaculaire, qu’il préfère. Il pense que les moyens scéniques frappent et touchent davantage le spectateur, car cela passe directement par les sens et non par la réflexion. 2. A. Mnouchkine a voulu rendre à Shakespeare ses qualités spectaculaires. Elle a donc travaillé sur de très beaux costumes, des maquillages, des chorégraphies pour les combats et un espace nu dont le fond est une toile peinte somptueuse. La très grande beauté de ce spectacle cherchait à retrouver le souffle épique des pièces de Shakespeare (on dispose d’autres images sur le site du Théâtre du Soleil). En transportant Shakespeare dans l’univers japonais, A. Mnouchkine cherche à surprendre et éblouir le public, à dépoussiérer un auteur mal connu en France. Voir aussi la tragédie grecque transposée dans l’univers du kathakali indien pour les mêmes raisons (p. 186).

VERS LE BAC Dissertation 1) Un théâtre lu Seul un auteur comme Musset, à cause des échecs rencontrés lors de ses représentations

ou tentatives de représentation, a imaginé un théâtre destiné à la seule lecture. Depuis les auteurs grecs, le texte de théâtre n’existe que pour la scène. Cependant, cela n’empêche pas la lecture et la liberté qu’elle donne : liberté d’imaginer des personnages, des décors, des situations. Les didascalies sont faites aussi pour le lecteur et depuis le théâtre romantique, elles sont nombreuses et peuvent même ressembler à des récits : on peut voir les didascalies du Roi se meurt (p. 168 et 492) ou de Oh les beaux jours (p. 191 et 492). Il est parfois difficile d’aller au théâtre régulièrement mais on peut lire toutes les œuvres qu’on veut et ainsi découvrir toutes les facettes d’un auteur. Lire aussi le texte de C. Régy (p. 493). 2) La nécessité de la mise en scène Pourtant, le théâtre ne se révèle que sur une scène avec un décor, des acteurs, des costumes, des jeux de lumière qui mettent le texte en valeur, lui donnent tout son sens. – Voir le travail sur l’espace à la fois mimétique et symbolique dans La Cantatrice chauve (p. 114), l’espace mimétique d’Art (p. 136) qui révèle le milieu social critiqué. – Voir le travail sur les masques et costumes dans La Visite de la vieille dame (p. 134) ou chez A. Mnouchkine : la mise en scène éclaire ainsi certains aspects du texte, la satire chez Dürrenmatt, le souffle épique de Shakespeare. Elle surprend le spectateur, lui fait découvrir le texte et lui donne le plaisir esthétique d’un beau spectacle. – Le jeu de l’acteur est essentiel pour révéler un personnage : voir les interprétations de Lorenzaccio (p. 146), l’interview de Podalydès (p. 493). 3) Les limites de la mise en scène Chaque nouvelle mise en scène est une interprétation du texte par le metteur en scène : les trois images de Dom Juan (p. 119-121) montrent les écarts entre la façon de représenter le couple maître / valet et parfois le public peut être égaré. Le metteur en scène peut parasiter le texte avec des éléments non pertinents ou difficiles à comprendre : les masques de singe pour jouer Marivaux (p. 123), l’absence de maison pour Juste la fin du monde (p. 173).



06/09/11 11:52

Séquence

‡

Alfred de Musset, Lorenzaccio, ⁄°‹› Livre de l’élève  p. ⁄›‹ à ⁄∞‚

Présentation de la séquence  p. ⁄›‹ Cette œuvre permet de comprendre le renouvellement des formes que présente le drame romantique, ses nouveaux enjeux dramaturgiques et scéniques, en particulier dans le rapport à l’espace, la multiplicité des personnages, la complexité de l’intrigue. Lorenzaccio, pièce longtemps considérée comme injouable dans son intégralité, pose des problèmes de mise en scène. Nous confronterons ainsi plusieurs partis pris radicalement différents dans leur approche de l’œuvre. La réception de la pièce, et ce qu’elle peut encore représenter pour un public contemporain, est ainsi appréhendée à travers des notes d’intention de metteurs en scène. Les extraits choisis sont centrés sur le héros et son évolution : ils permettent de caractériser le personnage romantique et de l’opposer aux héros tragiques de l’époque classique. Enfin, la visée politique et critique de l’œuvre est abordée.

⁄) Entrée dans l’œuvre : Florence, la ville du carnaval  p. ⁄›‹ Du texte à la scène 1. La scène se passe dans une rue de Florence au petit matin et l’on voit se croiser des gens de tout milieu social. Chacun a ses préoccupations. Les dialogues se croisent : les personnages passent, disparaissent, reviennent, qu’il s’agisse de simples figurants donnant leur avis sur Florence ou de personnages importants comme Lorenzo déguisé en religieuse ou Louise Strozzi repoussant Julien Salviati. Autant de petites scènes prises sur le vif dévoilant par petites touches, par tableaux, la corruption de la ville. En effet, dans une ville où se succèdent fêtes et bals, les aristocrates passent leur temps à dépenser, boire, vivre des intrigues amoureuses, jusqu’à l’abrutissement (« À qui fait-on plaisir en s’abrutissant jusqu’à la bête féroce ? ») Le Duc mène la danse : protégé par ses soldats allemands, il se permet tous les excès, au grand dam de ses pairs : « une moitié de Médicis couche dans le lit de nos filles, boit nos bouteilles, casse nos vitres » constate un noble Florentin, en insistant sur la bâtardise du duc. Les gens du peuple ne valent guère mieux : éternels badauds, ils sont à l’affût de ce que font les

aristocrates. Le peuple vit par procuration la fête des riches (« on attrape un petit air de danse sans rien payer ») et rapporte ce que les gens célèbres y font : « je suis capable de nommer toutes les personnes d’importance ». Florence apparait comme une ville de plaisirs et de carnaval, où les valeurs morales sont renversées, bafouées : Le Duc, Lorenzo et Salviati sont habillés de façon scandaleuse en religieuses et, sous ce double travestissement, ils tentent d’abuser de femmes de toute condition sociale. Dans ce monde où le roi se comporte en bouffon, c’est le renversement permanent (Baktine). Une question – théâtrale et politique – se pose : le tyrannicide suffira-t-il à ramener l’ordre ? À mettre un terme au renversement carnavalesque ?

2. et 3. Zefirelli a choisi un parti pris réaliste, de type reconstitution historique avec des costumes et décors faisant référence à la Renaissance italienne. L’ambiance de fête est rendue par la foule nombreuse qui va et vient, les costumes très colorés dans des tons chauds, rouge, brun, orange et un éclairage vif. Les mouvements en long et en large devant le palais et en profondeur depuis la porte animent un espace vaste et ouvert et recréent l’atmosphère bruyante et dense d’un carnaval. 7 Lorenzaccio |


121

06/09/11 11:52

Au contraire, O. Krejca propose un parti pris symbolique : les costumes correspondent bien à la Renaissance italienne, mais sont de couleur assez terne. Le décor installé dans la Cour d’honneur du palais des Papes à Avignon (architecture qui peut renvoyer au XVIe siècle), est constitué de plates-formes de bois superposées de façon anarchique et de hauteurs variées. Les personnages figurants circulent entre ces mini-scènes sur lesquelles d’autres prennent des poses, sont en représentation. Krejca donne donc une vision théâtrale de la fête florentine, comme une foire où les riches se montreraient sur des tréteaux. L’ensemble donne une atmosphère étrange, artificielle au carnaval et renforce l’idée d’hypocrisie.


 p. ⁄››

Dissertation Pour préparer ce travail, on peut s’appuyer sur I, 2, 5, 6 ; II, 2, 4, 5 ; III, 3, 7 ; IV, 8 ; V, 1, 3, 5, 8. 1) Florence, ville des plaisirs et de la corruption : « Florence la bâtarde, fange sans nom » L’atmosphère de lendemain de fête dans laquelle débute la pièce donne le ton : voir la question 1. Si les bourgeois réprouvent l’immoralité de la cour d’Alexandre, ils en profitent financièrement. Quant aux nobles républicains, ils n’agissent que s’ils sont directement touchés par les insultes du Duc. Les représentants de ces classes dirigeantes sont facilement corrompus par les largesses du Duc : voir Bindo et Venturi. Ainsi, à la mascarade de carnaval du début répond la mascarade du couronnement de Côme à la fin. Le carnaval n’a pas pris fin. 2) Florence, image de la femme bafouée L’image de la femme prostituée est employée en II, 2 par Lorenzo quand Tebaldeo appelle Florence sa mère : « ta mère n’est qu’une catin ». Dès la première scène, on voit le Duc pénétrer dans une maison de nuit pour séduire une jeune fille, malgré les protestations de son frère qui la verra plus tard « sortant du spectacle dans une robe comme n’en a pas l’impératrice » (I, 6). Toutes les femmes de Florence de toute classe sociale deviennent des objets de convoitise pour le Duc et ses amis : Louise Strozzi est grossièrement insultée par Salviati puis empoisonnée ; elle est présentée comme une nouvelle Lucrèce. Le Duc, Dom Juan grossier, passe de femme en femme : il se lasse très vite de la Marquise Cibo

et se tourne alors vers Catherine. Lorenzo insiste à plusieurs reprises sur la facilité de toutes ces femmes : « les mères pauvres soulèvent honteusement le voile de leurs filles […] elles me laissent voir leur beauté avec un sourire plus vil que le baiser de Judas » (III, 3) ; « Que de filles maudites par leurs pères rôdent au coin des bornes ». (IV, 5). Le Marquis Cibo apparaît aussi comme un mari complaisant à la fin (V, 3). 3) Florence, enjeu politique Chacun essaie de jouer de son influence pour jouir du pouvoir : les républicains se regroupent autour d’un Philippe Strozzi vite dépassé par les querelles avec Pierre (II, 5, III, 2), les recherches d’alliance avec François Ier, le Cardinal par le biais de la Marquise, la Marquise elle-même qui rêve d’un Alexandre libérateur de Florence (III, 6). Elle finit cependant par tout avouer à son mari pour sortir de son rôle d’intrigante sous la coupe du Cardinal (IV, 4). Le meurtre du Duc change à nouveau la donne, mais le Cardinal installe un homme de paille, tout autant à la solde de Charles Quint que l’était Alexandre.

‹) EXTRAIT 1 Le Duc et son bouffon

 p. ⁄›∞

Le Duc appelle Lorenzo, « Renzo », ce qui est un diminutif affectueux. Pourtant, les termes qu’il emploie pour assurer la défense de son cousin, accusé de libertinage, sont insultants. Les termes utilisés par Alexandre sont très péjoratifs : ils insistent sur la lâcheté de son cousin. Aux lignes 4-5, il est comparé à une faible femme avec des termes qualifiant sa débilité physique et, plus grave, son manque de virilité : « petit corps maigre », « mains fluettes et maladives, à peine assez fermes pour tenir un éventail » (accessoire féminin). C’est un intellectuel raté : « un gratteur de papier ». C’est un fêtard triste : « lendemain d’orgie ambulant », « yeux plombés, visage morne ». Pourtant, certains indices le rendent inquiétant, il est rusé, hypocrite et efficace dans son rôle d’espion : l. 16-17. C’est pourquoi le Cardinal voit en lui une menace contre le Duc : l. 11-12. Ce héros est donc à la fois ridicule, pathétique et inquiétant : on ne sait pas très bien qui il est, parce qu’il se tient toujours dans la représentation et l’excès. On pressent un personnage qui cache son jeu.



06/09/11 11:52

La mise en scène de C. Stavisky suggère une relation de création de l’un à l’autre, sur le modèle de la peinture de Michel-Ange de la Chapelle Sixtine où Adam naît du doigt de Dieu, d’autant plus que le Duc pose en tenue d’imperator (il se fait peindre). Lorenzo serait ainsi le jouet, la créature d’Alexandre. Mais la posture très décontractée de Lorenzo montre une certaine liberté, une distance par rapport aux ordres de son prince. C’est une créature qui se serait affranchie. Son costume très moderne dénote, il ressemble à un jeune homme d’aujourd’hui. Rien n’indique ni faiblesse ni féminité. Le héros romantique est souvent obligé de se cacher derrière un masque ; il n’est donc jamais lui-même, jamais à sa place et c’est pour lui une source de tourments. Les personnages de Victor Hugo et Musset sont différents : Ruy Blas a été contraint par son maître à jouer un rôle et il est chargé de salir la reine, tandis que Lorenzo s’est lui-même glissé dans le rôle de double maléfique d’Alexandre. L’intrigue, dans les deux cas, est cependant construite autour des difficultés éprouvées par le héros, soit à tenir son rôle jusqu’au bout (tuer le Duc, déshonorer la reine), soit à le quitter : Ruy Blas en redevenant valet ne peut plus être aimé de la reine ; Lorenzo le débauché, malgré son glorieux tyrannicide, n’est plus crédible en honnête homme. La duplicité des héros est donc une source de tragique. Elle aboutit au suicide, seul moyen de connaître une forme de rédemption, aux yeux de la reine pour Ruy Blas, à ses propres yeux pour un Lorenzo qui abandonne Florence à sa corruption.

›) EXTRAIT 2 Les désillusions d’un héros romantique  p. ⁄›6 Lorenzo a cru que la corruption ne concernait que quelques hommes vicieux, aisément reconnaissables : « les monstres seuls la portaient au front ». Puis, bien caché derrière son masque, il s’est aperçu que tous les hommes sont malhonnêtes et asservis à la tyrannie. Les métaphores, hyperboliques donnent une image concrète du rôle qu’il jouait, avec le champ lexical du costume ou du déguisement : « mes habits neufs de la grande confrérie du vice comme un enfant de dix ans dans l’armure d’un géant » ; « Mes vingt années de vertu étaient un masque

étouffant » ; « L’humanité souleva sa robe et me montra […] sa monstrueuse nudité ». Sa relation avec Florence est un amour déçu : « j’observais comme un amant observe sa fiancée en attendant le jour des noces ». Lorenzo veut agir malgré tout, soit parce qu’il espère encore un revirement politique après le meurtre d’Alexandre : « je cherchais des visages qui me donnaient du cœur », soit parce qu’il ne peut faire autrement que d’aller au bout de son projet, pour donner un sens à sa propre corruption, d’abord feinte, puis, réelle. Citons : « songestu que ce meurtre, c’est tout ce qui me reste de ma vertu ». Il espère au moins une reconnaissance de son courage, peut-être de son identité si problématiquement héroïque : « il faut que le monde sache un peu qui je suis » (III, 1). Et c’est ce qui fait de lui un personnage tragique : il accomplira le crime, tout en étant conscient de son inutilité. Les deux Lorenzo portent un maquillage très prononcé. Le fond de teint blanc et le rouge à lèvres soutenu féminisent leur visage et suggèrent qu’ils portent un masque, celui de l’hypocrisie et de la corruption. Jérôme Kircher est en habit de soirée du XIXe siècle : frac, haut de forme et canne sont le signe des fêtes et orgies auxquelles il participe. Cependant, les deux acteurs ont des visages tristes, mélancolique pour R. Mitrovitsa habillé tout en noir et désespéré pour Jérôme Kircher. Ils jouent leur rôle sans plaisir car ils sont atteints intérieurement par cette corruption. Tous deux sont en position fermée de repli, surtout J. Kircher recroquevillé sur cet escalier, les bras croisés sur la poitrine. Chez Sartre et Camus, le conflit se joue entre deux personnages, l’un qui accepte les compromissions et l’autre qui les refuse, voulant agir politiquement tout en restant pur et honnête. Dans le dialogue des Mains sales, Hugo représente un idéalisme encore naïf et Hoederer, le politicien sans illusion, cynique et pragmatique. Hugo croit qu’un milieu sans mensonge, profondément honnête et solidaire existe (l. 30-31). Hoederer lui montre qu’on ne peut faire autrement que de se salir les mains pour agir politiquement et il le revendique (l. 65-67). Le tragique est que, même si Hugo se défend d’avoir les mains sales, son seul projet de meurtre prouve qu’il est déjà en train de se compromettre. Le 7 Lorenzaccio |


123

06/09/11 11:52

titre Les Justes s’oppose à celui de Sartre : les terroristes, héros de l’histoire, revendiquent leur action comme un acte indispensable (l. 12-14, 16-17) et non comme un crime inacceptable, et c’est pourquoi Dora pose la question de la limite à l’action violente (l. 18-20). La différence avec Lorenzo est que le héros romantique sait, comme Hoederer, qu’il n’a pas le choix des moyens. Cependant, contrairement à Stepan ou Hugo, il sait qu’il ne sauvera pas le monde. Il n’a plus aucune illusion sur son acte. Cette prise de conscience est donc tragique.

∞) EXTRAIT 3 Répétition fébrile du meurtre

 p. ⁄›‡

L’agitation du personnage est exprimée à travers les nombreuses phrases exclamatives montrant sa panique (l. 3-6, l. 12). Dans les interrogatives, Lorenzo cherche à déterminer sa stratégie (l. 9-10). Il rejette ses propres propositions par « non » (l. 14) ou répète des mots importants (l. 7, 11). Le discours est haché par des tirets indiquant des poses longues entre les phrases. Il marche apparemment sans savoir où il va (l. 15) et finit par s’effondrer de lassitude. Ses inquiétudes s’expriment par des hypothèses : « pourvu qu’il n’ait pas imaginé », « je ne voudrais pourtant pas que ». Ses regrets vis-à-vis de Catherine compromise sont exprimés par une interrogative au conditionnel (l. 18-20). Dans la mise en scène de J. Vilar, Lorenzo est accroupi près du Duc et se penche vers lui avec un visage compatissant et torturé ; le Duc a encore les yeux ouverts et s’agrippe à la main de Lorenzo, toujours crispée sur le poignard enfoncé dans sa poitrine. Leur lien d’intimité n’est pas rompu et le geste de Lorenzo peut presque se lire comme un acte amoureux. Dans la mise en scène de J.-P. Vincent, le meurtre s’est passé dans un lit à baldaquin dont les rideaux ont été enlevés et qui ressemble ainsi à une sorte de cage. La lourde robe d’apparat du Duc (voir image p. 149) est encore jetée sur les tringles et la victime est étendue, vulnérable et presque ridicule, en sous-vêtements. Lorenzo a revêtu une robe blanche de femme, il a joué le rôle de Catherine qu’Alexandre attendait. Ce déguisement renforce l’ambiguïté des liens qui les unissent : le meurtre est une parodie de mariage sanglant.

Les monologues romantiques expriment les hésitations de héros face à des choix impossibles et douloureux : Lorenzo doit passer à l’acte, devenir un meurtrier ; la reine doit accepter, ou non, la lettre d’amour, la garder, la relire, y répondre éventuellement. Les deux actions projetées sont déshonorantes. Les tourments sont exprimés par l’utilisation de nombreuses phrases exclamatives et interrogatives, par des phrases nominales. Les hésitations sont marquées par des tirets chez Musset, par des ruptures dans le rythme de l’alexandrin chez Hugo. Enfin, le jeu avec la lettre ou les élans de la reine vers la Madone jouent l’hésitation. Le rapport à l’espace, les déplacements fébriles ou les immobilisations signalent aussi une agitation physique : voir la fin des deux extraits.

6) La réception de l’œuvre  p. ⁄›8 Du texte à la scène 1. Lorenzaccio décrit une société corrompue où l’avenir est sombre, sans espoir d’une amélioration morale. La jeunesse voit ses idéaux battus en brèche par cette corruption. Sur ce point, la Florence de 1536 rejoint la France d’après 1830. Mais ne rejoint-elle pas aussi notre société contemporaine ? Cette vision de la société peut encore aujourd’hui parler à un spectateur contemporain, surtout s’il est jeune : les questions sur la moralité du pouvoir politique sont toujours d’actualité et ceux qui « voudraient faire quelque chose » de leur vie se heurtent souvent à d’amères désillusions, comme Lorenzo. 2. La pièce est tragique car Lorenzo est à la fois « ange et pourriture », paradoxe qui ne peut se résoudre que par la mort du héros. D’autre part, comme le remarque J. P. Vincent, cette mort ne ramène pas l’ordre, elle ne résout rien et n’est qu’un constat d’échec de toute forme d’action politique : « je suis perdu et […] les hommes n’en profiteront pas plus qu’ils ne me comprendront » (III, 3). Si Philippe Strozzi soutient et admire Lorenzo, les autres le condamnent à mort (V, 2). 3. Dans la mise en scène de J.-P. Vincent, la réunion chez les Strozzi (III, 7) se passe autour d’une minuscule table, aussi vide que le reste du décor. Le fond orangé fait penser à un incendie. Les hommes en noirs entourent Louise, qui va s’effondrer, empoisonnée. L’un des hommes porte



06/09/11 11:52

un gilet rouge et un masque : « il y avait autour de la table un domestique qui a appartenu à la femme de Salviati ». La petite table ressemble à un autel du sacrifice et Louise en robe blanche près de son père serait mariée à la mort, comme de nombreuses héroïnes tragiques (Antigone, Iphigénie). Dans la mise en scène d’Y. Beaunesne, le décor est constitué de grands drapés vert doré, décor qui exhibe sa théâtralité. Lorenzo et le Duc prennent un bain dans une même petite baignoire. Ce qui est inquiétant, c’est la marionnette penchée au-dessus d’eux et manipulée par deux hommes en noir. Beaunesne explique que ces marionnettes sont les « négatifs des personnages de lumière, positifs des personnages d’ombre », bons ou mauvais génies penchés sur le couple ambigu formé par Lorenzo et Alexandre, ici mis à nu dans ce bain qui peut aussi rappeler le bain tragique d’Agamemnon. La situation est tragique dans son ambiguïté : amitié fraternelle ou amoureuse et haine. Cependant, cette image très symbolique n’est pas forcément compréhensible pour le spectateur et peut même parasiter le texte de Musset. Cette image du bain peut également faire penser au tableau de David (Marat assassiné).

ÉCRITURE Argumentation Quand Musset écrit sa pièce en 1833, la censure s’est réinstallée après la Révolution avortée ; mais ce qui rend Lorenzaccio irrecevable, ce n’est pas tant son contenu politique, que sa forme très complexe, son foisonnement avec ses personnages multiples et ses lieux nombreux qui diluent le discours politique. D’autre part, plus un public est proche d’événements politiques (la Révolution de 1830), plus il a de difficultés à réfléchir à son propos. Aujourd’hui, la métaphore de Florence corrompue et la réflexion sur l’inutilité de l’action politique résonnent avec les interrogations du théâtre engagé des années 40-50, la vision absurde de l’existence de Sartre ou Camus, et avec un certain pessimisme et désengagement des citoyens. Un public contemporain peut d’autant mieux s’identifier à un héros romantique désabusé, il trouve ses propos modernes et pertinents en III, 3 ou V, 2, par exemple.

‡) Fiche de lecture ⁄ : La tyrannie du masque

 p. ⁄›·

Un héros double 1. Les surnoms montrent la duplicité du héros. Lorenzo est tantôt appelé « Renzo », tantôt « Lorenzetta » par le Duc. Le premier surnom est affectueux et montre le lien profond qui unit les deux hommes. « Lorenzetta » met l’accent sur son apparence efféminée et vaut pour une insulte. Cette ambivalence est présente en I, 4, Lorenzo joue toute une comédie pour ne pas affronter Sire Maurice à l’épée : il tremble et manque de s’évanouir, refuse, même sur l’ordre d’Alexandre, de prendre une épée, se fait passer pour un lâche, un « pauvre amant de la science » qui ne sait pas manier les armes. Au contraire en III, 1, on le voit s’entraîner avec Scoronconcolo qui ne lui fait aucun cadeau. Le combat est rude, viril, et on voit que Lorenzo a un très bon niveau d’escrime. S’il s’évanouit, c’est d’épuisement. Sa mère aussi hésite sur l’identité réelle de son fils. Elle l’appelle encore « Renzo » ou « mon Lorenzino », en référence à l’enfant honnête qu’il était, mais elle ne reconnaît plus en cet homme désabusé et cynique son fils d’autrefois, sage et studieux (voir aussi I, 6). Le spectre de l’ancien Lorenzo qu’elle a vu en rêve lui a montré cet intellectuel mélancolique, toujours caché derrière le masque du Lorenzo débauché : « un homme vêtu de noir […] un livre sous le bras ». Seul le peuple croit savoir qui est Lorenzo : il l’appelle « Lorenzaccio ». Ce diminutif, formé avec le suffixe en « –accio » très dépréciatif, met l’accent sur le caractère vil, mauvais du débauché. 2. Il existe deux Brutus dans l’histoire romaine : le premier Lucius Junius Brutus a tué Tarquin en 509 av. J.-C, après que celui-ci eut violé Lucrèce. Pour s’approcher de Tarquin, il a feint d’être un fou inoffensif. Il a ainsi fait tomber la royauté et fondé la République, en devenant l’un des deux premiers consuls avec Collatin, époux de Lucrèce. Le deuxième, Marcus Junius Brutus est le descendant du premier. Fils adoptif de Jules César, il a participé à l’assassinat de ce dernier en 44 av. J.-C. En pure perte, puisque le pouvoir a été confisqué par Octave, neveu de César qui deviendra le premier empereur sous le nom d’Auguste. Ce Brutus s’est suicidé après avoir perdu une bataille contre Octave. 7 Lorenzaccio |


125

06/09/11 11:52

C’est en III, 3 que Lorenzo s’explique sur ce sujet. Le premier Brutus est sa référence (II, 4). Pour lui, c’est le modèle du tyrannicide, motivé par des idéaux républicains. Lorenzo explique sa motivation de départ : « Je travaillais pour l’humanité ». Il parle de « rêves philanthropiques » (III, 3). Il cherchait aussi la gloire dans un acte d’héroïsme personnel : « Je ne voulais pas soulever les masses… je voulais […] me prendre corps à corps à la tyrannie ». Il pensait ainsi frapper les esprits et faire réagir les citoyens : « réchauffer leur cervelle ampoulée ». Mais il a vu de près la corruption de la cité et, juste avant d’accomplir le meurtre, il sait qu’il n’aura pas les conséquences escomptées : « Brutus a fait le fou pour tuer Tarquin, et ce qui m’étonne en lui, c’est qu’il n’y ait pas laissé sa raison ».

3. Lorenzo a le courage d’un héros : son projet lui a demandé deux ans de patience et il s’est sacrifié, en se faisant passer pour ce qu’il n’est pas, ou plutôt ce qu’il n’était pas avant de se lancer à corps perdu : un lâche débauché au service du Duc avec lequel il entretient une relation ambiguë. « J’étais pur comme un lis, et cependant je n’ai pas reculé devant cette tâche » (III, 3). On voit en III, 1 son courage face à Scoronconcolo et au moment du crime, il ne faiblit pas. Cependant, il a aussi les caractéristiques d’un antihéros : sans illusion, désespéré, le masque dont il s’est affublé lui a collé à la peau. Il l’a profondément atteint, corrompu : « je suis devenu un lâche, un objet de honte et d’opprobre ». Il se croit irrécupérable : le vice « est maintenant collé à ma peau » (III, 3) et son meurtre ne le réhabilitera pas aux yeux des autres. Il meurt incompris.

Un personnage pris à son propre piège 4. Sa mère s’inquiète pour lui : elle avait l’espoir qu’il devienne un grand homme d’État (« sa naissance ne l’appelait-elle pas au trône ? »). Mais, elle le voit corrompu : « la souillure de son cœur lui est montée au visage ». Il a « une ironie ignoble et le mépris de tout ». Elle pense que cette immoralité foncière détruit et ronge son fils. Dès lors, il trahit la mémoire de ses ancêtres, souille l’honneur de sa famille en jouant les espions ou le pourvoyeur de filles pour Alexandre : « Il fait tourner à un infâme usage jusqu’à la glorieuse mémoire de ses aïeux ».

Philippe Strozzi aussi s’inquiète du cynisme et du désespoir de Lorenzo. Il a pitié de lui : « si tu n’as vu que le mal, je te plains ». Il espère qu’après le meurtre, Lorenzo redeviendra comme il était auparavant : « Toutes les maladies se guérissent, et le vice est aussi une maladie ».

5. Lorenzo a abandonné son idéal de jeunesse, ses rêves d’honneur et de gloire et il a l’impression d’avoir perdu jusqu’à son humanité : « je n’ai plus été qu’une ruine ; sont-ce bien les battements d’un cœur humain que je sens là, sous les os de ma poitrine ? » Il se sent souillé par le masque qu’il a porté : il compare le vice à la robe empoisonnée que Déjanire offrit à son époux Héraklès et qui l’a brûlé : « le Vice s’est-il si profondément incorporé à mes fibres que je ne puisse plus répondre de ma langue ». Pire, il se demande si la vie de vice n’a pas révélé sa nature profonde, une soif de débauche animale qui était, là, depuis toujours, transmise dès sa conception par son père et sa mère : « de quelles entrailles fauves, de quels velus embrassements suis-je donc sorti ? » L’image qu’il avait de lui-même est définitivement détruite. Lorenzo est un héros romantique par ces tourments, cette lutte entre le Bien et le Mal en lui, cette vision désespérée de l’âme humaine et cette incapacité à préserver sa pureté. Le héros romantique est un héros maudit, à l’image de Faust qui vend son âme au diable : « j’ai commis bien des crimes, et si ma vie est jamais dans la balance d’un juge quelconque, il y aura d’un côté une montagne de sanglots ». Sa seule consolation est d’avoir sauvé Catherine de cette corruption. 6. Voir aussi l’image page 146. Lorenzo porte un costume de soirée mais sans cravate. Il est ici, abattu, le regard vide porté devant lui, vers le bas. Son visage est souligné par un maquillage blanc cadavérique. Il tient à la main son haut de forme et sa canne, et semble revenir, las, d’une fête. Il ne regarde pas du tout le Duc qui paraît plein de sollicitude pour lui et pose, protecteur, une main sur son épaule (sans doute fin de I, 4 quand Lorenzo a un malaise : le Duc tient une épée).

Le Duc, double démoniaque 7. En II, 4 Lorenzo se comporte avec Bindo et Venturi avec insolence et mépris, comme le Duc. Comme lui, il leur fait obtenir des privilèges et



06/09/11 11:52

ainsi fait d’eux des obligés : ils ne feront rien contre lui, même après avoir évoqué la possibilité d’un complot républicain. Puis, quand Lorenzo annonce qu’il va espionner chez les Strozzi, il utilise le même langage que le Duc pour parler de Philippe : « ce vieux misérable, cet infâme ». Les deux hommes s’appellent mutuellement « mignon », terme utilisé pour une relation homosexuelle. Lorenzo favorise toutes les débauches du Duc, il y prête la main et l’imite. Il s’en rend complice même quand il s’agit de Catherine, sa tante. Quand Alexandre jette son dévolu sur elle, c’est le double féminin encore pur de Lorenzo qu’il convoite et c’est dans sa propre chambre, sur son lit, que Lorenzo lui tend un piège. Pourtant, il douterait presque de l’honnêteté de Catherine (IV, 5) et se retient de la pousser vraiment dans les bras du Duc : « combien faudrait-il de paroles pour faire de cette colombe ignorante la proie de ce gladiateur aux poils roux… Que de filles [...] qui ont valu autant que Catherine, et qui ont écouté un ruffian moins habile que moi ! » Le meurtre final est une sorte d’étreinte intime entre les deux hommes : le Duc est couché et attend Catherine, il mord Lorenzo au doigt et la métaphore de la bague fait penser à un mariage : « je garderai jusqu’à la mort cette bague sanglante, inestimable diamant ».

8. La relation très proche entre Lorenzo et Alexandre se lit dans les postures de sollicitude, de familiarité, presque de tendresse du Duc chez J.-P. Vincent ou J. Vilar (p. 149), même si cette situation est inversée au moment du meurtre (p. 147). Ils prennent un bain dans la même baignoire chez Y. Beaunesne (p. 148). Le Duc crée son double chez C. Stavisky (p. 145). Leurs costumes s’opposent chez J.-P. Vincent : noir du héros mélancolique du XIXe siècle et rouge et or du manteau ducal Renaissance, l’épée du Duc étant le reflet viril de la canne de Lorenzo. Au contraire, les deux pourpoints imaginés pour G. Philippe et D. Ivernel se ressemblent beaucoup, celui de Lorenzo étant un peu plus sombre, et ils portent tous deux une petite barbe en pointe.

VERS LE BAC Dissertation 1) Le masque tragique Utiliser les questions 1, 3, 4, 5 ainsi que la confrontation avec Ruy Blas (texte p. 162).

2) L’intérêt du conflit tragique contre une puissance extérieure Voir la dissertation proposée p. 158 du manuel, partie 1.

8) Fiche de lecture ¤ : Un drame historique et politique  p. ⁄∞‚ Une Florence imaginaire 1. L’invasion ecclésiastique : Le Pape envoie ses ordres au Duc (I, 4) : « Le pape et l’empereur ont accouché d’un bâtard qui a droit de vie et de mort sur nos enfants, et qui ne pourrait pas nommer sa mère » (I, 5). On remarque aussi l’influence du Cardinal Cibo et de ses intrigues pour placer la Marquise comme maîtresse du Duc à ses ordres : I, 4 ; II, 3 ; IV, 4. C’est Cibo qui couronne Côme, remplaçant d’Alexandre en V, 8. Celui-ci exprime son allégeance à Charles Quint et au pape Jules. L’étalement de la corruption apparaît surtout dans les discours virulents de Lorenzo contre Florence en III, 3, et celui de Philippe en II, 1. En II, 4, Bindo et Venturi prêts à se battre contre le Duc, sont rendus muets par un titre d’ambassadeur et un privilège commercial. L’humiliation est marquée par la présence des soldats de Charles Quint qui ont envahi la ville et protègent Alexandre : en témoigne le discours de l’orfèvre en I, 2, 5. Ce sont aussi les exactions impunies des amis débauchés d’Alexandre : les femmes sont déshonorées (I, 1 avec l’indignation de Maffio, la conduite du Duc avec la Marquise ou Catherine). Salviati insulte Louise Strozzi (I, 2) et, quand ses frères la vengent, ils sont emprisonnés, au début de III, 3. Voir aussi le discours de Philippe Strozzi plus loin dans la scène : « la justice devenue une entremetteuse ». Le sentiment d’étouffement de la jeunesse se lit dans le désespoir et le sentiment d’impuissance des bannis : fin de I, 6 ; IV, 8. 2. Des images de cette mise en scène se trouvent sur le site www.1D-photo.org et un dossier sur le site de la compagnie : www.compagniedupassage.ch (saison 2004). Le décor d’A.C. Moser est une toile peinte accrochée à une perche, montée et descendue à la vue du public. Cela rappelle que Florence n’est qu’un cadre théâtral, sans aucun réalisme. C’est une métaphore carnavalesque, une 7 Lorenzaccio |


127

06/09/11 11:52

toile blanche où se projettent les fantasmes du siècle sur la Renaissance italienne. Il s’oppose à la reconstitution historique de Zeffirelli (p. 144).

XIXe

Un meurtre inutile 3. L’acte IV, avec le meurtre du Duc, est un faux dénouement : tous les efforts de Lorenzo aboutissent enfin mais dans un climat politique délétère, où les intérêts des uns et des autres sont plus puissants que les idéaux républicains. On le voit dans la force souterraine que représente le Cardinal Cibo (IV, 4) et dans la dispute qui oppose Philippe à son fils (IV, 7) : Philippe ne veut pas renverser Alexandre pour livrer Florence au roi de France, François Ier. Et si Pierre veut faire alliance avec François Ier, c’est par intérêt personnel (fin V, 4). 4. L’acte I, scènes 1 et 2 montrent un lendemain de fête dans Florence : le Duc et ses amis sont déguisés en religieuses, avinés et cherchent à séduire des femmes. Les gens du peuple se contentent d’un rôle de spectateurs, admirant une sortie de bal, curieux et envieux. L’acte V, scène 8 est encore placé sous le signe de la fête : c’est celle du couronnement du nouveau Duc, Côme de Médicis. Le Cardinal a pris le premier rôle. Certes, la religion n’est plus ridiculisée mais elle est instrumentalisée par le machiavélique Cardinal : elle sert au maintien d’un ordre injuste, vicié. Quant au peuple, il reste toujours passif et spectateur, gardé en retrait par les gardes allemands. Rien n’a changé. Un Médicis remplace l’autre. Le seul Médicis mis à mort est, ironiquement, Lorenzaccio, assassiné par un homme du peuple trop pauvre pour résister à la prime promise en récompense. Lorenzaccio n’aura pas de tombeau, il sera oublié, tandis que son corps pourrira dans la lagune. C’est donc bien toujours l’argent et la violence armée qui mènent Florence.

La métaphore d’une Révolution avortée 5. En juillet 1830, le ministère Polignac veut restreindre le corps électoral, déjà extrêmement fermé par le système censitaire. Du 29 au 31 juillet (les Trois Glorieuses), des barricades se

forment dans Paris, l’insurrection s’étend. Le roi Charles X se réfugie à St Cloud. Les Libéraux, monarchistes modérés voulant empêcher les Républicains de prendre le pouvoir, suggèrent au Duc d’Orléans de prendre le pouvoir, sur les conseils de Talleyrand. Investi sur le balcon de l’Hôtel de ville par Lafayette, le Duc d’Orléans devient Louis-Philippe. On a confisqué au peuple sa révolution. L’insurrection avortée est représentée dans Lorenzaccio par les réunions des comploteurs chez Philippe Strozzi (III, 7). Le Cardinal Cibo représente Talleyrand et ses intrigues : au début de l’acte V, il cache la mort du Duc, le temps de se retourner et de prendre contact avec Côme de Médicis, après avoir reçu l’avis du pape. Côme est présenté comme » le plus poli des princes », c’est-à-dire un homme de paille sans autorité réelle. Les seigneurs républicains sont incapables d’imposer un autre gouvernement, ils préfèrent l’un des leurs sur le trône. Et le peuple a été incapable de réagir (V, 5).

VERS LE BAC Dissertation 1) Le triomphe d’une société sans valeurs Voir la dissertation proposée sur l’image de Florence : parties 1 et 2. 2) Le peuple et les intellectuels incapables d’agir Lorenzo avait prédit que personne ne bougerait après la mort du Duc et c’est ce qui se passe quand il va frapper aux maisons pour annoncer son meurtre (IV, 7). Les deux marchands témoins en I, 2, se retrouvent au même endroit en V, 5, pour constater que rien ne change : « il n’y en a pas qui ait agi ». 3) L’inutilité du meurtre et la sinistre répétition de l’histoire Voir les questions 3, 4 et 5.

Prolongement Une sitographie pour compléter les analyses ou trouver d’autres images de mises en scène est disponible sur le site d’educnet : www.educnet. education.fr/theatre (pratiques pédagogiques ➝ Texte et représentations).



06/09/11 11:52

Séquence

8

L’évolution du tragique : des héros aux personnages ordinaires

Livre de l’élève  p. ⁄∞⁄ à ⁄°‚

Présentation de la séquence  p. ⁄∞⁄ La séquence est construite autour de deux corpus permettant d’analyser ce qu’est un personnage de théâtre. On s’intéresse d’abord aux héros tragiques, saisis dans le moment spectaculaire de leur mort, depuis l’Antiquité jusqu’au théâtre contemporain. Le deuxième corpus montre l’évolution de la notion même de personnage de théâtre : fin de l’héroïsme, personnages ordinaires, laissés pour compte de la société. Nous posons enfin le problème du mélange des registres dans le théâtre contemporain.

H istoire des arts B. Brecht, Mère Courage et ses enfants, ⁄·›‚  p. ⁄∞¤-⁄∞‹ Objectifs : Le théâtre de Brecht, à cause de sa visée pédagogique et critique, est un théâtre spectaculaire où l’emploi de l’espace, des accessoires, des costumes se veut concret. La carriole de Mère Courage est un objet théâtral aussi célèbre que la cassette de L’Avare de Molière. Elle a une fonction à la fois mimétique (c’est une vraie carriole), ludique (on peut jouer dedans, autour) et symbolique (elle représente le rapport de Mère Courage à l’argent). Ce praticable permet ainsi de réfléchir aux différentes utilisations et effets d’un élément de décor. La mise en scène de G. Sallin était très fidèle à l’esprit de Brecht.

Un nouvel espace tragique LECTURE DE L’IMAGE 1. Le praticable représente la roulotte, la carriole de Mère Courage faisant office de boutique ambulante et de maison. G. Sallin l’a conçue comme une sorte de manège rond au

milieu duquel est accroché un rideau évoquant le rideau d’un théâtre de fortune. On peut se tenir autant sur la plate-forme du bas, fonctionnant comme une petite estrade, que sur le haut, comme ici Catherine. Elle est plus grande qu’une carriole ordinaire.

2. La toile de fond fait penser aux peintures flamandes du XVIIe siècle, elle représente un champ de bataille chaotique et elle s’affiche comme toile peinte. Au contraire, la carriole est énorme. Elle a la forme d’un manège et montre sur le haut d’autres reproductions de toiles flamandes. On est donc bien dans une théâtralité exhibée. D’autre part, les costumes ne sont pas cohérents : Catherine a un costume du XVIIe siècle, alors que les soldats portent des uniformes et casques du XXe siècle. Le metteur en scène relaie ainsi la visée de Brecht : l’histoire de la guerre de Trente ans écrite en 1940 et mise en scène en 2007, dénonce toutes les guerres et leurs victimes innocentes. 3. Catherine, héroïne muette que tout le monde croit sotte dans la pièce de Brecht, se révèle dans cette ultime scène : elle monte sur la carriole et frappe du tambour. Cette position en hauteur lui donne une dimension héroïque, les soldats ont beau tirer sur elle, elle continue de frapper et réussit à alerter les habitants de la ville. Elle est seule contre le groupe de soldats à terre qui s’acharne sur elle, d’abord en vain. La lumière et

8 L’évolution du tragique : des héros aux personnages ordinaires |


129

06/09/11 11:52

son costume clair mettent en valeur sa silhouette tendue et déterminée, alors que les soldats baignent dans la pénombre.

4. La carriole permet la survie de Mère Courage : sa taille peut faire croire qu’elle est protectrice ; elle est aussi signe de richesse. Mère Courage refuse d’ailleurs de l’échanger contre la vie de l’un de ses fils condamné à mort. Mais on la voit ici en partie démontée (les roues posées à côté) et, si elle devient un promontoire idéal pour l’acte de bravoure de Catherine, elle signe aussi son arrêt de mort. À la fin de la pièce, Mère Courage continue sa route, en tirant seule la carriole devenue bien trop lourde pour elle. Extrait des Écrits sur le théâtre de Brecht : « Ce qu’une représentation de Mère Courage doit essentiellement montrer : Que les grandes affaires au cours des guerres ne sont pas faites par les petites gens. Que la guerre, qui est une continuation des affaires par d’autres moyens, rend mortelles les vertus humaines, pour leurs possesseurs également. Que pour combattre la guerre, aucun sacrifice n’est trop grand. » La carriole est le signe tangible de ce rapport de Mère Courage à la guerre.

VERS LE BAC Oral (entretien) Le théâtre met en scène des situations politiques en les exagérant, en les transformant en spectacle : ainsi, Brecht montre les implications économiques de la guerre avec la carriole de Mère Courage. L’héroïsme de Catherine devient le modèle de toutes les formes de résistance. Les excès du pouvoir peuvent être montrés par des personnages de rois extravagants (Ubu, p. 132) ou inquiétants dans leur folie (Caligula, p. 165). Ces personnages agissent en chair et en os sous les yeux du public : les exécutions commandées par Ubu sont réalisées. Le théâtre peut aussi mettre en scène des personnages décalés historiquement : la Florence corrompue du XVIe siècle permet à Musset d’évoquer la Révolution manquée de 1830, en montrant les tourments de conscience d’un régicide (Lorenzaccio, p. 150).

Dissertation 1) L’identification, source de plaisir a) La pitié et la terreur propres à la catharsis supposent que le spectateur croie dans les

personnages et s’identifie à eux. C’est le jeu des acteurs, leur capacité à endosser leur rôle, à jouer de façon vraisemblable les tourments de leur personnage qui permettra ce transfert d’émotions. Racine faisait répéter ses actrices pour que leur voix émeuve profondément le public, le fasse pleurer : sur le jeu pathétique, analyser les personnages de Catherine de Mère Courage, Antigone (p. 156) ou Phèdre (p. 159). b) La scénographie, les lumières tendent aussi à rendre les situations plus poignantes, plus émouvantes, plus terrifiantes : la mort de Phèdre (p. 160), la mort du roi Bérenger (p. 169 et p. 492). Le spectateur est totalement immergé dans la boîte à illusion qu’est le théâtre à l’italienne (voir le paragraphe « Illusion et effet de distanciation », p. 153). Il oublie son propre monde et vit dans le temps théâtral. 2) Les conventions qui prennent le public à partie Même dans le théâtre classique qui prône l’identification grâce à la règle de la vraisemblance, certains moyens révèlent la théâtralité et jouent sur la double énonciation théâtrale pour rappeler au public quelle est sa place : les apartés, les jeux de déguisements (Amphitryon, p. 116-117), les monologues comme celui de L’Avare. Il s’agit, non pas nécessairement de pousser le spectateur à la critique, mais simplement de lui indiquer que tout cela est un jeu suscitant un plaisir esthétique. 3) La distance critique a) La rupture du « quatrième mur » marque un changement dans le but que le théâtre se donne : il s’agit de faire un lien entre l’intrigue, les personnages et la situation du public contemporain. Avec Mère Courage, Brecht dénonce les enjeux économiques de la guerre. Le théâtre contemporain souligne donc l’artificialité du théâtre pour sortir le public de sa fascination naturelle. C’est la mise en scène qui joue alors sur le décor, les costumes, crée des décalages, même avec des textes anciens : Vitez monte Électre de Sophocle dans la Grèce contemporaine (p. 187). b) Le texte lui-même peut jouer de cette distance, surprendre le public, le dérouter même : la langue poétique de Koltès suggère les relations violentes entre Noirs et Blancs (p. 170), les délires de Winnie sondent la solitude et l’absurdité de l’existence humaine (Oh les beaux jours p. 194).



06/09/11 11:52

Bilan / Prolongement Cette image permet de comprendre ce qu’est une scénographie (définition p. 183 et 491). On peut comparer la mise en scène et la taille de la carriole avec la mise en scène d’A.-M. Lazarini en 2008 : sur les nombreuses images, on trouve la scène avec Catherine (site : www.artistic-athevains.com). Pour approfondir la notion d’espace tragique symbolique, voir les images de la page 184. On peut également comparer cette carriole avec la main géante de la mise en scène d’Ubu Roi par Sobel, metteur en scène brechtien (p. 132).

LE SPECTACLE DE LA MORT DES HÉROS

⁄

Eschyle, Agamemnon, ›∞8 av. J.-C.

 p. ⁄∞›-⁄∞∞

Objectifs : – Découvrir une tragédie grecque. – Analyser le fonctionnement du chœur. – Analyser les procédés spectaculaires de la mort du héros.

Témoins du meurtre d’un roi LECTURE DU TEXTE Pré-requis : Lire les éléments concernant le théâtre antique (p. 180-190), en particulier les repères esthétiques sur le chœur (p. 186).

1. Conventionnellement, les membres du chœur s’expriment ensemble (par le chant et la danse) ou par la voix du seul coryphée. Il existe très peu d’exemples où le chœur se sépare (même si l’existence de deux demi-chœurs dans Ajax, au moment de la découverte de la mort du héros, est attestée). Agamemnon est le seul exemple, dans les tragédies conservées, de prise de parole individuelle : l’effet spectaculaire est donc très fort et était sans doute surprenant pour le public athénien du Ve siècle. La distribution de la parole permet d’exprimer des avis différents, voire divergents, de multiplier les hésitations et d’amplifier l’indignation des lignes 15, 21-22 (registre lyrique).

2. La catharsis est définie page 432. Le chœur exprime toutes les émotions que le public ressent aussi : crainte (l. 2, 17-20), révolte (l. 7-10), indignation devant le meurtre du roi (l. 21-24), pitié pour la victime (l. 4-5). Le chœur se fait l’écho des réactions des spectateurs et les guide en quelque sorte. 3. Différents avis s’opposent, qui correspondent aux réactions d’une humanité ordinaire. Le chœur est constitué de vieillards faibles, citoyens sans responsabilité ni courage politique. Certes, quelques-uns veulent alerter les autres citoyens (l. 7-8), d’autres, moins nombreux, veulent intervenir eux-mêmes immédiatement (l. 9-12). Ce sont les plus déterminés. Mais il y a surtout des lâches, préférant attendre de voir ce qui se passe (l. 13-14). Ils se doutent qu’il s’agit d’un coup d’État, installant une tyrannie. Mais si certains s’indignent à l’idée d’accepter (l. 21-24), d’autres sont dans l’expectative et la prudence excessive (l. 25-30). Et c’est cette voix qui l’emporte par la bouche du coryphée. Ces tergiversations finissent par résonner ironiquement : pendant ce temps, on achève le roi et le spectacle sanglant que les choreutes découvrent à la fin est un retour brutal à la réalité.

HISTOIRE DES ARTS Peter Stein reprend le principe de l’ekkuklème grecque : un plateau roulant qui s’avance de la porte vers l’avant-scène et exhibe les conséquences des crimes qui se sont déroulés derrière la porte du palais. Il dépasse même du plateau. Les deux cadavres sont étalés à demi-nus comme sur une table de dissection. Ils sont couverts de sang, comme Clytemnestre elle-même. La reine tient encore l’épée à la main : le meurtre a été une vraie boucherie. L’image est donc très violente et crue dans son réalisme sordide, alors que les Grecs devaient utiliser des moyens plus sommaires pour montrer des cadavres. Peter Stein, metteur en scène brechtien, exhibe l’excès de la violence tragique pour créer un effet de distanciation.

VERS LE BAC Oral (analyse) 1) Le chœur commente l’action, il s’approche de la porte derrière laquelle on entend les cris d’Agamemnon. Ainsi, il dramatise le meurtre



131

06/09/11 11:52

que, par convention, on ne montre qu’après sa réalisation. Les questions qu’il se pose à voix haute font naître et croître le suspense : À qui est la voix de celui qu’on égorge ? Puis, une fois Agamemnon identifié, est-il vraiment mort ? (l. 1-5, 29-30) Ses meurtriers régicides vont-ils installer une tyrannie ? (l. 13-14) 2) Le chœur exprime toutes les réactions possibles face à l’événement (questions 2 et 3).

Question sur un corpus La mort du roi est toujours dramatisée au théâtre par les réactions des personnages secondaires : pitié, refus de voir la vérité en face (voir Marie chez Ionesco, voir l. 25 à la fin de ce texte) ou au contraire résignation froide (qu’on songe à Marguerite, au garde, au médecin), voire lâche (le chœur). Les mouvements qu’on imagine vers la porte du palais (l. 9-10) sont à comparer aux gestes de Marie aidant le roi à se redresser. Mais les conséquences collectives de la mort d’Agamemnon et les problèmes politiques liés à sa succession n’ont rien à voir avec la portée individuelle de la mort de Béranger, qui exprime l’angoisse de n’importe quel humain face à la mort. Et même si son royaume part en ruines (comme l’atteste le discours du médecin), il n’y aura rien d’autre après lui.

Invention Il s’agit principalement de noter les déplacements des choreutes : Qui se précipite vers la porte ? Qui s’en approche avec crainte ? Qui recule ? Qui arrête les autres ou au contraire se cache derrière eux ? Etc. Les regards sont-ils dirigés vers la porte ou vers le public ? Après avoir fait écrire quelques didascalies, on peut faire jouer l’extrait, en dispersant les élèves dans la classe, dans les rangs (P. Stein avait imaginé que les choreutes étaient dans la salle).

Bilan / Prolongement On peut analyser l’image du chœur d’Agamemnon dans la mise en scène de Mnouchkine (p. 186) et essayer d’imaginer quels costumes pouvaient avoir les personnages du chœur de P. Stein. Le Sceren (CNDP) a publié en 2009 un fascicule sur la mise en scène d’Agamemnon dans la série « Baccalauréat théâtre » avec de nombreuses images et un DVD permettant de comparer

des mises en scène. Il comporte une interview d’Olivier Py. Il existe également un dossier sur cette mise en scène sur le site : crdp.ac-paris.fr/ piece-demontee.

¤

Sophocle, Antigone, ››¤ av J.-C.

 p.⁄∞6-⁄∞8

Objectifs : – Analyser le fonctionnement d’une tragédie grecque : le rapport du héros au chœur. – Analyser les procédés des registres tragique et pathétique. – Analyser une réécriture contemporaine : évolution du tragique. – Comparer des mises en scène.

Mourir en héroïne exemplaire LECTURE DES TEXTES 1. Dernière fille d’une lignée marquée par des crimes, Antigone, elle-même innocente, est, malgré elle, entraînée dans la spirale de la violence. Si elle manifeste sa liberté, en rendant les devoirs funéraires à son frère, contrairement à sa sœur Ismène, elle se présente comme vouée au monde des morts : elle rejoint ainsi tous les êtres chers : « je descends, la dernière de toutes et la plus misérable » (l. 4). Ce qui rend cette mort plus tragique, c’est son âge : une femme grecque a pour vocation de se marier et d’avoir des enfants. En mourant vierge, Antigone n’accomplit pas son destin, alors que ses parents ou ses frères ont vécu leur vie et ont choisi leur fin : « je n’aurai connu ni le lit nuptial ni le chant d’hyménée » (l. 26-27). Une jeune fille mariée à la mort est, pour les Grecs, un destin particulièrement pathétique : « je descends vivante, au séjour souterrain des morts » (l. 30-33). Sa mort, emmurée vivante (Créon craint de se souiller en la faisant exécuter), est aussi particulièrement atroce. 2. Le registre est pathétique. Elle veut susciter la pitié du chœur et du public. On peut relever : – les phrases exclamatives marquant son désespoir (l. 1-2, 30-32) ; l’indignation (l. 9-10, 23-25, 45-46) ;



06/09/11 11:52

– le champ lexical du malheur et de la souffrance : « la plus misérable » (superlatif), « sans égards », « abandonnée des miens », « misérablement » : l’énumération avec rythme ternaire en renforce la portée ; – la métaphore du mariage avec la mort (l. 1-2) ; – une question rhétorique (l. 34-36). Elle s’adresse à son tombeau personnifié, puis à ses morts (l. 5-8) et enfin au chœur (l. 14-15) qu’elle prend à témoin de l’injustice qu’on lui fait subir dans une phrase interrogative (l. 13, 33-34). Après s’être lamentée, elle argumente pour convaincre le chœur et donc le public de son innocence.

3. Les valeurs d’Antigone reposent sur la piété filiale : « ma piété m’a valu le renom d’une impie » (l. 37-38). Elle devait accomplir les rituels funéraires pour ses parents comme pour ses frères, c’est son rôle de fille. Elle a plus de devoirs vis-à-vis d’eux que vis-à-vis d’un mari ou d’enfants, car ceux-ci pourraient être remplacés, mais non ses frères (l. 11-13, 14-20). 4. Le niveau de langue d’Anouilh est plus courant, moins littéraire, parfois même familier (« aller à quatre pattes », « te faire empoigner »). Les répliques sont courtes et violentes. Antigone ne prononce aucune longue tirade de plainte avant de partir à la mort. Elle est agressive vis-à-vis de sa sœur, qu’elle rejette (« laisse-moi maintenant avec tes jérémiades ») comme avec Créon : « allons, un peu de courage, ce n’est qu’un mauvais moment à passer » est même ironique. Elle est provocatrice et veut que Créon la mène à la mort alors qu’il manifestait de la pitié pour elle. Il finit par céder (l. 12 et 14). Ismène, désespérée, poursuit alors sa sœur. Au contraire, dans cette dernière scène, Sophocle n’introduit pas Ismène. La jeune fille fait face au chœur et à Créon, impassibles devant sa souffrance : le coryphée la pense folle (métaphore des vents qui règnent sur son âme) et Créon, la menaçant toujours, presse les gardes d’accomplir leur besogne (l. 51-52). Il n’a rien cédé et la longue tirade de la jeune fille est restée lettre morte, ce qui la rend d’autant plus pathétique. L’Antigone d’Anouilh est une jeune fille révoltée, tenant tête à tous ceux qui voudraient l’aider. Au contraire, l’Antigone de Sophocle est désespérément et tragiquement seule.

HISTOIRE DES ARTS L’Antigone de J. Nichet est habillée en blanc, symbolique costume de mariée vierge, et elle tire vers elle une sorte de drap blanc. Elle ne porte aucune parure. Le plateau est recouvert de tissus violets sur lesquels sa silhouette ressort : ils ressemblent à des habits éparpillés, comme les dépouilles des morts. Assise, elle semble interroger le ciel ou lui adresser une prière. Son visage est crispé, triste. Sa solitude et son désarroi sont visibles. L’Antigone de S. Kouyaté est une princesse africaine avec une robe dorée et brodée, des bijoux et un diadème. Elle est digne et majestueuse. Elle affronte la mort sans ciller.

VERS LE BAC Oral (analyse) La figure d’Antigone incarne la force du tragique par son mélange de détermination et de désarroi (seulement chez Sophocle). 1) Comme tout héros tragique, elle a fait des choix dont elle assume pleinement la responsabilité, ce n’est pas le destin qui l’a forcée à pratiquer les rituels pour son frère : la différence avec la position d’Ismène est indiquée clairement dans le texte d’Anouilh. Et chez Sophocle, l’héroïne justifie et revendique cette piété familiale (voir question 3). 2) Mais ce sont les morts qui se sont emparés d’elle en quelque sorte, l’ont attirée dans l’Hadès (l. 1-5 de Sophocle). Ce mariage avec la mort l’empêche de s’accomplir en tant que femme et c’est un sort tragique (voir questions 1 et 2). 3) D’autre part, sa solitude extrême est soulignée chez Sophocle par les réactions du chœur et de Créon (voir fin question 4).

Dissertation 1) Le conflit tragique contre l’autorité a) Le rapport au pouvoir est un thème tragique depuis l’Antiquité grecque : il permet de réfléchir sur ce qu’est une tyrannie et de montrer comment la responsabilité individuelle s’exprime face à la violence : voir Agamemnon (p. 154) et Antigone. Le chœur se fait alors l’écho des inquiétudes du peuple ou de la morale de référence. Les réécritures modernes des mythes suggèrent les problèmes de conscience suscités par le régicide : voir comment Électre est confrontée au meurtre de sa mère dans Les Mouches (p. 164).



133

06/09/11 11:52

b) Le théâtre classique français et le drame romantique ont développé ce thème politique en accentuant les dilemmes dont les héros sont tourmentés, pris entre code d’honneur personnel, allégeance ou trahison : voir les héros cornéliens ou Lorenzaccio (p. 178 sq.). c) Les rois de Racine sont aussi tyranniques, mais par amour : voir Néron dans Britannicus où le conflit vis-à-vis du pouvoir se double d’une rivalité amoureuse, voir aussi l’extrait d’Andromaque (p. 603). 2) Le conflit tragique contre soi-même Le héros du théâtre classique ou romantique est davantage aux prises avec ses passions personnelles qu’avec le pouvoir : dans Phèdre (p. 159-161), ce n’est pas le roi Thésée qui punit Phèdre ; il préfèrerait même ne pas connaître la vérité. C’est elle qui se juge ignoble et se donne la mort. Lorenzo et Ruy Blas avancent masqués et ce déguisement est la cause de leurs tourments, et de leur suicide. Ruy Blas se tue pour ne pas déshonorer la reine (p. 162-63). Lorenzo sait que son acte a été vain et se laisse assassiner, ce qui est aussi une forme de suicide (p. 146). 3) Le tragique existentiel a) Le théâtre contemporain se préoccupe davantage de montrer l’absurdité de l’existence ; le rapport au pouvoir, à l’autorité n’existe pas ou reste symbolique : dans Le Roi se meurt, Bérenger lutte contre la perte de pouvoir qui annonce sa mort (p. 168-169). Le Caligula de Camus n’est devenu un tyran sanguinaire qu’à cause de son désespoir profond et son angoisse devant l’absurdité de la vie (p. 165). b) Les personnages du théâtre de l’absurde sont confrontés au vide absolu de l’existence et le tragique consiste à continuer, malgré tout, à meubler le temps en accomplissant des rituels sans but : En attendant Godot (p. 166-167) ou Oh les beaux jours (p. 191).

Bilan / Prolongement Pour approfondir l’analyse des héros tragiques grecs, on peut comparer Clytemnestre (Agamemnon, p. 154-55), Électre (p. 183), Antigone (p. 156 et 184), Œdipe (p. 184), Oreste (p. 185) et voir ce qui les caractérise : grandeur, hubris, fatalité familiale, violence, mort tragique. On peut également comparer le rôle du chœur dans Antigone, Agamemnon (p. 154 et 186), Électre (p. 187).

›

Racine, Phèdre, ⁄§‡‡  p. ⁄∞·-⁄§⁄

Objectifs : – Comprendre le dénouement d’une tragédie classique et sa visée morale. – Analyser les effets spectaculaires de la mort de l’héroïne. – Analyser les procédés des registres pathétique et tragique. – Comparer des mises en scène.

Mettre en scène sa mort LECTURE DU TEXTE 1. Phèdre est tragique parce qu’elle n’a pas su dominer sa passion pour Hippolyte et qu’elle l’a accusé à tort, provoquant ainsi sa mort (« Jouissez de sa perte, injuste ou légitime », v. 5). Elle appartient à la lignée crétoise : le Minotaure était son demi-frère et elle a agi aussi monstrueusement que lui qui dévorait des jeunes gens chaque année. D’abord, en aidant Thésée à tuer la Bête. Puis, en faisant dévorer un jeune homme par un monstre. Thésée est tragique parce qu’il a tué son fils innocent (« Tout semble s’élever contre mon injustice », v. 16). Thésée est un grand héros qui a réussi des exploits épiques, comme tuer le Minotaure en Crète. C’est pourtant lui qui fait envoyer un monstre contre son fils. Son dernier exploit est un crime irréparable (« L’éclat de mon nom même augmente mon supplice », v. 17). 2. Phèdre met en scène ses aveux en annonçant d’emblée l’innocence d’Hippolyte (un hémistiche très bref v. 26), puis en ralentissant le rythme de la narration, alors même qu’elle annonce que le temps lui est compté (« les moments me sont chers », v. 29). Elle rappelle la chronologie des faits : – son amour contre nature (v. 30-32) ; – le rôle d’Oenone et son suicide (v. 33-39) ; – l’annonce de sa propre mort. Le mot « poison » n’est prononcé qu’au vers 45, après des indices (« chemin plus lent », v. 43) et deux propositions avant le COD (v. 44) destinées à faire monter la tension dramatique ;



06/09/11 11:52

– les vers 46-51 décrivent le lent travail du poison. Le jeu de l’actrice doit montrer cet affaiblissement progressif, cette souffrance, le regard qui se voile. Les derniers mots doivent être prononcés difficilement.

3. Phèdre reconnaît bien une part de responsabilité : « c’est moi » est en début de vers 30 et les fins des vers 30 et 31 s’opposent par les adjectifs employés où l’on entend des allitérations en [s] et assonances en [oe] : « ce fils chaste et respectueux » / « un œil profane, incestueux ». Elle qualifie son amour de « flamme funeste » et surtout de « fureur », parle d’« outrage » ou de souillure (v. 51). Pourtant, le rôle d’Oenone est souligné : « la détestable Oenone » (v. 33), « la perfide » (v. 36) sont en début de vers. Cette perfidie est suggérée par les allitérations en [s] ou [z] aux vers 34-37. Enfin, elle estime se punir par cette mort lente et ainsi racheter en partie son crime : « mes remords » (v. 42) rime avec « descendre chez les morts ». L’action du poison est longuement décrite avec des effets d’insistance : l’anaphore de « déjà », de « et » (v. 49-50), les déplacements des compléments circonstanciels (v. 46, 47, 48) rejetant en fin de vers « le venin parvenu », « un froid inconnu ». 4. Thésée insiste sur l’horreur du crime de Phèdre : le vers 52 se divise en constat de la mort par Panope et jugement de Thésée, « une action si noire ». Mais la phrase exclamative du vers 53 montre son absence de compassion et le regret de sa propre culpabilité : rien ne peut réellement expier l’injustice et les assonances en [] mettent en écho « mon erreur », « nos pleurs », « mon malheureux fils ». Il décide de rendre des honneurs à Hippolyte « qu’il a trop mérités ». C’est le retour à l’ordre, passant par la punition exemplaire de la criminelle et la réhabilitation de la victime. Enfin, Aricie trouve aussi une place digne de son rang (v. 61). La tragédie ne s’achève jamais, à l’époque classique, sur l’horreur. Les décisions finales rendent aux survivants une place adéquate.

HISTOIRE DES ARTS Mise en scène de J.-M. Villégier : La scène baigne dans une lumière froide bleutée qui met en valeur l’architecture classique du mur du palais. Les différents personnages, tous habillés

de costumes de cour XVIIe siècle sombres, sont disposés géométriquement dans l’espace comme des pièces sur un échiquier. Cette disposition rappelle l’ordre, la symétrie classique que cette mort doit permettre de retrouver : Thésée, à l’avant-scène, jette à peine un regard en arrière ; il ne daigne pas regarder la criminelle étendue seule à terre, dans la lumière crue qui vient de la porte. Panope est dans une attitude de prière, mais à une certaine distance de Phèdre, la monstrueuse. Théramène, qui a narré la mort d’Hippolyte, est au fond. Lui aussi se détourne de la scène de mort. Chaque personnage montre le rejet, l’horreur suscitée par les aveux de Phèdre. Sa mort ne suscite guère de compassion. Mise en scène de P. Chéreau (le DVD de cette mise en scène est disponible chez Arte vidéo) : Phèdre a un visage totalement égaré ; elle est agenouillée, dans une attitude implorante. Elle s’accroche à Thésée, furieux et désemparé. Elle s’humilie et montre son désarroi, sa culpabilité. Ce jeu très physique cherche à créer un effet d’identification, alors que la mise en scène de J.-M. Villégier fait référence au jeu plus sobre, plus distant des acteurs tragiques du XVIIe siècle qui ne se touchaient jamais.

VERS LE BAC Oral (analyse) 1) La terreur est causée par l’annonce de l’innocence d’Hippolyte, mort dans des conditions atroces : pour Thésée, à jamais, il faudra « De mon fils déchiré fuir la sanglante image » (v. 13). Thésée préfèrerait même ne rien savoir (voir question 1). Phèdre ne minimise pas ce meurtre odieux (voir début de la question 3). 2) La mort lente de Phèdre suscite la pitié, même si son crime est odieux : voir la mise en scène de ses aveux et la description pathétique de son affaiblissement (voir question 2 et fin question 3). Thésée est ravagé par un tragique sentiment de culpabilité (voir question 1). On commentera le vers 26 avec la coupe à l’hémistiche s’étalant sur deux répliques « Il n’était point coupable / Ah ! Père infortuné ! » : il met en valeur le cri de désespoir de Thésée (voir aussi la question 4).

Question sur un corpus Le suicide par empoisonnement est toujours spectaculaire car il laisse au personnage le



135

06/09/11 11:52

temps de s’exprimer et de décrire les effets du poison. On assiste à son affaiblissement progressif et le caractère irrémédiable, donc tragique de la mort est ainsi mis en scène très concrètement. Si Phèdre arrive après avoir avalé le poison, son effet dure 25 vers et est commenté longuement. Au contraire, Ruy Blas a posé la fiole et ne la boit que lorsqu’il sait que la reine ne lui pardonnera pas : le suspens est maintenu (v. 19-21) avec un alexandrin coupé et distribué sur plusieurs répliques. Ce qui est tragique dans les deux cas, c’est que le suicide ne résout rien : ni le meurtre d’Hippolyte, ni l’impossibilité de l’amour de Ruy Blas pour la reine. Il permet juste de maintenir un semblant d’ordre : la reine ne sera pas déshonorée et Phèdre criminelle s’est punie elle-même. Dans le drame romantique, les réactions de la reine, ses gestes, accroissent les effets pathétiques et tragiques de ce suicide : la déclaration d’amour coïncide avec le dernier souffle du héros. Au contraire, la mort de Phèdre ne soulève aucune pitié de la part de Thésée, comme le montre la mise en scène de J.-M. Villégier.

Commentaire 1) Le spectacle de la mort d’une criminelle Alors que la mort sur scène est interdite par la règle classique de la bienséance, Racine fait mourir son héroïne par empoisonnement devant le public. Certes, on ne la voit pas avaler le poison. Et cette forme de mort est moins violente que l’épée. Cela permet un châtiment exemplaire qu’elle se donne elle-même aux yeux du monde, accompagné d’un discours de confession de ses péchés. C’est une concession à la morale chrétienne qui réprouve le suicide. a) L’aveu de sa responsabilité (voir questions 2 et 3). b) Une fin commentée et pathétique L’idée d’une punition à la hauteur du crime est déjà suggérée avec la mort d’Oenone qualifiée de « supplice trop doux » (v. 39). Elle avoue également avoir envisagé de se suicider par l’épée (v. 40). Mais elle a voulu réhabiliter Hippolyte et surtout faire de sa mort une exécution exemplaire, comme on le faisait pour les condamnés au XVIIe siècle à qui l’on demandait de se repentir avant d’être confiés au bourreau (v. 42-43 : voir fin de la question 3). Les effets physiques du poison sont décrits longuement : le froid gagne ses « brûlantes veines » (v. 44). Il s’agit d’éteindre le

feu de son amour au centre même de la passion, le « cœur », mot répété aux vers 46-47. Puis, c’est le regard qui se brouille (v. 48 et 50). La lenteur du processus est suggérée par la longueur de la phrase : les vers 46-51 sont scandés par des points virgules et les anaphores de « déjà » ou « et ». On peut imaginer le jeu de l’actrice qui s’affaiblit et finit par tomber au sol. 2) Une mort qui permet le retour à l’ordre a) Débarrasser le monde d’une souillure Thésée dans sa première réplique a le pressentiment de l’injustice commise contre Hippolyte (v. 3 et 5) et cherche à s’en dédouaner (v. 9, 15-16). Voir aussi le champ lexical de l’injustice et de l’innocence. Mais Phèdre insiste sur la monstruosité de son crime : elle parle d’un inceste qui faisait horreur à Hippolyte (v. 24-25). Surtout elle montre dans ses derniers vers que sa présence souille le monde : « Et le ciel et l’époux que ma présence outrage » (v. 49). Les compléments placés en début de vers insistent sur le crime autant à l’égard de la morale religieuse qu’à l’égard de la fidélité conjugale. « Et la mort […] / rend au jour qu’ils souillaient, toute sa pureté » : ses derniers mots sont mis en évidence par la virgule et la rime avec « clarté ». Le rapport à la lumière est souvent mentionné dans la pièce de Racine : Phèdre est petite-fille du Soleil et son crime a terni en quelque sorte la lumière du jour. b) La morale de Thésée (voir question 4).

Bilan / Prolongement À travers ce texte, on découvre la visée à la fois spectaculaire et morale de la tragédie classique. On peut également montrer que le tragique repose toujours sur une part de liberté individuelle : même si Phèdre est emportée malgré elle par la passion, sa mort volontaire, mise en scène, est l’expression de sa responsabilité et de sa volonté individuelle. Elle prouve sa capacité à maîtriser au moins sa fin. Pour approfondir cette notion, on peut comparer cette scène avec celle de Ruy Blas (p. 162).



06/09/11 11:52

∞

V. Hugo, Ruy Blas, ⁄°‹°  p. ⁄6¤-⁄6‹

Objectifs : – Découvrir l’originalité théâtrale du drame romantique. – Analyser les caractéristiques d’un personnage romantique. – Analyser les procédés des registres pathétique et tragique.

Offrir sa vie en sacrifice LECTURE DU TEXTE Pré-requis : On peut lire deux autres extraits de la pièce (p. 197 et 487) pour mieux comprendre l’enjeu amoureux.

1. Première partie : vers 1-20 (« La reine : Jamais ») : Ruy Blas tente d’obtenir le pardon de la reine (registre élégiaque et pathétique). Deuxième partie : vers 20 (« Ruy Blas se lève ») – 23 (« Don César ») : Ruy Blas avale le poison (registre tragique). Troisième partie : vers 23 (« Quand je pense, pauvre ange ») à la fin : la lente agonie de Ruy Blas et la déclaration d’amour de la reine, désespérée (registre pathétique et tragique). 2. La Passion du Christ comporte des humiliations physiques et morales : pendant les 20 premiers vers, Ruy Blas insiste sur son innocence foncière mais la reine le méprise et le rejette. Le jeu avec le nom peut aussi faire penser au nom parodique dont Jésus avait été affublé par les Romains : « Roi de Judée ». Ruy Blas insiste sur son nom véritable, populaire et roturier. La femme qui essuie son front en sueur est encore une référence au chemin de croix où le Christ chute deux fois et rencontre en Véronique une femme qui fait le même geste. Enfin, Jésus s’adresse à son père avant de mourir pour obtenir le pardon et la rémission des péchés commis par les hommes. Le dernier discours de Ruy Blas est un appel à Dieu pour protéger la reine et la métaphore du « cœur crucifié » est très claire (v. 31 sq.). Ruy Blas se sacrifie pour éviter le déshonneur à la reine : personne ne doit connaître les

tentatives de séduction d’un valet à son égard, ni surtout savoir qu’elle y a répondu favorablement : ses dernières recommandations alors qu’il perd conscience sont « Fuyez d’ici ! » (v. 37). En mourant, il obtient malgré tout l’assurance de l’amour de la reine (v. 35), qui, enfin, le nomme par son vrai nom.

3. Pour faire durer le suspense de la scène, Hugo joue avec le rythme des alexandrins qui sont répartis sur plusieurs répliques, créant ainsi un rythme saccadé propre à exprimer les émotions. La reine ne répond d’abord rien aux longues répliques de Ruy Blas : elle veut même abréger la déclaration d’amour (v. 9). Sa phrase interrogative est méprisante (v. 19) et la réponse à la demande de Ruy Blas est pour le moins brutale (v. 20). Elle résiste à la posture de supplication adoptée par Ruy Blas (v. 9 et 19). Mais dès qu’elle le voit boire le poison, elle se précipite vers lui et ses répliques expriment son affolement. En témoignent le rythme très saccadé des courtes phrases exclamatives des vers 24-26 (4/2/3/3 ; 2/6/4) ainsi que le passage du « vous » au « tu ». La reine est amoureuse de Ruy Blas et quand elle comprend qu’il va mourir, elle abandonne son rôle de reine devant un domestique. Elle sait que le temps leur est compté.

HISTOIRE DES ARTS D’autres images de cette mise en scène ainsi que celles de la mise en scène de William Mesguich se trouvent sur le site du photographe J.-P. Lozouet : http://photosdespectacles.free.fr. Ruy Blas n’a pas encore avalé le poison ; la fiole se trouve derrière la reine, sur la table, et elle s’appuie dessus dans un mouvement de recul. Son regard manifeste de la méfiance et de la sévérité. Au contraire, Ruy Blas a la tête baissée, il est humble et emprunté. La reine porte une longue robe blanche sans apprêt, qui la fait ressembler à une très jeune fille (robe de mariée, de fiancée, référence à la virginité). Elle ne porte aucun bijou ; elle est venue à ce rendez-vous en toute simplicité, incognito. Ruy Blas est en chemise, un peu débraillé. Il ne porte ni un costume de noble, ni une livrée de domestique ; il a retrouvé son identité propre, il ne joue plus un rôle. Les deux costumes manifestent ainsi qu’on est au moment des révélations, de la sincérité loin des rôles et masques de la cour.



137

06/09/11 11:52

VERS LE BAC Oral (analyse) 1) Le héros romantique est un paria, un homme méprisé, ici pour son statut social : Ruy Blas a beau être valet et avoir agi en partie sur ordre, il se prétend honnête homme et revendique la même la noblesse de cœur. Il ne supporte pas qu’on l’estime sans conscience morale : « Je suis honnête au fond » (v. 5) ; « je n’ai pas l’âme vile » (v. 4 et 11) est répété deux fois. 2) Le héros romantique est tourmenté et exprime ses souffrances : Ruy Blas est écrasé à la fois par sa culpabilité (« La faute est consommée », v. 7) et par son amour irréductible pour la reine (« C’est égal, voyez-vous, je vous ai bien aimée », v. 8). Il cherche, par le lyrisme de son langage, la reconnaissance de son identité et de sa grandeur : ici, Ruy Blas est une figure christique (question 2). 3) Le drame romantique utilise les nombreux procédés de la plainte élégiaque et pathétique : l’alexandrin est déstructuré pour mettre en évidence certains mots ou échos sonores. Ainsi, les enjambements (v. 6-7), le rejet (v. 10-11) et la fin des vers 20-21 en témoignent. L’emploi très fréquent des phrases exclamatives, des interjections créent des césures nombreuses (v. 25-26 ; 35). 4) Le drame romantique privilégie des effets spectaculaires exagérés (voir la question 3). La mort de Ruy Blas est très lente, avec plusieurs retours à la conscience, alors qu’on le croyait mort. C’est d’abord « Adieu ! » (v. 37), puis « Je meurs » (v. 38) et enfin, le dernier mot, « Merci ! » (v. 38). Ces mots sont tous accompagnés d’une gestuelle expressive, qui fut parfois grandiloquente. C’est l’acteur Frédérick Lemaître qui créa le rôle, grande vedette du mélodrame où l’on pratiquait un jeu très outré (comparer avec les 25 vers de la mort de Phèdre, p. 160-61). La présence de la reine renforce encore les effets pathétiques.

Il marche vers la fiole « lentement » mais boit « d’un trait » : c’est la marche du supplicié vers le bourreau. Et, il accompagne chaque mouvement de paroles : « Bien sûr ? » et « Triste flamme / Éteins-toi ! », métaphore qui cumule sur deux vers contre-rejet et rejet pour rendre le geste symbolique et fort. b) Mourir dans les bras de la femme aimée Ruy Blas met ensuite une vingtaine de vers à mourir avec un discours pathétique et une gestuelle expressive (voir question d’oral). Il refuse d’avouer immédiatement que c’est du poison malgré les questions pressantes de la reine (v. 24, 29). Il attend que le produit ait fait effet (v. 30). Il s’effondre alors dans les bras de la reine (didascalies v. 27 et 30), obtient d’elle qu’elle l’appelle par son nom, lui pardonne et lui avoue son amour. Il s’affaiblit encore et le jeu de l’acteur doit porter sur la voix (didascalies v. 36-37). On le croit mort, mais il a un dernier sursaut : « Je meurs. », « Merci ! » Les cris de la reine et son geste final rendent plus tragique encore cet instant. 2) Rachat et salut d’un héros romantique a) Une figure christique (voir question 2). b) Le retournement de la reine prise de remords et de compassion (voir question 3). c) La rédemption vient uniquement de la reine : « Vivant, par son amour, mourant, par sa pitié » (v. 34). En acceptant son amour, elle donne un sens à la vie du héros dont le dernier mot est « Merci ! ».

Bilan / Prolongement Pour approfondir sur les formes du drame romantique, voir l’extrait d’une lettre de Vigny (p. 483). Pour mieux comprendre ce qu’est un héros romantique, lire l’extrait d’Antony de Dumas (p. 489) ainsi que le « parcours de lecteur » consacré à Lorenzaccio (p. 143 sq. et l’extrait p. 581).

Commentaire 1) Une mort théâtralisée et pathétique a) Le geste de l’empoisonnement mis en scène La fiole a été posée sur la table et le spectateur sait qu’elle est là. Ruy Blas dramatise sa confession en laissant croire que le pardon de la reine pourrait changer sa décision de se suicider : voir les didascalies (v. 1-19). En réalité, on apprend au vers 36 que sa mort était préméditée. 138 | Le texte théâtral et sa représentation du XVIIe siècle à nos jours


06/09/11 11:52

6

J.-P. Sartre, Les Mouches, ⁄·›‹  p. ⁄6›

Objectifs : – Découvrir la réécriture contemporaine d’une tragédie grecque. – Analyser l’évolution du héros tragique. – Découvrir le renouvellement des formes théâtrales (le monologue). – Analyser les procédés du registre tragique.

Tuer sa mère par procuration LECTURE DU TEXTE Pré-requis : Une image de la mise en scène lors de sa création par C. Dullin se trouve page 179. On peut trouver un dossier sur le site de la BnF : http://expositions.bnf.fr/Sartre/reperes/oeuvres/ mouch.htm.

1. Le monologue classique peut être à la fois informatif, lyrique et délibératif. L’information sur le meurtre de Clytemnestre est donnée, non par Électre, mais par les cris qu’on entend derrière la porte. Électre n’a pas, non plus, à décider de tuer sa mère et elle n’en est pas l’actrice principale. Elle attend le retour de son frère, et exprime à la fois son impatience et ses tourments. Le monologue est donc lyrique. a) Avant les cris de Clytemnestre : face au cadavre d’Égisthe, Électre exprime son impatience angoissée et le dégoût qui la pousse à recouvrir le corps. On peut commenter le jeu avec le cadavre (→ l. 12). b) Tandis que retentissent les premiers cris de Clytemnestre, elle exprime l'horreur du meurtre accompli (→ l. 16). c) Elle se persuade qu'ils ont bien fait de tuer Égisthe (dont elle découvre le cadavre) et Clytemnestre : « je pleure de joie » (l. 22), avoue-t-elle juste avant d'accueillir son frère. 2. Ses différents sentiments sont : – l’angoisse avant la réalisation du crime. On peut commenter la phrase interrogative et la suspension de la phrase (l. 2) ; – le sentiment de culpabilité, qu’elle tente de combattre en se répétant : « je l’ai voulu ! », phrase reprise en fin de texte (l. 17 sq.). Elle se redit aussi : « Je le veux, il faut que je le veuille

encore. » (l. 2-3). Toutes les modalités du verbe « vouloir » indiquent son manque d’assurance. On relève la même répétition hallucinée d’« elle va crier », verbe assorti d’une comparaison : « comme une bête » (l. 10). Ainsi, elle espère ces cris et en même temps les redoute ; – l’incapacité à se réjouir vraiment de cette mort (l. 14-15) alterne avec l’expression de sa satisfaction, comportant de violentes images de mépris envers Égisthe : « j’ai voulu voir ce porc immonde couché à mes pieds » ; « que m’importe ton regard de poisson mort » (l. 18-19). Toute la fin du texte est un cri de joie exalté, scandé par les répétitions de phrases exclamatives (l. 20-21). Ce monologue peut ressembler aux monologues cornéliens de dilemme, mais il est beaucoup plus confus, chaotique et ne débouche sur aucune position claire : Électre se contraint à une joie factice et sa culpabilité reste entière. Le monologue ne permet pas un retour à l’ordre. Il est au contraire la prise de conscience d’un désordre irrémédiable, d’un acte irréparable.

3. La pièce est écrite sous l’occupation allemande en 1943 et Sartre dit avoir conçu « une tragédie de la liberté […]. Car la liberté n’est pas je ne sais quel pouvoir abstrait de survoler la condition humaine : c’est l’engagement le plus absurde et le plus inexorable ». Il explique avoir voulu déguiser sous le mythe grec une réflexion sur la responsabilité dans des actes de résistance qui peuvent avoir des conséquences sur d’autres personnes (cas des otages exécutés après des actes de terrorisme). Le sens critique de la pièce échappa pourtant à la censure de la collaboration.

VERS LE BAC Oral (entretien) Pour compléter les extraits de cette séquence, on peut se reporter à la séquence d’histoire des arts consacrée au théâtre antique (p. 189 sq.). Les mythes posent des problèmes universels : celui de la responsabilité individuelle ou collective face à une tyrannie (Agamemnon, Les Mouches), celui du rapport entre morale personnelle et bien collectif (Antigone). Ils montrent les conflits intérieurs causés par la passion et s’interrogent sur la liberté face à la fatalité d’une passion (Phèdre) ou d’une histoire familiale (Antigone, Œdipe).



139

06/09/11 11:52

Question sur un corpus Dans les deux cas, l’effet spectaculaire est créé par la tension avec la porte du palais et les cris off, commentés de l’extérieur par les personnages présents. L’horreur du crime est exprimée autant par Électre que par les membres du chœur. Les réactions des témoins créent un effet d’attente et prolongent l’angoisse des spectateurs, qui savent pourtant ce qui va se passer. Et si le roi ne crie que deux fois dans la pièce d’Eschyle, Sartre fait durer les cris de Clytemnestre pour insister sur l’aspect sordide de cette mort et la rendre insupportable pour Électre et le public. Le cadavre d’Égisthe présent sur scène renforce cet effet. La terreur est bien exprimée par les choreutes dans l’angoisse et l’impuissance face à un régicide qui annonce une tyrannie. Au contraire, Électre est complice du meurtre, elle l’attend et l’appréhende en même temps. Pour elle, le meurtre d’Égisthe et de Clytemnestre est une vengeance et une libération.

Bilan / Prolongement Un extrait des Mains sales (p. 284-286) permet de mieux comprendre cette notion de responsabilité politique et de compromission irréparable. Voir aussi les extraits des Justes de Camus, avant l’attentat (p. 286). Puis, quand le héros a renoncé à assassiner des enfants (p. 487).

bien » l. 2 et « Écoute-moi bien, imbécile », l. 23). Il donne des ordres pour exécuter rapidement ses décisions (l. 19-21). Il ne supporte aucune répartie : il interrompt l’Intendant (l. 7), lui parle rudement et le menace dans sa dernière réplique. Il ne répond pas à la question de Caesonia. Les deux personnages secondaires sont là pour manifester leur terreur devant un tel comportement arbitraire. Chacune de leurs tentatives déclenche un regain de violence. La violence politique est à l’œuvre dans ses décisions : extorsion des fortunes et exécutions en masse expliquées avec des formules d’insistance : « tous » / « toutes », « petite ou grande » ; « doivent obligatoirement » (l. 2-5) et à nouveaux « tous les habitants » / « tous les provinciaux » (l. 20-21). Les délais impartis sont très brefs.

2. Puisque « gouverner, c’est voler », Caligula décide de faire main basse sur toutes les fortunes, par héritage, ce qui suppose la mort, donc l’exécution de tous les riches. Sa logique repose sur le fonctionnement inique de toute forme d’impôt indirect sur les biens de consommation courante (l. 15-17). Ce qui est monstrueux, c’est de faire exécuter arbitrairement n’importe quel riche à n’importe quel moment (l. 7-10 ; 12-15). Caligula montre que l’importance accordée aux finances publiques peut conduire à mépriser la vie humaine (l. 22-25), mépris monstrueux qu’il pousse jusqu’à l’absurde.

VERS LE BAC Dissertation METTRE EN SCÈNE LA FIN DES HÉROS

‡

A. Camus, Caligula, ⁄·›∞

 p. ⁄6∞

Objectifs : – Comprendre l’évolution du théâtre tragique. – Analyser un héros tragique de l’absurde. – Analyser une scène de conflit théâtral.

Le jeu cruel du tyran LECTURE DU TEXTE 1. Caligula impose son discours de façon violente par des phrases injonctives (« Écoute

1) Le roi et les difficultés à gouverner Dans le théâtre classique, en particulier chez Corneille, le roi est mis face à des choix difficiles et le théâtre met en scène une réflexion sur ce qu’est un bon gouvernant : à travers le personnage d’Auguste dans Cinna par exemple, sans remettre jamais en question la royauté, on débat de l’intérêt d’utiliser la violence ou au contraire d’être capable de clémence (sous-titre de Cinna). Les rois de Racine sont sous l’emprise d’une passion amoureuse les incitant aussi à trahir leurs devoirs de roi : Titus dans Bérénice ou Pyrrhus dans Andromaque. Le roi devient un homme comme un autre et sa tâche peut être présentée comme lourde de conséquences. Anouilh rejoint cette idée avec son Créon dans Antigone (p. 158) : il faut avoir le courage d’exécuter une jeune fille pour respecter la loi qu’on a imposée.



06/09/11 11:52

2) Le roi et les dérives du pouvoir Le théâtre montre cependant plus souvent des tyrans : le pouvoir leur est monté à la tête et ils commettent des actes répréhensibles. C’est la résistance à leur violence qui crée le tragique. Par exemple, le Créon de Sophocle refuse d’écouter les arguments religieux d’Antigone, comme ceux de son propre fils. Il est puni de son hubris, orgueil démesuré (p. 156-57). Jarry écrit avec Ubu Roi (p. 132-33) une parodie comique de tous ces tyrans de théâtre dont Shakespeare a fourni de nombreux exemples (Macbeth) et que Camus reprend aussi à son compte (Caligula). Tous montrent qu’un mauvais roi est menacé de trahison et de meurtre comme celui auquel le chœur assiste dans Agamemnon (p. 154-155). Égisthe et Clytemnestre, régicides et tyrans eux-mêmes, sont à leur tour éliminés, la terreur engendrant la terreur (Les Mouches p. 164). Pourtant, le drame romantique insiste sur la vanité illusoire du tyrannicide : le peuple en porte d’autres sur le trône ou, à tout le moins, laisse faire. Tous les citoyens sont lâches et profitent d’une manière ou d’une autre d’un système corrompu : Lorenzaccio (p. 143 sq.). 3) Le roi comme métaphore Dans le théâtre contemporain, la figure du roi devient la métaphore du rapport des hommes à l’existence : Caligula de Camus, par son attitude de tyran sanguinaire, souligne l’absurdité et l’injustice du fonctionnement politique et économique. Au contraire, dans Le Roi se meurt, la perte de pouvoir de Bérenger est le signe de sa déchéance physique personnelle (voir p. 168 avec le sujet d’argumentation).

Bilan / Prolongement Ce texte permet de faire le lien entre les deux corpus : Caligula est un roi en situation de pouvoir absolu, donc a priori un héros proche de Thésée ou Agamemnon. Cependant, c’est un héros dont la révolte contre l’absurde a trouvé une réponse monstrueuse. Il finit, seul et sans idéal, comme les personnages de Beckett ou d’Ionesco. Une image de la mise en scène de C. Berling se trouve page 179 : on peut ainsi comparer les deux costumes, celui de l’empereur dans sa

splendeur baroque (p. 165) et celui de l’empereur s’enfonçant dans la folie, avec une robe de mariée et un visage hanté. Les extraits des Justes (p. 286 et 487) permettent d’approfondir la réflexion sur le théâtre de Camus et ses conceptions politiques.

8

S. Beckett, En attendant Godot, ⁄·∞¤  p. ⁄66-⁄6‡

Objectifs : – Analyser une scène d’exposition. – Découvrir le théâtre de l’absurde. – Analyser le mélange des registres. – Analyser le rapport du texte au jeu et aux accessoires, le lien entre dialogue et didascalies. – Comprendre l’évolution du personnage de théâtre.

Le jeu absurde de l’existence LECTURE DU TEXTE 1. Une scène d’exposition permet de présenter les personnages, la situation et l’enjeu de l’intrigue. Le jeu avec la chaussure ouvre la pièce : il donne une indication sur un mode de vie, le vagabondage sur des routes comme celle du décor (« Route à la campagne »). Les personnages sont dans une situation de grand dénuement : si Vladimir conseille d’enlever ses chaussures tous les jours, c’est qu’ils ne le font pas forcément, par crainte qu’on ne les leur vole. Vladimir et Estragon dorment dehors et sont victimes de violences de la part d’individus non définis : « dans un fossé » ; « on ne t’a pas battu » ; « toujours les mêmes ». Ils se soutiennent l’un l’autre : Vladimir s’est inquiété de l’absence d’Estragon pendant une nuit et lui fait des reproches : je « me demande… ce que tu serais devenu… sans moi ». Ils se connaissent depuis longtemps et ont eu une vie meilleure : « On portait beau alors » (l. 38). Mais dans cet extrait, on ne sait rien de leurs projets. Ils donnent donc au public l’impression de personnages



141

06/09/11 11:52

pathétiques, sans but, au bord du suicide évoqué comme une idée déjà ancienne : « on se serait jeté en bas de la tour Eiffel ».

2. Leur amitié est un peu conflictuelle : Vladimir essaie d’avoir un ascendant sur Estragon qui y échappe autant qu’il peut. Un certain rapport de force se joue donc ici. Vladimir est d’abord accueillant avec Estragon qu’il est content de retrouver (l. 16-17). Mais celui-ci le repousse « avec irritation ». Ensuite Vladimir reprend le dessus en lui rappelant ce qu’Estragon lui doit (l. 29-31). Celui-ci le repousse encore, « piqué au vif ». Il veut obtenir de Vladimir son aide pour enlever sa chaussure (l. 36, 44). Mais celui-ci le sermonne : « tu ferais mieux de m’écouter », lui dit-il avant de s’emporter contre lui (l. 47-52). Estragon, pour se venger, fait remarquer autoritairement à Vladimir sa braguette déboutonnée, pour le rabaisser (l. 54-55). 3. Le jeu et les remarques sur les vêtements et accessoires introduisent un registre comique par le décalage induit : alors qu’Estragon s’acharne en vain sur sa chaussure, Vladimir disserte sur leur vie, leur envie de suicide (l. 33-41). Vladimir s’aperçoit, tardivement d’ailleurs, de ce qui préoccupe Estragon : « qu’est-ce que tu fais ? » demande-t-il (l. 40). Enfin, la braguette ouverte rend Vladimir ridicule. Pourtant, la difficulté d’Estragon à enlever ses chaussures montre qu’il ne les enlève pas souvent, donc qu’il vit et dort avec. Le laisser-aller vestimentaire est aussi le signe d’un abandon, d’une perte du respect de soi, auquel ils s’accrochent pourtant autant qu’ils le peuvent (l. 56-59).

HISTOIRE DES ARTS B. Sobel a imaginé un décor très symbolique pour la campagne et l’arbre prévus par Beckett : un sol gris métallique, un arbre stylisé lui aussi métallisé posé au bord d’une sorte de bassin. Le fond est uni bleuté et une énorme lune aux couleurs et dessins étranges écrase le paysage. Décor à la fois austère et futuriste. L’arbre est artificiel, ses arêtes sont tranchantes. Cette scénographie propose un monde extraterrestre, vide et angoissant. Les deux hommes portent une superposition de vêtements apparemment usagers, mais assez habillés : la veste est à jaquette, on aperçoit un pull sous la veste, le pantalon est trop long sur les chaussures. Ils ressemblent bien aux

clochards imaginés par Beckett. La distance de Vladimir par rapport à Estragon manifeste sa désapprobation pour la disparition de son compagnon. Il ne s’est pas précipité vers lui pour l’aider. D’autres photographies de ce spectacle se trouvent sur le site : www.1d-photo.org. On peut ainsi y voir le travail sur les lumières qui baignaient l’espace dans une ambiance étrange et onirique.

VERS LE BAC Oral (analyse) 1) (Voir question 1) L’originalité de cette scène d’exposition réside dans les informations, données de façon détournée et souvent implicitement. Les allusions abondent, en particulier sur tout ce qui concerne le passé des personnages et leur situation réelle. Le dénuement pathétique dans lequel ils semblent vivre est évoqué à travers la souffrance physique dont se plaint Estragon en s’acharnant sur sa chaussure et les lamentations de Vladimir aux lignes 47 et suivantes. Mais on ne sait quelle a été la cause de cette souffrance, ni quelles épreuves ils ont traversées pour en arriver là. 2) De même, dans cet extrait, on ne sait pas du tout quel sera l’enjeu de la pièce, ni quel but les personnages vont se donner. 3) Leur relation est un peu plus claire : ce sont deux amis, deux compagnons d’infortune qui se connaissent depuis longtemps. Comme dans tout « vieux couple », l’amitié qui les lie est conflictuelle, sans qu’on sache vraiment ce que chacun reproche à l’autre. Ils ont évidemment besoin l’un de l’autre pour supporter leur existence de vagabonds (voir question 2). 4) Enfin, on ne sait si l’on est dans une comédie ou une tragédie : certes, le jeu avec la chaussure, les délires de Vladimir sont risibles. Mais leur situation est pathétique et leur désarroi tragique. Ils pensent d’ailleurs au suicide (voir la 2e partie du commentaire).

Question sur un corpus Voir l’histoire littéraire p. 179-180. Le corps des personnages du théâtre de l’absurde est souvent un corps souffrant. Il échappe à la maîtrise des personnages et cette défaillance accentue leur désespoir existentiel. Ce qui leur est le plus intime devient



06/09/11 11:52

un problème : leur corps, comme la vie, leur échappe. Estragon a mal aux pieds, alors qu’il passe sa vie sur la route. Il tente en vain d’enlever ses chaussures, ce qui veut dire qu’elles ne sont peut-être pas à sa taille ou que ses pieds sont enflés. Il ne les enlève pas pour dormir et ne se lave donc pas. Ses tentatives répétées pour enlever ses chaussures, qui deviennent risibles surtout à cause de l’indifférence première de Vladimir, sont en réalité le signe le plus manifeste de sa situation tragique d’homme sans domicile, démuni de tout. Les objets que le corps de Bérenger ne peut plus tenir sont eux aussi ce qui le caractérise en tant que roi déchu : sa main ne peut retenir son sceptre et, quand il trébuche, sa couronne glisse de sa tête. Vouloir et pouvoir, privilège absolu d’un roi, ne peuvent même plus s’appliquer à son propre corps. Il ne peut plus ni se lever ni marcher. Il tombe cinq fois de suite. Sa déchéance, encore plus sûrement que pour Estragon, est un signe de sa mort prochaine.

Commentaire 1) L’entrée en scène de deux personnages pathétiques a) Une scène d’exposition originale (voir question 1 et la question sur corpus portant sur la souffrance du corps). b) Un couple tragi-comique : c’est une parodie de scène de dispute amoureuse ; on assiste au dépit de celui qui a été quitté et attend des explications, puis à son chantage affectif (l. 30) et aux plaintes (l. 47). Un subtil rapport de forces s’établit (voir la question 2). 2) Une existence absurde et tragique a) L’espace du dénuement et de la solitude : les éléments de décor suggèrent un non-lieu, sur un chemin désertique et peu engageant (voir la proposition de scénographie de Sobel, question histoire des arts). b) À son arrivée, Vladimir manifeste un certain soulagement et une joie de revoir Estragon (l. 14, 16) : ils sont tous deux dans une grande solitude et la perte de l’autre pourrait mettre celui qui reste en danger. Ils ont donc besoin l’un de l’autre (l. 29-31) pour supporter cette existence vide. Chacun remplit la vie de l’autre. c) Le suicide a été envisagé il y a longtemps déjà (l. 34-40) et comme ils y ont renoncé, il ne leur reste que la résignation : « à quoi bon se décourager à présent » (l. 34).

d) Leur vie se limite à de petits détails vestimentaires, auxquels il faut veiller envers et contre tout (voir question 3).

Bilan / Prolongement Pour approfondir le théâtre de Beckett, ses personnages pathétiques et risibles, voir les images et extraits (p. 177, 180 et 490 Fin de partie) ; 191 et 194 Oh les beaux jours). Une sitographie pour En attendant Godot se trouve sur www.educnet.education.fr/theatre.

·

E. Ionesco, Le Roi se meurt, ⁄·6¤

 p. ⁄68-⁄6·

Objectifs : – Découvrir le théâtre de l’absurde. – Analyser le rapport du texte au jeu et aux accessoires, le lien entre dialogue et didascalies. – Comprendre l’évolution du personnage de théâtre. – Analyser le mélange des registres. – Comparer des mises en scène.

Le corps diminué d’un roi LECTURE DU TEXTE 1. Dans le théâtre de guignol, les marionnettes agissent mécaniquement et de façon très répétitive. Par exemple, les coups de bâton s’abattent systématiquement sur le personnage ridiculisé. C’est le comique de répétition des tentatives pour se lever du roi, assorties de cinq chutes qui font penser au Guignol. Les répétitions sont soulignées par les cris contradictoires du garde, de Juliette et de Marie : « Le Roi est mort ! », « Vive le Roi ! » Les apparitions et les disparitions de Juliette (l. 19 et 25) rappellent aussi le jeu des marionnettes. Si Ionesco parle de guignol tragique (Marguerite parle de « comédie », l. 18), c’est parce que la fin est inexorable : les chutes sont les symptômes incontestables et inéluctables de la fin imminente du roi ; sa mort a été annoncée pour la fin du spectacle.



143

06/09/11 11:52

2. Le roi est d’abord très déterminé : l’utilisation du futur montre son assurance. Celle de phrases simples, scandées par la répétition de « je prouve que » aussi. Pourtant, il ne fait que répéter les phrases de Marie (l. 5 et 8) alors même que ses efforts prouvent le contraire de ce qu’il dit. Il refuse toute forme d’assistance : en atteste la triple répétition de « tout seul ». Tombé à deux reprises, il se cherche une excuse (l. 33). Pourtant, sa confiance est entamée. Il doute de lui malgré la répétition de « cela peut arriver », formule par laquelle il rappelle qu’il est un homme soumis à la règle générale, celle de l’accident banal. Il admet cependant, à la vue de sa couronne et de son sceptre tombés, que quelque chose ne va pas : « c’est mauvais signe », constate-t-il deux fois. Le « je » a disparu de son discours. Pourtant, face au discours pessimiste du médecin, il nie encore une fois la réalité : « accident technique ». Telle est sa réplique. 3. Deux objets qui participent habituellement du rituel d’affirmation du pouvoir et de la royauté sont utilisés à contre-emploi dans cette scène : ils soulignent la perte de dignité royale de Bérenger, puis sa perte d’autonomie physique tout simplement. D’abord, le sceptre sert de canne (l. 15) pour l’aider à se relever de la troisième chute. Il n’arrive plus à le tenir (l. 37), même après que Marie le lui a remis en main (l. 39-40). La couronne finit aussi par glisser de sa tête (l. 34-35) et cela l’inquiète aussitôt : « Ma couronne ! », s’exclame-t-il. Mais là aussi, c’est Marie qui est obligée de la lui rendre. 4. Marie est l’épouse jeune qui croit en la vie : elle nie l’affaiblissement du roi, veut l’aider à le surmonter ; elle l’encourage par des phrases impératives (l. 2 et 4). Elle le félicite comme un enfant. On peut relever : « tu vois comme c’est simple » (l. 7). Elle crie « Vive le Roi » pour contredire l’annonce fatale du garde. C’est elle encore qui se précipite pour ramasser les objets symboliques. Marguerite est obligée de la faire taire (on relèvera l’injonction magique des lignes 44-45). Au contraire, Marguerite, l’épouse âgée, a l’expérience de la vie et de la mort : son rôle est de faire accepter cette fin à Bérenger. Elle est une passeuse, une sorte d’Hermès psychopompe. Elle commente les efforts conjoints de Marie et du roi en termes peu amènes : « quelle comédie », s’exclame-t-elle.

Voilà qui montre qu’elle juge tout cela absurde. Elle s’appuie sur les avis du médecin pour expliquer rationnellement les derniers sursauts de Bérenger (l. 30). Elle veut que Bérenger prenne conscience tout aussi lucidement de la situation (l. 47-48).

HISTOIRE DES ARTS Les deux mises en scène ont seize ans d’écart. Dans la deuxième Michel Bouquet a plus de 80 ans et se rapproche donc du personnage qu’il joue. Dans les deux cas, la scénographie est symbolique, c’est un décor en ruines. Celui de 1994 garde quelques traces de grandeur : des vitraux rouges en arrière-plan rappellent l’architecture gothique prévue par Ionesco (voir la didascalie de début de la pièce ; celle de la fin se trouve p. 492). Il n’y a pas de trône mais quelques marches recouvertes du rideau rouge de théâtre, sur lesquelles le roi est assis, assez inconfortablement. En 2010, le décor est plus austère, plus pauvre : le rideau rouge, pendu, semble bien poussiéreux ; les morceaux d’escalier sont gris et ternes. Le trône est comme tronqué, avec un seul accoudoir et un dossier très bas. Le costume du roi en 1994 ressemble à une tenue asiatique : il se compose d’un pantalon blanc et d’une longue tunique brodée dorée. La couronne ciselée entoure un bonnet rouge. Le roi a encore beaucoup de prestance et son habit ne rend pas sa silhouette ridicule. On ne voit pas le sceptre posé derrière lui. Marie ressemble à une petite poupée dans sa robe rose à jupe large et au corsage cintré. Marguerite présente une silhouette austère dans une robe longue noire et une veste mauve. Elle est dans l’ombre, au-dessus de Bérenger. Les deux chevelures sont bouclées, mais l’une est rousse flamboyante et l’autre blanche. Toutes deux portent la même petite couronne. En 2010, le costume du roi est vaguement médiéval : une robe, une tunique rouge et des bas. Mais les bas ressemblent à des bas de contention et les royales chaussures sont des charentaises. La tunique est dépenaillée et serre l’acteur, qui paraît emprunté. La couronne n’est plus constituée que de quelques piquants sertissant un boudin de velours rouge enfoncé presque jusqu’aux yeux (serait-ce une allusion à la couronne d’épines de la Passion christique précédant la mort ?). Bérenger serre contre lui un sceptre, en forme de main de trop grande



06/09/11 11:52

dimension. Il ressemble à un vieillard hébété dans une maison de retraite. Les deux femmes s’opposent plus radicalement qu’en 1994 : Marie porte une robe de mariée incongrue pour un mariage macabre avec un mari cacochyme. Les volants et les mètres de mousseline lui donnent une silhouette loufoque, de poupée trônant dans un décor de ruines. Marguerite porte une lourde robe mauve grenat et une parure de bijoux sur la tête. Elle ressemble à une sorcière de conte. Enfin, le médecin porte un costume trois pièces du XIXe siècle mais des bottes de campagne en caoutchouc. L’ensemble donne l’impression d’une parodie de conte.

⁄‚

B.-M. Koltès, Combat de nègre et de chiens, ⁄·8‹

 p. ⁄‡‚-⁄‡¤

Objectifs : – Découvrir un auteur contemporain. – Analyser l’évolution du tragique : personnages et situations. – Analyser un conflit tragique. – Comparer des mises en scène.

Proximité des corps et humaine condition

ÉCRITURE Argumentation Le rapport à la mort est commun à tout homme. Quand Ionesco a écrit ce texte, il avait lui-même traversé une période de profonde angoisse vis-àvis de la mort. Les tourments de Bérenger au fur et à mesure de la pièce, ainsi que les attitudes des deux épouses montrent les étapes normales d’une réaction face à une maladie incurable qui s’appelle la vie et s’achève dans la mort : se succèdent tour à tour le déni, la combativité, la peur, le découragement, la résignation. Ionesco trouve des moyens théâtraux pour accompagner ces différentes réactions et les mettre en évidence : la perte des moyens physiques de Bérenger est accentuée par la chute des symboles royaux et l’impossibilité d’assumer sa tâche de souverain ; il ne peut plus accomplir ce qu’il veut. Vouloir et pouvoir sont certes les attributs de la royauté mais aussi l’expression de toute liberté humaine. Lorsque l’on ne peut plus dire, à l’instar des jeunes héros cornéliens, « je suis maître de moi comme de l’univers », la fin est proche. Enfin, le décor s’écroule peu à peu autour de lui (la réplique du médecin le constate cruellement) et finit par disparaître (voir extrait p. 492) : Ionesco explique ainsi que, lorsqu’un homme meurt, son monde disparaît avec lui.

Bilan / Prolongement Pour comprendre la position d’Ionesco sur le tragique, on peut lire l’extrait de Notes et contrenotes (p. 177). Sur le rapport au corps dans le théâtre de Ionesco, on peut voir la transformation de Jean dans Rhinocéros (p. 280-281).

LECTURE DU TEXTE 1. La relation entre les deux hommes est courtoise et polie en apparence (on relèvera le vouvoiement réciproque, l’utilisation de « monsieur » l. 51). Mais elle est en réalité tendue. Le registre est polémique : Horn est agressif, utilise des impératifs (« expliquezmoi ») et des phrases interrogatives montrant son mépris. Certaines sont trop familières, ponctuées d’interjections ; « que vous importe son corps ? » (l. 6), » Ce n’est pas l’amour, hein qui rend si têtu ? » (l. 9-10), « Pourquoi alors êtes-vous si têtu pour une si petite chose ? » (l. 15). Ces phrases sont des reproches implicites pour éviter de répondre à la demande d’Albouy. Horn, raciste, critique enfin le mode de vie ou les réactions des Africains. Aux lignes 12-13, on relève le terme d’« insensibilité ». Et sa comparaison avec les Asiatiques (l. 14) dénigre les uns sans valoriser les autres. Face à ces attaques, Alboury reste calme et distant : il répond d’abord très brièvement à la question de Horn, par des phrases courtes, factuelles (l. 1, 5, 11). Dès la ligne 17, il répond aux attaques de Horn en restant dans le domaine des généralités. On relève, par exemple, « les petites gens veulent », l. 17. Il ne reprend pas l’argumentation raciste et développe plutôt une réflexion sur l’opposition entre riches et pauvres. Son discours comporte cependant une menace implicite : « ils se feraient tuer pour elle » (l. 19). 2. Il s’agit de la métaphore du nuage qui cache le soleil et prive certains hommes de chaleur.



145

06/09/11 11:52

Puis, de celle de la famille dont les membres, de plus en plus nombreux, se serrent tous les uns contre les autres pour se réchauffer. L’absence de chaleur suggère les conditions difficiles dans lesquelles vivent les « petites gens », alors même que d’autres profitent du soleil et sont heureux (« au milieu les gens riant tout nus dans la chaleur » l. 30). La solidarité est nécessaire entre eux et les maintient en vie : « nous gelions et nous nous réchauffions ensemble » (l. 31). Chacun est ainsi devenu indispensable à l’autre (l. 35-36). Et même morts, ils restent indispensables les uns aux autres (l. 41-42, 45-46). La conclusion de la démonstration se trouve dans la dernière phrase, expliquant pourquoi il veut récupérer le corps (l. 50-51).

3. La tirade d’Alboury est bien un apologue, une fable illustrant la nécessité d’enterrer le mort au milieu des siens, de ne pas le laisser n’importe où sur le chantier. Cet apologue développe un récit très structuré, comportant une chronologie : l’arrivée du nuage « il y a très longtemps » (l. 22), des personnages principaux, le narrateur et son ami, les péripéties : l’accroissement de la famille, l’extension du nuage et l’élargissement de la famille aux morts eux-mêmes. Ce récit comporte des dialogues (l. 22-29). Il est écrit avec un vocabulaire simple et de nombreuses répétitions, procédés d’insistance : « chaleur », « chauffer », « réchauffer », « chaud », « le petit nuage ». Et la morale est à la fin, introduite par le lien de conséquence « c’est pourquoi ». 4. Un chantier est un lieu de travail où peuvent se lire les rapports entre dominés et dominants. L’Afrique ajoute un contexte colonial où les relations de domination s’accompagnent de préjugés raciaux. Koltès présente ce chantier comme un lieu clos, surveillé par des hommes armés, des miradors. Il montre que les relations humaines sont imprégnées de violence, en particulier dans un contexte économique de grandes disparités sociales (l. 17-20). Ce qui est tragique, c’est l’impossibilité pour les plus démunis de sortir de leur univers et de profiter de la chaleur de la vie : le petit nuage leur cachera toujours le soleil (l. 28-29), et il s’étend même d’année en année (l. 43-45). Ce qui est tragique aussi, c’est l’incompréhension réciproque soulignée par Horn à la fin de l’extrait. Un chantier en Afrique concentre toutes ces situations tragiques.

HISTOIRE DES ARTS La mise en scène de P. Chéreau propose une scénographie réaliste : la scène se joue sous les piliers en béton d’un pont ou d’une route en construction. On voit, en arrière-plan, un buisson d’arbres et le sol est sableux et caillouteux. La masse énorme du pont baigné dans une lumière blafarde, écrase les deux silhouettes, image de cette fatalité tragique qui pèse sur eux. Horn n’a plus de corps à rendre et Alboury n’acceptera aucun compromis. Dans ce décor de chantier, Horn a le costume du directeur avec veston et pantalon dépareillés, chemise blanche. Au contraire, Alboury est en jean et tee-shirt de couleurs vives mais sales. La différence sociale est donc visible et chacun porte le costume de son rôle. Ils se tiennent debout à distance comme pour un duel, où chacun jaugerait l’autre : la distance de méfiance et d’observation dite symboliquement la distance de l’incompréhension. La silhouette de chacun est tendue vers l’autre, prête au combat. Au contraire, dans la mise en scène de J. Nichet, le décor est symbolique (des panneaux noirs et des feuilles éparpillées par terre, aucun élément d’un chantier, image d’un non-lieu), les deux personnages sont très près l’un de l’autre mais se tournent le dos. Horn porte une tenue plus adaptée à un chantier en Afrique, chemise et pantalon coloniaux blancs, bottes et long imperméable. Il tient une bouteille à la main : il incarne le cliché du Blanc alcoolique sous les tropiques. Au contraire, Alboury porte un costume noir et des souliers habillés. C’est un costume de deuil. Ce costume n’est pas le signe de sa classe sociale, mais celui de son rôle dans l’intrigue : il vient pour rendre des hommages funéraires à son frère. Et c’est Horn qui semble négligé, aventurier désabusé qui finit son temps en Afrique. Son regard porté au lointain, droit devant lui, la bouteille crispée contre lui, suggèrent une forme de lassitude face au problème. Alboury est assis par terre, position peu en accord avec une discussion mais qui indique qu’il ne bougera pas tant qu’il n’aura pas eu gain de cause. La même difficulté à communiquer se lit dans les deux mises en scène.

VERS LE BAC Oral (entretien) Voir la question d’histoire des arts.



06/09/11 11:52

Question sur corpus Les deux tragédies reposent sur le problème posé par les devoirs qu’on a vis-à-vis des morts. Dans les deux cas, le cadavre est en réalité irrécupérable : Créon a exposé le corps de Polynice et interdit sous peine de mort de s’en occuper ; le corps du frère d’Alboury a été jeté dans les égouts et a disparu. On sait donc d’avance que la démarche de chaque héros est vaine et ne peut déboucher que sur des conflits et d’autres morts. Pourtant Antigone et Alboury expriment, par ce devoir qu’ils s’imposent, leur attachement à la famille, la nécessité de s’occuper les uns des autres, d’être solidaires pour éviter une solitude inhumaine : Antigone rappelle qu’elle n’aura pas d’autre frère et qu’il n’a qu’elle pour accomplir les rituels. Alboury explique comment les petites gens se serrent les uns contre les autres pour survivre et se réchauffer. La condition humaine est insupportable de solitude et absurde si elle ne prend pas son sens dans la sollicitude pour l’autre, membre de sa famille réelle (Antigone) ou fabriquée par nécessité et proximité de misère (Alboury).

Commentaire 1) Une fable poétique a) Pour expliquer la nécessité de rendre le corps du mort, Alboury construit un conte, dans la tradition africaine, avec la formule initiale « il y a très longtemps ». On en retrouve la structure conventionnelle : un événement perturbe le monde. En l’occurrence, il suffit d’ « un petit nuage entre le soleil et toi ». Il faut bien sûr trouver une solution à cet élément perturbateur. La voici : « nous nous sommes donc réchauffés ensemble ». Mais le nuage est récalcitrant : « Et je sentais qu’il nous suivait partout ». À chaque nouvelle atteinte du nuage, il faut trouver des parades : la multiplication des gens accrochés les uns aux autres en témoigne (l. 37 sq.). À la fin, la grappe humaine a grandi ; les morts s’ajoutent même aux vivants (l. 43 sq.). b) Les deux métaphores filées, celle du nuage et celle de la famille qui se réchauffe, sont mises en valeur par de nombreuses répétitions du champ lexical de la chaleur ou du froid : « chauffer », « brûle », « se réchauffer », « chaleur », « chaud(e) » s’opposent à « geler », « frisson ». L’importance des membres de la famille de

plus en plus élargie est aussi suggérée par des répétitions hyperboliques : d’abord « mon frère et moi », puis « les mères […], les mères des mères et leurs enfants et nos enfants, une innombrable famille » (l. 40-41). Ces mots sont repris par l’énumération, l’accumulation que constitue la proposition suivante : « famille innombrable faite de corps morts, vivants et à venir » (l. 45). Les phrases deviennent aussi de plus en plus longues pour montrer ce processus d’entassement des corps les uns sur les autres. On peut citer, par exemple, les lignes 43-47. La réciprocité des échanges est aussi évoquée par d’autres répétitions (l. 33-35) ou images (l. 39). 2) La métaphore d’une existence tragique a) Ces métaphores évoquent en réalité l’existence des gens qui n’ont rien, tandis que d’autres, à côté, vivent au soleil. La question rhétorique donne d’abord l’impression cruelle d’être le seul paria (l. 24-25). Puis, Alboury dit avoir trouvé quelqu’un dans la même situation que lui : « moi aussi je gèle ». L’injustice de leur situation est ensuite accentuée : « au milieu des gens riant tout nus dans la chaleur, mon frère et moi nous gelions » (l. 30-31). Le nuage finit par couvrir encore plus de monde (l. 43-44). L’espace privé de chaleur prend des dimensions infinies : « nous voyions reculer les limites des terres encore chaudes sous le soleil » (l. 46-47). Cette situation est présentée comme inéluctable et insoluble (l. 28-29) : « il nous suivra partout, toujours ». b) La seule possibilité de survie est la très grande proximité des corps, métaphore de la solidarité de la famille, du groupe, du village, image de l’expression « se serrer les coudes » dont Koltès fait un mode de vie fusionnel où se mélangent les morts et les vivants, par peur d’avoir froid, c’est-à-dire de mourir (l. 41-42). Et la seule activité indiquée ici consiste à se gratter ou à sucer son pouce, images d’une vie végétative préoccupée de sa seule survie. c) Dans cette grande précarité, dans cette peur perpétuelle d’être gagné par le froid, leur enlever les morts est d’une violence inadmissible, comme en témoigne le verbe de la phrase suivante : « mon frère que l’on nous a arraché » (l. 47-48). Comment peut-on encore enlever quelque chose à des gens qui n’ont rien, pas d’autre richesse que leurs morts (l. 47-51) ?



147

06/09/11 11:52

Bilan / Prolongement Pour approfondir l’analyse de la solitude tragique des personnages de Koltès, voir Sallinger (p. 180 et 192). Pour approfondir la réflexion théâtrale sur le tragique de l’existence et la nécessité de la solidarité humaine, on peut lire l’extrait d’En attendant Godot (p. 166-167). On peut voir aussi un autre chantier, métaphore de la condition humaine dans Cinq hommes (p. 176).

⁄⁄

J.-L. Lagarce, Juste la fin du monde, ⁄··‚

 ⁄‡‹-⁄‡∞

Objectifs : – Analyser l’évolution du tragique contemporain. – Analyser une scène d’affrontement tragique. – Comprendre comment des personnages ordinaires deviennent tragiques. – Comparer des mises en scène.

Le duel ordinaire de deux frères LECTURE DU TEXTE 1. Caïn et Abel sont fils d’Adam et Ève. Par jalousie, parce que Dieu préférait Abel, son frère Caïn l’a assassiné. Dans la famille imaginée par Lagarce, Louis a disparu pendant des années. Il ne s’est occupé ni de sa mère, ni de sa jeune sœur, contrairement à Antoine qui est resté auprès d’elles. C’est pourquoi Antoine se sent incompris et mal aimé quand il voit que les femmes, sa sœur surtout, sont aux petits soins pour Louis. Sa jalousie et son envie de meurtre inconscient se voient dans la dernière réplique : « Tu me touches : je te tue » (l. 55). Les relations dans cette famille sont fondées sur la difficulté à communiquer, l’incompréhension mutuelle. Antoine s’est vu reprocher une forme d’agressivité et se révolte contre cela (l. 22-23, 37-39). Et quand Louis tente de prendre sa défense, c’est tout aussi maladroit, Antoine l’entend comme une forme de condescendance (l. 26) ; il se sent mal jugé par toute sa famille (l. 45-48).

2. a) Lignes 1-23 : Antoine se défend d’avoir été brutal et demande l’avis de sa femme Catherine et de Louis. b) Lignes 24-40 : la sympathie de Louis à son égard (« il n’a pas été brutal ») déclenche paradoxalement son agressivité. Il ne supporte pas sa pitié. Il rejette tout geste amical, celui de sa femme (l. 28), puis d’une autre personne (l. 34 – sa mère, sa sœur ?). Il se sent désapprouvé de tous (l. 37 et 40). c) Lignes 41 à la fin : Antoine les accuse tous d’être ligués contre lui et de rejeter sur lui toute la responsabilité du malaise (l. 44). Et quand Louis remarque qu’il s’apprête à pleurer et s’approche de lui, la réaction d’Antoine est violente et viscérale (l. 55). C’est l’intervention de la mère qui apaise la dispute. 3. Le lexique de la faute comporte de nombreuses répétitions : « je ne voulais rien de mal », « je ne voulais rien faire de mal », « que je fasse mal », « rien dit de mal », « rien de mauvais dans ce que j’ai dit », « cela va être de ma faute », « ce n’est pas en pensant mal ». Ce qui est implicitement en débat, c’est ce que chacun pense de l’autre, la façon dont chacun est jugé dans une famille et le rôle de chacun : Antoine est considéré comme le fauteur de trouble, celui qui génère les conflits en réalité latents et dont il pense Louis responsable. 4. Les très nombreuses occurrences du verbe « dire » sont significatives de cette impossibilité de dire vraiment les choses. La difficulté à communiquer est ensuite suggérée par les phrases qu’Antoine n’arrive pas à terminer et qu’il reprend avec des termes légèrement différents : « je disais seulement », « ce que je voulais juste dire » répété à nouveau (l. 49-53), « je n’ai rien dit de mal ». Il emploie également des expressions modalisatrices : « cela me semblait bien ». Quand il veut leur faire un reproche, il s’y reprend à trois reprises (par exemple : l. 45-47). Parler est un effort et une souffrance. Et sa longue réplique se termine sur une phrase inachevée que son frère interrompt de manière maladroite. 5. Louis se sait condamné par une maladie et il n’arrive pas à leur annoncer cette nouvelle. Cette dispute puérile pour savoir qui ramène Louis à la gare est un nouvel obstacle pour dire la nouvelle tragique. L’agressivité exprimée par



06/09/11 11:52

Antoine creuse les incompréhensions et enterre définitivement les non-dits sur la raison du retour de Louis et de son silence.

HISTOIRE DES ARTS La mise en scène de B. Levy propose un espace symbolique, un cercle blanc un peu surélevé sur une surface noire bordée par un mur gris en demi-cercle. Peu d’accessoires : trois chaises, un vieux transistor. Aucune référence à une maison, à un milieu social. On est dans un espace d’affrontement qui rappelle l’espace antique (voir p. 181-182). Les membres de la famille sont autour du cercle, sauf Louis, reconnaissable à sa valise : il arrive et doit retrouver sa place. Sur l’image, Catherine et la mère sont en avantscène et sont témoins de ce qui se joue entre les frères et sœur. Ils sont tous éloignés les uns des autres et l’espace est froid, la tension est donc palpable. La mise en scène de F. Berreur propose un espace plus onirique : un pan de mur avec porte et fenêtres, un grand ciel nuageux derrière et au-dessus, un plancher avec une table et trois chaises de velours rouge très théâtrales (à comparer avec la mise en scène d’Électre par Vitez, p. 183). La scénographie exhibe sa théâtralité, son artificialité : nulle recherche de réalisme ; on n’est pas à l’intérieur d’une vraie maison. Louis se distingue des autres par son smoking, trop habillé pour un dimanche en famille. Il est assis de travers et regarde le public, avec un sourire étrange, alors que les autres personnages s’affrontent dans son dos. Antoine s’adresse à sa femme Catherine, Suzanne est dans l’ombre à gauche et la mère appuyée à la table tourne aussi son visage, elle ne veut pas entendre la dispute. La difficulté à communiquer est plus visible que la tension dans cette disposition spatiale.

ÉCRITURE Vers le commentaire Une parole trop directe est considérée comme brutale et agressive vis-à-vis d’autrui : Antoine doit ainsi se justifier d’avoir seulement proposé de raccompagner Louis lui-même, en lieu et place de Suzanne : « je dis qu’on l’accompagne, je n’ai rien dit de plus ». La parole cache des implicites : « qu’est-ce que j’ai dit de plus ? » Et toutes les questions d’Antoine portent sur ce que les autres ont compris, à tort, dans ses

propos (l. 10 et 12). En fait, tous ont compris qu’il voulait abréger la visite de Louis, le refaire disparaître. Sa femme Catherine le rappelle aux conventions de la civilité ou de la politesse avec « parfois tu es un peu brutal » (2 fois) tout en prenant des précautions elle aussi : « elle voulait juste te faire remarquer ». Antoine est alors obligé de chercher lui-même les bonnes formulations pour exprimer son sentiment d’injustice. Il doit s’y reprendre à plusieurs reprises avec des termes synonymes, des procédés d’atténuation (voir question 4). Mais de temps en temps, la violence, la colère l’emportent (par exemple : l. 40), surtout quand le geste d’un autre veut remplacer la parole impossible : « ne me touche pas » est utilisé deux fois (l. 28 et 34). Il résonne plus terriblement encore à la fin : « tu me touches : je te tue » (l. 55). Et cette phrase est prononcée alors même que Louis manifestait de la compassion à son égard. La parole est donc l’ultime rempart contre la violence physique. D’ailleurs, il est significatif que les autres personnages interviennent très peu, ce n’est pas un vrai dialogue. Ils laissent Antoine se soulager.

VERS LE BAC Oral (analyse) 1) L’agressivité et les rancœurs (voir questions 1 et 2). 2) L’incompréhension et la difficulté à communiquer (voir questions 3, 4 et 5 et le commentaire).

Bilan / Prolongements On peut comparer cette scène d’affrontement et le rapport détourné à la parole avec l’extrait de Combat de nègre et de chiens (p. 170-72). Quand Alboury utilise une langue métaphorique, une fable, Antoine se cherche dans une parole répétitive, incertaine. Ce sont deux manières différentes d’appréhender l’incompréhension tragique entre les êtres humains. Un dossier complet de la mise en scène de M. Raskine à la Comédie Française se trouve sur le site : http://crdp.ac-paris/piece-demontee (année 2008).



149

06/09/11 11:52

⁄¤

VERS LE BAC Oral (entretien)

D. Keene, Cinq hommes, ¤‚‚‹

 p. ⁄‡6

Objectifs : – Comprendre l’évolution du tragique contemporain. – Analyser comment des personnages ordinaires deviennent tragiques. – Analyser une scène d’affrontement.

Exil tragique sur un chantier LECTURE DU TEXTE 1. a) Luca reproche à Janos de ne pas respecter les autres (l. 5-18). b) Luca explique ensuite les efforts de Samir pour rester digne (l. 19-31). c) Luca tire de cet épisode une morale pour Janos (l. 32 à la fin). Les motifs de la dispute sont l’égoïsme et le manque de respect dont fait preuve Janos envers Samir. Janos raille l’espoir de Samir, qui croit vraiment pouvoir un jour changer la vie de sa famille et la sienne à force de privations. Janos au contraire est un désespéré (il volera à la fin le salaire de tous les hommes et sera brutalisé pour cela). Il n’a pas de scrupule à obliger les autres à la même lucidité tragique. 2. Le mur à construire est comme le chantier de Combat de nègre et de chiens, un lieu de travail et d’exploitation de la misère humaine. C’est un chantier qui peut être sans fin. Et le mur est symboliquement ce qui barre l’horizon de ces hommes ; c’est un peu comme s’ils construisaient eux-mêmes leur prison. 3. Samir a de l’espoir : il a une famille pour laquelle il travaille. Il espère s’en sortir un jour et donner à sa femme et son fils une meilleure vie : il reçoit des lettres qui sont les signes de ces liens et de cette promesse d’avenir (l. 21-23). Il veut garder sa dignité humaine et donc il lave ses vêtements, cherche à accomplir son travail du mieux possible (l. 27 sq.). C’est insupportable pour Janos parce que lui, il est seul et n’a pas d’autre but que survivre. Samir le renvoie donc à sa tragique solitude (l. 38-40).

Pour répondre à cette question, lire les textes pages 166, 170, 176, 191, 490 et voir les images pages 177, 194 et 492. Les exclus de la société soulignent le tragique de l’existence : quel sens donner à une vie de misère et de dénuement total réduite à une série de gestes répétitifs ? La solitude dans ces conditions est d’autant plus tragique : Vladimir, Estragon, Winnie, Clov, Ham cherchent désespérément à garder le peu de contact qu’ils ont avec l’autre, présent avec eux dans un univers vide et froid, quitte à subir des humiliations, des vexations, des brouilles. Au contraire, les personnages de Koltès ou Keene ont trouvé, dans leur famille, une vraie solidarité qui leur permet de supporter les difficultés de l’existence, même si tout reste précaire (Combat de nègre et de chiens). Voir aussi le sujet de dissertation.

Dissertation Mêmes textes à lire que pour la question d’oral. 1) Une existence absurde a) Tous les personnages de Beckett, Koltès ou Keene sont confrontés à une existence qui n’a pas de sens, qu’ils n’ont pas choisie et dont ils ne peuvent se sortir : la fable de Koltès avec le petit nuage qui empêche certains hommes d’avoir leur place au soleil met la misère sur le compte d’une sorte de destinée. Vladimir et Estragon ne savent même plus depuis combien de temps ils sont ainsi, à dormir n’importe où, à se faire brutaliser. Le mur construit par les cinq hommes de Keene est la métaphore de cet horizon borné, sans perspective d’avenir. b) Ce qui peut donner un sens à cette vie : la présence d’un autre ; à défaut, les rituels (Oh les beaux jours, Combat de nègre et de chiens), les gestes pour préserver sa dignité (En attendant Godot), le travail répétitif (Cinq hommes). Chacun s’accroche à l’autre, seul témoin de cette existence misérable : la fable de Koltès, les appels de Winnie à Willie en témoignent. 2) Lucidité et révolte tragique a) Quand les personnages prennent conscience de l’absurdité de leur existence, ils passent par une phase de révolte : pour Vladimir et Estragon, le suicide est apparu, pendant un temps, comme le moyen radical d’échapper à leur vie. Clov se prépare à abandonner Ham.



06/09/11 11:52

b) Les personnages de Koltès se serrent les uns contre les autres, gardent même leurs morts au chaud tout contre eux. Et ils sont prêts à tuer pour se garder les uns contre les autres. Pourtant le nuage s’étend toujours plus et le froid s’insinue. c) Samir refuse de se laisser abattre ; il accomplit son travail consciencieusement afin de préserver sa dignité humaine et offrir une possibilité d’avenir, une vie qui aurait un sens, à son fils. Une autre forme de révolte est l’attitude jusqu’au-boutiste de Caligula : aller jusqu’au bout d’une logique absurde qui nie la valeur de la vie humaine. 3) Lucidité et résignation tragique a) Mais le suicide est impossible pour la plupart d’entre eux. Comment, par exemple, les deux vieillards de Fin de partie enfermés dans une poubelle ou Winnie enterrée jusqu’à la taille pourraient-ils, techniquement, mettre fin à leurs jours ? b) Les efforts ridicules et pathétiques de Bérenger et Marie dans Le Roi se meurt se heurtent à la leçon de lucidité de Marguerite et du médecin, également bourreau : il faut accepter le cheminement inéluctable vers la mort. c) Tous les personnages de Beckett finissent aussi par se résigner et recommencent éternellement le même scénario : Vladimir et Estragon continuent à attendre Godot, Clov reste auprès de Ham. Une autre forme de résignation tragique est l’amertume de Janos qu’il cherche à communiquer aux autres, en se moquant des espoirs naïfs de Samir.

Bilan / Prolongement L’analyse de l’évolution du tragique depuis le théâtre de l’absurde montre que si les personnages sont aujourd’hui dans des situations moins extrêmes que dans le théâtre de Beckett, ils expriment toujours un sentiment de solitude et d’incompréhension poignant. Ce sont des êtres ordinaires, sans dimension héroïque, souvent représentants d’une catégorie délaissée (les ouvriers noirs sur un chantier, des travailleurs sans papier). Le monde du travail offre de nouveaux rapports de force conflictuels et tragiques : on peut comparer le texte de Keene aux extraits des Travaux et les jours de Vinaver.

POUR ARGUMENTER : LE COMIQUE PEUT-IL S’AVÉRER TRAGIQUE ?  p. ⁄‡‡

LECTURE DU TEXTE 1. Le tragique est le sentiment de l’absurde et l’acceptation qu’il n’y a aucun espoir. 2. La conception classique du tragique est le sentiment d’être écrasé par une fatalité qui est l’expression d’une puissance divine. Aujourd’hui, on ne croit plus en cette fatalité et c’est pire : le monde est vide de sens. Il n’y a aucune issue. 3. Les deux personnages sont à la fois clownesques et pathétiques : deux vieillards nus avec des bonnets de nuit ridicules sortent, comme des pantins, de leur poubelle. Pourtant, c’est une situation insupportable : on ne respecte pas leur vieillesse. On ne s’occupe pas d’eux et on les a relégués là comme des déchets. Cela correspond bien aux lignes 14-15 du texte d’Ionesco.

VERS LE BAC Oral (entretien) 1) Des personnages tragi-comiques : les clowns tristes de Beckett et leurs préoccupations pathétiques : En attendant Godot (p. 166), Oh les beaux jours (p. 191) ; le roi sans pouvoir de Ionesco (p. 168). 2) Des conflits tragi-comiques : les disputes de Vladimir et Estragon, des deux frères de Juste la fin du monde où le moindre prétexte devient dramatique. 3) Des mises en scène entre le tragique et le comique : voir la comparaison des mises en scène du Roi se meurt (p. 168-169) et comparer les deux images de Oh les beaux jours (p. 194 et 492).



151

06/09/11 11:52

Séquence

·

De l’espace sacré antique à la scène moderne Livre de l’élève  p. ⁄°⁄ à ⁄°°

Objectifs : – Découvrir le fonctionnement de l’espace théâtral grec. – Comprendre les problèmes posés par la mise en scène de tragédies grecques. – Analyser l’évolution de l’espace théâtral moderne. – Comparer des mises en scène.

⁄ Les metteurs en scène face au théâtre antique  p. ⁄°¤-⁄8‹

ÉTUDE D’IMAGES 1. Les spectateurs grecs ont un rapport direct avec le spectacle. Il n’existe pas de quatrième mur (voir p. 153) et même s’ils sont en haut des gradins, assez loin de l’espace de jeu, la visibilité est partout excellente, grâce à la forme en demicercle du theatron. Comme les spectacles se passent en journée, le public voit, derrière la skènè, le temple à Dionysos et l’Agora, la place publique. Dans leur dos, se trouvent l’Acropole et le temple à Athéna. Ainsi les allusions à Athènes dans les textes sont directement reliées à l’espace civique et religieux visible. (C’est le cas par exemple pour Les Suppliantes d’Euripide, p. 183.) Cela permet aux spectateurs, d’une part d’avoir un support visuel concret quand les décors étaient limités à une toile peinte et de faire des rapprochements entre les problèmes soulevés par les intrigues tragiques et leur fonctionnement politique ou religieux : « Par le spectacle tragique, la cité se met en question elle-même », dit P. Vidal-Naquet (Introduction au Théâtre de Sophocle, Folio).

2. Le chœur se place entre la skènè et le public : il est médiateur entre l’action et le public, fait écho aux émotions suscitées par l’action. Il structure ainsi l’espace scénique, en renforçant par exemple la tension avec la porte du palais (voir l’extrait d’Agamemnon, p. 154). Constitué de citoyens tirés au sort dans les différentes tribus d’Athènes, il est leur représentant face aux figures héroïques et mythologiques. Il incarne la voix en rappelant les valeurs communes, les vérités générales sur lesquelles tous sont d’accord. Le chœur oriente le point de vue du public. 3. Le haut mur sépare totalement le public du monde extérieur. Les spectateurs romains sont enfermés à l’intérieur du monde de la fiction, d’autant plus que le mur de scène est décoré de façon très clinquante et que les gradins (la cavea) sont recouverts d’un voile. Le spectateur est donc concentré sur le spectacle, totalement immergé dans un univers de musique et d’images frappantes. Cette disposition spatiale est censée procurer davantage d’émotions.

ANALYSE DE DÉCORS 1. Les Suppliantes se passe devant l’autel de Déméter à Eleusis : le chœur est constitué des mères des guerriers qui se sont fait tuer au combat devant Thèbes ; elles viennent réclamer leurs corps à Thésée, roi d’Athènes, en se mettant sous la protection de Déméter. La toile peinte représentait la façade d’un temple et l’autel de la déesse était visible dans l’orchestra. Électre se passe devant le palais des Atrides à Argos. La toile peinte représentait la façade du palais. On voyait dans l’orchestra la statue d’Apollon auquel Clytemnestre dit apporter des offrandes. 2. Le décor du fond rappelle la skènè antique mais elle a une forme géométrique originale avec plusieurs pans de murs, pas de porte centrale et



06/09/11 11:52

des ouvertures étroites qui font penser à une prison, plus qu’à un temple grec. Le sanctuaire d’Eleusis, dans la proche banlieue d’Athènes, servait pour des Mystères initiatiques : le metteur en scène a-t-il voulu suggérer cet espace mystérieux ? L’espace central rappelle aussi l’orchestra mais se présente sur plusieurs niveaux et est plus vaste que le cercle originel : cela crée une distance importante avec le mur du temple, bien gardé par des silhouettes entièrement noires et cagoulées (le chœur ?). En avant-scène, est posée une sorte d’autel/pierre tombale sur laquelle repose un corps. L’ensemble, grâce aux différentes couleurs de la pierre et aux lumières, aux silhouettes disposées de façon symétrique tout autour, donne une image hiératique, religieuse de la tragédie grecque, assez respectueuse du spectacle antique. La présence de violoncellistes respecte l’importance de la musique dans les tragédies grecques.

3. Y. Kokkos, scénographe grec, a respecté le mur de la skènè : une façade avec une porte et des fenêtres. Cependant, tout est ouvert. Des statues antiques renvoient aux ruines connues du public contemporain mais elles tournent le dos au public. Y. Kokkos a imaginé derrière un paysage grec mais ce n’est pas celui de l’Agora antique, c’est celui du Pirée moderne. Le spectateur de 1986 a donc une image de la Grèce de son époque, bien visible, et un renvoi à l’Antiquité avec les statues. Il est un peu dans la même situation que le spectateur grec (voir question 1, p. 182). Cependant, on est à l’intérieur d’une chambre et non à l’extérieur du palais des Atrides. On entre ainsi dans l’intimité de la famille, au lieu d’attendre à la porte le récit des conflits.

ATELIER D’ÉCRITURE 4. et 5. Le théâtre contemporain dénature l’espace antique quand il l’actualise de façon exagérée, quand il le rend trop réaliste, ce qui n’est pas le cas ici : le décor de Y. Kokkos n’est pas réaliste. Il suggère la skènè antique et place l’histoire dans un intérieur qui exhibe sa théâtralité. Il rapproche ainsi la tragédie des Atrides du public en soulignant ses enjeux à la fois individuels et politiques : la Grèce moderne a aussi connu jusque dans les années 70 une dictature militaire à laquelle Vitez veut faire allusion. En ce qui concerne la scénographie de V. Rossi, elle n’est moderne que dans l’abstraction des

formes qui donne l’impression d’un tableau. Il ne cherche pas plus que Y. Kokkos à imiter l’espace antique, mais seulement à le suggérer. Et comme Les Suppliantes est fondée sur un rituel à la fois de demande d’asile et de supplication (voir p. 184), cette utilisation de l’espace permet d’en donner une image concrète au public contemporain, d’autant plus qu’elle se place dans les ruines d’un vrai théâtre antique, à Syracuse, en extérieur. La scénographie moderne ne dénature pas l’espace antique tant qu’elle reste symbolique et préserve un espace pour le chœur.

Bilan / Prolongement Le théâtre antique a servi de modèle de réflexion aux premiers metteurs en scène du début du XXe siècle : beaucoup cherchent encore à transposer cet espace de participation civique, en ouvrant le cadre de scène, en trouvant un espace de médiation pour le chœur. Il est cependant difficile de faire comprendre à un public contemporain le contexte de certaines intrigues incluant des rituels religieux (Les Suppliantes, Œdipe à Colonne, Les Euménides).

¤ De l’espace mythique à l’espace symbolique  p. ⁄°›-⁄°∞

ÉTUDE DE MISES EN SCÈNE 1. En se crevant les yeux, Œdipe se punit de son aveuglement : il n’a pas reconnu son père dans le vieil homme qu’il a tué sur le chemin de Delphes, ni sa mère dans la femme qu’il a épousée et il a ensuite nié l’évidence quand la peste s’est abattue sur Thèbes. 2. Pour Œdipe à Colone, la forêt de cannes symbolisant le bois sacré devant lequel Œdipe s’arrête représente aussi l’objet sur lequel il s’appuie dans sa marche aveugle. La canne était l’accessoire qui, dans les représentations antiques, permettait de reconnaître un personnage de vieillard ou d’aveugle. Le chemin en pente qui mène à cette forêt du repos évoque le 9 De l’espace sacré antique à la scène moderne |


153

06/09/11 11:52

cheminement d’Œdipe depuis son départ de Thèbes, vagabond rejeté de tous. C’est aussi un espace labyrinthique suggérant une errance sans but. Dans la mise en scène d’Œdipe-Roi, c’est un œil coloré, assorti d’une projection kaléidoscopique qui souligne le rapport entre le geste de se crever les yeux et le sentiment de culpabilité qui l’anime. L’œil est celui de sa conscience. C’est là aussi un décor symbolique.

3. Dans la mise en scène de J.-P. Vincent, Œdipe et Antigone sont assis à même le sol, contre un gros rocher, comme effondrés après leur longue marche ; ils se tournent le dos, sans contact l’un avec l’autre, épuisés. Le sol est nu et leurs vêtements, modernes, sont usés. Œdipe porte une couronne de laurier dérisoire : chez les Grecs, elle était attribuée aux vainqueurs des concours de poésie, de théâtre ou de compétition sportive. Dans la mise en scène de P. Adrien, c’est le visage d’Œdipe qui porte les stigmates de son geste fatal. Son maquillage sanglant lui barre les yeux. Il est agenouillé et son visage montre sa souffrance. Il porte encore la longue robe de roi, vague référence au monde antique. Il est seul dans un espace noir avec cet œil monstrueux qui pèse sur lui.

DU TEXTE À LA SCÈNE 1. Dans Œdipe à Colone, l’action se passe à Colone, proche banlieue d’Athènes. Antigone évoque l’acropole d’Athènes qu’effectivement les acteurs, placés devant la skènè, voyaient en face d’eux, alors que pour les spectateurs, elle se trouvait derrière. Elle parle également d’une pierre sacrée sur laquelle elle assoit son père. Il s’agit du praticable posé dans l’orchestra, tandis que la toile de la skènè représentait le bois sacré. Dans Les Euménides, l’action se passe devant la statue d’Athéna installée devant son temple sur l’Acropole. Il y a donc un jeu de miroir : l’Acropole fictive faisait face à l’Acropole réelle. Une statue est nécessaire dans l’orchestra puisqu’Oreste doit l’entourer de ses bras. C’est un geste religieux de protection et de supplication (voir p. 184). 2. La mise en scène de J.-P. Vincent garde le rocher sacré et l’idée d’un bois. Mais ici les cannes remplacent les arbres. Rien ne rappelle la Grèce antique, ni l’espace d’Athènes. Un panneau porte, de façon ironique, le mot grec

èsukhia qui veut dire repos, en bas à droite. Une servante (nom donné à une ampoule posée sur un pied qui sert en coulisse normalement) est posée en bas à gauche de la « forêt ». Plus qu’un lieu sacré, on découvre un lieu étrange, mystérieux qui peut évoquer un rapport avec le surnaturel, mais exhibe surtout sa théâtralité avec l’utilisation d’une inscription explicative ou de la servante. C’est une mise en scène d’inspiration brechtienne (voir Histoire des arts, p. 152-153) qui cherche à créer une distanciation par rapport à la tragédie grecque, telle que les spectateurs la connaissent.

3. Le praticable d’O. Py représente des gradins métalliques surmontés d’une passerelle avec deux arbres sur laquelle se tiennent des musiciens. Cela ne renvoie ni à l’Acropole, ni à un espace sacré grec mais au theatron antique et la plate-forme du haut rappelle également le mur de la skènè. Cette scénographie est donc une sorte de mise en abyme théâtrale : le public de 2008 voit en face de lui une transposition du théâtre grec. Les structures verticales et la position du chœur peuvent faire penser à l’intérieur d’une église avec ses piliers, mais le matériau noir et métallique est très moderne. 4. O. Py cherche à symboliser les relations entre le monde des Enfers souterrain auquel appartiennent le chœur des Erinyes et le fantôme de Clytemnestre qui réclame vengeance contre Oreste, l’espace humain et l’espace des dieux de l’Olympe auquel appartient Athéna. La disposition des différents personnages dans l’espace peut renvoyer à cela : Athéna en haut, les bras en croix, le chœur de Erinyes entre le ciel et le monde d’en bas où elles acceptent de partir à la fin, quand elles sont devenues les bienveillantes Euménides. Leur attitude hiératique peut renvoyer à un rituel. Le monde, à la fin de la trilogie d’Eschyle, a retrouvé un ordre rassurant pour tous. Et cette scénographie très structurée et géométrique le suggère déjà.

ATELIER D’ÉCRITURE 5. Revoir le registre pathétique page 537.

Bilan / Prolongement L’espace rituel est devenu aujourd’hui un espace symbolique qui, souvent, renvoie en partie aux



06/09/11 11:52

représentations que le public contemporain a des ruines antiques ou du fonctionnement de l’espace théâtral grec (skènè et orchestra). Mais, quand le décor est trop abstrait (celui de Chambas, image 1), le public peut être déconcerté. Des images de la mise en scène d’O. Py se trouvent dans le fascicule édité par le Sceren, Agamemnon, baccalauréat théâtre, 2009, ainsi qu’un dossier pédagogique complet sur le site : http://crdp.ac-paris.fr/piece-demontee (année 2008). Un dossier de la mise en scène d’Œdipe par P. Adrien se trouve sur le site du Théâtre de la Tempête (archives saison 2008-2009) : www.la-tempete.fr. Une sitographie pour Œdipe-Roi est également disponible sur www.educnet.education.fr/theatre.

‹ Quel espace pour le chœur ?  p. ⁄86-⁄8‡

ÉTUDE DE MISES EN SCÈNE 1. Les choreutes sont habillés et masqués de la même façon. Ils chantent et dansent à l’unisson. Aucune individualité ne doit être visible, ils représentent un groupe anonyme. La mise en scène d’A. Mnouchkine est donc celle qui est la plus fidèle au chœur grec : mêmes costumes lourds et enveloppants, mêmes accessoires, maquillage qui ressemble à un masque : rien ne permet de voir si les acteurs sont des hommes ou des femmes. On remarque également qu’ils bougent ensemble (la ligne un peu en diagonale vers la gauche le suggère). Ils portent leurs regards dans la même direction. 2. Dans la mise en scène d’A. Mnouchkine, l’espace est une sorte d’arène rectangulaire entourée de murs : le chœur, pendant les épisodes, est au bord de ce mur, sur lui ou sous lui. C’est de ce mur qu’il regarde et commente l’action. On voit ici l’attention portée à ce qui se passe ; certains regards, l’attitude de retrait des corps ou les mains crispées sur les cannes manifestent de l’inquiétude. Mais ils ne sont pas spatialement entre le public et l’action, plutôt autour, sur les côtés.

Dans la mise en scène d’A. Vitez, le chœur écoute avec attention le récit du précepteur, les regards sont soit tournés vers lui, soit vers Clytemnestre. Mais leur petit nombre (trois) et leur individualisation ne rend pas le même effet d’écho que le chœur de Mnouchkine. Par rapport au public, il n’est pas non plus en position de médiation, puisqu’il est au milieu des autres personnages, a son espace sur la droite (voir image plus large p. 183). Cependant, les imaginer comme des voisines les rapproche psychologiquement du public et favorise une identification.

3. A. Mnouchkine a repris les costumes et maquillages de la danse indienne kathakali, les danses du chœur appartenaient à différentes traditions indiennes, indonésiennes, etc. Son idée est de rendre à la tragédie grecque son étrangeté, son caractère épique, sa beauté musicale et spectaculaire. J. Feral parle de « blasons » dans le texte 2 : les couleurs vives et les étoffes des costumes, les maquillages qui soulignent les jeux de regards, produisent un effet visuellement très esthétique. J. Feral parle aussi de piétinement ou de course : le travail corporel rend donc au chœur une dimension spectaculaire essentielle, d’autant plus qu’il était constitué d’un groupe aussi nombreux que dans l’Antiquité. 4. A. Vitez est à l’opposé de la démarche d’A. Mnouchkine pour plusieurs raisons : son chœur est individualisé, ce sont des voisines distinguées par des costumes différents. Elles sont dans l’intimité de la famille, alors que le chœur prévu par Sophocle est constitué de jeunes femmes de Mycènes plus témoins qu’amies de l’héroïne. D’autre part, ces voisines ressemblent au public de 1986. Aucune étrangeté donc, mais une actualisation du mythe. Le coryphée, seul homme et aveugle, fait penser à la figure du devin Tirésias présent dans Œdipe-Roi. A. Vitez dit qu’on le « comprend mal », comme sans doute certains discours du chœur au Ve siècle. A. Vitez en fait donc une voix mystérieuse et sage, qui connaît la fin de l’histoire. C’est sa seule référence à l’Antiquité dans une mise en scène très moderne d’intention. La couronne de laurier sur la tête lui donne aussi la figure du poète.

9 De l’espace sacré antique à la scène moderne |


155

06/09/11 11:52

Bilan / Prolongement Comprendre le rôle du chœur est essentiel pour lire des textes grecs. On peut revenir sur les images (p. 183 et 185) pour analyser la disposition spatiale des choreutes. On peut envisager de faire travailler un court extrait du premier chœur d’Agamemnon où est raconté le sacrifice d’Iphigénie ou un court extrait du dialogue entre Électre et le chœur au début d’Électre de Sophocle. Il s’agit de demander aux élèves de mettre ces textes en voix et en espace, en se répartissant la parole, en créant des effets propres à émouvoir. Ils doivent aussi réfléchir à leur place par rapport au public et au personnage principal pour Électre. Enfin, on peut faire lire des extraits d’auteurs contemporains qui utilisent des voix chorales comme Les Cendres et les Lampions de Noëlle Renaude.

› Atelier d’écriture

 p. ⁄88

1. Comprendre les enjeux de la pièce La pièce se passe devant le palais de Créon, à Thèbes, après la guerre qui a opposé les deux frères ennemis. Le cadavre n’est normalement pas visible. Il est exposé hors de la ville pour ne pas souiller directement l’espace civique et on ne voit jamais Antigone aller vers ce corps. L’autre mort qui a été honoré selon les rituels est aussi enterré en dehors de la cité et Antigone sera emmenée dans un caveau à l’extérieur de la cité. Si, spatialement, tout est fait pour que les morts ne souillent pas les vivants, les dispositions prises par Créon, malgré ses précautions, perturbent cet ordre. Pour un public contemporain, cette répartition de l’espace et cette notion de souillure ne sont pas compréhensibles. Il faut donc trouver une solution concrète pour suggérer ce mélange tragique des deux mondes. On peut, par exemple, montrer un édifice qui ressemble à un tombeau, à un passage vers le monde souterrain, qui recevra Antigone.

2. S’inspirer d’images Ces images montrent des ruines : les unes, classiques, rappellent l’architecture grécoromaine, les autres sont celles d’un temple grec. Elles jouent donc avec les références culturelles des spectateurs contemporains. C’est la Grèce telle qu’ils la connaissent aujourd’hui. Apollon est le dieu qui a averti les parents d’Œdipe et lui-même. La ruine renvoie aussi symboliquement à un monde détruit, dont les valeurs ne seraient plus respectées. Antigone préserve le lien entre le passé de sa famille et son présent, alors que Créon veut faire table rase de cet épisode douloureux et sanglant que représentent l’inceste d’Œdipe et la lutte fratricide qui a suivi. Les ruines peuvent suggérer tout cela. 3. Décrire le décor et le justifier Il s’agit de penser à un décor efficace pour rendre pathétique le départ d’Antigone vers la mort : il faut donc jouer sur les lumières, éventuellement des projections vidéo (voir p. 184) et définir dans quelle direction Antigone doit partir. Voici les questions que l’on peut se poser : quels éléments du décor seront parlants ? Faut-il une porte, si on la voit entrer dans le caveau, ou un itinéraire jalonné pour la faire disparaître au lointain (comme un chemin tracé par un éclairage) ? Faut-il des colonnes au milieu desquelles elle passe ? 4. Mettre en scène le départ d’Antigone à la mort Les personnages présents sont le chœur, Créon et le garde qui emmène Antigone. Le discours d’Antigone est principalement adressé au chœur et au public ; il faut donc faire en sorte que le chœur puisse être un relais avec le public, par sa place. Créon reste à l’écart, il campe sur sa position. Il doit être dans une posture d’autorité par rapport à Antigone (en avant-scène face public, par exemple, ou installé sur un trône quelque part). Les jeux de regard sont très importants : Antigone est-elle accusatrice, vindicative (regards sur le chœur et Créon) ou au contraire déjà habitée par le monde des morts (regard vers le lieu qui l’attend) ?



06/09/11 11:52

Vers le bac : « Monologue et solitude dans le théâtre contemporain »

Livre de l’élève  p. ⁄·⁄ à ⁄·›

QUESTIONS SUR UN CORPUS 1. Dans le monologue classique, un personnage parle alors qu’il est ou se croit seul sur scène. Le théâtre contemporain imagine des scènes où le personnage parle devant un autre, muet, auquel il peut s’adresser ou non. La parole de l’énonciateur se perd donc dans le silence, malgré ses tentatives pour se faire entendre : Winnie interpelle Willie (l. 3-4, 10, 40) et ce dernier ne répond que par « dors » à la fin. Mina pose des questions au juge (l. 1) ou répète celles qui lui sont posées sans que le spectateur ne les entende (l. 25). Le personnage se parle donc en réalité à luimême : Winnie la plupart du temps et plus particulièrement aux lignes 7-8, quand elle observe qu’elle parle « dans le désert », Leslie qui s’adresse même au public par un « vous » (l. 20), alors que sa sœur Anna est à la fenêtre. Mina fait le bilan de sa relation avec son père et va bien au-delà de ce qu’un tribunal lui demande. Chaque monologue est centré sur le sujet « je » : le désarroi de Winnie (l. 12 à 30) et de Leslie (l. 5-12) ; la détermination de Mina à rejeter son père (l. 5-12). 2. Le registre est pathétique pour les trois textes mais avec des moyens différents. • Pour Oh les beaux jours ce sont : – les silences de Winnie après des phrases nominales ou infinitives qui indiquent ce qu’elle s’oblige à faire pour occuper le temps : « Simplement regarder droit devant moi » (l. 14-15). – les phrases que Winnie complète peu à peu, comme difficilement, entre chaque silence (l. 23-27) : elle cherche l’expression la plus exacte pour justifier ce qu’elle fait. – dans la mise en scène de J.-L. Barrault, Winnie est une femme au visage imperturbable et triste. Sa posture montre qu’elle tient à sa dignité : elle est très droite, l’ombrelle brandie haut au-dessus de sa tête. On la voit soucieuse de son apparence

(robe, bijoux). Cette posture est à comparer avec la didascalie initiale : si Beckett a voulu une femme belle et coquette, qui lutte contre le vieillissement et la décrépitude (« de beaux restes »), c’est pour accentuer le tragique de sa situation. Comment rester belle et digne quand on s’enfonce ainsi dans le sol ? • Pour Sallinger : – une image de Sallinger se trouve page 180 : on voit chaque personnage isolé sur l’espace scénique, sans regard les uns pour les autres. – la détresse de Leslie est suggérée par les images des actions extrêmes qu’il voudrait accomplir avec des énumérations comportant des répétitions « l’envie de », « quelqu’un que ». Au contraire de Winnie, son discours ne s’enlise pas dans le silence mais est dans l’excès de parole et les nombreuses répétitions : « toucher », « frère préféré », « supérieur ». Comme pour Winnie, il craint de ne pas être compris. • Pour Papa doit manger : – Mina fait en sorte de rester dans les constats factuels, sans émotion apparente. C’est la description froide d’un père sans amour qui est pathétique. Elle comporte de nombreux termes péjoratifs (l. 6-7, 22-24, 29). Elle évite d’utiliser le « je », préférant dire « nous » (l. 31), de manière impersonnelle. Et c’est cette distance vis-à-vis de son père qui est terrible.

3. Les monologues montrent l’extrême solitude de la condition humaine. Beckett ajoute à cela le sentiment de l’absurde, lisible dans l’obsession inquiète et pathétique de Winnie pour ses objets et ses rituels : la didascalie « perplexe » et les lignes 30-33 en attestent. Les questions à Willie, mille fois répétées et laissées sans réponse, lui donnent raison : elle parle « dans le désert ». Leslie aussi, en perdant son frère, s’est retrouvé seul, comme Winnie craint de l’être si Willie l’abandonnait (l. 12-14) : il est prêt à interpeler n’importe quel inconnu pour se sentir exister, pour « pouvoir toucher un autre être », tant lui Vers le bac |


157

06/09/11 11:52

pèse son « esprit trop profond pour rester seul et enfermé » (l. 16). Son admiration pour le Rouquin occupait sa vie, lui donnait un sens. Aujourd’hui, il ne peut que parler de lui. Pour Mina, la situation est inverse : c’est elle qui veut abandonner son père à sa solitude car elle ne peut plus le respecter. Trop indigne, « il n’a pas su demeurer en haut de la montagne de mensonges et d’illusions » (l. 18-19). M. N’Diaye met en évidence les incompréhensions entre les êtres, même au sein d’une famille.

TRAVAUX D’ÉCRITURE Commentaire 1) Un monologue « dans le désert » – Dès la première phrase, le problème de la situation d’énonciation est posé. On peut relever : « si je pouvais supporter […] d’y aller de mon babil sans âme qui vive qui entende ». Le paradoxe tragique de la situation de Winnie est qu’elle attend beaucoup de son interlocuteur, Willie. Elle multiplie les apostrophes (l. 3) à la 2e personne ainsi que les phrases interrogatives destinées à susciter son attention. Mais ces procédés d’accroche débouchent sur la réponse lapidaire de Willie : « dors ». C’est une autre façon de lui dire de se taire. Par dépit, elle s’interpelle elle-même (l. 7) : la plupart des phrases nominales et infinitives (l. 14-19) sont des exhortations qu’elle s’adresse à elle-même, pour s’encourager à continuer à vivre ainsi. C’est « ce qui permet de continuer, continuer à parler s’entend » (l. 9-10) : son existence se limite à cette parole perdue dans le vide. 2) Un personnage pathétique a) Analyser la didascalie initiale et l’image de mise en scène (voir question 1). « Le vieux style » formule qu’elle répète à plusieurs reprises suggère le mode de vie auquel elle s’accroche. b) La solitude de Winnie est d’autant plus insupportable que Willie refuse d’être un véritable compagnon (l. 5-10). Elle doit donc combler ce vide par tous les moyens possibles car le silence la terrorise. Aux lignes 16-17, on trouve la métaphore de la glace pour évoquer cette vie. c) La difficulté à parler, à dire exactement ce qu’elle ressent est visible par ses nombreux silences, sa recherche du mot exact (l. 22-26). d) Son désarroi se lit dans le passage du sourire au rire forcé. Puis, à l’inquiétude manifeste quand elle s’aperçoit qu’il lui manque quelque chose (l. 24-30).

3) Une vision absurde de la condition humaine a) L’espace et le rapport non réaliste des personnages à cet espace est une métaphore d’une vie engluée dans le non-sens : voir la didascalie initiale et les images (p. 194 et 492). b) Dans le théâtre de Beckett, les corps sont entravés, infirmes ; les personnages sont des figures grotesques, représentants d’une humanité souffrante et sans espoir : il s’agit uniquement de passer le temps, d’attendre la mort (l. 12-14). Et la référence à Dieu dans ses questions finales montrent qu’elle ne croit pas à l’action divine. c) Que « faire » ? Ce verbe met en évidence la limite de l’action humaine, son inutilité : « il y a si peu qu’on puisse faire ; ce n’est qu’humain… Que faiblesse humaine. » L’action est dérisoire et ne permet pas d’échapper à la mort. Winnie a concentré ses actions sur son sac à main et les objets qu’il contient, tous utiles pour préserver un peu sa beauté : le peigne, la brosse. Elle vit des rituels immuables (l. 32 sq. « normalement je ne rentre pas mes choses »). Pourtant, même cela lui échappe, elle ne sait plus ce qu’elle a fait (l. 31).

Dissertation 1) Les formes variées du monologue a) Définition du monologue classique : un personnage est seul sur scène et dit ce que les autres personnages ne peuvent ou ne doivent entendre. Ainsi, les monologues de Georges Dandin ou d’Arnolphe dans L’École des femmes pallient l’isolement du héros au milieu des autres personnages, ligués contre lui. Les théoriciens classiques ont voulu en limiter l’usage à cause de son peu de vraisemblance. On a préféré, à partir de 1650, les confidences à un proche. Molière qui l’utilise après cette date, met en évidence dans le monologue de L’Avare la convention théâtrale, en imaginant Harpagon s’adressant directement au public. Le monologue classique est toujours très structuré. b) Dans le drame romantique, le héros est exclu, incompris et le monologue est son seul moyen d’expression véritable et sincère : voir l’extrait de Ruy Blas (p. 197) ou l’acte III, scène 3 de Lorenzaccio (p. 147). Au moment où le héros laisse tomber le masque, le monologue est chaotique, rempli de phrases exclamatives, de digressions, d’exaltations brutales suivies de retombées dans le désespoir.



06/09/11 11:52

c) Dans le théâtre contemporain, le personnage qui monologue est rarement seul sur scène : il parle dans le vide face à d’autres personnages qui ne lui répondent pas (voir les textes du corpus). Les personnages tendent à exister à travers des formes de discours proches du monologue souvent devenu une parole fleuve : Antoine dans Juste la fin du monde n’attend aucune réponse, il pousse une sorte de cri pour que les sentiments refoulés depuis longtemps sortent. Dans ces monologues, la parole se cherche dans des reprises, des répétitions, des hésitations. 2) Les fonctions conventionnelles d’un monologue a) Le monologue classique est délibératif : il aide le personnage à prendre une décision en cas de dilemme : on peut s’appuyer sur les stances du Cid (p. 487), les tergiversations de la reine dans Ruy Blas (p. 197), de Lorenzaccio avant son meurtre (p. 147). b) Le monologue est principalement lyrique : Arnolphe de L’École des femmes ou Dandin expriment leur colère, leur dépit de ne pas être aimé et de ne pouvoir contrôler la femme qu’ils tiennent sous leur coupe. Chaque monologue se termine par la décision d’une action qui devrait sortir d’embarras le héros mais il n’en est rien. Ces monologues deviennent alors comiques parce que les personnages ne sont pas sympathiques. Dans le drame romantique, le monologue désespéré du héros est au contraire pathétique : Antony (p. 489) montre qu’il n’existe pas d’issue pour lui. Dans les œuvres contemporaines, le registre est également pathétique (voir question sur corpus 2). 3) Les fonctions symboliques du monologue dans le théâtre contemporain a) Le sentiment de solitude : Leslie comme Winnie ont besoin de l’autre, proche mais

silencieux, mort, ou inconnu. (Voir question sur corpus 3.) b) L’impossibilité de communiquer : Antoine l’illustre dans Juste la fin du monde (voir le commentaire du texte), Mina s’explique devant le juge et surtout devant le tribunal de sa propre conscience et cette mise au net s’appuie sur les questions du juge, qu’elle s’approprie. C’est elle-même qu’elle doit persuader de la légitimité d’abandonner son père. c) L’absurdité de l’existence : voir Électre des Mouches de Sartre (p. 164), Winnie (voir le commentaire).

Écriture d’invention Le sujet ne comportant pas d’indication de type de texte, on peut imaginer un dialogue entre l’actrice et le metteur en scène ou un texte ressemblant à une note de mise en scène. Les justifications s’appuieront sur une analyse de certaines parties des textes. Pour le texte de Beckett, les didascalies sont une indication précieuse sur les gestes et les manipulations des objets. En effet, l’acteur, réellement coincé jusqu’à la taille, peut à peine se tourner. Il faut donc insister sur les regards et les intonations de voix. Pour le texte de Koltès, on sait que Leslie s’arrête, mais comment se tient-il par rapport à Anna ? Où porte-t-il ses regards ? Les intonations doivent faire entendre son exaltation, son envie de se précipiter sur quelqu’un, ainsi que son admiration pour son frère mort. Pour le texte de N’Diaye, c’est le rapport au juge qu’il faut installer : où se situe ce juge invisible par rapport au public ? Les intonations de Mina doivent aussi faire entendre une indifférence feinte vis-à-vis de son père. Ce travail peut faire l’objet d’une mise en voix.

Vers le bac |


159

06/09/11 11:52

Vers le bac : « La lettre, accessoire de jeu » QUESTIONS SUR UN CORPUS 1. Dans Les Fausses Confidences, la lettre doit permettre de piéger Dorante et de lui faire avouer son amour pour Araminte. Dorante doit l’écrire sous la dictée d’Araminte, mais il n’y arrive pas. Dans Le Barbier de Séville, Rosine doit empêcher Bartholo de récupérer et lire la lettre d’amour qu’elle a reçue du Comte. Elle a réussi à échanger la lettre compromettante avec une lettre reçue de son cousin. Bartholo veut lire la lettre discrètement, il y a donc un jeu pour la subtiliser puis la remettre en place. Dans Ruy Blas, la reine est seule avec la lettre d’amour qu’elle a reçue : elle l’a rangée dans son corsage et hésite à la sortir et à la relire, car cette lettre la trouble. Elle craint de se laisser aller à cet amour interdit. 2. Les textes de Marivaux et Beaumarchais sont comiques et le jeu avec la lettre renforce les effets comiques : le refus de Dorante d’écrire se manifeste d’abord par sa mauvaise volonté à trouver du papier, puis dans les interruptions de la dictée d’Araminte, obligée de le contraindre à poursuivre (l. 20). Elle remarque enfin : « Je crois que la main vous tremble » (l. 26). Il finit par avoir un malaise. L’image montre le face à face, Araminte observant l’attitude de Dorante, sans rien laisser paraître, tandis que Dorante est crispé sur sa lettre et n’ose lever les yeux. Dans Le Barbier de Séville, c’est Rosine qui feint un malaise pour permettre à Bartholo d’accéder à la lettre de son cousin qu’elle a mise en évidence. Bartholo doit, en même temps, se préoccuper de la santé de Rosine et lire la lettre (didascalies l. 20-21, 24). Le registre de Ruy Blas est pathétique : le jeu avec la lettre se double d’une prière à la Vierge dont la statuette occupe une place importante. Les tourments de la reine sont exprimés à travers le jeu avec les accessoires et les déplacements entre la statuette et la table. Elle met un certain temps à sortir de son corsage la lettre qui la « brûle » (v. 21). Elle finit par montrer cette lettre accompagnée d’objets, fleurs et dentelle.

Livre de l’élève  p. ⁄·∞ à ⁄·°

Elle les jette sur la table pour prier et y revient à la fin de l’extrait avec un mouvement qualifié d’« irrésistible ».

3. Marivaux et Beaumarchais mettent en évidence la double énonciation théâtrale car le spectateur est complice d’Araminte et Rosine : il sait que la lettre qu’Araminte fait écrire est un stratagème et que Rosine a fait l’échange de lettres et ne risque donc rien. Le spectateur rit de voir les deux hommes dupés. Les apartés d’Araminte (l. 3-4 et 15) et de Rosine (l. 29) rappellent la ruse des deux femmes. Les deux hommes livrent également en apartés ce qu’ils éprouvent : la souffrance de Dorante et le soulagement de Bartholo. L’hypocrisie des relations est ainsi mise en évidence par l’utilisation de la double énonciation.

TRAVAUX D’ÉCRITURE Commentaire 1) Une lettre à un rival au centre du jeu a) La cruauté et le comique de la scène reposent sur l’écriture d’une lettre adressée à un rival, le Comte, que Dorante doit assurer des bonnes dispositions d’Araminte à son égard. L’écriture de la lettre est donc mise en scène et en espace par Araminte : elle donne des ordres très concrets à Dorante pour accomplir sa tâche de secrétaire, ordres qui supposent des éléments scéniques : « vous n’allez pas à la table ? » Si l’on est sûr que Dorante s’installe à cette table (didascalie, l. 3), on ne sait rien de la place d’Araminte, si ce n’est qu’elle va chercher le papier qui fait l’objet d’une question de la part de Dorante (l. 7-8). D. Bezace imagine Araminte assise face à Dorante (image p. 198), ce qui rend la tension entre eux plus palpable car Dorante n’ose croiser le regard de sa maîtresse. Il est obligé de se mettre à écrire sous la dictée : « Écrivez ». Et elle vérifie : « Avez-vous écrit ? » b) Le texte de la lettre est donc dicté à haute voix par Araminte (l. 10-11, 13-17, 20-23 et 25-26). Cette lettre est censée être imaginée par Dorante lui-même qui chercherait à rassurer



06/09/11 11:52

le Comte. La situation est donc d’autant plus cruelle et ironique. Araminte utilise exprès des mots qui blessent Dorante : « votre mariage est sûr » ainsi que » la justice qu’elle rend à votre mérite » sont comme martelés deux fois pour insister sur sa détermination à épouser le rival. Dorante interrompt cette dictée (l. 13 et 18). Araminte doit lui ordonner deux fois de continuer en utilisant des procédés d’insistance : « N’importe, achevez » (l. 20) ; « Achevez, vous dis-je » (l. 25). 2) Une scène comique Le comique joue sur la double énonciation théâtrale car le spectateur est complice d’Araminte et témoin privilégié du désarroi de Dorante. a) Dorante est piégé dans son rôle d’intendant. Le rapport de maîtresse à domestique l’empêche de refuser cette tâche insupportable pour lui. C’est pourquoi, après avoir fait semblant de ne pas trouver de papier, il cherche à argumenter en commentant les termes mêmes de la lettre, à propos du procès d’Araminte contre le Comte : « Douteux ! Il ne l’est point ». Puis il a une intervention plus personnelle, rappelant ce qu’il sait des sentiments d’Araminte (l. 23-24). Il finit par se trouver mal, empêchant ainsi de facto la rédaction de la lettre : « Je ne me trouve pas bien ». b) Ce sont les apartés qui permettent au public de connaître la ruse d’Araminte et les tourments de Dorante. Araminte l’observe attentivement et remarque chaque indice du trouble de Dorante : « Il ne sait ce qu’il fait » (l. 3) ; « Il souffre, mais il ne dit mot ». Dorante essaie de se contrôler, en cherchant le papier : « Ah ! Dubois m’a trompé. » (l. 5), « Ciel ! Je suis perdu ! » (l. 23). Mais aucun des deux ne veut lâcher prise et avouer la comédie. 3) Mentir pour révéler l’amour Si le marivaudage est un jeu amoureux, il a aussi une vertu, celle de révéler des sentiments qu’on n’ose s’avouer ni avouer à l’autre. a) Marivaux montre la difficulté des relations amoureuses : chacun joue un rôle. On le voit aux marques de civilité systématiquement utilisées par Dorante (« Madame ») pour rester dans son rôle de domestique. Il obéit : « Oui, Madame », ose à peine faire des objections : « Mais, Madame ». Au contraire, Araminte manifeste une froideur apparente, en restant factuelle : « Êtes-vous prêt à écrire ? » Elle s’emporte même : « Vous ne m’écoutez donc pas ? »

Et le pousse dans ses retranchements par les questions des lignes 26-27. b) La tension entre ce qu’ils veulent faire paraître et ce qu’ils ressentent est révélée par les apartés ou les manifestations physiques. Chez Marivaux toute forme de déguisement est un moyen de mieux se connaître soi-même : Dorante est d’abord « distrait », puis souffre en silence avant d’avoir des défaillances dont Araminte finit par s’inquiéter : « Je crois que la main vous tremble ; vous paraissez changé » ; « Vous trouvez-vous mal ? » Elle-même ne veut pas avouer la première son amour et faire semblant d’apprécier le Comte est le moyen de cacher ses propres sentiments pour Dorante ou de les lui dire de façon détournée : tout le contenu de la lettre et les commentaires qui en sont faits tournent autour de cette idée d’aveu amoureux. C’est bien à Dorante qu’Araminte s’adresse aussi lignes 13-15 et elle attend avec impatience sa réaction : « Est-ce qu’il ne parlera pas ? » (l. 15).

Dissertation 1) Des éléments scéniques indispensables à l’intrigue a) Certains éléments scéniques sont prévus par l’auteur et ont une fonction dramaturgique essentielle, c’est-à-dire jouent dans l’intrigue un rôle précis : la lettre peut ainsi être un élémentclé, preuve d’amour comme celles de Ruy Blas ou du Barbier de Séville, qui devient une menace tragique pour l’honneur de la reine ou une menace comique dont Rosine se sort face à un Bartholo facilement dupé. Dans On ne badine pas avec l’amour (p. 125), c’est la bague offerte par Camille que Perdican jette à l’eau sous les yeux de la jeune fille, la bafouant ainsi ouvertement devant Rosette. Camille ira d’ailleurs récupérer cette bague et la rendra à son cousin. D’autres éléments servent dans des suicides ou des meurtres sur scène : la fiole de poison dans Ruy Blas (p. 162-63), l’épée sanglante brandie par Clytemnestre après le meurtre (Agamemnon, p. 154-155). b) L’espace peut aussi être prévu avec précision par l’auteur pour créer une certaine atmosphère, un univers essentiel à l’intrigue telle qu’il l’a imaginée : voir la didascalie initiale de Oh les Beaux jours (p. 191 et 492) et de deux textes de V. Hugo (p. 492). Vers le bac |


161

06/09/11 11:52

2) Des éléments scéniques qui créent des effets spectaculaires a) Les éléments scéniques prévus par l’auteur créent du jeu (voir la question 2) et la manipulation de chaque lettre renforce le registre comique ou pathétique. b) Un costume sert à construire un personnage (voir la didascalie initiale décrivant Winnie p. 191) ou Clara dans La Visite de la vieille dame (p. 134). c) Dans le théâtre de l’absurde, le rapport aux objets est ritualisé et met en évidence une existence vide de sens où l’on se raccroche justement à des gestes quotidiens et banals : le jeu avec la chaussure au début d’En attendant Godot (p. 166-67), la préoccupation de Winnie pour les objets de son sac à main qui lui permettent de rester digne (Oh les beaux jours, p. 191 et 194). Au contraire, le tragique des chutes de Bérenger dans Le Roi se meurt (p. 168-169) est renforcé par la perte de sa couronne ou de son sceptre. 3) Des éléments scéniques qui donnent un sens : les choix du metteur en scène Le metteur en scène utilise tout l’art du scénographe, du costumier, de l’éclairagiste pour interpréter le texte et en donner sa vision personnelle au public. a) Il peut donner une atmosphère particulière grâce au décor et aux lumières : voir les comparaisons de mises en scène de Juste la fin du monde (p. 173-174) ou de Combat de nègre et de chiens (p. 170-72) (se rapporter aux questions d’histoire des arts de ces deux textes).

b) Le metteur en scène peut décider de transplanter une œuvre dans un univers très original : voir les mises en scène d’A. Mnouchkine de Shakespeare (p. 139) et d’Eschyle (p. 186). Le résultat est très esthétique et renouvelle l’idée que l’on se fait des œuvres (voir texte 2, p. 186).

Écriture d’invention Il est intéressant de lire d’abord d’autres monologues romantiques pour bien comprendre les procédés lyriques exprimant les tourments des héros, par exemple l’extrait de Lorenzaccio (p. 147) ou d’Antony (p. 489). La reine doit donc exprimer à la fois sa passion amoureuse naissante et sa culpabilité à l’idée de tromper son mari, même en répondant seulement à l’inconnu. Ses hésitations seront donc suggérées, comme dans le texte de Marivaux, par un jeu avec le papier qu’elle prend, qu’elle froisse, qu’elle jette ; un jeu avec la plume. Le texte de la lettre qu’elle commence doit alterner avec ses émotions, des questions qu’elle se pose, des exhortations ou des reproches qu’elle se fait. Il faut décider si elle finit ou pas cette lettre, si elle repousse les avances de l’inconnu ou au contraire lui laisse un espoir. Il ne faut pas non plus oublier le rang de la reine : elle ne peut se jeter à la tête d’un amant, elle est étroitement surveillée et a un sens aigu de son honneur.



06/09/11 11:52

Chapitre

3

Écriture poétique et quête du sens, du Moyen Âge à nos jours Livre de l’élève  p. ¤‚‚ à ¤§·

Présentation du chapitre  p. ¤‚‚ Objectifs Trois objectifs essentiels se dégagent de la lecture des I.O. : Approfondir la relation qui lie, en poésie, le travail de l’écriture à une manière singulière d’interroger le monde et de construire le sens, dans un usage de la langue réinventé. Cette approche, qui rend sensible la matérialité de la langue, ne perd pas de vue le contexte dans lequel les œuvres poétiques s’inscrivent. Il faut donc donner aux élèves des repères historiques, esthétiques et culturels. On est ainsi amené à mettre en valeur la fonction du poète. Enfin, pour donner une idée de la diversité des formes et genres poétiques, le professeur est invité à ancrer son étude sur quelques grands « lieux » de la poésie (l’amour, la mort, etc.).

Organisation Pour mener à bien ce triple objectif, le chapitre consacré à la poésie propose trois séquences thématiques et chronologiques. La séquence 10, « Les jeux de l’amour », évoque un des grands « lieux » de la poésie, sans cesse repris, sans cesse renouvelé. Ce thème privilégie l’émotion communiquée par les textes poétiques. Le motif de l’amour permet en effet

d’être sensible au lyrisme de la voix poétique. Toutefois, l’amour peut n’être qu’un jeu, source de divertissement littéraire ou de badinage galant. L’écriture poétique, légère et virtuose, séduit alors par son humour et sa beauté. Ancrer notre étude dans un thème poétique précis permet aussi de découvrir la grande diversité des voix poétiques, qui, pour réinventer chaque fois l’amour, se coulent dans des formes et des genres variés : épigramme, sonnet, rondeau, madrigal, etc. Enfin, nous avons privilégié l’ordre chronologique, afin de donner aux élèves les repères dont ils ont besoin. La séquence 11, consacrée à l’histoire des arts, s’intitule « Dame Nature en son jardin ». Il s’agit d’explorer un autre lieu : le jardin, endroit réel mais aussi refuge imaginaire et topos poétique. La poésie se replie en ce lieu à la fois naturel et culturel, incarnation végétale de l’harmonie entre l’homme et la nature. La séquence 12, intitulée « Le poète, arpenteur du monde », est davantage consacrée à la poésie moderne. Entre le milieu du XIXe siècle et la fin du XXe, la poésie s’aventure dans des formes et des thèmes nouveaux, élargissant le champ de la beauté à des territoires encore inexplorés. Elle n’a pas de manifeste unique. Elle se définit dans la pluralité même de ses réalisations. C’est donc en donnant aux élèves la possibilité de percevoir la diversité des textes, des sensibilités, des esthétiques qu’il leur sera possible de comprendre cette entrée du genre poétique dans la modernité. C’est la nature de cette rupture, et l’histoire de cette métamorphose, que la séquence propose d’explorer. | 163


06/09/11 11:52

La séquence 13 est dans le prolongement de la précédente. Elle propose un « parcours de lecteur » allant à la découverte d’Alcools, d’Apollinaire. Elle explore l’œuvre d’un de « ces grands commenceurs », pour reprendre l’expression de René Char. Son esthétique du collage, empruntée au cubisme, fait souffler un esprit nouveau.

Prolongements • Écouter, voir La poésie est avant tout une parole. Pour l’entendre, on peut se rendre sur différents sites. Archives de la parole http://gallicadossiers.bnf.fr/ArchivesParole/ Le site Gallica (BnF) a choisi de présenter une première facette de l’enregistrement acoustique de la langue parlée. On trouvera ici les enregistrements de plusieurs poèmes par Guillaume Apollinaire. Autrement dit www.autrementdit.net/accueil.php Le site de l’association Autrement dit nous convainc que le plaisir d’écouter de la poésie permet de s’initier à la beauté de la langue. De grandes voix ou des auteurs font entendre les textes. Des analyses universitaires viennent à l’appui. Centre International de Poésie de Marseille www.cipmarseille.com/enregistrements_index. php Le CIP de Marseille propose les interventions de plusieurs poètes contemporains : Edoardo Sanguinetti, Ghérasim Luca, Bernard Noël, Jean-Pierre Verheggen. • Histoire des arts On tirera profit des activités sur le thème du jardin en littérature, proposées par Estelle PlaisantSoler sur le site de « La page des Lettres ».

• L’exposition virtuelle de la BnF, « l’aventure des écritures », partie « récits » fait un lien entre la naissance de l’écriture et l’interrogation de l’homme sur le monde. « Zébrures de l’orage ou éclipse des astres, traces de pas, taches sur le pelage de jaguar ou veinures dans la pierre, le monde est plein de signes que l’homme a appris à déchiffrer, il a tenté de lire ces signes comme autant de messages adressés par les dieux avant de commencer à émettre ses propres messages. » C’est cette attitude que questionne la séquence 12.

Pistes d’étude de l’image Max Ernst s’est beaucoup intéressé aux mythes. Cet engouement est lié à ses convictions surréalistes : le merveilleux, l’imaginaire stimulent la création picturale et poétique. Il retrouve dans le mythe, terreur ou merveille, les éléments-clés de son univers : l’oiseau libre, l’homme enchaîné et révolté, l’instabilité de l’identité.

Bibliographie – MAULPOIX Jean-Michel, Du lyrisme, Éditions Corti, 2000 – MAULPOIX Jean-Michel, Le Poète perplexe, Éditions Corti, 2002 – BRODA Martine, L’Amour du nom, Éditions Corti, 1997 – RABATÉ Dominique (dir.), Figures du sujet lyrique, actes du colloque 1995, Éditions PUF, 1996 – PINSON Jean-Claude, Habiter en poète, Éditions Champ Vallon, 1995 – BANCQUART Marie-Claire, La Poésie en France du Surréalisme à nos jours, Éditions Ellipses, 1996

164 | Écriture poétique et quête du sens, du Moyen Âge à nos jours


06/09/11 11:52

Séquence

⁄‚

Les jeux de l’amour Livre de l’élève  p. ¤‚⁄ à ¤¤›

Présentation de la séquence  p. ¤‚⁄ Dire l’amour est un des grands « lieux » de la poésie, sans cesse repris, sans cesse renouvelé. Ce thème est appréhendé de manière concrète, en privilégiant l’émotion communiquée par les textes poétiques, écrits du Moyen Âge à nos jours. Le motif de l’amour permet en effet de parler de lyrisme (tragique, lorsque l’autre n’aime pas ; élégiaque, lorsque l’écriture poétique console et enchante la douleur). Toutefois, l’amour peut aussi n’être qu’un jeu, source de divertissement littéraire ou de badinage galant. L’écriture poétique, légère et virtuose, séduit par son humour et sa beauté. Ancrer notre étude dans un thème poétique précis permet aussi de découvrir la grande diversité des voix poétiques, qui se coulent dans des formes et des genres variés pour chaque fois réinventer l’amour. On découvrira ainsi que la sincérité du sentiment n’interdit pas le jeu avec le langage. Et, en poésie, les jeux de l’amour ne doivent rien au hasard : rimes et rythmes suivent des canevas subtils, des règles précises. Et, paradoxalement, c’est de la contrainte que naît une parole originale et libre. La règle oblige au détour, à la trouvaille, au « stratagème » (Voiture) et permet ainsi de forger l’inédit. Composer un poème en suivant les règles du jeu, à partir d’une anagramme (Ronsard), d’une paronomase (Marbeuf), d’une rubrique de dictionnaire (Char) ou en appliquant à la lettre la recette du Rondeau (Voiture) oblige à se frayer une voie oblique, à trouver une voix inédite, pour formuler des thèmes anciens en un parler nouveau.

H istoire des arts

N. Poussin, Renaud et Armide, vers ⁄§¤∞  p. ¤‚¤-¤‚‹

Peindre l’amour dans les règles de l’art LECTURE DE L’IMAGE 1. Si l’œil suit le trajet de lecture que dessinent la pente de la colline et le bras gauche de la femme, il découvre Renaud. Le jeune homme est peint dans sa vulnérabilité : il est endormi, ses armes sont déposées. L’épée dort dans son

fourreau. Il n’a plus ni casque, ni bouclier pour protéger son corps : les jambes, les bras et surtout le cou sont à nu, à portée de poignard. Sa pose alanguie, la couleur tendre de sa chair suggèrent aussi la fragilité désarmée.

2. La main gauche d’Armide peut être caractérisée par les adjectifs qualificatifs suivants : douce, enveloppante, caressante, légère, féminine, amoureuse. La main droite : armée, tendue, crispée, agressive, violente, virile, guerrière, déterminée. Au sein du personnage se joue la lutte éternelle de l’amour et de la mort. La main droite est prête à tuer : elle est crispée sur le poignard, en un geste déterminé et agressif. La main gauche, celle du cœur, se fait douce et enveloppante. Légère, elle esquisse une caresse amoureuse. 10 Les jeux de l’amour |


165

06/09/11 11:52

3. La jeune femme est déchirée entre deux sentiments contradictoires. Pour mettre en valeur ce conflit intérieur, le peintre lui donne un visage étonné, presque tourmenté par la surprise de l’amour. Les plis du vêtement forment un bouillonné, matérialisant le bouillonnement intérieur. Enfin, le corps tout entier exprime la contradiction. Ce ne sont pas seulement les mains qui veulent et ne veulent pas tuer le bel endormi. Le bras droit est en mouvement, muscles bandés, pour tuer. Bien campée sur ses jambes, la guerrière se penche en avant. Mais le bras gauche arrête ce mouvement d’engagement vers l’ennemi : il est détendu, le geste est languide. De plus, le peintre montre l’intérieur du bras, plus pâle, plus tendre et tout en douce rondeur. 4. Le personnage ailé est Éros (ou Cupidon), le dieu de l’amour chez les Grecs. Ici, il a posé ses flèches et son carquois pour mieux retenir le geste meurtrier d’Armide. Ce n’est pas une mince affaire : ses deux petites mains potelées agrippent avec force le bras de la jeune femme, saisi en plein élan. On voit les doigts qui s’enfoncent dans la chair et se resserrent sur le poignet d’Armide. Son visage, bouche ouverte et haletante, manifeste la difficulté de l’entreprise : faire taire la haine, faire naître l’amour. 5. La main gauche de Renaud se place exactement sous celle d’Armide : les deux mains, posées l’une sur l’autre, esquissent le même geste, avec le même arrondi et le même abandon. Comme elles ont la même taille, celle d’Armide enveloppe entièrement la main de Renaud, qui semble s’y blottir. Enfin, on remarque que la carnation est la même. On constate que le plumet du casque dessine le même mouvement que celui des mains, tout en rondeur et en laisser-aller. Ce détail pictural est placé dans la zone de verrouillage, celle que le regard balaie en dernier et mémorise. Ce redoublement permet d’ancrer dans la mémoire du spectateur la grâce de ce geste, où l’amour se love. 6. Poussin laisse cette scène d’amour et de mort en suspens. On ne sait quel sentiment va triompher tant le combat entre Éros et Thanatos, entre les éléments placés à droite et ceux situés à gauche, semble suspendu, en attente. La composition du tableau, qui repose entièrement sur ce partage de l’espace en deux

zones où luttent deux forces opposées, est très habile et confère sa force au tableau. On peut alors interpréter la forme que trace le plumet du casque comme un signe de ponctuation : ce n’est pas un point final. Plutôt une sorte de virgule, marquant une pause, suspendant le geste violent et ouvrant peut-être sur une histoire d’amour.

Prolongement On remarque que la peinture, comme l’écriture, utilise des signes graphiques pour marquer des pauses ou lier des éléments entre eux. C’est, au sens propre du terme, une syntaxe, qui a pour but d’articuler ensemble les différents éléments d’une image (ici narrative) afin qu’ils racontent une histoire cohérente.

VERS LE BAC Invention L’arbre situé au centre du tableau est solitaire : il énoncera le discours de l’honneur et de la raison (d’État). Si les élèves ont déjà lu des textes de Corneille, on pourra reprendre les thématiques chères à l’auteur de Cinna ou d’Horace : on doit faire taire ses sentiments, se montrer raisonnable et mobiliser tout son courage pour servir la patrie. L’individu doit s’effacer derrière ce noble projet. C’est ainsi qu’il prouve qu’il est grand, qu’il a le sens de l’honneur. On peut structurer le premier paragraphe autour de cette thèse. À l’inverse, il y a deux arbres dans la partie située plus à droite, celle que l’on ne voit que dans un deuxième temps, quand l’histoire d’amour a déjà commencé. Ils sont juste au-dessus des deux mains qui s’enlacent. On peut imaginer qu’ils forment un couple eux aussi et défendent les valeurs de l’amour. Ils répondront à l’arbre solitaire en susurrant et chuchotant. Leur thèse adverse constituera le deuxième paragraphe.

Question sur un corpus La violence de l’amour ressort lorsque la passion devient une question de vie et de mort. Le tableau de Poussin est ainsi chargé de tension : Armide va-t-elle tuer ou laisser vivre Renaud ? Si elle lui laisse la vie sauve, c’est elle qui meurt, au moins symboliquement : elle perd son honneur. L’amour met à mal / à mort son système de valeurs.



06/09/11 11:52

Les poèmes abordent le thème de manière plus classique : la passion est décrite comme une souffrance mortelle. Dans le poème de Ronsard, le poète aime sans être aimé et cela le tue. Il aimerait ne plus aimer mais c’est un « combat inégal » (v. 11). Il se sait ridicule et préfèrerait au moins taire cet amour : « la langue est muette » est la formule qui clôt le poème et lui donne sa chute. Pourtant, s’il ne parle pas, il écrit un poème en forme d’aveu : « furieux je vous aime » (v. 14). Il y a donc ici une autre lutte déchirante, entre volonté de taire et désir de dire et, en disant, de faire durer les souffrances de l’amour. Marbeuf joue avec les sonorités pour évoquer le combat entre amour et raison comme une lutte entre le feu et l’eau. C’est un combat « amer », mot au centre de la première strophe. Un combat où la passion, pourtant mortelle, l’emporte : l’eau des larmes ne peut éteindre le feu de la passion.

CHANTER L’AMOUR EN JOUANT AVEC LA FORME FIXE

⁄

Ch. de Pisan, Rondeaux, ⁄‹·‚-⁄›‚‚  p. ¤‚›

L’impossible deuil LECTURE DU TEXTE 1. On relève le champ lexical de la souffrance : « dolent cœur » (v. 2), « ire » (v. 2), « plaindre » (v. 3), « ma doloreuse aventure » (v. 4), « ma dolente vie » (v. 5), « j’endure » (v. 11). Le rondeau, basé sur un jeu de reprises, est une forme appropriée pour mettre en valeur le caractère lancinant de la douleur exprimée. Il ne compte que deux rimes qui se répètent. C’est ainsi que sont associés à la rime les verbes signifiants : « je dure » / « j’endure ». L’autre règle du rondeau veut que l’on reprenne à l’identique un vers important, faisant office de refrain. Le vers qui revient en boucle exprime ici la douleur de vivre, quand l’autre a disparu : « je ne sais comment je dure ». Tout le rondeau tourne autour de cet axe ; la souffrance se déploie en cercles concentriques autour de cette phrase centrale. 2. Le rondeau est écrit à la première personne du singulier : ce choix énonciatif renforce le lyrisme de la plainte. Un sujet particulier dit

« je » de manière intime. Le présent renforce cette impression : il saisit un moment de vie et dit le deuil, au moment où il est éprouvé par une personne unique. Pourtant chacun peut se reconnaître dans cette voix souffrante car elle donne des mots aux maux universels de la passion et de la perte. Le thème de la souffrance amoureuse est ainsi arraché à la banalité.

3. Le rythme irrégulier de l’heptasyllabe fait entendre une voix heurtée, marquée par la souffrance. On peut relever le vers 6 : « Rien, hors la mort ne désire ». Le mot « rien », monosyllabique, est lancé comme un cri en tête de vers. Il est détaché par la virgule et le « h » aspiré de « hors », phonème qu’on prononce après une pause hachant le débit. Suit alors, très vite, un groupe de six syllabes. Les mots qui le constituent sont presque tous monosyllabiques, conférant une cadence saccadée à la phrase. 4. Christine de Pisan ne peut se permettre de pleurer. Elle ferait fuir son public alors qu’elle ne vit que de sa parole et de sa plume (voir biographie p. 629). Il lui faut donc ravaler ses larmes, garder pour elle sa douleur et porter un masque en public. Le mot « couverture » (v. 8) montre qu’en société, on dissimule sa véritable identité en jouant un rôle défini par des règles. L’expression « faire semblant » (v. 10) renforce cette interprétation. 5. L’écriture poétique est alors le refuge et l’exutoire d’une souffrance qui s’exacerbe à force d’être contenue. Dans l’intimité, l’auteur peut s’abandonner et chanter sa douleur. Elle a le temps aussi de choisir et polir une forme poétique, le rondeau, qui coïncide exactement avec ce qu’elle veut exprimer : « la pointe fixe de l’amour » (M. Duras).

HISTOIRE DES ARTS La miniature met en valeur le repli dans la solitude : seule avec elle-même, Christine de Pisan peut écrire, laisser une trace durable de ce qu’elle a éprouvé et n’a pu dire en public. Le livre gardera sa parole de veuve fidèle par-delà la mort. On remarque le petit chien à ses pieds : il symbolise lui aussi la fidélité de la mémoire. De même, une arcade de marbre semble enserrer le personnage. Ce matériau dur évoque à son tour la permanence de l’écrit, gardien d’une parole secrète magnifiée par les règles du jeu poétique. 10 Les jeux de l’amour |


167

06/09/11 11:52

VERS LE BAC Invention On peut suggérer quelques arguments : Personnage 1 : a) La règle est synonyme d’artificialité : seul le laisser-aller d’une parole qui s’épanche, sans règle ni contrainte, peut traduire les émois d’un cœur qui s’abandonne. On peut s’appuyer sur Rousseau et son plaidoyer en faveur du « naturel » (voir manuel de Seconde) mais aussi sur des poèmes modernes (Séquence 11, manuel de Première) refusant de jouer le jeu de la métrique pour mieux revenir à la source même du lyrisme : l’émotion brute. b) Les contraintes empêchent l’expression de soi. Les règles de la métrique sont imposées à tous alors que la voix de chacun est unique. Il y a là une incompatibilité. c) On peut ainsi s’appuyer sur l’expérience surréaliste qui fait de l’écriture automatique, du récit de rêve et, plus largement, du refus de la parole réglée le gage d’une authenticité singulière retrouvée (voir Éluard, manuel p. 212-213). Personnage 2 : a) La règle permet de conférer une forme séduisante à ce qui ne l’est pas : pour parvenir à faire entendre sa voix, y compris dans ce qu’elle a de plus intime (les larmes, les soupirs, les cris) sans être impudique, on peut s’abriter derrière des règles d’écriture. Elles donnent une forme belle, marmoréenne, à ce qui sans cela pourrait être choquant ou laid. Ex. : le texte de Louise Labé reprend en anaphore le vocatif « Ô », à la fois cri de douleur et de plaisir érotique. La virtuosité de la forme sublime cet aveu cru et nu. b) Les règles poétiques reposent sur la répétition de sons et de rythmes (rimes, allitérations, assonances) qui mettent en valeur des mots porteurs de sens. Le poème devient l’écrin d’une parole forte, inoubliable. c) La règle est un défi à l’inventivité. C’est en suivant les règles du jeu, arbitraires ou fantaisistes, que l’imagination travaille et invente. Ex. : Composer un poème à partir d’une anagramme (Ronsard), d’une paronomase (Marbeuf), d’une rubrique de dictionnaire (Char) ou en s’interdisant d’employer une lettre (Pérec, Oulipo) oblige à trouver une voie oblique, inédite, pour formuler des thèmes anciens en un parler nouveau.

¤

Clément Marot, Épigrammes, ⁄∞‹°  p. ¤‚∞

Jouer avec la neige, jouer avec le feu LECTURE DU TEXTE 1. Anne a lancé de la neige sur son poète. Mais en jouant avec la neige, elle a joué avec le feu : en le taquinant, elle a allumé une passion brûlante. Il l’avoue avec esprit, en respectant les codes du jeu poétique. Le dizain repose en effet sur un paradoxe : la neige est froide et brûlante (car elle éveille la passion). Un bref relevé l’atteste : la neige était « froide certainement / Mais c’était feu » (v. 2-3) ; « le feu loge secrètement / Dedans la neige » (v. 5-6). Les enjambements permettent d’insister sur cette contradiction mystérieuse, qui confère au poème son originalité. 2. On peut commenter le vers 3, qui pose le paradoxe : « Mais c’était feu ; l’expérience en ai-je ». Sous le lieu commun du feu amoureux, on entend l’aveu du sentiment passionné. Exprimé à la première personne, il repose sur une expérience vécue. Le mot « expérience » est d’ailleurs mis en valeur par la ponctuation qui le précède et la diérèse. 3. Le mot « neige » est employé au sens propre au vers 1 ; avec un sens métonymique au vers 9. Le « feu » a son sens propre et figuré au vers 3 : il désigne à la fois la brûlure de la neige et de l’amour. Par métonymie, il définit l’amour luimême. Dans le reste du dizain, il a exclusivement ce sens métonymique. En jouant avec la richesse du langage, Marot parvient à dire beaucoup en peu de mots. Cette extrême densité, qui suppose une grande virtuosité, séduit. 4. La pointe du dizain propose un nouveau paradoxe : seul un contre-feu peut éteindre le feu de l’amour. Il s’agit de la passion amoureuse qu’Anne pourrait éprouver pour lui et qui serait, par son intensité, « un feu pareil au [s]ien ». C’est une invitation pleine d’humour à aimer et sauver le poète, à se prendre à son tour au jeu de l’amour et de la poésie.



06/09/11 11:52

VERS LE BAC Question sur un corpus

« voix », au son d’un même « luth plaintif, viole, archet » (v. 10).

Marot établit un parallèle entre la brûlure paradoxale de la neige et celle de l’amour : il renouvelle ainsi avec bonheur le motif du feu de l’amour, devenu un stéréotype après Pétrarque (voir questions précédentes). De même, Louise Labé insiste sur le chaud et froid provoqué par la passion amoureuse. « Je vis, je meurs » (p. 206) s’appuie en effet sur l’antithèse pour montrer le caractère contradictoire – brûlant et glaçant – de l’amour. Le deuxième décasyllabe en atteste : « J’ai chaud extrême en endurant froidure ». Dans le premier sonnet de la page 206 (« Ô beaux yeux bruns »), ce sont les yeux, mais aussi, de manière plus inattendue, les rires, le front, les « cheveux, bras, mains et doigts » de l’être aimé qui brûlent celle qui admire le beau jeune homme. Louise Labé épelle le corps de l’aimé et en assimile chaque partie à des « flambeaux » (v. 11), ils lancent des « feux » et font « ardre » la femme aimante, sans que le bel indifférent n’en reçoive une « étincelle » en retour. Il reste de glace.

2. On peut relever la métaphore assimilant l’amour à un piège : la jeune femme aimante rencontre « mille morts en mille rets tendues » (v. 7). Ce vers propose aussi une hyperbole puisque la souffrance amoureuse est plus douloureuse que « mille morts ». Le sonnet suivant (« Je vis, je meurs ») repose sur une série d’antithèses. Le vers 1 en est un bon exemple : « Je vis, je meurs ; je me brûle et me noie ». Ce langage figuré traduit l’intensité d’une passion amoureuse faisant vivre des émotions d’autant plus fortes qu’elles sont contradictoires et changeantes. Le sujet amoureux ne connaît plus de repos.

‹

Louise Labé, Œuvres, ⁄∞∞∞  p. ¤‚§-¤‚‡

Crier son ravissement LECTURE DES TEXTES 1. Le sonnet II repose sur la reprise anaphorique du vocatif : « Ô ». Chaque vers, chaque hémistiche commence par la même invocation lyrique et ce jeu de reprise virtuose fait du poème autant un jeu avec le langage qu’un cri prolongé. De même, le champ lexical de la plainte (« Ô tristes plaints », v. 5, « Ô luth plaintif », v. 10, « De toi me plains », v. 12), des larmes et des soupirs (v. 2) fait entendre la voix douloureuse de la femme délaissée, mettant l’accent sur le grain de la voix. C’est la définition même du lyrisme. Prolongement Les deux quatrains sont identiques à un sonnet d’Olivier de Magny, l’homme qu’elle aime mais qui ne l’aime pas vraiment. C’est le signe d’un rêve vain de fusion amoureuse, qui commencerait par la confusion des voix. L’idéal serait deux amants pleurant et chantant d’une même

3. Écrire sa douleur en ravive l’intensité, ce qui arrache la vie à la banalité. Ainsi, le cri d’amour « ô », peut être lu de deux façons : comme une plainte ou comme une joie, cruelle mais délectable. Pour argumenter, on peut reprendre la question 1, montrant que le poème repose sur la répétition incessante, volontaire, des souffrances amoureuses et de leurs conséquences : cris, larmes, plaintes. De plus, les vers 3 et 4 du premier quatrain parlent d’espoirs déçus : elle passe ses journées à attendre la nuit, puis des nuits entières à l’attendre, lui. Le parallélisme de construction, la reprise du même patron syntaxique insistent sur le caractère vain d’une attente sans cesse reproduite. Pourquoi alors en reparler et réactiver l’attente déceptive ? Peut-être l’écriture capte-t-elle ce qui aura échappé à l’amante : le corps si beau. Corps et sentiments passionnés sont alors idéalisés. C’est alors moins l’amant que l’amour qui est célébré par le jeu de l’écriture poétique. On peut citer Augustin pour conclure : « amabam amare » (« j’aimais aimer »). 4. C’est un blason. Dans le Sonnet II, Louise Labé évoque, l’une après l’autre, chaque partie du corps. Elle se souvient d’abord du regard (« ô beaux yeux bruns, ô regard détournés », v. 1). Puis, au vers 9, elle énumère toutes les parties du corps aimé, dont elle dresse fiévreusement l’inventaire en une série de monosyllabes. Cette accélération du rythme confère au poème son crescendo et permet de célébrer entièrement, avec une grande audace féminine, l’ensemble du corps aimé. 10 Les jeux de l’amour |


169

06/09/11 11:52

5. La pointe du sonnet porte bien son nom : elle pique le cœur blessé en mettant l’accent sur l’indifférence du jeune homme. Cette chute est préparée par les tercets, reprenant la métaphore pétrarquisante du feu amoureux. Les yeux sont des flambeaux qui embrasent le cœur et le corps de la femme aimante. L’intensif, le lexique et la modalité exclamative soulignent leur dangerosité animale : « Tant de flambeaux pour ardre une femelle ! » (v. 11). La pointe souligne alors cruellement l’absence de retour de flamme : pas une seule étincelle n’est revenue enflammer le jeune homme. Ce dernier vers concentre alors une définition tragique de la passion : l’une aime, l’autre non. 6. Dans l’amour, le sujet aimant n’a plus de certitude. Victime de la passion, il est « passif », ballotté par des sentiments contradictoires et des états antithétiques. On oppose ainsi : « plus de douleur » et « hors de peine » (v. 10 et 11) ou « heur » / « malheur » (v. 13-14). Le travail de versification met l’accent sur cette inconstance extrême : le passage d’un état à l’autre se fait rapidement, en deux alexandrins. Les vers 12 et 14 en sont un bon exemple : la « joie certaine » est balayée et revient l’état initial, celui de la douleur première. Enfin, l’adverbe « inconstamment », au centre du vers 9, met en valeur l’instabilité du moi amoureux.

HISTOIRE DES ARTS Le sonnet II et les tableaux insistent sur la puissance du regard. Louise Labé exprime l’éclat des yeux, assimilé à un feu qui se propage et enflamme la jeune femme ardente. De même, les peintres ont choisi de présenter leur modèle de trois quarts, ou presque, tournant la tête vers le spectateur. Le regard est alors intense car oblique, pupilles tournées vers nous. C’est une manière de capter notre attention et de retenir notre propre regard.

ÉCRITURE Vers le commentaire Proposition de plan semi-rédigé : La sincérité criante de l’aveu a) une plainte réitérée – L’anaphore (« Ô ») est certes une figure de style dont l’utilisation relève du choix réfléchi.

D’autant qu’il se combine avec un jeu sur la métrique puisque cette anaphore ouvre chaque vers, voire chaque hémistiche. Mais cette interjection évoque aussi le cri, l’exclamation vive et crue, jaillissant spontanément sans que le sujet puisse se contrôler. – De même, la plainte et les larmes n’appartiennent pas au langage articulé. C’est une façon de communiquer qui relève de l’émotion brute et sincère, comme si les sentiments vrais ne pouvaient se dire par le verbe. Le corps et le cœur parlent vrai ; leur langage est fait de cris et de pleurs et non de mots syntaxiquement organisés. Le poème, très travaillé, sert donc d’écrin à une parole authentique. – La répétition du cri, la reprise thématique du motif des larmes et de la plainte, le retour périodique de la modalité exclamative sont des procédés. Mais ces procédés d’insistance sont ici mis au service de l’aveu intime, vécu.

VERS LE BAC Dissertation Proposition de plan : 1) La poésie au risque de la poétisation Pour Éluard, se laisser enfermer dans des formules littéraires, réduire l’écriture amoureuse à des procédés et des jeux rhétoriques constituent la pire des déchéances : le poète perd sa spontanéité. Il s’enferme dans des lieux communs mille fois visités. Ex. 1 : La métaphore du feu pour désigner la passion amoureuse est devenue un lieu commun, une fleur de rhétorique sur laquelle broder. (Voir manuel de l’élève p. 222.) Ex. 2 : La recherche des effets sonores réclame une grande virtuosité. C’est un jeu brillant mais artificiel, qui transforme l’amour en jeu, lui aussi. Le poème de Marbeuf en atteste, qui est davantage l’expression d’un jeu que du je (p. 210). 2) De la contrainte naît le poème Paradoxalement, c’est en s’obligeant à suivre des conventions établies que l’on exprime une vérité cachée. Ex. 1 : Pour Ronsard, l’anagramme est un jeu poétique dévoilant les rapports secrets tissés entre les mots et les choses. Ainsi, a priori nul rapport logique entre le mot « aimer » et le prénom « Marie ». Pourtant, le poète amoureux entend entre ces deux mots des correspondances.



06/09/11 11:52

Entre Marie et l’amour existe un lien, une ressemblance irrationnelle mais vraie selon son cœur. Seuls les jeux de langage peuvent révéler cette vérité étrange, illogique. Le cœur a ses raisons que la raison ne connaît pas… mais que la poésie célèbre. Ex. 2 : Le sonnet par contradiction de Louise Labé pourrait n’être qu’un jeu pétrarquisant. Il permet pourtant de canaliser le flot des sentiments vrais et de les exprimer, en leur donnant forme. Ce que l’on ne peut faire quand on pleure ou que l’on crie. 3) L’invention d’un langage nouveau « En poésie, les mots, ce sont les mêmes et ce ne sont plus les mêmes. » – Ils expriment un rapport au monde inédit : les poètes font sortir la langue de ses lieux communs et rendent aux expressions figées un sens originel et original. (Voir synthèse d’histoire littéraire p. 253.) Ex. : « Qui donc a fait pleurer les saules riverains » : l’expression « saule pleureur » est lexicalisée. Pour lui redonner son sens poétique premier, très imagé, Apollinaire a joué avec un seul mot, sans sortir du cadre métrique de l’alexandrin. – Parfois, le travail sur la langue est plus radical. La volonté des surréalistes est de briser tous les codes, toutes les conventions du langage et de laisser jaillir une parole spontanée. Ainsi, les récits de rêves ou l’écriture automatique ne sont pas seulement de petits jeux poétiques entre amis. C’est une façon de libérer une parole personnelle.

de Ronsard, 4 P.Sonnets pour Hélène, 5 Pétrarque, Canzoniere, ⁄∞‡°

XIVe siècle

C. Monteverdi, Madrigaux guerriers et amoureux, ⁄§‹°

6

P. de Marbeuf, Recueil de vers, ⁄§¤°  p. ¤‚°-¤⁄‚

Les mots de l’amour, l’amour des mots LECTURE DES TEXTES 1. La reprise anaphorique de l’expression « Si c’est aimer », à l’ouverture des trois premiers quatrains, dit bien, par son insistance, le caractère obsédant de l’amour. Le poète s’interdit de « rêver, songer, penser » (v. 2) à personne d’autre qu’à sa Dame. De ce jeu de langage, qui est une convention depuis que Pétrarque a imposé les règles du jeu poétique, découle une définition émouvante de la passion : elle est une inclination exclusive, un état affectif violent pendant lequel l’objet aimé occupe excessivement l’esprit. 2. Des vers 1 à 10, Marbeuf fait entendre la similitude entre la mer et l’amour. Les deux éléments sont associés par un jeu d’homonymie (« mer » / « mère » ; « la mer » / « l’amer ») et de paronomase enrobant ensemble, dans une même pâte sonore, la mer, l’amour et leur point commun, l’amer. Ainsi sont reliés, jusqu’à la confusion, des termes qui se ressemblent d’abord par le son, puis par le sens. Leur analogie secrète, leur correspondance est révélée par les ressources du langage poétique. 3. Les principaux procédés du registre lyrique : – L’importance de la première personne (voir question 4). – L’omniprésence du vocabulaire des émotions. Ex. 1 : « furieux je vous aime / Je vous aime » (v. 14 et 15 du madrigal de Ronsard). Ex. 2 : « je souffre et je pleure » (v. 5, Pétrarque). On remarquera tout particulièrement l’intensité de la blessure d’amour. – Les phrases exclamatives. « Honteux, parlant à vous de confesser mon mal ! » (v.13, Ronsard) – Les procédés d’amplification : « Mon cœur est en tumulte, plein de peine et de colère » (v. 7, Pétrarque) « Ton amour qui me brûle est si fort douloureux / Que j’eusse éteint son feu de la mer de mes larmes » (v. 13-14, Marbeuf) est une hyperbole. 10 Les jeux de l’amour |


171

06/09/11 11:52

Dans le poème de Ronsard, l’intensité paroxystique des sentiments se révèle dans les procédés d’amplification : les adjectifs hyperboliques comme « furieux » (v. 14) accentué par la diérèse, « fatal » (v. 15), « extrême » (v. 10) ou encore par l’accumulation d’infinitifs comme « rester, songer, penser […] oublier […] et ne vouloir » (v. 2-3).

4. Dans le poème de Pétrarque, le poète est seul, enveloppé dans le silence de la nuit, comme le montre le premier quatrain : « le ciel, la terre et le vent se taisent » ; les animaux sont « enfermés dans le sommeil ». Au sein d’une nature calme et tranquille, il peut à loisir songer à l’aimée et s’épancher. Il donne libre cours à ses sentiments douloureux, en disant « je ». Toutefois, la femme aimée n’est pas interpelée. Elle est désignée à la troisième personne du singulier comme « celle qui est la cause » de la douleur. Marbeuf fait un choix différent : après avoir évoqué l’amertume de l’amour de manière impersonnelle, il invoque directement la femme aimée, comme en témoigne l’adjectif possessif à la deuxième personne du singulier : « ton amour ». Le poète avoue son amour, à la première personne, tout à la fin du poème. Ronsard propose un choix énonciatif des plus intéressants. Il a 54 ans quand il rencontre Hélène de Surgères, demoiselle de compagnie de Catherine de Médicis. Elle vient de perdre son amant le capitaine Jacques de la Rivière. La reine invite Ronsard à lui écrire des poèmes pour la consoler. Est-il victime du jeu de l’amour ? Est-il séduit seulement par le jeu poétique qu’on lui propose ? On ne sait. Toujours est-il qu’il s’adresse à sa muse directement, comme le montre l’apostrophe du vers 2, « Madame ». On remarque le vouvoiement et le ton respectueux. Les termes « adorer et servir » en sont un bon exemple et renvoient au lexique du « fin’amor » (amour courtois). Le vocabulaire chevaleresque s’allie à celui de la religion pour idéaliser la dame. Le « moi » du poète apparaît surtout en position objet (« qui me nuit », « me perdre »), jouant le rôle (sincèrement ?) du fou d’amour. Le « je » n’apparaît que deux fois, et seulement à la fin du poème pour dire « je vous aime » (v. 14-15). 5. Dans le madrigal de Ronsard, le champ lexical de la maladie abonde : « langueur » (v. 10), « fièvre » (v. 12), « souffrir » (v. 7) et « furieux », c’est-à-dire pris de folie (v. 14),

montrent la gravité du mal d’amour. La quête amoureuse, en cela dangereuse, mène à la folie. De nombreuses antithèses mettent en exergue le déséquilibre menaçant le sujet : « front joyeux et langueur extrême » (v. 10), « chaud / froid » (v. 12) en sont de bons exemples.

6. Avouer son amour à une femme jeune est difficile car ridicule chez un homme plus âgé. C’est pourquoi les verbes « parler » et « dire » (son amour) sont associés au sentiment de honte et à l’incapacité de s’exprimer avec des mots. Un silence pesant règne alors. On relève « me taire » à la rime du vers 7 et « muette » conclut le poème. L’aveu est ainsi retardé : il faut quatorze vers au poète pour, enfin, écrire ce qu’il ne saurait dire de vive voix. La proposition principale, où l’amour est avoué, est reculée au vers 14. Ce dernier vers est paradoxal : le poète se veut muet, recule l’aveu douloureux autant qu’il le peut mais, ce faisant, il ne fait qu’écrire l’amour. Prolongement Avec les propositions hypothétiques (« Si… »), on voit se déployer une longue apodose (partie ascendante d’une phrase rhétorique) où toutes les souffrances de l’amour sont examinées comme autant de symptômes probables du mal d’amour. Puis, advient une rapide protase (partie descendante) où enfin l’aveu est lâché. Ce déséquilibre savant entre apodose et protase est un procédé dilatoire renforçant la tension. La langue est savante ; l’aveu, travaillé.

HISTOIRE DES ARTS 7. La musique de Monteverdi exalte les mots de Pétrarque en jouant du contraste entre le calme de la nature et les tourments de l’amant. En effet, le premier quatrain évoquant la tranquillité de la nuit est chanté sur un tempo très lent, tout en retenue. À l’inverse, le second quatrain, qui confesse les déchirements de l’amour, est vif, rapide. Le rythme détache et scande la série des verbes à la première personne (« veglio, penso, ardo, piango ») relatant la guerre intérieure animant le sujet. La polyphonie s’enrichit : certains accords sont chargés de tension avant d’être résolus et apaisés. 8. Matisse, grand mélomane, a cherché à peindre la musique. Dans cette œuvre, deux femmes sont représentées. L’une, en guitariste,



06/09/11 11:52

est la source même du lyrisme. L’instrument qui lui est associé, à la croisée des lignes de tiers, attire le regard. L’autre personnage écoute calmement. Au premier plan, une partition ouverte fait office de trait d’union entre elles. Les autres objets représentés placent l’association femme / musique sous le signe de l’harmonie. La régularité des feuilles à l’arrière-plan et les motifs des tapis présentent une structure organisée mais ouverte. De même, la gaieté des couleurs et leur répartition bien pensée confère à l’ensemble joie et équilibre. Seules quelques ruptures dans les proportions (le pied de la musicienne, par exemple) introduisent une discordance légère.

VERS LE BAC Oral (entretien) Il s’agit de redéployer les réponses aux questions. Ainsi, l’élève s’entraîne efficacement aux oraux du bac, où il doit reconfigurer ses connaissances pour être en phase avec la problématique proposée. 1) Le plaisir d’écrire Voir questions 1 et 2. 2) Le poète se laisse-t-il prendre au jeu de l’amour ? a) Souffrance et passion Voir questions 5 et 6. b) L’amour, sincère ou non, est assurément la source du lyrisme personnel. On entend une voix unique et singulière. Voir question 4 puis 3.

Commentaire Il s’agit de réutiliser les réponses aux questions. 1) Le lyrisme de la souffrance a) Une situation d’énonciation douloureuse Voir questions 4 puis 3. b) Les symptômes du mal d’amour Voir question 5. 2) La difficulté de l’aveu a) Un aveu différé Voir question 6. b) L’art de la prétérition

‡

V. Voiture, Poésies, ⁄§›·  p. ¤⁄⁄

La recette de l’amour LECTURE DU TEXTE 1. Le rondeau est d’abord une danse, une ronde, d’où son nom. Devenu poème, il repose toujours sur le principe de la boucle : un même vers revient comme un refrain (ou clausule). Dans le poème de Voiture, le refrain « Ma foi, c’est fait de moi » ouvre le poème. Il est repris à la fin des strophes 2 et 3 de manière tronquée : « Ma foi, c’est fait ! » À l’Âge classique, le rondeau se codifie : il est composé de treize vers de même mesure, partagés en trois strophes comptant respectivement cinq, trois et cinq vers. Le poète, au vers 6, souligne qu’il suit bien la règle du jeu puisqu’il est parvenu à assembler une première strophe de cinq vers : « En voilà cinq pourtant en un monceau ». De même, les vers 10 et 11 annoncent la dernière strophe, qui comptera bien sûr « cinq vers ». Enfin, le rondeau comporte deux rimes, huit féminines et cinq masculines ou huit masculines et cinq féminines. Ce principe est rappelé au vers 4 : « Quoi ! Treize vers, huit en eau, cinq en ême ! ». 2. Le poète explique négligemment comment séduire une belle : accéder à ses caprices, en lui écrivant un poème d’amour par exemple. C’est un exercice technique, entre badinage et pensum, où n’entre pas le sentiment mais le savoir-faire cynique. Le terme de « stratagème » (v. 8), placé à la rime, dit assez bien les ruses du jeu de la séduction. 3. Le rondeau compte trois parties, constituées chacune de trois strophes inégales. La première strophe pourrait s’intituler : « le défi lancé par Isabeau », la seconde : « le stratagème » et la dernière : « un rondeau rondement mené ». Le principe de progression est simple : chaque vers explique comment le poète tire à la ligne. Il ne dit rien d’autre que la nécessité d’aligner des mots vides pour se sortir du guêpier. Ce faisant, le rondeau avance. Si le refrain est repris, c’est avec une modification pleine d’humour : constatant son succès, le poète passe du désespoir drolatique (« c’est fait de moi !) au contentement de soi : « c’est fait ! ». 10 Les jeux de l’amour |


173

06/09/11 11:52

4. Le jeu de l’amour et de la poésie ne doit rien au hasard : il suppose de respecter des règles vécues comme des contraintes. Respecter la rime en eau et en ême est la plus difficile, comme le montre l’interjection et la double exclamation du vers 4. D’ailleurs, tout au long du poème, le soupirant d’Isabeau compte un à un les vers qu’il forge péniblement en suivant cette convention vécue comme une « peine extrême » (v. 3). C’est là que réside l’humour du poème – à défaut d’amour !

VERS LE BAC Invention Pour guider les élèves, on peut les inviter à trouver au brouillon trois raisons pour lesquelles « ce n’est pas fait ». Elles constitueront les trois paragraphes de la lettre. On peut aussi leur demander de rappeler, sous forme de tableau écrit au brouillon, les règles d’écriture de la lettre. Autre piste : Cet exercice peut aussi être l’occasion de mettre le texte de Voiture en perspective. À l’âge baroque, la poésie raffinée, comme celle de Voiture, incarne la préciosité. On peut faire d’Isabeau une précieuse, amusée ou vexée par l’humour du rondeau. Elle rappellera, qu’à son origine, la préciosité est un idéal de raffinement auquel aspirent hommes et femmes. Le langage choisi n’est pas pure virtuosité : il exprime aussi la subtilité des sentiments, leur élévation. Les jeux de l’amour et de la poésie invitent à une communion des esprits qui rejette la sensualité vulgaire. Pour parvenir à ses fins, l’amant doit suivre un itinéraire symbolique, avec des épreuves à prendre au sérieux, même si les mots pour le dire sont pleins d’esprit.

°

Paul Éluard, Capitale de la douleur, ⁄·¤§  p. ¤⁄¤-¤⁄‹

Un blason de l’œil surréaliste LECTURE DES TEXTES 1. Le poème s’inscrit dans la tradition du blason, genre poétique en vogue au XVIe siècle. Destiné à faire l’éloge d’une partie du corps féminin, il met ici en valeur l’œil de la femme aimée. Tout

le poème est en effet gouverné par la force d’une image insolite : la forme circulaire de l’œil. La « courbe de tes yeux » fait écho à des expressions appartenant au même champ lexical et proposant des sonorités proches : les yeux ont la forme d’un « berceau » ou d’une « auréole » faisant le « tour de mon cœur » et traçant un « rond de danse et douceur ». Cette ronde est pleine de vie ; le sang du poète y palpite, comme le montre la chute du poème : « Et tout mon sang coule dans leurs regards ». Enfin, on remarque que le dernier mot du texte est « regards ». Ainsi, le poème lui-même à la forme d’une boucle, d’une ronde, commençant et s’achevant par le même motif.

2. Le cercle qui se dessine ainsi avec une grande cohérence sémantique et sonore enclot le cœur du poète et toutes les choses du monde. Les deux dernières strophes, constituées d’une longue énumération, célèbre leur beauté en une série de groupes nominaux empreints de douceur : « feuilles du jour et mousse de rosée, / Roseaux du vent, sourires parfumés ». Les paronymes « rosée » / « roseaux » montrent que, bien tenus ensemble sous le regard de la femme, les choses se mêlent et se confondent harmonieusement. 3. Le mouvement d’élargissement est rendu sensible par l’amplification : les deuxième et troisième strophes ne forment qu’une longue phrase, englobant progressivement dans sa syntaxe tous les éléments du monde. Cet élargissement est spatial : feuilles, mousse, roseaux, ailes puis bateaux, ciel, mer et astres sont successivement captés par le regard. L’élargissement est aussi temporel, comme le suggère le groupe nominal « Auréole du temps » (v. 3). C’est comme si la femme était la source d’un temps nouveau, comme si être regardé par une femme aimante était synonyme de nouvelle naissance. C’est ainsi que se comprend l’image du « berceau nocturne et sûr » : l’œil est le gardien d’une nouvelle origine. Tout ce qui a été vécu avant elle a disparu de la mémoire (v. 4 et 5). Cesser d’être regardé serait aussi synonyme d’oubli. C’est pourquoi « le monde entier dépend de tes yeux purs ». Cette abolition des limites temporelles et spatiales est surréaliste : on bascule dans une surréalité, où la perception du temps et de l’espace diffère.



06/09/11 11:52

4. Erratum : une erreur s’est glissée dans l’édition 1 du manuel de l’élève, dans la consigne, il faut lire « les images des deux textes » et non « les images de la deuxième strophe ». Les poèmes célèbrent les yeux et la bouche de l’être aimé. Ainsi, dans la deuxième strophe (texte A), les éléments du cosmos renvoient par métaphore aux yeux ou à la bouche qui regarde et sourit au monde : les « ailes couvrant le monde de lumière » peuvent désigner les oiseaux mais aussi les paupières de la muse ; les « bateaux », puisqu’ils reflètent le ciel et la mer (v. 9) et sont « sources des couleurs » (v. 10), sont ses yeux. De même, les « sourires parfumés » (v. 7) évoquent sa bouche. Ainsi, une fusion heureuse s’opère entre ce qui est regardé et celle qui regarde. Le texte B reprend la même association et les mêmes métaphores que le texte A pour célébrer le visage de la femme aimée. « L’éventail de sa bouche, le reflet de ses yeux » déploient la même forme circulaire. Le poète, encerclé, se dit alors « cerné » (v. 3). Grâce à l’image du miroir, au vers 4, femme et nature se reflètent l’une l’autre, en un jeu de correspondances reliant la muse et le cosmos. Ainsi, la mer, le ciel, les astres et les nuages se mêlent au corps de la femme (ils lui disent « sur moi », au vers 8) ; ils pensent à elle, la créent autant que la femme les fait naître à eux-mêmes. On peut citer le vers 9 : « Les astres te devinent, les nuages t’imaginent ». 5. Le champ lexical du chant et celui de la joie se mêlent pour exprimer le pur bonheur de célébrer la femme aimée et, plus largement, l’amour qui fait renaître à la vie. On peut relever les vers 13-14, dont le rythme ample repose sur un jeu de reprise insistant sur le sentiment d’exulter : « Je chante la grande joie de te chanter, / la grande joie de t’avoir ou de ne pas t’avoir ». Le vers 18 est fondé lui aussi sur la répétition : renouant avec la cadence de l’alexandrin, le poète place le verbe « chanter » à l’hémistiche et à la rime. Le COD du verbe est rejeté au vers suivant et cet enjambement met en valeur son mot-clé : l’amour. 6. Les deux poèmes mettent en avant les courbes du corps féminin : « la courbe de tes yeux » du premier texte fait écho à « l’éventail de sa bouche » du deuxième texte. Elles dessinent un corps d’amante voluptueuse, séductrice, mais

aussi de mère capable d’enfanter. En effet, quand on regarde le monde avec les « yeux purs » de la femme aimante, avec sa fraîcheur et son « innocence », c’est comme si on le voyait pour la première fois, comme si on assistait à une nouvelle Genèse. Quant au poète, il oublie ce qu’il a vécu avant elle (« Et si je ne sais plus tout ce que j’ai vécu / C’est que tes yeux ne m’ont pas toujours vu ») et entame une nouvelle vie. La femme, divinité maternelle rêvée ou fantasmée, lui offre une nouvelle naissance. Ainsi, il peut chanter avec sacralité « le mystère où l’amour [l]e crée » (texte B, v. 19). L’union amoureuse le révèle à lui-même : parce qu’elle réunit en son sein le monde entier, la femme incarne le rêve d’unité surréaliste.

HISTOIRE DES ARTS L’œuvre de Wanda Wulz est un photomontage superposant un visage de femme et celui d’un chat. Elle crée ainsi une créature chimérique, mettant en valeur le caractère félin de la féminité. L’artiste perturbe les processus traditionnels de la représentation et permet d’atteindre dans l’art la complexité et l’ambiguïté du réel.

VERS LE BAC Oral (entretien) Proposition de plan : 1) « La courbe de tes yeux » a) Une image insolite : voir question 1 b) Une ronde autour du monde : voir question 2 c) Amplification et élargissement : voir question 3 2) Genèse d’un poème a) Une femme maternelle : voir question 6 b) La renaissance du monde et du poète, vivifié par l’amour de la femme : voir questions 4 et 5 c) La naissance joyeuse du poème : voir question 5

Invention Pour fertiliser l’imagination des élèves, on peut leur faire découvrir ceux de Clément Marot, Isaac de Benserade (« Éloge de la bouche », manuel de l’élève p. 498), Louise Labé (manuel p. 206), Brassens ou Breton (« Union Libre », par exemple). On peut ensuite guider les élèves : – en leur suggérant de choisir, comme Éluard, une image structurante, inspirée par les formes, les lignes du corps féminin. 10 Les jeux de l’amour |


175

06/09/11 11:52

– en insistant sur la structure du poème, qui met en valeur un fragment du corps féminin, observé en détail. Chaque détail engendre une image, sur le principe de la déclinaison. – en leur proposant de s’inspirer des textes et de l’image pour découvrir le fonctionnement de l’image surréaliste : les métaphores animales, végétales, minérales audacieuses font du corps féminin rêvé par le poète une chimère. Cette « union libre » (Breton) du comparant et du comparé fait du corps un assemblage de trésors disparates.

Prolongement On peut prolonger l’exploration des jeux surréalistes en analysant des représentations picturales (comme « Primat de la matière sur la pensée » de Man Ray) ou littéraires (« Êtes-vous fous ? » de René Crevel ou « Lettera amorosa » de René Char, manuel p. 221). On peut aussi se référer au manuel de Seconde.

JOUER AVEC L’ABSENCE

·

P. de Ronsard, Second Livre des Amours, ⁄∞‡°  p. ¤⁄›-¤⁄∞

Les promesses d’un nom LECTURE DU TEXTE A 1. Cassandre Salviati : En avril 1545, Ronsard rencontre Cassandre Salviati, fille d’un banquier italien, lors d’une fête donnée à la cour de Blois. Il a vingt ans, elle en a treize. Deux jours après, elle quitte Blois. Ronsard ne cessera de proclamer son amour platonique pour celle qu’il ne reverra pas mais dont les traits se confondent avec ceux d’autres jeunes filles, désignées par le prénom générique « Cassandre ». Marie Dupin : En 1555, Ronsard tombe amoureux d’une « fleur angevine de quinze ans », Marie Dupin. Cette jeune paysanne le fait renoncer à la poésie pétrarquiste que lui inspirait « Cassandre ». Pour Marie, il explore une autre

veine poétique, composant des poèmes simples et clairs. Précisons que Le Second livre des Amours, dont est extrait « Sur la mort de Marie », est né d’une double inspiration. Marie de Clèves, la maîtresse du roi, vient de mourir et les poètes de la Cour lui dédient un « tombeau » (un recueil d’éloges). Ronsard participe à la composition du recueil collectif : il célèbre en même temps Marie de Clèves et « sa » Marie, morte bien avant. Poésie de commande et poésie intime se mêlent donc pour inventer le portrait d’un autre type de femme idéale, fécondant une autre poésie. Hélène de Surgères : Ronsard a cinquante-quatre ans quand il rencontre Hélène de Surgères, une des jeunes femmes de la Cour. Elle vient de perdre, au cours de la guerre civile, le capitaine Jacques de La Rivière, son amant. La reine Catherine de Médicis lui demande d’écrire pour consoler la jeune fille. Il compose pour elle des poèmes éblouissants et d’une rare intensité, sans que l’on puisse dire si les sentiments exprimés sont inspirés par cette Hélène, une autre femme, ou l’amour de l’écriture. Peu importe : chacun peut entendre, dans la voix poétique qui s’élève, les accents de la passion qu’il a lui-même éprouvée ou rêve de ressentir. « Carpe diem » est une expression latine attribuée à Horace signifiant « cueille le jour ». Cette maxime épicurienne déplore la fuite du temps et invite à savourer l’instant présent. Elle est reprise par les poètes de la Pléiade et plus précisément par Ronsard, qui l’illustre à travers le thème de la rose. Ici, « Sur la mort de Marie » évoque la brièveté de la vie : Marie a vécu ce que vivent les roses, l’espace d’un instant. Il faut donc savoir profiter de sa beauté et de sa jeunesse, comme en témoigne le premier poème, avant que la vieillesse et la mort n’arrivent.

2. La volupté de l’amour est désignée par une hyperbole signifiante : elle est « la douceur des douceurs la meilleure » (la meilleure douceur de toutes les douceurs). L’enjambement du vers 11 à 12 met en valeur le verbe « goûter », invitation implicite à savourer les plaisirs amoureux. 3. Le poète conjure Marie de l’aimer : « aimezmoi donc, Marie ». Pour l’en convaincre, son plaidoyer compte trois arguments : a) « Marie » est l’anagramme d’« aimer » : « Marie, qui voudrait votre beau nom tourner / Il trouverait Aimer » (v. 1-2). Se tourner vers le



06/09/11 11:52

poète serait accomplir un programme, un destin inscrit dans son nom : « Faites cela vers moi dont votre nom vous prie ». b) Ensuite, il lui garantit que « [son] amour ne se peut en meilleur lieu donner » car il lui jure fidélité. Il s’agit d’une fidélité réciproque, ce qui rend le couple exemplaire : « jamais nulle envie / D’aimer en autre lieu ne nous pourra mener » (v. 7-8). Le pronom « nous », plusieurs fois répété, ainsi que l’expression « l’un l’autre » insistent sur cet idéal de réciprocité. c) Le troisième argument est une pétition de principe : on ne peut vivre sans amour. « Si (ainsi donc) faut-il bien aimer au monde quelque chose ». Et ce « quelque chose », ce sera le poète.

4. Le premier tercet présente habilement l’amour comme ce qui rend pleinement humain. La diérèse sur « bien » met le mot en valeur, renforçant l’idée qu’il exprime, à savoir la nécessité de l’amour. Ne pas aimer, c’est se comporter en barbare, condamné à vivre sans goûter la douceur des choses. Ronsard propose une « analogie inspiratrice » (Proust) pour le faire comprendre à Marie. Il assimile « celui qui n’aime point » au Scythe, sauvage au cœur dur incarnant aux yeux des Grecs la cruauté inhumaine. 5. Le dernier mot est « trépasser » : plutôt mourir que de vivre sans amour ! Cette pointe est amenée par la volte du vers 13, constatant qu’il n’existe pas de douceur sans Vénus, nom désignant par métonymie l’amour que la déesse inspire. 6. Mêlant lyrisme et argumentation, ce sonnet commence par un jeu de mots plaisant : le prénom Marie, qui contient le verbe « aimer », est une invitation à l’amour. Mais si le poème prend sa source dans un jeu anagrammatique qui rappelle les divertissements littéraires en vogue à la Cour, il s’approfondit en réflexion sur le sens de la vie. Le questionnement est bien présent : « Qu’est-il rien de doux sans Vénus ? » Rien, assurément, comme l’affirme le vers 14, traduction littérale d’un vers de Stobée. La conquête amoureuse n’est alors plus seulement un jeu mais une quête de sens, une question de vie ou de mort. Cette quête prendra fin tragiquement avec la mort de Marie, donnant naissance à de poignantes élégies dont le texte B est un pathétique exemple.

7. Le sonnet tout entier est une comparaison assimilant Marie à une fragile rose de mai. Les deux quatrains, première partie de la comparaison introduite par « comme », évoquent une fleur mourant sitôt éclose. Les deux tercets, commençant par « ainsi », constituent la seconde partie de la comparaison et donnent la clé du poème : la rose n’est autre que Marie, fauchée dans la fleur de l’âge. Rétrospectivement, on ressent la portée pathétique des quatrains. La « belle jeunesse », la « première fleur » de la rose (v. 2) sont celles de la jeune fille en fleur, morte en sa « première et jeune nouveauté » (v. 9). La rose et Marie auront partagé la même beauté vulnérable. Sur ce point, le vers 3 évoque une rose rendant « le ciel jaloux de sa vive couleur », de sa beauté ; il a pour écho le vers 10, consacré à Marie. (« Quand la terre et le ciel honoraient ta beauté. ») Le même jeu d’échos se tisse tout au long du poème. Le vers 8, lent alexandrin évoquant la fatale défloraison de la rose, résonne avec le vers 11, adressé à la jeune femme : « La Parque t’a tuée, et cendre tu reposes. » Enfin, le dernier vers du poème consomme la métamorphose de Marie en rose. Son corps, disparaissant sous les fleurs et embaumé par les mots du poème, devient rose parmi les roses. Marie est devenue « l’absente de tous bouquets » (Mallarmé). 8. Les deux poèmes chantent Marie, la jeune paysanne aimée et perdue. Mais ils ouvrent aussi sur une généralisation. Le premier sonnet (p. 214) propose un questionnement sur le vide d’une vie sans amour. Dans le second (p. 215), Marie disparaît sous les roses et les mots pour laisser place à une réflexion sur la brièveté de la vie et le pouvoir de la poésie, qui chante encore quand la femme et le poète sont morts.

HISTOIRE DES ARTS Vinci peint une jeune femme sereine et grave. Ses vêtements d’apparat lui donnent une certaine raideur. Mais ses joues pleines, éclairées par une lumière rosée, son regard calme qui nous effleure à peine, ses traits réguliers et tranquilles caractérisent sa beauté délicate, rehaussée par le fin bijou qui ceint son front et que l’on nomme une « ferronnière ». Les traits du visage semblent émerger dans un jeu d’ombre et de lumière, ce qui lui confère une grande douceur, annonçant La Joconde. 10 Les jeux de l’amour |


177

06/09/11 11:52

VERS LE BAC Invention Cet exercice suppose de bien connaître les caractéristiques du genre épistolaire. Il invite aussi à réinvestir un des thèmes de la séquence : le jeu avec le langage. Ici, le prénom « Délie » peut donner naissance à des jeux de mot signifiants, à des paronomases (Délie-délier-délire), à une homonymie (Délie, délie), à des anagrammes (Délie / élide), etc. Faire lire ces productions à haute voix peut être un exercice de virelangue intéressant.

Commentaire Le commentaire peut reprendre les trois axes du questionnaire. Chaque paragraphe peut être constitué par la réponse à une de ses questions.

Paul Verlaine, Poèmes Saturniens,

⁄‚ Paul Verlaine, ⁄⁄ Parallèlement, ⁄°§§

⁄°°·  p. ¤⁄§-¤⁄‡

Entre présence et absence LECTURE DES TEXTES 1. Le poème se présente comme un récit de rêve. Il entraîne le lecteur dans un monde onirique, tissé de mystère sur l’identité de la jeune muse disparue. 2. La femme au centre de cette évocation élégiaque est davantage une Muse idéale qu’une femme de chair et de sang. Le caractère changeant de son identité (v. 3-4), l’indécision caractérisant la couleur de ses cheveux ou l’oubli de son nom (voir tercets) en témoignent. Classiquement, elle inspire le poète, qui fait d’elle l’objet de son sonnet. Elle est aussi très proche du créateur, présenté ici avec des accents baudelairiens. Le poète maudit, incompris de tous, fait rimer « problème » et « front blême »

et « elle seule » (expression mise en valeur par la répétition en début de vers) qui peut comprendre les affres de la création, avec une tendresse de maîtresse et de mère. La répétition du syntagme « me comprend » / « car elle me comprend », à la fin du vers 4 et au début du vers 5, souligne son empathie, faite d’amour et de douceur. Son égérie imaginaire vit avec lui dans la transparence des cœurs (v. 5), dans la communion des pleurs (v. 8 : « en pleurant »). Cette communication cœur à cœur est ce que vise Verlaine en poésie et sa muse l’exprime. Donner forme à un idéal poétique est une des fonctions traditionnelles de la Muse.

3. La ponctuation du vers 13 ainsi que la reprise de la conjonction « et » détachent chacun des adjectifs caractérisant la voix de la femme. Ces pauses fortes et les assonances en [a] donnent l’impression que le souvenir émerge au fur et à mesure des brumes de l’oubli. 4. Le nom de la jeune femme évoque celui des défunts, comme le suggère la comparaison déployée sur les vers 10 et 11. De même, au vers 12, l’outil de comparaison « pareil au » associe le regard de la femme à celui des statues, remarquable par leur fixité. Enfin, une troisième comparaison achève d’assimiler la muse idéale à une morte : sa voix « lointaine […] a l’inflexion des voix chères qui se sont tues ». L’effet de chute apporté par le dernier mot (« tues ») confirme ce que le lecteur pressentait : la jeune femme a disparu. 5. La réciprocité et la fusion des sentiments sont mises en valeur par la reprise du verbe « aimer ». « Et que j’aime, et qui m’aime » (v. 2) est un bon exemple : parallélisme de construction, ponctuation expressive et jeu sur les pronoms montrent la circularité des sentiments. On remarque aussi que le verbe est frappé de l’accent, ce qui le fait ressortir. D’autant qu’« aime » revient au vers 4 (« et m’aime ») et entre en homonymie avec « même », placé à la rime du vers 3. 6. Le travail des rythmes et sonorités sublime la douceur de la femme vue en songe. Les jeux de reprises font du poème une pâte sonore homogène, lisse. Assonances et allitérations accompagnent ainsi les répétitions de termes. Dans la première strophe, par exemple, le son [e] s’entend neuf fois (« étrange », « pénétrant », « et » repris six fois) ; autant que le son [ε] (« fais »,



06/09/11 11:52

rêve », « aime », « est », « fait »). On peut faire la même remarque sur les trois mots en [ɑ˜] du vers 1, frappés de l’accent pour donner naissance à un alexandrin bien cadencé (4/4/4). Ce rythme berce le lecteur, enveloppe la femme de douceur. Notons que la musique de Verlaine est subtile. Les alexandrins réguliers alternent avec des rythmes impairs, « plus légers, plus solubles dans l’air ». Le vers 7 en est un bon exemple (3/9).

7. Le « charme » est d’abord une incantation magique. Puis, il désigne le sortilège lui-même. Ici, répétitions des rythmes et des sonorités, subtiles discordances au sein de cadences parfaites créent un effet d’envoûtement triste. La distribution des pauses, par exemple au vers 13, rend le vers très musical, propice en cela au thème élégiaque de la femme disparue et chantée. Ainsi naît une poésie douce et triste, déplorant (« hélas ! ») mais consolant par la musique et le chant. Et on pourrait conclure en citant Verlaine lui-même : cette musique « berce mon cœur / d’une langueur monotone ». 8. Sont présents les champs lexicaux de la lune, de la mélancolie saturnienne et de la musique. Ils renvoient à des éléments-clés de la poétique verlainienne, ici exposée comme tissée de thèmes poétiques devenus des clichés un peu usés et faciles. La première strophe est placée sous le signe de la lune. On relève « nocturne », « clair de la lune » et le jeu sur l’homonymie « l’une après l’une ». « Le clair de la lune » renvoie à un poème des Fêtes galantes, recueil distillant une atmosphère nostalgique, subtilement triste, comme les personnages masqués jouant aux jeux de l’amour sur les tableaux de Watteau. L’allusion au « masque » (v. 2) renforce cette hypothèse. L’expression « enfant de Saturne » appartient, quant à elle, au champ lexical du « poète maudit », habité par une mélancolie bien plus sombre, incompris de tous (sauf d’une femme, imaginaire et morte). L’expression se trouve dans Jadis et naguère. Enfin, pour enchanter cette tristesse douce ou profonde, Verlaine veut « de la musique avant toute chose » : la seconde strophe illustre cet aspect de sa poétique, par un jeu d’intertextualité avec l’ensemble de son œuvre. Ainsi, Romances sans parole est le titre d’un recueil de 1878. Le champ lexical de la musique, très présent, insiste sur la douceur presque excessive du

vers verlainien, presque « fadasse » (v. 7). Au « clair de la lune » est aussi le titre d’une chanson enfantine, trop facile et chantée jusqu’à l’écœurement. Mais la douceur abrite la dissonance. En elle, se loge « un accord discord ». Un vers de 9 syllabes s’est glissé parmi les octosyllabes de ces deux strophes, apportant sa discordance. Le lecteur trouvera-t-il ce qu’en musique on nomme « diabolus in musica » : un accord dissonant ? Il surprend, en glissant dans l’harmonie une tension inattendue. Passe alors « le son, le frisson ». Verlaine sait bien faire tout cela. Il joue avec sa propre poétique et il le sait. « J’assume », dit-il au vers 2. Mais cette subtile autodérision renforce encore la mélancolie du poème.

9. Un tombeau est un discours ou un poème prononcé pour faire l’éloge d’un défunt. Verlaine érige un tombeau à sa propre mémoire, à sa propre poésie, qu’il considère comme devenue un peu morte, un peu embaumée, à force de reprendre les mêmes thèmes et les mêmes procédés.

HISTOIRE DES ARTS Le poème et la statue ont en commun le thème du rêve. Le visage paisible de La Muse endormie est plongé dans le sommeil, yeux clos sur son univers intérieur. L’expression du visage apparaît à peine et semble se diluer dans la forme ovale de la tête. On ne sait si les traits vont définitivement disparaître ou affleurer, tant la main de l’artiste s’est faite légère. Enfin, comme dans le poème, une sensibilité d’une extrême douceur marque la surface de la bouche, des yeux, des cheveux.

ÉCRITURE Vers le commentaire Introduction Les premiers poèmes de Verlaine, placés sous le signe de Saturne, sont marqués par la mélancolie et la tristesse. Dans « Mon rêve familier », Verlaine pleure un passé imaginé et reconstruit, où il vivait en parfaite harmonie avec une femme singulière, à la fois muse, mère et amante. Ce passé révolu, davantage rêvé que véritablement vécu, est ici évoqué en un chant élégiaque. La musicalité du vers enchante et atténue la tristesse de la perte et confère aux réminiscences une douceur non pareille. Ainsi, « de la musique 10 Les jeux de l’amour |


179

06/09/11 11:52

avant toute chose » devient le mot d’ordre de son sonnet : développant le sens du mystère et de la suggestion, la musicalité des vers berce la douleur de la séparation et de l’éloignement. « Mon rêve familier » donne à entendre le caractère envoûtant de ses reprises sonores. Elles mettent l’accent sur l’incertitude qui accompagne ce portrait d’une femme entrevue en rêve : c’est un nouveau genre de poème d’amour dont la destinataire reste insaisissable. 1) Une muse entre présence et absence a) La femme insaisissable b) Une muse idéale c) L’ombre du deuil et de la séparation 2) Une élégie au charme incantatoire a) Les effets de reprises b) Douceur et langueur

VERS LE BAC Invention Pour guider les élèves, on peut leur demander de donner les trois mots-clés qui ont motivé leur choix artistique. Pour les trouver, ils s’appuieront sur leurs émotions, leur ressenti. Ces trois mots-clés seront explorés : quelles connotations y sont attachées ? Quelles analogies évoquent-ils ? À quelles images font-ils penser ? Puis, étoffés chacun par un champ lexical comprenant des épithètes homériques, des adjectifs rares, des compléments du nom imagés, etc. Un souci particulier sera porté au travail des sonorités : la poésie est fille de Mnémosyne, dit la légende grecque. Et pour se souvenir, la scansion et la répétition sont essentielles. Ainsi, l’anaphore, les parallélismes de constructions, les allitérations et les assonances, les rimes internes n’ont pas seulement un effet décoratif. Ils font partie de la langue poétique. C’est autour de ces trois points d’ancrage que se déploieront les trois paragraphes de leur ode à la beauté ou au mystère féminin.

Ch. Baudelaire, Les Fleurs du mal,

⁄¤ Ch. Baudelaire, ⁄‹ Petits Poèmes en prose, ⁄°§⁄

⁄°§‹

 p. ¤⁄°-¤⁄·

Beauté en fuite LECTURE DES TEXTES 1. Apparition d’une inconnue / Coup de foudre / Disparition / Adieu définitif 2. Le poème s’ouvre sur le bruit du monde, donné à entendre dans une seule phrase, sonore et saccadée. C’est sur fond de tumulte moderne que la jeune femme fait son éphémère apparition, au vers 2. C’est un vrai coup de théâtre, tant est grand le contraste entre elle et la rue. Le choix du passé simple, temps de l’action soudaine et ponctuelle, (« passa » v. 3) rend sensible cet effet de rupture, ainsi que le changement de rythme. La présentation de la jeune femme s’étale en effet sur plusieurs vers, plusieurs strophes même, dans un long enjambement. On relève l’amplitude grandissante des groupes de mots : après deux adjectifs brefs, on relève « en grand deuil » (3) puis « douleur majestueuse » (6) et « d’une main fastueuse » (6). Les deux diérèses allongent encore le vers, rendant sensible la démarche particulière d’une femme singulière. 3. Le poème en prose met l’accent sur la fugacité de la rencontre. En effet, la comparaison du « voyageur emporté dans la nuit », inspirée par la modernité des gares et des trains, rend sensible la rapidité de celle « qui a fui si vite » (l. 2). L’intensité de cette brève rencontre s’exprime à travers la métaphore convenue du coup de foudre. Toutefois, l’image ancienne retrouve sa portée poétique car elle est prise au pied de la lettre : le regard de l’inconnue est un orage éclatant brutalement, sur fond de ténèbres. « Son regard illumine comme l’éclair : c’est une explosion dans les ténèbres » (l. 7-8). Le troisième paragraphe reprend l’image de l’orage : la femme est comparée à une lune arrachée à une « nuit orageuse et bousculée ». La dangerosité de la



06/09/11 11:52

séductrice semble alors renforcer le charme de la rencontre. Prolongement On peut faire le parallèle avec le vers 9 du texte 12 : « Un éclair… puis la nuit » : la même image fait naître la poésie. Elle est ici plus ramassée. L’ellipse du verbe au profit des points de suspension accélère le rythme et densifie le propos.

4. Les amants séparés se reverront « ailleurs », mot lancé en tête de vers et frappé de l’accent. Ce lieu – ou plutôt ce non lieu – se situe hors de portée, comme le décline la fin du vers 12, martelé d’une ponctuation expressive. « Bien loin d’ici » met l’accent sur l’éloignement géographique ; le second hémistiche, constitué de « trop tard ! jamais peutêtre ! », sur l’éloignement temporel. La question venant clore le premier tercet propose une amorce de réponse : peut-être les deux amants se reverront-ils dans la mort, dans « l’éternité ». 5. La passante du sonnet est sensuelle car en mouvement. Ainsi, le premier mot de la deuxième strophe est « agile », situé à une place forte du vers et mis en valeur par l’enjambement. On relève aussi deux verbes de mouvement : « soulevant, balançant le feston et l’ourlet ». La rime interne en [ɑ ˜], le rythme ternaire et le participe présent mettent en valeur la souplesse du corps ondoyant. Avec séduction, elle sait jouer avec son vêtement pour dévoiler sa jambe avec un érotisme discret. Pourtant, il s’agit d’une « jambe de statue », ce qui, de manière oxymorique, révèle une froideur splendide. Les adjectifs « noble », « majestueuse » et « fastueuse », pris dans un rythme ample et grave, la présentent aussi comme altière. La mention du deuil achève de donner à la scène sa froideur. La même contradiction se retrouve dans « Le désir de peindre ». Si elle est belle, c’est parce qu’elle est à la fois sensuelle et glaciale. « L’explosion », « l’éclair », la danse frénétique et ensorcelée renvoient à une sensualité lourde, menaçante. Le noir et la nuit confèrent une tonalité plus froide. S’esquisse ainsi le portrait fugace d’une femme idéale, alliant la beauté éternelle des statues à la féminité sensuelle et mouvante. Prolongement La passante baudelairienne est une vivante incarnation de la beauté moderne, qui saisit l’éternel dans le transitoire.

6. L’oxymore « soleil noir » est frappant. L’image sert de matrice à la description comparant la jeune femme à un astre inédit. Il verse en effet « la lumière et le bonheur » aussi bien que « le noir », « les ténèbres » où éclate l’orage. Il est associé à « lune arrachée du ciel », « sinistre et enivrante », invoquée par les sorcières de Thessalie pour que s’accomplissent leurs sortilèges amoureux. 7. La question renvoie chaque élève à sa sensibilité. À lui de s’appuyer sur sa lecture, sur les questions pour formuler en mots ce qu’il a pu ressentir et, ensuite, défendre ses émotions.

HISTOIRE DES ARTS Le charme de cette passante tient à sa beauté en fuite : elle semble en mouvement, marchant vers le spectateur. Elle ne cherche pas la rencontre, bien au contraire. À demie dissimulée derrière son chapeau et son col de fourrure luxueusement remonté, elle ne regarde personne. Son regard évite le spectateur, glissant obliquement vers la droite. Le spectateur ne capte qu’un bref aperçu, un éclat de cheveux roux s’échappant du chapeau, avant qu’elle ne disparaisse, transitoire beauté moderne.

VERS LE BAC Invention On peut inviter les élèves à s’appuyer sur le questionnaire pour réussir cet exercice de transposition. La question 2 permet de comprendre la violence de l’apparition, la question 3 s’interroge sur les images qui expriment l’intensité de cette brève rencontre. Les élèves peuvent ensuite se les approprier.

Oral (entretien) La femme baudelairienne, parce qu’elle incarne la réconciliation des contraires, offre une image de cet « ailleurs » que le poète souhaite atteindre. Elle en est une secrète correspondance. Ce constat peut servir d’axe à une explication suivant le plan suivant : 1) Une femme froide et sensuelle 2) Qui force à désirer l’ailleurs, dont elle est la fugitive et intense préfiguration 3) Avec un désir violent (analyse du deuxième quatrain) 10 Les jeux de l’amour |


181

06/09/11 11:52

⁄›

G. Apollinaire, Poèmes à Lou, ⁄·∞∞  p. ¤¤‚

Poésie simultanée LECTURE DES TEXTES 1. En jouant avec l’acrostiche (texte A), qui se lit verticalement, Apollinaire épelle le prénom aimé et fait de chaque lettre de Lou l’initiale d’un vers horizontal. Graphiquement, le nom de l’aimée fait naître la poésie et lui donne forme. La réciproque est vraie : le poème donne forme à l’amour et révèle le visage de l’aimée (texte B). Ainsi, le calligramme (texte B) commence par : « Reconnais-toi ». Lou est invitée à regarder son portrait, très original. Elle regarde d’abord le dessin, puis déchiffre les mots qui le forment et se déploient dans l’espace de la page. Certains sont écrits horizontalement, d’autres verticalement, d’autres encore, en oblique. Le sens de lecture a son importance. Ainsi, l’expression « l’ovale de ta figure » s’incurve et forme un ovale. Il y a une correspondance étroite entre la forme du corps et celle du poème. Au terme de ce double parcours de lecture, visuel et textuel, Lou a conscience de son image, de ses contours, tels que les voit son amant. Ainsi, en jouant avec la multiplicité des sens de lecture, Apollinaire fait du nom de l’absente l’objet et le sujet de la poésie, la « matière première » de son œuvre et la destinataire finale des poèmes. 2. On reconnaît bien les mots-images « œil », « nez », « bouche », au centre du dessin. Une lecture attentive permet de déchiffrer aisément l’expression « l’ovale de ta figure ». Ainsi, le visage de l’aimée apparaît avec clarté « sous le grand chapeau canotier ». Un rapide regard sur la photographie montre que le trait est précis, net. Il faut en revanche de bons yeux pour trouver le « cou », « le buste » et surtout « le cœur qui bat ». C’est un choix d’Apollinaire : il avoue n’en donner qu’une « imparfaite image », comme floutée à travers un « nuage ». Sans doute le battement de cœur (le sentiment, l’émotion) est-il ce qu’il y a de plus difficile à représenter, quand les amants sont séparés. 3. En 1915, quand le poète écrit ce poème à Lou, il est engagé volontaire et se bat comme artilleur

dans les tranchées. Il est confronté chaque jour au danger et sa poésie, en prise avec la réalité, veut témoigner de cette vie violente, déchirée entre envie d’aimer (de vivre, donc) et acceptation courageuse du risque et de la mort. Il envisage même sa propre disparition dans Si je mourais là-bas... Le texte B en est la conclusion. Chaque lettre de Lou est la source d’une rime en [sang] : « descend », « pressent », « sang », annonçant, de manière prémonitoire la poussée de violence à venir et, de manière saisissante, sa propre mort. L’amour (LOU) et la mort (la rime en « sang ») sont mêlés en un seul et même geste graphique. Prolongement On peut comparer ce texte avec le tableau de Chirico intitulé : Portrait prémonitoire de Guillaume Apollinaire (1914), le représentant en homme blessé à la tête. C’est bien de cela dont mourra le poète.

VERS LE BAC Dissertation Proposition de plan : La poésie amoureuse remplit plusieurs fonctions : elle célèbre la destinataire du poème pour mieux la séduire. Elle évoque aussi, à travers un nom, un type de femme magnifié et idéalisé, plutôt qu’une femme précise. N’est-ce pas alors une femme mythique, réinventée, symbole de poésie, qui est avant tout célébrée et aimée ? 1) Une invitation aux jeux de l’amour Pour déclarer son amour et séduire, le poète fait de son poème une arme de conquête afin de triompher aux jeux de l’amour. Voiture l’explique avec malice et virtuosité. Plusieurs exemples peuvent étayer notre propos : Le blason magnifie le corps d’une femme précise, même si son évocation suit des modèles culturels aisément reconnaissables. Le calligramme et l’acrostiche des poèmes à Lou sont des portraits vivants de l’absente, dont le souvenir est certes sublimé mais fidèle, comme en atteste la photographie. Ces portraits vivants sont une déclaration séduisante. 2) Recréation et transfiguration de la femme Les poètes ne font pas le portrait d’une femme aimée mais d’une femme incarnant un idéal poétique.



06/09/11 11:52

a) Une femme réelle, mais mythifiée « Marie » est un personnage poétique, inspiré par plusieurs jeunes femmes fauchées dans la fleur de l’âge. Le prénom renvoie alors à une femme mythifiée, incarnant la fuite du temps et la beauté dans sa vulnérabilité. b) Une femme inspiratrice, la Muse Verlaine se souvient d’une femme dont le lecteur devine peu à peu qu’elle est morte, définitivement absente. L’évoquer, c’est évoquer l’absence et le deuil, renouer avec une des fonctions les plus anciennes de la poésie et placer ses pas dans ceux d’Orphée. c) Une femme « Pygmalion » Éluard et Breton construisent le mythe de la femme capable de faire renaître le poète à luimême. Elle façonne sa personnalité, le révèle à lui-même : « Toi qui m’as inventé ».

⁄∞

René Char, Lettera amorosa, ⁄·∞‹  p. ¤¤⁄

Dérouler l’écharpe d’Iris LECTURE DU TEXTE 1. Dans la mythologie grecque, Iris est la messagère des dieux, représentée sous les traits d’une jeune fille avec des ailes brillantes et irisées. Les poètes voient dans l’arc-en-ciel son écharpe ou la trace de son pied. La première « définition » proposée par le poète s’inspire directement de la mythologie. 2. Le poète compose son poème comme une notice de dictionnaire. Il s’agit là d’une contrainte fertile. Pour comprendre et définir Iris, R. Char explore en effet les dénotations du nom propre (définitions I, 1°, I, 2°, I, 3°) puis, du nom commun (II et IV). Seule la rubrique III prend quelque liberté avec le modèle d’écriture : elle ne propose pas de définition mais une série d’exemples jouant avec la connotation du mot (en l’occurrence, la couleur). Ainsi, le poème évoque les promesses d’un nom, dont chaque lettre est une « Lettera amorosa » (l. 13). 3. Iris est d’abord une créature féminine : il s’agit de la déesse (I, 1°) ou de la Dame, femme idéalisée qu’il est interdit d’aimer et qu’on désigne

par ce nom générique (I, 2°). Mais Iris est aussi un élément de la nature, qu’il s’agisse du cosmos éloigné (« petite planète ») ou de la nature proche, fleur ou insecte vivant sur le franc-bord (« papillon », « iris jaune des rivières »). Enfin, le nom « iris » permet une approche plus métonymique et plus charnelle de la femme aimée. On se focalise sur son œil, son iris coloré. Ces différentes rubriques sont autant d’angles d’attaque pour évoquer la femme aimée dans sa pluralité. Complète et complexe, elle est à la fois idéalisée et très physiquement incarnée, lointaine et proche, unique et générique. Tous ces contraires sont contenus dans son nom, « Iris plural ». Le poème offre la vision d’une femme médiatrice, réconciliant les contraires. Elle est la messagère par excellence, trait d’union entre le ciel et la terre, les hommes et les dieux, toujours sur le franc-bord.

4. La rubrique I 2° montre la volonté de s’inscrire dans une tradition consistant à nommer « Iris » la dame de ses pensées pour ne pas la compromettre en donnant son vrai prénom (si elle est mariée par exemple). Et si l’amant change de maîtresse, le nom demeure. Elle est une Iris parmi d’autres. C’est presque un jeu littéraire, au même titre que le madrigal de circonstance (Ronsard) ou le rondeau de commande (Voiture). Pourtant, en inventant une forme de poème inédite, Char s’empare de cette Iris si impersonnelle, à la source de tant de poèmes convenus et il insuffle à ce nom un lyrisme amoureux nouveau. Iris rime avec Éros. 5. Les différentes définitions ont un trait commun : la couleur changeante. Qu’il s’agisse de l’écharpe d’Iris, de la femme-couleur, du « grand mars changeant » ou des yeux de différentes couleurs, il existe une correspondance entre le mot-talisman et le nuancier irisé qu’il évoque. La définition II évoque le bleu, le noir, le vert. Le papillon de la rubrique II est « gris ». Enfin, l’iris des rivières (IV) est jaune. Toutes ces couleurs sont sublimées par leurs déclinaisons irisées. C’est pourquoi le papillon gris mais aux reflets changeants et l’écharpe arc-en-ciel en sont la synthèse achevée. Toutefois, le papillon est ici un insecte de mauvais augure. Une phrase lapidaire le dit sans ambages : « Prévient du visiteur funèbre ». Char se nourrit de la mythologie pour glisser une ombre menaçante dans son histoire d’amour : on raconte qu’Iris coupait une mèche 10 Les jeux de l’amour |


183

06/09/11 11:52

de cheveux aux femmes qui allaient mourir. Le papillon nommé Iris retrouve ce sinistre rôle prémonitoire.

VERS LE BAC Invention Si l’on s’appuie sur les travaux de l’historien Michel Pastoureau, les connotations associées aux couleurs ont évolué au fil des siècles. Les mots de couleur, issus du concret, des matériaux, du vécu, de l’histoire de l’homme et des mentalités, se chargent ainsi d’une portée symbolique très poétique. Pour découvrir ces connotations, ainsi que le lexique associé, on peut visionner, sur le site de la BNF, l’exposition virtuelle consacrée au rouge. http://expositions.bnf.fr/rouge Ou lire « les mots de la couleur, de la science et de la technique au symbolique », sur www.cnrs. fr/Cnrspresse/n391coul/html/n391coula03.htm. Enfin, les textes littéraires sont riches de couleurs au nom évocateur : Proust associe Madame de Guermantes à l’amarante (Du côté de Guermantes, I) ; il relie aussi la douceur de l’amour à la couleur parme (voir manuel de l’élève p. 507). Dans Les Enfants du paradis, Prévert donne à la femme aimée le nom de Garance. La muse de Pétrarque, Laure, évoque l’or. Mélanie, en grec, signifie « noire » : on peut écrire un poème à la manière Senghor. Etc.

Oral (analyse) Proposition de plan 1) Une démarche originale a) Un jeu littéraire (Reprendre la question 4.) b) Auquel R. Char insuffle une grande originalité (Reprendre la question 2.) 2) Les promesses d’un nom a) Un nom et un prénom riches de significations et de connotations (Reprendre les questions 1, 3.) b) Les couleurs de la vie et de la mort Reprendre la question 5. 3) Une vision complexe de la femme aimée Reprendre la question 3.

POUR ARGUMENTER : AMOUR DE LA FEMME OU AMOUR DES MOTS  p. ¤¤¤ LECTURE DES TEXTES 1. La Pléiade est un groupe de sept poètes français du XVIe siècle : Pierre de Ronsard, Joachim du Bellay, Jacques Peletier du Mans, Rémy

Belleau, Antoine de Baïf, Pontus de Tyard et Étienne Jodelle. Défense et Illustration de la langue française, ouvrage publié en 1549 sous la signature de Joachim du Bellay présente leur programme : ils veulent écrire en Français ; « la poésie doit parler la langue du poète ». Ils décident pour cela d’enrichir la langue française en forgeant des néologismes issus du latin, du grec ou des langues régionales, en ressuscitant des mots anciens oubliés, en multipliant les figures de style à l’imitation de Pétrarque. Ils défendent celles des auteurs gréco-latins : les lire permet de se cultiver et d’échapper à l’ignorance. Mais s’en inspirer permet de les dépasser.

2. Ronsard explique son idéal d’enrichissement de la langue par la métaphore du tissu. Si le texte est un tissu, pauvre et nu, il faut l’enrichir en brodant, en entrelaçant à chacun de ses fils de délicates fleurs de rhétorique. Ainsi, les « figures, schèmes, tropes, etc. » sont autant d’ornements « florides » (l. 7). Ils sont assimilés à des « passements, broderies, tapisseries et entrelacement de fleurs poétiques » cousus à même le tissu du texte. C’est alors que la poésie devient belle, radicalement autre (« quasi séparé[e] du langage commun », « séparées de la prose triviale et vulgaire »). Pour Du Bellay vieillissant, cette pratique risque d’altérer la simplicité sincère des sentiments. Si c’est l’ornement qui importe, permettant au poète virtuose de montrer avant tout sa maestria, l’amour des mots passe avant l’amour. 3. Ainsi deux thèses s’opposent : 1) Ronsard plaide pour une poésie savante a) Seule la poésie rehaussée de figures arrache le langage amoureux à la trivialité, à la vulgarité b) Le beau langage permet à la fois de « représenter la chose » et de la sublimer par « la splendeur des vers » 2) Du Bellay aimerait revenir à une expression plus simple a) La simplicité est synonyme d’authenticité b) Le beau langage est un masque trompeur. Nul ne peut plus être soi-même c) Le beau langage flatte la femme mais ne l’enflamme pas

ÉDUCATION AUX MÉDIAS : UN DÉBAT TÉLÉVISÉ Le débat réutilisera les arguments exposés dans la question 3.



06/09/11 11:52

Séquence

⁄⁄

Dame Nature en son jardin Livre de l’élève  p. ¤¤∞ à ¤‹¤

Objectifs et présentation de la séquence  p. ¤¤∞ Objectifs : – Découvrir la représentation de la nature et son évolution, à travers le motif littéraire et pictural du jardin. – Analyser les formes et les significations d’œuvres artistiques et poétiques. Le jardin est le lieu de tous les paradoxes. Premier paradoxe : le jardin, c’est la nature perçue et transformée par notre imaginaire. Le jardin est un lieu réel, mais c’est aussi un lieu baigné d’imaginaire : on ne peut visiter un jardin sans penser au jardin d’Eden, au jardin de Cythère, au jardin d’Arcadie, au jardin des Muses, etc. Aussi peut-on vraiment dire qu’il s’agit d’un topos, au double sens du terme (voir lexique dans le manuel de l’élève) ? Lieu culturel par excellence, il est source de mythes, de références, d’intertextualité implicite. C’est ce qui fait que ce lieu, éphémère, devient un lieu de mémoire. Et c’est là le deuxième paradoxe. Troisième paradoxe : le jardin semble naturel. Pourtant, comme la peinture, le jardin est une création humaine. C’est une représentation de l’harmonie entre l’homme et la nature. Paradoxalement, dans le jardin, la nature semble faire son autoportrait, mais c’est l’homme qui conçoit le tableau et qui tient le pinceau. Le jardinier, bien souvent, n’est pas loin du peintre. À cette différence près : si, comme le tableau, le jardin s’offre au regard, il se donne en plus à parcourir. À travers cette séquence, il ne s’agit pas de dresser une histoire exhaustive des jardins et de leur influence sur la peinture et la littérature. Il s’agit plutôt d’une promenade au cours de laquelle la richesse du motif du jardin permettra de rencontrer quelques fleurs de la poésie française. Les mots « florilège » et « anthologie », ne l’oublions pas, appartiennent bien à l’univers du jardin. Sitographie : on trouvera sur le site académique de Versailles, « La page des Lettres » des articles consacrés au thème littéraire des jardins, écrits par Estelle Plaisant-Soler. – L’apologue au jardin. Séquence de première. – Libertinage au jardin. Séquence de première. – Le baroque : le jardin des métamorphoses. Séquence de première.

⁄ Le jardin des délices au Moyen Âge

 p. ¤¤6-¤¤‡

ÉTUDE D’UNE TAPISSERIE 1. Cette tapisserie du musée de Cluny appartient à la série dite de la Dame à la Licorne, consacrée aux cinq sens. Nous sommes bien dans un jardin, comme le prouvent les arbres, le parterre de fleurs et le treillage de rosiers grimpants qui marque la clôture. La rondeur des bordures

suggère l’enclos. En effet, le jardin médiéval est d’abord un hortus conclusus : clos sur lui-même, fermé au monde extérieur et à la nature sauvage ; il symbolise une nature domestiquée et magnifiée. Le jardin en effet n’est pas la nature, dont l’exubérance effraie, mais une représentation maîtrisée d’une nature assagie. C’est la raison pour laquelle le jardin ne se confond pas avec le paysage, notion voisine mais dont l’apparition est beaucoup plus tardive. Le paysage n’est pas clos mais ouvert sur la nature. Cela peut paraître 11 Dame Nature en son jardin |


185

06/09/11 11:52

surprenant, mais si l’histoire du jardin remonte à la plus lointaine Antiquité, celle du paysage, en revanche, date de la fin du XVIIIe siècle, début du XIXe siècle. Et la différence majeure entre le jardin et le paysage réside précisément dans cette notion de clôture, que marquent doublement dans cette tapisserie le parterre de fleurs et le treillage.

2. Le luxe des vêtements de la dame, entourée d’un lion et d’une licorne porteurs d’étendards, et servie par une dame agenouillée sont une exaltation de la noblesse. Plusieurs allusions au goût font également de cette scène une exaltation du plaisir des sens : la dame plonge la main dans un drageoir sous l’œil attentif de son petit chien qui suit la scène, tandis qu’au premier plan un petit singe mange une baie ou une dragée. 3. La licorne est traditionnellement un symbole de pureté et sa présence transforme généralement un jardin en jardin mystique. Ainsi, dans la tapisserie de la Chasse à la licorne au musée des Cloîtres de New York, la licorne représente le Christ : elle est poursuivie, blessée et finalement tuée par les hommes en présence d’un couple seigneurial souvent interprété comme Adam et Ève. La mort de la licorne symbolise la Passion et le jardin dans lequel elle apparaît d’abord est le jardin des oliviers. Cette interprétation mystique de la tapisserie de la Dame à la licorne semble impossible : il y a certes des petits chiens, symboles de fidélité, et plus particulièrement de fidélité à la foi et à l’Église, mais aussi de nombreux lapins, symboles du « déduit », le plaisir amoureux. Ainsi, le jardin de cette tapisserie s’apparente au jardin amoureux, au lieu idéal de l’amour courtois médiéval, aussi appelé locus amoenus.

DES TEXTES AUX IMAGES 1. Charles d’Orléans célèbre l’arrivée du printemps par une personnification, filée tout au long du poème. Le champ lexical du vêtement (« manteau », « broderie », « livrée », « s’habille ») évoque ainsi les transformations de la nature, tapis de verdure qui se réveille et se pare au sortir de l’hiver. On peut se souvenir que le mot « texte », qui vient du latin textum, signifie tissu. Le poème, célébrant la reverdi du tapis naturel, est lui aussi une tapisserie, un tissu que l’on brode de fleurs de rhétorique.

2. Charles d’Orléans et Christine de Pisan évoquent des éléments de la nature qui sont avant tout les agréments du jardin : les oiseaux, mais surtout les fontaines et les parterres de fleurs qui symbolisent la nature apprivoisée du jardin. 3. Le topos de la reverdie est au cœur de l’évocation poétique de la nature, mais aussi de sa représentation picturale. Dans la tapisserie comme dans l’enluminure, les parterres sont fleuris, les arbres verdoient et portent des fruits. C’est plus net encore dans le cas de l’enluminure du Roman de la Rose car certains arbres sont encore nus, comme au sortir de l’hiver. On peut également noter que cette représentation de la nature qui revit et s’épanouit est bien symbolique. Ce n’est pas une tentative de représentation réaliste du printemps : en effet, dans la tapisserie en particulier, les plantes sont toutes représentées au moment de leur floraison, alors que normalement, elles ne fleurissent pas au même moment. 4. Le Roman de la Rose raconte une aventure, celle de la quête de la Rose, au cours de laquelle le jeune homme subit de nombreuses épreuves qui l’initient à un modèle de comportement amoureux, selon l’idéal de l’amour courtois. Et cette initiation a lieu dans un jardin, ce qui va de soi puisque l’objet de la quête est une rose. Bien sûr, nous sommes dans l’allégorie. Cette enluminure illustre, à la manière d’une bande dessinée, trois épisodes successifs : la découverte du jardin clos, lieu symbolique de l’amour courtois ; la porte est ouverte par Oisiveté, qui sera la conseillère d’amour dans le roman ; le jeune homme parvient au jardin de Déduit (Plaisir), entouré de personnages allégoriques (Beauté, Richesse, Courtoisie, Jeunesse). On retrouve dans cette enluminure l’exaltation du goût à travers la présence des arbres fruitiers, mais d’autres sens y sont représentés, complétant ainsi la tapisserie de la Dame à la licorne : la vue avec la beauté de la fontaine, le toucher avec son eau fraîche, mais surtout l’ouïe avec la musique et les chants auxquels se consacrent la moitié des personnages. 5. Dans les poèmes comme les images, le jardin amoureux médiéval se caractérise par la beauté de la nature, domestiquée et magnifiée par la main de l’homme. Tout y devient exaltation du plaisir des sens : chants des oiseaux, odeurs des



06/09/11 11:52

fleurs, goût des fruits, fraîcheur des fontaines, beauté des parterres colorés. Dans tous les cas, le jardin est clos et ses murs en font un espace à la fois à l’abri des regards et symboliquement distinct du château ou de la ville aux règles de sociabilité contraignantes.

6. Charles d’Orléans et Christine de Pisan évoquent le chant des oiseaux pour symboliser le retour du printemps et la renaissance de la nature. Mais Christine de Pisan se fait plus précise en évoquant leur jeunesse et en caractérisant leur chant si « doux ». Comme dans l’enluminure, où l’artiste a représenté les jeunes nobles en train de chanter accompagnés d’un luth, le chant des oiseaux évoque de façon métaphorique le chant amoureux des jeunes gens. 7. Au chant des oiseaux et des amoureux qu’évoquent les poèmes de la Reverdie, vient se joindre le chant poétique. Rondeau et ballade sont en effet des formes poétiques fixes appréciées des poètes médiévaux (voir fiche méthode 25, p. 496 du manuel de l’élève). Elles se caractérisent par le choix d’un mètre (octosyllabe pour Charles d’Orléans et décasyllabe pour Christine de Pisan) et surtout du retour d’un vers ou d’un groupes de vers jouant le rôle d’un refrain dans une chanson : « Le temps a laissé son manteau », « Chapeaux jolis, violettes et roses, / Fleur de printemps, muguet et fleurs d’amour ». N’oublions pas qu’à l’origine, les troubadours chantaient leurs poèmes courtois. Évoquant le chant des oiseaux, métaphore du chant poétique, et le locus amoenus, le jardin permet ainsi l’expression privilégiée de la poésie lyrique courtoise.

Prolongement Le jardin amoureux est un thème qui fleurit dans toute la littérature médiévale et qu’on retrouve par exemple chez Chrétien de Troyes. C’est ainsi le cas dans Cligès, dont on peut citer ce passage : « Au milieu du verger, il y avait un arbre greffé, haut, beau, vigoureux, chargé et recouvert de fleurs. Les branches avaient été conduites de telle manière qu’elles retombaient toutes vers la terre et allaient presque jusqu’au sol, sauf la cime dont elles naissaient, et dont le rameau central montait tout droit vers le haut. Fénice ne désire rien d’autre que cet endroit, car sous l’arbre est le

gazon, si beau et agréable : le soleil ne sera jamais si chaud, à midi, quand il est au plus haut, qu’un seul rayon puisse y parvenir, car c’est ainsi que jean a su lui donner forme, et mener et conduire ses branches. C’est là que Fénice va se distraire, elle y fait son lit pour la journée : ils y prennent joie et plaisir. Et le verger est tout entour bien clos par un haut mur attenant à la tour, si bien que rien ne peut y entrer s’il n’y monte en entrant par la tour. Maintenant, Fénice est bien à son aise, il n’est rien qui lui déplaise et rien ne manque à son bonheur, quand sous la fleur et sous la feuille elle peut tenir son ami dans ses bras. » Parcours culturel Il est possible de comparer ce poème de Christine de Pisan avec son rondeau (p. 204). D’autres poèmes du manuel évoquent le printemps : Sur la mort de Marie de Pierre Ronsard, (p. 215), Grand Bal du Printemps de Jacques Prévert (p. 242), Le Temps des cerises de JeanBaptiste Clément (p. 266), Mignonne, allons voir si la rose de Pierre Ronsard (p. 495).

¤ Le jardin baroque, théâtre des métamorphoses  p.¤¤8-¤¤· ÉTUDE D’UNE SCULPTURE 1. Apollon est amoureux de la nymphe Daphné, qui refuse ses avances et s’enfuit, poursuivie par le dieu. Le Bernin a choisi de représenter le moment où Daphné, rattrapée par Apollon, supplie le fleuve Pénée, son père, de lui venir en aide. Celui-ci la transforme alors en laurier. Plusieurs détails de la sculpture manifestent la transition entre l’humain et le végétal : l’une des deux jambes est déjà prise dans l’écorce de l’arbre, les pieds s’allongent pour devenir racines, les doigts et la chevelure deviennent branches et feuillage. Cette sculpture incarne à la perfection le goût du baroque pour les métamorphoses, que le critique littéraire Jean Rousset synthétise à travers la figure de Circé. 2. Mais le baroque est aussi l’art du mouvement et les formes des corps soulignent cette mobilité, voire cette instabilité. Les membres d’Apollon et Daphné dessinent une diagonale qui s’élève 11 Dame Nature en son jardin |


187

06/09/11 11:52

vers le ciel. Et le corps de Daphné, tout en se solidifiant dans l’écorce, semble sur le point de tomber en avant, s’il n’était retenu par la main d’Apollon. Ce paradoxe souligne l’art du sculpteur et symbolise l’esthétique baroque qui parvient à rendre léger, aérien et instable même le tronc d’un arbre en marbre.

DES TEXTES AUX IMAGES 1. Le Bernin choisit de représenter le moment où Daphné se transforme en laurier et n’est plus une nymphe et pas encore une plante. De même, Tuby choisit de représenter le moment où le char d’Apollon, qui tire le soleil, émerge des océans, mais n’est pas encore tout à fait libéré des flots. Dans les deux cas, il s’agit d’une métamorphose : pour la deuxième sculpture, celle de la nuit qui fait place au jour. Et dans les deux cas, le sculpteur représente le mouvement. Ces deux œuvres incarnent donc l’esthétique baroque. 2. Le drapé d’Apollon souligne le mouvement du char, encore mis en valeur par la tension musculaire des chevaux et leur expression furieuse, tendue par l’effort. Enfin, c’est surtout le fait que leurs corps n’émergent qu’à moitié de l’eau, tandis que les jets d’eau imitent les éclaboussures provoquées par leur galop, qui dynamise la sculpture.

nuages descendent du ciel, les hommes se changent en rochers pour reprendre figure humaine : c’est le monde des formes en mouvement, auquel commande Circé, déesse des métamorphoses. Circé, c’est la magicienne qui, d’un homme fait un animal, et de nouveau un homme ; plus de visages, mais des masques ; elle touche les choses et les choses ne sont plus ce qu’elles étaient ; elle regarde le paysage et il se transforme. Il semble qu’en sa présence, l’univers perde son unité, le sol sa stabilité, les êtres leur identité ; tout se décompose pour se recomposer, entraînés dans le flux d’une incessante mutation, dans un jeu d’apparences toujours en fuite devant d’autres apparences. » La Fontaine prête à la déesse des jardins, Hortésie, les attributs de la Circé baroque de Jean Rousset. Avec elle, le jardin n’est plus unique, mais multiple : « tant de merveilles que l’on s’égare dans leur choix » et se métamorphose perpétuellement : « cent formes différentes ».

6. Parmi les cinq sens, le discours d’Hortésie évoque en particulier le plaisir de la vue : « toujours il charme les yeux ». Mais elle évoque également le goût : « J’embellis les fruits » et l’ouïe : « il bouillonne ».

4. Le choix des figures mythologiques n’est jamais anodin. Si Tuby choisit de représenter le char d’Apollon qui tire derrière lui l’astre solaire, c’est qu’à travers ce mythe antique, il évoque celui que l’on nomme le « roi soleil » : Louis XIV. Et si le char émerge de l’eau, c’est pour signifier que le règne de Louis XIV va éclairer l’Europe et le monde.

7. Les métamorphoses mythologiques évoquées par Ovide ont fréquemment inspiré les peintres et leurs adaptations picturales sont très nombreuses. On pourra, en guise de correction, privilégier les tableaux baroques et demander ainsi oralement aux élèves d’expliquer en quoi ces œuvres sont baroques. C’est le cas par exemple de la métamorphose d’Actéon, peinte par le Cavalier d’Arpin. On pourra lire également le poème de Philippe Desportes issu des Amours de Diane : « Celui que l’Amour range à son commandement ». Il est possible aussi d’étudier, en illustration de ce poème, la métamorphose de Narcisse avec le tableau du Caravage. À l’inverse, on pourra demander aux élèves d’expliquer en quoi la représentation de Narcisse et Écho par Poussin est classique.

5. À partir d’une analyse des ballets de cour du début du XVIIe siècle, le critique littéraire Jean Rousset interprète le personnage de la magicienne Circé comme central dans l’esthétique baroque : « Les pierres marchent, les montagnes s’ouvrent, les animaux surgissent du sol, les

8. Cette citation de Pierre Le Moyne attribue au jardin des caractéristiques qui sont typiques de l’esthétique baroque : l’irrégularité qui lui a donné son nom (« sans ordre et sans figure »), l’étrangeté (« le hasard fait plus »), le mouvement (« étendent », « lèvent au ciel »),

3. Les sculptures du Bernin et de Tuby exaltent le mouvement de façon typiquement baroque. On retrouve cette esthétique dans le poème de La Fontaine à travers notamment le champ lexical du mouvement : « coulent », « se levant », « liquide », « jaillissantes », « tomber à flots précipités », « roule », « bouillonne », « coule ».



06/09/11 11:52

l’instabilité (« ni durable bien », « ni durable parure ») et le goût pour l’extrême profusion (« les plus enrichis de fruit et de verdure »). D’autres citations évoquent la même idée et peuvent être lues aux élèves. Corneille écrit ainsi en avertissement à L’Illusion comique : « Voici un étrange monstre que je vous dédie. Le premier acte n’est qu’un prologue ; les trois suivants font une comédie imparfaite, le dernier est une tragédie ; et tout cela, cousu ensemble, fait une comédie. Qu’on en nomme l’invention bizarre et extravagante tant qu’on voudra, elle est nouvelle […]. Je dirai peu de chose de cette pièce : c’est une galanterie extravagante, qui a tant d’irrégularités qu’elle ne vaut pas la peine de la considérer, bien que la nouveauté de ce caprice en ait rendu le succès assez favorable pour ne me repentir pas d’y avoir perdu quelque temps… »

Prolongement Que le jardin se métamorphose, rien de surprenant à cela. Il suffit de comparer le jardin médiéval, le jardin de Versailles, le jardin public et le mur végétal pour s’en rendre compte. Pourtant, ces métamorphoses, si radicales soient-elles, ne remettent pas en question le concept de jardin : nous y reconnaissons tous des jardins. C’est que le jardin, dans son esthétique et dans son essence même, est en métamorphose perpétuelle. Ainsi, la sculpture du Bernin ou le jardin de la Fortune de Le Moyne peuvent définir le jardin au-delà du mouvement baroque : quoi de plus éphémère, de plus perpétuellement en transformation que le jardin, qui n’est jamais le même, avec ses fleurs, écloses le matin et fanées le soir. Être jardinier, c’est être Circé et maîtriser les métamorphoses. Si métamorphose du jardin il y a, ce thème n’est pas seulement baroque. On peut le retrouver chez Monet. Et pourtant, rien de baroque chez lui. Mais pourquoi peindre des dizaines et des dizaines de toiles de nymphéas si ce n’est pour célébrer cette métamorphose perpétuelle des lumières et des couleurs du jardin.

‹ Le jardin public, rencontre avec la modernité  p. ¤‹‚-¤‹⁄ ÉTUDE D’UN TABLEAU 1. Au lieu de représenter le kiosque à musique du jardin des Tuileries, Manet choisit de peindre

le public, son nombre et sa diversité : hommes en hauts de forme, militaires, dames, nourrices surveillant des enfants, etc. Au XIXe siècle, le jardin public devient un haut lieu de sociabilité.

2. Par ses grands aplats de couleurs, ses touches floues qui mettent en valeur le mouvement du public et des feuillages, et son travail sur la lumière, ce tableau inaugure l’impressionnisme. 3. Le tableau est clairement construit selon un découpage aux tiers : le public occupe les deux tiers inférieurs, tandis que des troncs d’arbres scandent les tiers verticaux. Par contre, les lignes de fuite sont très difficiles à repérer et semblent quasiment absentes, ce qui a pour effet d’écraser la perspective. La profondeur semble ainsi marquée exclusivement par la multiplication de hauts de forme de plus en plus flous au fur et à mesure qu’ils s’éloignent du premier plan. Cette composition renforce également le caractère social du jardin public du XIXe siècle.

DES IMAGES AUX TEXTES 1. Nerval met en scène le coup de foudre ressenti par la multiplication de synecdoques : « à la main », « à la bouche », « d’un seul regard », et la métonymie : « parfum, jeune fille ». Ces images soulignent la fascination exercée par la jeune fille sur le poète dont le regard ébloui se focalise sur quelques parties du corps féminin. 2. Le jardin public est associé au bonheur car il permet l’exaltation du plaisir des sens. Sens de l’ouïe avec la musique dans le tableau de Manet et dans le poème de Nerval : « un refrain nouveau », « harmonie ». Sens de la vue avec la lumière : « l’éclaircirait », « doux rayon qui m’a lui », pour Nerval ; « la lumière de l’hiver », « la terre qui est un astre » pour Prévert, lumière qui crée les jeux d’ombre et de lumière dans la photographie de Kertész. 3. Nerval traduit le caractère fugace de la rencontre par le champ lexical de la rapidité : « vive et preste », « fui » et par la ponctuation particulière de la dernière strophe : les tirets et les points de suspension impliquent une respiration donnant à entendre, dans le poème, la brièveté d’un instant pendant lequel le poète a cru au bonheur. 4. Les poèmes de Nerval et de Prévert saisissent la grâce fugitive d’une rencontre ayant duré 11 Dame Nature en son jardin |


189

06/09/11 11:52

l’espace d’un instant : « vive et preste comme un oiseau », « la petite seconde d’éternité ». Grâce aux mots du poème, l’instant de cette rencontre s’allonge et dure. Ainsi, alors que le passé composé du premier vers du poème de Nerval indique le caractère déjà révolu de l’instant (« Elle a passé »), cet instant s’étire dans la deuxième strophe. De même, dans le poème de Prévert, l’antithèse « des milliers et des milliers d’années » / « seconde » débouche sur l’oxymore : « petite seconde d’éternité ». Cette expression marque bien le caractère extraordinaire de la façon dont le temps s’écoule dans un jardin. Le choix du lieu n’est alors pas anodin : le jardin est un lieu éphémère, qui change à chaque instant, mais c’est aussi le lieu d’une durée infiniment plus grande que le temps humain : le temps des arbres, le temps de la Nature. C’est ce contraste que peut représenter la photographie de Kertész : la disproportion entre les arbres et les couples. Et pourtant le temps amoureux semble atteindre, grâce à la photographie qui l’immortalise, l’éternité.

5. La photographie de Kertész est subtilement construite. À la première lecture, on remarque d’abord le couple amoureux du premier plan pour lequel le temps semble suspendu. Le jardin retrouve ici son caractère de locus amoenus. Mais une lecture plus attentive permet au spectateur de découvrir un second plan dans l’image, qui vient ajouter une touche subtilement ironique à cette première lecture. Au premier plan et à l’arrière-plan, deux couples enlacés semblent se répondre en écho, comme dans un miroir : l’homme en noir à droite à l’avant de l’image, l’homme en noir à gauche dans la perspective. Les deux couples sont également installés sur un banc public, chacun d’un côté d’une statue du jardin des Tuileries dont on aperçoit surtout le socle. Ce jeu de miroir met en image le caractère stéréotypé et cliché de la rencontre amoureuse au jardin. 6. La photographie de Kertész est en noir et blanc et l’artiste joue subtilement sur l’antithèse de l’ombre et de la lumière : costume noir des deux hommes et tenue claire des jeunes femmes, dont la peau très pâle fait une touche de lumière dans l’image, troncs sombres des arbres et blancheur du socle de la statue et du sol, jeu des ombres portées qui strient le sol. On retrouve cette antithèse entre l’ombre et la lumière dans

le poème de Prévert : « dans la lumière de l’hiver » et surtout l’oxymore : « la terre qui est un astre », qui permet au poète de signifier l’illumination de l’amour né du jardin, donc de la terre. C’est surtout dans le poème de Nerval que cette antithèse entre l’ombre et la lumière est la plus claire : la jeune fille est assimilée métaphoriquement au soleil : « doux rayon qui m’a lui » et symbolise le bonheur, tandis que la solitude malheureuse du poète apparaît grâce à son antithèse : « venant dans ma nuit profonde ».

Prolongement Il est intéressant de comparer le poème de Nerval à un autre poème consacré à un coup de foudre voué à l’échec, celui de Baudelaire intitulé À une passante (p. 218). Chez Baudelaire, la rencontre n’a pas lieu au jardin, mais dans un autre espace public moderne : la rue. La comparaison est d’autant plus intéressante qu’on retrouve certains procédés communs : synecdoques, antithèses entre l’ombre et la lumière, jeu sur la ponctuation qui peut imiter la respiration haletante du poète fasciné ou les battements incontrôlables de son cœur, etc.

› Atelier d’écriture. Réaliser une anthologie poétique

 p. ¤‹¤

L’intérêt de cette activité d’écriture réside dans le fait qu’elle amène les élèves à lire des poèmes et beaucoup plus que sept poèmes. Mais, pour qu’elle soit efficace, l’activité doit être guidée par le professeur et débuter si possible en classe entière, au CDI ou en salle informatique. Les élèves en effet n’ont pas l’habitude de lire de la poésie et encore moins d’en chercher donc le risque est grand de les voir se méprendre et confondre des poèmes véritables et des textes plus ou moins rimés publiés sur la toile par d’illustres inconnus. Une fois cet écueil expliqué aux élèves, il faut leur faire percevoir la nécessité de choisir sept poèmes qui se répondent les uns les autres et se complètent, et donc de ne pas se limiter aux sept premiers textes qu’ils trouveront. Là encore, la présence du professeur pour initier la recherche est essentielle.



06/09/11 11:52

Pour évaluer l’anthologie, on pourra s’appuyer sur les critères suivants : • Respect des contraintes matérielles d’une anthologie : – Anthologie présentée comme un livre – Choix du titre – Présentation des doubles pages consacrées aux poèmes – Table des matières claire et pertinente • Choix des poèmes – Pertinence et intérêt des poèmes par rapport à la problématique de l’anthologie – Variété des poèmes : appartenance à plusieurs siècles, plusieurs formes • Classement des poèmes – Respect du classement adopté – Pertinence du classement par rapport à la problématique de l’anthologie

L’évaluation de la préface peut également s’appuyer sur des critères précis : • Un discours argumentatif – Qualité et approfondissement des idées – Organisation de l’argumentation • Un discours sur l’anthologie, au seuil de la lecture – Explication de la problématique de l’anthologie – Justification du choix des poèmes – Justification du choix des illustrations – Justification du choix du classement • Un discours sur la poésie – Présence de connaissances sur la poésie • Un discours adressé au lecteur – Prise en compte du lecteur et de sa lecture à venir de l’anthologie – Captatio benevolentiae – Éveil de l’intérêt du lecteur

11 Dame Nature en son jardin |


191

06/09/11 11:52

Séquence

⁄¤

Le poète, arpenteur du monde Livre de l’élève  p. ¤‹‹ à ¤∞›

Présentation de la séquence  p. ¤‹‹ Rimbaud, le poète aux semelles de vent, dit de Lamartine qu’il fut « quelquefois voyant, mais étranglé par la forme vieille ». Comment définir la poésie lorsqu’elle n’est plus intimement liée à la métrique, dont les règles stimulent l’imagination, puisque toute contrainte est source de création ? Quand on la « libère » pour qu’elle invente des formes neuves ? C’est ce que cette séquence entend découvrir en proposant deux objectifs : observer le lien entre le travail de l’écriture et une vision singulière du monde ; découvrir comment le poète s’approprie les mots pour inventer un nouveau langage. Le premier corpus, « Dire et déchiffrer le monde », montre que le poète regarde le monde d’un œil neuf, le déchiffre comme s’il était un texte inédit et le chante avec des mots nouveaux. L’imagination du poète ne lui permet pas seulement d’orner le discours de fleurs de rhétorique convenues. Les associations d’idées, les analogies métamorphosent les représentations anciennes en images inédites. Ce rapport au langage interdit l’arrêt sclérosant sur des idées ou des phrases toutes faites. Pour G. Bachelard (L’Air et les Songes, essai sur l’imagination du mouvement), la poésie caractérise en cela notre psychisme, toujours en tension vers du nouveau. Le second corpus, « Rompre les amarres », approfondit cette volonté de rupture, physique, psychologique, langagière avec les sentiers battus. Poète est celui qui rompt pour nous l’attachement aux habitudes routinières, aux mots usés et donne de l’élan pour vivre plus intensément. La double page « Pour argumenter » invite les élèves à réinvestir leurs connaissances pour débattre de la question suivante : « Comment la poésie transporte-t-elle hors des lieux communs ? » La synthèse d’histoire littéraire entend poser des jalons : quand le poème en prose, le vers libre fontils leur apparition ? Comment cet affranchissement progressif des formes anciennes invite-t-il à redéfinir la poésie comme rapport inédit aux mots et aux choses ?

Intérêts : Notion de support et de matière ; l’étymologie du mot « graphie », le lien avec la poésie ; réflexion sur le mur, le tag, la signature.

H istoire des arts

Antoni Tàpies, A.T., ⁄·°∞

 p. ¤‹›-¤‹∞

Objectifs : L’œuvre permet une entrée en matière dans la séquence : que fait le poète lorsqu’il fabrique son poème ? Lorsqu’il assemble et dépose des signes sur la page blanche ? Peut-être retrouve-t-il le geste décisif de Tàpies, qui trace ses initiales sur la toile et les mêle à la matière même du monde.

La substance du monde LECTURE DE L’IMAGE 1. Les couleurs primaires, l’aspect rupestre de la toile et l’épaisseur de la peinture, visible dans les traces de pinceau, mettent en avant la matérialité brute des matériaux. Le peintre dépose sur sa toile la substance même du monde, dans ses composantes élémentaires (la terre, le feu, le



06/09/11 11:52

sang), sur un support dont la rugosité apparente est voulue.

2. La toile est cependant structurée, comme en témoigne l’organisation des lignes de force. La première croix, située au début du parcours de lecture, en haut à gauche, est en oblique. Si l’œil suit sa branche droite, il descend le long d’une diagonale le guidant jusqu’au « A rouge », dont les courbes et les barres donnent une impression de dynamisme. Les traces de peinture montrent en effet que le peintre a exécuté son œuvre d’un trait, dans un geste rapide, fiévreux et ascendant, comme s’il voulait jeter rapidement sa vision sur la toile. À la fin du trajet de lecture, notre regard se pose sur la deuxième croix noire, droite et posée. Elle stabilise l’ensemble, l’encadre. 3. Que voit-on lorsqu’on regarde rapidement ce tableau ? Rien qui ressemble à ce que l’on appelle une œuvre d’art. Décontenancé, on cherche en quoi cet agrégat rustique peut présenter un intérêt. On n’en comprend pas le sens immédiatement ; on ne peut même pas admirer le savoir-faire de l’artiste, ici réduit à une pauvreté technique volontaire. Il faut chercher. On perçoit alors du mouvement, le geste du peintre déposant violemment la peinture à la surface du support. On découvre ensuite ce qu’il a peint : des traces, des graphèmes. Si on lit le tableau, on peut les déchiffrer comme étant deux « T noirs », un « A rouge », lettres correspondant aux initiales de l’artiste et de son épouse, Thérésa. C’est un « tag » : un graph en forme de signature conquérant l’espace. Ainsi, Tàpies a mis beaucoup de lui-même sur son « mur ». D’ailleurs, son nom signifie « mur » en catalan, comme si une correspondance le liait à la toile où il peint des éléments du monde mêlés aux signes de son nom. Le mur est le trait d’union entre le moi et le monde. Prolongement On peut faire un parallèle avec les tags qui marquent sauvagement le territoire. Pourquoi les tagueurs mêlent-ils leurs initiales à la matière du monde moderne, de son mobilier urbain, de son matériel roulant ? Est-ce que c’est beau ? Insupportable ? Pour alimenter la réflexion, on peut visionner le catalogue de « T.A.G., lettres de noblesse », l’exposition-vente qui a eu lieu en février 2010 au Palais de Tokyo.

www.graffitiartmagazine.com/index.php?post/ T.A.G.-Lettres-de-noblesse-%40-Palais-deTokyo-(Paris) On peut aussi comparer le tableau de Tàpies aux nombreux dessins de Victor Hugo, où les initiales de son nom se mêlent aux éléments du monde représenté (voir manuel, p. 237).

4. La croix la plus grande se situe en bas, à droite. Elle est dans la zone de verrouillage où signent le plus souvent les peintres. Si on voit dans cette croix un « T », il s’agit de la signature de l’artiste. Enfin, si on ne voit là qu’une croix, ce signe peut aussi évoquer la signature pauvre, élémentaire de ceux qui ne savent pas écrire mais qui peuvent tout de même apposer leur marque solennelle sur un document. La croix est, dans tous les cas, bel et bien une signature, permettant d’affirmer son existence singulière. Cependant, la croix a aussi une dimension universelle : ce signe, par ses qualités graphiques, a séduit les peuples et les religions et s’est vu attribuer de nombreuses significations symboliques : • La prospérité : dans de nombreuses religions, la croix est un signe de vie et de prospérité. Dans la Bible, le prophète Ézéchiel recommande de tracer sur le front des enfants une croix en forme de tau grec pour les bénir et les protéger. • L’ouverture : ses quatre bras semblent en effet ouvrir le monde dans toutes les directions. • La victoire sur la mort : la croix chrétienne évoque la mort du Christ sur la croix et sa résurrection. C’est le symbole de la victoire sur la mort. • L’appartenance à la communauté des hommes. Lors du baptême, le prêtre trace le signe de la croix sur le front de l’enfant et ce geste symbolise son entrée dans l’assemblée des croyants. • La lutte du bien et du mal. Tàpies, peintre engagé faisant de son œuvre une résistance à l’oppression, commence à peindre au lendemain de la seconde guerre mondiale, qui fut, aussi, une guerre des images et des symboles. L’historien J.-P. Azéma, dans Les Signes de la collaboration et de la résistance, évoque l’insurrection des signes menée par les Résistants, guerre symbolique assez sérieuse pour qu’ils y risquent leur vie : certains graffitaient des croix de Lorraine, pour répondre, trait pour trait et symbole pour symbole, aux croix gammées envahissant l’espace. C’est une reconquête symbolique du territoire. 12 Le poète, arpenteur du monde |


193

06/09/11 11:52

• Enfin, les deux croix peuvent évoquer un signe d’addition et de multiplication, deux signes généreux. On ne peut affirmer de quels sens symboliques Tàpies a voulu enrichir son œuvre. Cela correspond d’ailleurs au sens même du mot « symbole » : il fait « signe vers » (Todorov) une multitude de sens possibles, sans qu’on puisse en arrêter un.

5. Les balafres et les coulures forment des lettres. Elles conjuguent donc écriture et peinture pour mieux épeler le monde et dire le moi. Les griffures égratignant la surface peuvent évoquer le geste du scripteur ou du graveur qui, étymologiquement, griffe et grave pour laisser un message sous forme de trace durable. Cela renvoie aux premières écritures (exemple : les caractères de l’écriture cunéiforme sont de petites encoches, de petites entailles faites avec un coin dans des tablettes d’argile). La coulure, l’éclaboussure font penser à une écriture légère. Déposer une trace d’encre, qui n’entame pas la surface, suffit à inscrire son message dans la durée. Les deux formes d’écriture ont en commun la volonté de dire la complexité du monde avec des signes simples, de représenter le monde pour lui donner un sens. Prolongement Cette démarche est celle du poète. On peut sur ce point rapprocher le tableau des textes de la séquence. On songe au geste d’Obaldia, épelant le monde et aux « stèles » de Segalen, poèmes inspirées par les bornes de pierre gravées d’écriture, que l’on trouvait le long des routes chinoises. L’élève comprend à quoi sert l’écriture gravée : à s’orienter, à se repérer, à comprendre le vaste monde. C’est ce qu’a voulu faire Segalen. Son poème « Conseils au bon voyageur » (p. 248) décrypte le monde, en transcrit le sens pour mieux guider le voyageur.

6. La surface sur laquelle peint Tàpies a un aspect granité. On le voit lorsqu’on regarde autour des croix, par exemple. En prenant l’apparence d’un mur, le tableau s’approprie son pouvoir d’évocation, pouvoir très ancien (peinture pariétale) mais toujours d’actualité (graff’). Pour Tàpies, « l’image du mur est riche de suggestions ». « Surface nette » ou « décrépite », le mur est « témoin de la marche du temps », dépositaire de l’histoire et de la mémoire (Mémoire, 1981).

Pour illustrer cette idée, on peut proposer un diaporama ou une recherche sur Internet de quelques murs de mémoire, comme le mur des Lamentations ou le mur de Berlin couvert de graffitis, par exemple. On aussi regarder ou participer à l’opération ZeWall. C’est un dessin collectif sur Internet sans inscription ni installation de logiciel, où chacun investit l’espace qui lui correspond le mieux (Ex. : « rue d’Amertume »). Les meilleurs dessins servent depuis 2001 à construire un immense graff’ se déployant sur les murs d’une ville virtuelle. Rien n’interdit d’écrire le poème correspondant à son graff, à la manière de Prévert célébrant une rue d’un quartier populaire (manuel p. 242).

ÉCRITURE Vers l’écriture d’invention Le sujet, dans sa formulation, invite les élèves à comprendre ce qu’on attend d’eux lorsqu’on propose un sujet d’invention. Avant de se lancer, il faut souvent se livrer à un petit jeu de questionsréponses : Pourquoi me demande-t-on un poème en prose où le scripteur joue avec les lettres de son nom, une lettre signée, un poème lettriste, etc. ? Quelle est l’idée sous-jacente à comprendre en amont ? Réponse : L’écriture personnelle, signée, est un moyen de s’approprier un espace, un territoire, etc. Ensuite, on peut dresser la liste des réponses à la question suivante : Comment vais-je transcrire cette attente ?

DÉCHIFFRER LE MONDE

⁄

Victor Hugo, Les Contemplations, ⁄°∞∞

 p. ¤‹§-¤‹‡

Objectif : Découvrir la mission du poète-prophète. Intérêts du texte : La notion de contemplation, ouverture sur l’infini ; la compassion du poète pour le « langage » des créatures souffrantes.



06/09/11 11:52

Le poète visionnaire LECTURE DU TEXTE 1. Plan du texte : Vers 1 à 6 : Rencontre du Poète et de la Mort. Vers 7 à 34 : question posée par la Mort : la nature a-t-elle un langage chargé de sens ? Vers 35 à 43 : réponse donnée par la Mort : chaque élément du cosmos vit, souffre, pense et parle. La bouche d’ombre est la mort. Pour le comprendre, on peut relire les premiers vers ainsi que la légende du dessin. Elle est aussi désignée par les expressions suivantes : « le spectre » (v. 4), « l’être sombre et tranquille » (v. 4). 2. La mort est personnifiée. Elle apparaît même sous les traits d’une allégorie que l’on connaît bien : le spectre. Lui donner la parole dramatise son discours. Cela permet aussi de comprendre ce qu’est une « contemplation » : un face-à-face intime avec la mort. Celle de Léopoldine en 1843, celle de Claire Pradier, la fille de Juliette Drouet, en 1846. C’est au plus profond du deuil, au plus profond du « gouffre monstrueux » (dernier vers des Contemplations) que le poète se tient, contemple et parle. 3. La question appelle une réponse nuancée. Certes, le dispositif énonciatif met en scène une transmission de parole : on voit le poète se promener « au bord de l’infini », rencontrer la Mort, être saisi par elle et la laisser parler (v. 1 à 6). Puis, dans le temps de l’écriture, il relaie et transcrit son discours. Le poète est prophète au sens étymologique : il « parle pour » la mort, contemplée et écoutée. Il devient lui aussi « bouche d’ombre », qui laisse parler la mort par sa voix. Cependant, il s’agit d’un dispositif énonciatif concerté et maîtrisé, inventé pour témoigner de l’ouverture du moi au monde. « Il vient une certaine heure dans la vie où, l’horizon s’agrandissant sans cesse, un homme se sent trop petit pour continuer de parler en son nom. Il crée alors, poète, philosophe ou penseur, une figure dans laquelle il se personnifie et s’incarne. C’est encore l’homme, mais ce n’est plus le moi », dit Hugo. 4. Dans cette scène fantastique, le poète, tout vif, est, littéralement, saisi par la Mort : « L’être sombre et tranquille / Me prit par les cheveux dans sa main qui grandit ». N’est-ce pas là une

image de ce que Victor Hugo a intimement vécu en perdant sa fille ? Puis, le personnage du poète est déposé en position de surplomb, « sur le haut du rocher », face à l’infini de l’océan (voir le dessin). Ici, il voit et entend tout. Il peut écouter l’ensemble de la création.

5. Il entend alors le concert de voix formé par les créatures et éléments de la nature. « Tout parle », en effet (v. 7). Le champ lexical de la parole, et plus précisément les verbes, insiste sur ce point. Mais comment ? Tout, dans la création, semble « éternel murmure » (v. 15), « rumeur » (v. 27), « tumulte » (v. 38), « bruit » (v. 39), balbutiement (v. 31) ou bégaiement de sourd-muet (v. 34). De même, la forêt « sonn[e] » (v. 11), le torrent et l’orage « roul[ent] (v. 12), l’eau et l’arbre « élèvent la voix » (v. 17), le vent est comparé à « un joueur de flûte », l’océan, ouvre sa gueule pour « rugir » (v. 22). Il s’agit de bruit, d’onomatopées, de musique, de cris d’animaux inarticulés. Mais s’agit-il d’un langage signifiant ? Oui, soutient la Mort. On y entend le « Verbe », parole et souffle divins. Et la mission du poète-prophète est de l’écouter et de le donner à entendre. Qu’exprime le cosmos quand « ça parle » ? On peut laisser les élèves proposer des hypothèses et lire ensuite quelques vers composant la suite de cette immense méditation qu’est « ce que dit la bouche d’ombre » : le poète se concentre sur les souffrances des créatures immondes, enfermées dans un corps horrible ou une gangue de matière oppressante, suite à quelque crime les ayant fait descendre dans « l’échelle des êtres ». Crapaud, ronce, caillou : il faut les prendre en pitié. Ce poème manifeste la volonté d’écouter et de prendre en charge la souffrance des déshérités. De plaider pour leur réhabilitation. C’est le pendant métaphysique des Misérables. Prolongement Hugo vit tragiquement l’expérience de la mort et de l’exil. C’est une descente en Enfer, une confrontation avec l’abyme. C’est aussi la découverte de la compassion et de la compréhension dont doit être capable le poète-prophète, à l’écoute de toutes les créatures, même déchues, même inanimées. On peut prendre du recul par rapport aux expériences étranges réalisées par Hugo pour parvenir à la conviction qu’un souffle palpite dans chaque être, voire 12 Le poète, arpenteur du monde |


195

06/09/11 11:52

dans chaque chose. L’expérience des tables tournantes, la croyance en l’échelle des êtres, par exemple, déconcertent. Pourtant, se dessine là une des thèses les plus fortes de Victor Hugo : la souffrance et la misère sont dignes d’être écoutées, exprimées dans un langage articulé qui leur confère clarté et dignité. C’est la mission du poète-prophète, tellement brisé lui aussi qu’il est à l’unisson de la douleur du monde.

6. Le dernier hémistiche est isolé par la typographie, la suite de l’alexandrin étant écrite après un blanc, en retrait. La métrique, détachant chaque nom par une virgule, met aussi en valeur ce vers où se ramasse en un cri la thèse du poèteprophète : « tout vit ! ».

VERS LE BAC Invention On peut demander aux élèves de dresser l’inventaire des consignes implicites : le journal intime réclame une écriture à la première personne, sous forme fragmentaire, avec les temps du discours, un peu de recul, etc. Pour cela, on peut leur demander de se souvenir de journaux intimes qu’ils peuvent avoir lus (Le Journal d’Anne Franck, Cathy’s book , etc.). La découverte de l’île suppose des passages descriptifs, sertis dans un propos lyrique. Repérer les éléments importants du dessin (dolmen, océan, monticule) permettra de bien organiser la description. D’autant que ces éléments signifiants n’étaient pas disposés ainsi dans la réalité, selon J. Delalande. Hugo a déplacé le mégalithe au bord de la mer et en surplomb, par exemple. On remarque aussi que le dolmen a la forme d’une lettre (un H), comme souvent dans les dessins de Victor Hugo qui mêle les initiales de son nom à la représentation du monde (voir son dessin transformant les flèches de Notre-Dame en H). On peut, sur ce point, réinvestir les acquis de la page 234. Le thème de l’exil appelle la tristesse, la mélancolie, le regret ou, au contraire, la volonté de vengeance et de châtiment. À chaque élève de regarder le dessin et de s’inspirer des impressions ressenties pour choisir quels sentiments seront exprimés. Pour compléter ce travail sur le ressenti, on peut regarder sur le site de la BnF d’autres dessins de Hugo, réalisés pendant l’exil.

Commentaire Pistes 1) Un dialogue instructif avec la mort a) Un dispositif énonciatif particulier (question 3) b) La question posée par la mort (questions 1 et 2) c) La réponse donnée par la mort (questions 1 et 2) 2) « Tout est plein d’âmes » a) Le chant du monde (questions 5 et 6) b) La fonction du poète-prophète (question 4) On peut aussi commenter l’ordre donné par la Mort au prophète : « Écoute bien » (v. 42). C’est un devoir.

¤

Jules Supervielle, Gravitations, ⁄·¤∞

 p. ¤‹°-¤‹·

Objectif : Travailler sur le thème des promesses de l’aube. Intérêts du texte : Champ lexical de la naissance du monde, découverte du texte fondateur qu’est la Genèse, notion d’harmonie / cosmos / ordre, fonction du poète orphique, capable d’entendre et de célébrer le chant du monde.

Célébrer la naissance du monde LECTURE DU TEXTE 1. Plan du texte : Quatrains 1-3 : premiers murmures de l’aube Quatrains 4-5 : le hennissement du cheval Quatrains 6-7 : le chant de mille coqs sépare la nuit du jour Quatrain 8 : l’eau pleine de lumière et de bruit 2. Au commencement du monde, les créatures sont libres, à l’instar du cheval s’abandonnant sans contrainte au pur plaisir de galoper (v. 20). Avide d’espace libre, il fuit l’attraction terrestre pour s’élancer « comme en plein ciel » (v. 18), « tout entouré d’irréel » (v. 19), connaissant des « gravitations » inconnues. Sa rencontre avec l’homme n’est pas placée sous le signe de la domestication mais de la douceur et de l’harmonie. L’homme avance « à petit bruit » (v. 14), pour ne pas l’effaroucher.



06/09/11 11:52

L’harmonie primitive est aussi musicale. Dès le premier quatrain, on trouve le mot « chant », mis en valeur par l’enjambement des vers 3 à 4. C’est un chant à mille voix (« mille bruits », v. 1 ; « mille coqs », v. 25) où chacun trouve sa place pour que l’ensemble soit euphonique. Même la stridence des cris animaux (hennissement, chant du coq) se fond et se résorbe dans une harmonie supérieure. Les jeux de rythmes et de sonorités de l’octosyllabe rendent sensible cette musique du monde. Qu’on prononce à haute voix le titre du poème : on entend l’allitération en « m » (« matin » et « monde ») et en « d » (« du » et « monde »). On remarque encore l’assonance en « o » au vers 3 : « l’oreille croyait ouïr », harmonie imitative du murmure des débuts. L’harmonie est aussi visuelle : la symétrie et les jeux de miroir font du monde un cosmos, une création bien ordonnée où règnent équilibre et proportion entre les éléments. Ainsi, les vers 5 et 6 mettent l’accent sur la volonté de chaque créature d’être le reflet symétrique de son voisin : « Tout vivait en se regardant / Miroir était le voisinage ». Le chiasme mime l’effet de miroir, insistant poétiquement sur les concordances et correspondances liant entre eux les éléments du « tout ». De même, les étoiles se mirent dans la mer, ce que met en valeur l’enjambement des vers 31-32 : « les étoiles oublièrent / Leurs reflets dans les eaux parlantes ». Enfin, les palmiers, dont le feuillage dentelé se découpe joliment dans l’espace, ont besoin des oiseaux pour parfaire avec eux ce tableau bien composé. Aussi les appellent-ils (v. 11) pour qu’ils viennent. Le premier matin du monde est bien une harmonie.

3. Les images du texte renvoient à la naissance du monde. Le titre, « Le matin du monde », évoque le commencement : le monde émerge des profondeurs nocturnes et (re)trouve son « innocence » première (v. 4). Le premier vers frissonne alors d’un murmure naissant : « Alentour naissait mille bruits ». « Éclosion » (v. 8), « trouvant une forme », « découvrait » appartiennent au même champ lexical. Ainsi, tout matin est le premier jour de la Création. On retrouve la même dimension cosmogonique dans la Genèse. Du chaos primordial, tissé de ténèbres, naît un cosmos, un ordre. La parole divine (comme le chant du coq !) met en ordre le monde en séparant la lumière des ténèbres, puis en créant toute chose.

4. Les éléments du cosmos parlent. En atteste le relevé suivant : les palmiers « appelaient » les oiseaux (v. 11), les coqs « traçaient de leurs chants » les limites des choses terrestres, leur donnant forme et contour. Cette image évoque un monde surgissant de l’engourdissement, du sommeil où se perdent les repères et se confondent les limites. Le chant inaugural du coq réveille le monde, le fait sortir de la brume et met au net des « frontières » bien claires. Il fait passer du chaos au cosmos. Enfin, les eaux sont « parlantes ». On note que c’est le dernier mot du poème, son point d’aboutissement. 5. Chaque matin du monde est une genèse et l’imparfait marque le caractère itératif de cette renaissance. Après chaque nuit, femmes et enfants passent « de l’ombre au soleil », de la nuit à la vie, en deux temps. Leur corps, d’abord sans pesanteur puisqu’il a la consistance des nuages (« À de beaux nuages pareils », v. 22) retrouve la gravité et se met en mouvement, comme le montre le verbe « s’assemblaient » et le complément de lieu ouvrant le quatrain : « dans la rue » (v. 21). Puis, ils recouvrent leurs esprits, retrouvent « leur âme », un temps égarée, peut-être, dans l’ombre. Si l’on donne au poème une portée autobiographique, on peut dire du poète qui contemple d’un œil neuf la beauté du monde et sait la faire advenir en trouvant des mots pour la célébrer, qu’il retrouve goût à la vie, après passage par la nuit de la perte et de la mort, comme Orphée revenant des Enfers. Prolongement Dans de nombreux poèmes, lorsqu’il songe à sa mère défunte, le poète confond nuit et mort, la noirceur extérieure faisant écho aux ténèbres intérieures. La poésie permet de lutter contre l’épaississement de la nuit. « Vous faites voir clairement ce qu’est la poésie pour moi. C’est justement une défense contre la Nuit absolue où je refuse de sombrer ». C’est une façon de faire venir « L’aurore qui tous les jours sort des draps lourds de la mort, / À demi asphyxiée, / Tardant à se reconnaître ».

6. L’homme présenté dans le poème est un poète héritier d’Orphée. Il s’avance « Avec la Terre autour de lui / Tournant pour son cœur astrologue ». Son cœur est le centre du monde, axe 12 Le poète, arpenteur du monde |


197

06/09/11 11:52

autour duquel s’organisent la gravitation des planètes, la danse des étoiles. L’adjectif « astrologue » (v. 16 et note de vocabulaire) renvoie au mythe orphique. Le poète à la lyre comprenait intuitivement l’organisation harmonieuse du monde et, plus précisément, la musique des sphères, c’est-à-dire les lois physiques organisant la matière, faisant de l’univers un Ordre (avec des symétries et des accords) gardé par les Muses et Apollon. Grâce à sa lyre, il pouvait reproduire ces accords et chanter les harmonies du ciel et de la terre.

HISTOIRE DES ARTS On retrouve dans le tableau de Chagall le cheval blanc, la femme, un coq et un poète, la tête à l’envers pour mieux contempler l’astre de la nuit. Le cheval nous regarde d’un œil humain : il n’existe pas de séparation entre les règnes. Dans l’univers de Chagall, comme dans celui de Supervielle, les eaux parlent, les arbres appellent les oiseaux et les animaux nous dévisagent.

VERS LE BAC Commentaire 1) Ode à la beauté génésiaque du monde a) La naissance du monde (voir question 3) b) Un éveil qui va crescendo (voir question 1) c) L’harmonie du monde (voir question 2) 2) Les créatures prennent vie et parole a) Le jour après la nuit ; la vie après la mort (voir question 5) b) Les éléments du monde sont doués de parole (voir question 4) c) Le poète au cœur d’astrologue entend le chant du monde et s’en fait l’écho (voir question 6)

Oral (entretien) Pour mener à bien ce sujet, on peut, dans un premier temps, se demander pour quelles raisons contempler la nature est une « première leçon de poésie ». Plusieurs pistes peuvent être envisagées, qui seront des axes structurant la réflexion : – Célébrer poétiquement la beauté, sentir que l’on en fait partie rend heureux Dans Quotidiennes, Guillevic écrit : « Autrefois,

Quand j’étais gamin, Je me sentais étranger au monde » Mais il conclut en disant : « Maintenant Je n’ai plus d’effort à faire Pour sentir pleinement le monde » Pour lire le poème dans son intégralité : http://franciscombes.unblog.fr/tag/guillevic/ Du monde qui l’entoure, le poète tire une leçon de vie et de bonheur – La nature est source d’inspiration Ex. 1 : Le bateau ivre de Rimbaud, bercé par le rythme des tempêtes et exalté par des visions inouïes, raconte le « poème de la mer » (p. 246-247). C’est pourquoi le poète arpente le monde, voyage au plus près des choses. Il saisit et dévoile la beauté du cosmos, avec un regard neuf et une langue renouvelée. Ex. 2 : Dans le poème de Guillevic, p. 241, la douceur de la nature – feuilles, bourgeons, cieux et eau – se communique à la douceur des mots. Ces mots ont une grande vertu : ils apaisent un quotidien exténuant ou violent. La voix du poète s’efface devant la beauté de la création, se laisse pénétrer par son intensité vivante. – La nature est en correspondance avec la femme aimée « Les soleils brouillés / de ces ciels mouillés » (« Invitation au voyage ») font songer aux yeux de la femme aimée. Et inversement. Les analogies entre la femme et le paysage donnent à tout ce que le poète regarde une profondeur inédite. – La nature, bruissant de chants d’oiseaux ou de rugissements maritimes, est comme un chant, que le poète comprend et dont il exalte la musicalité : Ex. 1 : Autour du poète-prophète, tout palpite, tout vit, tout parle. Telle est la révélation de la Mort au Poète dans la contemplation hugolienne (p. 236-237). Ex. 2 : Le poète-astrologue mis en scène dans « Le matin du monde » va à la rencontre du cheval qui hennit, des oiseaux, des eaux « parlantes » car peuplées de rameurs et de nageuses lumineuses. Il donne à entendre la gaieté du monde sortant de la nuit (p. 238-239). – La nature peut même être assimilée à un texte chargé de significations : qui n’a jamais cherché dans les nuages une forme précise ? Dans un amas rocheux le « rocher du lion », chargé d’histoire et de légende ? Selon R. Caillois, ce réflexe est la première des manifestations de la poésie.



06/09/11 11:52

Ex. : Dans « La jarre cassée », Octavio Paz formule comme un impératif la nécessité de « regarder midi dans les yeux » afin de mieux voir et comprendre la poésie du monde ; il s’agit de « déchiffrer le tatouage de la nuit », « épeler l’écriture de l’étoile et du fleuve » ou « écouter ce que disent le sang et la marée ». Prolongement L’exposition virtuelle de la BnF consacrée à « L’aventure des écritures » prolonge la réflexion d’O. Paz.

‹ ›

Eugène Guillevic, Gagner, ⁄·›· Eugène Guillevic, Terre à bonheur, ⁄·∞¤

 p. ¤›‚-¤›⁄

Objectif : Comprendre comment, dans un langage simple, la poésie contemporaine dit l’essentiel. Dire et nommer les choses, c’est sinon les faire advenir du moins les révéler. Intérêts du texte : Notion de voix blanche, impersonnelle, poème en vers libre, fonction de la poésie : dire le monde et révéler à tous sa douceur.

Prêter sa voix à la beauté et à la douceur LECTURE DES TEXTES 1. Les deux poèmes sont écrits à la première personne du singulier. Mais, contrairement à l’usage le plus fréquent, le pronom « je » ne renvoie pas ici à l’auteur, Guillevic. Les vers 2 et 3 d’« Art poétique » le précisent : « Je ne parle pas en mon nom / Ce n’est pas de moi qu’il s’agit ». Qui parle, alors ? Quand Guillevic écrit de la poésie, il fait le vide, il écoute le monde « présent » dont il devient la « voix » (v. 16, p. 240).

Il entre dans un état fait de disponibilité et d’attention au monde, grâce auquel il peut « vivre en poésie », pour reprendre le titre d’un de ses entretiens. Le destinataire est désigné par « vous » dans le texte 3 et par « tu » dans « Douceur ». Il s’agit de moi, de vous, de l’ensemble des lecteurs.

2. Le poète s’efface, se met à l’écoute du monde pour lui prêter sa voix. On peut parler d’énonciation prophétique (le prophète étymologiquement « parle pour »). En effet, il parle pour les choses du monde. On relève deux déclarations exposant son projet : « je ne parle pas pour moi » (v. 1) ; « Je parle pour tout ce qui est » (v. 6). Le totalisateur « tout » souligne l’ampleur de son ambition. Les vers suivants la précisent : il parle « Au nom de ce qui a forme et pas de forme », « de tout ce qui pèse / De tout ce qui n’a pas de poids », autant dire l’ensemble de la création. 3. « Je ne parle pas », « Je parle » ou « je dis » sont des verbes de parole plusieurs fois repris en anaphore. Ils mettent l’accent sur la puissance de la parole, qui donne un nom à ce qui, sans cela, existe à peine. Elle confère une forme à ce qui n’en a pas. Dans le second poème proposé, la voix disant « la douceur des mots » a le pouvoir de faire advenir « le temps de la douceur », parenthèse apaisante au sein d’un monde brutal. 4. Les mots de « Douceur » suspendent un temps fait de violence, qui « nous vieillit », sans doute parce qu’il nous use. La dureté de ce temps vécu est exprimée par l’alexandrin du vers 4, parfait tétramètre dont les accents mettent en valeur des mots durs (« travail », « harassant »), pleins de rudes sonorités, en [r] ou en [tr]. Les vers 7 et 8, par leur brièveté et leurs allitérations en sonorités dentales ([d] et [t]), insistent aussi sur la cruauté. On relève deux termes forts : « tue » et « massacre ». 5. Le mot « douceur » est associé à plusieurs réseaux d’images : – vers 4-6 : l’entrée dans une temporalité douce, lente, qui offre une coupure par rapport au tempo fatigant d’une journée de travail. – vers 9-12 : vision d’une nature simple (de l’eau, du ciel) mais en travail ; on voit les feuilles « sortir du bourgeon ». – vers 13-15 : chaleur de l’amitié partagée, symbolisée par la poignée de mains. 12 Le poète, arpenteur du monde |


199

06/09/11 11:52

6. Les mots sont simples, presque enfantins, mais disent l’essentiel : la promesse de vie ; la saveur du présent, dont on goûte la durée, sans se presser. 7. Les deux poèmes nous éclairent sur une des fonctions essentielles de la poésie : en nommant les choses, en évoquant le monde, en exprimant des sentiments, les mots du poète leur donnent une consistance, un poids. Ils existent davantage, et mieux. C’est une expérience que chacun peut faire : confier un lourd secret permet de mettre des mots sur ses maux et d’aller mieux, expliquer à voix haute une idée encore brumeuse permet de la mettre au net, nommer pour un petit enfant une chose qui l’enchante pousse une mère, un grand frère à s’extasier à son tour sur le petit bourgeon, le petit oiseau auxquels nul n’avait fait attention, avouer son amour peut faire naître l’amour, etc. C’est pourquoi Guillevic souligne qu’avec les mots, on peut « aller plus loin », « vivre plus » et même « mieux mourir » (v. 11-12, « Art Poétique »). Dans « Douceur », le seul fait de prononcer des paroles empreintes de douceur réconforte et met entre parenthèses la fatigue et la dureté d’une journée de « travail harassant » (v. 4).

HISTOIRE DES ARTS Pour guider l’écriture des élèves, on peut leur demander de rappeler ce qu’est une anaphore et quelle est sa portée poétique. On peut aussi les inviter à donner les trois motsclés que leur inspire le tableau. Après avoir justifié leur choix, ils les développeront dans trois phrases commençant par : « je dis… ». Cela donnera l’armature de leur poème en prose ou en vers libres.

VERS LE BAC Dissertation 1) La caresse des mots peut adoucir le monde Ex. 1 : Christine de Pisan chante sa douleur afin de s’en libérer. Ex. 2 : Ronsard offre en hommage à Marie, la jeune fille en fleur décédée, un poème dont la douceur élégiaque adoucit le deuil. De plus, si la jeune femme n’est plus, la douceur du poème

qui la célèbre la rend immortelle. La mort, la vieillesse cessent d’être menaçantes. Ex. 3 : L’humour de Voiture ou de Marot allège les affres de l’amour et transforme la dure conquête amoureuse en jeu poétique. Le plus souvent, c’est malheureusement la violence des mots qui est efficace et capable de tuer, alors que la douceur d’un poème ne dure que ce que durent les roses, l’espace d’un instant. 2) Prendre sa plume pour une épée Ex. 1 : On peut se reporter au corpus 2 de la séquence 18 (L’idéal humaniste à travers l’Europe) : le rêve d’harmonie porté par les grands humanistes tourne court. Ainsi, la connaissance, le savoir, le raffinement de la poésie et de la musique ne peuvent rien contre la violence qui fait rage lors de guerres de religion. Le tableau de Holbein le pressent, qui met en scène deux humanistes amateurs d’art et de poésie. Ils ne peuvent empêcher l’ombre de la mort de se profiler. De même, les poètes comme Ronsard délaissent les chants célébrant la rose pour le registre épique. Ils s’embrigadent et choisissent leur camp. Leur langue prend feu. Leur éloquence est meurtrière. On peut ainsi comparer et renvoyer dos à dos Ronsard et Agrippa d’Aubigné (p. 369). Ex. 2 : La réécriture que S. Gainsbourg (p. 408) propose de Verlaine est bien cruelle pour la destinataire. La musique et les mots de Verlaine, si doucement mélancoliques, sont ici transformés : ils permettent de régler ses comptes avec la femme aimée et quittée. Les mots font mouche et blessent. 3) Une portée limitée : une parenthèse enchantée La douceur des mots semble réservée à un espace-temps très circonscrit. Ex. 1 : Guillevic, « Douceur » : les mots empreints de douceur n’éradiquent pas la violence mais la mettent entre parenthèses. Le temps de la douceur s’installe quelques instants, chez soi, et fait oublier un moment le rythme violent, usant du quotidien. Ex. 2 : Prévert : « Embrasse– moi » : par la grâce de ces quelques mots d’amour fébrilement répétés, la réalité miséreuse desserre son étreinte et laisse le jeune couple savourer le présent, et dire gaiement : « notre vie, c’est maintenant » (p. 337).



06/09/11 11:52

∞

Jacques Prévert, Grand Bal du Printemps, ⁄·∞⁄

 p. ¤›¤-¤›‹

Objectif : Découvrir les liens entre poésie et photographie humaniste. Intérêts du texte : La démarche du photographe : voir, révéler, fixer ; la démarche du poète : chanter et enchanter le monde ; l’art populaire et ses enjeux ; l’art commercial et ses enjeux, le thème du mur, où s’affiche un message d’espoir.

Faire apparaître le printemps LECTURE DU TEXTE 1. Le décor est très simple. En témoigne la quasi nudité de la photographie, composée d’une palissade où se projette l’ombre maigre d’un arbre et d’un réverbère. On peut être sensible à la pauvreté des matériaux : bois brut mal équarri et papier déchiré, notamment. C’est bien ce que la poésie de Prévert met en exergue par les adjectifs qualificatifs caractérisant le lieu. Le quartier est « pauvre » (v. 2), les affiches « mal collées » (v. 3). « Arbre décharné » rime – pauvrement d’ailleurs – avec « réverbère pas encore allumé » (v. 6-7). 2. Pourtant, par la grâce d’un regard, celui du photographe sachant voir et révéler la secrète beauté du quotidien, les éléments urbains se métamorphosent. Prévert, ami d’Izis, rend hommage à ce travail de magicien. Izis est photographe au sens plein du terme : il saisit la poésie du monde puis, dans le secret de la chambre noire, la révèle et la fixe sur le papier (en plaçant le cliché dans un bain de révélateur puis de fixateur). Les mots de la poésie révèlent et fixent à leur tour la beauté cachée du laid, du pauvre, du souffreteux. On peut commenter le vers 5, très bref : il est composé en tout et pour tout d’un verbe : « illuminent ». Mis en valeur par le rejet et la métrique, ce terme résume le travail du « poète », qui, au sens étymologique, fabrique et forge de la beauté avec ce qu’il a. C’est ce que font Izis, artiste de la lumière, et Prévert, artisan du langage.

3. La lecture pourrait mettre en valeur l’adjectif « émerveillé », dernier mot de la strophe 2. On trouve souvent ce terme sous la plume de Prévert car il renvoie à un « état de poésie ». Il fait écho, par son rythme, sa sonorité et sa disposition dans le vers, à « illuminent ». Il désigne l’état d’esprit d’Izis, ici désigné comme un passant contemplatif, prenant le temps de s’arrêter et de se laisser toucher (v. 22) par la « lumière » (v. 27) d’un « petit monde » (v. 26). 4. Izis est désigné par la périphrase « colporteur d’images ». Sous l’Ancien Régime, un colporteur était un commerçant ambulant, vendant, entre autres, des livres bon marché illustrés de gravures. Le colportage a fait pénétrer le livre et l’image dans les villages reculés et a favorisé l’essor de la culture populaire, en marge des élites. Izis renoue avec cette tradition. En effet, il ne photographie ni les grands monuments ni les œuvres d’art patrimoniales mais une affiche publicitaire modeste, faisant la promotion d’un bal populaire. Cet art commercial conquiert ici sa dignité : il annonce au petit peuple de Paris le retour du Printemps. C’est un message d’espoir lancé au monde encore traumatisé par la guerre. Les photos et poèmes rassemblés dans ce recueil montrent des enfants en loques, des ouvriers « fous de misère » (Prévert). Mais les beaux jours vont revenir : c’est écrit sur les murs de Paris. Prolongement La question de l’art populaire est cruciale dans les années 1945-1950. Fernand Léger, par exemple, a toujours considéré que l’art ne devait pas être réservé aux musées et aux salons des collectionneurs. Il a milité pour que la création existe dans l’espace public. Il voit alors dans la publicité le seul art (au sens plein du terme) qui ose descendre dans la rue et parler à tout le monde. C’est un art gai, plein de couleurs et de joie de vivre. C’est un art expérimental aussi, qui se nourrit des innovations les plus audacieuses (du constructivisme, du cubisme, du surréalisme) pour mieux toucher un public populaire.

5. Le champ lexical de la musique est très présent : sur la photographie, le retour du printemps se fredonne sur un air de jazz. L’affiche annonce en effet la prestation du « Lucio’ls jazz ». Dans le poème, Prévert assimile Izis à un « musicien ambulant » (v. 13). 12 Le poète, arpenteur du monde |


201

06/09/11 11:52

Cette métaphore initiale est filée tout au long de la strophe : il « joue », « le même air », le « Sacre du printemps ». Cette image permet de mettre sur le même plan la photographie humaniste d’Izis, la rengaine du bal populaire et la musique savante de Stravinski, auteur du Sacre du Printemps, ballet résolument moderne. Les œuvres ont en commun en effet l’émotion qu’elles distillent (l’air joué est « intense et bouleversant », v. 18).

6. La capacité à enchanter le lieu où l’on se trouve et le temps que l’on passe est exprimée par le chiasme des vers 19 et 20 : A B Pour tempérer l’espace B A Pour espacer le temps Cette figure de style permet de mettre l’accent sur la puissance de la musique : elle modifie notre perception de l’espace et du temps ; elle embellit le lieu et le moment. C’est ce que fait la photographie d’Izis et, plus largement, toute la photographie humaniste (voir séquence 17).

ÉDUCATION AUX MÉDIAS L’affiche se résume à un texte. On peut demander aux élèves d’évoquer le visuel qui pourrait l’illustrer. C’est un exercice d’imagination mais aussi d’argumentation : il faut justifier chacun de ses choix iconographiques (type de visuel, couleurs, formes, lignes, éléments importants) et expliquer pourquoi ils font rêver.

VERS LE BAC Oral (analyse) Pistes 1) Un quartier populaire ordinaire (voir question 1) 2) Métamorphosé par la poésie (voir questions 2, 5, 6) On peut, pour conclure cette analyse, insister sur l’explication de la dernière strophe : si Izis s’est laissé toucher par la poésie pauvre et poignante du quartier populaire, les « choses et les êtres » aussi sont émus d’être ainsi regardés et aimés. Ils veulent alors se faire beaux « pour lui », expression qui vient clore le poème. On note donc la réciprocité et l’échange. 3) La fonction essentielle de la poésie populaire

Photographie humaniste, poésie de Prévert, musique de bal populaire et affiches publicitaires ont une fonction commune : illuminer le quotidien, l’enchanter, le nourrir d’espoir. Il faut annoncer et peut-être faire advenir le « Grand Bal du Printemps », au sens propre (on va danser) et figuré (les jours heureux vont revenir après l’hiver de la guerre). a) L’artiste et le poète sont des colporteurs d’images joyeuses (voir question 4) b) La métaphore de la musique fait retentir le sacre du printemps (voir question 5) c) Un seul et même support : le mur, surface urbaine où s’écrit un message d’espoir. Le message peut être typographié (lettres) ou photographié (jeu d’ombre et de lumière).

ROMPRE LES AMARRES

Charles Baudelaire, Les Fleurs du mal,

§ Charles Baudelaire, ‡ Petits poèmes en prose, ⁄°∞‡

⁄°§·

 p. ¤››-¤›∞ Objectif : Découvrir les correspondances, les liens unissant la femme aimée et le pays dont rêve le poète. Intérêts : Correspondances horizontales, verticales, notion d’harmonie.

Invitation au voyage LECTURE DES TEXTES 1. La femme est conviée à un voyage imaginaire vers une terre idéale dont les deux textes célèbrent la beauté. Dans le poème en vers, le champ lexical de la beauté apollinienne, fondée sur l’ordre et la stabilité, est très présent. Les deux heptasyllabes du refrain exaltent régulièrement son harmonie dans une énumération de cinq noms, mis en valeur par l’enjambement et la distribution des accents : « ordre et beauté / Luxe, calme et volupté ».



06/09/11 11:52

Le poème en prose est à l’unisson : le luxe et l’ordre se complètent et se reflètent. On peut citer la ligne 6 : « le luxe a plaisir à se mirer dans l’ordre ». De même, le « bonheur est marié au silence » (l. 8-9). Prolongement Si le professeur désire mettre l’accent sur la dimension onirique du voyage immobile : voir dans la rubrique « Vers le bac » le corrigé proposé pour le commentaire comparé.

2. Le pays situé « là-bas », très loin, peut-être en dehors du monde terrestre, est idéal au sens platonicien : il abrite des formes parfaites, que l’âme a pu admirer en rêve ou dans une « vie antérieure » (titre d’un des poèmes des Fleurs du mal). Le poète, exilé sur terre, vit dans la nostalgie de cette beauté absolue, entraperçue entre rêve et réminiscence. Il est convaincu que voyager avec la femme aimée permettrait de le retrouver, comme on retrouve le pays de ses origines. C’est pourquoi les éléments de ce territoire lointain, le mobilier de la chambre orientalisante, lui parleraient « sa douce langue natale » (v. 26). On peut parler de correspondances verticales (voir l’encadré p. 245). De même, dans le poème en prose, le locuteur évoque son étrange nostalgie pour un pays imaginaire, qu’il n’a sans doute vu qu’en rêve et auquel lui font penser les yeux de la femme aimée. On peut citer la phrase suivante : « Tu connais […] cette nostalgie du pays qu’on ignore », parce qu’il est au-delà du monde sensible. 3. La strophe 2 propose un resserrement de l’espace. On entre dans la maison, puis dans la chambre qui abriterait les amants. C’est un lieu clos où règne la douceur. Les lumières sont indirectes et tamisées : elles sont constituées de reflets renvoyés par des « miroirs profonds » (v. 21) ou par des « meubles luisants / Polis par les ans » (v. 15-16). C’est pourquoi la strophe se clôt par l’adjectif « douce ». 4. Le vers 38 évoque les flamboiements du soleil couchant en faisant miroiter deux couleurs somptueuses, évoquant respectivement une pierre et un métal précieux. Pour montrer ces riches matières à la manière d’un écrin, le vers de cinq syllabes joue avec les sonorités. On entend

une allitération en [d] et [t], deux dentales. De plus, la diérèse (« d’hy-acinthe ») allonge ce mot rare et invite le lecteur à le mettre en relief. Une fois de plus, le lieu idéal offre au regard sa beauté lumineuse et luxueuse. Notons que l’hyacinthe est aussi une fleur (une jacinthe) : l’odorat est discrètement convoqué. Cette synesthésie fait écho à la strophe précédente, riche de ses lourdes senteurs, faites de « rares fleurs » (v. 18) et d’ambre (v. 20).

5. La femme idéale est à la fois désincarnée et sensuelle. Elle est celle pour qui on nourrit un amour platonique. « Mon enfant, ma sœur », pour citer le vers 1 devenu si célèbre, la présente en effet comme une jeune femme que l’on chérit d’un amour qui n’est pas charnel. Notons que « sœur » rime avec « douceur », ce qui met l’accent davantage sur la tendresse que sur la passion enflammée. Pourtant, la chambre que le poète partagera avec elle est un décor évoquant l’amour sensuel. La décoration, splendidement orientale, est chargée : « riches plafonds » rime avec « miroirs profonds ». (v. 21-22). De même, les parfums sont entêtants. En effet, trois vers évoquent l’alliance de la senteur végétale (« les plus rares fleurs ») et de la fragrance d’origine animale, lourde et sensuelle (voir note 2, sur « ambre »). Ainsi, la femme baudelairienne permet la réconciliation des contraires. 6. La femme idéale est à l’image du pays imaginaire. Le vers 6 l’affirme : elle est invitée à se rendre « au pays qui [lui] ressemble ». Plus précisément, le poète perçoit des correspondances horizontales entre son regard embué de larmes et le paysage nimbé de lumière liquide. On relèvera les deux vers de cinq syllabes évoquant l’éclairage, dont les allitérations en [l] et la rime riche font entendre des sonorités liquides : « Les soleils mouillés / De ces ciels brouillés ». On retrouve le même champ lexical et les mêmes sonorités au vers 12, évoquant cette fois les yeux de la femme aimée, « brillant à travers leurs larmes ». L’harmonie imitative rend sensible l’éclat trouble, brouillé de l’éclairage et du regard, et renforce leurs correspondances secrètes. 7. Le voyage des bateaux s’achève sur les canaux embrasés par le soleil couchant. Ils sont venus « du bout du monde » (v. 34) pour assouvir les 12 Le poète, arpenteur du monde |


203

06/09/11 11:52

désirs de la jeune femme (en produits exotiques ? en images marines ?). C’est vers elle que convergent les bateaux. Elle motive leur voyage et en est le point d’aboutissement. De même, elle est celle qui donne au poète l’envie de partir « làbas », au pays dont elle est le troublant reflet. On peut parler d’un voyage ultime, un point d’aboutissement où ils pourront vivre « ensemble » pour mieux « Aimer et mourir » (v. 5). Enfin, parce que son corps est en correspondance avec un territoire idéalisé, elle est la muse, à la fois source et destinataire de « L’invitation au voyage », en vers et en prose. Prolongement On pourra consulter le « parcours de lecteur » consacré à Baudelaire dans le manuel de Seconde (chapitre 4).

VERS LE BAC Oral (analyse) Pistes pour construire la réponse à la question proposée. Pré-requis : on peut inviter les élèves à lire l’encadré page 245 afin de voir ou revoir avec eux la notion de correspondance. 1) Correspondances verticales a) Correspondances entre les yeux de la femme aimée et le ciel du pays rêvé (voir question 6) b) Correspondances entre la chambre des amants et la « douce langue natale » (voir question 2) 2) Correspondances horizontales a) Synesthésies (voir question 4) b) Création d’un monde où tout est harmonie (voir questions 1 et 3)

Commentaire HISTOIRE DES ARTS La toile de Chassériau est orientalisante. L’orientalisme, terme répandu dès 1830, ne désigne pas un style mais un climat se développant dans la peinture française aux XVIIIe et XIXe siècles : artistes et écrivains sont séduits par la puissance de dépaysement d’un Orient imaginaire. Chassériau n’a effectué qu’un bref voyage en Algérie en 1846 mais il s’en inspire pour rendre la sensualité des femmes de harems. La jeune fille, la tête à demi inclinée, voit ses courbes mises en valeur par l’ondoiement du vêtement ; ses bras blancs et ronds sont caressés par la lumière. Son visage se détache avec netteté sur un fond d’ors et d’orange. Le peintre collectionne enfin les objets exotiques : instruments de musique arabisant, tapis, sofa, petite babouche brodée sont autant de signes faisant rêver à un « ailleurs ». Enfin, la lourde tenture rouge, qui fait songer à un rideau de théâtre, s’entrouvre sur un paysage exotique : elle guide le spectateur vers ce hors-champ lointain, plus deviné qu’offert au regard. C’est en ce sens qu’il est « une invitation au voyage ». Prolongement On peut consulter sur le site du musée d’Orsay la fiche consacrée à « L’orientalisme » et organiser une exposition virtuelle présentant des tableaux de Renoir ou Delacroix, peintre dont on sait qu’il était admiré par Baudelaire.

1) Une invitation au voyage immobile, rêvé a) Poème en vers : « songe » est un verbe à l’impératif. L’invitation est formulée comme une injonction à rompre les amarres d’avec le monde réel. On retrouve l’impératif à l’ouverture de la troisième strophe : « vois ». Se déploie alors une vision complète et poétique du pays rêvé. Pour en analyser le faste et la beauté : voir question 4. b) Poème en prose : on trouve le verbe « rêver », point de départ au voyage onirique. Il est conjugué à la première personne du singulier donnant un tour plus intime à l’invitation au voyage immobile, avouée sur le ton de la confidence personnelle. On découvre la présentation d’« un pays de Cocagne […] que je rêve de visiter » (l. 1). La dimension onirique est ensuite suggérée par le terme « fantaisie », qui désigne l’imagination capable d’inventer, de tracer des correspondances et des liens entre réel et idéal. Ici, « la chaude et capricieuse fantaisie » sécrète de « savantes et délicates végétations ». 2) Un pays harmonieux… a) Un univers fait de beauté harmonieuse : voir question 1. Puis, montrer les points communs avec le poème en prose. Baudelaire précise dans les deux cas qu’il s’agit d’un pays oriental : c’est un pays « qu’on pourrait appeler l’Orient de notre Occident, la Chine de l’Europe » (première strophe). Le poème évoque aussi sa « splendeur orientale » (v. 23). b) Un univers tissé de douceur : voir question 3. Comparer avec le thème de la tranquillité, filé dans le poème en prose.



06/09/11 11:52

3) À l’image de la femme aimée Les correspondances entre la femme et le pays : voir question 6. Le poème en prose met lui aussi l’accent sur la troublante ressemblance entre la femme et le pays : c’est un lieu poétique « où tout vous ressemble, mon cher ange ». Prolongement Ce poème a été mis en musique par Claude Debussy, Henri Duparc ou Léo Ferré.

8

Arthur Rimbaud, Poésies, ⁄°‡⁄  p. ¤›§-¤›‡

Objectif : Découvrir un poème de la rupture.

L’ivresse de l’inconnu LECTURE DU TEXTE 1. Le poème est écrit à la première personne (« je »). Elle désigne le bateau et le poète, qui rompent les amarres. C’est une rupture brutale. Les strophes 1 et 2 racontent que ce bateau de marchandises, « porteur de blés flamands et de cotons anglais » (v. 6), a été attaqué par des « peaux-rouges » du nouveau monde. Ils ont massacré les « haleurs ». Libéré, le bateau dérive vers la mer. Dès le premier quatrain, la sensation de libération est palpable : le bateau n’est plus remorqué, « guidé par les haleurs » selon un itinéraire ancien. Le vers 8 complète ce constat d’indépendance : « les Fleuves m’ont laissé descendre où je voulais ». Il s’agit donc bien d’une rupture brutale, offerte par les circonstances extérieures plutôt que voulue, permettant de se déprendre de la routine, de sortir du chemin tracé à l’avance et guidé. Le poète adolescent, comme le bateau ivre, est en rupture avec le vieux monde, celui des règles anciennes et rassurantes mais étouffantes, « insoucieux » de les voir massacrées, clouées au poteau de torture. 2. Les vers 11 et 12 montrent bien la violence que Rimbaud fait subir à la langue. Il bouleverse le rythme du vers. L’enjambement est brutal, il

rejette et isole un verbe d’action au passé simple (« je courus ! »). La ponctuation exclamative achève de mettre en valeur l’accélération de la course maritime et sa violence grandissante. Surtout, la césure du vers 12 se trouve au milieu d’un mot composé, évoquant lui-même le désordre du monde : « tohu-/ bohu ». D’autres procédés stylistiques évoquent le rugissement de la tempête et le tangage du bateau : – Une suite d’oppositions exalte la violence et le danger, les célèbre comme une chance : les « tohu-bohus » sont pour lui un triomphe (v. 12) ; la « tempête » est une bénédiction (v. 13), l’eau verte qui fait sombrer le navire est amère et « douce » (v. 17). – Le rythme des vers, régulier dans les deux premiers quatrains évoquant « les fleuves impassibles », s’emballe dans les trois suivants. La structure 4/4/4 du vers 12, par exemple, imite le navire ballotté par l’océan. Plus loin, la dissymétrie du vers 16 (« Dix nuits / sans regretter l’œil niais des falots ! ») et le rejet du vers 20 cassent le rythme de l’alexandrin. En revanche, certains enjambements (v. 9-10, 11-12, 13-14) donnent une impression de glissement. L’alternance glissements / chocs évoque le tangage du bateau sur la mer.

3. Dans sa lettre du 15 mai 1871 à Paul Demeny, Rimbaud expose son programme poétique : « Je dis qu’il faut être voyant, se faire voyant. Le poète se fait voyant par un long, immense et raisonné dérèglement de tous les sens ». Ainsi, « il arrive à l’inconnu, et quand, affolé, il finirait par perdre l’intelligence de ses visions, il les a vues ». Le Bateau ivre, écrit la même année, apparaît comme la transposition de ce programme. Le lecteur, des strophes 6 à 9, suit les dérives étourdissantes du navire, qui débouchent sur la vision d’un monde inédit. Ces strophes reposent sur un canevas réaliste simple, organisé en trois tableaux : reflets du soleil dans la mer (strophes 6 et 7), accidents atmosphériques (strophe 8), coucher du soleil (strophe 9). Mais ces trois tableaux, très composés, narrent une expérience extrême, visionnaire. L’idée de dérèglement, d’ivresse, peut être transmise par la confusion des repères : le ciel et la mer ne sont plus séparés, la mer semblant dévorer l’azur du ciel et absorber ses étoiles (voir note 6). 12 Le poète, arpenteur du monde |


205

06/09/11 11:52

Balloté sur la vaste mer, acceptant sa loi, le bateau subit et voit (« j’ai vu ») ce dont la nature est capable : « les cieux crevant en éclairs », « les trombes », les « ressacs et les courants », « les flots roulants ». Rythmes et allitérations en [r] rendent sensibles la dureté et la beauté de cet apprentissage. L’emploi de mots rares, avec une orthographe archaïsante (« rhythmes », v. 26), de néologismes (« bleuités », v. 25) disent le caractère inédit de l’expérience. Enfin, le lexique des couleurs transforme le spectacle de la mer en vision bigarrée, étrange : « azurs verts », « bleuités », « rutilement », « rousseurs amères », « longs figements violets » (v. 34), outrepassant tout ce qu’il connaissait.

4. Le cinquième quatrain décrit le naufrage (v. 17-18) et le démantèlement du bateau (v. 19-20). La liberté a donc ses risques. Cependant, naufrage et noyade sont une délivrance : ils permettent de rompre avec les attaches affectives, les normes de la poésie, les conventions sociales, les vieilles idées. Cette allégorie de la révolte qu’est le Bateau ivre est alors présentée comme un sabordage joyeux, accompli « sans regretter » (v. 16). On le voit filer vers la mer où les vagues le laveront des ultimes traces humaines (« des taches de vin bleu et des vomissures », v. 19), puis, le débarrasseront des derniers instruments de navigation : « gouvernail et grappin » sont dispersés (v. 20). Le bateau exprime ainsi son indifférence à la sécurité. C’est pourquoi il qualifie les falots, lumières si réconfortantes pour les marins, d’« œil niais » (v. 16). Par cette métaphore, les lanternes sont comparées à des yeux au regard imbécile. À l’inverse, l’œil qui contemple de visu la mer immense accède à une vision neuve. C’est un monde nouveau, né d’une mer « lactescente », semblable à un lait nourricier. Il brille de couleurs inédites (voir question précédente). Son étrangeté s’exprime par les métaphores, comme celle assimilant l’Aube à un « peuple de colombes » (v. 31). Les synesthésies font de l’eau verte une saveur (douce-amère), une couleur, une « chair de pomme sure ». Le noyé « pensif » rencontré par le bateau partage la même expérience. Semblable au noyé hugolien qui a contemplé l’infini, il est « ravi », l’adjectif ayant ici le double sens d’enlevé / extasié.

5. La mer est un poème, et même le Poème, à la fois texte plein de fureurs nouvelles et mère lactescente enfantant une poétique révolutionnaire, débarrassée « de la forme vieille ». C’est pourquoi la mer et l’écriture partagent un même vocabulaire. Les vagues font entendre des « rhythmes lents » (v. 26), « plus vastes que nos lyres » (v. 27). Ainsi, le voyage du bateau ivre est la métaphore filée de l’aventure d’une écriture, lancée à l’assaut du nouveau.

VERS LE BAC Invention On peut rappeler aux élèves les contraintes inhérentes au genre de la nouvelle : – respect du schéma narratif ; – choix d’un registre cohérent ; – respect des temps de la diégèse au passé (imparfait et passé simple).

Dissertation 1) Voir l’inconnu – Dans la lettre à Demeny, Rimbaud insiste : « Je dis qu’il faut être voyant, se faire voyant » : le poète, parce qu’il se déprend des habitudes, voit ce que nul n’a su voir avant lui, entend l’inouï, dépasse les apparences pour révéler l’inconnu. – Comment ? Ex. 1 : l’expérience du deuil et de la mort : voir texte de Victor Hugo. Ex. 2 : par la création des correspondances, il explore ce qui se situe « là-bas » : voir textes de Baudelaire. Ex. 3 : par un « long, immense et raisonné dérèglement de tous les sens », ce qui suppose de conserver assez de lucidité dans l’ivresse. 2) Le poète « voleur de feu » Rimbaud compare le poète qui forge une langue inédite à un Prométhée moderne, à un « voleur de feu ». Cette comparaison glorieuse précise le rôle du poète : il donne son « invention » à tous, hommes, animaux. 3) Le poète porteur de progrès Le poète est catalyseur de progrès, un rôle irremplaçable dans la marche de l’Humanité. Ex. : voir Hugo, préface Des Rayons et des Ombres.



06/09/11 11:52

· ⁄‚

Victor Segalen, Stèles, ⁄·⁄¤ Octavio Paz, Liberté sur parole, ⁄·∞°  p. ¤›°-¤›·

Explorer le champ du possible LECTURE DES TEXTES 1. Le plan du texte suit l’itinéraire du bon voyageur. En voici les étapes : – strophes 1 et 2 : parcourir les villes et les montagnes ; – strophes 3 et 4 : goûter le repos de l’esprit ; – strophes 5 et 6 : découvrir, dans l’ivresse, la diversité du monde. L’adverbe conclusif « ainsi » (l. 11) dirige le voyageur vers un point d’aboutissement : « tu parviendras […] aux remous pleins d’ivresse du grand fleuve Diversité ». Le dernier mot du poème, « Diversité », mis en valeur par la majuscule, révèle, in fine le but du voyage et le sens du poème. 2. La situation d’énonciation est originale : le poète (feint de) transcrire le texte d’une stèle. Ce texte gravé dans la pierre s’adresse directement « au bon voyageur », amicalement tutoyé. L’impératif ne relève pas de l’ordre impérieux mais du conseil affectueux. Les sonorités fluides en [l], les rythmes basés sur des effets de reprises (« l’une ou l’autre » / « l’une et l’autre ») ou le chiasme (« Ville au bout de la route et route prolongeant la ville », l. 1) confèrent d’ailleurs une certaine douceur au propos. Les stèles proposent davantage une façon de vivre plutôt qu’un itinéraire rigide, trop guidé. 3. Pour le poème de Segalen, on peut citer un des conseils gravés sur la stèle : « ne choisis donc pas l’une ou l’autre, mais l’une et l’autre bien alternées ». Il s’agit d’un paradoxe : opter pour deux choix contraires semble contradictoire. Cela revient à ne pas faire de choix et à tout essayer. Le poète (via la fiction des stèles) invite à éprouver la vie dans toute sa diversité, à voyager sans cesse, « sans arrêt ni faux pas » (l. 11). Il pousse

à aller au contact du monde avec une grande douceur (le pas sur la dalle doit être une caresse, l. 4) mais sans jamais s’arrêter. On peut ainsi multiplier les expériences et les connaissances, sans jamais en tenir une pour définitive (« Ne crois pas à la vertu d’une vertu durable », l. 8). Le poème d’Octavio Paz repose sur la même invitation paradoxale : invité à parcourir le monde en tous sens, le voyageur ne doit s’arrêter « ni à l’intérieur, ni à l’extérieur, ni en haut ni en bas » (l. 9). Cette injonction est toutefois davantage prescriptive, comme en atteste la formule liminaire « il faut » (l. 1). Il est nécessaire d’explorer fiévreusement le monde dans toutes ses directions, dans toutes ses dimensions spatiales ou temporelles. On relève, dès la première strophe, « vers l’intérieur, vers l’extérieur ». La seconde et la troisième strophes invitent à regarder « la nuit » et « midi dans les yeux » ; à « se baigner dans le soleil » et à admirer « l’étoile ». Il faut donc contempler la beauté du monde sans relâche, dans toute sa diversité réconciliée : « l’aube est chargée de fruits, le jour et la nuit réconciliés glissent comme un seul fleuve paisible. »

4. Il n’est pas fait mention de lieux précis. Dans le poème de Segalen, les termes génériques invitent à suivre un itinéraire allant de la « Ville au bout de la route » au « grand fleuve Diversité » en passant par « Montagne » et « plaine ronde ». L’absence d’article renforce encore le caractère générique des lieux-clés énumérés. De même, Octavio Paz évoque les grands éléments naturels : « la nuit », « le soleil », « l’étoile », etc. Chacun est mis en correspondance avec l’être humain : « il faut écouter ce que disent le sang et la marée, la terre et le corps ». Ainsi, le corps humain, microcosme, est relié au macrocosme, dans un mouvement d’ouverture au monde. 5. Le voyage est l’occasion d’écouter et de déchiffrer le monde, assimilé à un texte, à un ensemble de signes, de mots, de hiéroglyphes. La nuit est tatouée (l. 3), l’étoile et le fleuve sont une « écriture » dont il faut « épeler » les lettres afin de la comprendre (l. 5) et la terre recèle en son sein « une parole perdue » qu’il faut « désenterrer » (l. 1). Le poème met l’accent sur une des fonctions essentielle de la poésie : scruter, au contact du cosmos, les signes qui zèbrent la surface du monde. 12 Le poète, arpenteur du monde |


207

06/09/11 11:52

6. Ce rapport au monde, qui n’est pas cartésien, peut déconcerter. Chaque élève peut présenter la phrase ou la strophe qu’il juge étrange, qui invite à regarder la nature autrement, comme on la regardait encore au Moyen Âge ou à la Renaissance, lorsqu’on était convaincu que microcosme et macrocosme étaient en correspondance. Mais le réseau secret des échos ne peut exister sans un regard qui le contemple, sans une attention qui l’écoute. C’est la fonction dévolue au poète.

ÉCRITURE Argumentation Pistes : Le poème de Segalen promeut le dépouillement. Il invite à quitter momentanément ses contemporains, à se défaire des autres : « Seul si tu peux, si tu sais être seul » (l. 7). Il conseille aussi de ne jamais s’attarder trop longtemps dans un lieu confortable : il faut en permanence quitter « l’asile », « l’étable », bons pour le troupeau qui accepte le « licol ». Ce faisant, son voyageur conquiert une autre forme de richesse, qui le rend sage : il découvre la richesse et la diversité du monde. Il en caresse la beauté et sait ainsi trouver le repos de l’esprit, dans la solitude et le silence. C’est l’intérêt de cette quête que les élèves sont amenés à discuter, en s’appuyant sur leur vécu, sur des textes non littéraires (articles de presse, etc.) ou poétiques.

VERS LE BAC Commentaire Pistes pour le commentaire : 1) Guider le voyageur a) Le texte propose une feuille de route. La destination finale est la découverte de la diversité, mot-clé de la stèle dont le poème est la figuration : voir question 1. b) L’itinéraire proposé est vaste, sans localisations précises. Voir question 4. c) Ce parcours est empreint de douceur. Le voyageur est encouragé à caresser « les dalles où le pied pose bien à plat ». Il s’effectue « sans mérites ni peines ». Ce cheminement paraît sans effort, avec des moments de recueillement : « Repose-toi du son dans le silence, et, du silence, daigne revenir au son. »

2) Vers une forme de sagesse a) Le voyageur est invité à se déprendre de ses habitudes, à quitter le confort des villes et le réconfort des amis, s’il le peut. Tout le poème repose sur l’énumération de dépouillements successifs. On relève les nombreuses occurrences des privatifs « sans » : « sans arrêt ni faux pas, sans licol et sans étable, sans mérites ni peines ». Il parviendra ainsi à se défaire aussi des systèmes de pensée et des croyances toutes faites, qualifiées de « marais des joies immortelles ». b) C’est ainsi qu’il peut s’ouvrir à la beauté du monde dans sa grande diversité. Pour ce travail de découverte, tous les sens sont convoqués. « Le regard » est encerclé par la montagne puis libéré par la plaine ; le pied caresse les dalles ; l’oreille écoute le chant du monde ou le silence. Enfin, l’odorat et le goût, exaltés par « quelque forte épice qui brûle et morde et donne un goût même à la fadeur », savent goûter la vraie richesse du monde. C’est, pour Segalen, une forme de sagesse. Prolongement On peut découvrir des pierres gravées sur le site du musée Guimet.

⁄⁄

Francis Ponge, Pièces, ⁄·§⁄

 p. ¤∞‚

Objectif : Découvrir la notion d’« objeu ».

En selle LECTURE DU TEXTE 1. La paronomase juxtapose « embaume » et « empaume », comme s’il y avait une proximité de son et de sens entre le parfum du voyage et le passage à l’acte, le départ. Le premier entraîne le second. Le voyage peut commencer. Il s’agit d’un voyage physique, comme en témoignent les précisions géographiques qui créent l’effet de réel. On peut citer la première phrase : « Ma valise m’accompagne au massif de la Vanoise ». Il s’agit surtout d’une rêverie poétique, nourrie par les jeux avec le langage. Ponge empaume sa valise, il s’en empare pour en faire un objet plein de jeux poétiques : un ob-jeu. En effet,



06/09/11 11:52

la personnification de la valise, les images qui l’animent mais aussi les jeux de reprises (« selle et bride, bride et sangle » l. 6-7) emportent le « voyageur moderne » (l. 8) dans le domaine de la création poétique.

2. Le verbe « j’empaume », renvoyant à une action concrète et énergique, est suivi d’une proposition qui en précise le sens : « je lui flatte le dos, l’encolure et le plat ». Au sens propre, le voyageur passe la main sur le dos de sa valise qui sent si bon le cuir. Au sens figuré, on assiste à la personnification de la valise, flattée comme un animal et pourvue d’un dos, d’une encolure, comme les chevaux. Même l’odeur de cuir est cohérente : elle évoque celle de la selle. La métaphore cavalière est ensuite filée à vive allure. « Comme un cheval » (l. 5), elle est « fidèle contre mes jambes ». Le personnage la « selle » et la « harnache ». Les répétitions finales accélèrent encore le rythme : « selle et bride, bride et sangle, sangle ou dessangle ». Cela permet de conclure, sur un rythme enlevé : la valise est « un reste de cheval », un reste de nomadisme libre et échevelé, même si les vacances se résument souvent à l’univers de « la chambre de l’hôtel proverbial » (l. 7). 3. Le jeu des répétitions montre la succession des actions à opérer pour maîtriser la valise-cheval. En permanence, il est question de bride et de sangle, outils qui servent à canaliser, guider, contenir. Et il faut garder le rythme pour dominer sans contraindre. On peut interpréter cet enchaînement comme une métaphore du travail poétique. Un simple objet, par son odeur, déclenche l’imagination et emporte le poète dans la rêverie débridée. Mais il faut rester en selle, ne pas se laisser désarçonner par l’afflux des images ! Pour ne pas jouer n’importe comment avec les objeux, il faut maîtriser, dans une syntaxe rythmée, le double sens des mots, la paronomase, la métaphore filée, les mots-valises et les jeux de reprises. Cette conception de la poésie nous renvoie à son sens étymologique : le poète est un artisan qui connaît les règles du jeu, qui peut les bousculer mais qui s’appuie sur elles néanmoins pour forger et fabriquer un poème maîtrisé.

Prolongement On retrouve la même conception de la poésie dans « L’huître » : l’huître, d’apparence rugueuse

et grossière, contient un trésor. Patiemment, elle a fabriqué une perle. Le poète est comme une huître : il se donne beaucoup de mal pour fabriquer un trésor. L’huître est difficile à ouvrir mais cet effort est récompensé.

HISTOIRE DES ARTS L’œuvre de César montre une valise entrouverte dont le contenu se répand. C’est une « valiseexpansion », mot-valise créé pour l’occasion avec humour. En la regardant, on peut imaginer qu’une valise contient beaucoup plus que ce que l’on pourrait croire. Mais que contient-elle ? Qu’est-ce que j’ai mis dans ma valise ? Qu’est-ce que cette matière blanche ? Plusieurs hypothèses sont permises : c’est du rêve, des souvenirs, de futures désillusions (voir texte de Lévi-Strauss, p. 328-329), c’est une page blanche de ma vie qui n’est pas encore écrite, etc. Ce petit détour par l’imaginaire permet de mieux comprendre une phrase de Ponge. Dans le texte, la valise-cheval connaît une autre métamorphose. Elle devient un coffre comparé à « un livre plein d’un trésor de plis blancs ». La valise contient tout un jeu de possibles, les pages du grand livre de la vie qui restent à écrire, les pages de toutes les poésies qui restent à composer.

VERS LE BAC Invention Pour guider l’imagination des élèves, on peut leur demander de lire quelques poèmes du Parti pris des choses : « L’huître », « Le cageot », « Le verre d’eau », « Le mimosa » sont les plus abordables. Puis on peut leur proposer de s’appuyer sur la question 3 pour dresser l’inventaire des figures poétiques qui transformeront leur objet quotidien en poème.

Oral (entretien) 1) Un riche parfum (reprendre la question 1) On peut faire un lien avec la théorie des correspondances de Baudelaire : c’est souvent un riche parfum qui fait voyager « là-bas ». 2) Filer la métaphore (reprendre la question 2) 3) Une rêverie maîtrisée par le langage (reprendre la question 3) 12 Le poète, arpenteur du monde |


209

06/09/11 11:52

⁄¤

Gilles Ortlieb, Poste restante, ⁄··‡

 p. ¤∞⁄

Objectif : Assister à une modification, au sens que Butor donne à ce terme. Intérêts du texte : Écriture du temps et de l’espace, description d’un paysage d’âme.

Voyager et devenir un autre LECTURE DU TEXTE 1. Il est 3 h 56. Le wagon tout entier est plongé dans un sommeil épais, tombé comme une chape sur des personnes entassées, fatiguées, saisies en pleines « conversations inachevées » (v. 12). Ce n’est pas un wagon de première classe : le convoi est « bruyant » (v. 1), les freins immobilisent le train « en grinçant » (v. 6). Cela sent « l’oignon entamé, le tabac / Refroidi » (v. 11-12), le rejet mettant l’accent sur la forte odeur de tabac froid. En pleine nuit, monte un inconnu blessé. Les vers 6 et 7 insistent sur la violence subie : on voit « l’arcade sourcilière / Béante sous le sang séché ». Modestie et rudesse caractérisent l’ambiance. 2. Des vers 1 à 4, le train file à travers la campagne à vive allure. On n’a pas le temps de lire le nom des gares, ce qui permettrait de savoir quelle campagne on traverse. Deux groupes à l’infinitif en attestent : « traverser à la sauvette un chapelet de gares » et « trop promptes à nommer / La campagne ». Puis, au passage de la frontière, le train ralentit et s’arrête. L’enjambement du vers 5 à 6, qui allonge la diction, rend sensible ce changement de rythme. Il met en valeur le verbe « s’immobilise ».

L’aube se lève, le relief devient plus accentué, ce qui a pour conséquence une raréfaction de la végétation. On voit « La bruyère supplanter la vigne, et les bordées / D’eucalyptus se raréfier sur les côtés » (v. 15-16). Ces deux notations descriptives mettent l’accent sur une âpreté grandissante, une sécheresse d’épure qui s’accentue. Elle annonce, de manière imagée, la transformation du moi, pendant le voyage. Lui aussi, étape par étape, a changé en l’espace d’une nuit, au point de devenir « un autre ». C’est avec cet « autre », ce moi nouveau né de la nuit qu’il a rendez-vous, au terme de son voyage.

5. Au terme de toute odyssée, « Je est un autre ». Devenir un autre, changer parce que l’on change d’endroit et que l’on regarde le monde avec un œil neuf, pousse le poète arpenteur à voyager. Gilles Ortlieb le formule avec netteté dans une question rhétorique : « à quoi bon, sinon, voyager ? ». On peut rapprocher ce texte du poème de Rimbaud : le bateau ivre, en partance vers l’abîme, connaît « dix jours » de profondes métamorphoses, avant de sombrer, emportant avec lui le souvenir de visions éblouies. Le périple auquel Segalen convie le bon voyageur est aussi un voyage intérieur, permettant de se découvrir, dans le silence et l’ascèse, avant de revenir parmi les hommes et se tremper aux eaux de la diversité. Cette modification (pour reprendre le titre du roman de Butor) n’est pas une façon de se perdre mais au contraire de se trouver, de devenir « soimême » (v. 17). Pour nuancer le propos, on peut aussi constater que le changement tant espéré n’est pas toujours au rendez-vous : Blaise Cendras (p. 325) croque les riches passagers d’un paquebot transatlantique. Ils sont restés désespérément les mêmes, continuant à prendre le thé ou à jouer au decktennis. Pourtant, à rester ainsi les mêmes, ils s’ennuient. Leiris, qui n’est pas poète mais écrivain-ethnographe, fait le même constat. Le voyage ne l’a pas changé. Le rêve de renouveau, lié à l’Afrique, est resté fantomatique.

3. Au vers 4, la campagne aperçue par la vitre du train est personnifiée. Elle est « accroupie », participe passé adjectivé que l’on réserve d’habitude à un être humain. Elle semble éprouver les mêmes sensations de lourd sommeil et d’inconfort que le pauvre microcosme enfermé dans le wagon, comme s’il y avait une porosité entre l’intérieur des êtres et le monde extérieur.

VERS LE BAC Oral (entretien)

4. Des vers 14 à 16, le paysage évolue imperceptiblement, « lentement » (l. 14), tandis que les passagers dorment encore et ne voient rien.

1) Le monde change a) Le poète arpenteur va au contact des autres, au contact du monde : il plonge dans un



06/09/11 11:52

microcosme populaire, écrasé de sommeil (voir question 1) ; il ausculte et interprète le paysage personnifié (voir question 3). b) Il n’hésite pas à en découvrir la violence (description de l’homme blessé). c) Lui seul, dans le wagon endormi, semble sensible aux changements de rythme (voir question 2), puis aux évolutions du paysage (question 4). 2) « Je » change a) Les changements du paysage sont en correspondance avec les changements du moi. Décrire l’extérieur est donc une manière, pudique, de dire et comprendre les évolutions intérieures. En effet, on constate que le poème est écrit de manière presque impersonnelle. Le verbe « Traverser », qui a pour sujet le poète, est à l’infinitif. Son sujet n’est pas grammaticalement exprimé. Il reste dans l’ombre. Pour savoir qui il est, il plonge son regard dans la nuit, observe la campagne puis, quand l’aube se lève, les lentes évolutions géographiques (voir question 4) le renseignent sur ce qu’il est devenu. b) Ces changements ne sont pas une façon de se perdre mais au contraire de devenir pleinement soi-même. C’est lorsqu’on n’est plus dans la routine, dans l’habitude, qu’on se révèle à soi. Le vers 17 l’énonce au présent de vérité générale, à la fin du poème. L’expression « encore une fois » précise qu’il s’agit d’une loi universelle, qui se vérifie tout le temps.

POUR ARGUMENTER : COMMENT LA POÉSIE TRANSPORTE-T-ELLE HORS DES LIEUX COMMUNS ?

sur le mystère du monde. Ce dévoilement est un appauvrissement. À l’inverse, les « métaphores », « images » et « mots poétiques » (l. 11) « évoquent », « font allusion » sans rien dévoiler de manière explicite. La poésie préserve le mystère du monde. Les détracteurs de la poésie n’aiment pas les poètes inspirés, qui semblent habités par le langage et son mystère, obnubilés par la volonté de trouver le mot juste, qui dira la beauté sans la mettre à nue. Ils peuvent sembler « des individus égarés » poursuivant leurs djinns (l. 26).

2. La poésie est obscure parce qu’elle privilégie le détour et n’est pas toujours logique : une image, une métaphore ne disent pas directement les choses. Elles les donnent à comprendre par analogie. Ces figures ne sont pas des procédés tout faits et achevés. Elles font intervenir la sensibilité du lecteur, qui, ainsi, par sa lecture et son travail d’interprétation, complète le poème et lui donne son plein retentissement. T. Bekri insiste sur ce point : « Bien sûr, on peut expliquer la versification […] mais le succès d’un poème réside souvent dans le sens ouvert à la lecture et à l’interprétation. » (l. 15-17). 3. La poésie a offert réconfort et consolation au poète endeuillé. « Arrachés au silence et à la mélancolie » (l. 3-4), les « mots poétiques » offrent un dérivatif, permettent d’oublier la peine, de sortir du mutisme. Le fait que les mots poétiques ne dévoilent pas entièrement le mystère de la mort permet aussi de l’adoucir, de ne pas le regarder trop directement.

VERS LE BAC Dissertation

 p. ¤∞¤

LECTURE DU TEXTE 1. La prose est, selon l’auteur « trop explicite, trop explicative » (l. 7-8). Le logos est en effet un outil puissant : il est capable de tout rendre logique et cohérent. En un mot : explicable. Mais la prose, parce qu’elle veut tout expliquer, (elle est « trop bavarde », elle « ne fait pas l’économie des mots », l. 9), lève le voile

4. Recherche lexicale Lieu commun : 1) Sources où un orateur peut puiser des pensées, des exemples pour étayer ses discours. 2) Idée générale que l’on utilise pour illustrer et étayer une argumentation. 3) Péjoratif : idée couramment reçue, banalité. • Pistes pour la dissertation 1) Langage et lieux communs a) Pour se comprendre, les différents interlocuteurs doivent partager un code, une langue commune, un langage de référence. On ne peut 12 Le poète, arpenteur du monde |


211

06/09/11 11:52

parler ensemble de manière compréhensible en dehors de ce lieu commun, au sens propre. Les témoignages d’écrivains sourds, comme E. Laborit (Le Cri de la mouette) montrent combien on se sent rejeté en dehors de la communauté quand on n’a pas accès à son langage. b) Se comprendre suppose aussi de partager une culture de référence, qui s’exprime par des lieux communs : des thèmes, des motifs et des manières de les exprimer qui sont récurrents (exemple : la femme et la rose sont encore célébrées dans les chansons d’aujourd’hui). 2) Quitter les lieux communs a) Mais se cantonner aux expressions toutes faites, aux métaphores refroidies, aux expressions lexicalisées pose problème : on se comprend facilement mais les idées semblent usées, banalisées. À telle enseigne que l’on n’entend plus vraiment ce que l’on dit. Par exemple, lorsqu’on désigne le bras d’un fauteuil, cette expression est devenue tellement coutumière que l’on ne perçoit plus la personnification qui la rendait originale. On voit un vulgaire fauteuil et non plus une créature mystérieuse. En revanche, quand Cocteau, dans La Belle et la Bête, transforme le bras d’un chandelier en bras humain, il réinsuffle à cette image sclérosée sa poésie originelle, magnifiée par un noir et blanc expressif. b) On comprend la démarche des poètes : ils veulent « redonner un sens plus pur aux mots de la tribu » (Mallarmé). 3) Pour tout l’or des mots a) Comment les poètes travaillent-ils la langue pour la faire sortir des lieux communs et retrouver un mystère excitant ? – néologismes ; – mots-valises ; – prendre une expression au pied de la lettre, afin de redonner aux figures devenues clichés leur souffle poétique ; – images : métaphore et comparaison originales rendent au monde leur mystère. L’image

appartient aux figures de l’analogie, opération fondamentale consistant à définir un mot, évoquer une représentation par le recours à une autre réalité. Cultivant l’implicite, la métaphore sollicite l’imagination du lecteur, libre d’apercevoir la réalité suggérée derrière les mots. Ex. : on peut évoquer la polémique déclenchée par ce vers mystérieux de Saint-Pol-Roux : « Lendemain de chenille en tenue de bal. » Certains ont cru bien faire en l’explicitant, tuant son mystère d’un coup. Voici la réaction d’A. Breton : « Il s’est trouvé quelqu’un d’assez malhonnête pour dresser un jour, dans une notice d’anthologie, la table de quelquesunes des images que nous présente l’œuvre d’un des plus grands poètes vivants ; on y lisait : Lendemain de chenille en tenue de bal veut dire papillon. Mamelles de cristal veut dire : une carafe, etc. Non, monsieur, ne veut pas dire. Rentrez votre papillon dans votre carafe. Ce que Saint-Pol-Roux a voulu dire, soyez certain qu’il l’a dit. » (Introduction au discours sur le peu de réalité). b) Parfois, il suffit de poser un regard neuf sur le monde. C’est ce que fait Supervielle, regardant la création comme si elle sortait de sa genèse. c) La métaphore du voyage exprime bien cette volonté : partir, c’est découvrir une autre langue, une autre culture qui vous fait voir autrement les choses. d) Parfois, il ne s’agit plus d’une métaphore mais d’un voyage réellement effectué, éprouvé. Nombreux sont les poètes arpenteurs : Blaise Cendrars, Segalen ressourcent leur poésie au contact du monde. Certains poètes voyageurs délaissent même la poésie et se contentent de voyager, sans mots (Rimbaud).

5. Piste pour la dissertation sur Jaccottet. L’enjeu du sujet : réfléchir sur la part de mystère qui peut rendre le langage poétique.



06/09/11 11:52

Séquence

⁄‹

Guillaume Apollinaire, Alcools, ⁄·⁄‹ Livre de l’élève  p. ¤∞∞ à ¤§›

Objectifs de la séquence  p. ¤∞∞ – Découvrir les liens entre une œuvre poétique et un mouvement pictural, le cubisme. – Comprendre le rôle fondateur d’Alcools dans la naissance de la poésie moderne. – Étudier des poèmes.

⁄) Entrée dans l’œuvre : l’influence des peintres cubistes

 p. ¤∞§

1. « Zone » (p. 7, éd. Gallimard) évoque une déambulation dans la capitale. Le poète sillonne Paris, note ce qu’il voit, pense à des souvenirs de voyages. Il rêve aussi de paysages imaginaires, les images survenant par associations d’idées. Toutes ces visions, réelles ou oniriques, se superposent. C’est pourquoi le poème est tissé d’images emmêlées. Ainsi, sont évoquées en un kaléidoscope changeant les réalités urbaines modernes qui frappent « la pupille, Christ de l’œil » : la tour Eiffel, l’aérogare de Port-Aviation mais aussi les affiches de publicité pavoisant les « murailles ». On voit également les rues envahies par un flot de directeurs, d’ouvriers ou de « sténodactylographes » – le mot renvoyant peut-être aux dactyles, anciens vers grecs. Pour donner plus d’intensité à ce tableau, les sensations auditives sont convoquées. Dans la rue neuve, retentit le « clairon », la « cloche rageuse » « aboie », la « sirène gémit ». Même les couleurs violentes « criaillent ». La modernité fait entendre une musique dissonante et heurtée, comme en témoigne le rythme du vers et la « déponctuation », créant des effets de contiguïté ou de chevauchement.

Cette réalité contemporaine se mêle aux souvenirs anciens : la « jeune rue » débouche sur ses propres souvenirs d’enfance et le portrait d’un vieil ami, René Dalize. La marche réactive aussi la mémoire des mythes anciens, dont Apollinaire est l’héritier. Ainsi, l’aviateur est un nouvel Icare, personnage qui s’éleva dans les airs à l’aide d’ailes attachées à son corps avec de la cire. Il est escorté par les anges, Enoch, le patriarche biblique qui connut son ascension dans le ciel, Elie, le prophète qui fut transporté au ciel dans un tourbillon et Simon le Mage, qui aurait tant voulu par sa magie s’élever sur un char de feu. Bref, c’est toute la réalité qui décolle et rejoint la région du rêve éveillé. Cette ascension est caractéristique du lyrisme exalté d’Apollinaire. Cette superposition d’images vues ou rêvées peut faire penser au cubisme. En effet, le cubisme peint, en même temps, plusieurs facettes d’un même objet, afin d’en saisir la richesse et la diversité. D’un seul coup d’œil, le spectateur voit la face et le profil, le dessus et le dessous des choses, au mépris des règles traditionnelles de la représentation. Cette réalité, loin de se donner comme une vue naturelle, se présente comme une vision subjective et n’obéit plus qu’aux lois de son créateur, constructeur de formes et de volumes nouveaux. 13 Alcools |


213

06/09/11 11:52

Prolongement Apollinaire s’est reconnu dans les peintres cubistes. Il prend ainsi leur défense dans L’Intransigeant, dès 1910. Les nombreuses études et articles qu’il leur consacre lui permettent aussi de mieux cerner sa propre démarche de poète. Il décide alors que la poésie véritable est une pure création, qui s’affranchit de l’imitation du réel et retrace les contours d’une vision intérieure. À ce propos, Marie-Jeanne Durry écrit que le poète « rend le discontinu psychologique qui est en chacun de nous par un discontinu littéraire. Je crois qu’il a perçu très vivement ce que je voudrais appeler le non-lien logique dans l’âme même. De sorte qu’il est un des premiers à ne plus vouloir tisser un fil qui n’est pas en nous ».

2. Le tableau de Delaunay montre cette volonté de représenter la réalité sous plusieurs angles à la fois. Cela procure une impression de richesse mais aussi d’éclatement, comme si l’unité du réel se morcelait en mille éclats colorés. On remarque aussi que la tour Eiffel, au centre du tableau et du poème, semble s’envoler, tandis qu’autour d’elle les immeubles se tassent et s’effondrent. Ce mouvement d’envol est commun aux deux œuvres. 3. De nombreux artistes cubistes ont peint Paris. On peut citer, bien sûr, toutes les tours Eiffel de Delaunay, les œuvres de Marcoussis (18831941), qui a réalisé une série de gravures pour illustrer Alcools. On y voit un enchevêtrement de monuments parisiens. Prolongement Pour comprendre la démarche des peintres cubistes, on peut consulter le site du musée d’Art moderne de la ville de Paris : mam.paris.fr/. Braque et Picasso réfléchissent sur la représentation volumétrique des objets. Les deux artistes travaillent « en cordée » et aboutissent ensemble à la décomposition de l’objet en volumes géométriques simples, vus selon différents points de vue. Deux ans plus tard, la décomposition est telle que l’objet représenté semble disparaître dans une imbrication de plans. Ce nouveau langage visuel obtient un succès de scandale en 1911, au Salon des Indépendants, où sont exposées des œuvres de Gleizes, Delaunay, Léger. Le terme « cubisme », dont la paternité est attribuée à Matisse, s’impose alors progressivement dans les écrits d’Apollinaire. L’exposition de « La

Section d’or » (1912) rend célèbre le « cubisme écartelé » (Apollinaire) de Metzinger, Delaunay ou Kupka. Ces artistes se démarquent de Picasso par leurs préoccupations : le mouvement, la couleur et la simultanéité. On retrouve dans « Zone », et plus tard dans les calligrammes et les Poèmes à Lou (voir manuel de l’élève p. 220), une même préoccupation capter dans un même élan des sens et des directions contraires, sans que le poème perde son sens global.

¤) L’œuvre et son contexte : Apollinaire, d’un siècle à l’autre 1. « La maison des morts » (p. 39, éd. Gallimard) est une vision d’Apocalypse, au sens étymologique de « révélation », de « vision ». On peut ainsi penser au texte de Saint Jean, dernier livre du Nouveau Testament. Ici, le poème met en scène la vision d’un jeune étudiant : les morts des âges anciens reviennent dans le monde des vivants pour danser avec eux, le temps d’une brève permission. Mais ce poème, à proprement parler visionnaire, n’évoque pas seulement le passé. Des images de la guerre le teintent légèrement. On voit défiler les militaires. On entend les jeunes hommes promettre aux vivantes de revenir. Mais le refrain (« Hélas la bague était brisée ») qui s’insinue au cœur du serment, laisse entendre que la promesse ne sera pas tenue. Le jeune homme ira dans le monde des morts. L’amour, ravagé par la guerre, rejoindra l’éternité de la mort. 2. Le titre du tableau de Delaunay évoque le Champ de Mars et la Tour Rouge, c’est-à-dire la tour Eiffel. Ce monument, moderne, est aussi célébré au deuxième vers de « Zone » à la faveur d’une métaphore l’assimilant à une bergère gardant ses moutons (p. 7, éd. Gallimard). 3. Pistes : Pour quelles raison un poète peut-il vouloir être de son temps ? La réponse principale d’Apollinaire est l’amour de la vie, dans sa bigarrure. Il affirme être en quête de « la vérité toujours nouvelle » et refuse les formules anciennes, toutes faites. On peut citer le premier vers de « Zone » : « À la fin tu es las de ce monde ancien » ou la strophe de « Vendémiaire » dédiée aux « hommes d’avenir récusant le passé ». Ce poème, qui clôt le recueil, offre lui



06/09/11 11:52

aussi un panorama des réalités modernes : usines, villes industrielles, prolétariat urbain auquel il compare sa faculté de produire et de créer : « Les métalliques saints de nos saintes usines Nos cheminées à ciel ouvert engrossent les nuées […] Et nos mains innombrables Usines manufactures fabriques mains Où les ouvriers nus semblables à nos doigts Fabriquent du réel à tant par heure. »

‹) Présentation du recueil : éclats de vie, éclats de verre  p. ¤∞‡ ⁄. L’ivresse d’un titre 1. Dans ces deux poèmes, l’ivresse est joyeuse. Dans certaines traditions, briser le verre dans lequel on vient de boire, lors de l’année nouvelle ou d’un mariage, porte bonheur. L’éclat du verre qui se brise est ainsi lié à la fête, à l’éclat de rire. C’est le cas dans le poème commémorant le mariage de son ami Salmon : « les verres tombèrent se brisèrent / Et nous apprîmes à rire. » C’est aussi le cas dans « Nuit Rhénane » : « Mon verre s’est brisé comme un éclat de rire ». 2. Le tableau cubiste et le recueil font référence à l’alcool et à l’ivresse : on distingue, sur le tableau, une bouteille portant la marque d’un alcool célèbre et un verre posé sur le guéridon d’un café. La composition cubiste provoque une impression d’éclatement (lire le paragraphe p. 256) : on peut y voir une image des effets de l’alcool. De même, pour Apollinaire, l’ivresse est synonyme d’éclatement. Il peut s’agir d’une explosion de joie (voir question précédente) ou, au contraire, d’un sentiment triste, lié au morcellement de l’identité (voir p. 257), aux amours malheureuses qui laissent le cœur brisé. La syntaxe d’Apollinaire, le vers libre qui souvent évoque un alexandrin brisé, les coupes et les rythmes heurtés miment cette idée de fragmentation.

¤. La composition du recueil : une autobiographie éclatée 1. « Les cloches » (p. 98, éd. Gallimard), « Mai » (p. 95) et « La Loreley » (p. 99), appartenant à la suite « Rhénanes », évoquent l’histoire d’amour entre le poète et Annie à travers

le prisme des légendes du Rhin. Apollinaire, séduit par le charme du fleuve et son atmosphère de légende, reprend les personnages mythiques chers aux romantiques allemands Heine ou Brentano. On retrouve ainsi le batelier envoûté, le grand inquisiteur et surtout la Loreley, sorcière capable d’enchanter ses amants. Selon M. Décaudin, Apollinaire « ne trahit pas la légende, mais comment ne pas voir dans cette femme blonde aux yeux de flamme une image d’Annie Playden, dans ce thème de la beauté ensorcelante et de l’amour maudit un écho de sa malheureuse aventure ? » Pour faire entendre la profondeur du sentiment amoureux, il fait parler tour à tour ses personnages. L’amante du « beau tzigane » pleure dans un long monologue son amour voué à la séparation et à la honte (« Les cloches »). Le batelier de « Mai » voit dans la nature l’écho de son chagrin d’amour. Les saules pleureurs versent de vraies larmes : « Qui donc a fait pleurer les saules riverains ». En prenant au pied de la lettre une expression figée, le poète renouvelle la métaphore et exprime avec authenticité la détresse du batelier. Tandis que la barque glisse, les vergers se figent et les cerisiers défleurissent. On peut être sensible à la reprise anaphorique : « Les pétales tombés » / »les pétales flétris ». Enfin, dans « La Loreley », on entend tour à tour la voix de la jeune femme délaissée, de l’évêque ensorcelé et des chevaliers. Toutes ces voix légendaires sont aussi celle du poète ; tous ces points de vue convergent pour dessiner une intrigue d’amour mortellement déçu.

2. « À la Santé » (p. 126, éd. Gallimard) évoque son incarcération de six jours suite à une erreur sur son nom. Revenant sur cette confusion, Apollinaire s’interroge sur son identité en une série de brefs poèmes. On peut relever la question liminaire qu’il se pose à lui-même : « Guillaume qu’es-tu devenu » (I). Être enfermé pousse à l’introspection : le poète fait un retour sur lui-même, dans un face-à-face où il ne se reconnaît pas lui-même. « Non je ne me sens plus là / moi-même », lit-on dans le poème II. 3. « Zone » (p. 7, éd. Gallimard) a été écrit tardivement mais placé en tête du recueil. Ce poème donne le ton et il est résolument moderne. Le choix du vers libre, irrégulier, parfois assonancé, s’affirme comme celui de 13 Alcools |


215

06/09/11 11:52

la modernité. De même, le thème de la ville contemporaine renforce ce parti pris. Les bruits dissonants, les rythmes syncopés, les couleurs criardes en montrent la vitalité, en rupture avec le monde ancien, dont on est « las » (vers 1).

HISTOIRE DES ARTS Le tableau de Juan Gris exprime la même impression d’éclatement, de morcellement que le recueil. Là aussi, le sujet s’étoile et se diffracte en une multitude de plans. SYNTHÈSE L’écriture, comme un tableau cubiste, recueille les éclats d’une vie pour leur donner une unité. Si l’on s’appuie sur la chronologie (p. 255), on découvre un poète rongé par l’inquiétude sur son identité, par la crainte de la bâtardise, par le sentiment d’être partout un étranger. La succession des amours malheureuses ne fait que renforcer le caractère problématique de son « moi ». L’identité est menacée d’éclatement. L’écriture est alors le moyen de garder une unité. Même si elle fait référence aux doutes, au questionnement sur soi, la mémoire sauve les différents moments de son existence. En effet, Apollinaire déclare : « chacun de mes poèmes est la commémoration d’un événement de ma vie. » Cependant, la mémoire ne se contente pas de ressaisir le passé personnel : elle sélectionne les faits les plus pertinents et les met en ordre ; c’est ainsi qu’elle donne de l’unité au vécu. De plus, Apollinaire fait parfois de ses poèmes de petits récits : cette fois, c’est la structure ordonnatrice du schéma de la quête qui confère un ordre aux souvenirs éclatés. Enfin, les moments importants sont regroupés dans des séries présentant une unité thématique, comme « Rhénanes » ou « À la santé ». Enfin, le thème de l’alcool, qui enivre, réjouit, réchauffe ou fait déchoir, est un fil conducteur conférant au recueil sa grande unité et lui donne un titre unifiant. Toutefois, l’ordre chronologique est souvent bouleversé (voir question 3), brouillant ainsi la logique temporelle. Un seul exemple : les textes de la période allemande ne sont pas tous regroupés dans « Rhénanes ». À l’intérieur même des suites (comme « À la santé »), les poèmes semblent juxtaposés. On ne perçoit pas de progression d’un poème à l’autre. Enfin, au cœur

de chaque poème, l’absence de ponctuation, les ruptures syntaxiques, les dissonances engendrent une impression d’éclatement. Ainsi, on peut dire qu’Apollinaire hésite en permanence entre unité et éclatement.

›) EXTRAIT 1 Le lyrisme de la modernité

 p. ¤∞°

Le titre « Zone » est riche de connotations. En grec, le mot désigne « la ceinture ». On a l’image d’une boucle, d’un voyage qui s’achève par le retour au point de départ, quand vient le matin. On peut aussi y voir une allusion aux terrains vagues qui ceinturaient Paris, où le poète marcheur « zone ». Enfin, une « zone franche » est une contrée mal définie, qui n’appartient à personne, dans laquelle on erre. D’entrée de jeu, la poésie est placée sous le signe de l’errance. « Zone » et « La Chanson du Mal-Aimé » (p. 126, éd. Gallimard) captent la beauté de la ville moderne dans des images inédites : celle de la bergère tour Eiffel, celle du XXe siècle changé en oiseau, par exemple, mais aussi dans des rythmes et des rimes libres.

ÉDUCATION AUX MÉDIAS On peut parler de poésie simultanée dans la mesure où plusieurs images, plusieurs messages sont vus ou entendus en même temps. En effet, la publicité des enseignes lumineuses joue avec deux écritures. Elle use de l’écriture alphabétique et de l’écriture idéographique, représentant les réalités par un signe. Logos, enseignes, panneaux, affiches proposent une combinaison de ces deux écritures, simultanément. Cela renvoie au rêve de poésie simultanée cher à Apollinaire.

∞) EXTRAIT 2 Le manteau d’Arlequin

 p. ¤∞·

Arlequin, personnage de la Commedia dell’Arte est apparu au XVIe siècle. On le reconnaît à son costume fait de triangles bleus, verts et rouges, disposés symétriquement. Il accomplit mille pirouettes et acrobaties. Il serait inspiré d’un personnage de la mythologie germanique,



06/09/11 11:52

un peu sauvage et rustre. Par la suite, le personnage s’est policé et est devenu plus subtil. Cependant, les losanges de son costume figuraient à l’origine un habit en lambeaux, rappelant son origine marginale, à la lisière du monde sauvage. Il a gardé de ses origines son caractère « d’étranger », étrange aux autres et à lui-même. L’Arlequin d’Apollinaire n’est plus le joyeux drille de la Commedia. Il a emprunté aux arlequins de Verlaine leur mélancolie. Il est « blême » (v. 9 de « Crépuscule ») et rend son public « triste ». Son numéro est très spectaculaire : il consiste à décrocher les étoiles et les manipuler « à bras tendus » (v. 14). De même, dans « Saltimbanques », la troupe des baladins sait commander aux arbres : « chaque arbre fruitier se résigne / quand de très loin ils lui font signe ». N’est-ce pas là une des fonctions du poète ? Il comprend le cosmos, l’entend et met en mouvement les étoiles, les arbres. C’est pour cela qu’il est « trismégiste » : étymologiquement « trois fois très grand ». Cet adjectif est réservé à Hermès, inventeur de l’écriture et de la poésie hermétique, qui renferme en ses vers les secrets de l’univers. Toutefois, Hermès est aussi le dieu des voleurs et des tricheurs, « des charlatans » qui présentent des numéros truqués… Si Apollinaire se reconnaît en Arlequin, c’est parce que son habit est fait de pièces de tissu cousus ensemble à gros points. C’est une figure de l’identité morcelée, dont les lambeaux sont cousus ensemble. C’est pourquoi le poète compare son recueil à ce costume rapiécé et bariolé : Alcools recueille et juxtapose différents moments de sa vie, coud ensemble des légendes anciennes et des parlers nouveaux, des images réelles ou rêvées. Cela témoigne de sa volonté de conférer à sa vie une unité, tout en montrant que c’est une lutte. La femme aimée, les tableaux qu’elle peint, entraînent Apollinaire dans un univers féérique et étrange, celui des saltimbanques. De même, la femme évoquée par Baudelaire évoque, par son regard, un pays où il aimerait fuir. Femme et paysage sont en correspondance, comme en témoigne cette métaphore : « Dans son œil, ciel livide où germe l'ouragan ». Il ne s’agit pas d’un pays réel mais d’un territoire imaginaire, poétique, lui permettant de s’arracher à la réalité.

§) EXTRAIT 3 Puiser aux sources de la légende

 p. ¤§‚-¤§⁄

Homère présente les sirènes comme des femmes-oiseaux dont le chant séduisait les navigateurs. Attirés par ces accents mélodieux, ils perdaient le sens de l’orientation, fracassant leurs nefs sur des récifs où ils étaient dévorés par ces enchanteresses. Ulysse résista à leur chant en scellant les oreilles de ses camarades avec de la cire et en se faisant attacher au mât du navire. La tradition médiévale de J. d’Arras est différente. Raymondin de Lusignan, après avoir tué son oncle accidentellement, est pourchassé. Exténué, il se désaltère à une fontaine où il rencontre Mélusine. Il ne peut échapper à son charme puissant. Il épouse cette inconnue mystérieuse, après lui avoir promis de ne jamais la regarder le samedi. Mais, poussé par son frère à la curiosité, il contemple son épouse par un trou percé dans le mur. Il s’aperçoit qu’il s’agit d’une femme-serpent. Après avoir longtemps tu son secret, il lui reproche, un jour de colère, d’être une fée. De désespoir, Mélusine se jette dans le fleuve et disparaît. Certains éléments de ces deux légendes sont repris par Apollinaire : la beauté vénéneuse (« yeux pleins de pierreries » rime avec « sorcellerie »), la puissance de la séduction, la cruauté de la séductrice. Enfin, l’image obsédante de l’amoureuse trahie et suicidée acquiert sous sa plume la force d’un mythe personnel. La situation d’énonciation est très particulière : plusieurs voix s’élèvent et s’entrelacent dans le poème : celle de l’évêque, de la Loreley et, plus brièvement, des chevaliers. L’absence de ponctuation rend difficile la délimitation de leur prise de parole, si bien qu’elles semblent se fondre dans la voix unique du poète. On retrouve cette tension entre voix éclatées et unification poétique. Le poète est tour à tour et tout en même temps l’évêque qui accuse et absout son enchanteresse ; la « sorcière blonde », éprise d’un autre, qui se laisse tomber dans le fleuve, séduite par son propre reflet ; les chevaliers qui font office de chœur. Son chant donne ainsi à entendre tous les aspects de la passion amoureuse. Tous sont douloureux et violents. 13 Alcools |


217

06/09/11 11:52

La passion amoureuse, quand elle est impossible, ronge et détruit celui qui l’éprouve. Elle peut aussi se muer en pulsion agressive contre celui qui ne répond pas, ou pas assez. Elle est mortifère. C’est le cas lorsque l’amour n’est pas partagé ou que l’amant est mort. Pour les exemples, chaque élève présentera son choix et le justifiera.

‡) Les sources de l’œuvre

 p. ¤§¤

⁄. Puiser l’inspiration à la source des mythes 1. Apollon est le dieu grec de la beauté régulière, de la poésie et du soleil. Orphée, fils d’une muse, est le premier des poètes lyriques. La légende raconte que la puissance de son chant était telle que les animaux sauvages, les arbres et les pierres l’écoutaient et le suivaient. Après la mort de sa femme Eurydice, il descendit aux Enfers et supplia Hadès de lui rendre son épouse. Sa poésie émut si vivement le Dieu infernal qu’il accepta, à la condition qu’en ramenant Eurydice, il ne se retournât pas une seule fois vers elle. Il ne put tenir sa promesse et perdit Eurydice à jamais. Désespéré, il mena une vie solitaire, refusant la présence des autres femmes. Les Bacchantes, furieuses de cet affront, le mirent en pièces. C’est le diasparagmos : le démembrement violent. Sa tête, arrachée, continua de chanter. Guillaume Kostrowitzky est le fils naturel que son père a refusé de reconnaître. Il entend alors se forger seul son identité. Il s’invente alors un nom flamboyant et se réclame de deux figures mythologiques, Apollon et Orphée. Il rêve, lui aussi, d’une poésie solaire et harmonieuse, d’un lyrisme nouveau capable d’émouvoir et d’enchanter les créatures. La mort tragique d’Orphée signale toutefois la peur du déchirement identitaire qui mène à la mort. Prolongement 1re « L » Apollinaire se compare aussi à Jean-Baptiste, décapité sur les ordres de Salomé. On peut comparer le poème « Salomé » aux textes et images du corpus consacré à cette figure mythique (p. 416).

2. La métaphore du « soleil cou coupé » offre, dans un raccourci saisissant, l’image d’une décapitation. À la mort du jour, le soleil rougeoie d’un rouge sanglant, comme si on l’avait guillotiné. On peut faire le rapprochement avec la mort d’Orphée, poète solaire si violemment mis à mort (voir question 1). 3. Sorcières et sirènes enchantent Apollinaire. Ces deux figures légendaires ont en commun une voix charmeuse, ensorcelante. De même, Apollinaire veut conférer un pouvoir d’incantation à sa parole poétique. On relèvera un néologisme significatif : il veut « incant[er] » (v. 12 de « Nuit rhénane »). La première fonction de la poésie est donc d’être un charme, au sens fort du terme : une incantation et un sortilège.

¤. Inventer un rythme nouveau 1. Apollinaire avait d’abord ponctué ses poèmes. Ce n’est qu’au dernier moment, alors qu’il relisait ses épreuves déjà imprimées, qu’il choisit de supprimer tout signe de ponctuation. Seuls les blancs typographiques (ex. : v. 1 à 3 de « Zone »), les retours à la ligne invitent à marquer des pauses, à imprimer une scansion très rythmée au vers. Ex. : « Sous le pont Mirabeau coule la Seine / Et nos amours » Parfois, l’absence de point et de virgule invite à accélérer, à lire en bloc des groupes de mots que l’on aurait plutôt séparés. Ainsi, les vers 8 et 9 de « Zone » collent ensemble des propositions que la syntaxe habituelle séparerait. Le rythme devient étrange, original, voire boiteux. Enfin, la « déponctuation » laisse à tout lecteur une grande marge de liberté. À lui de proposer, par sa lecture, une interprétation nouvelle.

2. Dans « La Loreley » (p. 261 du manuel), en l’absence de ponctuation, il n’est guère aisé de savoir qui parle. La confusion des voix narratives, savamment entretenue, permet de faire entendre la plainte amoureuse du poète sous plusieurs formes.

ÉDUCATION AUX MÉDIAS 3. La lecture du texte est très pathétique. Cet exercice a pour but de travailler sur le ressenti : à chaque élève de trouver trois mots-clés pour évoquer ce qu’il ressent.



06/09/11 11:52

8) La réception de l’œuvre : « la ferraille du bric-à-brac » (Duhamel) ÉCRITURE Invention a) – Duhamel reproche à Apollinaire le caractère mélangé (« hétéroclite ») de sa poésie, qui puise aussi bien aux sources de la mythologie grecque, égyptienne, que dans le folklore germanique (la Lorelei) ou la poésie urbaine du XXe siècle (celle des affiches et des réclames). Selon lui, Apollinaire ne parvient pas à conférer à l’ensemble une unité. L’œuvre cède à la menace d’éclatement qui la travaille. – Ainsi, dans « Zone » (p. 7, éd. Gallimard), on trouve des images héritées du passé : les souvenirs d’enfance, par exemple, constituent autant de chromos aux couleurs délavées. On trouve aussi des images glanées dans l’actualité : la tour Eiffel, les automobiles, les hangars de Port-Aviation sont les éléments d’un décor moderne. De même, enseignes et affiches publicitaires pavoisent les rues, constituant la « poésie » du matin. On retrouve la même démarche compilant l’ancien et le nouveau dans « La chanson du Mal-Aimé ». Sous la lumière d’étoiles présentes à la création du monde, on voit défiler des personnages bibliques (venus de « Chanaan », v. 2), sortis des légendes germaniques (troisième strophe), des mythes grecs (allusion aux Danaïdes, dans la cinquième strophe, aux satyres, demi-dieux qui suivaient le cortège de Dionysos, aux Egypans, divinités champêtres mi-hommes mi-chèvres). On traverse aussi le Moyen Âge. Ainsi, la septième strophe fait allusion aux bourgeois de Calais, qui, en 1347, sauvèrent leur ville en se livrant au roi d’Angleterre Édouard III. Les noms exotiques comme « argyraspides » (fantassin d’Alexandre le Grand) ou « dendrophores » (porteurs d’arbre lors des cérémonies à Cybèle) achèvent de nous dépayser. L’effet produit par ce mélange dépend de la sensibilité de chacun. Pistes : • On peut dire que nous sommes projetés dans un ailleurs lointain, fait de mille ans d’histoires et de légendes. La poésie d’Apollinaire est nourrie par un flot d’images chatoyantes, étranges, qui trouvent malgré tout une unité dans le lyrisme du poète.

• On peut être sensible aux effets de dissonance, produits par une écriture poétique riche en ruptures de ton et contrastes temporels, culturels. • On peut faire un lien entre le fond (le kaléidoscope des mythes anciens et des légendes nouvelles) et la forme (syntaxe discontinue, polymorphisme du vers et de la strophe). • On peut faire un lien entre la douloureuse quête d’identité, d’unité et le caractère disloqué et disparate de la poésie. La poésie de bric et de broc est à l’image d’un sujet sans racines, en fuite. Cosmopolite, il n’est d’aucune province et de toutes les cultures. Ainsi, il se construit une culture « d’étrange étranger ». b) Pistes : il s’agit d’écrire une lettre argumentative. Il faut donc bien se souvenir des caractéristiques de la lettre, sans perdre de vue sa visée : trois arguments assortis d’exemples doivent permettre de convaincre.

·) Fiche de lecture ⁄ : En quête d’identité

 p. ¤§‹

Signé Apollinaire 1. Apollinaire se donne un nom nouveau pour se forger une identité qui lui fait défaut. Enfant adultérin non reconnu par son père, mal aimé et abandonné, il lui est difficile de savoir qui il est. Il se choisit alors un autre père, dont il capte la force tutélaire. Le pseudonyme « Apollinaire » renvoie en effet à Apollon, dieu du soleil, de la poésie et de la lyre dont il sera l’héritier. C’est aussi le nom d’un poète latin et chrétien, Sidoine Apollinaire (430-487), enlevé par les Barbares et confronté au paganisme. Ce nom nouveau, à la croisée du mythe grec et de l’histoire chrétienne, permet de dire qui il aimerait être : un poète solaire, barbare et lyrique. On peut citer ces vers extraits de « La chanson du Mal-Aimé », où le soleil est associé à la lyre, emblème d’Apollon : « Juin ton soleil ardente lyre / Brûle mes doigts endoloris / Tristes et mélodieux délires » Le nom élu est une révélation de son identité.

2. « Le larron » résonne de la hantise de la bâtardise : « Maraudeur étranger malhabile et malade / Ton père fut un sphinx et ta mère une nuit » Ainsi, son père est une énigme. Il se tait, refuse de lui donner un nom qui ferait de lui un fils sinon légitime du moins connu et reconnu. 13 Alcools |


219

06/09/11 11:52

L’enfant sans père ne sait qui il est. C’est donc pour répondre à la question « qui suis-je ? » que Guillaume s’invente un nom, Apollinaire. Ce nom de poète est le signe d’une nouvelle naissance, d’une identité enfin éclatante et lumineuse. Il sort de la nuit maternelle. Si l’on se souvient de l’étymologie du mot « poète », on peut dire de lui qu’il est celui qui forge, qui fabrique. Ici, ce que Guillaume invente, c’est lui-même. C’est ce qu’on peut lire dans le poème « Cortège », où le poète affirme qu’il s’est enfin trouvé, tout seul, après avoir longtemps attendu que son père le fasse : « Un jour je m’attendais moi-même / Je me disais Guillaume il est temps que tu viennes / Pour que je sache enfin celui-là que je suis. » Telle est la fonction, symbolique, assignée à la poésie. Se souvenir de sa vie 3. « La Chanson du Mal-Aimé » est inspirée par la passion qu’Apollinaire éprouva, lors d’un séjour en Allemagne (août 1901-août 1902), pour Annie Playden, gouvernante anglaise des enfants de la comtesse de Milhau, chez qui le poète était précepteur. La jeune femme promet de l’épouser, mais, de retour à Londres, elle se rétracte. Apollinaire entreprend deux voyages à Londres pour la reconquérir, en vain : Annie Playden s’embarque pour les États-Unis où elle se marie. Hanté par la pensée de celle qui l’a repoussé, Apollinaire lui reproche de l’avoir trahi. Cette obsession s’exprime dans le récit de deux rencontres décevantes, incarnation du « faux amour ». La première rencontre, relatée dans les strophes I et II, est celle d’un « voyou » : Un voyou qui ressemblait à / Mon amour vint à ma rencontre ». Le voyou désigne ici un adolescent qui ressemble à son amour d’autrefois, à Annie. La seconde, avec une fille des rues, est décrite dans les strophes IV et V. Là encore, il s’agit « d’une femme lui ressemblant ». Dans les deux cas, cette ressemblance réactive des souvenirs déplaisants, conséquence de la rancune d’Apollinaire pour « l’Inhumaine « (au sens précieux de « qui ne répond pas à l’amour qu’on lui porte »). Ainsi, la cicatrice au cou de la prostituée ivre, évoquée dans un vers juxtaposé qui rompt la construction syntaxique de la phrase, engendre une impression de malaise, de laideur. Les amours d’autrefois se sont dégradées et elles hantent la mémoire de leur ombre mauvaise.

4. Le choix des vers est personnel. Toute justification étayée sera validée. 5. Le thème de l’amour malheureux revient souvent dans Alcools. « L’amour s’en va », déplore le poète dans « Le pont Mirabeau ». Or, « je ne veux jamais l’oublier / Ma colombe ma blanche rade ». Pour retenir son image, la ressusciter malgré le rejet et les années qui passent, Apollinaire puise dans sa mémoire et écrit. La poésie commémorative s’élève contre l’oubli, sauve les gestes et les paroles qui ont laissé dans le cœur leur empreinte de douleur. La mémoire, réactivée et mobilisée, reprend possession des moments intenses et les restaure. Pourtant, si le discours poétique lutte contre la fatalité du temps, il admet que la vie ainsi recréée par le souvenir a un aspect fantomatique, a un parfum de mort. On peut citer ces deux vers extraits de « Cors de chasse » : « Passons passons puisque tout passe / Je me retournerai souvent ». 6. Le souvenir replonge le sujet dans des moments délicieux. En même temps, il réactive la souffrance puisqu’il fait prendre conscience de leur caractère révolu, disparu, comme l’indique ces vers tirés de « Zone », qui ont l’allure d’un bilan amer : « Tu as souffert de l’amour à vingt ans et à trente ans J’ai vécu comme un fou et j’ai perdu mon temps Tu n’oses plus regarder tes mains et à tous moments je voudrais sangloter Sur toi sur celle que j’aime sur tout ce qui t’a épouvanté » C’est pourquoi, dans la seconde strophe de « Marie », il retrouve des accents verlainiens pour demander à sa mémoire des souvenirs à demi-effacés, en demie teinte : ce serait le moyen de se souvenir encore mais de se souvenir à peine, pour que la nostalgie, légère, ne soit pas trop poignante : « Oui je veux vous aimer mais vous aimer à peine / Et mon mal est délicieux ». Portrait d’un mal-aimé 7. Cycle d’Annie Playden : « La Chanson du Mal-Aimé », « Annie », « L’émigrant de Landor Road », « Mai » et « La Dame ». Cycle de Marie Laurencin : « Marie », « Zone », « Le pont Mirabeau », « Cors de chasse », « Le pont Mirabeau », « Le voyageur », « Crépuscule ».



06/09/11 11:52

Le poète apparaît en mal-aimé et exorcise sa douleur amoureuse. Sur le site www.wiu.edu/Apollinaire/index.htm, on peut entendre Apollinaire lisant certains poèmes dédiés à Marie ou à Annie.

HISTOIRE DES ARTS 8. Marie Laurencin s’est peinte en surplomb, tendant le bras vers son amant Apollinaire. La rivale, Fernande Olivier apparaît en contrebas. Elle sourit, semble heureuse, repliée dans une posture douce et féminine. Notons toutefois qu’elle est comme coiffée d’un chapeau ridicule, orné très généreusement de fleurs et de feuillage. Avec la même ironie un peu triste, Marie Laurencin représente un Apollinaire siégeant en monarque, gravement assis sur un majestueux fauteuil. Placé au centre de la composition, au milieu d’une diagonale reliant les trois visages de Marie, Guillaume et Fernande, il est, très concrètement, partagé entre deux femmes. Son identité propre semble déchirée. C’est peut-être la raison pour laquelle il est « mal-aimant » et « mal-aimé ». 9. On peut faire un lien avec le poème intitulé « Marie ». Le poète, au cœur déchiré et changeant, doute de son identité, de son unité. Citons la troisième strophe : « que n’ai-je / Un cœur à moi un cœur changeant / Changeant et puis encor que sais-je ». Se recréer par les mots 10. Transcription du calligramme : « Dans ce miroir je suis enclos vivant et vrai comme on imagine les anges et non comme sont les reflets. Guillaume Apollinaire. » Explication : quand Apollinaire se regarde dans un vrai miroir, ce qu’il voit n’est qu’un reflet, figé. À l’inverse, en écrivant de la poésie, en inventant ce calligramme en forme de miroir ou de couronne ceignant le nom, il peut dire qui il est et signer fièrement de son nom de poète : « Guillaume Apollinaire ». Ainsi, le calligramme capte, au moins un temps, l’essentiel : l’identité si problématique, le moi « vivant et vrai ». Ce calligramme est une sorte de manifeste, où il revendique pour sa poésie le pouvoir de se donner un nom. Elle participe à la quête du Moi, à son unification, contenant la permanente menace de dispersion et de déchirement.

11. « Calligramme » est forgé sur deux mots grecs, l’adjectif « kallos », qui signifie « beau »

et le nom pluriel « gramma », qui veut dire « caractères, lettres ». Ainsi la belle disposition des lettres et des caractères sur l’espace de la page blanche associe les ressources du langage et de la peinture pour mieux permettre au moi de s’exprimer, de se chercher.

12. Cette question renvoie chaque élève à sa quête d’identité. Quelques pistes : • L’écriture et le dessin sont un miroir et permettent un rapport à soi-même spéculaire, réflexif. • L’écriture et le dessin permettent d’épancher « ce qui déborde », de s’en libérer et de lui donner forme. • L’écriture et le dessin sont une forme d’expression de soi très personnelle : le style, comme les empreintes digitales, est unique. Il nous appartient en propre et dit qui l’on est.

ÉDUCATION AUX MÉDIAS 13. Ce message a été détourné et repris comme slogan publicitaire par Lacoste. La phrase est percutante parce qu’elle présente la conquête de l’identité, l’épanouissement personnel progressif comme une injonction. Récemment, Mino, dans un featuring avec Soprano, a inventé un rap intitulé « Deviens ce que tu es ». Voici le premier couplet : « Approchez-vous mes frères, écoutez-moi mes sœurs Si je n’en fais qu’à ma tête, mon style n’en fait qu’à son cœur Accroché à mes rêves, la vie ne me fait plus peur Si la musique m’accompagne, je ne marcherai jamais seul À marcher toutes les nuits, ne crois pas que je m’enfuis Et puis je lâche rien, moi je suis ce que je suis Des consonnes et des voyelles pour sortir de la moyenne Tout le monde veut devenir quelqu’un, moi j’essaie d’être moi-même Mon rap (c’est pas pareil) mon écriture (c’est pas pareil) J’suis tellement différent dans un miroir (j’suis pas pareil) Et tellement comme tout le monde, j’ai jamais rêvé d’être un autre Je suis parti chercher bonheur, j’ai ramené ces quelques notes » 13 Alcools |


221

06/09/11 11:52

⁄‚) Fiche de lecture ¤ : Entre tradition et modernité  p. ¤§› « Le dernier des poètes élégiaques » (M. Basuyaux) 1. La fuite du temps est un thème cher aux poètes de la Pléiade. On peut ainsi citer ces vers de Ronsard : « Le temps s’en va, le temps s’en va Madame / Las le temps ! non, mais nous nous en allons, / Et tôt serons étendus sous la lame. / Le temps s’en va, le temps s’en va Madame » On peut les rapprocher de certains vers du « Pont Mirabeau », signant l’impuissance du poète face à l’écoulement inéluctable du temps. Certaines tournures archaïsantes accentuent la filiation entre Apollinaire et la poésie du XVIe : « Vienne la nuit sonne l’heure / Les jours s’en vont je demeure » (v. 5-6). Cependant, Apollinaire ajoute une note triste à ce constat : le temps entraîne avec lui l’amour. Le temps s’en va, l’amour s’effrite. Il insiste alors sur sa peine, oubliant le « carpe diem » invitant les jeunes filles en fleurs à profiter de leur printemps. Les vers 13 et 19 en attestent : « l’amour s’en va comme cette eau courante / Passent les jours et passent les semaines / Ni temps passé / Ni les amours reviennent ». « La chanson du Mal-Aimé » ou « Zone » sont dans le droit fil de cette poésie du temps qui passe et de l’amour qui lasse.

2. Définition de l’élégie 1. Poésie gréco-latine. Poème mélancolique, composé en distiques élégiaques. 2. Poème lyrique de facture libre, écrit dans un style simple qui chante les plaintes et les douleurs de l’homme, les amours contrariés, la séparation, la mort. 3. Par extension : Toute œuvre d’inspiration tendre et mélancolique, où l’amour a une large part. Pistes pour la lecture analytique de « L’Adieu ». • Le texte ne comporte pas de ponctuation, ce qui engendre une grande fluidité, en accord avec le thème de l’écoulement du temps. Ce bref poème ne présente aucun lien logique ou temporel. Qu’apporte ce « silence des articulations » (Barthes) sinon un certain mystère, une certaine ambiguïté ? Ainsi, les vers 2 et 3 évoquent un deuil, sans que l’on sache exactement sur qui ou sur quoi pleure l’élégie. Il peut s’agir de la mort de la saison (fuite du temps), de la disparition de l’amour, de la disparition de la femme. Le sens n’est pas arrêté.

• Le poème semble l’écho lointain d’un poème de Victor Hugo, « Demain, dès l’aube ». Poésie en liberté 3. « Le Pont Mirabeau » alterne des strophes de quatre vers (quatrains) et un refrain comprenant deux vers (distique). On peut donc parler de chanson. Sa grande musicalité tient à l’originalité du travail poétique effectué. Chaque quatrain est une variation sur le décasyllabe. En effet, le premier et le quatrième vers sont des décasyllabes classiques, qui riment deux à deux et l’on constate que leurs rimes féminines sont identiques d’un couplet à l’autre. Les vers 3 et 4 comptent respectivement 4 et 6 syllabes. Ce tétrasyllabe et cet hexasyllabe forment à eux deux un décasyllabe au rythme étrange, un peu suspendu. À l’image du poète, qui demeure seul, suspendu entre oubli et attachement aux amours perdues. Le poème « Les colchiques » joue aussi avec le rythme. Il est entièrement composé en alexandrins (à condition, à la lecture, de pratiquer l’apocope). Cependant, Apollinaire teinte de mélancolie déceptive la majesté de ce mètre ancien. En effet, la première strophe compte sept vers, la seconde est un quintile ; la dernière, un tercet. La diminution du nombre de vers rend sensible le caractère diminué du poète, la tristesse qui le ronge. La mélancolie se creuse, nourrie par le souvenir de la femme-colchique, fleur envoûtante mais vénéneuse. 4. Les choix métriques sont plus radicaux dans « Vendémiaire » ou « Zone », composés en vers libres. Certes, on peut trouver ça et là des alexandrins, certes on peut isoler des ensembles rimés. Mais, toutefois la longueur des vers est variable, ce qui permet d’explorer des effets de rythme variés. À la lecture, on entend des combinaisons rythmiques inédites : 5/5/7 : « J’ai vu ce matin / une jolie rue / dont j’ai oublié le nom » 4/9 : « Neuve et propre / du soleil elle était le clairon » Enfin, on ne trouve plus de strophes.

VERS LE BAC Argumentation 5. Pistes • En l’absence de règles métriques strictes, la liberté absolue du créateur prime.



06/09/11 11:52

• Apollinaire aime reprendre d’anciens patrons métriques et strophiques et les adapter. Il multiplie écarts et variations, propices à l’élévation d’une voix personnelle. C’est en ce sens que l’on peut parler de lyrisme authentique. • Apollinaire ne suit pas la logique strophique. Il peut ainsi s’abandonner à une autre logique : « Zone », par exemple, épouse le rythme de la marche, de la déambulation. En s’offrant cette liberté, il peut donner à entendre un autre rythme, plus authentique. Mythes anciens, parler nouveau : les filles de l’eau et du feu 6. La sirène est composée d’une queue de poisson ; d’un buste et d’un visage de femme. C’est une créature chimérique, faite d’alliances et de rencontres étranges. On peut dire, de la même façon, que la poésie d’Apollinaire marie l’ancien et le moderne, le mythique et le réalisme, la métrique classique et le vers libre.

7. Les sirènes sont des créatures aquatiques. La Lorelei, par exemple, est une fille du Rhin. (Voir p. 260-261, l’analyse des deux poèmes, dont le rythme et les sonorités liquides imitent la fluidité de l’eau.) Pourtant, la passion amoureuse qui les consume fait aussi d’elles des filles du feu. Ainsi, les yeux de la Lorelei sont tellement ardents que ce sont des « flammes » et des « pierreries », la synérèse rendant plus flamboyant encore leur éclat minéral. La sirène des « Fiançailles » décline le thème du feu amoureux. Écoutons-la : « je brûle parmi vous » (v. 1) ; « je suis / Le désirable feu qui pour vous se dévoue » (v. 2-3). Le ton, passionné, est mis en valeur par la multiplication des rejets et des rythmes heurtés.

HISTOIRE DES ARTS 8. Chagall a placé la scène dans un décor méditerranéen, peut-être inspiré par l’Odyssée. L’atmosphère est douce, comme en témoigne la profondeur du bleu et la gerbe de fleurs. On retrouve la position en surplomb, comme la Lorelei qui domine le Rhin, assise sur son rocher. Surtout, elle aussi se mire dans l’eau, seule avec elle-même, malgré la foule des prétendants, ici hors champ.

ÉCRITURE Invention

La rédaction de la préface a ici une visée argumentative. Elle peut s’articuler en deux temps, développant chacun un argument. Dans un premier temps, on peut mettre en avant le thème de la mélancolie, de l’élégie et reprendre les questions 3, 4, 5 et 6 de la page 263 ; la troisième question de la page 259, la troisième question de la page 261 ; les questions 1 et 2 de la page 264. Dans un second temps, on peut montrer le caractère passionné de sa poésie en reprenant la question 7 de la page 264 et la question 2 (paragraphe 1), page 262.

10. On attend des élèves un poème libre célébrant les vertus de l’imprévu : images drôles, décalées, inattendues, rapprochements d’idées incongrus, analogies inespérées mais profondément belles. On peut se référer au manuel du professeur de Seconde, à la séquence 21 consacrée au surréalisme.

Dissertation 11. a) Apollinaire est un « commenceur » parce qu’il innove : vers libres, thèmes modernes, rythmes syncopés caractérisent sa poésie. Elle est lyrique au deux sens du terme : profondément originale, de part sa modernité, et exaltée. Pourtant, « l’esprit de crépuscule » l’anime : Apollinaire se souvient de mythes et légendes dont l’origine plonge dans la nuit des temps. La tristesse de certains poèmes, les préfigurations de la guerre confèrent aussi à sa poésie une teinte sombre, crépusculaire. Enfin, le mot « crépuscule » désigne un entre-deux. Il ne fait plus tout à fait jour, il ne fait pas encore nuit. Ce dernier sens est le plus intéressant : Apollinaire est entre deux siècles, entre deux époques et fait le lien entre un avant et un après. Citons J.-M. Maulpoix : « C’est, me semble-t-il, à la porte du nouveau siècle qu’Apollinaire frappe «en pleurant» : c’est avec des motifs élégiaques et sur des airs anciens qu’il fait dans les excitantes nouveautés de la “Belle époque” son entrée… ». b) Proposition de plan 1) Apollinaire entre deux mondes 2) Une poésie du bric-à-brac 3) Une œuvre qui a une unité

9. La constitution de cette anthologie peut être validée au B2I. 13 Alcools |


223

06/09/11 11:52

Vers le bac : « Chanter la révolte » Objectif et intérêt du corpus : Ce groupement de textes attire l’attention sur un fait : la poésie est fille de Mnémosyne, déesse de la mémoire. En effet, l’imagination des poètes forge des images audacieuses en puisant dans leur mémoire et en recombinant des images anciennes, universelles. C’est pour cela qu’elles nous semblent neuves et en même temps familières. Ce constat prend une résonnance tragique en cas de guerre ou de révolte : censurée, interdite, la poésie est composée en secret, au secret, et se transmet oralement, sous le manteau. Cette parole sert à se donner du courage : Stéphane Hessel, parmi d’autres, dit avoir résisté à l’emprisonnement en se récitant tous les vers d’Hölderlin dont il se souvenait. Apprendre par cœur n’est donc jamais un exercice stupide : la mémoire sert à créer, à arracher les paroles à l’oubli, à résister.

QUESTIONS SUR UN CORPUS 1. Chansons et poèmes anciens sont les gardiens de la mémoire : ils gardent trace des souffrances et des luttes passées, des idéaux blessés pour lesquels il faut lutter, ce qui nourrit l’engagement des générations suivantes. Ainsi, l’air de Gavroche, inspiré de Béranger dénonce la misère par la raillerie. En effet, l’ironique chanson du gamin de Paris se moque des bourgeois, qui, à l’époque, habitent plutôt en banlieue, à Nanterre ou à Palaiseau : férus de Rousseau et de Voltaire, ils ont pourtant trahi l’idéal des Lumières pour s’enrichir. S’ils s’engagent, c’est dans la Garde Nationale, qui maintient l’Ordre – favorable aux nantis – en tirant sur les ouvriers et artisans parisiens, soutenus par quelques étudiants. C’est d’ailleurs ainsi que meurt Gavroche, qui a rejoint la barricade. Jean Cassou, du fond de sa cellule, se souvient des Misérables de V. Hugo. Ses souvenirs

Livre de l’élève  p. ¤§∞-¤§°

de lecture sont associés cependant à la douce atmosphère de la cour d’école républicaine. Il en éprouve une nostalgie poignante : « explique pourquoi ma vie s’est éprise / du sanglot rouillé de tes vieilles cours » (v. 7-8). C’est cette culture républicaine, basée sur des textes de V. Hugo et plus discrètement de J. du Bellay (« les toits bleus » font songer à « l’ardoise fine »), que « répète » « l’arbre de l’école » et que le poète veut transmettre à son tour. Pour que cela soit possible, il se bat et, quand il est emprisonné, il compose des poèmes nourris de ses lectures d’écolier. Jean Cassou se nourrit surtout de la chanson de J.-B. Clément, Le Temps des cerises. En 1866, il s’agit uniquement d’une chanson sentimentale. Elle porte en elle des souvenirs de printemps et d’amour. Mais, en 1871, elle prend une portée révolutionnaire. Le rouge des cerises évoque aussi le sang des Communards, fusillés en 1871. Jean Cassou se souvient des deux sens : il a la nostalgie des amours passées et l’indignation contre les injustices subies par les Communards. Cela motive doublement son engagement. Enfin, le poème d’Aragon convoque le « long lai des gloires faussées », poème arthurien. Après l’avoir « bu comme un lait glacé », il en reprend le rythme octosyllabique et les images médiévales : « chevalier » (v. 3) « château » (v. 7), « duc » (v. 7). Elles constituent un patrimoine, désormais mis à mal. C’est pourquoi le poème s’achève sur cette apostrophe : « Ô ma France, Ô ma délaissée » (v. 17), le « ô » lyrique déplorant la perte du bel autrefois.

2. Les textes sont des chants de révoltes et de résistance. À travers le personnage de Gavroche, mort en chantant, Hugo dénonce une société injuste, qui préfère tuer les enfants des barricades plutôt que de partager équitablement ses richesses. L’image de l’enfant blessé à la tête, que l’on retrouve dans « souvenir de la nuit du 4 », est particulièrement saisissante. Le sang de l’innocent révolte



06/09/11 11:52

la barricade. Le chant inachevé, arrêté par une seconde balle, confère à la chute de Gavroche une dimension christique. Le Temps des cerises prend un sens nouveau en 1871. Toutes les images de blessure (amoureuse) prennent alors un second sens, beaucoup plus tragique. L’image « en gouttes de sang » (v. 12) évoque les cerises rouges qui semblent couler des feuilles. Après 1871, le rouge des fruits mûrs, couleur dominante du texte, est aussi celui du sang qui coule, celui des Communards, fusillés en mai 1871. L’expression s’est chargée d’une connotation révolutionnaire. Le sens figuré s’ajoute au sens propre et donne, a posteriori, à cette chanson légère une profondeur politique qu’entend J. Cassou. L’amoureux blessé de la chanson a « une plaie ouverte » en plein cœur. Dans le sonnet de Jean Cassou, on retrouve la même image dès les deux premiers vers : « La plaie que, depuis le temps des cerises, / je garde en mon cœur s’ouvre chaque jour ». La situation historique n’est pas la même : le poème a été composé pendant la seconde guerre mondiale, alors que le poète était au secret. Pourtant le sens profond est le même : la plaie évoque les souffrances présentes, la nostalgie poignante du passé heureux et la volonté de conquérir la paix future en se jetant dans l’action. Enfin, le poème d’Aragon reprend les images blessées du lai. « Le duc insensé » (v. 7) peut désigner Hitler, le « chevalier blessé » (v. 4), l’état major de l’armée française et « l’éternelle fiancée » (v. 10), la France. Les « voitures versées » (v. 14) peuvent évoquer la débâcle de l’armée française, vaincue, ou l’exode. « Ô ma France, Ô ma délaissée » (v. 17) fait le lien entre autrefois et aujourd’hui.

3. Le sonnet de J. Cassou reprend la chanson de J.-B. Clément. Il emprunte des expressions au Temps des cerises. Les deux premiers vers en témoignent : les mots « la plaie », « le temps des cerises », « je garde » au « cœur » et « s’ouvre » sont directement empruntés à la célèbre chanson (voir question précédente). Les emprunts à la chanson de Jean-Baptiste Clément permettent, dans la première strophe, de réactiver l’image de la plaie ouverte. Cette dernière est développée dans la deuxième strophe, comme le montre, au vers 6, le verbe « saigne[r] ». Le pays « saigne […] sans cesse en

robe d’amour » (v. 6). Il s’agit d’une variation sur les vers 11 et 12 de la chanson : « Cerise d’amour aux robes pareilles / Tombant sous la feuille en goutte de sang ». Le souvenir du « pays des toits bleus et des chansons grises » (v. 5) est tellement vif qu’il en devient douloureux. L’allitération en [s] (« qui saigne sans cesse ») permet d’insister phoniquement sur le caractère lancinant de sa souffrance. La mémoire sert donc de matrice au poème de révolte. Mis au secret, J. Cassou a composé de tête, sans papier ni crayon, se servant uniquement de sa mémoire. Ainsi, c’est ce que l’on sait par cœur (au sens plein du terme) qui peut être transmis.

TRAVAUX D’ÉCRITURE Commentaire En 1942, le gouvernement de Vichy multiplie les mesures contre les résistants. Les poètes de la Résistance s’organisent pour prendre part au combat des mots, parfois au péril de leur vie. Le 14 juillet 1943, les Éditions de Minuit clandestines publient L’Honneur des poètes, recueil collectif regroupant les œuvres de vingt-deux auteurs, dont Aragon. Dès 1942, ce dernier avait publié Les Yeux d’Elsa, recueil où le fou d’Elsa vénère aussi une autre Dame : la patrie. Le modèle médiéval de l’amour courtois, où le troubadour aime d’un amour secret et désespéré l’épouse du seigneur, inspire au poète une œuvre singulière, à part dans sa création. Dans « C », il met entre parenthèses ses expérimentations surréalistes. Il ressource sa poésie en puisant dans un patrimoine poétique hérité des légendes médiévales arthuriennes. Ces images anciennes lui permettent d’évoquer avec originalité la petite ville des Ponts de Cé, traversé par les troupes françaises fuyant l’armée allemande, en 1940. On pourra se demander quel est l’enjeu de ce détour par le passé poétique, héritage que les Français ont reçu en partage comme une richesse commune. Comment les chansons anciennes peuvent-elles nourrir les révoltes contemporaines ? Pour répondre à cette problématique nous verrons comment la matière médiévale permet de parler discrètement de 1940, en déjouant la censure et en partageant avec le lecteur des références communes. Puis, dans un second temps, comment s’élève une déploration, requiem pour un temps présent. Vers le bac |


225

06/09/11 11:52

1) Le poids des images médiévales a) « Une chanson des temps passés » (v. 3) La situation d’énonciation est la suivante : le personnage traverse les Ponts de Cé, en 1940, petite ville provinciale située au cœur de l’Anjou. C’est le berceau de la langue française. De ce point de vue, « c’est là que tout a commencé ». En période d’occupation allemande, c’est peutêtre là qu’il faut se ressourcer : le poète entend retremper sa poésie aux sources même de la langue et de la culture françaises. Il le confie : « Et j’ai bu comme un lait glacé / Le long lai des gloires faussées » (v. 11-12). Il oublie alors les jeux surréalistes et les expérimentations de l’écriture automatique pour se souvenir avec patriotisme d’un parler originel partagé par tout un peuple. Mais, en 1942, ce parler sonne faux (« faussées »). Revenir « là où tout a commencé », c’est faire retour vers un passé commun détruit, vers une « douceur angevine » (Du Bellay) révolue qu’on se languit de voir refleurir. Revient alors « Une chanson des temps passés ». Qu’évoque sa douce musicalité ? Les seize premiers vers de C nous entraînent au Moyen Âge. En témoignent les expressions suivantes : « chevalier » (v. 3) « château » (v. 7), « duc » (v. 7) « le long lai » (v. 12). La « rose » (v. 5), « l’éternelle fiancée » (v. 10) renvoient à la Dame de la poésie courtoise. b) Des images passées qui dénoncent la violence du présent Pourtant cet intertexte médiéval n’a rien de riant. Les adjectifs qualificatifs apportent une couleur sombre, violente qui fait immanquablement songer à la situation de la France contemporaine. L’usage du présent renforce cette hypothèse : la chanson d’autrefois parle aussi d’aujourd’hui. • Une transposition de la situation de la France en 1940 (voir question 2) Le caractère allusif, peut-être pour déjouer la censure, peut-être pour être fidèle à la poésie médiévale fondée sur le secret, présente l’Occupation comme un noir mystère. Pour comprendre le sens de ces allusions : voir question 2. On peut bien sûr compléter ce travail de mise à plat : on relève, aux vers 15 et 16 la poignante paronomase « armes » / « larmes ». Les adjectifs, là encore, éclairent le sens de ces deux noms. Les « armes désamorcées » sont une allusion à la débâcle de 1940, où la France a rendu les armes.

Les « larmes mal effacées » sont celles de la souffrance mais aussi du déshonneur. « Le long lai des gloires faussées » : à commenter. • Une violence qui s’exerce contre des civils incapables de se défendre : le « corsage délacé » (v. 6) est une mention discrète mais suffisante des exactions faites aux femmes. Aragon échappe à l’écueil de certaines poésies engagées : la lourdeur. c) La portée de ce choix poétique singulier Aragon revient à la poésie en vers classiques : le retour de la rime favorise la mémorisation de faits dont il faut, impérativement, se souvenir. Plus précisément, il a choisi d’écrire un lai, un poème à forme fixe en octosyllabes ne comportant qu’une seule rime. Son schéma, toujours le même, offre un canevas connu sur lequel il peut broder sur un mode allusif mais transparent. Écrire une poésie simple, accessible à tous, y compris à ceux qui ne goûtent guère la poésie d’avant-garde, est un choix signifiant : la « poésie de guerre » veut avant tout être comprise, retenue, ressentie par tous. On peut donc être sensible à la simplicité – militante – du vocabulaire (à développer). 2) Une poignante déploration a) La plainte, point d’aboutissement du poème Les deux derniers vers sont la clé : ils permettent de faire le lien entre le lai médiéval chargé d’images blessées et la situation de 1940. On comprend qui est « la rose », « l’éternelle fiancée » : c’est la France (voir question 2). S’élève alors une plainte déchirante. En atteste le « Ô » lyrique, repris en anaphore. L’adjectif possessif « ma », lui aussi redoublé, montre l’implication du locuteur et renforce encore la dimension pathétique de la déploration. Enfin, le mot « France » est mis en valeur par la virgule, seul signe de ponctuation de tout le poème. b) Une lancinante sonorité Comme tout lai, le poème comporte une rime unique, ici en [se], comme si le nom de la ville traversée, Les Ponts de Cé, avait orienté le travail du poète et donné un titre au poème. On remarque d’ailleurs que le poème commence et s’achève par un même vers, qui met en exergue le nom de la ville : « J’ai traversé les ponts de Cé ». Pourquoi ce choix poétique et sonore ? • C’est l’occasion de faire rimer le nom d’une ville française située au sud de la Loire (ligne de démarcation) avec les souffrances de la guerre



06/09/11 11:52

(blessé / insensé / délacé/ glacé, etc.). Par l’intrication sonore, les deux sont intimement liées. La ville devient emblématique de la France blessée par la défaite. • D’autres jeux sur les sonorités renforcent ce travail : on trouve deux homophones : « lait » (v. 11) et « lai » (v. 12). On relève aussi des allitérations en [s] (« traversé » v. 1, « chanson » v. 3, « sur » v. 5, « corsage » v. 6, sans compter tous les mots placés à la rime), en [l] (« lait glacé » v. 11, « Le long lai des gloires » v. 12, « La Loire » v. 13). On relève, aux vers 15 et 16, une assonance en [a], renforcée par une paronomase (« larmes » / « armes »). Tout le poème devient une pâte sonore et sa cohérence est renforcée par cette homogénéité phonique. • Le tableau des douleurs prend aussi la forme des « choses vues » (présence de la première personne, témoignage direct rédigé au passé composé). c) Une rime de combat • Le nom de la ville est signifiant : elle devait s’appeler « les Ponts de César ». La légende raconte que le chef gaulois Dumnacus tua l’ouvrier romain qui en gravait le nom dans la pierre. Le cou transpercé d’une flèche, il n’eut pas le temps d’écrire la fin du nom de l’envahisseur. La bourgade s’est alors appelée « les Ponts de Cé » en hommage à la rébellion gauloise. Le vers « C’est là que tout a commencé » peut aussi s’interpréter historiquement : c’est en ce lieu qu’a commencé la résistance, et depuis fort longtemps. • La rime en C (et non en César) est une rime de combat. D’ailleurs, il le dit dans la préface aux Yeux d’Elsa : « La rime est l’élément caractéristique qui libère notre poésie de l’emprise romaine ». Conclusion Le poète a traversé le pont : il est entré en résistance, contre tous les Césars et tous les Ducs.

Dissertation 1) Pourquoi chanter la révolte ? a) Pour témoigner On peut commenter le recours à la première personne du singulier : le poète qui dit « je » propose un témoignage sensible, émouvant. Il ne se tient pas à distance mais vient à la rencontre de ses frères humains : « la place d’un poète, écrit

Blaise Cendrars, est parmi les hommes, ses frères, quand cela va mal et que tout croule, l’humanité, la civilisation et le reste ». Il se sent lié aux autres, comme en témoigne cet extrait de Fragment 128 de René Char : « Je tenais à ces êtres-là par mille fils confiants dont pas un ne devait se rompre ». Et c’est ce lien qui le pousse à trouver des mots « forts comme la folie » pour témoigner. b) Pour dénoncer Les registres satirique, polémique, ironique peuvent faire des poèmes révoltés des « châtiments ». Ex. : dans Les Châtiments, Hugo fustige Napoléon III et le rend ridicule. Dans la deuxième partie de « Souvenir de la nuit du 4 », l’ironie amère et la dénonciation virulente triomphent. « Monsieur Napoléon, c’est son nom authentique » est une antiphrase : Louis Napoléon Bonaparte, s’est paré du nom de son oncle illustre pour revendiquer une grandeur qu’il ne mérite pas. Les accusations peuvent aussi être directes : son goût de l’argent est clairement dénoncé, d’autant qu’il ne sert qu’à satisfaire ses appétits grossiers (le jeu, la table, les femmes), maquillés en rétablissement de l’ordre moral (« par la même occasion il sauve / La famille, l’église et la société »). c) Pour produire un effet sur ses contemporains Les mots ont un pouvoir particulier. Ils sont efficaces à leur façon : ils transmettent la colère, donnent de la force, rassemblent les hommes autour d’un hymne, une chanson facile à mémoriser, comme celle de J.-B. Clément. Ex. 1 : « Je hais », dit Pierre Emmanuel et sa colère exhorte à la révolte. Ex. 2 : Lucie Aubrac, dans La Résistance expliquée à mes petits-enfants dit l’importance que prit la poésie pendant les années de guerre : « Que l’on soit libre, arrêté, déporté, ces moments de poésie étaient des temps privilégiés, même hors de France. […] Dans ces moments partagés, nous trouvions notre force. » 2) Une impérieuse nécessité a) Pourquoi des poètes en temps de détresse ? C’est la question que formule l’une des Grandes Élégies de Hölderlin. Pourquoi prendre sa plume plutôt que les armes ? Les mots n’ont-ils pas un pouvoir dérisoire ? On peut citer V. Hugo, définissant en ces termes la fonction spécifique du poète : « Le poète en des jours impies / Vient préparer des jours meilleurs. / Il est l’homme des utopies / Vers le bac |


227

06/09/11 11:52

Les pieds ici, les yeux ailleurs […] / En tout temps, pareil aux prophètes » Selon lui, ce « rêveur sacré » est capable de pressentir l’avenir et peut servir de phare. On retrouve dans les poèmes de ce corpus la même volonté d’anticiper l’avenir, de l’éclairer. c) L’honneur des poètes Quand l’histoire devient tragique (guerre, injustice, etc.), les poètes doivent écrire une poésie en rapport avec les circonstances : il en va de leur dignité d’homme. C’est ce qu’écrit Aragon : « Refuser la poésie de circonstance, c’est refuser aux poètes […] l’honneur des poètes qui est d’être des hommes ». Paul Éluard, qui a écrit le texte liminaire de L’Honneur des poètes, renchérit : « C’est vers cette action que les poètes à la vue immense sont, un jour ou l’autre, entraînés ». C’est une force qui les entraîne malgré eux ; une nécessité à laquelle ils ne peuvent ni ne veulent se soustraire.

Écriture d’invention La rédaction d’une préface est un exercice fréquemment proposé aux lycéens. Pour mener à

bien ce travail, il est essentiel de comprendre plusieurs points : quel est l’objectif de ma préface ? Comment l’organiser en partie distinctes ? Quel style adopter ? 1. Une préface est un texte court placé en tête d’un ouvrage. Il sert à présenter et défendre l’œuvre auprès du lecteur. Il a donc un objectif clair : indiquer les traits généraux de l’œuvre, donner envie d’aller plus loin dans la lecture. 2. Une préface est construite. Le plan dépend du sujet. Par exemple, une préface à une anthologie de l’Antiquité grecque comportera une présentation générale de la littérature de la Grèce antique. Ici, il faut expliquer, en deux ou trois arguments, pourquoi les poètes s’engagent par les mots (voir piste de corrigé de la dissertation). 3. Le style d’une préface est vif. Il faut susciter l’attention du lecteur, piquer son intérêt, par des questions rhétoriques, par exemple. Dans le cas présent, la préface, qui présente des poèmes de révolte, est elle-même un texte enflammé, militant. On peut consulter la fiche sur le registre lyrique (Fiche 40) et s’en inspirer.



06/09/11 11:52

Chapitre

4

La question de l’Homme dans les genres de l’argumentation, du XVIe siècle à nos jours Livre de l’élève  p. ¤‡‚ à ‹∞›

Présentation du chapitre  p. ¤‡‚ Objectifs Les instructions officielles précisent les visées de cet objet d’étude en insistant sur trois points essentiels : L’élève doit aborder des textes lui donnant les rudiments d’une réflexion anthropologique en offrant une entrée concrète dans l’étude de l’Homme. L’étude de discours argumentatifs sur la condition humaine doit permettre à l’élève de s’interroger sur sa propre condition. Différents genres argumentatifs doivent être sollicités : essai, théâtre, conte, poésie…

Organisation Le chapitre se divise en quatre séquences dévoilant différentes facettes de l’humanité. L’enjeu consiste plus précisément à montrer à l’élève les fondements mêmes de la culture humaine : de la Renaissance à aujourd’hui, le contact entre les civilisations a conduit l’être humain à se redéfinir et à repenser sa place au sein du monde. La séquence 14 intitulée « Les visages de l’homme » met en valeur la tension inhérente à la condition humaine : si d’un côté l’humanité peut se montrer bigarrée (Corpus 1 : Aux frontières de l’humanité), parfois inconsciente de sa valeur absolue (Corpus 2 : La valeur de l’homme), elle semble néanmoins incapable de

s’autodétruire. La capacité de l’Homme à résister se donne le plus souvent à voir dans des circonstances limites (Corpus 3 : Résistances à la déshumanisation). La séquence 15 offre un parcours de lecture autour de La Peste d’Albert Camus : ce témoignage romanesque interroge le pouvoir d’action des hommes face à un mal arbitraire. Les valeurs morales se trouvent ainsi mises à l’épreuve dans ce récit symbolique. La séquence 16 intitulée « Les découvertes des voyageurs » invite l’élève à prendre conscience de la pluralité des cultures : le premier corpus fait la part belle à la période moderne en croisant les regards de l’Européen sur le sauvage (textes 1 à 4) ou du sauvage sur l’Européen (L’Ingénu de Voltaire). Le second corpus montre les difficultés liées à l’échange entre les cultures. La séquence 17 explore les visées des photographes humanistes en sondant la portée argumentative de l’art photographique. L’élève peut constater le pouvoir des images célébrant l’humain. Cependant, la photographie en tant que produit culturel peut également véhiculer un message galvaudé comme le suggère Barthes. L’élève est alors à même de distinguer la photographie artistique du « cliché ». Les deux corpus « Vers le bac » élargissent la réflexion sur l’Homme en abordant la condition féminine ainsi que la place de l’individu dans la société. Les pistes de lecture favorisent l’exploration de mondes possibles : les cités imaginaires hantent la littérature de Micromégas à La Guerre des étoiles. | 229


06/09/11 11:52

Pistes d’étude de l’image • Contexte historique : l’esthétique du masque tranche avec l’ère du portrait qui précède. Après l’ère des représentations réalistes ou idéalistes via les canons aristotéliciens de l’imitation, la découverte des arts dits « primitifs » (africains, surtout, au départ) apporte, au tout début du XXe siècle, une nouvelle structuration de la représentation de l’homme (les Cubistes, Picasso, Matisse, etc.). C’est une révolution dans l’art, qui sort des conceptions issues de la Grèce et de Rome, renouvelées par le christianisme, la Renaissance et toutes les réminiscences de l’art classique. • Julio Gonzalez collabore avec Picasso au moment où il fait ces masques, portraits du peintre et sculpteur Foujita (1886-1968). Gonzalez privilégie le travail du dessin par rapport au volume. C’est pourquoi ces masques tiennent davantage du bas-relief que du buste. • L’œuvre s’intitule Portrait de Foujita : or, il y a deux têtes, l’une stylisée à l’extrême, l’autre plus descriptive, plus personnalisée. L’artiste peut donc représenter la même personne de manières différentes. • La peinture en arrière-plan permet d’insister sur les courbes des masques, en les rattachant à l’art moderne (prédominance des formes pour elles-mêmes). – Chercher ce qu’est un « masque ». – Autant de propositions sur la simplification du visage humain et ce qu’il peut nous inspirer sur notre propre visage. Dimension atemporelle du masque (il peut représenter tout homme, de toute époque et de tout lieu). Ces masques peuvent constituer comme des miroirs pour les spectateurs que nous sommes. – Que manque-t-il au masque le plus simple ? Essentiellement la bouche, ce qui lui confère un caractère énigmatique, silencieux, mais renforce le caractère central des yeux et leur expressivité. Ces masques nous interrogent sur la représentation humaine et son degré de précision :

faut-il multiplier les détails ou quelques traits suffisent-ils ? – L’intérêt réside dans la comparaison entre les masques : l’un est un peu plus individualisé et relié à une origine asiatique, l’autre peut parler de l’homme en général. On peut en déduire l’immense champ qui s’ouvre au discours sur l’homme, tant en art qu’en littérature : cette dernière peut-elle parler de ce qui est commun à tous les hommes en abordant ce qui est propre à certains individus, en certaines circonstances ? Sur Julio Gonzalez, consulter cette présentation d’exposition (Centre Pompidou) : www.centrepompidou.fr/Pompidou/Manifs.nsf /0/5FF66B137A426772C125723D0031A099? OpenDocument.

Bibliographie De nombreuses références littéraires et philosophiques peuvent être convoquées en écho à ce chapitre. Nous proposons quelques suggestions de lectures interrogeant la relation de l’homme à l’altérité : – COGEZ Gérard, Les Écrivains voyageurs au XXe siècle, Seuil, 2004 – KRISTEVA Julia, Étrangers à nous-mêmes, Fayard, 1988 – LESTRINGANT Franck, L’Atelier du cosmographe ou l’image du monde à la Renaissance, Albin Michel, 2000 – TODOROV Tzvetan, La Peur des barbares : Au-delà du choc des civilisations, Robert Laffont, 2008 (repris en Livre de Poche, 2009) – WOLFZETTEL Friedrich, Le Discours du voyageur : le récit de voyage en France du Moyen Âge au XVIIIe siècle, PUF, 1996 On peut aussi consulter, sur le site de la BnF, la belle exposition consacrée au portrait : « Portraits/Visages », expositions.bnf.fr/portraits/ index.htm.

230 | La question de l’Homme dans les genres de l’argumentation, du XVIe siècle à nos jours


06/09/11 11:52

Séquence

⁄›

Les visages de l’Homme Livre de l’élève  p. ¤‡⁄ à ¤··

Présentation de la séquence  p. ¤‡⁄ La question de l’homme est ici abordée par un choix de textes de genres différents. Tous sont puissamment articulés autour d’idées fortes – en même temps que traversés des doutes et des angoisses de ces dernières décennies. Cette combinaison entre la vigueur de l’affirmation et la douleur des obstacles ou des incertitudes caractérise particulièrement les textes des corpus 2 et 3 et se retrouve dans La Peste. La question de l’homme ne porte pas seulement sur un concept : elle invite aussi à s’interroger sur l’exercice de l’humanité et la valeur d’une connaissance affective et spirituelle, composante de l’argumentation. C’est sous cet angle que l’on peut d’ailleurs proposer aux élèves une autre vision du récit et de la fiction. Les textes proposent aussi de cerner ce qui fait l’homme par rapport au monstre ou à l’inhumain : tentatives de définition par défaut mais aussi par affirmation radicale, sur fond de négativité ou de néant. Le premier corpus se situe dans la tradition humaniste classique, le second est imprégné de l’héritage des Lumières, de la pensée existentielle et de la philosophie d’après-guerre. Le troisième réunit des extraits d’auteurs rescapés des camps, vus sous l’angle d’une résistance à ce qui déshumanise.

H istoire des arts

Jean Cocteau, La Belle et la Bête, ⁄·›§  p. ¤‡¤-¤‡‹

Face au monstre LECTURE DE L’IMAGE 1. Chacun des personnages apparaît en gros plan (la Bête restant au second plan, mais elle est vue de près), on distingue le regard, les traits et les vêtements. L’effet obtenu peut être double : d’une part, on perçoit un fort contraste entre les deux, d’autre part, on voit la gêne qu’éprouve la jeune fille. On entre presque dans l’intimité de leur dérangeante rencontre. 2. Le personnage masculin relève de la bête par sa toison et ses dents de fauve, de prédateur, la petite taille de ses yeux de félin sans pupille

visible, sa relative inexpressivité. En revanche, son costume extrêmement riche lui donne l’air « honnête » d’un homme de cour, son immense collerette est raffinée. Le costume joue un grand rôle ; à l’image, il transpose la politesse des manières. Enfin, son regard humaniserait presque sa face, il est dirigé vers la femme, comme pour attendre sa réponse. C’est ainsi qu’il ne semble pas complètement monstrueux.

3. La Belle est au premier plan, mais en bas, dominée par le regard de la Bête qui est au second plan, au-dessus d’elle. Ce personnage est maître chez lui et observe la Belle, ainsi que le spectateur (qui, lui, est en contre-plongée). L’œil monte et descend de l’un vers l’autre. Mais il va aussi vers la suite de l’histoire, vers la droite, ce n’est pas la Bête qui semble avoir la main sur le futur, l’image est ouverte à droite, et la Belle y règne. De plus, la Bête, en haut, n’a pas l’air de profiter de sa situation de force, puisqu’elle demeure au deuxième plan, derrière l’imposante chaise. 14 Les visages de l’Homme |


231

06/09/11 11:52

4. Chacun observe l’autre sans croiser encore son regard (c’est grâce au regard de l’autre que se fait la métamorphose, d’où le traitement extraordinaire du regard dans le film de Cocteau). Pourtant, les deux personnages se situent le long d’une diagonale qui laisse envisager une rencontre.

8. Tant la construction de l’image (ouverture à droite) que les effets de symétrie, de continuité semblent présager une force du côté de la Belle et un échange possible entre les personnages. Le regard de la Bête marque plutôt l’attente de ce que dira la Belle.

5. Tous deux sont éclairés de trois quarts ; la contre-plongée modèle les traits, l’ombre cerne la face de la Bête, à droite. Cette ombre symbolise sa face obscure, ou la peur qu’elle peut susciter. Le côté droit du visage de la Belle est légèrement dans l’ombre : elle aussi a sa part d’ombre, qui peut être la peur. On a l’impression que les personnages sont partagés, qu’ils vont se révéler ou que le film, qui dispose de cette puissance d’éclairage, pourrait éclairer aussi le fond de l’âme de ses personnages.

ÉCRITURE Vers la dissertation

6. Tout le fond de l’image est laissé au noir nocturne du début du film. Les personnages se détachent sur ce fond d’inconnu. Une partie de la face de la Bête reste dans l’ombre – mais elle est relativement bien éclairée, ce qui est rassurant. En revanche, on ne perçoit pas, dans le noir, le reste de son corps, à droite. Le noir et blanc travaillé dans le film donne l’impression d’un combat entre le jour et la nuit, l’ombre et la lumière, le Bien et le Mal. Il produit une hésitation sur ce que l’on voit et joue sur la suggestion. Consulter : www2.cndp.fr/TICE/teledoc/plans/ plans_bellebete.htm. 7. Les personnages sont rapprochés par quelques détails de leurs vêtements, comme s’ils échangeaient le noir et le blanc. Il faut remarquer que la Belle est vêtue et parée de noir. Elle vient en effet mourir pour réparer la faute de son père. En revanche, la Bête porte des broderies et passementeries blanches et brillantes, sa collerette est éblouissante. Le jeu de symétrie (du haut à gauche avec le bas à droite) entre les yeux est parlant : le moment de la rencontre totale n’est pas encore venu, mais on a un effet de symétrie entre les deux faces. Il y a un échange possible.

Hypothèse : c’est une monstruosité qui attire car elle symbolise un mal subi. La « monstruosité » de la Bête est présentée de façon stylisée, elle est médiatisée par l’esthétique. C’est une monstruosité de conte de fée, préparée pour correspondre ensuite aux traits de Jean Marais. Les personnages de contes sont transformés en bête pour diverses raisons (ils peuvent être punis ou victimes de sortilèges), mais l’idée est de représenter ainsi une certaine emprise du mal. La monstruosité représente un manquement à l’humanité, dans ce qu’elle a de mesuré, de vertueux, de respectueux des lois. Elle peut en particulier rendre lisible sur le visage la puissance de l’instinct. Or le conte ne se focalise pas sur cet aspect de la monstruosité, d’autant que Cocteau privilégie l’aspect charmant qui l’emporte chez la Bête. C’est pourquoi la monstruosité de la Bête pourrait aussi symboliser le rejet de l’autre pour la Belle.

Vers l’écriture d’invention La question est de savoir à quel point la Bête est divisée entre son esprit et son cœur, et son corps d’autre part. Les élèves peuvent choisir de lui laisser des traits de bestialité ou de l’humaniser presque totalement. Quels sont les éléments qui peuvent le faire ? Ceux qui peuvent aller à l’encontre des apparences ? Ensuite, il faut entrer dans l’univers du conte et inventer un discours galant. Il est possible de s’inspirer de l’extrait de la page 276 ou du film. Cet exercice permet aussi de travailler sur les dimensions séductrice ou persuasive du langage et sur la façon dont on peut se présenter à autrui.



06/09/11 11:52

AUX FRONTIÈRES DE L’HUMANITÉ

⁄ ¤

Ambroise Paré, Des monstres et prodiges, ⁄∞‡‹ Michel de Montaigne, Les Essais, ⁄∞·∞  p. ¤‡›-¤‡∞

Objectif : Définir la nature humaine en s’interrogeant sur la notion discutable de norme. Intérêt des textes : En mettant en regard les textes d’Ambroise Paré et de Montaigne, l’enjeu est de permettre à l’élève de réfléchir sur la notion d’humanité dans une perspective scientifique. L’exemple du monstre permet d’identifier une problématique essentielle de l’anthropologie : peut-on donner des limites à la notion d’humanité ?

La « norme » humaine LECTURE DES TEXTES 1. Ambroise Paré a occupé la fonction de chirurgien du roi sous les règnes d’Henri II, de Charles IX et d’Henri III. Son œuvre est donc un miroir du discours scientifique du XVIe siècle. Dans le chapitre III, l’auteur cherche à démontrer une thèse en adoptant une démarche rigoureuse : après avoir énuméré différents cas de monstres aux lignes 5 à 9 (« ceux qui ont », « un autre », « un autre »), Ambroise Paré énonce une idée générale : « Il est certain que… » (l. 10). Cependant, l’auteur ne s’appuie pas véritablement sur l’expérience pour dégager une vérité. Il ne procède donc pas selon un protocole scientifique tel qu’on l’entend aujourd’hui (depuis la naissance de la « science expérimentale » au XIXe siècle). 2. Paré et Montaigne font tous deux référence à Dieu pour expliquer le phénomène des monstres. Néanmoins, leur vision du jugement divin diffère. Paré explique l’origine des monstres en

la rattachant à la colère de Dieu : la naissance du monstre est un signe de malédiction qui ne doit rien au hasard comme le suggère les lignes 10 à 15. Le monstre est une erreur de la nature dont la cause est identifiable (« les femmes souillées de sang menstruel engendreront des monstres »). Le « Dieu » de Montaigne apparaît, a contrario, bienveillant et plein de bonté : la monstruosité n’est pas un signe prophétique mais la preuve que l’humanité est plurielle.

3. Dans son texte, Ambroise Paré recourt à des arguments que l’on peut juger fallacieux. Dans le deuxième paragraphe, il utilise un argument d’autorité pour prouver l’existence des monstres : en effet, il s’appuie sur le texte biblique (« comme il est écrit dans le livre d’Esdras le prophète », l. 14-15) pour justifier sa thèse. Dans le troisième paragraphe, il établit un rapport de cause à effet entre deux événements : une guerre et la naissance d’un monstre. Le lecteur peut trouver suspecte la stratégie argumentative de Paré qui escamote toute démonstration rationnelle. 4. Dans le premier paragraphe, Montaigne ne révèle que progressivement la monstruosité de l’enfant. Il met d’abord en valeur son humanité en usant d’une comparaison (« comme les autres enfants de même âge », l. 5) et d’un euphémisme pour atténuer la vérité (« ses cris semblaient bien avoir quelque chose de particulier », l. 6). Montaigne montre également que le monstre est un homme en déclarant que nul n’est en mesure de décréter une norme d’humanité (l. 22-23). En affirmant la toute puissance du jugement divin, l’auteur des Essais dénonce l’opinion a fortiori réductrice des hommes. 5. Selon Montaigne, la coutume est « la reine et l’impératrice du monde » (Essais, I, 23). Elle se définit comme un usage transmis de génération en génération. Dans l’extrait, l’auteur remet en question la validité de cette habitude de manière implicite, par le biais de la citation de Cicéron : « Ce que l’homme voit fréquemment ne l’étonne pas, même s’il en ignore la cause » (l. 19-20). La concession suggère les limites d’un jugement uniquement fondé sur l’expérience. Et il le dit aussi de manière explicite : « Nous appelons “contre nature” ce qui arrive contrairement à l’habitude » (l. 22-23). 14 Les visages de l’Homme |


233

06/09/11 11:52

6. Dans ce texte, Montaigne met en garde le lecteur contre toutes formes de préjugés concernant les monstres. Ce faisant, il encourage tout un chacun à exercer une liberté de pensée débarrassée de tout a priori. Plus précisément, Montaigne incite le lecteur à réévaluer la réalité qui l’entoure en favorisant une démarche intellectuelle humaniste fondée sur l’ouverture d’esprit et la tolérance. L’injonction finale peut ainsi être lue dans ce sens (l. 23-25).

VERS LE BAC Invention L’élève peut revenir dans un premier temps sur les présupposés de la consigne. Le genre du dialogue : la consigne précise que l’échange entre Montaigne et Ambroise Paré doit prendre la forme du dialogue. Courant au XVIIIe siècle (Crébillon, Diderot), le dialogue se distingue d’une pièce de théâtre dans la mesure où la conversation entre deux personnages peut parfois être ponctuée d’interventions du narrateur. La tonalité polémique : le dialogue doit permettre de mettre en valeur deux idéologies en opposition. L’élève pourra être amené à employer différentes stratégies argumentatives pour manifester une objection. Le raisonnement concessif peut s’avérer un moyen habile d’engager la controverse (« Même si… »). Voir fiche 27 : Les stratégies argumentatives. La vision du monstre : il faut mettre en valeur les deux définitions contraires de Paré et de Montaigne. Selon Paré, le monstre est un symbole maudit, un châtiment divin tandis que, pour Montaigne, il est un être humain dont la seule différence tient à l’apparence physique. L’Homme : il est possible dès lors de faire entendre la vision de l’humanité que sousentend ce discours sur le monstre. Il serait alors judicieux que l’élève fasse entendre un long discours de Montaigne développant les notions de tolérance et de norme relative.

Oral (entretien) Le discours de Montaigne permet d’établir un rapprochement entre le monstre et le Sauvage : il s’agit de deux êtres dont le statut même d’humain se trouve contesté. L’étude de ces deux types donne l’occasion à l’auteur de démontrer la relativité des coutumes.

‹

J.-M. Leprince de Beaumont, La Belle et la Bête, ⁄‡∞‡  p. ¤‡§

Objectif : Ce texte extrait de La Belle et la Bête amène le lecteur à réfléchir sur la dualité de l’homme. Reprenant un topos bien connu, Jeanne-Marie Leprince de Beaumont crée l’archétype du monstre au grand cœur. Dès lors, pourra-t-on encore se fier aux apparences ?

Un monstre au grand cœur LECTURE DU TEXTE 1. Le genre du conte de fées repose sur un « pacte féérique » passé entre le conteur et son lecteur (http://expositions.bnf.fr/contes/ enimages/salle2/index.htm). Les noms des personnages n’obéissent pas à une règle de vraisemblance : la Belle et la Bête sont des figures symboliques et non des personnages réalistes. Par ailleurs, le conte est un genre de récit « où les animaux parlent » (http://expositions.bnf.fr/ contes/enimages/salle2/index.htm) : ici la Bête a toutes les qualités d’un être humain, la première étant la sensibilité comme le révèle le dernier paragraphe. Enfin, le conteur invente des personnages et des situations extrêmement condensés pour permettre à l’enfant de s’identifier aisément à cet univers. Comme le dit le psychiatre Bruno Bettelheim : « Les personnages des contes de fées ne sont pas ambivalents ; ils ne sont pas à la fois bons et méchants, comme nous le sommes tous dans la réalité » (http://expositions.bnf.fr/ contes/cles/index.htm). Dans notre extrait, la Belle et la Bête sont des personnages purs (« La Belle, se voyant seule, sentit une grande compassion pour cette pauvre bête », l. 24-25). 2. Le dialogue entre la Belle et la Bête est construit autour d’une opposition : l’apparence physique ne reflète pas nécessairement l’intériorité d’un individu. Les champs lexicaux de la bonté et de la laideur dominent ainsi l’ensemble de l’extrait. La remarque finale de la Belle énoncée sous la forme d’une antithèse (« si laide » /



06/09/11 11:52

« si bonne », l. 26) montre bien que la rencontre entre les deux personnages a permis de remettre en cause la loi de l’apparence.

3. Cet extrait du conte de Madame Leprince de Beaumont est porteur d’une morale implicite. La tendresse et la vertu du monstre se révèlent tout au long du dialogue, ce qui encourage la Belle à se défier de toutes formes de préjugés. En donnant à lire les pensées et les sentiments de la Belle (« Elle n’avait presque plus peur du monstre », l. 15 ; « mais la Belle fut bientôt rassurée », l. 22), le narrateur incite le lecteur à s’identifier à la jeune femme. Le registre pathétique devient alors prédominant. Ce dialogue permet plus généralement de réfléchir sur le rapport de l’homme à autrui. La compassion éprouvée par la Belle peut être considérée comme un modèle de comportement : son ouverture d’esprit et sa sensibilité attestent de la possibilité pour tout homme de se débarrasser d’a priori tenaces.

VERS LE BAC Oral (entretien) Le conte est un genre littéraire destiné en priorité aux enfants depuis le XVIIe siècle. La construction de l’histoire et des personnages est volontairement sommaire et symbolique. La division manichéenne des actants (voir schéma narratif) permet au jeune public de s’identifier au héros persécuté (Cendrillon, La Belle et la Bête) par le biais de ce que Bettelheim nomme « l’identification positive ». La lecture du conte peut ainsi être considérée comme une étape importante dans la construction de l’enfant. Cependant, il faut se garder de réduire la portée du conte à ce type de lecteur. De multiples contes abordent des questions essentielles liées à la nature de l’homme : la poursuite du bonheur, le refus des conventions sociales (Cendrillon), la lutte contre toute forme de tutelle (Raiponce des Frères Grimm). Pour justifier la portée universelle du conte, l’élève pourra s’appuyer sur un corpus de contes philosophiques (Voltaire) dont l’écriture apparaît plus subtile (ironie, jeu avec les codes et attentes du genre).

Invention Rappel : l’apologue est l’exposé d’une pensée morale sous la forme d’un récit.

La difficulté de ce sujet d’invention tient à la nécessité de produire un discours argumentatif sous une forme narrative. L’élève peut choisir de partir d’une anecdote personnelle pour aboutir à une leçon ou à l’inverse énoncer un jugement qui se trouvera illustré par le récit.

› ∞

Victor Hugo, L’Homme qui rit, ⁄°§· Ovide, Les Métamorphoses, I er siècle avant J.-C.  p. ¤‡‡-¤‡·

Objectif : Réfléchir sur le rapport entre être et paraître, comprendre comment le roman fait réfléchir. Intérêt des textes : L’extrait de L’Homme qui rit peut constituer une magnifique entrée dans la poétique hugolienne.

Dépasser les apparences LECTURE DU TEXTE 4 1. Étymologiquement, monstre vient de monstrum, dérivé de monere (« avertir ») qui a entre autres donné montrer (verbe issu de monstrare, dérivé de monstrum). Monstrum est d’abord un terme du vocabulaire religieux : « prodige avertissant de la volonté des dieux ». Il désigne ensuite un « objet de caractère exceptionnel », un « être surnaturel » ; en français, il prend le sens de « prodige, miracle », désignant des hommes étranges ou défigurés tant physiquement que moralement (Dictionnaire historique de la langue française, dir. A. Rey). Les modalisateurs soulignent l’aspect prodigieux du personnage : « l’espèce de visage inouï » (l. 2). L’effet du monstrueux est traduit par « effroyable », « insupportable à voir et impossible à regarder » (redondance qui traduit l’horreur). L’aspect de « signe », d’avertissement, apparaît à travers l’« éclat de rire foudroyant » (l. 19), rire « tragique », « infernal », du « côté des dieux » (l. 32). Mais en fait, ce « signe » n’émane pas de la Providence, manifestement absente au moment où le héros 14 Les visages de l’Homme |


235

06/09/11 11:52

a été défiguré : « Dieu lui-même a des intermittences » (l. 42). Cette face paraît le résultat d’une « industrie bizarrement spéciale » ou du « hasard » (l. 3, qui n’est pas la Providence) d’une « mystérieuse opération » (l. 9-10) qui l’a « retouché », « exprès » (l. 66 et 67).

2. Ce qui appartient au monstrueux est l’apparence : le « rire automatique » (l. 7), le visage « difforme » (l. 61), mais aussi le caractère extrême. Appartient à l’humanité la « volonté » (l. 46), capable d’aller contre ce « rictus » (l. 48), manifestation de la « pensée » et d’une intériorité (« le dedans », l. 4). Le « corps » – et le crâne (« tête de mort », l. 69-70), eux aussi, sont normaux. Mais l’incarnation de la fonction morale du rire fait aussi du personnage un concentré d’humanité, au prix d’une défiguration blasphématoire (l. 32). Il est chargé du « fardeau » (l. 40) des souffrances humaines. Paradoxalement, le héros est plus proche de l’humain, à cause du détour par le monstrueux. Des indices apparaissent dans la métaphore du masque antique de la Comédie : « Ce bronze semblait rire et faisait rire, et était pensif » (l. 25-26). La dichotomie platonicienne corps/ âme fait partie des oppositions fondamentales dans ce roman. Cette articulation entre humain et monstrueux touche au sublime. Le lecteur est terrifié par l’insistance sur l’étrangeté – mais cela ne l’empêche pas de chercher les manifestations plus rares de ce qui humanise le héros, car il est alerté par un ensemble d’indices.

verbes (« il avait dû », l. 65), adverbes (« bizarrement » l. 3, « probablement », l. 64), le recours à la « vraisemblance » (l. 68). Il peut aussi marquer sa difficulté à cerner le prodige (« espèce de… », « disons mieux », l. 13). – Narrateur fait part de ses sentiments : commentaire, l. 39-40 « Quel fardeau pour un homme, le rire éternel ! » Globalement, c’est plutôt la description des réactions de la foule (dont le point de vue n’est cependant pas emprunté) qui renseigne sur l’effet produit par le personnage. « Cet homme était effroyable » est une constatation, non un jugement (l. 57). Le narrateur n’adhère nullement à ces réactions d’horreur ou de moquerie : son pathos se borne à la compassion (commentaire cité), sa subjectivité s’exprime aussi dans les hypothèses (modalisations). L’expressivité du texte (rythmes, en particulier, accumulations) vise à mimer les réactions et non à exprimer la subjectivité du narrateur. – Description objective du personnage : point de vue parfois omniscient, le narrateur sait ce qui est caché derrière la face de Gwynplaine, il l’expose, sans manifester de subjectivité (« Ce rire qu’il n’avait point mis sur son front […] il ne pouvait l’en ôter. On lui avait à jamais appliqué le rire sur le visage… », l. 6-17). Cette description débouche sur l’allégorie de la Comédie, qui donne au narrateur un ethos de moraliste, donc un point de vue surplombant.

3. On retrouve des antithèses hugoliennes, sublimes et grotesques, mais ici dans une dialectique qui aboutit toujours au tragique (résumé par l’image de la « roue »). Les oppositions lexicales abondent, souvent renforcées par des parallélismes syntaxiques et des coordonnants et subordonnants (« pourtant » (l. 1), « quoi que… » (l. 17), « quelles qu’elles fussent » (l. 12-13) qui traduisent l’inévitable, « s’il eût pleuré, il eût ri » (l. 16-17…), les reprises de termes accompagnées de négations, les oxymores (« une tête de Méduse, gaie », l. 20).

5. Le registre didactique mêlé à la description confère de l’autorité au narrateur et détourne la perception que le lecteur pourrait avoir de Gwynplaine vers un plus haut objet de méditation. Le registre didactique repose sur l’exposé d’histoire antique, l’enseignement par l’allégorie, les formules au présent gnomique (l. 44-45)… Le registre tragique innerve l’extrait : c’est sous cet angle qu’est présentée paradoxalement la « Comédie », dans un mélange des genres hugolien. Le tragique apparaît ici à travers tous les modes d’expressions du fatal (syntaxe, lexique – vb. « falloir », l. 22, connotations), la pitié et la terreur, le sublime.

4. – Narrateur émet des hypothèses : rétention d’information d’un point de vue a priori omniscient (le point de vue n’est ni interne ni externe, une partie du savoir est donnée). Cette rétention place le lecteur dans une situation de quête. Les hypothèses sont traduites par des modalisateurs,

6. L’allégorie de la Comédie est utilisée comme un détour métaphorique pour décrypter le portrait physique du héros. Derrière le rire (apparence), c’est « l’ironie que chacun a en soi » qui se dissimule – ironie comme forme de sagesse, quand elle ne verse pas dans le « ricanement ».



06/09/11 11:52

Hugo ne définit pas tant ici la comédie qu’il ne déploie une réflexion sur le rire « mécanique », comme délivrance de l’angoisse, de la conscience de mourir, de la « somme des soucis » (l. 28). La comédie a alors un rôle d’exutoire et c’est Gwynplaine qui en porte le « fardeau », il incarne sur sa face la misère et le mal qui frappent toute l’humanité.

HISTOIRE DES ARTS Le terme d’« expression » oriente vers l’idée d’émotion, de réaction, de caractère – plutôt que vers la laideur physique ; « terrifiante » introduit une idée d’intensité et de violence. Le sujet permet ainsi de ne pas réfléchir en termes de canons de beauté seulement. L’extrait de L’Homme qui rit fait explicitement référence à Méduse, dont le mythe est raconté dans les Métamorphoses. Dans chacun des passages, la laideur pétrifiante est considérée comme l’effet du mal, mais révélant quelque chose du destin. La laideur de Gwynplaine est l’œuvre d’un bourreau d’enfants, celle de Méduse est causée par le viol perpétré par Neptune. La laideur a donc ici une portée morale, elle matérialise le mal subi et attire la terreur et la pitié (ce qui n’est pas toujours le cas, cf. texte 6). Le tondo du Caravage est peint sur un véritable bouclier : bouclier à l’abri duquel Persée a décapité la Gorgone (Ovide, l. 19). La rondeur et la perfection de la peinture réussissent à cerner la terreur, exprimée ad aeternam par la face décapitée et portraiturée. Il y a donc comme un effet de catharsis. Le bouclier du Caravage montre cette face, affichée comme un trophée enfin regardable, comme une image de la terreur dominée. Selon L’Être et le Néant, le regard de l’autre me pétrifie, me méduse. Or ce pourrait être cette peur déjà ressentie par l’autre qui explique la terreur et la déformation de ses traits : car l’autre me regarde. L’expression laide et terrifiante cache donc ici un passé ou un destin funestes et une intériorité blessée, mais aussi parfois un avertissement surnaturel.

ÉCRITURE Argumentation On pensera à un portrait physique et l’on peut préciser la question en détaillant les divers aspects de l’apparence jusqu’au stéréotype ; la question de la norme se pose également. On peut proposer un recensement de quelques personnages, pour voir dans quelle mesure l’auteur propose un exemple, parfois un apologue : Quasimodo, mais aussi la Bête, la Marquise de Merteuil, défigurée et révélée à la fin des Liaisons dangereuses (roman qui joue sur l’être et le paraître), Le Portrait de Dorian Gray… L’incapacité de coïncider parfaitement avec son âme, par diversité de caractère et pulsions contradictoires apparaît dans L’Étrange cas du Dr. Jekyll et de Mr. Hyde, avec le dédoublement physique. La fiction et la narration supposent le déploiement de la temporalité du récit et de celle de la lecture où progresse la connaissance d’autrui. La narration dispose des indices sur le personnage et ménage des révélations, notamment à travers le prisme du regard d’un autre personnage. Autrui est ainsi présenté sous plusieurs facettes dans À la Recherche du temps perdu, le narrateur s’attachant à plusieurs portraits, où a posteriori, les apparences se révèlent trompeuses, interprétées de travers. La question liée à celle des apparences est donc celle du déchiffrement, en jeu dans l’acte de lecture. Balzac joue sur ces compétences qu’il s’attache à donner au lecteur en même temps qu’il fait un portrait. Si l’on n’obéit pas aux protocoles de lecture réalistes (et physiognomoniques), on peut jouer sur la surprise et le dévoilement (ce qui pose le problème du portrait et explique sa crise, liée à celle du réalisme, comme de l’humanisme). Globalement, ce qui est en jeu est l’unité corps-âme, l’identité et les dangers de la réduction de l’être à ce dont il a l’air. C’est sans doute quand on est familier de l’âme de quelqu’un que l’on arrive à comprendre ses gestes et son apparence.

Prolongement On peut consulter cette intéressante notice en ligne sur le site du MUCRI : http://mucri.univparis1.fr/mucri11/article.php3?id_article=118

14 Les visages de l’Homme |


237

06/09/11 11:52

VERS LE BAC Question sur un corpus Le corpus peut varier en fonction des textes étudiés (et associer par exemple à l’image de Cocteau, à l’extrait de La Belle et la Bête, celui d’Hugo). L’idée de « leçon » implique un travail d’induction à portée morale. Dans ces textes et sur l’image, la connaissance d’autrui se double d’un travail sur soi, dans le sens de l’accueil, de la distance prise avec les impressions et les préjugés, et avec la tentation du jugement. Ils peuvent aussi promouvoir une autre esthétique ; la Bête de Cocteau est représentée avec une recherche d’élégance et de sublimation, Gwynplaine suscite une esthétique du sublime. La rencontre est toujours une mise en question.

§

Eugène Ionesco, Rhinocéros, ⁄·§‚  p. ¤°‚-¤°⁄

Objectifs : Dans Rhinocéros, Eugène Ionesco s’interroge sur la notion d’inhumanité en recourant à une allégorie : le rhinocéros. Jean et Béranger représentent deux postures contradictoires face au phénomène de la « rhinocérite ». Dès lors, un des enjeux consiste à analyser les moyens mis en œuvre par le dramaturge pour rendre sensible le processus de déshumanisation à l’œuvre sur scène.

Face à la rhinocérite LECTURE DU TEXTE 1. Dans ses répliques, Béranger ne cesse de mettre en valeur la supériorité de l’homme sur l’animal. La différence entre les deux espèces tient à la nature de la loi qui les régit comme l’affirme Béranger.

« Loi morale » (l. 15) Les êtres humains adoptent des comportements régulés par un « système de valeurs » (l. 24). Comme le suggère Béranger, l’être humain doit toujours agir en conscience, de manière responsable, en reprenant les modèles légués par la tradition humaniste.

« Loi de la jungle » (l. 16) « La loi de la jungle » s’applique lorsque les êtres les plus forts écrasent les plus vulnérables. La loi naturelle dont parle Jean renvoie à cette logique de destruction. Au lieu de construire une communauté fondée sur le respect mutuel (tradition humaniste), Jean cherche à instaurer le règne du plus fort (usage illégitime de la violence).

2. Selon Jean, la notion d’humanisme n’a plus de raison d’être au moment où il s’exprime. En déclarant que « l’humanisme est périmé », il prétend saper les fondements mêmes de la civilisation occidentale. Alors que l’humanisme prône la grandeur de l’être humain et les valeurs de tolérance, Jean fait montre d’une brutalité qui reflète son désir de s’émanciper de cette vieille rengaine « sentimentale ». 3. La rhinocérite est un processus de métamorphose qui réduit progressivement la part d’humanité de Jean. Ce travail de sape se révèle tout au long du dialogue : alors qu’il accepte le jeu de l’échange polémique dans un premier temps (l. 1 à 22), il se met ensuite à adopter une attitude bestiale comme le suggèrent les didascalies (« soufflant bruyamment », l. 22 ; « il barrit presque », l. 31 ; « il barrit de nouveau », l. 34). Cette mutation se révèle plus précisément au terme de l’extrait dans la didascalie aux lignes 40 à 45. Son apparence humaine disparaît au profit de celle d’un rhinocéros (« La bosse de son front est presque devenue une corne de rhinocéros », l. 42-43). Dernier signe avant coureur de sa mutation : la perte de tout langage articulé et cohérent (« [il] fait entendre des sons inouïs », l. 45). 4. « Le comique dans mes pièces devient de plus en plus un outil pour faire contrepoint avec le



06/09/11 11:52

drame » explique Ionesco à propos de Rhinocéros. Dans cet extrait, plusieurs interprétations sont envisageables. D’un côté, le lecteur peut s’identifier à Béranger et éprouver l’effroi suscité par la violence du discours de Jean. La folie croissante de ce personnage en mutation inspire alors la terreur et la pitié, sentiments propres au registre tragique. Toutefois, le registre comique demeure présent sous la forme de « contrepoints ». La démence de Jean paraît par instants si extrême qu’elle peut conduire à des effets comiques. Aux lignes 26 à 28, l’énoncé hyperbolique de Jean se trouve neutralisé par la réplique de Béranger. Ionesco évite ainsi de basculer totalement dans le tragique.

5. La lecture à deux voix doit permettre de faire entendre un contraste entre Jean et Béranger. D’un côté, Béranger apparaît calme, maître de lui et comme détaché des événements. De l’autre, Jean se montre brutal et même bestial à la fin de l’échange. 6. De nombreux indices du texte font référence aux expériences totalitaires du XXe siècle. Mais comme l’explique Ionesco, il ne s’agit pas de renvois explicites à la réalité historique : le dialogue entre Jean et Béranger laisse entendre les conséquences néfastes du phénomène des « hystéries collectives ». Le dramaturge met en valeur l’abandon progressif de toute liberté individuelle. L’attitude de Jean est à cet égard exemplaire : il semble récuser tout ce en quoi il croyait (« De telles affirmations venant de votre part… », l. 40) et se trouve dépossédé de toutes ses capacités intellectuelles. La violence qui s’empare de lui devient alors la figuration du mal exercé par les pouvoirs totalitaires.

HISTOIRE DES ARTS Emmanuel Demarcy-Mota refuse de représenter la mutation en rhinocéros de manière réaliste. Les personnages à l’arrière-plan sont des êtres hybrides : ils ont conservé un corps d’homme tandis que leur visage est celui d’un rhinocéros plus ou moins complet. Béranger, au premier plan, se trouve d’autant plus isolé qu’il se détache de la masse des rhinocéros masqués.

le respect d’une certaine cohérence par rapport au texte support. Voici quelques pistes de travail à exploiter en vue de la réalisation de ce travail d’écriture : La composition du monologue : libéré de la présence de Béranger, Jean peut donner libre cours à son imagination. Plutôt que de construire un monologue structuré, l’élève pourra mettre en valeur les sautes d’humeur du personnage. Le principe du « coq-à-l’âne » peut ainsi porter ses fruits. La fin du monologue doit montrer un Jean totalement transformé en rhinocéros. La syntaxe en furie : il faut reprendre des constructions de phrases, des images donnant à voir la folie d’un personnage en passe de devenir un rhinocéros. L’élève peut s’appuyer sur la dernière réplique de Jean pour trouver un modèle d’écriture : « Chaud… trop chaud. Démolir tout cela, vêtements, ça gratte, vêtements, ça gratte. » (l. 47-48). Plutôt que de proposer des phrases standard (sujet-verbe-complément), il faut privilégier des bribes de phrases mettant en valeur un état sensible (« chaud ») ou une pulsion (« démolir »). L’insertion des didascalies : les didascalies doivent ponctuer le monologue et non intervenir à un seul moment (début ou fin). L’élève pourra prendre appui sur le texte support. Les didascalies doivent raconter la mutation progressive du personnage en rhinocéros (description de l’apparence et des déplacements de Jean).

Commentaire Voici une proposition de plan d’un commentaire : 1) Un dialogue polémique autour de la question de l’Homme a) Un échange antithétique b) La loi morale contre la loi de la jungle c) L’impossible échange : échec de l’argumentation 2) La défaite de la pensée a) La stratégie argumentative menée par Béranger b) Les fausses vérités de Jean c) Le langage du corps au détriment de la raison 3) Rhinocéros : une allégorie de la pulsion meurtrière a) La remise en cause des fondements rationnels b) Jean : la voix de la pulsion destructrice c) Une dénonciation des « hystéries collectives »

VERS LE BAC Invention Ce sujet d’invention invite l’élève à proposer une suite du texte. Ce type de consigne induit 14 Les visages de l’Homme |


239

06/09/11 11:52

LA VALEUR DE L’HOMME Le titre met en lumière une préoccupation récurrente dans les extraits qui suivent : l’homme n’a pas de prix. La valeur, c’est lui, en tant qu’être vivant digne et aspirant au bonheur, à la liberté, à la justice. Or cette « valeur » a été souvent menacée et niée.

accessible à tous les francophones est habité et vivifié par le créole. Ouvrage de Condorcet consultable sur Gallica dans l’édition de 1781 : http://gallica. bnf.fr/ark:/12148/bpt6k823018/f2.image.r= Condorcet+R%C3%A9flexions+sur+l%27 esclavage+des+n%C3%A8gres.langFR

L’éloquence contre l’esclavage LECTURE DU TEXTE 7

‡ °

Condorcet, Réflexions sur l’esclavage des nègres, ⁄‡°⁄ P. Chamoiseau, L’Esclave vieil homme et le molosse, ⁄··‡  p. ¤°¤-¤°‹

Objectif : Observer deux exemples d’indignation face à l’esclavage. Intérêt des textes : Sur cette double page se font face deux illustrations magnifiques d’une langue française capable de dépasser les frontières. Un texte du XVIIIe siècle – siècle où le mythe de la rationalité, de l’universalité, de la clarté de la langue française est illustré par Rivarol (Discours sur l’universalité de la langue française, 1784) – et un texte marqué par le créole – illustration dynamique de la francophonie, langue métissée, porteuse d’histoire. Contexte : « Créole » (criollo : « esclave né à la maison », dér. de criare, « nourrir »), est un terme utilisé pour désigner les patois à l’origine de cette langue dès le XVIIIe siècle. Le créole est devenu un système linguistique, une langue autonome, mixte, que les esclaves ont dû forger en oubliant leurs langues d’origine et en utilisant le français des colonisateurs esclavagistes. Dans le style de conteur choisi par Chamoiseau, le français

1. La lettre comporte son adresse aux destinataires, avec lesquels l’auteur entretient une relation de familiarité parfaitement élégante. L’« amitié » peut tant proposer de la familiarité (relation épistolaire) qu’un lien de confiance nécessaire à l’ethos rhétorique. Cette « épître dédicatoire », comme l’intitule Condorcet, ouvre son livre, c’est une dédicace anticonformiste puisqu’il est adressé à des dominés – c’est une façon de leur redonner dignité. Il est invraisemblable qu’ils puissent en avoir connaissance en 1781 : le public visé est le lecteur éclairé, humaniste (dans la mesure où Condorcet s’appuie sur des prémisses humanistes) ou désireux de s’intéresser au problème de l’esclavage. C’est aussi, polémiquement, l’adversaire : les « tyrans » (l. 30) désignés à la troisième personne et stratégiquement exclus de la communication. La lettre fonctionne selon un dispositif de double énonciation. Il s’agit d’un plaidoyer pour les esclaves, qui est aussi un réquisitoire contre les esclavagistes, mêlant judiciaire et délibératif. 2. Condorcet fait l’éloge de son destinataire et le blâme de son adversaire. Vertus : l. 6, « fidélité », « probité », « courage » (l. 11) – opposés aux hypocrites « bonté » (selon un point de vue erroné, l. 23, qui correspond en fait à « injustice », l. 24), « humanité » (l. 24). Les connotations sont distribuées entre les esclaves (vertu) et les « tyrans » (injustice). Sentiments : sobrement exprimés : fraternité, l. 4, intensément exprimés : l. 28 « J’aurai satisfait mon cœur déchiré par le spectacle de vos maux, soulevé par l’insolence absurde des sophismes de vos tyrans ». Autrement, c’est davantage à travers l’ironie que se marque l’indignation (émotion très morale qui a à voir avec la dignité, l. 20-23, avec le champ lexical des vertus par antiphrase). Les sentiments de



06/09/11 11:52

l’auteur sont motivés par son idéal moral d’humaniste et d’homme des Lumières ; il les exprime en combinant constatations objectives et mise en cause oratoire (« Je n’emploierai point l’éloquence mais la raison », l. 30 est valable pour le contenu de l’ouvrage qui suit). Il déploie un ethos rationnel et sensible, d’homme d’honneur (l. 18) capable de juger et de compatir.

5. Dans ce combat contre la pensée esclavagiste, Condorcet utilise les armes de la polémique : attaques de l’adversaire par le blâme (discrédit moral), expression du mépris (« je ne vous fais pas l’injure de les comparer à vous », l. 10-11), antiphrases ironiques (l. 23-24, emploi de « droit », l. 21) qui scelle sa complicité avec le destinataire.

3. Thèse : en vertu de l’égale dignité entre les hommes, l’esclavage est une injustice. 1. Exorde (l. 1-4) : adresse et explicitation du rapport entre l’auteur et son destinataire, défense de la valeur d’égalité et de fraternité, rejet de la doxa : « quoique… » qui annonce le sujet. 2. Confirmation (l. 5-26) : a. Les fondements moraux = prémisses : égalité (déduction attendue) + témoignage (induction) / blâme des « Blancs des colonies », (l. 5-13). b. L’impuissance : déductions (de cause à effet), (14-19). c. Le mépris : fonctionnement impossible de la logique de cause à effet : ironie (l. 20-26). 3. Péroraison (l. 27-35) : dernier appel sensible au destinataire (l. 27-31) et résumé avec sentence ironique (« Rien n’est plus commun que… ») (l. 32-35).

6. L’idée qui fonde ce réquisitoire est celle de l’égalité, basée sur un droit naturel (« la nature vous a formés pour… », l. 5) étendu à tous les hommes. C’est pourquoi l’idée de la ressemblance est développée : le déterminant « le/la même » (l. 6) est répété dans un rythme ternaire censé récapituler tous les aspects de cette égalité. Il s’oppose à celui de la ligne 3, censé établir une différence, dans la concession inaugurale. Cette force oratoire impose d’emblée les principes pour lesquels l’auteur se battra.

4. Les esclaves noirs sont dans une situation contraire à ce que leur devraient leurs mérites. Les oppositions et les concessions manifestent le caractère vicieux de cette situation, tout en attaquant les présupposés, la doxa de l’exploitant d’esclaves. Ainsi « quoique… » (l. 1). On peut commenter « mais » (l. 22, 24, 28) dans un mouvement de concession, « mais » oppose à la déduction envisageable une autre déduction, plus importante. Le « mais » des lignes 30 et 31 est réfutatif et travaille sur l’expression (« point l’éloquence, mais la raison […] non des intérêts du commerce, mais des lois de la justice »). Les oppositions ne sont pas systématiquement traduites par des mots de liaison : elles sont lexicales et parfois rendues criantes par un « donc », déduction cette fois cynique, appuyée sur le présupposé de la supériorité blanche : « il n’est donc pas étonnant que… » (l. 16) ou sur le paradoxe des discours qui ne se convertissent pas en actes « en effet, rien n’est plus commun que… » (l. 33). Les négations marquent aussi l’opposition (polyphonique) : « votre suffrage ne procure point de places… » / il pourrait en procurer (l. 14).

7. Le véritable autre, c’est donc l’esclavagiste. Si l’on « cherche un homme » (très ancienne quête philosophique), il faut chercher quelqu’un qui ait des qualités humaines. L’auteur se désolidarise donc de ses alliés sociaux et culturels : les « Blancs des colonies », au nom de la vertu et du cœur. 8. Ligne 33, dans l’antéoccupation (l’orateur prévoit l’objection de l’adversaire) « chimérique » signifie « utopique » et « irréaliste ». Ligne 34, habilement, l’auteur rebondit sur le terme, auquel il pourrait donner une connotation plus positive : « idéaliste ».

HISTOIRE DES ARTS L’art de la fresque favorise les effets de construction pour structurer le grand espace du mur, les lignes sont donc particulièrement apparentes. Avec ses couleurs vives et ses oppositions, le style de Rivera est d’une simplicité vigoureuse et expressive. Les lignes vont soit de bas en haut – pour se réorienter vers le bas, soit de haut en bas, au premier plan. Elles se dirigent de gauche à droite, tout en accompagnant la division en deux plans. Au second plan, un contremaître à cheval donne du fouet, des esclaves sont totalement courbés, même si leurs têtes dessinent une ligne qui s’élève. Au premier plan, les esclaves dessinent deux lignes qui donnent profondeur et dynamisme au tableau : de haut en bas, vers 14 Les visages de l’Homme |


241

06/09/11 11:52

le spectateur, de bas en haut, la courbe de soumission manifeste en même temps la force du travailleur. On ne distingue pas le visage des personnages, à part celui du contremaître, qui n’est pas individualisé, mais a l’air féroce.

VERS LE BAC Commentaire 1) Les raisonnements de l’humaniste a) Partir du plan détaillé : la dispositio est claire b) Les déductions à partir du droit naturel c) Les oppositions et les concessions d) Les constatations d’un moraliste : il paraît « chimérique » de réformer l’humanité pour qu’elle agisse en cohérence avec ses discours « communs » 2) Une épître vibrante a) Les effets de la double énonciation b) L’adresse et les expressions d’affection c) La polémique et le blâme d) Les rythmes des phrases, expressions de l’indignation

Prolongements

Commentaire comparé Problématique : comment l’éloquence, différente dans les deux textes, manifeste un sursaut de dignité, tout en suscitant une compassion fraternelle. Condorcet Épître Argumentation rationnelle Polémique

b) Les vertus, la force c) Les oppositions (Condorcet, les verbes comme « rompre » chez Chamoiseau) et l’énergie (renaissance, réappropriation du corps et conscience de l’univers, chez Chamoiseau) d) Les cris de l’indignation (Condorcet), l’explosion du sursaut de vie (Chamoiseau) : le sens des pleurs « sans tristesse » (l. 8) e) La vigueur de l’éloquence à travers répétitions et insistances : oratoire / poétique, le rythme de la délivrance (surtout Chamoiseau, voir les phrases « tuméfiées », haletantes) 2) Le lecteur, frère compatissant a) Une structure de domination b) Les souffrances et l’injustice : si le « vieil homme » de Chamoiseau ne pleure pas de « souffrance » parce qu’il se sent renaître à la liberté et à lui-même, il est blessé, « écorché », « tuméfié » c) Les modalités de l’identification : « fraternité » et partage du point de vue, de l’expérience d) Le désir de changement : des textes tournés vers l’après, la vie

Chamoiseau Récit fictionnel à la 1re pers. qui évolue vers le récit de pensée Exemple Lyrisme, pathétique

– GAUVIN Lise, La Fabrique de la langue, Seuil, coll. Points, 2004. – HÉLIX Laurence, Histoire de la langue française, Ellipses, 2011. – Hommage de Remue.net à Patrick Chamoiseau : http://remue.net/spip.php?rubrique187. – On peut proposer un exposé sur les Lumières face à l’esclavage.

Ce récit de pensée dans l’extrait de Chamoiseau pose les problèmes du discours rapporté et de la présence du narrateur. La dimension rétrospective du récit explique le déploiement de la poésie, de l’inventivité, du lyrisme ; dans la conscience du « vieil homme » qui raconte, ce sont toutes les voix des siens qui résonnent. Cet homme en fuite devient un symbole, comme la métonymie de tous les esclaves des Caraïbes. 1) Une dignité retrouvée a) La mise en scène de la personne de l’esclave : voix individuelle (Chamoiseau), présence de destinataire (Condorcet) 242 | La question de l’Homme dans les genres de l’argumentation, du XVIe siècle à nos jours


06/09/11 11:52

Jean-Paul Sartre, Les Mains sales,

· Albert Camus, ⁄‚ Les Justes, ⁄·›°

⁄·›·

 p. ¤°›-¤°‡ Contexte et entrée dans les textes : – L’échange a lieu devant Jessica, la femme d’Hugo (qui ne parle pas dans l’extrait). – On peut partir d’une réflexion sur le théâtre comme lieu de l’engagement (notamment dans sa temporalité propre qui induit une forme de rapport au public), puis d’une définition du drame. – Sur la « situation », lire ce texte qui fait entrer dans la fabrique du théâtre sartrien : « Pour un théâtre de situations », La Rue, n° 12, novembre 1947, repris dans Un théâtre de situation, Gallimard, Folio, 1992, p. 21.

Débattre sur le prix d’une vie humaine LECTURE DU TEXTE 9 1. Face à face, deux conceptions de la lutte politique sont incarnées par les personnages. Hoederer a un ethos de commandant, d’homme d’action (l. 64) pragmatique, sans état d’âme. Il agit en fonction de l’efficacité (« se servir », l. 46, « user » l. 7) pour l’abolition de la société de classes (origine du mal). Son langage est concret (ses métaphores aussi, familières), ses phrases parfois courtes peuvent être nominales, il veut imposer ses affirmations. Hugo défend des valeurs humanistes et universalistes (refus du « mensonge » l. 24), c’est un homme de « principes » (l. 84), de « devoir » (l. 5), qui se définit par rapport à ses idéaux (justifiant la « mort » l. 14), au sens, à la confiance, à la vérité. Ses questions montrent la façon dont il soumet Hoederer à ses impératifs moraux, mais aussi sa confiance trompée de jeune disciple. Il est beaucoup plus dans l’affectif et le moral (modalités interrogatives, exclamatives, points de suspensions). Hugo se situe dans le Bien et le Mal, Hoederer dans l’utile et le nuisible.

2. Chaque homme semble le reflet inversé de l’autre, l’un froid, l’autre sensible, tous deux incarnant et radicalisant une attitude face à l’action politique. D’où un ensemble d’antithèses et de formes négatives. Les reprises de termes (cf. question 6 pour préciser) matérialisent cet affrontement entre deux doubles inversés. Le côté « maléfique » de Hoederer apparaît à travers les dégradations ou le changement de connotations des termes que Hugo utilise : « idées » (l. 10-12), « mensonge » (l. 27-49). 3. Le « nous » qui réfère au locuteur et au Parti change de périmètre de référence (et donc de sens) selon que le personnage veut ou non inclure son interlocuteur dans le Parti. Il est inclusif de Hoederer, l. 15-16. Ligne 46, Hoederer inclut Hugo dans un « nous » général. Mais ligne 63, le « nous » de Hoederer exclut Hugo. Le « nous » disparaît dans les dernières répliques de l’extrait, avec un durcissement en « je » et « tu ». 4. Hoederer considère que « tous les moyens sont bons quand ils sont efficaces » ligne 49, Hugo pense que les moyens doivent être en accord avec la fin. (Voir tableau page suivante.) Comme tout dialogue argumentatif, celui-ci place le spectateur devant les expressions d’un choix et ne lui donne pas une réponse absolument univoque. On ne peut pas ne pas être attentif à cette réplique de Hoederer : « tu es sûr que tu ne t’es jamais menti, que tu n’as jamais menti, que tu ne mens pas à cette minute même ? » D’une part, ceci place Hugo devant sa responsabilité, puisqu’il est venu tuer Hoederer, mais, d’autre part, ceci place chacun devant sa conscience : sommes-nous absolument innocents ? La question est de savoir si, au nom de cette complicité (involontaire) avec le Mal, on doit choisir une lutte sans humanité. Voir Kant (Sur un prétendu droit de mentir par humanité) : mentir consiste à tenir celui à qui l’on ment pour un moyen, alors que l’homme doit toujours être considéré comme une fin. Kant est conscient qu’il existe des situations limites (danger de mort pour autrui…) mais l’idée est de donner un repère moral, par rapport auquel on sait que l’on peut se trouver dans la transgression. L’idée est d’articuler de façon cohérente théorie et pratique. 14 Les visages de l’Homme |


243

06/09/11 11:52

Hoederer

Hugo

1er argument dans la délibération : nécessité stratégique contre l’armée d’occupation 2e argument : le parti est un moyen

Réponse de principe : pas « à ce prix »

Réfutation : discrédit ironique des idées

Réfutation : par le nombre de camarades idéalistes Réfutation : ils désapprouveront le mensonge

Réfutation : les morts ne servent plus à rien

Réfutation : le parti est au service des idées

Réfutation : le mensonge fonctionne bien Réfutation : le mensonge vient de la société, et tout homme est un menteur

Déni d’Hugo : refus du mensonge de Hoederer puis du mensonge dans le parti (inductions), puis du mensonge en général Réfutation / déduction : mentir, c’est mépriser l’autre, donc il ne faut pas le faire.

Réfutation de Hoederer : il faut savoir identifier l’adversaire Attaque ad hominem contre Hugo, représentatif des « purs »

Réfutation : sur les moyens

Réfutation sur la nature humaine des hommes de Parti

Engagement personnel d’Hugo (l. 68-73) et argument du nombre

5. Le texte de Camus reprend la même problématique en l’articulant sur le thème de la mort de l’innocent et la menace des crimes de masse. Le verbe « aimer » est ainsi utilisé de façon habituelle par Dora, tandis que Stepan l’utilise avec un point de vue de fanatique (l. 16-17, comme un idéologue, il veut « sauver » l’humanité malgré elle). Chez Camus, la « situation » est plus extrême que chez Sartre, puisque le terroriste va se trouver face à l’innocent. 6. Le dialogue progresse par reprises de termes et de constructions syntaxiques : les échanges y gagnent beaucoup en rigueur, mais aussi en vraisemblance. Les répliques s’enchaînent sur des questions/réponses, rebondissent sur des mots, reprennent des structures syntaxiques en les mettant à la forme négative. Divers exemples : « Il n’y a qu’un seul but » (l. 8-9), « Tous les moyens sont / ne sont pas bons » (l. 48-49), reprise du verbe « condamner »… Les adversaires ne donnent pas le même sens ou les mêmes connotations aux mots, que ce soit par désaccord sur les idées ou par ironie (cf. les « idées », l. 11-12).

Rétorsion (retourner contre l’autre l’argument qu’il utilise ou la conduite qu’il tient) : on ne peut condamner un adversaire pour qui tous les moyens sont bons (l. 50)

7. « On s’apercevra peut-être un jour… » (l. 68) constitue une annonce qui fonctionne en double énonciation. L’accusation de Hoederer qui place Hugo face à sa conscience (l. 38-39) est à la fois un signe de clairvoyance et un ressort d’ironie dramatique. Hugo pourrait bien aussi avoir « les mains sales ». 8. A priori, le spectateur adhère aux valeurs d’Hugo qui lui tend le miroir d’une humanité idéaliste. De plus, Hugo tient le rôle du jeune premier. Surtout, il exprime des sentiments ; Hoederer ne donne aucune prise à l’identification, à la compassion ou à l’attachement affectif.

HISTOIRE DES ARTS L’expression « se salir les mains », au sens figuré, est ancienne ; Péguy l’a utilisée dans un passage célèbre de Victor-Marie, comte Hugo (1910, Gallimard, Pléiade, Œuvres en prose complètes, t. III, p. 332), que Sartre connaissait sans doute. « Je compte, Halévy, que vous ne réglerez point ces débats par les méthodes kantiennes, par la



06/09/11 11:52

philosophie kantienne, par la morale kantienne. Le kantisme a les mains pures, mais il n’a pas de mains. Et nous nos mains calleuses, nos mains noueuses, nos mains pécheresses nous avons quelquefois les mains pleines. » Se « salir les mains », c’est « salir » des idées nobles et théoriques dans la boue du réel pratique. L’expression joue à la fois sur un côté métaphorique (salir ses conceptions dans le réel) et métonymique (les mains, c’est tout l’homme en tant qu’il agit). L’image des mains qui se rejoignent est intéressante : le poing fermé d’Hugo manifeste le refus, alors même qu’il se laisse prendre par la main d’Hoederer. Ce n’est donc pas une poignée de main, les personnages ne sont pas non plus main dans la main ; ce contact manifeste les ambiguïtés de l’engagement.

VERS LE BAC Dissertation « Tous les moyens » sont-ils bons « quand ils sont efficaces » ? On peut s’interroger sur l’acception de « bons » : vertueux ? bénéfiques ? « Bon » suppose en effet un bénéficiaire, mais sur quel plan ? « Quand ils sont efficaces » réduit l’idée de « bonté » à l’utilité par rapport à la fin. D’ailleurs, ceci aboutit à un sophisme (c’est une tautologie). Ce qui motive Stepan et Hoederer est d’atteindre leur but (qui peut être moral), quelles que soient les conditions par lesquelles il faudra passer : la fin justifie les moyens. L’affirmation « tous les moyens sont bons quand ils sont efficaces » empêche de s’interroger sur l’articulation morale entre les moyens et la fin d’un acte. Or peut-on les séparer ? La formule d’Hoederer impose une vision amorale de l’action. Dans quelle mesure peut-on lui accorder raison, ou contester son point de vue ? 1) Des exemples tirés de l’Histoire (en lien avec le programme du lycée) Le point de vue d’Hoederer condense celui de beaucoup d’hommes de parti et d’idéologues qui ont fait passer l’homme de demain avant celui d’aujourd’hui. C’est la libération de l’humanité, considérée comme une entité presque abstraite, qui a pu justifier des crimes contre l’humanité. Le principe d’Hoederer constitue donc la base d’une argumentation purement politique : le but, c’est le « pouvoir » (l. 9 – expression qui annonce la révélation de 1984). On peut en

comprendre la logique : face à un ordre qui ne tient pas déjà l’homme pour une valeur, puisqu’il est exploité et soumis à la croissance du capital, il faut lutter. Mais on ne peut pas être meilleur que les autres, donc il faut user des mêmes moyens (« est-ce que tu t’imagines qu’on peut gouverner innocemment ? », l. 67). Le coupable, c’est le réel. Paradoxalement donc la justification de la formule repose sur le Mal. Les humanistes se font des illusions, « sauver » l’humanité, selon Stepan, demande un déchaînement de violence, « prix » à payer pour le bonheur de demain. Mais au-delà des discours qui affirment vouloir le bonheur de l’humanité, certains systèmes de valeurs peuvent chercher à abolir la conscience que l’homme est une fin, pour le transformer en moyen. Dans ce cas, « tous les moyens sont bons quand ils sont efficaces » signifie : seule la fin recherchée est une valeur, il faut hiérarchiser. Alors l’esclavage de l’autre est justifiable, pour des raisons de profit (voir Condorcet), son exclusion est compréhensible parce qu’il n’est pas « comme nous » (texte de S. Germain et remarque de Robert Antelme sur la société de classes, p. 295, discours de Césaire). La valeur : c’est la fin, l’objet du désir qui au fond ne satisfait que l’expansion orgueilleuse de soi, par l’accroissement de l’avoir et du pouvoir, qui transforme l’autre en propriété ou vise à le tuer pour prendre sa place. 2) La résistance de la conscience De multiples exemples d’engagements au service de causes comme la liberté ou la défense d’une indépendance ne doivent pas pousser à conclure que l’homme ne se considère là que comme un moyen : en effet, il choisit d’investir sa liberté au service d’un combat et il ne s’agit pas de suicide programmé. C’est surtout la réduction de l’homme à un moyen qui a suscité des résistances, contre les totalitarismes, les systèmes idéologiques, et en particulier en littérature et en philosophie. L’homme n’est pas une valeur abstraite : il se présente d’abord comme un individu à rencontrer, ici et maintenant. C’est l’exigence éthique qui invalide la formule « qui veut la fin veut les moyens ». Il n’y a pas de justification mécanique des moyens a posteriori : écrivains et philosophes qui ont résisté à la déshumanisation ont donc posé le problème en termes de morale et de droit, mais aussi de 14 Les visages de l’Homme |


245

06/09/11 11:52

transcendance, religieuse ou non, de la personne humaine. Tous les moyens employés doivent d’une part être dignes de cette fin qu’est la personne, et d’autre part, ne pas la prendre comme moyen au service d’autres fins. Dans sa fragilité et son ambiguïté, le discours d’Hugo (pièce de Sartre) témoigne de la résistance classique d’une conscience humaniste. Les répliques de Dora à Stepan font entendre un appel à la pitié, à l’affectivité profonde : comment peut-on tuer un enfant ? Quand Dora demande à Stepan pourquoi il a fermé les yeux, elle s’attend à ce qu’il explique que l’on ne peut regarder sa victime en face. Le visage de l’autre appelle le respect de sa dignité (Histoire des arts, p. 293 et texte de S. Germain). Ou alors il peut susciter la haine et la volonté de le défigurer (texte d’Hugo et tableau du Caravage) parce qu’il nous demande de renoncer à notre toute-puissance. La perversité des moyens peut discréditer la fin ; c’est ce que Dora veut faire entendre à Stepan. Mais souvent les procès ont lieu trop tard, après le désastre. Enfin, l’idée d’une suspension du jugement parce que le résultat expliquera les sacrifices a pu motiver les partisans de certaines idéologies. Mais en fait, la conscience ne peut s’arrêter d’apprécier les actes. Elle peut être affaiblie ou trompée, d’où l’un des rôles majeurs du témoin, de l’écrivain, comme l’a montré Primo Levi. La politique de l’efficacité commande d’abord de fermer les yeux sur le « prix à payer », en termes humains surtout. Mais la laideur des moyens enlaidit la fin et surtout révèle son véritable visage : cherche-t-on la « libération » de l’homme, ou cherche-t-on à imposer ce que l’on croit, soi-même, orgueilleusement ? Les textes résistants proposent d’abord comme principe le respect de l’humanité charnelle, fragile, odieuse ou aimable, ici et maintenant.

Oral (entretien) Le dilemme est une forme de raisonnement disjonctif : chacune des branches de l’alternative aboutit au même résultat négatif. Dans la pièce de Sartre, il s’agit de savoir comment construire une société juste : si l’on accepte de mentir, on est complice du mal ; si l’on n’accepte pas de mentir, on ne changera pas la société et on laissera régner le Mal. Face à la situation d’Hugo, le spectateur peut comprendre le dilemme

comme la division qui peut habiter chacun de nous. Mais il peut aussi ne pas accepter que la réalité soit enfermée dans la forme du dilemme : il existe d’autres moyens de changer une société, peut-être moins efficaces à court terme, mais plus dignes de la fin, à long terme.

Prolongements – On peut faire remarquer la différence formelle entre le théâtre de Ionesco notamment (livre de l’élève, p. 280-281) et les pièces contemporaines de Sartre et Camus, de facture classique. – Page sur les mises en scène récentes des Justes : http://educ.theatre-contemporain.net/pieces/ Les-Justes-Albert-Camus/ Dossier du CRDP de Paris (rédigé par M. Vannier) « pièce démontée » sur Les Justes : http://crdp.ac-paris.fr/piece-demontee/pdf/ les-justes-nordey_avant.pdf Consulter les mises en scène progressivement mises en ligne sur www.cndp.fr/antigone/ – SARTRE Jean-Paul, Un théâtre de situation, Gallimard, Folio coll. Essais, 1992 – CAMUS Albert, L’Homme révolté propose le cas de Kaliayev, Folio p. 212. – DENIS Benoît, Littérature et engagement, éd. du Seuil, coll. Points, 2000.

⁄⁄

Aimé Césaire, Discours sur la Négritude, ⁄·°‡  p. ¤°°-¤°·

Objectifs : Lire un extrait de discours oratoire, le lien etre rythme et raisonnement. Intérêt des textes : Faire entendre le rythme et le souffle de la parole, dans une actio que l’on peut essayer de restituer.

Affirmer sa valeur LECTURE DU TEXTE 1. Erratum : la « reconquête de soi » est évoquée dans la suite du texte, qui a été coupée. 1° Un patrimoine (l. 6-30) : la Négritude porte en elle



06/09/11 11:52

une histoire, une « mémoire collective » ; 2° une « offensive de l’esprit » (à partir de la ligne 32) : la « révolte » permet de recouvrer la « dignité » et de lutter contre la domination sur tous les plans. Elle devient ainsi une affirmation de soi. Globalement, le discours et l’attitude de Césaire en particulier tendent à faire d’un passé de douleur l’origine d’une culture complexe et puissante. Thèse : la Négritude est le ressaisissement de toute une communauté, unie par les épreuves de la « traite négrière », porteuse d’une culture forgée dans l’histoire et capable d’avoir, elle aussi, accès à l’universel. Le discours est donc fondé sur le lieu de la définition, dont viennent les autres idées (une variante de la déduction).

2. Le concept de « négritude » est l’un des plus controversés qui soit. Césaire fait un travail de redéfinition en commençant par dire ce qu’elle n’est pas (formes négatives), puis il affirme sa vision « c’est… » (présentatif). Avec les phrases, s’enchaînent les structures attributives. Il répète certains mots pour les expliciter ensuite, ce qui donne de l’élan à son discours : épanodes (« C’est une manière de vivre l’histoire dans l’histoire : l’histoire d’une communauté… » (l. 4), « une force animale » (expression répétée l. 21, avec ironie), « refus, je veux dire refus […] combat, c’est-à-dire combat… »), anaphores pour expliquer les différents aspects d’un objet (l. 50). 3. Césaire tire d’une histoire de malheur un ensemble d’enseignements constructifs. D’abord, l’homme est ainsi fait qu’il pense son destin et configure son expérience et ses mythes en une culture, même quand on cherche à la détruire. Ensuite, l’homme est capable de construire sa propre histoire à partir de l’Histoire (l. 4) donc d’en devenir le sujet. Enfin, quand une culture se veut seule universelle, elle empêche les autres d’exister et d’avoir leur propre rapport à l’universel, ce qui coupe « l’homme de l’humain » (l. 50). Il bâtit donc un ensemble d’inductions, tout en s’appuyant sur le partage d’un destin commun avec son auditoire. 4. « Ce que j’appellerai le réductionnisme européen » (l. 42) consiste à désigner une vision du monde qui ne laisse pas la place aux autres cultures. Césaire présente sa formule comme un concept, propre à théoriser un phénomène. Le

discours définit ensuite ce « réductionnisme » en termes généraux, avant de le juger moralement, avec indignation. En fait de polémique, il s’agit d’indignation (cf. cette émotion morale, chez Condorcet notamment). Cette indignation est oratoire (anaphores, polyptotes, parallélismes, période avec clausule sur la « forme rationnelle et scientifique de la barbarie » l. 51-52). La polémique donnerait lieu à de l’ironie (il y en a ailleurs dans cet extrait, l. 18-24) et à des expressions plus violentes.

5. On l’a vu, le rejaillissement du discours se fait à travers des figures de répétitions. Notamment, ligne 32, le « sursaut » est mimé par l’épanode « Elle est sursaut, et sursaut de dignité ». Le travail de redéfinition se double d’une forme de credo : les « je crois » répétés rythment la pensée. Le principe de répétition est toujours combiné avec un principe de variation, le discours respirant par reprises et avancées. Mais typographiquement aussi, on lit cet élan : les fréquents retours à la ligne transformeraient presque certaines phrases en versets lignes 1-3, lignes 30-35 sur le « sursaut ». Les reprises de souffle sont aussi des lancements de nouvelles idées. Cet élan est également donné par les questions rhétoriques. 6. On peut s’appuyer d’abord sur les reprises de souffle entre les phrases (la typographie va à l’encontre du paragraphe attendu en prose). Il faut aussi reprendre l’élan avec les surgissements d’anaphores. Il faut faire sonner les voyelles des assonances : « Je crois à la vertu plasmatrice des expériences séculaires accumulées et du vécu véhiculé par les cultures » (l. 16-17). Un vrai travail sur le souffle (qui doit rester naturel) et l’articulation est donc nécessaire. 7. Erratum : suite à la réduction du texte, il n’y a plus de « nous ». Nouvelle question : « Commentez la façon dont Césaire s’investit dans son discours ». Césaire construit un ethos d’homme de foi : « je crois… », ouvrant nombre de phrases, des affirmations rythmées en périodes. Ethos de penseur : « j’appellerai », qui travaille sur ses définitions, ses reformulations « je veux parler de… » (l. 43). Il s’investit aussi par une actio vigoureuse. 14 Les visages de l’Homme |


247

06/09/11 11:52

8. L’auditoire est impliqué par la complicité (ironie), les questions rhétoriques, les questions qui annoncent la suite ou les éventuelles réfutations. « Mais alors, me direz-vous, révolte contre quoi ? » (l. 35). La réaction du destinataire est prévue (voire ses doutes sur la suite du discours : on se situe alors dans une antéoccupation, s’il s’agit de reformuler ce que l’autre pense avant de le réfuter). Césaire reprend de plus belle ensuite. Il fait référence à l’ici et maintenant du discours (avec le déictique répété « ici » qui insiste sur l’intensité de sa présence et de son investissement).

HISTOIRE DES ARTS L’élan de la révolte se dit chez l’un comme chez l’autre. Mais les manières d’insister de Césaire et de Basquiat diffèrent radicalement, comme la rhétorique et la philosophie diffèrent de l’éloquence volcanique. Le point commun pourrait être le Césaire poète du Cahier d’un retour au pays natal. « En imposant des éléments figuratifs et expressifs inédits, il devient la vedette de la nouvelle peinture à contre-courant de l’art conceptuel et de l’art minimal, qui ont dominé l’esthétique depuis les années 1960. Ce réveil inattendu de la peinture qu’il incarne, revendiquant l’innocence et la spontanéité, l’absence délibérée de savoir-faire et l’usage brutal d’une figuration violemment expressive, s’est produit à la fois aux États-Unis et en Europe au début des années 1980 : Trans-avant-garde en Italie, Nouveaux Fauves en Allemagne et Figuration Libre en France. » (extrait du catalogue de l’exposition Basquiat au musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 15 oct. 2010-30 janvier 2011). http://mam.paris.fr/fr/expositions/basquiat. Le peintre, dont l’expression a commencé sur les murs des rues, libère son expression, peut lacérer, piétiner ses toiles. Il peut travailler leur support comme il sent que ses modèles ont été travaillés par la peine. C’est le cas dans ses représentations de l’esclavage. Il est dommage que, sur un support à deux dimensions, on ne puisse percevoir le relief ni le grain de l’image. Les traits du modèle central sont soulignés, comme sur un masque africain, ses yeux immenses fixent le spectateur. Enfermé dans une bulle entre deux bateaux qui ne lui laissent pas d’échappatoire, l’homme ressemble à une vision de cauchemar, qui revient hanter les hommes d’aujourd’hui. De part et d’autre, la liberté de l’océan et des couleurs.

ÉCRITURE Vers l’écriture d’invention La puissance du discours de Martin Luther King vient notamment de ses répétitions, anaphores lancées comme autant de refrains. Elles construisent une gradation et structurent toute la péroraison. Mais il faut aussi remarquer les nombreuses métaphores bibliques, qui peuvent réactiver chez l’auditoire la mémoire du gospel et transfigurent le propos en annonce prophétique. L’éloquence de Martin Luther King tient pour beaucoup à l’art de la prédication. On trouvera des discours vibrants (notamment de Martin Luther King) dans le recueil d’Anne Régent, L’Éloquence de la chaire, Seuil, 2008.

Prolongement Cahier d’un retour au pays natal, Présence africaine, rééd. 1983.

⁄¤

Sylvie Germain, Tobie des marais, ⁄··°  p. ¤·‚-¤·⁄

Une reconnaissance inestimable LECTURE DU TEXTE 1. Le lexique de la pauvreté (« loqueteux », l. 1) et des vêtements abîmés (« en lambeaux », l. 21) est accompagné d’expressions de la négation et de l’exclusion : « refoulé loin de… » (l. 8), « rongés jusqu’au sang » (l. 8), « déficience » (l. 9), « n’avait su se défendre » (l. 10), jusqu’au mot « rien » répété dans le dernier paragraphe. Cette pauvreté est aussi un abandon à la destinée et une absolue gratuité : « sans curiosité ni calcul, hors attente » (l. 37-38), « lente exténuation du regard » (l. 42-43). L’« absence » enfin radicalise cette pauvreté : les personnages



06/09/11 11:52

n’habitent plus en eux-mêmes. C’est ainsi que l’on peut comprendre la « transparen[ce] » des yeux de l’homme (l. 5) – pauvreté tournée vers quelque chose de positif : la lumière.

2. Les personnages sont d’abord dominés par l’épuisement : pour autant, ils se rapprochent et c’est l’homme qui se risque à aller vers la femme. Elle a un rôle traditionnel de médiatrice magicienne : elle fait « chanter […] et sourire […] la mer ». L’obstination et la fidélité sont ensuite des manières d’orienter la destinée ; enfin les personnages convertissent leur vide en une forme de première plénitude, « comme l’approche d’une consolation ». Ils vivent une épreuve initiatique. Ce qui leur reste est leur ouverture déchirante au monde et à l’autre. 3. 1° Présentation de l’homme : son portrait et son passé ; 2° (l. 12) La première rencontre avec Déborah ; 3° La transformation et le départ (à partir de la ligne 42). Les personnages parlent, mais surtout, ils recherchent la simple présence de l’autre. L’échange des regards commence par être un échange de transparences, un échange d’épuisements. Puis la « douceur » vient et le contact entre les mains. Enfin les personnages prennent une décision commune lors d’un dialogue où l’un fait « écho » à l’autre (l. 57). 4. De ce point de vue, les personnages se devinent et se reconnaissent. S’ils ont rencontré partout haine, refus et méfiance, ils trouvent l’un chez l’autre faiblesse, innocence et vulnérabilité. La « transparence » de « vitre » indique bien qu’aucun ne peut faire obstacle au regard de l’autre : mais elle ne donne pas sur « rien », elle conduit à une « lumière », comme à une promesse. Ce que chacun fait connaître à l’autre, ce n’est pas d’abord lui-même, mais un don mystérieux. 5. Ces paronymes sont associés de façon paradoxale, comme s’ils entretenaient effectivement des rapports mystérieux. La transformation est « imperceptible », celle de leur vie comme celle qui intervient entre les deux mots. Du « rien » lumineux émerge une forme de bien-être : la communion et le partage du « rien » peut « alléger » la souffrance. Chacun apporte à l’autre ce qu’il n’a pas, mais qu’il ne pourrait avoir sans lui. 6. Un comparatif d’égalité (« aussi que… ») ouvre le texte, une autre comparaison les

rapproche en fin du premier paragraphe (« pas plus que… » l. 10) ; les comparaisons reviennent avec le déterminant « le même » (l. 34 sq). L’expression « face-à-face » (l. 27) matérialise la situation. L’anadiplose sur la « vitre. Une vitre… » (l. 39) rend l’image de la transitivité entre les phrases et entre les êtres. Des formes comme « l’un devant l’autre » (l. 40), les correspondances entre les pronoms placés de part et d’autres du verbe traduisent encore ce « faceà-face » qui n’est ni narcissique ni possessif, puisqu’il est transparent. « En écho » (l. 57) annonce l’avenir et l’usage nouveau du « nous » scelle l’alliance. La note d’espoir est lancée par la décision : « allons ailleurs ! » : il y a du nouveau à construire, grâce à cette alliance.

7. Le navire porte ici l’homo viator, dont la vie fragile est ballotée sur l’océan. Le navire peut se faire métaphore de la destinée des « refoulés », des exclus, livrés au flot de la destinée. En même temps, il est ce qui protège de la mer, lieu de l’angoisse. À la fois fragile et protecteur, le navire est une métaphore plus générale de la destinée humaine.

HISTOIRE DES ARTS Comme les personnages de Sylvie Germain, les figures de Brancusi sont pauvres. La matière apparaît dans toute sa simplicité. Le calcaire brun est doux et ses formes arrondies soulignent cette douceur. Les formes sont élémentaires : un cube avec deux parties symétriques, reliées par les bras et le cercle des deux yeux. Les yeux sont grands ouverts sur l’autre. La bouche est à peine marquée. La sobriété et la calme perfection de cette sculpture correspondent au caractère des personnages et à la communion qui naît entre eux. Les expressions de la symétrie, de la transparence jouent dans le texte le rôle de l’effet géométrique chez Brancusi. Voir : www.centrepompidou.fr/education/ ressources/ENS-brancusi/ENS-brancusi.htm

ÉCRITURE Argumentation L’esprit de ce passage semble inspiré des Béatitudes évangéliques, prononcées lors du Sermon sur la montagne (Mt, V, 3 « Heureux les 14 Les visages de l’Homme |


249

06/09/11 11:52

pauvres d’esprit, le royaume des cieux est à eux, Heureux ceux qui sont doux, parce qu’ils posséderont la terre, Heureux ceux qui pleurent, parce qu’ils seront consolés… » trad. d’après Le Maître de Sacy). A priori, la pauvreté réduit l’homme parce qu’elle risque de focaliser son attention sur la survie. Penser à se nourrir, à dormir sous un toit, dépendre toujours de l’autre : voilà qui amoindrit la dignité. De plus, souvent la dignité humaine consiste à soigner son apparence (l. 21). La pauvreté des héros dépasse largement la pauvreté matérielle, on l’a vu : elle est une forme de pureté enfantine et d’abandon qui permet la rencontre en vérité et la confiance. Le paradoxe est alors que les personnages donnent ce qu’ils n’ont pas : une forme de joie mystérieuse (de la « douleur » à la « douceur »). Souvent, on cache ses pauvretés, ses infirmités : ici, elles sont montrées et elles aboutissent à une transparence de l’être, qui se fait pur accueil de l’autre. Ainsi la pauvreté peut-elle être aussi le lieu de la plus grande solidarité humaine et de l’affirmation d’une dignité irréductible. Enfin, certaines formes de pauvreté choisie (elle ne l’est pas dans le texte) relèvent de l’ascèse ou du détachement vis-à-vis des désirs de consommation : il s’agit de libérer le cœur et l’esprit.

RÉSISTANCES À LA DÉSHUMANISATION Les textes qui suivent peuvent aider l’élève à comprendre que la pensée de l’homme ne relève pas seulement d’un processus rationnel. Si les textes sollicitent l’induction et l’expérience, ce n’est pas qu’il s’agisse là d’une stratégie d’argumentation. C’est d’abord un mode de connaissance, propre à l’humain, que de reconnaître en l’autre le mystère de sa dignité. Le terme d’humanité, qui engage la notion, apparaît dans ce corpus sous deux angles complémentaires. Il désigne l’ensemble des caractères de la nature humaine, puis l’ensemble des êtres humains (TLF). Dans nos extraits, l’humanité est un invariant biologique et philosophique fondé sur une connaissance existentielle (Antelme) et une exigence éthique : le geste ou le rite d’humanité (Levi et Semprun).

⁄‹

Primo Levi, Si c’est un homme, ⁄·›‡  p. ¤·¤-¤·‹

Objectifs : Lire un diptyque de portraits exemplaires et réfléchir sur ce qu’est le témoignage. Intérêt : Comme l’extrait de Semprun, ce texte souligne combien l’humanité se reconnaît à des gestes (ainsi qu’à des rites) qui lui appartiennent en propre. Cependant, l’extrait d’Antelme (texte 14) montrera que même les gestes de barbarie relèvent des potentialités de l’humain, capable du meilleur comme du pire (Antelme, l. 36 ; voir aussi l’extrait d’Elie Wiesel, livre de l’élève p. 65, sur la perte de la dignité et l’oubli de l’amour filial, quand on meurt de faim).

Se souvenir des gestes d’humanité LECTURE DU TEXTE 1. 1° L’arrivée de Jean (l. 1-14), narration (l. 1) et passage explicatif (l. 2-8) puis discours. 2° Portrait de Jean (l. 15-26) : pause descriptive et explicative. 3° Portrait d’Alex (l. 26-36) id. 4° Stratégie et bienfaits du Pikolo (l. 37-50) : passage narratif (analepse). Dans le témoignage se succèdent donc passages à dominante narrative et passages descriptifs et explicatifs. La pause descriptive intervient surtout aux lignes 15-37. Autrement, de petites touches descriptives se trouvent dans la caractérisation, notamment dans le premier paragraphe. Le portrait de Jean est organisé en fonction de son entrée en scène : quand il arrive dans la « citerne souterraine » que les détenus sont en train de nettoyer. Le portrait du personnage se construit autant grâce aux précisions sur son caractère qu’à la description de ses gestes. 2. Contexte : Primo Levi raconte d’abord pour répondre à un « besoin » qui le presse tellement qu’il commence à « griffonner » dans le laboratoire auquel il se trouve affecté (Appendice de 1976, Pocket, 1987, p. 189). Urgence qui ne fut



06/09/11 11:52

pas immédiatement celle des lecteurs. L’aprèsguerre est partagé entre soulagement, volonté d’oublier et un certain déni (qui peut d’ailleurs être annoncé par le rêve du Block 45, Pocket, p. 64). Au refus de la haine et de la vengeance s’ajoute la croyance « dans la raison et dans la discussion comme instruments suprêmes de progrès », « le désir de justice l’emporte en moi sur la haine […]. Je pensais que mes paroles seraient d’autant plus crédibles qu’elles paraîtraient plus objectives et dépassionnées ; c’est dans ces conditions seulement qu’un témoin appelé à déposer en justice remplit sa mission, qui est de préparer le terrain aux juges. Et les juges, c’est vous. » (ibid.) Le style du texte (rendu dans la traduction) est effectivement très « sobre » : les faits sont relatés avec précision, avec des détails qui rendent visible la scène (l. 8-9 par exemple). Il n’y a pas tellement de figures de style, pas d’insistance (sauf dans le portrait d’Alex, mais pas dans l’évocation de l’horreur, l. 12 et 47). « Celui qui écrit Si c’est un homme n’était pas un écrivain au sens habituel du terme, c’est-à-dire qu’il ne se proposait pas un succès littéraire, il n’avait ni l’illusion ni l’ambition de faire un bel ouvrage. » (Le Devoir de mémoire, Mille et une nuits, 2000, p. 26). Les phrases sont très structurées logiquement (cause et effet, parfois avec ironie, sur le « c’est pourquoi » l. 19). Il arrive que le narrateur marque une subjectivité forte dans le portrait de la « brute », sans pour autant se départir de sa simplicité (le personnage est campé dans sa vie concrète, ce qui fait comprendre sa « nature ».)

3. Les détails peuvent être d’ordre pratique, physique, moral. Jean allie à un profond sens de l’humanité une débrouillardise qui le rend capable d’aider véritablement les autres. Il ne s’agit pas de faire un éloge abstrait de ses vertus, mais surtout de rendre témoignage à ce qu’il a fait. 4. Le diptyque produit un effet tranché de contraste. Il présente la survie comme une lutte entre Bien et Mal, amour et haine, et rappelle que ces distinctions ne peuvent disparaître de l’expérience ou de la conscience humaine. Les manques ou les instincts (« flair », l. 29) d’Alex sont ce qui lui permettent de vivre et de faire régner la terreur ; l’intelligence et le cœur de Jean sont les gages de la survie de ses camarades. C’est donc par l’orgueil et la faiblesse que Jean arrive à tirer parti du « porc-épic ».

5. Grâce à sa position stratégique et à ses talents d’intermédiaire, Jean « sauve » les détenus de la mort ou du supplice (l. 46-47). Son adresse, « quelques mots », ses « manières » lui permettent de jouer le rôle d’un protecteur et d’un avocat. C’est surtout par le langage qu’il se révèle efficace dans l’extrait (l. 8 ; dialogue des lignes suivantes ; 37 et 45), enfin c’est par sa parole qu’il va aider Primo Levi, à travers un échange sur la poésie. 6. L’éloge de Jean est moins explicite que ne l’est le blâme d’Alex. Primo Levi se contente de rapporter ceci, qui en dit long, « Jean était très aimé au Kommando » (l. 15), et de formuler un caractère « exceptionnel » en rendant hommage à son « courage » et à sa « ténacité » dans son propre combat individuel. Ce qui concerne autrui est surtout présenté sur un plan stratégique : « ruse », « force physique », « manières affables et amicales ». C’est surtout par son action que Jean s’affirme comme un habile homme et un homme de bien.

HISTOIRE DES ARTS En général, le gros plan (ici, en légère contreplongée) donne à voir un visage dans sa fragilité ou la subtilité de sa physionomie, il l’offre à découvert. Derrière les barbelés, deux visages aux expressions différentes apparaissent : un premier visage fatigué, au regard interrogateur, un deuxième visage, à l’expression volontaire, mais tête baissée. L’impression d’intimité est étrange, car on est loin de ces hommes, prisonniers, dans une détresse extrême, alors qu’on les voit de tout près, face à face. Le visage est le lieu de manifestation de l’être, mais aussi de la dignité de la personne humaine. De ce point de vue, l’image peut susciter la compassion, un sentiment d’impuissance, mais aussi – parce qu’on est bien conscient du cadre – la sûreté de la distance. On peut lire ce texte de Lévinas sur la relation au visage, qui est « d’emblée éthique ». « La relation avec le visage peut certes être dominée par la perception, mais ce qui est spécifiquement visage, c’est ce qui ne s’y réduit pas. Il y a d’abord la droiture même du visage, son exposition droite, sans défense. La peau du visage est celle qui reste la plus nue, la plus dénuée. La plus nue, bien que d’une nudité décente. La plus dénuée aussi : il y a dans le visage une pauvreté 14 Les visages de l’Homme |


251

06/09/11 11:52

essentielle ; la preuve en est qu’on essaie de masquer cette pauvreté en se donnant des poses, une contenance. Le visage est exposé, menacé, comme nous invitant à un acte de violence. En même temps, le visage est ce qui nous interdit de tuer. […] Le visage est signification, et signification sans contexte. » (Emmanuel Lévinas, Éthique et infini, Arthème-Fayard et France Culture, 1982).

une expérience inaudible. Ce défi a été relevé par Levi, Antelme et Semprun, ce dernier en a ressenti l’urgence au moment de la mort de Levi.

Prolongement Primo Levi, Le Devoir de mémoire, Mille et nuits, 2000 (Arthème-Fayard, 1995).

ÉCRITURE Vers la dissertation Le but de Primo Levi est de témoigner, afin que la conscience reconnaisse où est la justice. C’est pourquoi il ne donne aucune leçon de morale explicite. Il livre des portraits de la nature humaine, en montrant ses limites et ses grandeurs. Son entreprise dépasse la stratégie de l’exemplum : il s’agit de faire voir, au-delà de tout discours. La question qui se pose dans le reste de la réflexion est celle de l’efficacité morale : faut-il expliciter ce qui est censé être reconnu existentiellement, avec l’esprit et le cœur ? Tout dépend du public : celui qui lit le portrait a-t-il lui-même des critères moraux ? Peut-il comprendre sans qu’on lui explicite quelles sont les qualités morales du modèle ? A-t-il besoin qu’on les lui rappelle, parce qu’il les a oubliées ? Si le portrait est fait pour éduquer des enfants au sujet de telle ou telle valeur morale, on peut privilégier l’induction pour qu’ils formulent le principe, tout en éprouvant de l’admiration. 1) Dans quelle mesure le portrait nécessite-t-il le complément d’une moralité ? 2) Le portrait se suffit à lui-même : la reconnaissance du Bien et l’appel de l’exemple.

ORAL Analyse Site de la Fondation pour la mémoire de la Shoah : biographie de Primo Levi, commentée et illustrée : http://elaboratio.com/shoah_theatre/ primolevi/bio_commentee.html. La relation entre le projet d’écrire pour témoigner et les choix que manifeste l’extrait est très importante. On peut aussi réfléchir sur la possibilité de dire l’indicible ou de formuler

⁄›

Robert Antelme, L’Espèce humaine, ⁄·›‡  p. ¤·›-¤·∞

Objectif : Comprendre que la pensée de l’humanité peut être fondée sur la conscience que son ordre propre est irréductible (il y a solution de continuité entre l’homme et les autres êtres vivants). Intérêt du texte : Dans ce passage se formule une expérience limite de ce qu’est l’humanité, en termes philosophiques. Cependant, les élèves peuvent se rendre compte que la lecture du texte, rigoureusement écrit, permet presque à elle seule de comprendre ce dont il s’agit. Entrée dans le texte : Ce texte requiert du temps. Son approche peut être facilitée par quelques accroches d’observation que l’on s’est efforcé de proposer dans les questions. On peut proposer un travail sur le terme d’espèce et remarquer qu’il est employé ici dans une perspective scientifique à dessein, puisque les SS ont la volonté d’opérer un changement « biologique » (« Pour argumenter », l. 20) : diviser l’humanité, introduire des « classes » dans l’homme. C’est à cela qu’Antelme répond d’abord, en montrant que l’unité est constitutive de la définition de l’espèce.



06/09/11 11:52

Penser l’espèce humaine LECTURE DU TEXTE 1. L’ouverture du passage est faite de petites touches, évoquant les éléments endormis ou respirant dans une paix vivante et sereine : jusqu’aux « insectes nocturnes » et aux gouttes de rosée, que le texte, par son rythme, vient « caresser » à plusieurs reprises. La description n’est pas statique, chaque élément du paysage est associé à un verbe d’action. Ce qui, en revanche, ne respire pas et n’agit plus, c’est l’homme (paragraphe 2). La beauté de la nature est d’autant plus forte que l’homme en est exclu et se sent seul à mourir (l. 10, 44). La nature représente donc le monde de l’extérieur, où l’on peut encore vivre et être beau, où l’on ne meurt jamais, parce que l’on n’y est pas persécuté (l. 12-13). 2. La santé et le renouvellement sont évoqués dans les premières lignes, avec la beauté et la « toute-puissance » (l. 9). Mais c’est aussi sur un autre aspect des êtres vivants, temporairement oublié, que l’auteur insiste à partir du paragraphe 2 : la nécessité (« loi authentique », l. 25) de chercher sa nourriture, et le pourrissement (l. 15 et 21). Chaque espèce est soumise à ce régime, mais chacune dans son ordre : les « bêtes » ne peuvent devenir plus « bêtes » et les hommes – que l’humanité a conduits là – ne peuvent mourir qu’en hommes (l. 30). 3. Ce premier mouvement du texte (qui conduit jusqu’aux lignes 28-29) propose un frôlement entre l’homme abaissé par le système concentrationnaire et les animaux et les plantes. À trois reprises, le rapprochement est risqué, tandis que le « nivel[lement] » (l. 23) même souhaité par ceux qui souffrent, est impossible : « Mais il n’y a pas d’ambiguïté ». C’est aussi quand ils se rendent compte que « les SS sont des hommes comme [eux] » que « le masque tombe ». Robert Antelme formule ce paradoxe : au moment de sa plus grande aliénation, l’humanité manifeste sa qualité inaliénable (l. 45-46 puis 64-65). Voir aussi la question 6. 4. Cette différence ne relève pas de l’histoire (l. 34), mais de la nature humaine. Il s’agit de formuler une différence entre des ordres, qui tient au saut qualitatif entre les animaux et l’humain. Cette distance est même propre à définir l’homme (de ce point de vue, elle n’est pas le

produit de l’histoire, donc ne peut être annulée par les SS). Les hypothèses (l. 33-35) manifestent cette tentative historique de faire sortir l’homme de sa nature.

5. Les anaphores très expressives et les répétitions traduisent le mouvement d’affirmation de cet autre « axiome » (l. 56) : « il n’y a qu’une espèce humaine ». Cette insistance peut aussi mimer la vanité tragique de tous les efforts des SS pour abaisser les déportés. 6. En effet, l’antithèse porte principalement sur unité / différences (et tentative de diviser « l’espèce »). À partir de la ligne 45 les répétitions de l’antithèse sont régulièrement accompagnées de ce qui la neutralise : les insistances sur « comme nous », « une vérité », « une espèce humaine », « l’unité de l’espèce ». L’expérience de la ressemblance avec le plus dissemblable est ici au principe de la vérification de l’unicité de l’homme. 7. La troisième personne apparaît quand le sujet de la phrase est la nature extérieure ou un « on » ; le « nous » de l’expérience partagée intervient à la ligne 13. Le « je » s’efface, mais on est sensible à la voix singulière qui porte le témoignage et la méditation. Le vaet-vient entre le concret (souvent poétiquement rendu) et l’abstrait nécessite la médiation d’une conscience, celle de l’auteur. Mais elle est surtout témoin d’une expérience commune. L’individualité s’efface d’une part, dans la communauté de l’expérience limite, d’autre part, à cause de l’extrême faiblesse qui concentre l’être sur les nécessités de la survie ou l’ambition de seulement percevoir la nature. L’expérience radicale relatée par Antelme a une portée universelle et aboutit à un théorème, que l’on peut contempler.

HISTOIRE DES ARTS La verticalité domine : la statue s’étire depuis le socle jusqu’au ciel. L’espace (que Giacometti considère comme de la matière et non comme un vide) est aussi tiré vers le haut et dans la direction du marcheur. Cette verticalité apparaît donc à la fois comme une affirmation de l’homme et comme un effort immense, une ascèse. La matière est la même pour le socle et l’homme qui émerge de la terre (les 14 Les visages de l’Homme |


253

06/09/11 11:52

pieds sont plus épais que le reste du corps). Paradoxalement, cette maigreur n’aboutit pas à une impression de désincarnation, puisque l’aspect grumeleux du bronze, proche de la glaise, évoque la pâte humaine. Le mouvement de ces figures est énigmatique : vont-elles se croiser ? se parler ? Leur direction semble surtout évoquer le mystère de la condition humaine. Giacometti tente de saisir ses modèles, les êtres qu’il représente, dans le moment où ils apparaissent et risquent de redevenir insaisissable. D’où l’impression de précarité et en même temps de présence que dégagent ses sculptures. www.centrepompidou.fr/education/ressources/ ENS-giacometti/ENS-giacometti.html

ÉCRITURE Argumentation Mettre son expérience en récit est une façon de saisir, d’essayer de comprendre ce qui nous est arrivé. Dans le cas des rescapés de l’horreur, ce peut être, à défaut de comprendre, un témoignage pour susciter une prise de conscience. Rendre lisible ce qui échappe aux vraisemblances ou à l’imaginable suppose une construction, qui peut être un projet d’ordre littéraire. Qu’il s’agisse d’une autobiographie pour se comprendre et justifier ses actes devant les autres ou d’un témoignage, de mémoires pour faire l’Histoire, l’autobiographie est tournée vers les autres. Le « je » de l’autobiographie est tourné vers un « tu », autre que lui-même (à la différence du journal, où le « je » se dédouble en quelque sorte en « je » et « tu »). Mais le public auquel s’adresse ce récit peut-il se sentir concerné ? D’un point de vue humaniste, rien de ce qui est humain ne devrait nous être étranger : – On se reconnaît dans les épreuves dépassées ou comprises par autrui (dimension plus initiatique). – Connaissance de ce qui est étranger ou lointain : intérêt pour l’autre, qui peut aboutir à une épreuve du langage. → Dialectique entre le différent et le commun. – Les récits concentrationnaires unissent le devoir de témoigner à l’épreuve du langage et de la compréhension, en posant une question radicale : « On peut tout dire […]. Mais peut-on tout entendre, tout imaginer ? Le pourra-t-on ? En auront-ils la patience, la passion, la compassion,

la rigueur nécessaires ? » (Jorge Semprun, L’Écriture ou la vie, Gallimard, 1992, p. 26). On peut remarquer aussi que Semprun eut recours au roman avant d’en venir à l’autobiographie explicite.

Prolongement Marguerite Duras, La Douleur, POL, réed. Gallimard, coll. Folio, 1985.

Jorge Semprun, L’Écriture ou la vie,

⁄∞ Charles Baudelaire, ⁄§ Les Fleurs du mal, ⁄··›

⁄°∞‡  p. ¤·§-¤·‡ Objectif : Observer le récit d’un épisode qui devient une icône de l’humanité. Intérêt des textes : Ouvrir une réflexion sur le rite et les vocations de la poésie. Contexte : Professeur à la Sorbonne, sociologue, Maurice Halbwachs a été déporté, comme Semprun, pour faits de résistance (biographie sur le site du Centre Maurice Halbwachs : www.cmh.ens.fr/hoprubrique.php?id_rub=18 et sur le site du Collège de France : www.college-de-france.fr/default/EN/all/ins_dis/ maurice_halbwachs.htm).

Retrouver des rites de l’humanité LECTURE DU TEXTE 15 1. La description de la faiblesse est accompagnée de négations (« n’avait pas eu la force d’ouvrir les yeux » l. 5-6) ou de restrictions (« seulement une réponse de ses doigts » l. 6) qui, elles, signifient encore un sursaut de vie. Les expressions « Il se vidait lentement de sa substance » (l. 9) et « son corps en déliquescence » (l. 13), résument,



06/09/11 11:52

en restant concrets, l’état du malade de dysenterie. Si elles ne relèvent pas de l’euphémisme, ces expressions traduisent la politesse du langage et l’importance de se tenir droit face à la mort. En revanche, les signes de dignité sont très détaillés, surtout qu’ils sont imperceptibles. L’épisode progresse de l’extrême faiblesse à un sourire.

2. L’auteur-narrateur joue auprès du mourant le rôle d’un accompagnateur spirituel : il veut l’aider à passer de la vie à la mort. Sans appel au divin, il s’agit cependant d’une exigence spirituelle, pour préparer l’âme à son « voyage » vers « l’Inconnu ». S’il cherche comment faire, il trouve rapidement une solution : ses ressources de lecteur de poésie. La littérature nourrit l’âme, peut aider à vivre – et à mourir. La littérature joue le rôle d’un medium spirituel entre l’homme et le mystère de sa destinée, elle dit sa souffrance pour la lui rendre digne, tout en maintenant une espérance (« levons l’ancre » l. 23). 3. La communication passe par le toucher et le regard (non seulement la vue), l’ouïe et l’expression du visage (le sourire, l. 28) : les sens obéissent bien à des intentions. La voix et l’ouïe, puis une forme de communication noble comme la poésie les réunissent finalement, par la médiation de Baudelaire. Les mains l’une dans l’autre sont un symbole de fraternité. Cette fraternité passe aussi à travers le regard. Peut-être le « mince frémissement » des lèvres (l. 27) correspond-il à la tentative de murmurer la suite du poème (ce qui est une forme de communion) : la médiation est aussi communion. « Nous vivions ensemble cette expérience de la mort, cette compassion. Notre être était défini par cela : être avec l’autre dans la mort qui s’avançait » (L’Écriture ou la vie, p. 39). 4. Les oppositions entre la dégradation physique et la noblesse morale sont très fortes. Mais la « honte » elle-même est une manifestation de grandeur, puisque l’esprit et le cœur sont attachés au corps. Les détails précis sont accompagnés de témoignages sur la force spirituelle du mourant, en particulier à la ligne 14 : « Mais aussi une flamme… ». Cette lueur est « immortelle » (l. 15) transcende toute maladie et toute indignité. 5. La « dignité » est exprimée dans le regard (l. 14-17), lieu où l’âme s’exprime : y sont « lisibles » la « détresse » et la « honte », puis

« une flamme de dignité », la connaissance de la mort et la fraternité. Cet ensemble de sentiments humains que Semprun sait y déchiffrer affirme la pleine « souveraineté » du malade.

6. Le regard est longuement commenté par deux très belles périodes. Ligne 14, le « mais » inaugural et le deuxième « mais » dans la même phrase marquent la résistance. Le rythme est donné par la virgule et les terminaisons en « é » qui font rejaillir la phrase. La deuxième période s’ouvre sur une protase avec quatre relatives conquérantes, avant de s’achever majestueusement sur une apodose avec clausule marquant la résistance, sur le seul « souverainement », qui impose ses cinq syllabes. Les recherches de termes se transforment en autant d’affirmation de la force intérieure. Ce long commentaire est important, car le regard fou de Semprun, en 1945, effraie trois officiers britanniques, venus libérer les camps ; le regard des détenus devient peu à peu « lumière affaiblie d’une étoile morte » (L’Écriture ou la vie, Gallimard, p. 29). 7. La mort devient un personnage et un interlocuteur dans ces vers de Baudelaire : elle est apostrophée comme un « vieux capitaine », un guide vers l’inconnu. La mort connaît aussi le « cœur » des navigateurs, elle ressemble aussi à une confidente, à une magicienne (v. 5). Le mystère de la disparition, l’espérance en autre chose fondent les premiers rites humains. Face à la déshumanisation, la poésie aide à retrouver ces rites, qui parlent de la mort et l’entourent d’un cérémonial. 8. Les morts de Buchenwald sont sans sépulture, ils « s’en vont en fumée », ainsi la « mort […] charnelle » est-elle évacuée (L’Écriture ou la vie, p. 45). D’où la nécessité, quand la dignité de sa mort a été enlevée à l’homme, de lui redonner un cérémonial et un tombeau. Si l’on observe ce qui entoure cet épisode dans L’Écriture ou la vie, son aspect de complétude apparaît (autour de son centre, qui est le regard du mourant, gravitent les mêmes formules répétées sur plusieurs pages), avec son début et sa fin, comme un mémorial ou une stèle. Cet aspect est déjà lisible dans le fragment donné ici. Cette page a des accents de célébration poétique. Elle fait entendre Baudelaire, la recherche des mots y prend un aspect incantatoire. Le dernier portrait donne lieu à une transfiguration avec sa « flamme » et sa « lueur immortelle ». 14 Les visages de l’Homme |


255

06/09/11 11:52

HISTOIRE DES ARTS Voir aussi http://mucri.univ-paris1.fr/mucri11/ article.php3?id_article=134. La main a été posée sur la paroi, puis on a soufflé des pigments autour d’elle. Elle a donc été là. Ce n’est pas une représentation iconique, au départ, mais un indice. (Le sémiologue s’intéresse aux signes en distinguant ces trois types : icône (analogie), indice (trace) et symbole (convention). Ce type de signe qu’est l’indice suppose une trace laissée et qui peut l’avoir été intentionnellement. Aujourd’hui, il pourrait correspondre à une relique de l’humanité préhistorique. Elle peut marquer un passage, une présence dont elle devient une sorte de mémorial. La main peut avoir diverses significations en vue de communiquer ; on peut aussi s’interroger sur les motivations qui ont guidé le travail soigneux de représentation. Cette partie du corps ne peut être métonymique que d’un humain. De plus, l’homme est le seul être vivant à se représenter. Cette orientation vers l’image, et une forme d’équilibre et de beauté, parle de la vocation artistique de l’homme, qui pourrait faire partie de la définition de l’espèce humaine.

ÉCRITURE Argumentation – Dans un ordre d’idées comparables, la poésie joue un rôle fondamental dans Si c’est un homme, que Primo Levi a ouvert avec un poème et en citant Dante. Elle propose une expérience orphique, de descente aux Enfers puis de remontée. Elle a un pouvoir de révélation sur l’expérience humaine et propose un horizon de sens. Pikolo a demandé des leçons d’italien à Primo Levi, celui-ci récite du Dante : « Considérez quelle est votre origine : / Vous n’avez pas été faits pour vivre comme brutes, / Mais pour ensuivre et science et vertu ». « […] il s’est rendu compte qu’il est en train de me faire du bien […] il a senti que ces paroles le concernent, qu’elles concernent tous les hommes qui souffrent, et nous en particulier ; qu’elles nous concernent nous deux, qui osons nous arrêter à ces choses-là avec les bâtons de la corvée de soupe sur les épaules. » (Si c’est un homme, Pocket, p. 122). – La poésie récitée fait entendre les voix des poètes, qui rejoignent ceux qui sont seuls.

– Le langage est proprement humain ; son usage en poésie l’affranchit des nécessités immédiates de la communication. Sa densité la rend capable de garder longtemps, pour la mémoire, des mots dont on n’épuise jamais les sens. C’est un bien inaliénable (la lire et l’écrire, cf. Trente trois sonnets composés au secret, Jean Cassou, livre de l’élève p. 267). – Or Jorge Semprun le fait remarquer, ainsi que George Steiner (Dans le château de Barbe-bleue) : Buchenwald se trouve à côté de Weimar. Ce ne sont pas la culture ou la poésie en tant que telles qui peuvent arrêter un massacre. – En revanche, c’est la coïncidence du cœur et de l’esprit avec les valeurs humanistes que la poésie rejoint, exprimant le désir de beauté et de plénitude (ou l’expression du manque) qui habite l’homme. Dans cette mesure, ce serait plutôt le besoin de poésie qui entretiendrait le souvenir qu’on est homme.

Prolongement – Retour sur la narration de ce moment, L’Écriture ou la vie, p. 250. – Rôle de la poésie : lecture de L’Écriture ou la vie (cf. aussi « La liberté » de Char). – Lecture des Feuillets d’Hypnos (Fureur et mystère). – Jorge Semprun, L’écriture de la vie, Gérard de Cortanze, Gallimard, coll. Folio, 2004 pour la mise en valeur du rôle de la mémoire dans l’itinéraire de Semprun.

POUR ARGUMENTER : PEUT-ON PERDRE SON HUMANITÉ ?  p. ¤·° LECTURE DU TEXTE 1. Selon Robert Antelme, le statut d’homme n’est pas un titre définitif et naturel. Dans certaines circonstances, la notion d’humanité peut être mise à mal au point d’être niée. Il est alors nécessaire de ne pas se résigner comme l’affirme l’auteur aux lignes 8 à 11. L’adage humaniste « On ne naît pas homme, on le devient » trouve alors un écho favorable : à cet égard, l’expression



06/09/11 11:52

« revendication forcenée » utilisée par Antelme montre que l’humanité s’acquiert au prix d’une lutte incessante.

2. L’appartenance à l’espèce humaine s’exprime d’abord d’un point de vue physique comme le suggère les adjectifs « sensible » et « vécu » ainsi que l’expression « revendication presque biologique » à la ligne 20. Néanmoins, cette première appréhension de l’appartenance au genre humain devient l’objet d’une réflexion : « Elle sert ensuite à méditer sur les limites de cette espèce » (l. 21).

LECTURE DE L’IMAGE Zoran Music compose la série Nous ne sommes pas les derniers entre 1970 et 1976. Il montre dans ces tableaux une image terrifiante de l’Homme : un visage squelettique surmonte une masse informe qui fait office de corps. Les personnages défigurés évoluent dans un lieu indéfini où les taches rouges renvoient aux atrocités vécues par le peintre lui-même dans les

camps de concentration. Si l’Homme se trouve ainsi dévalué par cette représentation de corps déchirés, le peintre cherche peut-être également à faire prendre conscience au spectateur que l’espoir humaniste ne doit jamais s’éteindre : le titre de l’œuvre est sur ce point significatif.

DÉBAT Pour préparer au mieux ce débat, il est nécessaire de mettre en évidence l’actualité de la notion d’humanisme. Loin de se réduire aux valeurs défendues par les penseurs de la Renaissance, ce concept est récemment devenu une sorte d’étendard pour de nombreux militants (voir notamment : Pierre Rabhi, Manifeste pour la Terre et l’humanisme : Pour une insurrection des consciences, Acte Sud, 2008). La question du débat ouvre la voie à une réflexion sur l’idéal de société : les valeurs morales sont-elles au fondement de la vie en communauté ou existe-t-il un autre « ciment » social (l’intérêt personnel).

14 Les visages de l’Homme |


257

06/09/11 11:52

Séquence

⁄∞

Albert Camus, La Peste, ⁄·›‡ Livre de l’élève  p. ‹‚⁄ à ‹‚°

Objectifs et présentation de la séquence  p. ‹‚⁄ Lié au chapitre sur la question de l’homme, ce « Parcours de lecteur » propose une réflexion sur l’humanisme au XXe siècle. Albert Camus se situe au carrefour de grandes questions qui ont tourmenté ses contemporains : l’origine et l’absurdité du mal, la responsabilité de l’homme dans la Cité. Loin d’être un apologue simpliste, le roman permet de s’interroger, grâce au détour que permet la fiction, sur les liens entre réel et allégorie, réalisme et poésie. Ce parcours de lecteur propose une immersion dans La Peste qui peut être conduite en autonomie pour certaines questions (recherches, fiches de lecture) ou en classe. Les élèves seront déjà bien familiarisés avec les préoccupations du second vingtième siècle s’ils ont travaillé sur la séquence « Visages de l’homme » (corpus 2 et 3) et seront capables de faire eux-mêmes des liens intéressants entre les textes.

⁄) Entrée dans l’œuvre : une allégorie de la peste

 p. ‹‚¤

1. La page de Camus allie références historiques et picturales dans une série de petites ekphrasis : l’écriture charrie l’imaginaire de la peste, en mêlant des images lointaines et « extraordinaires » à des détails affreux et bien concrets. La Peste d’Asdod (1630-1631 : Poussin vient d’être gravement malade et la peste a ravagé Milan en 1629) est un sujet tiré du Livre de Samuel, V, 1-6. Les Philistins ont enlevé aux Hébreux l’Arche d’alliance et l’ont placée devant le temple de Dagon ; la statue du dieu s’effondre devant elle et le peuple est frappé de la peste : c’est donc un fléau envoyé par Dieu. Yves Bonnefoy a souligné « l’ordonnance de la composition » répartissant les figures, groupes, mis en perspective dans une architecture extrêmement élaborée ; sont représentées dans une même scène plusieurs péripéties (voir Alain Mérot, Poussin, Hazan, 2011). Dans ce sens, le roman de Camus regroupe aussi les personnages par blocs, dans un ensemble à la fois composé et terrifiant. Bonaparte visitant les pestiférés de Jaffa (voir livre de l’élève p. 303, note 1) : il s’agit de la commémoration d’une

visite faite par le général Bonaparte aux pestiférés à Jaffa en 1799, comparaison avec les rois de France touchant les écrouelles. Ce qui ne ressemble pas au roman est ici l’héroïsme ostensible de Bonaparte. En tout cas, ce premier extrait offre une vision très variée du fléau, déployant des virtualités que le romancier choisira ou non de développer. C’est une sorte d’ouverture opératique et visuelle.

2. L’allégorie (


06/09/11 11:52

pluriels et même aller jusqu’à l’infini. L’allégorie peut donc avoir « différentes portées » (lettre de Camus à Roland Barthes du 11 janvier 1955) dans un texte, en fonction de l’attention que lui porte son lecteur. Dans La Peste, le fléau peut matérialiser le mal historique des idéologies, ou la guerre, ou la question sans réponse du mal que l’humanité doit subir. La portée peut donc être historique (représentation de l’Histoire récente sous la forme d’une fiction, ce qui peut en plus faire jouer un effet de catharsis pour ceux qui sortent de la seconde guerre mondiale), morale (que doit-on faire face aux catastrophes ?) ou métaphysique (qu’est-ce qui donne un sens à la vie de l’homme ? Pourquoi est-il si attaché à la conservation de son être ?). Il peut être intéressant d’élargir la réponse à cette question en proposant une réflexion sur les rôles de la fiction face aux grands problèmes philosophiques et en rappelant que l’allégorie, avec la fable, relève du raisonnement inductif, particulièrement ouvert aux capacités de la littérature. NB : Les éléments traités ici peuvent être réinvestis pour répondre aux questions de la fiche de lecture (p. 307, questions 5 et 6).

3. L’allégorie est fondamentalement une image, reposant sur le mécanisme de l’analogie. Elle transpose une idée, un principe, en lui donnant une forme concrète. Ici, la maladie est représentée comme un cadavre juché sur un dragon, la faux de la Mort à la main. Les orbites creuses traduisent l’aveuglement du mal qui frappe n’importe où. Elle frappe une ville entière (représentée métonymiquement par sa rue) : la peste est une épidémie liée à l’histoire et à l’imaginaire du Moyen Âge, comme ici. La vision d’épouvante allie à la transposition allégorique un pathos très fort. On peut se servir de ce tableau pour introduire la lecture du premier extrait (p. 303).

¤) L’œuvre et son contexte 1. Le déchaînement des idéologies, la guerre, l’Occupation, la collaboration, les massacres de masse et les génocides peuvent être représentés par la peste. L’enfermement en est une conséquence. Camus fait ainsi allusion aux catastrophes du siècle : cette hypothèse de lecture est déchiffrable, mais non explicite, ce qui ouvre le roman à une plus grande richesse de références et de sens.

2. Plus largement, Camus fait partie des romanciers qui s’interrogent sur le Mal comme question absolue posée à l’exigence humaine de sens (voir extrait de Dostoïevski, manuel de l’élève, colonne de gauche, p. 305). Mais la peste lui permet d’aborder de nombreux aspects de ce mal : le caractère collectif de l’épidémie, le triomphe de la mort, les exclusions et l’enfermement, la méfiance et la résistance sont communs à la maladie et à la guerre, à l’Occupation. Aussi le roman peut-il exploiter des données extrêmement réalistes, sans renoncer à une portée métaphysique. Les expressions « interprétation », « image » et « exprimer au moyen de » manifestent la démarche allégorique, explicite dans ce projet de l’écrivain. La transposition permet de rendre visibles les différentes attitudes humaines face à « l’étouffement ». La Peste ne pointe cependant pas de camps politiques et évacue fortement la possibilité d’expliquer l’intolérable : le roman ne propose guère de système ni de raisons (à la différence des romans à thèse ou des idéologies). Il propose plutôt une réflexion sur ce que l’homme peut faire face au Mal et à l’absurde. Prolongements • Épidémies et pestes en littérature et au cinéma : de la réalité au symbole – Ingmar Bergman, Le Septième Sceau – Jean Giono, Le Hussard sur le toit • Gaëtan Picon, L’Usage de la lecture, I (p. 81) • Exposé sur Camus

‹) EXTRAIT 1 La force de suggestion des images

 p. ‹‚‹

La contagion est évoquée de plusieurs manières : la résonance du mot dans la pièce (l. 2-3 ; voir aussi La Fontaine : « puisqu’il faut l’appeler par son nom »), l’amplification de ce mot qui déclenche une cascade d’images avec leurs détails affreux, confinant à l’hypotypose (et rappelant dans la structure de série, l’imaginaire des danses macabres). L’imagination est donc envahie par le cauchemar, tandis que le rythme des phrases s’affole. Le texte enfle autour du mot, sous ce premier effet de la maladie. Les réactions 15 La Peste |


259

06/09/11 11:52

de Rieux correspondent à son ethos de médecin. « Non » (l. 17), puis « Mais » répété (l. 30 et 32) annoncent la résistance rationnelle des raisonnements concessifs ; les phrases raccourcissent ou se structurent logiquement. La lutte entre la « folle du logis », l’imagination et la raison est déjà une première présentation du champ de bataille entre l’épidémie et ce qui fait la dignité de l’homme. En tout cas, Rieux est pragmatique : il décide de voir comment évoluera la réalité des faits. Le principe de réalité retrouve sa force avec l’ouverture de la fenêtre et le « bruit de la ville » qui, cependant, « enfle » (l. 39) lui aussi. Les textes montrent un sursaut face à la peur qui risque de réduire l’homme et de l’enfermer en lui-même. D’où un sursaut de révolte et de dignité, dans le discours de Césaire, un sursaut de solidarité humaine, chez Levi et Semprun. La raison est surtout invoquée chez Camus et Césaire ; l’humanité et l’espoir apparaissent chez Levi et Semprun. Chacun des textes propose un exemple d’action face à la mort ou à une menace pesant sur l’humanité. Prolongements – Étude du point de vue et des pensées rapportées. – Comparaison avec la scène finale où Rieux se penche sur la ville. – Étude de l’incipit : questions génériques, pacte de lecture.

›) EXTRAIT 2 Des raisons d’agir contre la peste  p. ‹‚› Rieux et Tarrou tâtonnent dans la nuit, mais vont partager une amitié liée à la lumière. Rieux n’agit pas en fonction des résultats obtenus (l. 3), mais parce qu’il ne faut pas « cesser de lutter » (l. 3). Au réalisme qui devrait le décourager, il oppose une autre vision du réel : « nous avons tout à apprendre à ce sujet », c’est-à-dire les mystères de l’action quotidienne et humble du « laveur des morts » comme du médecin. Il n’y a pas d’engagement en faveur d’un système ou d’une cause précise dans ce dialogue : plutôt une lutte obstinée contre la mort, et une soif de « compréhension ». Mais non comprendre le Mal, ce qui serait une manière de l’admettre, de l’accepter. Le déterminant possessif (« ma morale ») montre bien que les personnages sont

en quête d’un humanisme à l’épreuve du réel, incertain et modeste. Devant l’absurde et l’inconnu, refusant de baisser les bras, Rieux incarne « l’homme révolté » de Camus. D’abord, cet extrait présente un accord entre deux hommes qui ne partagent pas forcément les mêmes impératifs moraux : Rieux mettra du temps avant de comprendre les motivations de Tarrou. En revanche, ils s’accordent sur une action à mener ensemble. Cette amitié permet à l’action d’être efficace et constitue, avec d’autres recrues, un front contre la peste, un ensemble de visages opposé à un fléau sans visage. Elle construit du sens, contre l’absence de sens. Dans l’extrait de Rhinocéros, on voit au contraire une humanité qui se défait : Jean sort de l’humain en sortant de la culture qui unit les hommes. Le système des SS, dans L’Espèce humaine, fonctionne sur l’exclusion artificielle. Le « nous » répété de Robert Antelme s’oppose aux efforts d’exclusion menés par le nazisme, c’est un degré minimal de solidarité. « C’est parce que nous sommes des hommes comme eux que les SS seront en définitive impuissants devant nous. » Prolongements – Esprit des années trente dans le roman : la solidarité en action est déjà évoquée dans les textes échos à la page 303. Voir aussi Malraux (L’Espoir, Lazare : face à la mort, l’expérience limite unit les hommes ; la fraternité est bien l’une des dimensions importantes de ce qui fait l’humanité). – Extrait de la troisième Lettre à un ami allemand : « refusant d’admettre le désespoir en ce monde torturé, je voulais seulement que les hommes retrouvent leur solidarité pour entrer en lutte contre leur destin révoltant » (1945, éd. Gallimard, coll. Folio, 1972, p. 70). – Dans L’Homme révolté, Camus reprend la métaphore de la peste en formulant ces lignes de synthèse éclairantes pour les élèves : « Le premier progrès d’un esprit saisi d’étrangeté est donc de reconnaître qu’il partage cette étrangeté avec tous les hommes, et que la réalité humaine, dans sa totalité, souffre de cette distance par rapport à soi et au monde. Le mal qui éprouvait un seul homme devient peste collective. Dans l’épreuve quotidienne qui est la nôtre, la révolte joue le même rôle que le “cogito” dans l’ordre de la pensée : elle est la première évidence. Mais cette



06/09/11 11:52

évidence tire l’individu de sa solitude. Elle est un lieu commun qui fonde sur tous les hommes la première valeur. Je me révolte, donc nous sommes. » (Folio, p. 38)

« Celui-là au moins était innocent, vous le savez bien » (l. 35) récuse la thèse qui voit dans la souffrance le moyen d’expier une faute. L’hypothèse rejetée est celle que le mal pourrait être « utile » (la souffrance servirait à la rédemption, à l’établissement d’une société juste…). Par son réquisitoire, Ivan refuse toute tentative d’explication du Mal, de justification. Il met aussi en question, par anticipation, les idéologies dénoncées dans Les Justes (texte écho, p. 286). Dans l’extrait des Mains sales, le mal (en l’occurrence le mensonge) est justifié par Hoederer comme un moyen de prendre le pouvoir et d’établir une société juste, sans classe. La souffrance de quelques-uns serait le prix à payer, en vue d’un but qui profiterait à tous (voir l’introduction de L’Homme révolté, Folio, p. 16). Or, la souffrance des innocents ne saurait être justifiée par aucun ordre des choses. Elle est inutile et injuste. En revanche, chaque adulte a le droit de s’engager personnellement, quitte à « payer » de sa vie la victoire d’une cause, comme la justice, par la résistance. Ce choix réfléchi ne relève bien sûr pas de la même analyse. Voir le dialogue entre Tarrou, Rieux et Rambert (Folio, p. 150-151). Dans ce cas, il s’agit de s’engager au service de ceux que l’on aime.

du Grand Inquisiteur. Ivan met en question la révélation chrétienne : rien ne saurait « racheter », plus tard, la souffrance de maintenant, surtout celle des innocents que sont les enfants. Plus généralement, Ivan doute de la capacité de l’homme à user de sa liberté et à pratiquer la charité ; le mal est une donnée inévitable dans le cœur de l’homme. Or, Ivan attendrait qu’il en fût guéri sur terre – ce qui se révèle impossible. Rieux atteint les limites de son action lors de l’agonie de l’enfant ; sa morale de la lutte quoi qu’il arrive est ici confrontée au mal radical et à la douleur existentielle la plus forte. C’est pourquoi il n’agit plus (modalités habituelles de son combat), mais exprime sa « révolte » (l. 41). C’est fondamentalement la conscience de l’injustice qui donne à l’homme dignité et sens : Camus place en épigraphe de sa troisième Lettre à un ami allemand ces mots de Senancour : « L’homme est périssable. Il se peut ; mais périssons en résistant, et si le néant nous est réservé, ne faisons pas que ce soit une justice ! » La révolte de Camus est intimement liée à l’exigence de sens ; elle n’est pas destructrice. « Je continue à croire que le monde n’a pas de sens supérieur. Mais je sais que quelque chose en lui a du sens et c’est l’homme, parce qu’il est le seul être à exiger d’en avoir. Ce monde a du moins la vérité de l’homme et notre tâche est de lui donner ses raisons contre le destin lui-même. Et il n’a pas d’autre raison que l’homme et c’est celui-ci qu’il faut sauver si l’on veut sauver l’idée qu’on se fait de la vie. » Sauver l’homme, « c’est donner ses chances à la justice qu’il est le seul à concevoir. […] Nous avons à faire la preuve que nous ne méritons pas tant d’injustice. » (troisième Lettre à un ami allemand, éd. cit., p. 72-77).

La révolte de Rieux et d’Ivan vient du refus d’accepter la souffrance, surtout celle des innocents – quels que soient les principes, le bonheur de l’humanité, ou le plan providentiel. Or de cette « connaissance de la vérité », Ivan Karamazov ne veut pas. Les « larmes des enfants » ne peuvent la payer. Il formule alors sa « révolte » : « Je préfère garder mes souffrances non rachetées et mon indignation persistante, même si j’avais tort ! D’ailleurs, on a surfait cette harmonie ; l’entrée coûte trop cher pour nous. J’aime mieux rendre mon billet d’entrée. » (Gallimard, Folio, 1952, réed. 1973, p. 343). Cet extrait précède la parabole

Prolongements – Lecture du texte : la valeur exemplaire de l’enfant, dont le cri relaie tous les cris des hommes, de « tous les âges » (l. 6 et 9). – La mort de l’enfant, dans Sous le soleil de Satan. – L’Homme révolté (Folio) sur la révolte d’Ivan Karamazov, p. 33, 79 sq. – Un extrait de Sartre, en écho : « Le plus beau livre du monde ne sauvera pas les douleurs d’un enfant : on ne sauve pas le mal, on le combat. » (Qu’est-ce que la littérature, Les Temps modernes, n° 33, juin 1948, cité par Jean-François Louette, Jean-Paul Sartre, coll. « Portraits littéraires », Hachette, 1993).

∞) EXTRAIT 3 La mort de l’innocent et la question  p. ‹‚∞ du mal

15 La Peste |


261

06/09/11 11:52

6) Les sources littéraires : le mystère du mal  p. ‹‚§ 1. La « peste atroce » qui fond sur Thèbes est la conséquence des souillures infligées par les Labdacides à l’ordre divin. Le tragique montre traditionnellement un dérèglement de l’ordre (parfois d’ampleur cosmique), avant un retour à l’équilibre. Dans la réplique du prêtre, la « peste » est présentée comme venue « des cieux ». Il s’agit bien d’une punition divine contre toute une cité, collectivement sanctionnée et transformée en « désert ». 2. Le texte de l’Apocalypse est tiré du chapitre VI où l’Agneau brise le quatrième sceau du livre : « voici qu’apparut à mes yeux un cheval verdâtre ; celui qui le montait, on le nomme : la Mort ; et l’Hadès le suivait. Alors, on leur donna pouvoir sur le quart de la terre, pour exterminer par l’épée, par la faim, par la peste, et par les fauves de la terre. » Ce moment fait partie des « préliminaires du grand jour de Dieu » (traduction de la Bible de Jérusalem). Les écrits apocalyptiques, dans des moments de crise, visent à rassurer les fidèles et à leur rappeler que Dieu a déjà triomphé. Celui-ci décrit donc des moments d’une immense violence, accompagnant la révélation et le triomphe de la Jérusalem céleste. Rien de tout cela chez Camus : la violence de l’Apocalypse ne s’accompagne d’aucun dévoilement. Dans la fable de La Fontaine, la pointe est dirigée contre les « jugements de cour » ; on ne sait pas à la fin de la fable si la peste a cessé après le « dévouement » de l’âne. Ce sont les attitudes diverses que suscite le fléau qui font l’objet de la critique. Dans son roman, Camus présente diverses réactions face à la situation critique. Il n’y a cependant pas de quête d’un bouc émissaire dans La Peste : plutôt des réactions de méfiance, d’égoïsme, ou à l’inverse de dévouement. Ce que Camus retient de ces évocations de peste reste le caractère intensément violent du fléau et la « terreur » qu’il cause. Il s’intéresse ensuite davantage aux comportements humains, en privilégiant la mesure (humilité du docteur, mesquinerie des arrangements entre certains personnages, acheminement modeste de certains personnages vers l’héroïsme). Camus choisit donc une allégorie du mal privilégiée par la tradition biblique et littéraire, mais il en donne une version humaniste, sans Dieu. La seule

« révélation » est celle du sens que l’homme essaie de construire dans un monde qui a priori n’en a pas. Prolongements – Daniel Defoe, Journal de l’année de la peste (1722), cf. épigraphe. – Les histoires racontées pendant l’enfermement, la quarantaine (Decameron).

‡) La réception de l’œuvre : une proposition morale et ses limites  p. ‹‚§ 1. La problématique est celle des conflits entre les bonnes intentions. Voici quelques pistes : – la lutte contre la faim, qui relève de l’urgence, peut cependant sur un moyen terme dissuader les populations de développer des cultures vivrières et les pousser à entrer encore davantage dans les monocultures destinées à l’exportation, au profit des consommateurs ; – on peut également aborder la question du droit d’ingérence : à quel moment la souveraineté d’un État, qui relève du Droit international, peut-elle être violée par d’autres États qui apportent leur aide ? – au fond du problème, et cela rejoint les questions posées par le roman : au nom de quoi agissons-nous pour aider autrui ? 2. Les deux critiques sont des contemporains de Camus, des lecteurs qui ont vécu intimement la guerre. Jean Grenier : Malgré l’incertitude sur le bien et le mal et la précarité de ses moyens, l’homme peut essayer d’aider d’autrui, et de combattre la souffrance. Voir L’Homme révolté : « L’important n’est donc pas encore de remonter à la racine des choses, mais, le monde étant ce qu’il est, de savoir comment s’y conduire. » (Folio, p. 16) Gaëtan Picon (dont les « Remarques sur La Peste » ont parues dans la revue Fontaine en 1947) : La morale par provision du docteur Rieux ne prend pas de risques : il ne se prononce pas sur les valeurs ultimes qui donnent un sens à la vie. Ce reproche pourrait s’adresser au romancier, car Rieux serait bien incapable d’arracher une peste à la racine, alors qu’il n’en connaît pas



06/09/11 11:52

la source. C’est pourquoi le médecin incarne le mieux la position de retrait relatif que Camus choisit dans La Peste : une action qui trouve sa morale dans son humilité quotidienne, sans chercher de « révélation ». Cependant, Gaëtan Picon regrette que La Peste ne présente pas un homme en lutte passionnée, dans une affirmation prométhéenne. Lutter contre le fléau serait donc plutôt une première étape, la morale consistant ensuite à faire quelque chose de la dignité humaine, sauvée et guérie. Cela relève du « risque » que le romancier doit prendre. Conclusion de l’article de Picon : « pour repousser et récuser les passions meurtrières, le vœu tranquille de la non-violence est inopérant : et aussi bien dans l’ordre des valeurs que dans l’ordre des forces. Pour faire perdre la face à l’humiliation et à la douleur, plus que de les dénoncer, il importe de révéler [c’est ainsi qu’il faut entendre le terme de révélation, cité supra] le sens que peut recevoir une vie humaine libre d’humiliation et de douleur. Et nous ne terrasserons pas nos monstres au nom d’une compréhension qui nous transformerait en complices, mais au nom d’une plus forte passion. » (L’Usage de la lecture, I, p. 87). Voir les affirmations de Rieux, Folio (p. 120 et 191 : « On ne peut pas en même temps guérir et savoir. ») et surtout (p. 273-274) : le « terrible amour » de l’homme aurait bien la force d’une affirmation, d’une passion qui dépasse la sagesse. La conclusion de L’Homme révolté (dernier chapitre) peut satisfaire celui qui cherche une peinture positive de la révolte (et son affirmation au présent).

8) Fiche de lecture ⁄ : Les sens de La Peste

 p. ‹‚‡

L’œuvre et son contexte historique 1. Les réponses aux questions peuvent déboucher sur un travail de synthèse. 2. L’enfermement (cf. réponse aux questions sur l’allégorie aussi) est un des maux que Camus relie à la guerre et à la peste. « Ainsi, la première chose que la peste apporta à nos concitoyens fut l’exil », avec la « condition de prisonnier » (Folio, p. 71). Les « séparés » sont en particulier

tourmentés par une mémoire qui « ne leur sert à rien » et par le « remords » de ne pas avoir rendu l’autre heureux (p. 72-73). « Dans ces extrémités de la solitude, enfin, personne ne pouvait espérer l’aide du voisin et chacun restait seul avec sa préoccupation » (p. 74). La séparation entre la ville et le monde se double d’une séparation entre les habitants (voir aussi Folio p. 156), « enfermés » dans leurs préoccupations et leur mémoire que les autres ne peuvent comprendre, faute du « vrai langage du cœur » (p. 75). Enfin, les personnages peuvent être séparés en eux-mêmes (cf. Rambert, qui veut rejoindre sa maîtresse, mais qui est en plus divisé lui-même, Folio, p. 130). Cette souffrance de la séparation devient paradoxalement un divertissement, qui permet momentanément aux « séparés » de ne pas penser à la peste. La solitude que l’occupant veut infliger aux occupés est évoquée dans les Lettres à un ami allemand ; elle s’oppose au sentiment de l’humanité et à la solidarité. Le titre provisoire du projet de roman correspond à l’un des aspects de l’œuvre seulement ; le titre définitif résume tout.

Le fléau 3. L’étymologie : flagellum, « fouet » (< flagrum, « fouet »), au sens figuré « calamité », en baslatin et ancien français : « instrument à battre les blés », « arme de guerre » qui a la forme du fléau, et « punition venue de Dieu » ; le fléau peut être la personne ou chose qui est l’instrument de cette calamité. Au XVIe siècle, le fléau désigne le levier d’une balance (voir le TLF et le Dictionnaire historique de la langue française). Dès le début du roman, la « peste » est liée à un imaginaire du fléau : épidémie collective provoquant une terreur absolue. Le « sifflement » du « fléau dans le ciel alourdi » est évoqué (Folio , p. 170), accompagnant le « piétinement interminable et étouffant » des habitants. Le lien avec une punition est explicitement fait dans le premier prêche du père Paneloux (Folio, p. 91 qui évoque le « fléau de Dieu » dans l’histoire providentielle, p. 93). Paneloux réactive l’étymologie et le symbolisme théologique : « Dans l’immense grange de l’univers, le fléau implacable battra le blé humain jusqu’à ce que la paille soit séparée du grain. Il y aura plus de paille que de grain, plus d’appelés que d’élus, et ce malheur n’a pas été voulu par Dieu. » (Folio, p. 92). Paneloux 15 La Peste |


263

06/09/11 11:52

joue sur les deux sens du fléau : d’une part punition de Dieu, d’autre part jugement (discernement entre le bon grain et l’ivraie, voir Mt XIII, 30 avec l’explication de la parabole en Mt XIII, 36) : « Ce fléau même qui vous meurtrit, il vous élève et vous montre la voie » (Folio, p. 94). Le père Paneloux exerce une pastorale de la peur. Cependant, dans son second prêche, il aura recours à la confiance en Dieu, « même pour la mort des enfants » (Folio, p. 206).

4. Le tableau de Delaunay représente l’épidémie de peste qui frappa Rome en 165 après J.-C. Ce tableau est effectivement inspiré de la Légende dorée, comme s’en inspire le père Paneloux (Folio, p. 92) : « […] Et un bon ange apparut visiblement, qui donnait des ordres au mauvais ange qui portait un épieu de chasse et il lui ordonnait de frapper les maisons ; et autant de fois qu’une maison recevait de coups, autant y avait-il de morts qui en sortaient. » Voir la notice de l’œuvre sur le site du musée d’Orsay : www.musee-orsay.fr/fr/collections/oeuvres-com mentees/recherche/commentaire/commentaire_ id/peste-a-rome-203.html?no_cache=1 On peut relier ces éléments aux questions posées sur la mort de l’enfant (extrait 3). Les élèves peuvent retrouver une citation dans le tableau de Böcklin : les deux victimes au premier plan, à gauche.

Une allégorie 5. Le dialogue est rythmé par trois étapes : la « défaite » apparente de Rieux, l’impossibilité de « savoir » le sens de la vie, mais la nécessité de lutter, enfin le choix d’une morale – qui reste relatif en fonction des personnages. La peste dépasse ici sa dimension allégorique et prend la valeur d’une situation critique, qui confronte l’homme à ses limites et l’oblige à formuler des choix (ici, on retrouve la tendance des romans de Malraux, Sartre, mais aussi de Bernanos, confrontés aux expériences de mort dès après la première guerre mondiale). 6. Dans ce sens, la peste dépasse effectivement son caractère allégorique ; Gaëtan Picon le remarque aussi : « La Peste est de ces livres qui, loin de nous enfermer dans les apparences dont ils nous entourent, veulent, au contraire, nous libérer de ces apparences en les tenant à

une distance suffisante pour nous permettre de soupçonner qu’elles ne se suffisent pas à ellesmêmes. » (L’Usage de la lecture, I, p. 81). C’est dans ce sens que La Peste peut devenir un roman de dimension universelle et un classique.

Le genre de l’œuvre : un roman entre chronique réaliste et récit mythique 7. Le genre de la chronique est très ancien. Il existait avant l’utilisation du terme (au Moyen Âge). Il s’agit de relater l’histoire en privilégiant l’ordre chronologique. D’où son application ensuite aux récits et romans historiques, ou embrassant une période de l’Histoire comme la série des Rougon-Macquart, et par ailleurs aux articles d’actualité attribués à certains journalistes habitués à suivre certains sujets. La chronique est classiquement différenciée de l’histoire interprétative, en ce qu’elle n’insiste pas nécessairement sur les causes : elle consiste surtout à enregistrer les faits, avec une attention particulière aux témoignages (voir Dictionnaire du littéraire, PUF, art. de Ch. Lucken). Si la chronique médiévale se comprend selon un horizon providentialiste, la chronique moderne – et en particulier celle de Rieux, est laïcisée. Le narrateur Rieux présente son récit comme une « chronique », établissant un pacte de lecture dès les premières lignes. À la fin du roman, il utilise de nouveau le terme (Folio, p. 273) en le reliant à une attitude de « témoin objectif », « témoin fidèle » rapportant dans un récit à la troisième personne « les actes, les documents et les rumeurs », impliquant un retrait de soi devant la scène de l’Histoire. Le protocole de la chronique relève du choix romanesque (fait par Camus) et explique pourquoi La Peste ne peut devenir un mythe à part entière, le roman restant ancré dans un monde à mesure d’homme. 8. Les détails réalistes sont très nombreux, qu’il s’agisse de l’espace de la ville et des heures (qui peuvent cependant prendre une dimension symbolique, comme le clair-obscur dans l’extrait 2) ou surtout des manifestations de la peste (Camus s’étant minutieusement renseigné sur des documents médicaux). Certaines histoires et certains détails frappent par leur caractère insignifiant (le vieux et le chien…) et révèlent l’extrême attention à tout ce qui fait le mouvement d’une



06/09/11 11:52

vie humaine. La description des symptômes est précise ; le lecteur est confronté à l’horreur. Pour autant, cette précision ne plonge pas le lecteur dans une illusion telle qu’il ne puisse prendre le recul de la réflexion. G. Picon en différencie le pouvoir d’illusion de certains réalistes, comme Balzac, Maupassant, Dostoïevski, Zola. « Il ne faut pas chercher dans La Peste cette vie plus forte, plus présente que la vie même, et cette hallucination de l’imaginaire qui nous semble parfois plus convaincante et plus efficace que la vision du réel. […] Si, dans La Peste, tout reste à une certaine distance, si les personnages sont avant tout les voix d’un dialogue et les événements les signes d’une réalité qui n’est pas livrée avec eux, c’est que le romancier en décide ainsi. […] Car à aucun moment le récit n’est à ce point obsédant qu’il ne nous fasse oublier la prose dramatique et dépouillée, fervente et nue qui le soutient, les maximes de moraliste qui le jalonnent, et un art fait d’équilibre entre des richesses inaccordées, un art qui est un ordre né du désordre, et qui n’est jamais aussi sensible que dans les passages, si nombreux et si caractéristiques du livre : passage du récit pur et simple à la chronique, du réalisme à l’allégorie, de la perspective individuelle à la perspective collective, du dépouillement au lyrisme, de l’accent du drame à celui de l’humour. » Or, pour Picon, « L’allégorie brise la puissance latente du récit, et la réalité dissipe le halo légendaire qui tendait à se former. Ainsi l’œuvre n’est enracinée ni dans l’épaisseur réelle de la vie ni dans l’épaisseur poétique du mythe. » Selon Picon, l’œuvre est ainsi impuissante à devenir mythe (L’Usage de la lecture, I, p. 80-82).

9. Le mythe est un récit souvent primitif, qui donne une explication à l’une des grandes questions propres aux origines, aux caractères ou au sens de la condition humaine. Le récit a donc dans ce cas une fonction révélatrice, une puissance argumentative (relayée dans l’Antiquité par la philosophie et la dialectique). La dimension mythique se retrouve donc dans la fiction romanesque. Le passage (Folio, p. 104-105) montre Rambert errant comme « une ombre perdue » dans la gare désertée où il se prend aux mirages des affiches de vacances et aux images qui hantent sa mémoire. Un glissement se produit vers la mémoire et l’imaginaire de Rieux, qui relaie ce que Rambert ne lui a pas dit par

pudeur. Plusieurs mythes affleurent : celui des cercles de l’Enfer où l’on erre ou celui des limbes (seuil du séjour des morts qui n’ont pas entendu la Révélation mais ne sont pas en Enfer), celui de la Caverne : Rambert est enfermé dans un lieu où il se prend aux images du monde extérieur, faute de le connaître dans sa vérité, parce qu’il n’a pas encore perçu que la vie véritable consistait à lutter. Enfin, celui du Léthé, donnant l’oubli avec le sommeil. Autant de propositions de mythe qui n’ont pas l’univocité des explications de Paneloux. Prolongements – De quels « documents » Rieux a-t-il nourri sa chronique ? Qu’apportent les carnets de Tarrou ? – La mise en abyme que constitue la représentation d’Orphée et Eurydice.

Le style de l’œuvre 10. Le style de La Peste varie en fonction des épisodes, le dépouillement de la prose du témoin objectif (et parfois pudique, lorsqu’il s’agit de sentiments) peut céder la place à la chaleur lyrique. Le rythme des phrases de l’extrait 1 est commenté supra (traitement de la p. 303), entre amplification cauchemardesque et apaisement rationnel. La croissance du cri de l’enfant, qui gagne finalement une exemplarité universelle, est exprimée par la construction de la phrase (p. 305). Très longue, elle contraste avec la suivante : « Rieux serrait les dents et Tarrou se détourna ». La « marée de sanglots » monte : les phrases charrient la douleur (voir extrait l, 13-15 et 15-17), de la plainte aux réactions des témoins. Le rythme se fait plus rapide et les phrases plus courtes avec la mort de l’enfant ; seules les lignes 24-26 dessinent une longue phrase, dernier portrait de la victime : « au creux » de la phrase « repose » l’enfant, l’attention du lecteur est arrêtée sur les « restes de larmes » qui relaient ce que la « bouche muette » ne peut plus dire. La prose de Camus est souvent considérée comme sobre et classique ; elle peut s’étirer et devenir très expressive dans les grands moments du roman ; pour autant elle ne relève pas d’un pathos simpliste. Il s’agit ici d’épouser le rythme de la crise et de créer un effet de catharsis tragique (stylisation d’une douleur qui parle de tous, pour tous). 11. L’évocation de la mer est l’un des grands moments lyriques du roman, comme un soupir de libération dans l’enfermement de la peste et 15 La Peste |


265

06/09/11 11:52

de la rédaction de la chronique. Quelques pistes d’observation du style : – les rythmes binaires mimant « les eaux [qui] se gonfl[ent] et redescend[ent] lentement », rythmes binaires (« naître et disparaître »…) qui se retrouvent avec l’évocation des deux nageurs et les couples de compléments (« libérés enfin de la ville et de la peste », par exemple) ; – en même temps, la « surprise de la mer », exprimée par la gratuité des expansions, constructions absolues, hyperbates : « plein de lune et d’étoiles », « étrangement clair dans… », « fouettés par cette surprise de la mer » ; – les modalisations et adjectifs relevant de la subjectivité du narrateur, en accord avec la rumeur musicale de la mer : « plein d’un étrange bonheur », « froides », « tièdes », « étrangement claire »… ; – la sensualité d’une mer « épaisse comme du velours, souple et lisse comme une bête » (assonances et allitérations) ; – le sentiment de la durée (nasales et adverbes en -ment qui ralentissent le rythme par leur volume et leur sonorité). Les phrases simples, par ailleurs habituelles dans le reste du roman, prennent un autre aspect, celui d’une suspension du temps dans l’intensité de la durée : « Il respira longuement. » Le retour de la beauté libère et sauve momentanément les personnages. Cette beauté apparaît autrement que dans les souvenirs, comme une pure gratuité, maternelle, infinie. Les personnages peuvent laisser leur douleur et déposer leur responsabilité avec leurs vêtements, sur le rivage.

La progression tragique de l’action 12. Pour ces questions, les pistes de F. Evrard (Albert Camus, Ellipses, 1998) et de J. LéviValensi dans Lire La Peste (Foliothèque, p. 45) sont intéressantes. Les parties du roman correspondent à des actes de tragédie. I. Face aux premiers signes de peste : exposition et déclenchement de la crise, fermeture de la ville ; II. Les habitants prennent conscience de leur situation d’enfermement et réagissent de façons différentes ; III. Oran connaît le « sommet » de la crise ; IV. Septembre-décembre : montée de la maladie et terreur ; paroxysme tragique dans la mort de l’enfant ; puis quelques signes du reflux de la maladie (guérison de Grand) ; V. Dénouement : reflux de la peste

(mais mort de Tarrou), ouverture de la ville et dévoilement de l’identité du narrateur. En plus de cette progression de l’action, on peut commenter le symbolisme et le caractère étouffant de l’unité de lieu.

13. Schématiquement, une fin de tragédie correspond à un équilibre retrouvé, opère un retour à l’ordre après la manifestation implacable du destin. Une fin de tragédie est aussi préférablement (si l’on suit la Poétique d’Aristote) accompagnée d’une reconnaissance. Rieux domine (topographiquement et moralement) l’ensemble : il peut porter un regard surplombant sur la situation et commenter la fin. Il y a retour à l’équilibre, puisque la ville est délivrée et réintégrée dans le monde – même si provisoirement les habitants se livrent à des réjouissances effrénées (divertissement). Néanmoins, le retour à l’équilibre n’est que précaire : « cette allégresse [est] toujours menacée », le « bacille de la peste ne meurt jamais ». Le destin est en effet profondément lié à la condition humaine qui est elle-même tragique. Dans ce sens, il n’y a ni fermeture sur un ordre stable, ni sécurité dans la révélation reçue. En effet, la reconnaissance est celle-ci : « ce qu’on apprend au milieu des fléaux, qu’il y a dans les hommes plus de choses à admirer que de choses à mépriser » (Folio, p. 279 – cf. les héros de tragédie qui ne sont « ni tout à fait coupables ni tout à fait innocents »). Terreur, pitié et admiration ont permis la catharsis – mais le lecteur referme le livre avec inquiétude.

·) Fiche de lecture ¤ : Le problème de l’absurde et la solution de la révolte L’absurdité au quotidien : la mort des innocents 1. Si le roman présente un ensemble de cas différents (en fonction des personnages), le paroxysme de l’horreur est atteint avec la mort de l’enfant. Elle pose la question radicale du Mal, pierre d’achoppement de tous les systèmes (voir questions posées p. 305). Cette radicalité relève certes de l’impuissance de la raison, mais surtout d’une vérité pathétique : on ne peut qu’être touché par une telle scène et cela fait partie des expériences fondatrices de la sensibilité et de la morale – modes de connaissance



06/09/11 11:52

de l’humain. (Inversement, comme le souligne Ivan Karamazov, c’est bien parce que les faibles et les innocents appellent la pitié que les instincts sadiques se déchaînent contre eux.) D’une part, la souffrance de l’innocent est insupportable car c’est vers lui que la pitié va naturellement. D’autre part, le récit de l’agonie est fait de manière touchante, car pudique (par la relative indéfinition du personnage et sa dimension exemplaire). Le tragique apparaît avec le côté inévitable de la mort : l’enfant n’est pas sauvé.

2. D’abord, le silence contraste fortement avec les cris et marque la retombée de la crise (l. 20), ce qui produit un effet violent. Ensuite, le « silence » est celui du deuil et de l’impuissance humaine. De ce point de vue, le roman de Camus n’est pas bavard et il laisse la place au silence méditatif (Rieux est plutôt taciturne – il donne les raisons de son passage sobre à l’écriture). Le silence est aussi celui de l’intériorisation de l’expérience, qu’elle soit douloureuse ou contemplative. 3. La focalisation semble d’abord insaisissable : le narrateur s’efface devant un phénomène intense et n’impose guère son point de vue ; « tout le monde » (l. 9) paraît engagé dans l’expérience. D’ailleurs Rieux explique à la fin de son récit qu’il parle « pour tous » (Folio, p. 274). Malgré tout, la sensibilité et un début d’interprétation du chroniqueur se donnent discrètement à lire : les modalisateurs (« semblait », l. 5), « un vrai cri » (l. 14), les caractérisations subjectives (« monotone, discorde, et si peu humaine », l. 5), les métaphores (« figé dans une argile grise » l. 2, « marée de sanglots » l. 16).

La notion d’absurde pour Camus 4. Absurde signifie d’abord en latin « discordant » et « hors de propos », donc dissonant avec la logique. Dès l’ancien français, il signifie « fou », « contraire à la raison ». Repris en philosophie sous l’influence de Camus (avec la publication de L’Étranger et du Mythe de Sisyphe), le terme prend une valeur originale en s’appliquant à la réalité et l’adjectif devient un substantif (Dictionnaire historique de la langue française, dir. A. Rey). L’absurde caractérise toute la vie dans la perception des personnages de Camus : il fait partie des données primordiales de l’expérience. L’absence

de causes pour expliquer la peste, l’absence de raisons dans le comportement de certains hommes (le vieux et le chien, Cottard…) sont l’envers sombre de l’absence de raison, mais aussi d’un irrationnel lumineux, « le terrible amour » des hommes et leur élan de révolte. Un extrait peut aider les élèves : « Je crie que je ne crois à rien et que tout est absurde, mais je ne puis douter de mon cri et il me faut au moins croire à ma protestation. La première et seule évidence qui me soit ainsi donnée à l’intérieur de l’expérience absurde est la révolte. […] La révolte naît du spectacle de la déraison devant une condition injuste et incompréhensible. Mais son élan aveugle revendique l’ordre au milieu du chaos et l’unité au cœur même de ce qui fuit et disparaît. […] Il faut bien que la révolte tire ses raisons d’elle-même, puisqu’elle ne peut les tirer de rien d’autre. » (L’Homme révolté, Folio, p. 23-24, ce qui aboutit à l’affirmation d’une valeur primordiale, celle de la « nature humaine » – mais non de l’individu –, et d’une solidarité où peut jouer la pitié, p. 30-31). D’où cette question : « Peut-on, loin du sacré et des valeurs absolues, trouver la règle d’une conduite ? Telle est la question posée par la révolte » (Ibid., p. 37).

5. L’appropriation du monde et la construction du sens sont marquées par l’appropriation du « rocher » : l’homme fait son destin. Rieux, tel Sisyphe, est confronté à une « interminable défaite » (extrait 2) mais recommence par principe et par amour. Quotidiennement, les actes ont non seulement un but relatif (remonter la pente, guérir les malades), mais aussi valeur d’affirmation métaphysique de la dignité humaine. Cela procure une « joie silencieuse » ou une « joie étrange » (L’Homme révolté, Folio, p. 381). 6. L’accomplissement est en effet à comprendre sur ces deux plans : l’aide effective et la valeur de témoignage de dignité ; autant la vie reste fondamentalement absurde, autant il faut, sans se lasser, redire et refaire l’effort du sens. Il n’y a pas de solution définitive (voir la dernière page du roman). 7. La solution n’est donc pas facile et Camus propose à son lecteur un chemin aussi ardu que celui de Sisyphe, il le plonge dans l’inquiétude. Son roman insiste donc davantage sur l’épaisseur d’une expérience, la force des gestes, 15 La Peste |


267

06/09/11 11:52

le déroulement d’un récit, plus que sur la clé d’interprétation du monde que le roman semblait promettre au siècle précédent. Nul besoin pour cela d’un roman dialogique (au sens bakhtinien), l’effacement et la modestie du narrateur suffisent.

Écriture Invention 8. Pistes : l’intérêt des peintures de De Chirico est qu’elles représentent une interrogation sur les énigmes de la destinée, dans un paysage méditerranéen qui a pu matérialiser l’absurde dans les essais et les récits de Camus. Le monologue intérieur demande une plongée dans la conscience de Rieux, mais pour éviter une trop difficile expansion subjective, il faudrait partir de l’ethos du médecin et de la beauté énigmatique de l’image. On peut commencer par décrire celle-ci : l’ensoleillement implacable, les rues désertées, la pétrification de l’être, un mur qui bloque la vision du paysage. Il est possible aussi de partir d’un travail d’écriture sur l’extrait 1 en imaginant un monologue alternant entre cauchemar, interrogations et décisions d’agir.

Les personnages : indifférence ou solidarité ? 9. Acceptation (voire profit) : Cottard ; acceptation théologique (donc pas de sentiment d’absurdité) : Paneloux (en vue d’un autre monde) ; refus et essai de fuite : Rambert ; refus et révolte (plus ou moins calme) : docteur Castel, Grand, Tarrou, Rieux. 10. On peut proposer aux élèves de travailler par groupes, puis, orienter la réflexion vers la composition que forment ces personnages ensemble : chacun offre une vision de la peste en fonction de ses intérêts, de sa sensibilité, qui motive sa réaction. De ce point de vue, les personnages offrent une typologie presque philosophique plus qu’une étude psychologique individuelle – et on peut souligner la pudeur du romancier (et du narrateur) en ce qui concerne Rieux. 11. Rieux est une sorte de double de Camus dans son engagement contre la déshumanisation autant que contre la volonté de tout expliquer ou justifier. La médecine est une métaphore

de l’aide altruiste pragmatique. La vocation de Rieux est aussi celle du témoin engagé : Camus lui aussi témoigne pour soigner ; cette position n’est pas celle du héros, mais celle du témoin engagé dans l’Histoire. Rambert pourrait être un second double de Camus, par son goût du bonheur, sa sensibilité, son métier. Cependant il n’écrit pas, à la différence du médecin. Sa conversion et le risque qu’il prend lui confèrent un caractère positif et permettent au lecteur de suivre une initiation constructive. Sa sortie de la crise en fait aussi un double heureux de Rieux. On peut penser à l’attitude d’un Rieux qui serait écrivain en lisant cet extrait de L’Homme révolté sur « Révolte et style » : « Par le traitement que l’artiste impose à la réalité, il affirme sa force de refus. Mais ce qu’il garde de la réalité dans l’univers qu’il crée révèle le consentement qu’il apporte à une part au moins du réel qu’il tire des ombres du devenir pour le porter à la lumière de la création » (Gallimard [1951], Folio, p. 334).

Le romancier, engagé ou embarqué ? NB : Pascal présente l’homme comme embarqué pour le pousser à « parier » le sens et la Providence (Pensées, Discours de la machine, éd. Sellier, Garnier classiques 1991, p. 469).

12. Le noyau moral de l’œuvre est la nécessité morale de lutter contre ce qui réduit l’homme, au contraire de toute explication du monde et contre toute justification du mal. Le roman – comme Rieux – choisit de partir du réel et non de lui imposer un système. La seule absence de nuance réside dans le refus de complaisance visà-vis du mal – non des hommes qui le font ou le subissent. De fait, La Peste présente des hommes engagés pour des raisons différentes. D’où une variété de nuances qui garantit l’authenticité des démarches et appelle la compréhension. Ainsi Rieux dialogue-t-il avec Rambert en comprenant d’abord sa volonté de partir. L’homme est certes tragique, mais il se révolte ; il est certes pitoyable, mais il se montre admirable. Entre concrétude et puissance symbolique, La Peste ne limite pas son lecteur à un seul plan ni à une seule idée, il faut sans cesse retrouver justice et justesse. De manière extrêmement originale, Camus allie juste mesure humaine et révolte.



06/09/11 11:52

Écriture Vers la dissertation 13. Quelques pistes pour commencer : on peut faire parler les élèves de ce que pourrait être la « qualité » littéraire et proposer une réflexion sur les liens entre une œuvre et son auteur. Pour Sartre notamment, l’auteur se « met en gage », personnellement, dans son œuvre. Il en répond – mais toute grande œuvre n’est-elle pas fondamentalement responsable, au sens où elle répond aux interrogations du monde et propose un sens, émanant d’une voix ? De quel mode de présence de l’auteur dans son œuvre pourrait-il alors s’agir ? Il faut en effet interroger deux aspects du terme engagement dans le sujet : la cause (pour quelle cause il s’engage) et le fait même de s’engager (certains refusent cette fonction). 1) Noblesse des œuvres où l’auteur s’investit a) Quelques fonctions de l’écrivain dans le monde selon les genres littéraires, ce qu’est l’autorité, la citation (à l’inverse, le plagiat). b) La pensée politique, philosophique, religieuse de l’auteur informe le roman, la pièce… et lui donne sa force critique (ex. Le Tartuffe ; Molière prend des risques et les dose). c) Le poète-prophète et humanitaire : Hugo (sacerdoce). d) Sartre, présentation des Temps modernes en 1945 qui reprend et fixe pour longtemps le terme d’engagement : l’écrivain doit prendre position (même son silence politique l’engage). 2) L’appauvrissement de la littérature de circonstance a) Risque d’instrumentalisation de la littérature (ex. rupture entre Breton et Aragon, refus de subordonner la révolution poétique à la révolution politique). Certes, Sartre ne réduit pas l’exigence esthétique de la littérature (mais l’usage des mots que fait la poésie la rend impropre à l’engagement, car son langage est intransitif). b) Univocité et simplisme des romans et pièces de théâtre à thèse (ambition à laquelle l’œuvre de grands écrivains comme Aragon échappe par la force artistique) ; contrôle de l’écrivain par un parti et utilitarisme. Ce ne sont pas les bons sentiments qui font la littérature. c) Le cas d’écrivains immoraux ou amoraux (Céline, Gide dans L’Immoraliste) : dans quelle mesure la portée éthique de l’œuvre invalidet-elle sa beauté ?

d) Le douloureux problème du public : écoute-til seulement un écrivain qui formule simplement son engagement ? Et comment faut-il parler au plus grand nombre ? Comment dès lors préserver la dimension transgressive de l’art ? 3) Responsabilité de l’art a) Les jugements portant sur la qualité d’une œuvre en fonction des idées politiques, morales ou religieuses de l’auteur émanent de partis ou de chapelles : non de considérations esthétiques en tant que telles. b) Le don de soi : au lecteur, son « frère » en douleur et en vices, Baudelaire ne se présente guère comme un modèle – mais comme un aristocrate de la beauté : aristocratie que le lecteur est libre de rejoindre, sans juger l’auteur. Le jugement sur la qualité d’une œuvre est d’abord réponse à l’œuvre – avant d’être évaluation de l’itinéraire de son auteur. c) Même un poème écrit dans la solitude – et pour la seule beauté du poème (Baudelaire, manuel p. 219) est un signe de beauté, d’élévation et tend à un rôle salutaire. L’art n’est pas par définition l’expression d’une position politique ou religieuse : les discours, les essais politiques ou les actions peuvent en tenir lieu. Dans ce sens, l’artiste n’a pas de comptes à rendre à ces instances. En revanche, la qualité de sa présence et du risque pris au cœur de l’œuvre en garantissent la profondeur et le caractère essentiel.

Prolongements – Benoît Denis, Littérature et engagement. De Pascal à Sartre, coll. Points, Seuil, 2000 – George Steiner, Réelles présences, Gallimard, 1990 – Michel Winock, Le Siècle des intellectuels, coll. Points, Seuil, 1997

Conclusion Le roman se prête à plusieurs niveaux de lecture, de façon assez visible : les élèves peuvent donc s’habituer à chercher plusieurs sens et à ne pas se satisfaire non plus de l’univocité quand ils lisent un texte littéraire. Le travail proposé dans ce parcours varie les difficultés et chaque élève pourra y trouver profit, qu’il soit en difficulté, curieux de réflexion déjà philosophique ou exigeant en explication de texte. 15 La Peste |


269

06/09/11 11:52

Séquence

⁄§

Les découvertes des voyageurs Livre de l’élève  p. ‹‚· à ‹‹›

Présentation de la séquence  p. ‹‚· Les écrivains voyagent dans l’espoir de se dépayser et de découvrir de nouvelles coutumes. Le premier corpus, consacré à la « rencontre du sauvage » donnera l’occasion à l’élève de se confronter au regard de ces peuples longtemps méprisés par les colons européens. Aussi bigarrés et déroutants soient-ils, les sauvages interpellent les penseurs de toutes les époques, du XVIe siècle à nos jours. Le second corpus porte plus largement sur le rapport aux autres en donnant la part belle à des écrivains du XXe siècle. L’enjeu sera de cerner les limites d’une approche humaniste à travers des extraits marquant la difficulté à entrer en contact avec l’altérité.

H istoire des arts

Paul Gauguin, D’où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ?, ⁄°·‡  p. ‹⁄‚-‹⁄⁄ Intérêt de l’image : Le tableau de Gauguin intitulé D’où venons-nous ? Que sommesnous ? Où allons-nous ? permet d’aborder une dimension essentielle du nouvel objet d’étude : l’énigme de l’origine de l’Homme. Le titre de l’œuvre, sous la forme d’une triple interrogation, ouvre la voie à de multiples possibles qui seront autant d’entrées vers l’Homme dans la suite de la séquence : le rapport à l’Autre, la question de l’identité, l’innocence d’un âge premier…

Au miroir de l’autre LECTURE DE L’IMAGE 1. À travers cette toile, Gauguin représente les différents âges de la vie : du nourrisson encore endormi figurant au premier plan sur la droite au vieillard agonisant à l’extrême gauche du

tableau. Entre ces deux êtres symboliques sont représentés des êtres mystérieux qui semblent s’interroger sur le sens de l’existence. Au centre, un jeune homme cueille une pomme, accomplissant ainsi un geste symbolique, celui d’Adam et Ève dans la Genèse. Ce mouvement, relayé par la jeune fille qui mange une pomme assise sur la gauche, invite le spectateur à réfléchir sur la condition humaine marquée par la finitude, la connaissance du Bien et du Mal, et donc l’interrogation sur soi à la différence des Dieux.

2. Le titre du tableau est constitué d’une triple interrogation de nature philosophique. Cette question rhétorique invite le spectateur à réfléchir sur l’origine (« D’où venons-nous ? »), l’identité (« Qui sommes-nous ? ») et le devenir (« Où allons-nous ? ») de l’Homme. Ce cheminement se trouve illustré par la représentation des âges de la vie (si l’on adopte une lecture horizontale du tableau). Plus largement, Gauguin peint des personnages résolument énigmatiques, dont le regard reflète ces interrogations. Les personnages sont disposés sur la toile comme autant de pièces détachées, chargées de donner un écho à cette méditation. Le Bouddha trônant au milieu de la partie gauche de la toile symbolise plus précisément le désir humain d’entrer en relation avec une divinité ou, du moins, une transcendance qui révèlerait la réponse à cette énigme.



06/09/11 11:52

3. La toile est construite autour d’un jeu de contrastes saisissant : au premier plan, le jaune éclatant, symbole de vie, s’oppose aux couleurs ternes (marron, gris) représentant la mort. Le bleu clair et vif du Bouddha semble être la couleur de la vie spirituelle qui se diffuse dans tout l’arrière-plan du tableau. On voit ainsi que Gauguin utilise toutes les teintes d’une même couleur, de la plus vive à la plus sombre. 4. Dans son tableau, Gauguin ne montre pas l’Homme en position de surplomb par rapport à la nature. A contrario, l’être humain vit au contact des autres espèces vivantes et semble ne faire qu’un avec le territoire qu’il occupe. La technique de l’aplat permet de figurer ce lien indissoluble entre l’homme et la nature : certains personnages apparaissent ainsi ancrés dans la nature (le tout jeune enfant sur une surface bleue). Un occidental de la toute fin du XIXe siècle peut être dérouté par le mode de vie exhibé par cette communauté (négation du tabou occidental de la nudité). 5. Le jardin d’Éden est décrit dans la Genèse (3, 1). Ève rappelle au serpent, qui la tente, la règle énoncée par Dieu : « Nous pouvons manger du fruit des arbres du jardin. Mais du fruit de l’arbre qui est au milieu du jardin, Dieu a dit : Vous n’en mangerez pas, vous n’y toucherez pas, sous peine de mort. » Le serpent convainc la jeune femme en lui déclarant qu’elle doit manger une pomme de cet arbre pour connaître le Bien et le Mal. Dans le tableau de Gauguin, le jeune homme cueillant une pomme se trouve au centre, ce qui illustre la parole biblique. En touchant cette pomme, il ouvre la voie au questionnement philosophique sur la finitude de la condition humaine. Pourtant, le tableau de Gauguin diffère sur un point de la Genèse : même s’il croque le fruit de la connaissance, on ne trouve nulle trace de punition ou de culpabilité dans le tableau. L’enfant assis qui a déjà entamé sa pomme respire l’innocence. Le paradis primitif de Gauguin ne semble pas s’obscurcir ni finir, sur fond de remord et de péché originel. Cette vision très particulière de la Genèse trouve certains échos dans la poésie, notamment dans l’œuvre de Supervielle, qui chante « le matin du monde » (voir manuel de l’élève, p. 238). 6. Dans la tradition littéraire, le « bon sauvage » est un parangon de sagesse et de bonté. Miroir inversé de l’Européen, cet être de papier se

trouve réinvesti dans les peintures « exotiques » de Gauguin. Sur cette toile, les êtres primitifs dégagent une candeur et une simplicité qui renvoient expressément au mythe d’un âge d’or primitif. Néanmoins, les jeunes femmes du premier plan ont un regard songeur et mystérieux qui ne peut être réduit à l’expression d’un « bon sauvage ». Le « nous » utilisé par le peintre dans le titre de l’œuvre invite également le spectateur à ne pas réduire la portée symbolique du tableau.

VERS LE BAC Dissertation Analyse du sujet : Ce corrigé reprend les étapes de l’analyse d’un sujet de dissertation de la fiche 53. 1) Relier le sujet à son objet d’étude : ce sujet se rattache à l’objet d’étude « La question de l’Homme dans les genres de l’argumentation ». Il s’agit ici d’interroger la diversité culturelle que recouvre la notion d’Homme. 2) Analyser les mots-clés du sujet : le mot-clé du sujet est l’expression « autres cultures ». La notion de culture renvoie à toutes les croyances, connaissances et plus largement les habitudes qu’un peuple peut avoir. Ici, la notion est au pluriel ce qui montre qu’il ne faut pas se limiter à une civilisation en particulier. L’adjectif « autres » doit permettre de s’interroger sur le rapport à l’Autre dans sa différence. 3) Reformuler le sujet : le sujet porte sur les possibles visées d’une œuvre artistique, sa capacité à dérouter le spectateur pour lui permettre de s’interroger sur son rapport à l’altérité. 4) Identifier l’implicite du sujet : le sujet se présente sous la forme d’une interrogation totale. L’élève doit toutefois éviter de répondre par oui ou par non. Il faut comprendre : « Comment ce tableau invite-t-il à s’ouvrir aux autres cultures ? » 5) Problématiser : dans quelle mesure ce tableau déstabilise-t-il la représentation traditionnelle de l’Homme ?

Invention Un commissaire d’exposition se doit de défendre un parti-pris artistique fort en veillant à déjouer de possibles arguments adverses. La notion d’« états de nature » doit être interrogée au brouillon : référence à une humanité sauvage, référence au jardin d’Éden, humanité idéale, miroir inversé de la civilisation européenne… 16 Les découvertes des voyageurs |


271

06/09/11 11:52

LA RENCONTRE DU SAUVAGE

⁄

Michel de Montaigne, Les Essais, ⁄∞·∞  p. ‹⁄¤-‹⁄‹

Objectifs : – L’enjeu est d’abord de réfléchir au regard posé par Montaigne sur les Sauvages à travers le récit d’un épisode incontournable de leur vie sociale : l’acte cannibale. L’ambiguïté de son point de vue s’exprime dans les inflexions propres au genre de l’essai. – L’élève pourra également étudier le mode d’argumentation propre au XVIe siècle : dans cette perspective, il sera intéressant d’analyser comment Montaigne parvient à convaincre son lecteur et comment plus largement il légitime sa propre réflexion.

Le cannibalisme, entre humanité et inhumanité LECTURE DU TEXTE

que ces derniers sont accueillis (« après avoir longtemps bien traité leurs prisonniers » l. 7) avant d’être assaillis par les coups de la communauté. Le massacre des prisonniers, pour être brutal, n’en suit pas moins un protocole précis et rigoureux : loin d’être un acte dicté par un besoin vital, il s’agit d’un rituel social d’une extrême sophistication (« une grande assemblée » se réunit, s’ensuit le partage de la victime entre tous les cannibales). C’est en cela qu’il est culturel et non animal.

4. Dans les sociétés grecque et romaine, le barbare est l’étranger (< barbaros, celui dont la gorge ne produit que des bruits ressemblant à [bar-bar], celui dont on ne comprend pas la langue). Dans cet extrait des « Cannibales », Montaigne remet en question l’opposition traditionnelle entre société civilisée et société barbare. Selon lui, la barbarie est un vice présent aussi bien chez les peuples sauvages que chez les Européens : « Je ne suis pas fâché que nous soulignions l’horreur barbare qu’il y a dans une telle action, mais plutôt du fait que, jugeant bien de leurs fautes, nous soyons si aveugles à l’égard des nôtres » (l. 26-28).

1. Montaigne adopte un mode de raisonnement inductif : après avoir fait le récit des combats entre peuples sauvages, il en vient progressivement à l’énoncé de sa thèse. Ainsi, le récit du rituel cannibale amène Montaigne à un constat paradoxal : « Ce n’est pas, comme on pense, pour s’en nourrir […] : c’est pour manifester une très grande vengeance » (l. 15). Refusant de réduire les violences de ces peuples à des actions barbares, l’auteur leur confère une dimension symbolique et morale.

5. Montaigne insiste sur le caractère déroutant de la guerre entre les cannibales. À la ligne 4, il introduit son point de vue par le biais d’un modalisateur : « C’est une chose étonnante que la dureté de leurs combats ». Plus généralement, Montaigne formule à plusieurs endroits une réflexion personnelle (l. 15-16, l.28 et l. 47-49) en s’exprimant à la première personne. Ces discours explicites marquent le cheminement de la réflexion de l’auteur : cet extrait peut ainsi se lire comme une page d’essai.

2. En recourant à Chrysippe et à Zénon (l. 35-42), Montaigne donne une légitimité à sa thèse. Ce procédé est courant à la Renaissance : la référence aux auteurs antiques permet d’assurer la validité d’un propos qui ne doit pas émaner d’une simple personne mais trouver sa source dans une tradition littéraire. Grâce à l’utilisation de cet argument d’autorité, Montaigne démontre que l’anthropophagie est une pratique noble.

6. La réflexion de Montaigne sur les cannibales s’inscrit dans le contexte des guerres de religion qui déchirent alors la France (1562-1598). Ces circonstances amènent l’essayiste à relativiser la barbarie des cannibales. Entre les lignes 28 et 34, l’opposition entre Européens et sauvages s’expose par le biais de termes antithétiques : le massacre de « l’homme vivant » s’oppose à celui d’un homme « mort » tandis que la cruauté des guerres civiles est rendue sensible par un « faux parallélisme » qui laisse entendre une nouvelle hiérarchie entre les civilisations (d’un côté « faire rôtir petit à petit, à le faire mordre et tuer par les chiens et les pourceaux » ; de l’autre « le rôtir et manger après qu’il est trépassé »).

3. L’auteur décrit l’acte cannibale de la ligne 6 à la ligne 15. Après avoir constaté la violence des combats entre peuples sauvages (l. 1-6), Montaigne relate les différentes étapes menant à l’exécution des prisonniers. Le lecteur apprend



06/09/11 11:52

HISTOIRE DES ARTS Ce tableau de Gallo Gallina intitulé Indiens du Pérou faisant un sacrifice fait écho à la onzième Station du Christ : la crucifixion. Le poteau de torture évoque la croix ; la position du sacrifié, la façon dont il est vêtu font songer immanquablement à Jésus. Enfin, la présence d’une femme qui pourrait être sa mère évoque la mater dolorosa au pied de la croix. Le prisonnier est outragé à la manière de Jésus (Évangile selon Saint Matthieu, 27, 39). Enfin, au second plan, les montagnes rappellent le mont Golgotha où se déroule la scène de la crucifixion. Surtout, l’Indien est dépecé vivant et des morceaux de son corps supplicié sont offerts à ceux qui sont présents. Comment ne pas penser aux dernières paroles du Christ, parlant de son corps, pendant la Cène : « Prenez et mangez-en tous » ? Le rituel cannibale est ainsi rapproché de la communion chrétienne, pour ne pas dire confondu en un seul et même mystère religieux.

VERS LE BAC Oral (entretien) Pour répondre à une question d’entretien, il est nécessaire de définir le terme-clef de la consigne. La réponse s’organise en fonction des différents sens que l’on peut donner à ce mot, du plus évident au plus abstrait. Il est ainsi possible d’envisager une réponse en deux temps. 1. Humanité = absence de barbarie. Reformulation de la thèse de Montaigne : le cannibale n’accomplit pas un acte pulsionnel et instinctif mais un rituel social et culturel. 2. Humanité = esprit rationnel. Les différentes étapes nécessaires à l’acte cannibale montrent que cette activité est préméditée, pensée, qu’elle obéit à une logique. En conclusion, il serait habile de mettre en évidence le paradoxe auquel aboutit Montaigne : l’humanité est une norme discutable et relative.

Dissertation Ce sujet invite à réfléchir sur une opposition classique entre le barbare et le civilisé. Il est nécessaire de proposer un développement dialectique permettant de saisir la complexité de ce rapport. 1) Les peuples barbares ont des coutumes déroutantes qui montrent la diversité des comportements humains. Les frontières de l’humanité se trouvent ainsi repoussées.

2) La distinction barbare / civilisé devient ténue dès lors qu’on constate que les vices et les vertus sont partagés par l’humanité toute entière. L’ouverture aux cultures sauvages invite donc à remettre en question une vision ethnocentrique.

¤

J. de Léry, Histoire d’un voyage fait en la terre du Brésil, ⁄∞‡°  p. ‹⁄›-‹⁄∞

Objectifs : Dans la lignée de l’extrait de Montaigne (texte 1), ce passage de l’Histoire d’un voyage fait en la terre du Brésil de Léry montre un sauvage débarrassé de toutes formes de « folklore ». L’objectif est donc d’étudier dans le détail de la lettre le travail de sape auquel se livre l’auteur afin de donner à voir le corps du sauvage dans son authenticité.

Le corps du sauvage LECTURE DU TEXTE 1. Jean de Léry décrit les Sauvages en suivant un ordre logique. Chaque paragraphe correspond à une visée précise : du début du texte à la ligne 22, l’auteur se consacre à une description minutieuse du corps du sauvage. Puis, de la ligne 23 à la ligne 25, il fait allusion à leur « couleur naturelle ». Entre les lignes 26 et 43 il propose un développement sur leur nudité. Enfin, le dernier paragraphe est une analyse de la scarification propre aux sauvages. Cette structure du texte est rendue possible par la récurrence de connecteurs argumentatifs (« En premier lieu donc », « Quant à », « Outreplus ») garantissant la progression du raisonnement. Certaines propositions incidentes font référence de manière plus explicite au caractère démonstratif de cette description : « comme je le montrerai encore plus amplement après » (l. 16). 2. De multiples passages mettent en exergue la dimension testimoniale de ce récit. Dès le début de l’extrait, l’auteur rappelle qu’il a vécu auprès des Tupinambas (l. 3). À plusieurs reprises, Jean 16 Les découvertes des voyageurs |


273

06/09/11 11:52

de Léry met en évidence la légitimité que lui donne le privilège d’avoir vu les sauvages. Aux lignes 26-27, la longue apposition en début de phrase permet de signaler implicitement le crédit dont jouit l’auteur en qualité de témoin (à la différence d’André Thévet, cosmographe du Roi, qui ne s’est jamais rendu sur place pour authentifier ses analyses).

3. Dans l’imaginaire européen, la nudité symbolise un interdit (en référence au péché originel) qui semble inconnu des peuples sauvages, sans doute parce qu’ils se sentent et sont innocents : dans cet extrait, l’auteur y fait allusion de manière explicite : « sans montrer aucun signe d’en avoir honte ni vergogne » (l. 28-29). La nudité physique du sauvage traduit plus largement sa virginité : il n’a pas connaissance des vices et des mauvaises passions à la différence de l’Européen (l. 20-22). 4. Jean de Léry conteste la vision stéréotypée que peuvent avoir les Européens des sauvages. Il remet ainsi en question plusieurs légendes qui circulent dans la France de l’époque par voie d’imprimerie. Le préjugé de l’apparence physique apparaît comme le plus tenace. Des lignes 4 à 8, Léry utilise des formes de phrases négatives pour faire entendre des idées préconçues qu’il fustige donc de manière implicite : les « Tupinambas […] n’étant point plus grands, plus gros, ou plus petits de stature que nous sommes en l’Europe ». Plus loin, il fait référence de manière plus explicite à ces a priori : « Cependant, tant s’en faut, comme aucuns pensent, et d’autres le veulent faire croire, qu’ils soient velus ni couverts de leur poils » (l. 30-32). En définitive, l’œuvre de Léry s’apparente à une entreprise de démystification : le sauvage devient un être humain à part entière et non plus une race à part tenant du monstre et de l’animal. 5. L’exposé sur auteur est un travail difficile dans la mesure où il faut éviter certains écueils : le plan « I – Sa vie ; II – Son œuvre » apparaît par exemple peu judicieux étant donné qu’il peut s’appliquer à tout écrivain. Il est préférable d’organiser son exposé par thème, tout en rappelant en introduction quelques données biographiques essentielles (dates de naissance et de mort, événements cruciaux de la vie de l’auteur…). La problématique est donnée dans la consigne : il suffit donc de la reformuler.

Proposition de plan : 1) Jean de Léry et le projet de la France antarctique 2) « Voir puis savoir » : le témoignage authentique et le refus du dogmatisme (voir Histoire littéraire dans le manuel de l’élève p. 332-334). 3) De Jean de Léry à Claude Lévi-Strauss : vers l’anthropologie.

HISTOIRE DES ARTS Bartolomé de las Casas est un prêtre dominicain espagnol qui a défendu les Indiens en refusant de les assimiler à des sous-hommes. Il participe à la célèbre « Controverse de Valladolid » en osant défier le pouvoir espagnol (Conseil des Indes) : il déclare notamment que les guerres dans le Nouveau Monde ont été injustes et cruelles. Sur ce photogramme de La Controverse de Valladolid, les Indiens se tenant à gauche et à droite de Bartolomé de Las Casas semblent soumis et intimidés par la personne qui se tient devant eux (en hors champ donc) : ils baissent la tête et se protègent dans les bras du prêtre dominicain. L’indien qui se trouve à l’extrême droite de l’image paraît moins résigné comme s’il souhaitait défier son adversaire. Bartolomé de Las Casas n’est pas un ennemi de la cause indienne : il apparaît proche des Indiens, dans la situation du protecteur.

ÉCRITURE Vers le commentaire Proposition d’un paragraphe de commentaire : I) Le Sauvage, miroir inversé de l’Européen a) Un réquisitoire à l’encontre des Européens Tout au long de cet extrait, Jean de Léry construit un réquisitoire à l’encontre des Européens. [La première phrase rappelle la thèse, autrement dit le titre de la sous-partie] Il procède en suivant un mode d’argumentation indirect : l’éloge des sauvages peut se lire comme un blâme des civilisations européennes. L’auteur utilise pour ce faire force phrases négatives pour donner à voir la barbarie des Européens. [Explication de la thèse : argumentation] Les hyperboles abondent pour persuader le lecteur de la cruauté des peuples dits civilisés : de la ligne 15 à la ligne 22, le procédé de l’accumulation est utilisé à cet effet : « qui nous rongent les os, sucent la moelle, atténuent le corps et consument l’esprit » ou plus loin « à savoir en la défiance, en l’avarice



06/09/11 11:52

qui en procède, aux procès et brouilleries, en l’envie et ambition ». [Analyse d’un procédé et citation] L’acte d’accusation apparaît d’autant plus solide qu’il se présente sous la forme d’une énumération de vices. [Bilan de la sous-partie]

VERS LE BAC Question sur un corpus Pour répondre à cette question, il est nécessaire de repérer des idées communes. Proposition d’un plan dialectique : 1) L’éloge du Sauvage 2) Le blâme des nations européennes 3) De la relativité de la norme humaine

‹ ›

L. A. de Bougainville, Voyage autour du monde, ⁄‡‡⁄ Denis Diderot, Supplément au voyage de Bougainville, ⁄‡‡¤  p. ‹⁄§-‹⁄°

Intérêt des textes : En mettant en regard ces deux textes, l’objectif apparaît évident : il s’agit de confronter deux regards sur la société tahitienne. L’extrait de Diderot est constitué d’un long discours dont la visée polémique peut être étudiée sous tous ses aspects. Ce passage illustre surtout l’idée d’un « choc des civilisations » entre d’un côté le colonisateur européen et de l’autre le peuple tahitien humilié.

Deux visages du monde sauvage LECTURE DES TEXTES 1. Les portraits des Tahitiennes diffèrent d’un texte à l’autre. L’extrait de Bougainville accorde une place dominante aux femmes nues qui se concentrent autour des pirogues tandis que le passage du Supplément de Diderot ne fait qu’une

allusion aux Tahitiennes. Plus précisément, Bougainville donne une image mythique de ces femmes en recourant à des images fortes (métaphore des « nymphes » à la ligne 9 ; comparaison à Vénus à la ligne 25). Ces traits valorisants font de ces femmes des types de sauvage innocente même si Bougainville émet un doute sur la réelle candeur de ces femmes (type de la fausse ingénue en vogue depuis L’École des femmes sur le modèle d’Agnès). S’opposant à cette vision stéréotypée, l’Indigène de Diderot déclare que cette attitude de « tentatrice » n’est que le produit de la colonisation européenne : « Elles sont devenues folles dans tes bras » (l. 8).

2. Le portrait proposé par Bougainville est tout autant mélioratif que péjoratif. La métaphore de la « nymphe » (l. 9) et la comparaison à « Vénus » (l. 25) valorisent les Tahitiennes qui se trouvent ainsi déréalisées. La Tahitienne accède au rang de mythe en incarnant le fantasme du colonisateur. Cependant, Bougainville montre également que les attitudes des Tahitiennes relèvent du calcul et de la séduction. Il met ainsi en doute la simplicité et l’innocence des femmes sauvages : « même dans les pays où règne encore la franchise de l’âge d’or, les femmes paraissent ne pas vouloir ce qu’elles désirent le plus », l.ignes 13-15 (présenté sous la forme d’une hypothèse, avec une certaine prudence rhétorique). 3. Tahiti apparaît comme un lieu paradisiaque ainsi qu’en témoigne l’attitude des insulaires : les autochtones accueillent les Européens de manière chaleureuse (« Tous venaient en criant ’’tayo’’, qui veut dire ’’Ami’’ », l. 4). Les femmes nues semblent tout droit échappées du tableau central du Jardin des délices de Jérôme Bosch : l’auteur insiste sur la dimension irréelle de ces apparitions en précisant qu’elles ont « une forme céleste » (l. 26). 4. Dans son discours, l’indigène met l’accent sur les méfaits de la colonisation européenne qui a introduit le vice et la corruption dans le cœur des Tahitiens : « Tu ne peux que nuire à notre bonheur » (l. 3-4). Plus précisément, il donne à entendre l’opposition entre un idéal naturel où les hommes vivent libres et insensibles à toutes formes de passions destructrices et un idéal prôné par les peuples civilisés qui repose sur un esprit de conquête et d’appropriation du bien d’autrui. 16 Les découvertes des voyageurs |


275

06/09/11 11:52

5. Le discours du Tahitien est éloquent dans la mesure où il est construit de manière à convaincre Bougainville – et le lecteur – des méfaits de la colonisation. Deux procédés sont, à ce titre, remarquables : – Les questions rhétoriques : les formes interrogatives utilisées en abondance dans le premier paragraphe sont en fait des assertions déguisées. – Les parallélismes (voir fiche 41 du livre de l’élève) : « Nous sommes innocents, nous sommes heureux ; et tu ne peux que nuire à notre bonheur. Nous suivons le pur instinct de la nature ; et tu as tenté d’effacer de nos âmes son caractère. » (l. 2-5) Ce procédé permet de donner un rythme au discours. Voir également : l. 34-35 (« Lorsque nous avons […] nous avons » // « Lorsque nous avons […] nous avons »). 6. Tableau de synthèse. Société tahitienne Paragraphe 1 : Liberté du peuple à disposer de lui-même Paragraphe 2 : Pureté morale Paragraphe 3 : Vigueur physique et résistance à l’effort.

Société européenne Paragraphe 1 : Droit d’appropriation d’un peuple jugé inférieur. Paragraphe 2 : Corruption des mœurs Paragraphe 3 : Faiblesse du corps

HISTOIRE DES ARTS Dans son tableau, Gauguin représente un lieu magique et déroutant comme le suggèrent les contrastes d’aplats de couleurs (rouge, vert, jaune). Tahiti se donne à voir sous les traits d’un territoire sauvage et intact où n’apparaît aucune trace de la colonisation européenne.

ÉCRITURE Vers la dissertation Dans son discours, le vieux tahitien recourt à la figure de l’antithèse en opposant une supposée « ignorance » des siens aux « inutiles lumières » des colons. L’expression d’« inutiles lumières » peut se lire comme un oxymore : la métaphore des lumières traduit l’activité de l’esprit, sa force émancipatrice en référence au mouvement culturel du XVIIIe siècle : elle ne peut a priori être associée au qualificatif « inutile ». Néanmoins, dans la bouche du Tahitien, les lumières de la raison sont la source de tous

les maux : corruption des mœurs, vie dissolue, course effrénée de désirs insatiables… En définitive, la formule de l’indigène apparaît paradoxale, à même de fissurer le modèle culturel européen qui vante à cette époque les progrès infinis de l’esprit humain.

VERS LE BAC Invention Ce sujet d’invention invite l’élève à gloser une affirmation paradoxale. En effet, Diogène cherche « un homme » alors même qu’il vit au cœur d’une société. Son discours peut comporter deux axes dominants : le réquisitoire à l’encontre de la « mollesse de ses concitoyens » et la définition d’une humanité idéale. Certains procédés utilisés par Diderot dans le Supplément au voyage de Bougainville peuvent être repris dans cet écrit : Exemples de procédés : – Question rhétorique sous la forme d’une interro-négative : « N’y a-t-il personne qui soit assez courageux pour aller défier les lois ? » – Parallélisme : « Cet homme que vous voyez marcher sans but, a-t-il seulement une âme ? Cette femme que vous voyez à sa fenêtre, a-t-elle seulement un avis sur le monde qui l’entoure ? »

∞

Voltaire, L’Ingénu, ⁄‡§‡

 p. ‹⁄·

Intérêt du texte : Dans ses contes philosophiques – parmi lesquels il faut citer Candide, Zadig et L’Ingénu –, Voltaire fabrique des personnages incarnant une posture face au monde. La sagesse dont fait preuve le Huron doit être interprétée comme un antidote à toutes les fausses sciences dont font étalage les Européens. Le modèle d’instruction « par la nature » amène le lecteur à réfléchir sur ses habitudes de pensée.

La sagesse du Huron LECTURE DU TEXTE 1. Voltaire oppose deux postures intellectuelles : d’un côté l’Ingénu qui voit le monde avec candeur et sans aucun a priori ; de l’autre l’individu pétri de préjugés qui, selon Bacon



06/09/11 11:52

(cité par Jaucourt dans l’article « Préjugé » de L’Encyclopédie) est tourmenté par « des spectres et des phantomes qu’un mauvais génie envoya sur la terre ».

2. Le Sauvage montre qu’il ne faut pas se fier aux vérités non démontrables. Les périphrases « vérités obscures » puis « faussetés obscures » (l. 13-14) désignant les religions, le lecteur comprend que le jeune Huron lutte contre toutes les formes d’intolérance et de prosélytisme. Il défend a contrario un idéal de prudence en limitant le domaine de la vérité aux connaissances scientifiques. 3. Le discours du Huron est persuasif dans la mesure où il cherche à provoquer son destinataire en jouant sur ses sentiments. L’acte d’accusation qu’il énonce aux lignes 18-20 est à cet égard éloquent : la gradation hyperbolique donne une intensité dramatique au propos qui finit par toucher son ami Gordon. Analyse de la gradation : « C’est une absurdité, c’est un outrage au genre 6

8

humain, c’est un attentat contre l’Être infini » 11

→ Gradation = rythme ternaire avec une cadence majeure (succession de groupes syntaxiques de plus en plus longs).

4. « Chez Socrate puis chez Platon, [le dialogue] est une forme de recherche philosophique par la discussion où le ’’meneur de jeu’’ conduit ses interlocuteurs à découvrir le savoir qu’ils portent en eux-mêmes » (Louis-Marie Morfaux, Jean Lefranc, Nouveau vocabulaire de la philosophie et des sciences humaines, Armand Colin, 2005). L’échange entre l’Ingénu et Gordon s’apparente à un dialogue philosophique : le jeune Huron mène l’échange en s’appuyant sur les réponses de son ami qui ne font que relancer la démonstration (l. 10-14). La réflexion progresse grâce à cette maïeutique qui conduit le « vieux savant » à découvrir une vérité qui n’attendait que les prouesses du jeune Huron pour se révéler.

Prolongements La critique sociale au XVIIIe siècle On peut faire lire en lecture cursive d’autres extraits de Voltaire qui donnent à voir les vices

des sociétés européennes : l’Inquisition espagnole dans Candide, les enjeux de pouvoir dans Zadig. Ces contes dessinent en creux un idéal de société : le jardin cultivé par Candide, l’ermitage dans Zadig ou encore les territoires du Nord dans La Princesse de Babylone (chapitre 6).

6

Michel Tournier, Vendredi ou les limbes du Pacifique, ⁄·§‡  p. ‹¤‚-‹¤⁄

Objectif : Réfléchir sur l’intérêt de la comparaison dans l’argumentation. Intérêt du texte : Confrontation explicite entre deux usages du voyage, d’une part l’expérience initiatique, de l’ordre de l’être, et d’autre part la conquête, de l’ordre de l’avoir. Contexte : Le premier paragraphe évoque la transformation intérieure de Robinson : le roman évolue vers sa fin, le personnage se transforme, sous l’influence de Vendredi, en une sorte de surhomme « solaire », expérimentant une nouvelle sagesse. À la fin du récit initiatique, cette confrontation peut jouer le rôle d’un bilan et d’un adieu. Pour les élèves les plus littéraires, on peut souligner la dimension dionysiaque du personnage, au sens nietzschéen du terme. Entrée possible dans le texte : la signification de l’île.

Réfléchir sur l’opposition entre deux modes de vie LECTURE DU TEXTE 1. Les marins sont systématiquement décrits comme une troupe sans individualité, dont émergent le commandant et le second. Cette troupe est sans cesse à la poursuite de la nourriture nécessaire à la survie, mais aussi avide de trésor superflu, en tout cas dans l’ordre de la possession. Les connotations qui les caractérisent sont rapidement péjoratives : la « bande fruste 16 Les découvertes des voyageurs |


277

06/09/11 11:52

et avide » (l. 15), faite de « brutes déchaînées » (l. 16), pousse des cris. Les marins sont divisés par des « disputes hagardes » (l. 23) et mus par un instinct qui les dépersonnalise : « on décida » (l. 23). Ils sont « murés » en eux-mêmes (l. 34) et transportent leur enfermement avec eux. Ils apparaissent finalement à travers le regard de Robinson comme des insectes les moins attrayants qui soient (l. 41). Les métaphores (celles du « grouillement », l. 5 annonçant la fin du passage, du mur – métaphore discrète, l. 34 –, et celles des insectes) proviennent du jugement de Robinson. On a ainsi un blâme exécuté par petites touches.

2. La cupidité est un vice qui procède d’un dérèglement du désir : le « toujours plus » est dévastateur, puisqu’il va jusqu’à l’incendie (l. 22). L’orgueil consiste ici à penser que son propre système de valeurs et d’existence doit primer sur les autres (d’où les échanges à sens unique du capitaine et du second) ; le déchaînement de ces deux vices conduit effectivement à la violence sous toutes ces formes (exploitation destructrice, abattage des bêtes, conflits et guerre, esclavagisme). On peut cependant relever le terme d’« orgueil » (l. 13) à propos de la comparaison que Robinson établit entre lui et les marins ; cet orgueil est propre à l’homme, Robinson restant « encore des leurs par toute une part de luimême » (l. 38-39). 3. Avec l’arrivée des marins, la « civilisation » revient, accompagnée d’un jugement négatif sur ce qu’elle est. L’Histoire, quand on en prend conscience, n’est faite que d’exploitation de l’homme par l’homme ou de conflits de souveraineté. Le vocabulaire d’une économie sans âme est dominant (« mécanisme si fructueux », « échangés contre »…), l’esclave est en effet une « valeur marchande », échangeable contre du « coton ». 4. Ensemble de ressources pédagogiques indiqué par le Comité pour la Mémoire et l’Histoire de l’esclavage : www.cpmhe.fr/spip.php?article431. Page d’Eduscol : http://eduscol.education.fr/ cid46086/la-traite-negriere-l-esclavage-et-leursabolitions%A0-memoire-et-histoire.html. Présentation d’un ensemble d’ouvrages sur Gallica : http://gallica.bnf.fr/dossiers/html/dossiers/ VoyagesEnAfrique/themes/T1c.htm.

Les élèves pourront se souvenir du chapitre XIX de Candide et du chapitre « De l’esclavage des nègres » de L’Esprit des lois, ou de l’« Épître dédicatoire aux nègre esclaves », désormais vus avec le programme de la seconde. Un extrait moins connu pourrait être intéressant : le passage où les esclaves marron aident Paul et Virginie à retrouver leur chemin, dans le roman de Bernardin de Saint-Pierre (Gallimard, coll. Folio, p. 135). 5. S’ils voyaient Vendredi, les marins du Whitebird pourraient penser qu’il est l’esclave de Robinson – mais le voient-ils ? La fin du roman est de ce point de vue inquiétante, puisqu’attiré par la nouveauté, le jeune homme va s’embarquer en cachette sur le navire (tandis qu’un matelot maltraité restera auprès de Robinson). 6. Les « échanges » de marchandises ou le pillage semblent surtout intéresser les marins, dont on entend les voix, tandis qu’on ne dispose pas des réponses de Robinson. Il n’y a pas de discours direct, seulement du discours indirect (l. 28-29 et 30-32 après un début en discours narrativisé), empreint de connotations et de modalisations que le lecteur n’est pas invité à partager (l. 30-32). Il n’y a pas de dialogue : d’un côté les marins sont « murés » dans leur égoïsme et n’« interrogent » pas Robinson, de l’autre Robinson est indéniablement solitaire et se sent supérieur. C’est pourquoi les discours des marins ne nous parviennent qu’à travers le filtre des perceptions intermittentes et de la conscience de Robinson. 7. Le point de vue dominant est celui de Robinson : le premier paragraphe paraît fait de ses pensées rapportées, avec une modalité interrogative. Puis, à partir de la ligne 13, sa méditation est tissée de psycho-récit, de connotations et de modalisations qui traduisent son jugement (par exemple : « stupidement mutilés » l. 17). Ainsi, ligne 27, il est « fasciné » par le comportement des marins. Les verbes de perception évoquent soit sa fascination, soit son désintérêt. En effet, Robinson réagit avec distance (« détachement », l. 39) à ce « spectacle » répugnant, comme s’il était un « entomologiste » observant des insectes à travers une vitre (l. 40). Sa froideur et sa distance apparaissent à travers l’utilisation du démonstratif « ces » (l. 16). D’où les italiques mettant en valeur le mot étrange de « semblables » (l. 18) : ces hommes sont-ils encore ses semblables ou en est-il parfaitement détaché ? Cela fait réfléchir sur l’ambiguïté de son



06/09/11 11:52

apprentissage sur l’île, apprentissage ayant pour but ultime « d’être soi ».


8. Robinson se situe dans un système de valeurs centré sur le développement de soi dans une harmonie panthéiste avec la vie naturelle.

Le sujet invite à comparer deux dispositifs de critique, tout en interrogeant leur portée : le roman et le dialogue philosophique, où prend place un grand discours. – Les genres diffèrent donc par l’époque (même si les personnages appartiennent au XVIIIe siècle – Selkirk débarque dans son île en 1709 –, Defoe déplace son voyage dans les Caraïbes, le personnage de Tournier voyage au même moment que Bougainville), l’énonciation, la situation dans laquelle sont les interlocuteurs et le mode d’argumentation. L’extrait de Diderot fonctionne selon un processus de double énonciation (il est adressé aux Européens) et sur une construction fictionnelle (un discours inventé par Diderot). De ce point de vue, il rejoint la fiction de Tournier, tous deux se prêtant à une mise en scène de la confrontation. – En effet, c’est à partir d’une comparaison défavorable aux Occidentaux que se fait la critique de leur société, à travers les paroles du vieillard et la pensée de Robinson. La critique est surtout fondée sur l’opposition entre être et avoir, structurée par des oppositions, des antithèses, des connotations péjoratives. – Ces deux textes invitent donc leur lecteur à prendre du recul par rapport à ses propres valeurs et à se décentrer. Toutefois, c’est un tableau pessimiste qui est dressé des appétits dominateurs – et non des efforts féconds des Lumières. On aura donc intérêt à lire ces textes comme un tableau de l’homme tout entier, lieu de combat entre vices et vertus et capable du pire comme du meilleur.

Les marins Profit commercial Défense de la puissance maritime → Profit en général comme fin, le reste étant un moyen

Robinson « bonheur solaire » (l. 2) Contemplation, détachement Sagesse

Les interlocuteurs sont dans des systèmes de valeurs si différents que leur communication semble vouée à l’échec. On a un face à face entre deux usages du voyage : la conquête face à la quête.

HISTOIRE DES ARTS Le miroir peut signifier à la fois la confirmation de soi et de sa propre humanité. Dans l’œuvre de Defoe et au début de celle de Tournier, le miroir sert surtout à rappeler à Robinson qu’il demeure un homme, parce qu’il en conserve l’apparence. Révélation de la vérité d’un être (dans les contes, par exemple) et interrogation de soi-même (par exemple dans les autoportraits), il exprime en même temps une forme de narcissisme. En tout cas, il matérialise la conscience de soi, mais aussi l’examen de conscience (que chaque homme, protestant comme Robinson au départ, peut effectuer). Quels sont les « ressorts » que Robinson peut y lire ? Il est pour lui-même « […] si familier et si étrange », partageant quelques tendances égoïstes de la commune humanité. L’image du miroir peut enfin aider à comprendre ce texte comme une forme de miroir : comment l’homme « civilisé » y apparaît-il ? Est-ce le désir de conquête qui le fait progresser ?

ÉCRITURE Vers l’écriture d’invention On privilégiera l’échange de discours (plus qu’un dialogue argumentatif, puisqu’il s’agit de deux longues prises de parole) dont on peut rappeler les règles et l’intérêt de la double énonciation. Contrainte : respect de l’ethos de chacun (dans la façon de prendre la parole, le style, les idées, le vocabulaire), disposition de chaque discours, articulation d’arguments et d’exemples.

Bilan Cet extrait ne propose pas tant un renversement des valeurs – comme le reste du roman – mais se concentre plutôt sur une critique des instincts captatifs et de la bonne conscience.

Prolongement Travailler sur la réécriture des mythes dans Robinson ou les limbes du Pacifique (dossier, Folio, 1996), notamment pour expliquer le titre (les « limbes », v. p. 349). 16 Les découvertes des voyageurs |


279

06/09/11 11:52

LA MARCHE VERS LES HOMMES

7

Jean-Jacques Rousseau, Émile, ⁄‡§¤  p. ‹¤¤-‹¤‹

Intérêt du texte : Ce texte de Rousseau est au croisement de la littérature et de la philosophie : d’un côté, il s’inscrit dans la tradition du discours argumentatif à visée polémique (réquisitoire à l’encontre des mauvais voyageurs) ; de l’autre, il offre une entrée pertinente dans la pensée philosophique de Rousseau en faisant allusion aux concepts d’« état de nature » et d’« état civil ». Le questionnaire invite l’élève à cette double lecture qui doit donner les rudiments d’une réflexion de nature anthropologique.

De l’utilité du voyage LECTURE DU TEXTE 1. Dans cet extrait, Rousseau distingue deux manières de voyager. La plupart des hommes voyagent dans un intérêt précis (sur « ordre de la cour », l. 16 ; pour « instruire » des hommes, l. 21) ou pour se distraire (« pour voir du pays », l. 24). Seuls certains individus voyagent dans un but moral, pour rencontrer des hommes (« voir des peuples », l. 24). Ce voyage humaniste semble le plus formateur étant donné qu’il donne à chacun la possibilité de s’enrichir intellectuellement. 2. Contrairement aux sauvages qui aspirent à une vie autarcique, « ceux à qui la vie civile est nécessaire » vivent au contact permanent des autres peuples. Rousseau établit cette opposition en insistant sur la nécessaire sociabilité de l’Homme : l’hyperbole « nous ne pouvons plus nous passer de manger des hommes » (l. 8-9) est à ce titre évocatrice. 3. Le bon voyageur, selon Rousseau, est à même de s’instruire au contact des peuples. Le mouvement des Lumières préconisant de cultiver « ce qui éclaire l’esprit dans la recherche de la vérité » (Larousse), il est aisé de constater que

l’idéal de voyage défendu par Rousseau s’inscrit parfaitement dans ce cadre.

4. Rousseau s’implique fortement dans son texte en définissant un modèle de voyageur. Pour faire entendre ce discours digne d’un précepteur, l’auteur recourt à un certain nombre de modalisateurs : des expressions traduisant un jugement de valeur (« c’est une erreur », l. 14), des termes antithétiques dénotant une qualité morale (« bon ou mauvais », l. 36-37 ; « vices » et « vertus », l. 40-41) ainsi que des verbes impersonnels annonçant une obligation (« il est utile à l’homme de », l. 1 ; « ce doit être », l. 26 ; « c’est donc mal raisonner que de », l. 30). Ainsi, comme le suggère la dernière phrase au futur prophétique, cet extrait de Rousseau s’apparente bel et bien à un traité où l’auteur s’engage vigoureusement. 5. Rousseau construit son réquisitoire à l’encontre des « faux voyageurs » de manière habile étant donné qu’il donne à entendre l’argumentaire adverse pour mieux le réfuter ensuite. Certaines affirmations sont ainsi avancées puis contredites aussitôt : « Nous avons, dit-on, des savants qui voyagent pour s’instruire ; c’est une erreur » (l. 13-14). Dans cette phrase, l’auteur se désolidarise du point de vue énoncé au moyen de l’incise « dit-on » et prononce ensuite un jugement sans appel. À d’autres moments, Rousseau fait référence aux arguments de ces voyageurs de manière implicite, en recourant à la négation : « Si […] des curieux voyagent à leurs dépens, ce n’est jamais pour étudier les hommes, c’est pour les instruire » (l. 20). Dans ces deux passages, l’auteur montre que les pérégrinations des « curieux » se sont substituées au voyage humaniste et savant. 6. « L’état de nature » est un concept philosophique cher à Rousseau. Il peut être défini comme « l’état hypothétique de l’homme avant l’organisation sociale, ou plus exactement, l’expression mythique de ce que pourrait être l’état de la société si les hommes […] n’étaient ni préparés par l’éducation, ni régis par des lois et par un gouvernement » (André Lalande, Vocabulaire technique et critique de la philosophie, [1926], PUF, 2002). Dans l’extrait, Rousseau fait référence à l’opposition entre « état de nature » et « état civil » qu’il a développée dans son Discours sur l’origine et les fondements de l’inégalité



06/09/11 11:52

parmi les hommes (1755). Tandis que le sauvage « n’a besoin de personne et ne convoite rien au monde » (amour de soi et autosuffisance dans l’état de nature), l’homme civilisé « fréquent[e] les pays » où il trouve le plus d’hommes.

7. Cette réflexion tend à montrer que le voyage ne peut être le fondement même de l’éducation morale d’un homme. La découverte de nouvelles civilisations ne peut enrichir que l’être humain ayant été bien élevé auparavant et sachant ainsi retirer les bénéfices du véritable voyage (« [ceux] qui voyagent dans le vrai dessein de s’instruire », l. 42-43).

HISTOIRE DES ARTS Dans cette œuvre, Robert Smithson cherche à montrer le lien indissoluble entre l’homme et la nature comme en témoigne cette jetée en spirale qui est une inscription artificielle (production humaine) au sein d’un milieu naturel. Plus largement, l’homme est en mesure de prendre conscience de lui-même à travers le modelage de la nature. [Voir Hegel, Cours d’esthétique, 1818-1829 : « La première pulsion de l’enfant porte déjà en elle cette transformation pratique des choses extérieures ; le petit garçon qui jette des cailloux dans la rivière et regarde les ronds formés à la surface de l’eau admire en eux une œuvre, qui lui donne à voir ce qui est sien. »]

VERS LE BAC Oral (entretien) Pour cette question d’oral, il serait judicieux de préciser en entrée en matière que le travail du philosophe consiste à opérer des « distinctions essentielles » (Kant). Ici, Rousseau distingue deux types de voyage : le voyage du curieux et le voyage du savant. Le voyage ne conduit donc pas nécessairement à l’instruction, autrement dit à l’enrichissement moral et intellectuel de l’homme.

Dissertation Ce sujet invite l’élève à faire l’éloge du voyage initiatique en insistant sur deux axes de réflexion : 1) La remise en cause des préjugés 2) La construction de l’individu

Paul Nizan, Aden Arabie, ⁄·‹⁄ Michel Leiris, L’Afrique fantôme,

° · Blaise Cendrars, ⁄‚ Feuilles de route, ⁄·‹›

⁄·¤›

 p. ‹¤›-‹¤∞

Intérêt des textes : Ces trois textes s’inscrivent dans l’« ère du soupçon » propre à l’esthétique du XXe siècle. Le modèle du voyage humaniste se trouve déconstruit : Nizan et Cendrars passent les clichés au révélateur tandis que Leiris déplore son existence bourgeoise au sein du continent africain. L’étude de ces trois extraits doit néanmoins permettre d’identifier la possibilité d’un véritable voyage, d’une rencontre avec l’Autre.

L’impossible voyage vers l’autre LECTURE DES TEXTES 1. Le retour d’Ulysse à Ithaque est considéré comme un modèle de voyage initiatique dans la culture occidentale. L’Odyssée, célèbre épopée d’Homère, raconte les différentes étapes ramenant Ulysse vers sa patrie où l’attend Pénélope, son épouse. Le héros grec subit un certain nombre d’épreuves durant son périple, qu’il s’agisse de la tentation (les Lotophages, Circé, Les Sirènes) ou du péril (Le Cyclope, Charybde et Scylla). La sagesse d’Ulysse tient à la fois de sa bravoure et de son pouvoir de ruse, forme dévoyée de l’intelligence technicienne, (depuis l’épisode du cheval de Troie), ce qui fait de lui un personnage ambigu, téméraire et opportuniste. 2. Paul Nizan expose sa thèse sur le voyage dans le premier paragraphe de l’extrait. Par le biais d’une métaphore (« C’est le voyage d’Ulysse », l. 2), il met en valeur l’exemplarité du héros grec. L’auteur défend un point de vue paradoxal dans la mesure où il n’accorde un intérêt 16 Les découvertes des voyageurs |


281

06/09/11 11:52

au voyage que lorsqu’il prend fin : « Tout le prix du voyage est dans son dernier jour » (l. 4). Les différentes épreuves auxquelles se livre Ulysse ont donc peu de valeur en elles-mêmes puisque seule compte la perspective de revoir sa patrie (« la marche vers les hommes ») et surtout de redevenir lui-même. Dans L’univers, les dieux, les hommes (Seuil, 1999), Jean-Pierre Vernant montre que le retour d’Ulysse à Ithaque correspond à un présent retrouvé : « Ulysse dort avec Pénélope et c’est comme leur première nuit de noces. Ils se retrouvent en jeunes mariés. Athéna fait en sorte que le soleil arrête la course de son char pour que le jour ne se lève pas trop tôt et que l’aube tarde à paraître […]. Tout est à présent comme autrefois, le temps semble s’être effacé » (p. 169).

3. Ce court extrait de L’Afrique fantôme est construit autour d’une antithèse : le voyage idéal, celui de l’aventurier, contraste avec le voyage réel, le « voyage de touristes » ainsi nommé par Leiris. Plusieurs termes péjoratifs sont associés au voyage effectué par l’auteur : « ignoble sensation de pléthore », « [vie] plate et bourgeoise », « travail d’usine ». À l’opposé, le voyage idéal est désigné par un stéréotype valorisant : « un de ces beaux corsaires ravagés ». 4. Dans ce passage, Paul Nizan dénonce un préjugé anthropomorphiste : autrement dit, il refuse d’accorder une personnalité aux choses de la nature, ce qu’il nomme une « vertu morale ». Les « leçons des paysages » sont donc nulles pour l’auteur qui ne croit qu’en la rencontre avec les hommes. Le violent réquisitoire de Nizan à l’encontre de « la poésie de la terre » va de pair avec un plaidoyer en faveur d’un voyage humaniste comme le suggère la dernière phrase : « l’homme attend l’homme, c’est même sa seule occupation intelligente ». 5. Nizan parvient à interpeller le lecteur en avançant une série de paradoxes énoncés sous la forme de jugements de valeur catégoriques : « L’espace ne contient aucun bien pour les hommes » (l. 7) ; « les voyages de Montaigne sont secs (l. 14) ; « Ce lyrisme est tout à fait vide de matière » (l. 21). En outre, l’auteur ne cesse de rapporter des propos qu’il vide de toute pertinence : « il y a des écrivains qui parlent des leçons des paysages… » (l. 7-8) ; « quand on dit qu’il y a des paysages où l’on crève de froid… »

(l. 16-17). Dans le dernier paragraphe, le ton provocateur et direct de Nizan est sensible du fait de l’utilisation du pronom « vous » : « Les hasards vous ramèneront seulement à l’ordre et au désordre des troupeaux humains ». Ce procédé argumentatif neutralise l’esprit critique du lecteur, qui ne peut alors que corroborer la thèse de l’auteur.

6. Leiris montre l’impossibilité de rencontrer l’Autre en identifiant une série d’obstacles. D’une part, il dénonce les conditions même de la mission qui empêchent une véritable immersion (« La vie que nous menons est on peut plus plate et bourgeoise ») ; de l’autre, il met en doute les vertus de l’enquête ethnographique en constatant que l’Autre y est analysé à distance et de manière abstraite.

VERS LE BAC Question sur un corpus L’élève veillera à proposer une réponse donnant à voir les points communs et les différences entre les visions de Paul Nizan et de Gilles Ortlieb. Chacune des deux parties permettra de comprendre la notion de « voyage humaniste ». 1) Le voyage humaniste : la nature n’est que le territoire de l’Homme a) L’Homme supplante la nature. Tout en montrant comment chacun des deux auteurs défend l’homme dans son texte, il serait judicieux de montrer la singularité de chaque poétique (force de suggestion chez Ortlieb, registre polémique chez Nizan). b) La nature personnifiée. Chez Ortlieb, création d’un jeu de correspondances entre la nature et l’homme. Chez Nizan, dénonciation d’un préjugé : l’anthropomorphisme. 2) Le voyage humaniste : « soi-même comme un autre » a) La rencontre avec l’Autre chez Nizan. b) La reconnaissance d’un autre soi-même chez Ortlieb.

Invention Il s’agit d’un sujet d’invention de type argumentatif. L’élève doit veiller à construire son développement en deux temps : 1) La critique du point de vue de Michel Leiris Dans un premier paragraphe, on peut mettre en avant le plaisir qu’on a eu à lire le journal de Michel Leiris. Exemple : « J’ai lu avec profit



06/09/11 11:52

votre journal de voyage relatant votre mission en Afrique. Le titre m’avait d’emblée captivé : L’Afrique fantôme. Sans même avoir parcouru l’œuvre, je m’étais interrogé sur cette curieuse expression : l’Afrique était-elle un continent fantastique, fascinant au point de n’exister qu’à l’état évanescent ou ne présentait-elle aucune épaisseur ? etc. » Dans un second paragraphe, vous vous appuyez sur l’extrait du manuel pour manifester un désaccord. Certaines phrases catégoriques peuvent être convoquées avec profit : « On ne s’approche pas tellement des hommes en s’approchant de leurs coutumes » ou mieux encore « Je n’ai jamais couché avec une femme noire. Que je ne suis donc resté européen ! ». 2) Le voyage humaniste Après avoir critiqué le point de vue pessimiste de Leiris, il est nécessaire de mettre en avant une autre vision du voyage. L’élève pourra s’appuyer sur une expérience personnelle pour montrer que le voyage forme l’Homme : apprentissage d’une nouvelle langue, reconnaissance de sentiments universels à travers l’approche de coutumes déroutantes, fascination pour une civilisation…

Oral (entretien) Dans votre réponse, il faut interroger le sens de l’image employée par Lévi-Strauss : « notre ordure ». On peut reformuler le sujet ainsi : les voyages sont l’occasion de mettre à nu les vices de la nature humaine, en l’occurrence ceux de l’occidental. Paul Nizan évoque les fausses croyances des voyageurs « sérieux », Michel Leiris constate l’impuissance de l’ethnologue tandis que Blaise Cendrars transforme les passagers du Gelria en mort-vivants. Pour discuter ce propos, il faut s’appuyer sur le texte de Nizan qui suggère une espèce valide de voyage : celui qui peut transformer l’individu et lui apporter un savoir.

Prolongement Pour illustrer le propos de Claude Lévi-Strauss (« Ce que d’abord vous nous montrez, voyages, c’est notre ordure »), il est possible de s’appuyer sur un extrait de Voyage au bout de la nuit de Céline, au moment où le narrateur se trouve sur l’Amiral-Bragueton, en direction du continent africain. La chaleur suffocante conduit

les passagers européens à révéler leur véritable nature. Céline emploie à ce titre l’expression d’« aveu biologique » pour mieux caractériser cette métamorphose. « Dès que le travail et le froid ne nous astreignent plus, relâchent un moment leur étau, on peut apercevoir des Blancs, ce qu’on découvre du gai rivage, une fois que la mer s’en retire : la vérité, mares lourdement puantes, les crabes, la charogne et l’étron. » (Céline, Voyage au bout de la nuit, [1932], Gallimard, « Folio », p.113).

⁄⁄

Antoine de Saint-Exupéry, Terre des hommes, ⁄·‹·

 p. ‹¤§-‹¤‡

Intérêt du texte : Dans ce texte, Saint-Exupéry propose un récit symbolique dans lequel les ouvriers polonais représentent une humanité incertaine, abîmée après un passage dans un « moule terrible ». Le témoignage ne correspond nullement à un discours de vérité mais plutôt à une interrogation sur la dualité humaine : le génie dont chaque individu est porteur est-il condamné à pourrir dans ce convoi vers l’Est ?

Retrouver « l’esprit » de l’Homme LECTURE DU TEXTE 1. Saint-Exupéry donne à voir la misère de la population en insistant sur le bric-à-brac emporté par ces familles : « ils n’avaient rassemblé que les ustensiles de cuisine, les couvertures et les rideaux, dans des paquets mal ficelés et crevés de hernies » (l. 4-6). La négation restrictive traduit le manque de ressources de cette population. L’auteur met en valeur le contraste entre leur vie en France et leur condition misérable dans ce voyage de retour. 2. Dans cet extrait, Saint-Exupéry suscite la pitié du lecteur (registre pathétique) en offrant une image pure et lumineuse des ouvriers démunis. Il représente un père, une mère et leur enfant dans des attitudes symboliques, propres à attendrir 16 Les découvertes des voyageurs |


283

06/09/11 11:52

le lecteur : « un enfant tétait une mère si lasse qu’elle paraissait endormie » (l. 10). La figure de l’hyperbole est un procédé récurrent dans le texte pour montrer d’un côté l’extrême pauvreté de cette population, de l’autre sa grandeur. En construisant un récit pathétique, l’auteur cherche sans doute à alerter le lecteur sur la situation de ces ouvriers polonais. Prolongement On peut comparer cette icône, rémanence de la sainte Famille lors de la fuite en Égypte, avec la photographie de Boubat, idéalisant une famille indienne, page 340 du manuel. Comment ces deux représentations convoquent-elles la force d’un scénario universel ?

3. L’auteur adopte un style sobre et dépouillé étant donné qu’il refuse de montrer les aspects répugnants de la misère. La pudeur de la description est sensible dans les images utilisées à de nombreuses reprises : « le tas de glaise », « les épaves » représentent ainsi l’homme misérable. Ce choix descriptif permet d’essentialiser les êtres démunis et donc d’en faire des symboles éternels de la pauvreté. 4. Les individus sont identifiés à deux types de comparants : l’un étant laudatif, l’autre dépréciatif. D’un côté, l’ouvrier polonais est assimilé à « un tas de glaise » (comparaison : l. 14) et plus loin à un « paquet de glaise » (métaphore : l. 23), à « une machine à piocher » (métaphore : l. 21-22) ou encore à « un animal vieilli » (métaphore in absentia : l. 25). De l’autre, l’ouvrier possède une nature gracieuse : « la belle argile » (l. 25) et la « rose » (l. 36) sont les images valorisantes associées à l’enfant misérable. La dernière phrase met en valeur la glaise, matériau noble avec lequel Dieu façonne le premier homme, Adam (« le glébeux » dans la traduction de Chouraqui). Toutefois, Saint-Exupéry montre que la glaise seule ne suffit pas : à force de faire travailler l’homme jusqu’à l’abrutissement, il demeure une matière sans âme (« seul l’esprit, s’il souffle sur la glaise, peut créer l’Homme », l. 52). 5. La figure de Mozart symbolise le génie humain dans toute sa précocité, plus précisément le germe de perfection présent dans la nature de tout homme. Si Mozart enfant a pu exprimer son talent, son génie, c’est grâce à l’éducation

attentive de son père Léopold, compositeur modeste mais pédagogue de renom. Dans l’extrait, l’enfant polonais est assimilé à Mozart aux lignes 32 à 40. Cependant, la misère de ses parents, financière et intellectuelle, annonce déjà que ses talents ne seront ni détectés ni cultivés. Saint-Exupéry expose le contraste entre ce modèle de génie et l’environnement abrutissant (au sens propre du terme) dans lequel l’enfant se trouve : « Mozart fera ses plus hautes joies de musique pourrie, dans la puanteur des cafésconcerts » (l. 39-40).

6. Saint-Exupéry opère une distinction entre « l’individu » et « l’espèce humaine », autrement dit entre une partie d’un tout et l’ensemble luimême. Cette nuance permet d’élargir la réflexion à l’échelle de la condition humaine (l’Homme). 7. Dans cette phrase, Saint-Exupéry s’inspire du passage de la Genèse retraçant la création de l’être humain : « Alors Yahvé Dieu modela l’homme avec la glaise du sol, il insuffla dans ses narines une haleine de vie et l’homme devint un être vivant. » (Genèse, 2, 7). Plus largement, l’auteur transpose le dualisme philosophique entre la matière et l’esprit (« glaise » / « esprit ») : dans la philosophie occidentale, l’être humain est souvent défini comme l’association de deux substances distinctes : l’âme et le corps (théorie cartésienne). Cette méditation sur la condition du vivant est énoncée au présent de vérité de générale.

VERS LE BAC Invention Ce sujet invite l’élève à réfléchir sur la notion de point de vue. La scène de voyage ne doit plus être perçue par une personne extérieure – occidentale et ayant du recul – mais par un des Polonais. Le monologue pourra faire entendre plusieurs sentiments de ce voyageur polonais : la méfiance puis la curiosité par exemple.

Commentaire Dans le commentaire de ce texte de SaintExupéry, il est important de réfléchir à la notion de registre pathétique afin de dégager les deux premières parties du commentaire. On peut se reporter à la fiche 40, consacrée aux registres. 1) La description d’un peuple misérable a) Un peuple démuni



06/09/11 11:52

b) L’insistance sur des détails concrets symboliques (« le géranium », « les batteries de cuisine », les « paquets crevés de hernies »…). c) La création de types : analyse du procédé d’essentialisation propre à l’écriture de SaintExupéry (métaphore du matériau : argile, glaise). 2) Un discours d’indignation a) L’apostrophe au lecteur : analyse des différents procédés visant à interpeller le lecteur (questions rhétoriques notamment). b) L’implication personnelle de l’auteur : analyse des modalisateurs (« ce qui me tourmente », « je me disais » etc.). c) La pesanteur et la grâce : étude du contraste entre la misère des ouvriers polonais et le génie humain (Mozart). Dans une troisième partie, il apparaît judicieux de dépasser la stricte dimension pathétique. L’élève peut s’appuyer, pour ce faire, sur la phrase « je ne crois guère à la pitié » (l. 45). 3) Une interrogation sur l’Homme a) La portée universelle du discours de SaintExupéry : du récit d’un convoi à la réflexion sur la condition humaine. L’élève pourra notamment s’appuyer sur la distinction « individu » / « espèce humaine ». b) La matière et l’esprit : mise en valeur de la fragilité de la condition humaine. c) Une vision sombre de la nature humaine ?

Claude Lévi-Strauss, Tristes tropiques,

⁄¤ Claude Lévi-Strauss, ⁄‹ Race et histoire, ⁄·∞∞

⁄·∞¤

 p. ‹¤°-‹‹‚

Objectif du texte : La lecture d’un extrait de l’œuvre de Claude Lévi-Strauss ouvre la voie à une réflexion anthropologique. Plus précisément, l’élève doit être en mesure de saisir la singularité de la démarche de l’ethnologue qui tente de saisir la logique des rapports sociaux en Inde et non simplement de raconter un épisode circonstanciel de sa vie.

Affronter la misère humaine LECTURE DU TEXTE 12 1. Dans l’émission Apostrophes (4 mai 1984), Claude Lévi-Strauss définit l’ethnologie comme « une des manières de comprendre l’Homme ». Il distingue ensuite la philosophie de l’ethnologie en montrant que sa discipline permet d’élargir la connaissance humaine à la découverte des sociétés plus reculées. Reprenant une formule de Térence, auteur latin cher aux humanistes de la Renaissance, Lévi-Strauss défend l’idée que « rien de ce qui est humain ne doit nous rester étranger ». La démarche de l’ethnologue vise in fine à mettre la société occidentale « en perspective ». Lien : www.ina.fr/sciences-et-techniques/ sciences-humaines/video/I06292950/claude-levistrauss-definit-l-ethnologie.fr.html 2. Cet extrait de Tristes tropiques peut être rattaché au genre de l’essai. Plus précisément, l’auteur recourt au discours explicatif pour analyser la société indienne. Dès le début du passage, le lecteur constate que l’auteur ne livre pas un témoignage personnel mais cherche à donner une dimension objective à son propos (mise à distance) : « L’Européen qui vit… » (l. 1) ; « on vous offre tout » (l. 9) ; « nous concevons… » (l. 52). Par ailleurs, l’auteur étudie les attitudes et les rapports entre les individus en utilisant un vocabulaire abstrait : « situations initiales », « les règles du jeu social », « modalités diverses de la prière », « opposition entre les classes »… 3. Dans cet extrait, le lecteur assiste à l’élaboration de la pensée de l’auteur qui tente d’élucider le paradoxe de l’attitude du mendiant. De ce fait, ce passage se rattache au genre de l’essai. Claude Lévi-Strauss montre que la relation entre l’Européen et le mendiant de Calcutta n’est pas un rapport d’égal à égal : quelles que soient les circonstances, l’occidental est amené à humilier le mendiant par un processus proche de celui de la « servitude volontaire » (voir Étienne de la Boétie, La Servitude volontaire). L’auteur utilise le plus souvent un mode de raisonnement déductif au sein de chaque paragraphe : ainsi dans le deuxième paragraphe, après avoir énoncé une idée générale (« on vous oblige d’emblée à nier chez autrui la qualité humaine qui réside dans la bonne foi, le sens du contrat et la capacité à s’obliger »), l’auteur recourt à un exemple (« Des rickshaw boys proposent de vous conduire »). De 16 Les découvertes des voyageurs |


285

06/09/11 11:52

même dans le paragraphe suivant : la thèse sur la relation avec le mendiant est illustrée par le biais de l’exemple du ton du mendiant.

à votre égard », l. 44) ou encore l’admiration malsaine (« ils vous avilissent de leur vénération », l. 66).

4. À plusieurs reprises, l’auteur utilise le pronom « vous » afin d’impliquer le lecteur : « on vous oblige d’emblée à nier… » (l. 10-11) ; « on ne peut supporter cette pression incessante, cette ingéniosité toujours en alerte pour vous tromper » (l. 40-41). Ce procédé est un moyen efficace d’interpeller la conscience européenne.

9. Dans le troisième paragraphe, l’auteur intègre un passage au discours direct : « ’’Sa-HIB !’’ ». Au lieu de relater une conversation, Lévi-Strauss tente d’interpréter les effets de cette plainte en analysant l’intonation et le sens caché de cette injonction. Ce travail de décryptage se substitue au dialogue comme si l’auteur suggérait par ce biais l’impossibilité de nouer un véritable contact avec les mendiants.

5. Plusieurs ouvrages et sites Internet peuvent être consultés pour élaborer un travail de recherche sur la mendicité à Calcutta : – Site Internet sur le droit des enfants dans le monde, plus précisément en Inde : www.droit senfant.com/travail_asie.htm – Les cartes de la Documentation française sur la pauvreté en Inde : www.ladocumentationfrancaise.fr/cartotheque/ maintien-pauvrete-inde.shtml – La fiche de la Banque mondiale sur l’Inde : http://web.worldbank.org/ – La Documentation française, L’Inde ou le grand écart, n° 8060 (2007) 6. Le contact avec les mendiants inspire à l’auteur différents types de sentiments : dans un premier temps, la négation de la notion d’humanité l’amène à être décontenancé : « on n’ose plus croiser un regard franchement ». Néanmoins, ce sentiment de honte ne dure qu’un temps : l’auteur avoue ensuite son exaspération, ce qui le conduit à comparer les mendiants à des « corbeaux noirs ».

10. Le rapport entre l’Européen et le mendiant s’apparente à un cercle vicieux dans la mesure où la situation est inextricable : aucune relation d’égalité ne peut être établie en raison d’un déni d’humanité du mendiant. Celui-ci semble à ce point résigné qu’il empêche toute progression dans le rapport humain. L’auteur exprime clairement cette fatalité au sein de l’extrait : « il n’y a plus d’équilibre possible », « la situation est devenue irréversible » (l. 64). 11. Dans cet extrait, Claude Lévi-Strauss énonce une thèse paradoxale qui peut surprendre, voire choquer le lecteur. Plusieurs aspects de ce texte peuvent apparaître choquants : – Le constat final de Lévi-Strauss invite le lecteur à fuir tout rapport humain avec la population misérable de Calcutta. L’élève peut contester cette idée en refusant cette fatalité. L’impossibilité de nouer un rapport avec les mendiants de Calcutta choque dès lors qu’elle devient une règle. – L’analyse des rapports sociaux proposée par Lévi-Strauss peut choquer le lecteur : suivant la méthode structuraliste, l’auteur repère des logiques dans les relations entre les individus sans forcément laisser une part à la spontanéité de la rencontre singulière. Le lecteur peut être choqué par ce systématisme.

7. Claude Lévi-Strauss compare les mendiants à des « corbeaux noirs à camail gris qui croassent sans trêve dans les arbres de Karachi » (l. 49-50). Cette image illustre la vision péjorative que donne l’auteur des mendiants dans l’extrait : « La vie quotidienne paraît être une répudiation permanente de la notion d’humanité ». Les mendiants sont ravalés au rang d’oiseaux répétant mécaniquement un croassement.


8. Les relations humaines en Asie méridionale sont faussées étant donné que les autochtones rencontrés par l’auteur refusent un rapport d’égalité et encouragent les occidentaux à les humilier. Ce type d’échange, complexe et paradoxal, se manifeste dans des attitudes codées telles que la résignation, la prière (« attitude fondamentale

Les textes de Saint-Exupéry et de Lévi-Strauss invitent le lecteur à réfléchir sur les modalités de l’échange entre les cultures. Les extraits de Terres des hommes et de Tristes tropiques invitent le lecteur à relativiser la notion d’universalité : les auteurs ne peuvent se placer qu’à distance d’une humanité en déliquescence. Dans Race et



06/09/11 11:52

histoire, Lévi-Strauss nuance ce constat en montrant que l’échange constitue le fondement de toute culture. L’élève peut ainsi conclure sur la tension entre l’idée d’un clivage et celle d’une nécessaire « collaboration des cultures » (voir Race et histoire, chapitre 9).

Oral (entretien) En introduction, il est nécessaire de rappeler que Saint-Exupéry et Lévi-Strauss ont fait le choix de l’analyse pour aborder la misère humaine. Cette modalité n’est pas la seule : l’élève peut s’appuyer sur des réquisitoires du XIXe à nos jours. Voici une liste indicative de références (mode d’argumentation direct) : • Discours – Victor Hugo, Discours sur la misère, 9 juillet 1849. À consulter sur le site du CRDP de Lille : http://crdp.ac-lille.fr/sceren/hugo/ – Albert Camus, « La condition ouvrière », L’Express, 13 décembre 1955 (manuel de l’élève p. 339) • Récits – Eugène Sue, Les Mystères de Paris, 1842-1843 – Victor Hugo, Les Misérables, 1862 (manuel de l’élève p. 76-77) – Émile Zola, Germinal, 1885 [notamment le discours de la veuve au chapitre 7] – Driss Chraïbi, Les Boucs, 1955 – François Bon, Daewoo, 2004 • Chansons engagées – Claude Nougaro, Bidonvilles, 1966 – Renaud, Dans mon HLM, 1980 – Certains rappeurs évoquent la misère des cités urbaines à travers des chansons engagées : voir notamment : Shurik’n, Où je vis (1998) ; La Rumeur, Le silence de ma rue (2003) ; Keny Arkana, La mère des enfants perdus (2006) ; Rocé, Au pays de l’égalité (2010).

lieux sans véritablement les pénétrer du regard. Alain critique également la vanité des touristes.

2. Le voyageur idéal est celui qui cherche à « réellement voir » (l. 5), autrement dit à saisir la grandeur et la beauté d’un lieu en se perdant dans une contemplation active. L’auteur insiste ainsi sur la nécessité de ralentir afin de profiter pleinement de la richesse des détails qui s’offrent à la vue du voyageur.

HISTOIRE DES ARTS Ce tableau représente un groupe de personnages immobiles devant un paysage naturel. Leur statisme correspond au désir d’Alain de se poser pour contempler un lieu : « Quand on voit les choses en courant, elles se ressemblent beaucoup » (l. 5-6).

VERS LE BAC Question sur un corpus 1) Le voyage et la poésie ont en commun de permettre l’exploration d’une réalité neuve et déroutante – Alain : « Et si je reviens à une chose déjà vue, en vérité elle me saisit plus que si elle était nouvelle, et réellement elle est nouvelle » (l. 19-20). – T. Bekri : « la beauté du mystère » (l. 27). – O. Paz : le poète décrypte la nature (« déchiffrer le tatouage de la nuit », l. 3). 2) Le voyage et la poésie permettent à l’individu de « se désorienter » (Michaux : « il faut apprendre à se désorienter ») – Alain : « le même torrent devient autre à chaque pas ». – O. Paz : fusion du poète avec la nature : « se baigner dans le soleil et manger les fruits de la nuit », l. 5).

Dissertation

POUR ARGUMENTER : LES VOYAGES FORMENT-ILS L’HOMME ?  p. ‹‹⁄ LECTURE DU TEXTE 1. Alain critique les touristes qui ne prennent pas le temps de savourer le spectacle de la nature. « Le mal, c’est le rythme des autres » dit le poète Henri Michaux : il semble en effet que la précipitation du touriste l’amène à survoler les

Ce sujet de dissertation invite l’élève à relativiser la portée du voyage. Il serait judicieux d’insister sur le rôle du voyageur qui se doit de maintenir en éveil sa conscience, son esprit critique pour faire en sorte de tirer un enseignement de son périple. Pour ce faire, il est recommandé de réfléchir sur la notion de découverte qui doit être explicitée au brouillon. Découverte : enrichissement personnel, émotion, objet neuf en rupture avec une habitude, stimulation… 16 Les découvertes des voyageurs |


287

06/09/11 11:52

Séquence

⁄‡

La photographie humaniste Livre de l’élève  p. ‹‹∞ à ‹››

Objectifs et présentation de la séquence  p. ‹‹∞ Objectifs : – Étudier les intentions des photographes humanistes. – Comprendre les visées argumentatives de la photographie. Il est courant de représenter le XXe siècle à travers un florilège d’images violentes traduisant l’horreur des guerres ou la barbarie totalitaire. À contre courant de cette mouvance artistique (voir livre de l’élève p. 60-61), les photographes humanistes ont eu à cœur de montrer la candeur et la vigueur de l’humanité. La séquence débute par une première partie offrant une vision optimiste de l’homme : la scène canonique du baiser constitue un « instant volé » prisé par les photographes comme Doisneau, Brassaï ou Izis. Le texte de Paul Valéry permet de mettre en lien ce geste symbolique avec le contexte social de l’immédiat après-guerre. La deuxième partie consacrée au regard engagé des photographes entend creuser la fonction expressive de la photographie. En investissant les terrains ouvriers, Willy Ronis a voulu fixer des temps forts de la vie prolétarienne. L’élève peut saisir le parti pris du photographe en interrogeant les procédés techniques propres à l’art photographique : le cadrage, la profondeur de champ, les effets de contraste… Les deux dernières parties élargissent la réflexion au-delà du mouvement humaniste. La partie 3 intitulée « Plaidoyer pour l’humanité » fait entendre un discours critique sur l’image, celui de Roland Barthes qui dénonce les usages politiques de la photographie de presse. La partie 4 s’interroge sur les moyens propres à la photographie pour dénoncer la souffrance humaine. Différentes modalités sont appréhendées, de la photo choc au cliché suggestif.

⁄ Une vision optimiste de l’homme  p. ‹‹§-‹‹‡ ÉTUDE D’UNE PHOTOGRAPHIE 1. Le photographe parvient à magnifier le couple amoureux en jouant sur des effets de contraste saisissants : le visage clair et radieux de la femme ressort d’autant plus nettement que la partie inférieure de la photographie est plongée dans le noir (habits, banquette, table, tasse). La légère inclination du visage en arrière mime par ailleurs

la montée du désir comme si le photographe avait voulu donner une image éternelle de la passion amoureuse.

2. En photographiant un « couple d’amoureux dans un petit café parisien », Brassaï a tenu à saisir un instant de la réalité dans toute son intégrité. L’enjeu formel apparaît secondaire dans cette œuvre qui prétend plutôt cerner un moment fugace de l’existence. Le reflet des visages dans les miroirs donne une profondeur à l’image et fait ressortir l’expression d’un bonheur humain.



06/09/11 11:52

3. La fameuse photo du baiser de Doisneau a suscité une polémique demeurée célèbre : les amants s’embrassant à l’improviste auraient en fait posé pour le photographe. Aussi peut-on douter du naturel du couple photographié par Brassaï. L’élève peut considérer que le couple ne pose pas s’il s’en tient à des indices objectifs : l’homme tourne le dos à l’objectif et la femme ferme à demi les yeux, comme absorbée dans la passion amoureuse. D’un autre côté, les effets de symétrie dans la composition (reflets dans le miroir) paraissent trop parfaits pour être naturels.

ÉTUDE D’UNE PHOTOGRAPHIE 1. Le couple est photographié en plongée étant donné que la prise est effectuée au-dessus du couple. Izis opte plus précisément pour un cadrage savant en dévoilant au premier plan le muret où se situe l’objectif. Cet objet au premier plan souligne d’autant plus l’impression de hauteur. Le spectateur se trouve alors pris d’une sorte de vertige : est-ce celui des amants épris d’amour ? Ou plutôt celui du voyeur indiscret qui prend peur à l’idée d’être surpris ? 2. La photographie met en lumière le couple par un jeu de contraste : le tronc d’arbre est une toile de fond sombre sur laquelle se détachent les amants. On peut également noter que le photographe effectue une mise au point sur le couple qui apparaît d’autant plus nettement.

DE L’IMAGE AUX TEXTES 3. Le poème de Prévert est construit sur une antithèse entre le jour et la nuit : d’un côté, la nuit symbolise la misère et l’enfermement ; de l’autre, le jour évoque l’espoir et le désir amoureux. Dans l’extrait de Paul Valéry, un contraste est établi entre la « voix divine » et le chaos résultant des conflits armés. Les deux auteurs suggèrent ainsi l’opposition entre un environnement hostile et l’espoir qui renaît dans l’esprit de l’homme (« Notre vie c’est maintenant », Prévert ; « le cœur anxieux qui brusquement se déchaîne, se dilate », Valéry). 4. Valéry sélectionne un élément à l’intérieur d’un « chaos d’impressions » de la même manière que le photographe cadre un espace avec son objectif. L’auteur fait également

référence à la notion d’instant (« l’instant maître de nous »), faisant implicitement référence à l’art photographique qui est la saisie d’un moment fugace.

VERS LE BAC Dissertation L’élève peut adopter un plan en deux parties : le premier temps vise à répondre positivement à la question tandis que le deuxième mouvement montre les limites d’une telle perspective. Voici un plan (avec exemples détaillés) de la première partie. 1) La poésie et la photographie révèlent les beautés du monde a) La saisie d’un instantané – Les photographes humanistes ont tendance à privilégier un hic et nunc propice à l’enchantement. Exemple : scène du baiser chez Brassaï ou Doisneau (voir livre de l’élève p. 336-337). – Les poètes ont un pouvoir d’alchimiste : ils sont à même de transformer une réalité brute en or. Exemple : Prévert, « Grand bal du Printemps », p. 242 : l’émerveillement d’un passant, qui n’est autre qu’Izis, fait apparaître le printemps. b) Un nouveau monde – Les photographes ont le pouvoir de recréer le monde en donnant à voir une réalité idéale. L’élève peut s’appuyer pour ce faire sur la photo d’Édouard Boubat (p. 340) et de Steve Mc Curry (p. 342). – Les poètes métamorphosent certaines circonstances par un procédé de déréalisation. Exemple : Apollinaire, Poèmes à Lou, « Si je mourais là-bas » (XII) : l’élève peut étudier la composition du poème, de la référence au contexte de la guerre (« Si je mourais là-bas, sur le front de l’armée ») à la transfiguration du poète en « souvenir éclaté dans l’espace », pour finir sur un nouvel enchantement du monde : « Un amour inouï descendrait sur le monde ».

¤ Un regard engagé

 p. ‹‹°-‹‹·

ÉTUDE DES PHOTOGRAPHIES 1. Sur ces deux photographies, on peut constater que le personnage prenant la parole est isolé du reste du groupe. Le délégué est séparé du reste de l’assemblée et se trouve presque à la place du 17 La photographie humaniste |


289

06/09/11 11:52

photographe, ce qui le met en valeur. La jeune syndicaliste est en position de surplomb par rapport au collectif qui se tient autour d’elle. Sa position centrale et l’expressivité de son visage lui donnent un statut privilégié.

2. La figure du porte-parole syndical se distingue sur les deux photographies. Outre sa position par rapport aux autres, son statut se signale du fait de sa gestuelle (énergie déployée par la jeune femme). Dans son texte explicatif, Willy Ronis considère que le délégué a une « bonne attitude » : en effet, sa tête est relevée et ses bras miment une action à effectuer. 3. Dans ce texte, Willy Ronis détaille les circonstances mêmes qui l’ont conduit à prendre la photographie. Il s’arrête longuement sur la saisie du cliché en donnant des informations techniques sur la composition et le cadrage (« prise de vue plongeante »). Le photographe insiste sur l’importance de l’instant qui détermine la qualité de la photo : « Au moment opportun, je déclenche ».

persuader le lecteur, il établit un contraste entre la parole, confisquée par les bourgeois, et le silence auquel est cantonné le prolétariat. Camus recourt à une véritable démonstration en structurant son développement : dans chaque paragraphe, il débute par une assertion forte (« Le malheur ouvrier est le déshonneur de cette civilisation » / « Mais il faut que ce confort soit détruit ») puis réfute les solutions trouvées par les bourgeois au moyen de connecteurs d’opposition (« mais » au premier paragraphe ; « non pas pour » au second).

4. L’engagement des photographes humanistes est sensible dans la vision qu’ils donnent de l’individu au travail. On peut distinguer deux manières de représenter l’homme dans son milieu professionnel : celui-ci peut être valorisé, capté dans une attitude digne et combattive (voir « Le Délégué », « Prise de parole aux usines Citroën-Javel », « Portrait d’un paysan à casquette ») ou au contraire saisi dans un environnement écrasant (voir « Filature Rhodiaceta, Lyon »).

DES IMAGES AU TEXTE 1. Willy Ronis porte un regard critique et polémique sur la condition ouvrière. En isolant une ouvrière au sein d’une batterie de machines identiques, le photographe tend à marquer la défaite de l’homme perdu et comme absorbé dans cette série d’instruments hostiles. En augmentant la profondeur de champ, Ronis crée l’illusion d’un espace infini dans lequel se perd l’ouvrière. 2. La photographie de Ronis n’est pas une simple description d’une réalité comme pourrait le laisser entendre le titre : « Filature Rhodiaceta, Lyon ». La finalité argumentative est dans ce cas évidente comme le suggère le rapport établi entre l’individu et son milieu professionnel. Plus précisément, le photographe recourt à des moyens qui lui sont propres pour dénoncer l’injustice : Ronis choisit un cadre étriqué (plafond bas), une grande profondeur de champ pour montrer l’isolement du travailleur. De ce fait, la photo apparaît comme un moyen efficace de « rompre le silence » dont parle Camus dans son article. 3. Camus reproche à la société bourgeoise son indifférence au malheur ouvrier. Pour mieux

Prolongement Certains films représentent l’individu dans des conditions de travail difficiles. Ces œuvres peuvent faire écho aux photographies humanistes : – Charlie Chaplin, Les Temps modernes (1936) – John Ford, Les Raisins de la colère (1940) ; Qu’elle était verte ma vallée (1941) – Terence Malick, Les Moissons du ciel (1978) – Claude Berri, Germinal (1993) – Ken Loach, My name is Joe (1998) – Jean-Pierre et Luc Dardenne, Rosetta (1999)

‹ Plaidoyer pour l’humanité  p. ‹›‚-‹›⁄

ÉTUDE D’UNE PHOTOGRAPHIE 1. Une impression de sérénité se dégage de cette photographie : l’homme et la femme sont réunis autour de l’enfant qui se trouve ainsi protégé. Le geste simple et pur accompli par l’homme est accompagné du regard par la femme et l’enfant. La lumière vient se déposer sur une partie du visage rayonnant de l’homme, ce qui procure une sensation harmonieuse.



06/09/11 11:52

2. Le photographe a tenté de saisir un instantané comme le suggère la captation du mouvement du bras de l’homme (flouté en raison du mouvement) : cette famille est donc saisie au cœur d’une action. Toutefois, la position de chacun sur l’image manque de naturel : ainsi, la femme paraît poser en maintenant ses bras le long du corps dans une attitude de pose. 3. La photographie paraît réaliste à première vue : la famille hindoue accomplit une activité ordinaire et revêt des habits traditionnels. D’un autre côté, le cadre dans lequel posent ces individus apparaît stylisé : le photographe semble avoir privilégié un intérieur clair et paisible, loin de l’habitat pauvre et rudimentaire d’une grande partie de familles hindoues.

LECTURE DU TEXTE 1. Ces photos de reportage culturel donnent à voir des membres de groupes ethniques africains en tenue folklorique. Cette représentation de la culture africaine paraît quelque peu réductrice dans la mesure où elle véhicule l’image d’un Africain dont les attributs séculaires suscitent une fascination mêlée de peur (étudier l’expression des visages des chefs Moshi). Roland Barthes traduit cette impression en évoquant le « baroque vaguement menaçant » qui ressort d’une photo d’un reportage culturel pour Paris Match. 2. La « mythologie » est un concept forgé par Barthes à partir d’un examen de différents phénomènes culturels et sociaux parmi lesquels figurent James Bond, la DS (la voiture des années 1970) ou les jouets en plastique. En donnant le titre de « mythologie » à ces « objets d’étude », le sémiologue cherche à montrer comment un produit culturel devient un lieu commun, une évidence qui se donne pour une vérité. 3. On peut relever plusieurs termes éclairant la notion de mythologie : « réduction », « objet », « réduit à une fonction », « imagerie générale », « représentations collectives », « erreur ». Dans cet extrait, Roland Barthes oppose deux postures : celle du reporter construisant une image fausse et figée du Nègre et celle de l’ethnologue interrogeant scientifiquement (avec des « précautions rigoureuses ») le « fait nègre ».

ÉDUCATION AUX MÉDIAS 4. L’élève est en mesure de trouver des informations en cliquant sur l’onglet « Des photographes illustrateurs ». Pour montrer l’évolution de la presse illustrée au cours du XXe siècle, il est essentiel de distinguer les différentes formes que prend ce journalisme : du « réalisme poétique » au reportage objectif. 5. La critique de Barthes s’inscrit dans un contexte particulier qu’il est utile de rappeler : « l’ensemble des textes [des Mythologies] coïncident avec la période troublée de la quatrième République finissante, c’est-à-dire avec une France en crise, profondément bouleversée par le passage d’un monde à l’autre, d’un statut de grande puissance mondiale à celui de puissance moyenne » (Claude Coste, Barthes, Points, 2010). Le parallèle avec la période actuelle est saisissant, même si le réquisitoire à l’encontre du pouvoir « bourgeois » (« le pouvoir », « les valeurs d’ordre ») dressé par Barthes semble quelque peu daté.

Prolongement La réflexion sur la société de consommation a nourri de nombreuses œuvres depuis la fin des années cinquante : – Hannah Arendt, Condition de l’homme moderne (1961) – Roland Barthes, Système de la mode (1967) – Jean Baudrillard, La Société de consommation (1970). Voir notamment « To be or not to be my self », partie consacrée aux dilemmes de « Madame l’Oréal », p. 123 (coll. Folio) – Gilles Lipovetsky, Le bonheur paradoxal. Essai sur la société de consommation (2006) – Jérôme Garcin (dir.), Nouvelles mythologies (2007) Les élèves peuvent se référer à deux textes du manuel qui font écho à cette problématique : – Georges Perec, Les Choses (1965) (manuel de l’élève p. 34) – Michel Houellebecq, Extension du domaine de la lutte (1994) (manuel de l’élève p. 35)

17 La photographie humaniste |


291

06/09/11 11:52

› Dénoncer la souffrance humaine  p. ‹›¤-‹›‹ ÉTUDE D’UNE PHOTOGRAPHIE 1. Le spectateur éprouve un certain malaise en se confrontant au regard de la jeune Afghane. Le procédé du « regard-caméra » permet d’intensifier l’effet émotionnel et d’interpeler le public : le spectateur se trouve pris à parti par la jeune fille, dans la position du coupable qui doit se justifier. Ce trouble n’est pas le seul sentiment que l’on peut éprouver devant cette photographie : le regard vif et clair de la jeune fille, les traits délicats de son visage en font également – et surtout ? – un être d’une beauté fascinante. 2. Il est difficile de saisir d’emblée la portée argumentative de cette photographie. Seuls quelques indices permettent de comprendre que cette jeune femme vit dans des conditions difficiles : le tissu déchiré et taché à quelques endroits est à cet égard le seul élément sensible. Steve Mc Curry s’est donc refusé à représenter la brutalité de la guerre : son intention est plutôt de suggérer les conséquences de telles circonstances funestes. Le regard intense de la jeune Afghane offre surtout une pluralité d’interprétations au spectateur qui n’est pas condamné à éprouver un seul sentiment. 3. Pour répondre à cette question, il est nécessaire de saisir la singularité de cette photographie. Dans le cas précis, le fait que la jeune femme regarde avec détermination l’objectif constitue sans doute un facteur du succès de ce cliché. L’expression saisissante, la beauté fascinante de cette Afghane crée également un effet de surprise dans la mesure où les photos de guerre habituelles donnent souvent à voir des corps morcelés et des visages détruits.

DE L’IMAGE AU TEXTE 1. Le photographe effectue une prise de vue en légère contre-plongée étant donné que l’appareil photo se trouve plus bas que les réfugiés. De plus, des fils barbelés placés au premier plan obstruent la vision : le photographe insiste ainsi sur l’emprisonnement de ces individus qui apparaissent démunis et vulnérables.

2. Le contraste entre un premier plan occupé par les deux rangs de barbelés et un second plan où sont assemblés les réfugiés donne à penser que le photographe dénonce cette situation. Par ailleurs, l’attitude de ces individus est loin d’être revendicative : la gravité se lit sur leurs visages ce qui inspire plutôt la pitié du spectateur. 3. Wali Mohammadi met l’accent sur la misère et l’insalubrité du camp. L’énumération au troisième paragraphe est à ce titre évocatrice : « Les détritus, les chaussures, les vêtements abandonnés ». D’autres détails symboliques sont mentionnés dans la suite du texte : « énormes pneus abandonnés, pelles de grues laissées à la rouille ». Le camp s’apparente à un lieu dévasté et comme à l’abandon. 4. L’auteur décrit les abris de fortune en identifiant des détails symboliques : les « pneus abandonnés » et « les pelles de grues laissées à la rouille ». Cette description fragmentaire se double d’images fortes (hyperbole : « monstrueuses mâchoires métalliques ») et de déclarations ironiques (« tout est bon pour dormir au sec »). Le registre comique domine ainsi dans ce court paragraphe. 5. Pour répondre à cette question, l’élève peut montrer l’efficacité et les limites de certaines images publicitaires qui tendent à s’inscrire dans une démarche aux limites de la manipulation. La visée polémique d’une image permet d’atteindre directement la sensibilité d’un public. Cette efficacité liée au pouvoir de l’image concurrence nécessairement l’argumentation écrite qui nécessite une réflexion plus lente (réaction différée).

VERS LE BAC Dissertation Explicitation de la thèse de Roland Barthes : Il s’agit d’une réflexion sur le rapport entre le spectateur et l’image (« en face d’elle nous sommes… »). Barthes s’intéresse plus spécifiquement à un type d’image : la photo-choc. Celle-ci prive le spectateur de toute liberté d’interprétation (« dépossédés de notre jugement ») dans la mesure où le sens apparaît en toute transparence. Cette critique s’inscrit dans une réflexion plus large de Barthes sur la relation esthétique : le sémiologue distingue deux notions, le sens et la signification. Tandis que le premier s’impose



06/09/11 11:52

comme une vérité intangible (sens = vérité), le second est l’interprétation que construit le lecteur (signification = ambiguïté du sens). Voir Roland Barthes, Essais critiques, « Littérature et signification », Seuil (1964).

Invention L’élève doit réfléchir aux différentes étapes de son récit en mettant en valeur des sentiments variés en fonction de la situation du narrateur. 1) Les préparatifs Un premier paragraphe peut être consacré au récit de la préparation du voyage : les précautions, les confidences faites aux proches concernant un prochain départ, la détermination du narrateur, sa tristesse à l’idée de quitter sa famille… 2) La fuite Un second paragraphe relaterait la fuite en ellemême : l’élève peut alors décrire l’atmosphère pesante qui règne au moment où le narrateur passe la frontière afghane : le sentiment dominant est l’angoisse (la peur d’être vu par les autorités, les milices postées à la frontière).

3) Le soulagement et la nostalgie Un dernier paragraphe peut être écrit au présent d’énonciation : « Aujourd’hui encore, quand je repense à ces moments critiques… ». L’enjeu étant de faire un bilan de cette fuite : le narrateur est-il soulagé de ne plus vivre à Kaboul ? Ressent-il au contraire la nostalgie de son pays, de sa famille ?

∞ Atelier d’écriture

 p. ‹››

Cet atelier d’écriture propose à l’élève l’écriture d’un texte autobiographique. Ce travail peut être un prétexte à l’étude de ce genre qui n’est plus un objet d’étude à part entière au lycée. L’élève aura la possibilité de réfléchir sur un sujet personnel qui l’engage directement. Le choix des photos doit permettre une progression, qu’elle soit thématique ou strictement chronologique. Enfin, il semble important de varier les sujets. Ainsi, il est peu judicieux de ne proposer que des portraits. Un objet ou un lieu peuvent être parfois plus évocateurs et favoriser l’écriture d’un texte plus original.

17 La photographie humaniste |


293

06/09/11 11:52

Vers le bac : « La condition féminine »

Livre de l’élève  p. ‹›∞ à ‹›°

QUESTIONS SUR UN CORPUS 1. Louis-Sébastien Mercier, George Sand et Simone de Beauvoir tendent à remettre en cause une vision stéréotypée de la femme. S’ils s’accordent à dénoncer une représentation dévalorisante de la condition féminine, ces trois auteurs demeurent plus circonspects sur l’identité même de la femme. 1) Un être méprisé et déconsidéré Les auteurs insistent sur les restrictions subies par les femmes. La dévalorisation de la femme s’exprime par une série de limites qui l’amènent à éprouver un complexe d’infériorité. Plusieurs exemples peuvent être introduits pour justifier cette idée : – L.-S. Mercier : insistance sur l’interdiction de lire (« Pourquoi leur interdirait-on la littérature ? » l. 2). – George Sand : analyse du complexe d’infériorité intellectuel (« infériorité morale attribuée à la femme » l. 3-4). – Simone de Beauvoir : la femme est considérée comme un être « divisé » et « mutilé ». 2) Un être façonné par l’homme L’inégalité entre homme et femme trouve son explication dans la relation établie entre l’homme et la femme. Les trois extraits mettent l’accent sur la dépendance de la femme vis-àvis de l’homme. Au lieu d’être un sujet libre et autonome, la femme apparaît trop souvent sous les traits d’un objet façonné par l’homme. – L.-S. Mercier : la femme est dépendante du rôle que lui assigne l’homme. Elle n’existe qu’à travers le regard de l’homme, qui s’attache à limiter l’expansion intellectuelle et morale de la femme : « [l’homme] craint [l]es succès [de la femme] » ; « il ne lui permet une célébrité particulière que quand c’est lui qui l’annonce et qui la confirme » (l. 21-24). – George Sand : l’auteur remet en question l’idée d’une nature de la femme. « L’infériorité morale » de la femme est due à la mauvaise éducation dispensée par les hommes. Elle n’est

pas innée mais acquise, construite comme une seconde nature. – Simone de Beauvoir : difficulté de la femme à accéder au rang de sujet complet à la différence des hommes. « La femme n’est un individu complet, et l’égale du mâle, que si elle est aussi un être humain sexué » (l. 10-12). 3) Une identité difficile à définir ? Les trois auteurs envisagent une possibilité d’émancipation de la femme. Toutefois, la remise en question des stéréotypes n’aboutit pas toujours à une nouvelle condition de la femme. – L.-S. Mercier : éloge de la perfection féminine. Image valorisante de la femme en opposition au caractère vil de l’homme. – George Sand : ambiguïté de la condition féminine : hésitation entre deux postures contradictoires, d’un côté la vision traditionnelle (« la femme plus artiste et plus poète » que l’homme), de l’autre le désir d’égalité. – Simone de Beauvoir : dualité de la femme (il est demandé à la femme de se faire « objet et proie »).

2. Une réponse en deux paragraphes peut être envisagée. Les textes de Mercier et de Beauvoir se rattachent au genre de l’essai. Le lecteur assiste en effet au cheminement de la pensée de l’auteur qui s’interroge sur la condition des femmes (Mercier : questions rhétoriques au premier paragraphe) et tend à porter un discours de vérité sur ce sujet (présent de vérité générale omniprésent dans les deux textes). Les deux auteurs proposent par ailleurs une démonstration rigoureuse en signalant les étapes de leur réflexion par des connecteurs argumentatifs. Le texte de George Sand appartient au genre autobiographique. L’auteur relate un souvenir personnel en tâchant de lui donner une dimension universelle. La dimension introspective de ce passage peut être signalée : « m’interrogeant moi-même » (l. 11) ; « j’avais dans l’âme » (l. 22-23).



06/09/11 11:52

TRAVAUX D’ÉCRITURE Commentaire 1) Une dénonciation du comportement masculin a) Un discours polémique Accusation directe de l’homme à travers des modalisateurs dépréciatifs (« jalousie honteuse », l. 3 ; « ses vices », « ses défauts », l. 11). L’étude du mode d’argumentation peut également révéler la dimension polémique de ce discours : exposition et critique des arguments adverses par le biais des questions rhétoriques dans le premier paragraphe. b) Portrait de l’homme en manipulateur vaniteux Registre satirique : l’auteur propose un portrait à charge de l’homme en mettant en avant le pouvoir de manipulation et la vanité de la gente masculine. Analyse du lexique de la domination : « repousser », « subjuguer » + verbes de volonté (« il veut que », « voudra bien que », exige »). On peut aller plus loin et mettre en évidence l’obséquiosité malsaine de l’homme (« il chérit la modestie de la femme », l. 8 « tous les compliments dont l’homme accable une femme », l. 20). c) Blâme de l’homme / éloge de la femme En rappelant la visée argumentative du texte, il est possible de montrer que le blâme de l’homme va de pair avec un éloge de la femme. Étude des antithèses qui structurent le passage : « esprit naturel », « facilité de voir », « pénétration » de la femme / « vices », « défauts » de l’homme. 2) Une remise en cause du rapport entre homme et femme a) La femme : une menace pour l’homme Image de la femme dramatisée : analyser en ce sens la dynamique de l’écriture dans le second paragraphe (style coupé). Vocabulaire de la menace à relever : « craint » (deux occurrences), « menace ». b) La femme : un objet façonné par l’homme Voir question sur un corpus 1. c) Les femmes en liberté conditionnelle La dépendance de la femme vis-à-vis de l’homme lui donne un statut ambigu : elle ne peut jouir que d’une liberté relative, soumise aux conditions des hommes soucieux de leur suprématie. Analyser en ce sens les négations restrictives et les subordonnées de condition qui marquent ce véritable conditionnement de la femme.

3) Le discours d’un moraliste Pour une définition de « moraliste », voir l’entrée du Dictionnaire du littéraire (PUF, 2002). Dans cette troisième partie, l’enjeu est de rattacher Mercier à la tradition des moralistes classiques – au premier rang desquels se trouve La Bruyère. a) Le ton de la conversation : la dynamique de l’essai Singularité de cet extrait : souplesse de l’écriture, apparente discontinuité du propos. Analyser pour illustrer cette idée de la figure de l’épanorthose présente dans le texte (« disons mieux », l. 8 ; « il craint ses succès ; il craint que sa fierté n’en augmente », l. 20-21). b) Le décryptage du comportement masculin Au-delà de la satire des attitudes masculines, l’auteur cherche à révéler le contraste entre un comportement apparent et la vérité (flatterie → vice). Ce procédé de décryptage renvoie à la tâche du moraliste qui cherche à saisir la vérité sous le masque de l’hypocrisie. c) Un récit exemplaire ou le genre du « tableau » Dans une troisième sous-partie, il est judicieux de rapprocher cet extrait du genre auquel il appartient. Le « tableau » que dresse Mercier est avant tout un récit exemplaire visant à montrer l’opposition entre le vice et la vertu.

Dissertation Pré-requis : pour approfondir la notion d’essai, on peut se reporter au « parcours de lecteur » consacré à un des essais de Montaigne, « Sur le démenti », p. 383. 1) Depuis Montaigne, l’essai s’est défini comme un discours critique sur les mœurs… a) Une argumentation directe visant à décrypter les faux-semblants de la société L’essai est à même de révéler l’écart entre les apparences et la vérité : la vie en société est réduite à un jeu de dupes hypocrites. L’élève pourra s’appuyer sur un corpus classique en mettant en valeur la diversité des formes de l’essai (fragments, maximes, discours). Exemple : La Bruyère, Les Caractères, « De la société et de la conversation ». b) La promotion d’un idéal de société En critiquant les défauts de la société, l’auteur d’un essai met en évidence un idéal de comportement qu’il tend à louer. Tout réquisitoire porte en creux un plaidoyer. Vers le bac |


295

06/09/11 11:52

Exemple : Montaigne, Essais, III, 3 (« Sur trois sortes de relations sociales »). L’auteur défend le modèle de « l’honnête homme » en défendant sa propre manière d’être en société : « Les hommes dont je recherche la société et la familiarité sont ceux que l’on appelle ’’honnêtes hommes’’ et ’’habiles hommes’’. » c) Un genre prisé par les moralistes La prédisposition de l’essai à révéler les défauts d’une société le rattache donc à une littérature morale et plus précisément à la figure du moraliste. L’essai se définirait donc comme un discours dénonçant les vices et faisant l’éloge des vertus (visée d’édification). Exemple : Louis-Sébastien Mercier, Tableau de Paris (texte 1 du corpus). 2) Mais l’essai ne revendique pas le statut d’un discours de vérité… a) L’essai ne prétend pas à l’exhaustivité du traité L’essai ne se donne pas une finalité précise. S’il peut révéler les défauts d’une société par endroits, il s’interroge également sur d’autres thématiques. L’élève insistera donc sur la variété de l’essai en s’appuyant sur la définition qu’en donne Montaigne. Exemple : Montaigne, Essais, III, 9 (« De la vanité »). Revendication d’une discontinuité du propos, d’une dynamique de la « folie » qui autorise les « sauts et les gambades » (voir édition Lanly, p. 1 203 ; voir aussi sur ce point le « parcours de lecteur » consacré aux Essais, p. 390). b) Un genre caractérisé par un ton personnel Le genre de l’essai est donc tout entier subjectif : plutôt que de dénoncer des faits de société, l’auteur tente de réfléchir sur son propre rapport aux autres. L’engagement personnel prend parfois le pas sur le discours social. Exemple : Albert Camus, Le Mythe de Sisyphe (extrait dans le manuel de l’élève, p. 513) c) L’essai défini comme une « conversation querelleuse » (Montaigne, Essais, III, 8) La dimension subjective de l’essai autorise l’auteur à évoquer ses doutes et ses interrogations. En ce sens, l’élève pourra montrer que l’essai ne livre pas tant une révélation des défauts d’une société qu’une interrogation sur le rapport de soi à l’altérité. Montaigne considère ainsi que son œuvre doit être le théâtre des querelles intérieures. Exemple : Claude Lévi-Strauss, Tristes tropiques (livre de l’élève p. 328-329).

3) Si bien que l’essai est nécessairement concurrencé par d’autres genres porteurs d’un discours social a) Le genre didactique : une argumentation par l’exemple Certains genres apparaissent plus adaptés à la critique de la société (argumentation directe ou indirecte). Les genres du conte et de la fable, qui relèvent de l’apologue, (corpus XVIIe siècle) pourront être convoqués. Exemple : une fable de La Fontaine comportant une morale explicite, comme « La Jeune Veuve » (manuel de l’élève, p. 434). b) Les vertus de la fiction Le détour par la fiction peut s’avérer un moyen efficace de persuader le lecteur des vices de la société. La mission de l’écrivain consiste alors à faire entendre un discours par le biais des aventures d’un personnage. Exemple 1 : Victor Hugo, Les Misérables (livre de l’élève, p. 76-77). Exemple 2 : George Sand, Indiana (manuel de seconde, p. 36). C’est la transposition romanesque du texte donné dans le corpus. L’élève est à même de comparer leur efficacité respective. c) Le discours du lecteur En définitive, un genre littéraire en tant que tel ne semble pas porteur d’un discours. Le lecteur est le seul garant d’une conclusion. Les défauts d’une société se révèlent à travers son activité de lecteur et sa capacité à décrypter, à interpréter le texte pour se forger une critique personnelle.

Écriture d’invention Il s’agit d’un écrit d’invention de type argumentatif. L’enjeu est d’écrire un discours à même de convaincre et de persuader le public. L’élève pourra alterner des passages mettant en valeur l’indignation du narrateur (lexique de la déploration, anaphores, figures d’insistance, registre pathétique) et des passages visant à convaincre (démonstration rationnelle sur l’égalité homme / femme, argument d’autorité). Ce discours doit être étayé par une série d’exemples montrant les différents degrés de maltraitances faites aux femmes : esclavagisme, inégalité des droits, misogynie banalisée dans les sociétés occidentales, discrimination au travail…



06/09/11 11:52

Vers le bac : « Seul ou au milieu des autres ? »

Livre de l’élève  p. ‹›· à ‹∞¤

QUESTION SUR UN CORPUS En introduction, il est judicieux de distinguer les extraits louant la solitude (Pascal, Baudelaire) de l’extrait démontrant la nécessité de la vie en société (Encyclopédie). La consigne doit amener l’élève à réfléchir sur le traitement littéraire auquel recourent les auteurs (« Comment démontrent-ils… »). 1) Une démonstration philosophique Pascal et d’Alembert démontrent les inconvénients de la vie en société à travers un discours explicatif. Ces deux extraits peuvent être rattachés à la philosophie dans la mesure où les auteurs définissent l’Homme par le biais d’un raisonnement précis. Dans ces deux passages, le lecteur assiste à une démonstration rigoureuse : une thèse, énoncée au présent de vérité générale (Pascal : « tout le malheur des hommes vient d’une seule chose qui est de ne savoir pas demeurer en repos dans une chambre » ; L’Encyclopédie : « Les hommes sont faits pour vivre en société ») est étayée par des exemples précis (divertissements du roi chez Pascal ; cas de l’enfant dans l’extrait de L’Encyclopédie). L’auteur de l’article « Société » recourt également à l’argument d’autorité (citation de Sénèque) pour mieux justifier l’idée que l’homme doit vivre en société. 2) Un réquisitoire poétique Le texte de Baudelaire se distingue des deux autres extraits : le poète ne vise pas à convaincre son lecteur par une démonstration logique mais plutôt à le persuader. La « philanthropie » du gazetier est raillée au moyen d’une écriture de la vitupération : « mon maudit gazetier » (l. 20) ; « le subtil envieux » (l. 22-23) ; « le hideux trouble-fête » (l. 24). La profusion d’images dévalorisantes vise à dénoncer les apories de la société de son temps.

TRAVAUX D’ÉCRITURE Commentaire Introduction rédigée : « Qui ne sait pas peupler sa solitude ne sait pas non plus être seul dans

une foule affairée » écrit Baudelaire dans « Les Foules » (Petits poèmes en prose, XII). La solitude serait donc, selon le poète, un territoire d’exception, un refuge pour abriter une foule et s’abriter de la foule. Dans « La solitude », Baudelaire reprend cette thématique en faisant plus précisément l’éloge du recueillement : les propos malveillants d’un « gazetier philanthrope » l’engagent à vitupérer contre l’idéal « fraternitaire ». Aussi comment Baudelaire construit-il un réquisitoire persuasif ? Après avoir analysé le traitement que réserve le poète aux arguments de son adversaire, nous montrerons la vigueur dont il fait preuve pour défendre son point de vue. 1) Un réquisitoire efficace à l’encontre de la philanthropie a) Un portrait à charge Dans ce poème, Baudelaire raille la posture du gazetier en affublant celui-ci d’adjectifs péjoratifs : « incrédule[s] », « maudit », « hideux [trouble-fête] ». Il recourt également à l’ironie pour mieux ridiculiser son personnage : les antiphrases « subtil envieux » et « avec un ton de nez très apostolique » peuvent être convoquées à l’appui de cet argument. Mais le poète ne se contente pas de brosser un portrait à charge de ce journaliste : son poème vise plus largement une communauté. L’élève pourra analyser en ce sens le passage d’une accusation individuelle à un réquisitoire plus général : « un bavard » (l. 8) ; « nos races jacassières » (l. 13). b) Un discours mordant sur les dérives « fraternitaires » Baudelaire loue la solitude en faisant preuve de sarcasme. On peut ainsi étudier les images créées par le poète (la harangue du condamné à mort au quatrième paragraphe notamment). Il convoque avec désinvolture (« dit quelque part », l. 25 ; « je crois », l. 29) des moralistes classiques pour donner plus de crédit à son propos. Ces arguments d’autorité invitent le lecteur à partager son point de vue. Vers le bac |


297

06/09/11 11:52

2) Le travail du poète a) La voix du poète Le poète fait entendre sa voix tout au long du poème. On peut ainsi analyser la situation d’énonciation : récurrence des pronoms personnels de première personne et modalisateurs (« je sais que », l. 4 ; « il est certain que », l. 8) en témoignent. Interpellation du lecteur : « voyezvous » (l. 22), dans le but de le faire réagir. b) La mise à distance du réel Le poète métamorphose le réel par le pouvoir évocateur du langage poétique. L’élève peut analyser en ce sens le second paragraphe : les lieux isolés de la ville deviennent « les lieux arides », le mal se trouve personnifié en « Esprit de meurtre et de lubricité » (cf. Les Fleurs du mal). En dernier lieu, Baudelaire valorise la « cellule du recueillement », équivalent d’un espace mental (lieu poétique) qui s’oppose au monde social.

Dissertation Ce sujet invite l’élève à procéder à un mode de raisonnement analytique (voir fiche 54 du livre de l’élève, p. 588). En effet, l’enjeu est de dresser une typologie tripartite en partant de l’idée la plus évidente pour aller vers une thèse plus complexe. 1) Les œuvres littéraires enrichissent la connaissance de l’Homme a) Une humanité plurielle Certaines œuvres traitant de civilisations éloignées (dans l’espace ou dans le temps) amènent le lecteur à constater la diversité des coutumes humaines. La littérature enrichit ainsi la culture humaine en enseignant des vertus de tolérance et de sagesse. Exemple : Montaigne, Essais, « Au sujet d’un enfant monstrueux » (livre de l’élève, p. 275). b) Une remise en cause de l’ethnocentrisme La dimension anthropologique de certains écrits peut être abordée dans cette sous-partie. La découverte de l’hétérogénéité des cultures conduit inévitablement à une remise en question de l’ethnocentrisme. Exemple : Un texte du corpus 1 de la séquence 16 (livre de l’élève, p. 312-321). c) L’interrogation sur les mystères de la nature humaine Les écrivains ne s’interrogent pas seulement sur les valeurs morales défendues par les

civilisations. Certaines œuvres littéraires sondent l’énigme posée par l’homme : le lecteur en sait ainsi davantage sur l’intériorité d’un individu, les motifs qui l’ont conduit à agir d’une certaine façon. Exemple : Emmanuel Carrère, L’Adversaire. L’auteur tente de saisir les raisons qui ont poussé Jean-Claude Romand à tuer sa femme et ses parents après avoir passé sa vie à mentir sur son identité. « J’ai essayé de raconter précisément, jour après jour, cette vie de solitude, d’imposture et d’absence. D’imaginer ce qui tournait dans sa tête au long des heures vides… », résume l’auteur. 2) La littérature révèle les grandeurs et les misères de la condition humaine a) La littérature morale : une instruction plaisante Les écrivains classiques cherchent à instruire le lecteur sur les vices et les vertus de l’humanité. La visée didactique de cette littérature va de pair avec un désir de trouver une forme plaisante à cette leçon de morale. Exemple : Molière et l’adage « corriger les mœurs par le rire ». b) La formation de l’esprit L’étude de la littérature (humanités) doit ainsi permettre de former l’esprit du lecteur. L’idéal de l’honnête homme au XVIIe siècle, repris par la suite par la tradition des moralistes (jusqu’au XXe siècle) peut être étudié dans cette sous-partie. Exemple : Maximes de La Rochefoucauld ; Aphorismes de Leopardi. c) La grandeur du héros La littérature regorge de personnages dont l’attitude exemplaire (magnanimité, courage) atteste des capacités de l’homme. Le lecteur repousse ses propres limites en admirant les prouesses d’un héros. L’élève peut faire référence au processus d’identification à l’œuvre dans la fiction. Exemple : Flaubert, Bouvard et Pécuchet, chapitre 5. Moment où Bouvard commence la lecture de Georges Sand : « Il s’enthousiasma pour les belles adultères et les nobles amants, aurait voulu être Jacques, Simon, Bénédict, Lélio, et habiter Venise ! Il poussait des soupirs, ne savait ce qu’il avait, se trouvait lui-même changé. »



06/09/11 11:52

3) La littérature ouvre au lecteur l’accès à un monde des possibles a) L’utopie : un miroir inversé de notre société Le genre de l’utopie se développe pour mettre en valeur une communauté idéale contrastant avec la société contemporaine. L’utopie valorise un modèle d’humanité qui pourrait être une alternative à la réalité. L’élève insistera sur la portée subversive de l’utopie. Exemple : une description d’un lieu utopique (Fénelon, Les Aventures de Télémaque, VII, éloge de la Bétique ; Voltaire, Candide, XVII, arrivée dans l’Eldorado). b) Les vertus du récit d’anticipation Les écrivains ont le pouvoir d’imaginer les sociétés du futur et, ainsi, de prévenir le lecteur des dangers à venir. Comportements grégaires, déclin des valeurs, espèce humaine en danger : autant de dangers envisagés par l’auteur de récits d’anticipation. Le pire des mondes possibles révèle à l’Homme les écueils de son évolution. Exemple : Aldous Huxley, Le Meilleur des mondes ; René Barjavel, Ravage (voir Pistes de lecture, livre de l’élève, p. 353). c) Le pouvoir de l’imagination Plus largement, l’élève peut constater le pouvoir de l’imagination sensible dans la fiction. L’imaginaire, en tant qu’il contredit la dictature des faits, s’avère un territoire idéal pour exprimer les attentes et les espoirs de l’homme. Exemple : Charles Dickens, Temps difficiles. Le roman débute par un plaidoyer ironique en faveur des « Faits » contre l’imagination.

Écriture d’invention Pistes Ce sujet d’invention invite l’élève à défendre la solitude et l’enfermement, plaidoyer paradoxal dans une société fondée sur l’échange de toute espèce (communication, économie). Comme le suggère la consigne, le monologue de ce personnage doit comporter une partie plaidoyer et une autre partie réquisitoire. Le tableau ci-après peut aider l’élève à développer son discours :

Réquisitoire à l’encontre de la société – Les rapports entre les individus sont superficiels. – Le fondement de la société n’est pas l’amitié comme ont pu le défendre certains philosophes (Aristote, Éthique à Nicomaque) mais l’intérêt. – La vie en société est incompatible avec l’épanouissement de l’intimité (thème romantique). – La société pousse l’individu à se perdre dans une vie de loisirs et de divertissements (actualisation de la thèse de Pascal).

Plaidoyer en faveur de la solitude – La solitude favorise l’introspection, l’étude de soi qui demeure la seule occupation essentielle de l’homme. – Dans un monde conformiste, il faut se démarquer de la communauté en adoptant une attitude atypique et radicale. – La solitude est une expérience limite, à même de transformer le caractère de celui qui la vit. – L’homme seul peut « peupler sa solitude » en lisant, en imaginant, en écrivant.

Quelques œuvres et extraits d’œuvres peuvent être étudiés en prolongement (ou pour la préparation) de ce sujet d’invention : – Montaigne, Essais, Livre I, chapitre 34 (« De la solitude ») [1595] – Théophile de Viau, « La solitude » (Ode) [1620] – Chateaubriand, Génie du Christianisme, Quatrième partie, Livre III, chapitre 3 : « Origine de la vie monastique » [1802] : l’auteur loue la retraite et montre l’impossibilité de vivre pleinement sa vie spirituelle au sein de la société – Lamartine, Méditations poétiques, « La retraite » [1820] – Jean-Philippe Toussaint, La salle de bain, [2005] : un individu décide de s’installer dans sa baignoire et d’y vivre durablement. Lire les premières pages de ce roman : www.leseditionsdeminuit.fr/images/3/extrait_1875.pdf

Vers le bac |


299

06/09/11 11:52


06/09/11 11:52

Chapitre

5

Vers un espace culturel européen : Renaissance et humanisme

Livre de l’élève  p. ‹∞› à ‹·‡

Présentation du chapitre  p. ‹∞› Objectifs Le chapitre 5 traite un des deux objets spécifiques pour l’enseignement de la littérature en première L, « Vers un espace culturel européen : Renaissance et humanisme ». Les textes officiels insistent sur trois points : L’élève doit découvrir un mouvement culturel d’ampleur européenne, l’humanisme renaissant, dans son histoire, ses valeurs et les transformations qu’il entraîne dans les savoirs et la pensée. L’étude de l’idéal humaniste amène à analyser ses sources antiques, comme racine commune de la culture européenne et source d’une première conscience d’une communauté en Europe malgré la diversité des États et des langues. La démarche d’étude, qu’elle parte d’une œuvre intégrale de la littérature française ou d’un groupement de textes de la culture européenne, fait entrer ainsi l’élève dans une perspective de littérature comparée et le fait réfléchir à la question de la traduction.

Organisation Le chapitre est organisé en trois séquences qui présentent les valeurs de l’humanisme et leurs répercussions sur les domaines de la pensée et de l’art. Il s’agit de montrer comment ce

mouvement a provoqué une rupture fondamentale avec les périodes précédentes, un nouvel âge surnommé pour cela « Renaissance », en bouleversant les visions du monde et de l’homme, placé désormais au cœur des représentations. La séquence 18 intitulée « L’idéal humaniste à travers l’Europe » témoigne des aspirations de l’humanisme à s’imposer malgré les tensions et les divisions. L’éducation apparaît dès lors comme le thème privilégié pour exposer et transmettre des valeurs nouvelles (Corpus 1 : L’éducation d’un homme nouveau), au moment où la littérature s’ouvre aux combats humanistes (Corpus 2 : Espoirs et combats humanistes). La séquence 19 analyse les rapports entre littérature et arts pendant la Renaissance. Sous l’influence des représentations humanistes et de leurs sources antiques, les arts proposent une nouvelle image de l’homme qui célèbre sa beauté physique et sa sensibilité. Grâce à l’invention de la perspective, l’artiste peut désormais saisir le monde tel qu’il le voit. La séquence 20 présente le parcours de lecture d’une œuvre fondamentale de l’humanisme, Les Essais de Montaigne. « Sur le démenti » pose le problème de la légitimité et de la sincérité de l’écriture quand on parle de soi. Il interroge aussi sur l’origine du genre autobiographique pour une œuvre qui s’affirme à la fois comme autoportrait du moi et un miroir de l’autre. Le corpus « Vers le bac » élargit la perspective en abordant la figure du souverain, image du pouvoir idéal défendu par les humanistes. | 301


06/09/11 11:52

Les pistes de lecture balaient l’espace culturel européen à travers ses œuvres majeures dans la littérature et le dessin ou certaines représentations littéraires ou filmiques qui s’en sont inspirées par la suite.

Pistes d’étude de l’image • Contexte historique : La Sibylle d’Érythrée est un détail de la fresque de la voûte de la chapelle Sixtine. Abîmée par les travaux de construction de la basilique St-Pierre, la voûte, peinte par Michel-Ange entre 1508 et 1512, présente les figures des douze apôtres et des épisodes de la Genèse. Des scènes bibliques et des figures symboliques (prophètes ou ancêtres du Christ) viennent enrichir la fresque. Les Sibylles sont représentées à la base de la structure architectonique et associées chacune à un prophète. • Artiste : Michelangelo Buonarroti, dit MichelAnge (1475-1564), est un artiste représentatif de la Renaissance : peintre, sculpteur, dessinateur, architecte ou ingénieur, il incarne la figure encyclopédique de l’artiste humaniste. Protégé par les plus grands mécènes de l’époque, il bouleverse les principes traditionnels de l’art par ses représentations anatomiques du corps humain dont il glorifie la beauté terrestre. • Œuvre : La Sibylle est représentée ici au moment où elle s’apprête à prophétiser. Elle étudie son livre dont elle pointe un passage du doigt, pendant qu’un génie souffle sur la flamme d’une torche pour allumer une lampe qui l’aidera à rendre sa prophétie. Derrière eux, un autre génie se frotte les yeux comme pour mieux voir encore la scène à laquelle il va assister. • Pistes de lecture : La fresque présente toutes les caractéristiques d’une œuvre humaniste. – L’héritage des Anciens : dans l’Antiquité, la Sibylle est une femme qui prophétise dans un langage énigmatique. Elle communique avec les dieux pour délivrer des messages aux humains. Le peintre représente donc une figure païenne dont on peut ici repérer les caractéristiques (vêtements, accessoires, génies, architecture). La culture antique vient donc nourrir l’imaginaire de l’artiste humaniste. – La dimension chrétienne : figure du paganisme, la Sibylle d’Érythrée est cependant une

incarnation chrétienne. On lui attribue, à l’instar des prophètes masculins représentés sur la voûte, d’avoir annoncé la venue du Sauveur, car chaque vers de ses prophéties commencent par une lettre du nom du Christ. Une autre légende en fait l’épouse d’un fils de Noé, constituant ainsi un lien unique entre les Sibylles païennes et les scènes bibliques de la Genèse. Elle prend alors tout son sens dans l’iconographie chrétienne du Prophète et dans sa symbolique religieuse. – L’œuvre humaniste : le corps de la Sibylle, comme celui des deux génies, traduit une parfaite maîtrise de l’anatomie humaine, symbole même de l’intérêt majeur porté désormais à l’homme dans la représentation artistique. La perspective géométrique, nouvel acquis scientifique, donne l’illusion d’une profondeur qui semble respecter le point de vue du spectateur. Le personnage même de la prophétesse, qui annonce une nouvelle ère de l’humanité, s’accorde parfaitement avec l’esprit de réforme et de renaissance qui guide le mouvement humaniste. • Bilan : L’œuvre concrétise parfaitement le projet humaniste par l’allusion à l’Antiquité qu’elle présente comme modèle et précurseur d’une métamorphose radicale. Mais, au-delà de l’imitation, l’artiste humaniste sait renouveler sa source grâce à sa maîtrise des nouvelles techniques et à sa vision renouvelée de l’homme. Un document permet de visiter la chapelle Sixtine à distance et d’apprécier l’œuvre intégrale de l’artiste italien : www.vatican.va/ various/cappelle/sistina_vr/index.html.

Bibliographie Pour approfondir le chapitre, on peut consulter les ouvrages suivants : – ARASSE Daniel, Histoires de peintures, FolioPoche, 2006 – CASSAN M., L’Europe au XVIe siècle, Armand Colin, 2008 – DELUMEAU Jean et WANEGFFELEN Thierry, Naissance et affirmation de la Réforme, PUF, 2008 – GARIN E. (dir.), L’Homme de la Renaissance, coll. « Points Histoire », Seuil, 2002 – MARI Pierre, Humanisme et Renaissance, Ellipses, 2000

302 | Vers un espace culturel européen : Renaissance et humanisme


06/09/11 11:52

Séquence

⁄8

L’idéal humaniste à travers l’Europe Livre de l’élève  p. ‹∞∞ à ‹‡›

Présentation de la séquence  p. ‹∞∞ L’Europe du XVIe siècle connaît avec l’humanisme un bouleversement majeur de ses valeurs et de ses représentations. Il parvient à s’imposer malgré les crises du siècle. La séquence 18 s’interroge précisément sur les conditions d’épanouissement de ce courant en Europe. Elle se donne pour premier objectif d’analyser les caractéristiques du projet humaniste. Aussi le premier corpus traite-t-il de l’éducation de cet homme nouveau qu’est l’humaniste. Le deuxième objectif vise à monter en quoi la littérature reflète les luttes humanistes à travers un deuxième corpus consacré aux espoirs (parfois déçus) et aux combats de ce courant.

H istoire des arts

Hans Holbein le Jeune, Les Ambassadeurs, ⁄∞‹‹  p. ‹∞6-‹∞‡ Objectifs : – Décrypter les codes du portrait humaniste. – S’initier à la lecture des symboles humanistes dans la peinture.

Portrait de deux humanistes LECTURE DE L’IMAGE 1. Hans Holbein peint ici deux hauts dignitaires, Jean de Dinteville, ambassadeur de France en Angleterre et Georges de Selve, évêque de Lavaur et ambassadeur de l’Empereur romain germanique. Il s’agit du portrait en pied des deux amis. Debout, ils posent, accoudés à un meuble comportant deux étagères, sur lesquelles sont disposées quantités d’objets témoignant de leur richesse, de leur savoir et de leur culture immenses. Leur nombre et leur place centrale qui rejette les deux hommes à droite et à

gauche du portrait, montrent bien les liens de cette œuvre avec le genre de la nature morte et plus particulièrement avec la vanité. En effet, quelques objets plus inquiétants, disséminés parmi les symboles de réussite et de gloire, sont les indices d’une réflexion sur la fuite du temps et la mort. La corde brisée du luth en est une illustration. Elle peut faire penser au fil de la vie qui se rompt. Et l’anamorphose du crâne, qui contraste par son sujet et sa position centrale, le psaume de Luther écrit sur le livre ouvert, le crucifix caché à gauche dans le rideau rappellent au spectateur la fragilité de l’existence et la futilité de leurs aspirations terrestres.

2. La représentation des deux personnages insiste sur leur rang et leur fonction. À gauche, Jean de Dinteville est habillé d’un riche manteau de fourrure dont la coupe accentue la carrure. Il porte dans sa main droite une dague dans son étui finement travaillé dans un matériau précieux, symbole de sa puissance. Sa tête est couverte d’un chapeau orné de deux broches raffinées. Le noir de son costume tranche avec le rouge de sa chemise. On devine la qualité des tissus lourds et moirés. Sur sa poitrine pend à une lourde chaîne dorée une grosse médaille 18 L'idéal humaniste à travers l'Europe |


303

06/09/11 11:52

gravée qui rappelle son appartenance à un ordre de chevalerie (ordre de Saint-Michel). À droite, Georges de Selve porte un habit plus sobre en couleurs et en accessoires, mais tout aussi luxueux comme le révèle son manteau de fourrure. Son col rappelle ses fonctions ecclésiastiques. Il porte des gants dans sa main droite et sur la tête, une barrette, coiffe carrée réservée aux ecclésiastiques. La posture digne, les deux hommes regardent le spectateur. Tout indique donc ici leur haut rang et leur fort caractère.

3. Le meuble central est constitué de deux étagères qui supportent des objets représentatifs de domaines de savoirs variés. Sur l’étagère inférieure, le globe terrestre et le livre de gauche dont on sait qu’il traite des mathématiques, l’équerre et le compas symbolisent le savoir scientifique, tandis qu’à droite, le luth, la partition d’hymnes composées par Luther et les flûtes désignent la musique considérée à l’époque comme une branche des mathématiques. Le globe peut apparaître aussi comme une allusion aux empires politiques dont s’occupent précisément les ambassadeurs et à la récente découverte du Nouveau Monde. Sur l’étagère supérieure, on trouve des objets en rapport avec la connaissance du ciel : des instruments astronomiques et de mesure du temps, en particulier, un globe céleste, un astrolabe pour repérer la position des constellations à l’extrême droite et des cadrans solaires. Tous ces objets sont représentatifs de l’humanisme : connaissances accrues d’un monde rendu plus vaste par les grandes découvertes, savoirs scientifiques approfondis grâce à de nouveaux instruments, diffusion de la culture avec les livres imprimés, progrès des techniques artistiques et réforme religieuse. Cet ensemble témoigne de la soif de connaissance des humanistes. 4. Un crucifix est à moitié caché dans le rideau vert en haut et à gauche. Il rappelle la mort du Christ et peut être mis en relation avec la corde cassée du luth. L’un et l’autre font allusion à la fragilité de la vie humaine et invitent le spectateur à méditer sur l’inutilité des plaisirs terrestres devant l’inéluctabilité de la mort. Mais

le spectateur n’est pas condamné au désespoir. Le crucifix annonce aussi la Résurrection du Christ. À moitié dissimulé dans le rideau, il est associé à la couleur verte, symbole chez les chrétiens de la régénération de l’âme.

5. En adoptant un autre angle de vue, on peut corriger la perspective. La mystérieuse figure prend sens et fait apparaître un crâne humain dressé entre les deux personnages et qui semble considérer le spectateur de ses deux orbites. Il donne à la scène une certaine solennité et un sens caché. 6. L’anamorphose du crâne symbolise le sort qui attend aussi bien les deux héros de la scène que le spectateur du tableau et peut faire écho au crucifix dressé sur le Golgotha, mot hébreu pour le « crâne ». Quels que soient leur situation, leur richesse et leurs plaisirs, la mort les rend négligeables. Aussi l’homme doit-il, malgré ses bonheurs et ses succès, se préparer de son vivant à affronter le Jugement dernier qui décidera de son sort pour l’éternité. 7. Ce tableau présente tous les caractères d’une vanité car, malgré la présence de deux personnages importants, il représente avant tout des objets inanimés, mis en valeur par leur place et leur nombre. La toile cache par ailleurs un message secret : memento mori (« souviens-toi que tu vas mourir »). Elle avertit le spectateur de se préparer à la mort qui l’attend, quelle que soit sa situation dans le monde. Certains éléments la rappellent clairement : le crâne déformé par une anamorphose, le crucifix et la corde cassée du luth. Tous ces indices nous invitent à méditer sur l’ultime but de notre existence.

ÉCRITURE Vers l’écriture d’invention La consigne donne tous les éléments de contrainte du sujet d’invention. La production s’apparente à un texte de vulgarisation artistique par sa présentation du tableau d’Holbein et sa contextualisation. Mais on attend aussi une dimension plus sensationnelle par le thème de l’ouvrage d’où est tirée la page à écrire, par le titre que l’on peut imaginer spectaculaire et par l’analyse de l’anamorphose et de ses effets.



06/09/11 11:52

L’ÉDUCATION D’UN HOMME NOUVEAU

⁄

Boccace, Le Décaméron, ⁄‹∞‹  p. ‹∞°

Objectifs : Apprécier la dimension optimiste du courant humaniste.

Un nouvel optimisme LECTURE DU TEXTE 1. Malgré la peste, les personnages de Boccace sont loin d’être abattus par le pessimisme : « c’est dans la joie qu’il nous faut vivre » (l. 1). Ils ont fui Florence infestée et se sont réfugiés à la campagne, car « c’est la seule raison qui [les] ait fait fuir les tristesses de la ville » (l. 1-2). Aussi se donnent-ils un seul mot d’ordre : ne plus penser à l’épidémie, mais « prolonger [leur] liesse » (l. 6). Cette joie devient donc la règle absolue de leur communauté, « pour [les] disposer à vivre en gaieté » (l. 8-9) et le rempart contre tout esprit négatif. 2. Cette nouvelle petite communauté se donne de nouvelles règles de vie qui s’inspirent des valeurs humanistes. Pampinée proclame d’abord la nécessité d’une véritable organisation : « puisque les choses qui ne se soumettent pas à des règles ne peuvent longtemps se maintenir » (l. 2-3). Celle-ci se fonde sur l’accord de tous ses membres. Chaque décision y relève de l’ensemble du groupe comme l’indique l’emploi des pronoms personnels : « nous convenions » (l. 6), « nous lui porterons » (l. 7), mais dans le souci de « chacun » (l. 9 et l. 12). L’homme est donc au cœur de ce système ouvert et tolérant qui accorde une place égale aux hommes et aux femmes libérées de leurs chaperons. Elle se dote aussi d’un fonctionnement raisonné pour que « personne ainsi ne conçoive d’envie » (l. 11), reflet des rêves sociaux et politiques des humanistes qui dénotent d’une vision optimiste de l’humanité capable de dépasser ses difficultés pour vivre ensemble. Enfin, le souci de l’explication et du raisonnement révèle chez Pampinée un souci pédagogique témoignant de la dimension éducatrice des humanistes.

3. La communauté décide de placer à sa tête un « principal » (l. 7) pour veiller à la bonne harmonie du groupe, car « son unique souci, son unique devoir, sera de [les] faire vivre en gaieté » (l. 8-9). Il a aussi en charge l’organisation de chaque journée : « La personne choisie […] n’aura qu’à ordonner et à disposer selon son gré en quel lieu et de quelle manière il nous faudra vivre » (l. 13-15). Il s’agit donc bien d’une autorité unique et toute puissante sur chacun : « nous lui porterons honneur et nous lui obéirons comme à un supérieur » (l. 7-8). Elle se distingue cependant de la hiérarchie féodale par la notion de responsabilité partagée équitablement entre tous les membres du groupe : « je propose que chacun se voie attribuer pendant un jour ce poids et cet honneur » (l. 12-13). Elle inclut par ailleurs aussi bien les hommes que les femmes, situation impossible dans l’organisation féodale où toute femme dépend d’une autorité masculine. Loin d’écraser l’être humain, cette organisation le libère et lui confie de nouvelles responsabilités, même si elle ne concerne ici qu’une élite qui s’est choisie (l. 4-5).

VERS LE BAC Questions sur un corpus On peut rapprocher cette communauté constituée dans l’urgence d’une épidémie avec celle que frère Jean organise à Thélème. Sa clause principale « Fais ce que voudras » (l. 6) pourrait paraître contredire l’obéissance respectueuse des Florentins à leur « principal ». Cependant les deux règles découlent de la même vision d’une humanité vertueuse et raisonnable par nature, amoureuse de l’Ordre, de l’harmonie. Aussi à Thélème tous les membres suivent-ils leur « bon vouloir » et leur « libre arbitre », pressés « par un aiguillon qui les pousse toujours à la vertu et les éloigne du vice » (l. 8-9). C’est avec la même foi dans la nature humaine que s’organise le groupe italien constitué d’une « si belle compagnie » douée des mêmes vertus.

18 L'idéal humaniste à travers l'Europe |


305

06/09/11 11:52

¤ ‹

Thomas More, L’Utopie, ⁄∞⁄§ François Rabelais, Gargantua, ⁄∞‹›  p. ‹∞·-‹§⁄

Objectifs : Comparer deux utopies humanistes pour en analyser les caractéristiques et la portée critique.

Deux utopies humanistes LECTURE DES TEXTES 1. Thomas More invente le mot « utopie » à partir de mots grecs en jouant sur la polysémie du préfixe. Si la racine « topos » désigne le lieu, le préfixe vient à la fois de la négation grecque « ou » (lieu qui n’est pas, qui n’existe pas) et de l’adverbe « eu » (bon lieu). Le néologisme désigne donc un lieu imaginaire et un monde idéal par son régime politique, son organisation sociale et l’harmonie régnant entre ses membres. 2. Les sociétés décrites par More et Rabelais répondent bien à la définition de l’utopie. Tout dans l’organisation politique et sociale fonctionne au mieux pour le plus grand bonheur de chacun. En Utopie, « la Constitution » garantit ainsi l’épanouissement de chacun « pour la libération et la culture de son âme » (texte 2, l. 39-40) en lui accordant « le plus de temps possible et un loisir affranchi » (texte 2, l. 40). À Thélème, au contraire, c’est l’absence de cadre rigide qui permet cette réalisation de soi : « toute leur vie était ordonnée non selon des lois, des statuts ou des règles » (texte 3, l. 1-2) car la vertu naturelle devient « un aiguillon, qui les pousse toujours à la vertu et les éloigne du vice » (texte 3, l. 8-9). Chaque Utopien, pour sa part, connaît son rôle et s’y applique du mieux qu’il peut au point que « la principale et presque la seule fonction des syphograntes est de veiller que personne ne demeure inactif » (texte 2, l. 1-2). De fait, le seul désir de chacun de ses membres est de « servir l’État » (texte 2, l. 23-24) aussi bien dans son travail que dans ses loisirs. Le même souci des autres dirige aussi la vie à Thélème, car tous veulent faire « ce qu’ils voyaient faire plaisir à un seul » (texte 3, l. 15).

Quelles que soient ses compétences, intellectuelles ou manuelles, chaque habitant d’Utopie obtient la reconnaissance de l’ensemble du groupe, car « on le félicite de son zèle » (texte 2, l. 23). Aussi le crime ne trouble-t-il pas les relations sociales et chacun s’occupe à « quelque bonne occupation de [son] choix » (texte 2, l. 15). Des « salles communes » (texte 2, l. 26) sont même mentionnées pour le partage des repas et des activités, tandis que les occupations semblent toujours collectives dans le texte de Rabelais, comme le montre l’abondance du pronom personnel de la troisième personne du pluriel, « ils ». Ces deux mondes sont donc idéaux, mais aussi idéalistes, parce qu’ils se fondent sur l’adhésion la plus complète de chacun de ses membres à ce système, la foi dans la bonté innée de l’homme et l’absence totale d’individualisme.

3. L’harmonie règne sans partage en Utopie. Le crime et l’injustice n’ont pas leur place dans cette société. Ainsi, l’oisiveté est-elle proscrite. Les autorités ont en effet pour mission de « veiller que personne ne demeure inactif » (l. 2) « dans les excès et la paresse » (l. 13). Au contraire, chacun est encouragé, après son travail, à cultiver ses vertus et sa sociabilité à travers des loisirs collectifs : « après le repas du soir, on passe une heure à jouer, l’été dans les jardins, l’hiver dans les salles communes » (l. 25). Les activités proposées favorisent les relations sociales et la convivialité : « On y fait de la musique, on se distrait en causant » (l. 26-27). Parallèlement, tout amusement dangereux est interdit comme « les dés et tous les jeux de ce genre » (l. 28). On favorise au contraire les jeux qui encouragent à approfondir intelligence et qualités naturelles, « deux divertissements qui ne sont pas sans ressemblance avec les échecs » (l. 29). Ainsi toutes les conditions sont-elles réunies pour « le bonheur véritable » (l. 41). 4. En Utopie ou à Thélème, hommes et femmes participent également au bon fonctionnement de la société, mais on peut noter une profonde différence dans leur appartenance sociale. Dans le texte de More, la communauté ne distingue aucune classe sociale, chacun contribue à l’entretien de tous et « s’adonne activement à son métier » (l. 2-3). À l’inverse, l’évocation de la vie à Thélème ne mentionne aucun détail sur la vie matérielle de la communauté qui semble se dérouler par elle-même. « Ils se levaient quand



06/09/11 11:52

bon leur semblait, buvaient, mangeaient, travaillaient et dormaient quand le désir leur en venait » (l. 2-4). Les membres de cette communauté appartiennent donc tous à la noblesse de type féodal avec ses « chevaliers si vaillants » (l. 29) et ses « dames » (l. 42). Il n’y est pas question de travail. Cependant les deux communautés partagent certaines activités : les études – « chacun choisissant la branche d’enseignement qui convient le mieux » (texte 2, l. 19-20) –, la musique (texte 3, l. 25), les jeux (texte 2, l. 29). Le texte de Rabelais y ajoute les occupations de la noblesse contemporaine : la chasse pour les hommes (l. 17-21) ainsi que les combats chevaleresques (l. 28-33), les travaux d’aiguille pour les dames et la conduite de leur maisonnée (l. 35-37).

5. La distinction entre le Bien et le Mal est essentielle dans ces deux sociétés car elle fonde l’harmonie qui y règne. En Utopie, un jeu, parent des échecs, sert à l’apprentissage de la morale, car « les vices et les vertus s’(y) affrontent en ordre de bataille » (l. 31). Il amène les joueurs à réfléchir sur les bienfaits à suivre la vertu, vivre dans « la concorde » (l. 33), tandis que « les vices se font la guerre les uns aux autres » (l. 32). Le Bien et le Mal s’apprennent donc pour tenir à distance les mauvais penchants de l’être humain. À Thélème, au contraire, les hommes sont naturellement bons, car ils possèdent en eux-mêmes « cette noble inclination par laquelle ils tend[ent] librement à la vertu » (l. 11), du moment qu’ils soient des « gens libres, bien nés et bien éduqués, vivant en bonne compagnie » (l. 7). Qu’elle soit enseignée ou naturelle, la vertu remplace dans ces sociétés idéales les liens féodaux et l’appartenance aux ordres. 6. L’éducation dans les deux sociétés est inspirée par l’idéal humaniste, marqué par la soif de connaissances. Ainsi, les habitants d’Utopie « consacrent[-ils] ces heures de loisir à l’étude » (l. 15). Le savoir est ouvert à l’ensemble de la communauté : lors de « leçons accessibles à tous » (l. 16). À Thélème, « il n’y avait parmi eux homme ni femme qui ne sût lire, écrire, chanter, jouer d’instruments de musique, parler cinq ou six langues et y composer, tant en vers qu’en prose » (l. 23-28). De nombreuses disciplines sont représentées si bien qu’en Utopie « chacun chois[it] la branche d’enseignement qui convient le mieux à sa forme d’esprit »

(l. 19-20). La curiosité personnelle seule motive donc chaque élève alors qu’à Thélème, les connaissances, certes variées, font alterner formation féodale (combat, maniement des armes) et éducation humaniste (lecture / écriture pour tous, musique, apprentissage des langues). Un autre aspect différencie l’éducation dans ces deux mondes. En Utopie, les femmes accèdent au même savoir que les hommes (l. 18-19), alors qu’à Thélème, les dames reçoivent encore un enseignement spécialisé dans les activités féminines (l. 35-37). Mais on peut constater l’évolution de l’éducation et l’influence de l’humanisme dans ces deux sociétés idéales.

7. Toute évocation utopique présente une visée argumentative car elle remet en question le monde dans lequel son auteur vit. Les deux auteurs portent indirectement un regard critique sur la société de leur temps, si différente de leur utopie. En imaginant un monde dont les membres ont des devoirs et des droits égaux, More pointe implicitement les injustices d’une société d’ordres où les privilèges sont attribués selon les origines de chaque individu. Il dénonce de ce fait une organisation sociale qui oblige une partie de la population à travailler au profit de classes parasites (noblesse et clergé). L’absence de propriété privée au profit d’une vie communautaire (l. 26) garantit la paix sociale et assure un toit à chacun. Son organisation rationnelle appuyée sur des règles (l. 1-2) souligne en outre la confusion de lois contemporaines souvent héritées de la coutume et contestables. De la même manière, Rabelais conteste lui aussi un fondement social, le mariage arrangé, pour défendre le mariage d’amour, où la femme a son mot à dire dans le choix de son partenaire. Chacun « emmenait avec lui une des dames, celle qui l’aurait choisi pour chevalier servant » (l. 42-43). Enfin, les deux auteurs critiquent l’éducation de leur temps fondée sur la contrainte, reniée par la clause principale de Thélème : « Fais ce que voudras » (l. 6) et la volonté de réserver le savoir à une élite. Au-delà d’une description plaisante, l’utopie a donc bien une vocation critique. Prolongement On peut demander aux élèves de chercher comment Thomas More fut emprisonné à la tour de Londres puis exécuté, pour qu’ils constatent 18 L'idéal humaniste à travers l'Europe |


307

06/09/11 11:52

la violence implicite de sa critique politique et religieuse du règne d’Henri VIII. Son Utopie, texte argumentatif engagé, est une œuvre de combat.

8. Si Rabelais s’amuse à décrire une communauté libre de toute contrainte matérielle ou sociale, consacrée à une vie de loisirs agréables et valorisants, More présente de son côté une société où, malgré tout, chacun doit remplir ses devoirs : nécessité de travailler (l. 2), emploi du temps imposé tant pour la durée du travail (l. 8) que pour le coucher collectif (l. 10-11), obligation de s’occuper pendant les temps de pause (l. 14-15), loisirs imposés (l. 25-37), absence d’intimité (l. 25-26). Il n’existe donc pas de liberté individuelle en Utopie qui apparaît comme un monde réglé et tourné vers les contingences matérielles.

HISTOIRE DES ARTS La consigne invite à comparer différentes sociétés utopiques et à les confronter avec les textes sources de More et de Rabelais. Il s’agit donc, pour l’exemple choisi, de repérer à la fois les causes de l’insatisfaction de l’auteur et les modalités de transformation du réel (progrès techniques menaçants, découverte de cultures nouvelles, crises sociales et politiques…) pour les ramener à l’origine du genre.

VERS LE BAC Questions sur un corpus La réponse vise à montrer comment les deux textes présentent une société idéale inspirée par l’humanisme. Elle peut développer les trois arguments suivants : 1) Les deux textes présentent une société idéale : plus juste, mieux organisée, qui vise à faire le bonheur de chacun. 2) Les deux auteurs proclament leur foi en une humanité régénérée par l’éducation, la liberté, la sagesse naturelle. 3) Les deux textes, miroirs inversés de la société où vivent les deux auteurs, ont une visée critique virulente.

Dissertation On attend ici un plan dialectique qui réfléchisse sur les effets et les limites de l’utopie. On pourra suivre les trois axes suivants : 1) Toute utopie peut contribuer à améliorer la société réelle, car elle présente un monde idéal,

modèle à suivre pour l’organisation politique, sociale et morale. 2) Elle fait aussi prendre conscience des imperfections du monde dans lequel nous vivons. 3) Mais elle se sait difficilement applicable car, située dans un monde imaginaire et figé, elle ne tient pas compte des contingences du monde réel et présuppose la bonté de l’être humain. On peut aussi, en fonction des idées de chaque élève, proposer un plan un peu différent : 1) L’utopie, un lieu irréel et imaginaire L’utopie est un monde imaginaire qui ne tient pas compte des contingences du monde réel ni du Mal qui habite le cœur humain. Sa réalisation complète irait tellement contre la nature humaine qu’elle ne pourrait se faire sans violence. Elle deviendrait une contre-utopie (voir 1984 ou Le Meilleur des mondes). 2) L’Utopie, un lieu idéal Pourtant, l’utopie a le mérite de présenter un idéal. Il sert de point de repère aux hommes de bonne volonté et, en cela, l’utopie est un modèle. 3) L’Utopie, le miroir inversé du monde réel L’Utopie, apologue virulent, est une critique de la société réelle. Elle fait prendre conscience des imperfections du monde dans lequel nous vivons.

›

François Rabelais, Pantagruel, ⁄∞‹¤  p. ‹§¤-‹§‹

Objectifs : – Dégager les principes de l’éducation humaniste. – Percevoir les changements de représentation de l’Homme dans l’humanisme.

Les principes de l’éducation humaniste LECTURE DU TEXTE 1. Gargantua envoie à son fils tout un programme d’étude pour faire de lui un homme digne des valeurs humanistes. Cette volonté paternelle transparaît en particulier à travers les moyens liés à l’énonciation et la modalisation.



06/09/11 11:52

Tout d’abord, il s’adresse directement à son fils pour lui donner ses recommandations. Il l’interpelle (« mon fils »), il lui donne des ordres directement (« je t’admoneste », « j’entends et veux », « continue », « relis »…) à la première personne. Enfin, on peut déceler toute sa subjectivité dans la modalisation. Il commente luimême ses affirmations « sans lequel ; c’est une honte de se dire savant » (l. 2). Son jugement transparaît aussi dans l’emploi de modalisateurs. Son admiration pour l’imprimerie s’exprime par exemple à travers des adjectifs : « si élégantes et si correctes » (l. 3). Il témoigne aussi de son expérience personnelle (« je vois les brigands, bourreaux, palefreniers », l. 10) pour tirer le bilan des progrès de la connaissance. Il n’hésite pas non plus à présenter la nécessité d’équilibrer science et conscience religieuse : « il te faut servir, aimer et craindre Dieu » (l. 44-45).

2. L’énumération des différentes disciplines à travailler donne une dimension encyclopédique aux savoirs que doit étudier Pantagruel. Si on les regroupe par domaine, on peut y distinguer les sciences humaines, le droit, les sciences, les activités physiques et la théologie. Gargantua place en tête du programme d’étude l’apprentissage des langues. Cependant, il est remarquable qu’il ne s’agisse pas des langues vulgaires, mais des langues savantes, permettant d’accéder aux textes antiques ou sacrés, c’est-à-dire à la source du savoir : « la grecque », « la latine », « l’hébraïque », « la chaldaïque et l’arabe » (l. 16-17). Si les savants humanistes communiquent entre eux en latin, cet apprentissage linguistique débouche aussi sur une initiation stylistique « à l’imitation de Platon et […] de Cicéron » (l. 18). L’histoire tient la seconde place car elle permet de remonter à l’origine des faits, comme avec la « cosmographie » (l. 20). Le droit est enseigné pour son exemplarité et ses sujets de réflexion (l. 24). On note la variété des disciplines scientifiques : mathématiques (l. 20), astronomie (l. 22), sciences naturelles (l. 25), médecine (l. 30). L’accumulation traduit la soif de connaissances des savants humanistes, ouverts à tous les savoirs et tolérants à toutes les civilisations, celle de « l’Orient et de l’Afrique » (l. 29), à l’instar des médecins sollicités : « grecs, arabes, latins, sans mépriser les talmudistes et cabalistes » (l. 30-31). Les activités physiques restent très féodales, « apprendre la chevalerie et

les armes » (l. 37-38) pour défendre les biens de son père. Enfin, le jeune homme doit fréquenter régulièrement les textes sacrés et s’y sentir aussi familier qu’un théologien (l. 33-35).

3. Aussi riche soit-il, ce programme d’étude révèle l’état des connaissances de la Renaissance, favorisées par la diffusion du livre (« des impressions si élégantes et si correctes », l. 3). La redécouverte des textes anciens sert de source à la culture humaniste. Cela n’exclut pas l’ouverture à d’autres civilisations, arabe ou juive par exemple. Les grandes découvertes ouvrent aussi de nouveaux horizons et apportent de nouvelles connaissances. Les sciences naturelles s’enrichissent alors de nouveaux savoirs naturalistes, géographiques, botaniques et minéralogiques dont témoigne la présentation de Gargantua (l. 25 à 29). Les progrès techniques nécessités par ces voyages lointains favorisent aussi une meilleure connaissance de l’univers. L’astronomie bénéficie ainsi de l’évolution des instruments de mesure et d’observation du ciel, bien loin des superstitions comme « l’astrologie divinatrice » (l. 22-23). Enfin, l’homme est au cœur des ces connaissances. L’anatomie « par de fréquentes dissections » (l. 31) permet ici d’en prendre la mesure car elle fait comprendre « ce second monde qu’est l’homme » (l. 32). On voit donc bien ici la modernité de ce programme qui conserve cependant quelques traits plus archaïques, en particulier le poids de la religion et de la morale (l. 32-35 ou 43-47) ou le système féodal (l. 37-39). Prolongement On peut comparer la liste des savoirs à l’accumulation des objets scientifiques présents dans le tableau d’Holbein. Les deux œuvres témoignent de la même volonté d’exhaustivité : il s’agit de dessiner les limites d’un nouveau territoire, devenu immense, celui des savoirs.

4. L’enseignement de Pantagruel ne doit pas se limiter aux interventions du précepteur. Le jeune homme est appelé à tirer profit de ses expériences personnelles. Aussi sa vie à Paris lui offre-t-elle « ses instructions vivantes et vocales » (l. 14). De même, est-il encouragé à passer d’un savoir théorique à l’expérimentation. Il en est ainsi pour l’astronomie ou pour les sciences naturelles, mais surtout pour l’anatomie avec les « dissections ». Enfin, les soutenances 18 L'idéal humaniste à travers l'Europe |


309

06/09/11 11:52

publiques (l. 41) et la fréquentation des lettrés (l. 42) constituent elles aussi une autre source de savoirs par les confrontations qu’elles impliquent entre différentes opinions. L’éducation du jeune humaniste provient donc de plusieurs sources et ne se limite plus, comme au Moyen Âge, à la seule parole du maître, mais l’incite à former par lui-même son sens critique.

5. Par cette formation, le jeune humaniste prépare et enrichit sa vie en société. Il appartient à une vaste communauté de lettrés signalée par Gargantua : « le monde entier est plein de gens savants » (l. 5-6), qui suivent la même démarche de formation, fréquentent les mêmes « bibliothèques très amples » (l. 6) et communiquent dans les mêmes langues. Cette éducation se présente même comme une condition nécessaire pour la vie sociale : « celui qui ne sera pas bien poli en l’officine de Minerve ne pourra plus se trouver nulle part en société » (l. 8-9). Aussi Gargantua encourage-t-il son fils à cultiver sa vie sociale en fréquentant « les gens lettrés qui sont à Paris et ailleurs » (l. 42). Il s’agit donc d’une véritable internationale des lettres à laquelle Pantagruel est destiné par ce programme d’étude. 6. Gargantua utilise une devise devenue célèbre : « Science sans conscience n’est que ruine de l’âme » (l. 44). Il faut comprendre ici que l’accumulation des savoirs est vaine et néfaste si elle n’est pas guidée par le sens moral, ici représenté par la foi en Dieu. Finalement, la science seule ne peut donner la sagesse. « La foi orientée par la charité » (l. 46) donne sens à la connaissance qui ne peut fructifier dans « une âme mauvaise ». Le père recommande donc à son fils de garder intacte sa foi, garante de sa conscience morale : « il te faut servir, aimer, et craindre Dieu » (l. 44-45). Prolongement On peut souligner qu’il s’agit d’une profonde révolution. Auparavant, tout savoir scientifique devait être validé par les théologiens, dont la discipline faisait autorité dans toutes les universités européennes (la Sorbonne, Coïmbra). Cette hiérarchie entre science et théologie est bouleversée, au profit d’une relation d’égalité, ou, à tout le moins, plus équilibrée.

HISTOIRE DES ARTS L’École d’Athènes met en scène des philosophes accompagnés de leurs disciples. Le peintre y regroupe les savants les plus illustres de l’Antiquité et quelques continuateurs. Les philosophes constituent le groupe le plus important, révélant l’importance de cette discipline aux yeux du peintre. Aristote et Platon tiennent d’ailleurs la place centrale de la scène. Cependant d’autres domaines sont aussi représentés : les mathématiques (Pythagore ou Euclide), la géographie (Ptolémée), l’astronomie (Zoroastre), l’art militaire (Alcibiade)… Le peintre introduit aussi des figures plus modernes (comme Averroès qui apporte au monde occidental les connaissances orientales et musulmanes), voire contemporaines (les peintres, dont lui-même). Deux statues de dieux font enfin allusion aux arts (Apollon) et à la philosophie (Minerve). Le programme proposé est donc aussi varié que celui de Rabelais, mais il met davantage l’accent sur les sources antiques du savoir.

ÉCRITURE Argumentation Le paragraphe argumentatif peut s’organiser autour de trois points : 1) Un programme d’étude encyclopédique qui couvre l’ensemble des connaissances de l’époque. 2) Un apprentissage de la sagesse fondé sur les vertus chrétiennes. 3) Une déclaration de foi dans les valeurs humanistes favorisées par le contexte historique.

VERS LE BAC Commentaire Les axes pourront être développés de la façon suivante : 1) Une lettre à valeur éducative : « Tu seras un homme, mon fils » a) Une lettre très personnelle, celle d’un père aimant et bienveillant à son fils b) Une lettre de recommandations, pour inciter le fils à devenir un homme digne de ce nom c) Un texte didactique et injonctif, marqué par la forte implication de son locuteur 2) Un projet humaniste universel a) Un programme d’étude encyclopédique



06/09/11 11:52

b) Une pédagogie équilibrée entre savoirs théoriques et expérimentation, entre science et conscience religieuse c) Une illustration idéale des valeurs humanistes

∞

J. du Bellay, Les Regrets, ⁄∞∞°  p. ‹§›

Objectif : Prendre la mesure de la dimension utopique de l’idéal humaniste.

L’idéal humaniste, un rêve inaccessible ? LECTURE DU TEXTE 1. Du Bellay rêve de maîtriser un savoir encyclopédique qui ferait de lui un homme complet au parcours intellectuel abouti. Dans le premier quatrain, il cite trois des quatre disciplines enseignées en faculté : le droit (« je me ferai légiste »), la médecine et la théologie. Elles s’enrichissent encore de « la mathématique » (v. 2) et de la philosophie. Le deuxième quatrain évoque quant à lui des savoirs plus artistiques (« du luth et du pinceau ») ou tournés vers les jeux de l’amour et de la guerre, dignes du parfait courtisan (« de l’escrime et du bal). Il ne s’agit pas pour autant de connaissances superficielles pour se donner un vernis de culture, mais de l’étude approfondie d’un spécialiste, d’un « savant » (v. 1), capable de pénétrer les arcanes de chaque discipline pour en apprendre « les secrets » (v. 4). Toutes ces connaissances composent donc un programme complet et équilibré entre formation du corps et de l’esprit. 2. Ces savoirs humanistes sont mis en valeur tout d’abord par leur regroupement dans la première partie du sonnet. Dans cette forme fixe, en effet, les deux quatrains forment une unité de sens renforcée par la rime en [i] qui joue cependant sur la variation entre rime féminine (« philosophie », « théologie », « vie », « Italie »)

et masculine (« aussi », « souci », « ainsi », « ceci ») dans un schéma de rimes embrassées (ABBA). La place des mots dans l’alexandrin permet aussi de mettre en valeur les disciplines citées en début de vers avec une inversion du complément aux vers 5 et 6 ou à la fin des vers 1 et 4. La sonorité même n’est pas sans faire penser à un cri de défi, de joie. Enfin, le poète utilise des synecdoques pour désigner les activités artistiques et sportives : le « luth » et « le pinceau » pour désigner la musique et la peinture, « l’escrime » et « le bal » pour l’entraînement au combat et les arts d’agrément.

3. Les temps verbaux sont extrêmement variés dans ce sonnet. Leurs changements traduisent le passage des certitudes aux désillusions chez le poète. Au commencement, les verbes sont au futur de l’indicatif (« ferai », « ébatterai »), porteur des promesses de l’avenir, lorsque le jeune homme attend tout de son « séjour d’Italie » (v. 8). Le lecteur écoute en quelque sorte directement ses propos illusoires. Mais le futur est ensuite remplacé par l’imparfait de l’indicatif (« discourais », « vantais »), puis le passé simple (« changeai ») qui révèlent un retour au récit. Le poète revient sur son passé et prend ses distances vis-à-vis de ses premiers espoirs. Le passé simple, qui traduit une action totalement achevée, pointe alors le constat de sa propre naïveté : « quand je changeai la France au séjour d’Italie ». Enfin, le passé composé (« je suis venu ») marque le retour au discours dans lequel du Bellay tire un bilan négatif de son séjour italien. 4. Le poète formule ses regrets dans la deuxième partie du sonnet, constituée des deux tercets. Il recourt à plusieurs procédés de style pour les exprimer. Le premier tercet commence ainsi sur une invocation ironique, « ô beaux discours humains » que le lecteur comprend comme une critique des premières illusions. Puis, il enchaîne sur une formule antithétique au vers 10, réunissant un terme positif « m’enrichir » avec une série de compléments péjoratifs et contradictoires : « ennui », « vieillesse », « soin » (ici « soucis »). Il déforme aussi le proverbe qui insiste sur les bienfaits des voyages sur la jeunesse pour en accentuer les conséquences négatives à travers l’hyperbole, « perdre le meilleur de mon âge ». Le deuxième tercet, quant à lui, est une comparaison (« ainsi ») qui ridiculise et 18 L'idéal humaniste à travers l'Europe |


311

06/09/11 11:52

dévalue son séjour. Aussi s’identifie-t-il avec un marin peu flatteur par son statut de marchand (« le marinier ») et par sa marchandise odoriférante et peu noble (« des harengs »). La chute du dernier vers (« un malheureux voyage ») vise enfin à susciter la compassion du lecteur et peut jouer sur le registre pathétique.

5. La comparaison est une figure de l’analogie qui peut associer deux éléments très éloignés. C’est ici particulièrement le cas lorsque le poète rapproche sa situation de celle d’un roturier peu éduqué, un « marinier », voué à transporter des marchandises lourdes sur des navires plats et peu propices à des exploits de navigation. Ce « marin d’eau douce » qui ne navigue que sur le réseau fluvial est loin d’être ici le héros d’une épopée maritime, quand son « trésor » se limite à « des harengs », qui ne semblent guère l’enrichir non plus (« en lieu de lingots d’or »). Le poète joue donc ici avec humour sur l’écart entre le prosaïsme et la vulgarité du marinier et ses propres aspirations dignes d’un savant humaniste, maître de l’ensemble du savoir humain. 6. Au final, on note une certaine touche d’humour, un peu « jaune », à travers la plainte de ce sonnet et la constante dégradation des activités rêvées ou transposées par le poète, dont les thèmes chutent de la philosophie au commerce des harengs. Le poète mesure la distance entre ses illusions et la réalité et tourne en dérision sa naïveté de jeune homme. Une certaine amertume transparaît cependant derrière le thème du sonnet et son absence totale d’espoir de voir sa situation changer.

HISTOIRE DES ARTS Dürer représente sur sa gravure l’allégorie de la Mélancolie au moment où le siècle semble s’abandonner à l’optimisme de l’humanisme. Un ange féminin est assis dans une posture mélancolique, le visage appuyé sur sa paume. Bien qu’il tienne un compas dans sa main, toute son attitude trahit son inactivité. À ses pieds gisent, abandonnés, des outils, symboles des savoirs. L’expression de son visage traduit ses sentiments mélancoliques, alors qu’il porte un regard sombre sur le monde qui l’entoure. Le monde environnant semble lui-même endormi à l’image du lévrier qui dort à ses pieds, tandis que la cloche pend immobile, que le sablier reste figé et la

balance, inerte. Le paysage lui-même semble vide, malgré la présence de la mer et l’accumulation des objets. L’échelle posée sur le mur ne conduit à rien. Un petit ange, un « putto », loin des jeux et des turbulences de son âge, se tient sage, concentré sur un écrit. Le soleil semble pourtant briller sur la scène et une chauve-souris vole en portant une inscription : « Melencolia ». Le peintre cumule donc de nombreux procédés pour montrer l’humeur sombre du personnage. On a pu y voir une méditation sur les limites du savoir de l’homme, incapable d’atteindre la perfection divine.

VERS LE BAC Question sur un corpus On peut rapprocher le sonnet de Du Bellay du texte de Rabelais car les deux écrivains croient dans les mêmes valeurs humanistes. Le thème de l’éduction est central dans les deux textes. Elle garantit en quelque sorte l’humanité de ceux qui sont « libres, bien nés et bien éduqués » (l. 7) chez Rabelais, tandis que le jeune poète aspire, avec son séjour italien, à se former dans tous les domaines de savoirs. Aussi les jeunes Thélémites entraînent-ils leur corps à travers la chasse (l. 18-21), l’entraînement au combat (l. 29 ou 32), alors que le poète semble le résumer dans le seul mot de « l’escrime » (v. 6). L’éducation intellectuelle et artistique n’est pas non plus négligée à Thélème (l. 25-28), de même que Du Bellay veut se consacrer au « luth » et au « pinceau » (v. 5). Les jeunes gens s’exercent aussi à la sociabilité : à Thélème, garçons et filles se côtoient et se choisissent librement. Du Bellay rêve de s’entraîner à danser au « bal ». Cependant le poète, loin de la liberté et de la fantaisie de Rabelais, évoque un programme plus complet et plus universitaire. Il perd aussi ses illusions comme l’expriment les tercets, quand le texte de Rabelais reste marqué par l’optimisme.

Oral (analyse) La réponse peut s’organiser en deux points : 1) Une vision optimiste a) Des rêves d’avenir b) Une foi dans les valeurs humanistes 2) Les désillusions a) Un retour sur soi b) La perte des illusions c) La mélancolie



06/09/11 11:52

6

Montaigne, Les Essais, ⁄∞·∞  p. ‹§∞

Objectifs : – Comprendre le rôle des Anciens dans l’éducation humaniste. – Étudier la formation du raisonnement chez l’humaniste.

Connaître les Anciens pour penser par soi-même LECTURE DU TEXTE 1. Montaigne dénonce ici les méthodes d’éducation médiévales, fondées sur la mémorisation et la seule autorité du maître : « qu’il ne loge rien dans la tête de son élève par pure autorité et en abusant de sa confiance » (l. 2). Car, dans cette pédagogie, l’élève ne peut véritablement s’approprier ce qu’il apprend : « que les principes d’Aristote ne soient pas pour lui des principes » (l. 3-4). Il ne s’y forme jamais le jugement personnel au risque de ressembler aux sots « sûrs et déterminés » (l. 6). La simple redite d’un autre ne peut donc mener à la sagesse : « celui qui suit un autre ne suit rien » (l. 10-11). Enfin, la vérité n’appartient pas à un seul homme : « la vérité et la raison sont communes à chacun » (l. 16) même s’il en est un des maîtres, « celui qui les a dites la première fois » (l. 17). 2. À l’inverse, Montaigne défend une pédagogie active où l’élève assimile de lui-même les savoirs pour son plus grand profit personnel. Dès lors, il doit confronter son opinion à celles des autres : « qu’on lui expose cette diversité de jugements : il choisira s’il peut » (l. 4-5). Aussi le doute fait-il partie intégrante de cette méthode de construction de soi (l. 6). Le champ lexical de l’appropriation revient ainsi dans l’extrait : « ce seront les siennes » (l. 10), « il faut qu’il s’imbibe » (l. 14), « qu’il sache se les approprier » (l. 16). Cette formation ne vise donc pas à l’accumulation de savoirs, mais à l’élaboration de la réflexion : « les emprunts faits à autrui, il les transformera et les fondra ensemble pour […] son jugement » (l. 21-23). 3. L’extrait est la preuve que Montaigne s’est appliqué à lui-même ces principes humanistes.

Les références et les citations, nombreuses et variées montrent certes la richesse de la culture du philosophe, mais surtout elles nourrissent son raisonnement. Elles lui servent d’illustration, comme l’allusion aux philosophes antiques : « Aristote » (l. 3), les « Stoïciens » et les « Epicuriens » (l. 4), « Platon » (l. 18). Elles font aussi écho à sa démonstration et en garantissent la validité. Ainsi en est-il de la citation de Dante (l. 7). L’analogie des réactions entre Montaigne et le poète italien vient confirmer le cheminement du philosophe. Elles donnent encore une explication à ses affirmations, comme la citation de Sénèque (l. 12) qui développe l’idée précédente que le simple imitateur n’est pas un penseur. La citation latine rappelle en effet la liberté de conscience et de réflexion dont dispose chaque être humain. L’ensemble de ces citations confère donc une grande originalité et une réelle profondeur à la pensée de Montaigne, nourrie de l’encyclopédisme humaniste. Prolongement On pourra attirer l’attention de l’élève sur le fait que, paradoxalement, Montaigne sait « par cœur » un grand nombre de formules latines ou grecques. Un balayage du « parcours de lecteur » suffira à constater qu’elles sont très présentes dans son texte et nourrissent sa réflexion. Il ne faut donc pas se méprendre : Montaigne n’invite pas les étudiants d’aujourd’hui à ne rien apprendre, contre-sens commode. Mais plutôt à s’interroger sur le fonctionnement de la mémoire. Elle ne se définit pas comme une machine enregistreuse mais comme une capacité à trier, classer et donc synthétiser des données, que l’on peut ensuite mobiliser pour construire de nouveaux savoirs. C’est ainsi que la définit Saint-Augustin, dans les Confessions. Cela suppose que le bon pédagogue apprend à se servir de cette faculté.

4. L’éducation prônée par Montaigne vise à faire de l’élève un être de réflexion façonné « par le filtre d’étamine » (l. 1), c’est-à-dire apte à tamiser les savoirs qui lui sont donnés pour n’en retenir que ce qui peut l’aider à se construire. Il ne doit donc plus seulement apprendre par cœur, mais en venir à « sentir et penser » (l. 14) par lui-même, une fois digérés les acquis, au point d’oublier leur origine même : « qu’il oublie hardiment, s’il veut, d’où il les tient, mais qu’il 18 L'idéal humaniste à travers l'Europe |


313

06/09/11 11:52

sache se les approprier » (l. 15-16). L’éducation doit alors amener l’élève à « faire un ouvrage entièrement sien » (l. 22-23). Apprendre, c’est donc apprendre à penser par soi-même, en s’appuyant sur l’héritage intellectuel des anciens, délibérément pillé, digéré et transformé.

5. Le texte se clôt sur une comparaison avec les abeilles. Le philosophe fait une analogie entre la pédagogie qu’il défend et le comportement de ces insectes. De la même manière qu’elles « pillotent de-çà de-là » sur les fleurs de différentes espèces, le « thym » ou la « marjolaine », pour produire au final un « miel […] entièrement leur » (l. 20-21), de la même manière, l’élève grappillera ici et là des connaissances qu’il « transformera et fondra ensemble » (l. 22) pour construire son jugement personnel. La comparaison avec cet animal, symbole fort de l’activité productrice, clôt ainsi avec poésie et originalité le raisonnement du philosophe.

VERS LE BAC Question sur un corpus Le paragraphe demandé peut suivre le schéma suivant : 1) Les deux auteurs prônent l’acquisition d’une culture encyclopédique, mais si Rabelais est favorable à l’accumulation des savoirs nécessitée par la soif de connaissances, Montaigne plaide d’abord pour une formation qui apprenne à réfléchir. 2) Les deux auteurs défendent l’idée d’une éducation fondée sur l’expérimentation personnelle, mais si, pour Montaigne, cette participation active de l’élève est fondamentale dans son éducation, pour Rabelais, les maîtres doivent rester des modèles à suivre et à respecter. 3) Les deux auteurs insistent sur la nécessité de la conscience mais si, pour Rabelais, elle est garantie par la foi chrétienne, chez Montaigne, c’est le jugement construit et validé peu à peu qui doit guider l’élève.

Commentaire Le plan proposé peut être développé autour des idées suivantes : 1) Montaigne prône une éducation humaniste a) Une pédagogie active fondée sur l’esprit critique b) Un apprentissage de la sagesse qui s’appuie sur une démarche philosophique

2) Tout en appliquant, dans son écriture même, les principes qu’il préconise a) Une culture encyclopédique b) Une appropriation personnelle des savoirs

ESPOIRS ET COMBATS HUMANISTES

‡

Érasme, Préface à la traduction du Nouveau Testament, ⁄∞⁄§  p. ‹§§

Objectifs : – S’initier à l’esprit de la Réforme. – Comprendre l’enjeu de la traduction des textes sacrés.

Traduire la Bible pour en diffuser l’enseignement LECTURE DU TEXTE 1. Érasme condamne ceux qui refusent la traduction de la Bible. Pour argumenter, il s’oppose d’abord à deux idées dont il souligne l’erreur en les introduisant avec « comme si » (l. 5 et 9). Il récuse en effet la restriction qui réserverait la lecture de la Bible à une élite : « une matière si enveloppée qu’à peine un très petit nombre de théologiens pouvait la comprendre » (l. 6-8). Mais il rejette aussi tout enfermement du dogme dans le secret : « comme si le rempart de la religion chrétienne reposait sur la masse de cette ignorance » (l. 9-11). Il reprend donc là deux préjugés répandus à l’époque dont il montre l’absurdité pour mieux les démonter. Sa seule justification repose sur une affirmation catégorique : « le Christ a désiré que ses mystères à lui fussent divulgués le plus largement possible » (l. 13-15). On voit ici toute l’originalité de la stratégie argumentative d’Érasme qui rabaisse les arguments de l’adversaire pour mieux affirmer ses convictions. 2. Érasme utilise trois arguments en faveur de la traduction de la Bible. Tout d’abord, il poursuit



06/09/11 11:52

sa réflexion par un raisonnement a fortiori : si le message du Christ est destiné à être lu par tous, à plus forte raison doit-il l’être par les personnes apparemment les plus éloignées de le faire (« toutes les femmes de la plus humble extraction », l. 15-17, sans culture ni éducation) ; mais aussi les populations les plus sauvages aux yeux des Européens, les Occidentaux les plus rudes, « les Écossais, les Irlandais » (l. 20) et les hérétiques les plus opposés au christianisme, « les Turcs et les Sarrasins » (l. 21). Le passage du latin aux langues vulgaires permettrait alors à chacun de mieux comprendre, voire d’adhérer à l’enseignement de la Bible, en étant « capables de (la)lire et de (la) connaître » (l. 22). Par ailleurs, un deuxième argument insiste sur les avantages au quotidien de la traduction des textes sacrés, car chacun pourrait alors s’en imprégner à chaque moment : pour le paysan, « au manche de sa charrue », pour l’artisan, « à sa navette » ou pour le voyageur « pour alléger la fatigue de sa route ». La Bible pourrait être alors le code de bonne conduite de tous grâce à la variété de ses textes, psaumes mis en musique (« chanter des passages », « en moduler quelque air ») ou passages narratifs (« des récits de cette nature »). Enfin, la Bible, devenue objet des « conversations » les plus usuelles, aiderait à façonner chacun et à l’encourager aux vertus chrétiennes : « car nous sommes à peu près tels que nous révèlent nos conversations de tous les jours » (l. 27).

3. Des figures de l’intensité viennent appuyer le raisonnement d’Érasme. On retrouve ainsi plusieurs gradations : dans les lectures proposées aux femmes par exemple, l’auteur envisage non seulement la découverte des récits de la vie du Christ (les Évangiles), mais aussi les « Épîtres de saint Paul », une correspondance à visée didactique beaucoup plus difficile d’accès. S’il envisage en premier de faire traduire la Bible pour les régions les plus reculées de son pays, l’Angleterre, Érasme pousse sa proposition à l’extrême en le proposant aux ennemis du christianisme, ce qui paraît peu vraisemblable. Enfin, il exagère aussi en imaginant, de façon surdimensionnée, la présence de la Bible au quotidien, voire au prosaïque (la charrue ou la navette). Les procédés de la gradation et de l’hyperbole traduisent donc dans ce texte l’enthousiasme de l’auteur pour son sujet.

HISTOIRE DES ARTS Quentin Metsys représente ici Érasme dans son cabinet de travail. Le peintre cherche à mettre en valeur le travail de son modèle. Il est peint dans son cabinet, occupé à écrire, assis à son bureau. D’autres accessoires rappellent ses activités intellectuelles : les livres sur les étagères et les différents instruments d’écriture (la plume, l’encrier, le sous-main de belle qualité et les ciseaux). Tout est donc caractéristique du portrait d’un intellectuel de la Renaissance dont les qualités sont encore soulignées par l’attitude concentrée et l’austérité de la tenue.

ÉCRITURE Argumentation La traduction de la Bible au XVIe siècle répond bien aux aspirations de l’humanisme. Elle traduit d’abord le désir de revenir au texte source de la religion chrétienne pour mieux le diffuser et le mettre à la portée de tous. Les Réformés souhaitent aussi mettre fin aux abus et aux dérives dans laquelle l’Église s’est laissée entraînée comme le commerce des Indulgences, que la Bible ne justifie absolument pas. Ils en font ainsi la référence absolue et la seule norme acceptable en domaine de religion. Ces traductions en langues vulgaires s’inscrivent aussi dans le mouvement de diffusion du savoir, permis par le développement de l’imprimerie. Elles traduisent enfin la foi que les humanistes ont en l’homme, objet principal de leurs réflexions et sujet privilégié de leurs principes d’éducation, sans pour autant renier leurs convictions religieuses.

8

Joachim du Bellay, Défense et illustration de la langue française, ⁄∞›·  p. ‹§‡

Objectifs : – Décoder le principe de l’imitation humaniste. – Expliciter le rôle des Anciens dans les propositions humanistes. 18 L'idéal humaniste à travers l'Europe |


315

06/09/11 11:52

L’humaniste, jardinier des langues LECTURE DU TEXTE 1. La civilisation gréco-latine apparaît comme le modèle antique inspirateur de l’humanisme. Aussi Du Bellay cite-t-il des auteurs à prendre comme modèles, avant de les dépasser : « du temps d’Homère et de Démosthène, de Virgile et de Cicéron » (l. 2-3). Dans le domaine linguistique qui est son sujet, « les langues grecque et romaine » lui servent également de référents, mais il en rétablit la chronologie. Les Grecs sont donc le modèle premier, qui a inspiré les Romains, eux-mêmes inspirateurs du français. 2. Tout l’extrait repose sur une métaphore filée, celle de la culture des plantes. Elle naît du constat de la jeunesse de la langue française qui remplace peu à peu le latin aussi bien dans les actes officiels que dans la littérature. Le poète la rapproche ici de la jeune pousse, « comme une plante et vergette » (l. 4-5) qui n’a pas pu encore se développer, car elle « n’a point fleuri » (l. 5) et n’a pu « fructifier » (l. 4). L’auteur souligne pourtant son potentiel : « elle est aussi apte à engendrer que les autres » (l. 7-8), mais elle n’a pas été « suffisamment cultivée » (l. 9) pour être productive. Du Bellay poursuit la métaphore à propos de la langue latine que les Romains, « en bons agriculteurs » (l. 12), ont su acclimater et faire fructifier : ils « l’ont premièrement transplantée d’un endroit sauvage en un lieu familier » (l. 12-13). Pour en expliquer les modalités, l’auteur prolonge la métaphore par l’image de la greffe d’éléments empruntés à la langue grecque : « ils l’ont fortifié de rameaux solides et fertiles » (l. 14). Puis, il en souligne la réussite : « désormais ils n’apparaissent plus adoptifs, mais naturels » (16-17). L’extrait se conclut sur la fertilité du procédé aboutissant à « ces fleurs et ces fruits colorés de cette grande éloquence » (l. 17). Cette image vise donc à accrocher l’attention du lecteur et à le persuader de l’avenir de la langue française. 3. Du Bellay analyse comment le latin est devenu l’égal de la langue grecque. Il dégage d’abord une première phase de diffusion du latin, « devenue si grande en peu de temps » (l. 11) qui devient alors la langue romaine, puis il souligne les emprunts « magistralement tirés de la langue

grecque » (l. 14-15). Mais il insiste surtout sur leur réussite. Loin d’être plaqués, ils sont devenus « naturels » (l. 17) au point de devenir des traits originaux de la langue latine. L’évolution du latin annonce donc celle du français et peut devenir son modèle dans l’enrichissement et la diffusion du français.

4. L’humanisme inspire la démarche préconisée par Du Bellay dans son manifeste. L’Antiquité grecque et romaine y est présentée comme un modèle d’inspiration, mais sous la forme d’une imitation intelligente de manière à en rendre les emprunts « naturels » dans la culture humaniste. Par ailleurs, les progrès techniques et scientifiques amènent les savants humanistes à enrichir le vocabulaire de nouveaux mots créés à partir de racines grecques et latines. Enfin, le travail sur la langue lui-même s’inscrit dans l’esprit d’expérimentation des humanistes intéressés par tous les domaines du savoir. 5. La consigne demande la rédaction d’un paragraphe argumentatif et implique une démarche dialectique autour de deux axes : 1) Les néologismes constituent un enrichissement de la langue française a) Par nécessité avec l’apparition de nouveaux objets ou de nouveaux concepts suite aux progrès des sciences et des technologies b) Par jeu intellectuel à des fins stylistiques chez les auteurs ou les penseurs, par appropriation du monde par l’individu 2) Mais ils présentent le risque de dénaturer la langue originelle a) Par l’intrusion mal digérée d’éléments étrangers b) Par la disparition d’autres éléments fondateurs de la langue

VERS LE BAC Question sur un corpus Les sonnets 31 et 32 de J. du Bellay sont une bonne illustration du manifeste Défense et illustration de la langue française car ils assemblent deux réalités. Dans le sonnet 31, le monde antique est représenté par deux héros de la mythologie grecque. Le poète compare son séjour italien avec l’Odyssée d’Ulysse, « un beau voyage ». Il fait aussi allusion sans le nommer à Jason « qui conquit la toison » avec ses Argonautes. Or, l’un ou l’autre est caractérisé par la réussite



06/09/11 11:52

de leur retour pour « vivre entre ses parents le reste de son âge ». De la même manière, la Rome antique sert de cadre aux deux sonnets. Dans le sonnet 32, le poète rappelle son départ de la France : « quand je changeai la France au séjour italien » (v. 8). Dans le sonnet précédent, certains éléments architecturaux évoquent clairement la Rome passée : « les « palais romains », « le marbre dur », ainsi que la mention de deux lieux romains : « le Tibre latin » et le « mont Palatin ». Pour autant, le poète a su s’approprier ces éléments, puis porter sur eux un regard critique. Le deuxième quatrain du sonnet 31 mentionne ainsi en miroir son « petit village » angevin, préféré au faste romain. Il en fait une évocation pittoresque en insistant sur l’humilité du cadre : « fumer la cheminée », « le clos de ma pauvre maison ». Il en rappelle toutes les supériorités sur un lieu chargé d’histoire : les racines familiales (« mes aïeux »), le terroir (« l’ardoise fine »), le climat (« la douceur angevine »), un paysage connu (« mon Loire gaulois », « mon petit Liré »). Les deux sonnets sont donc l’exemple réussi de l’imitation de l’Antiquité et de son dépassement.

Oral (analyse) Le titre indique bien la visée et le contenu de ce traité théorique écrit par Du Bellay, Défense et illustration de la langue française. Le poète plaide en faveur du français dans la littérature à une période où elle vient de devenir la langue obligatoirement utilisée pour les textes administratifs ou juridiques (Édit de Villers-Cotterêts, promulgué par François Ier). S’il préconise l’imitation des langues anciennes, pour l’enrichir par la création de nouveaux mots à partir de racines grecques et latines, le poète prône aussi une appropriation personnelle de ses modèles et la volonté ambitieuse de la dépasser. C’est dans cet esprit qu’il revisite dans son écriture les thèmes d’inspiration antique. La poésie, lieu privilégié de cette langue neuve, tient un rôle essentiel dans cet objectif de faire de la langue française une langue élégante et digne des exemples passés.

Prolongement La défense de la langue française suppose aussi son enrichissement, par la création de néologismes ou le recours aux figures de style

pétrarquisantes qui la rendent raffinée. Sur ce point, on prolongera la réflexion avec le « Pour argumenter » de la page 222 du manuel de l’élève.

Ronsard, Discours des misères de ce temps, ⁄∞§¤ Agrippa d’Aubigné, Les Tragiques, ⁄§⁄§

· ⁄‚

 p. ‹§°-‹‡‚ Objectifs : – Comprendre l’évolution du courant humaniste et sa remise en cause par les guerres de religion. – Étudier les enjeux et les caractéristiques de l’engagement des poètes humanistes.

La France, déchirée par les luttes fratricides LECTURE DES TEXTES 1. Ces trois expressions font allusion aux guerres de religion qui déchirent la France dans la deuxième moitié du XVIe siècle. Le 1er mars 1562, cinq cents protestants qui célèbrent leur culte à Wassy sont violemment expulsés du lieu de cérémonie par des catholiques en armes. Une vingtaine de protestants sont tués et une centaine, blessés. Ce massacre est considéré comme le début des guerres de religion. Huit conflits se succèdent, opposant catholiques et protestants, avec des périodes inégales de paix jusqu’en 1598 lorsqu’est signé l’édit de Nantes. Par cet édit de tolérance, le roi Henri IV reconnaît une certaine liberté de culte aux protestants, leur garantit une relative sécurité en leur accordant une centaine de places de sûreté ainsi que des indemnités financières. En échange, il exige d’eux que la pratique du protestantisme soit réservée à l’espace privé. L’espace public, qui relève du politique, ne doit pas être troublé par des conduites religieuses ostentatoires. Cette paix religieuse apporte la prospérité au royaume malgré l’annulation progressive de certains avantages. 18 L'idéal humaniste à travers l'Europe |


317

06/09/11 11:52

Les persécutions s’accentuent sous le règne de Louis XIV qui révoque cette tolérance religieuse en 1685, provoquant alors l’exil d’une partie des protestants et un affaiblissement économique pour la France qui perd ainsi nombre d’artisans et de bourgeois.

2. Dans son poème, Ronsard prend parti pour les catholiques. Il présente d’abord le protestantisme comme une menace pour l’autorité royale, et en particulier, « l’honneur, et le sceptre de la France » (v. 3). Les contestations des protestants, quand elles envahissent l’espace public, remettent en question la stabilité politique, alors que le trône « avait pris accroissance » (v. 4). La comparaison avec la chute de la « grande roche » (v. 6) confirme les périls d’une guerre d’« opinions ». Le pouvoir royal est donc mis à mal, « bronché contre bas » (v. 6) au risque de provoquer un chaos politique et social. Aussi les « Théologiens », terme qui désigne en particulier Luther et Calvin, sont-ils montrés comme les responsables des désordres et du massacre de Wassy par leur manque de discernement : « brouilla leurs courages / Par la diversité de cent nouveaux passages » (v. 31-32). Les morts apparaissent dès lors comme une juste punition d’une ambition démesurée, celle d’avoir voulu surpasser et transgresser les dogmes catholiques, « d’avoir échellé comme Géants les cieux » (v. 34). Pour le faire comprendre, le poète recourt à un apologue mythologique qui explique les véritables motivations des chefs protestants guidés par « Présomption » (v. 12) et « Opinion » (v. 14), toutes deux sources de discorde. Les protestants apparaissent donc comme coupables des divisions amorales (« le frère |…] contre le frère », « la sœur contre la sœur », v. 36-37). On assiste alors dans la fin de l’extrait à une rupture des liens de sang et d’amitié qui mène « tout à l’abandon […] sans ordre et sans loi ». 3. On trouve deux figures bibliques dans le poème d’Agrippa d’Aubigné, Esaü et Jacob, deux frères jumeaux cités dans l’Ancien Testament. La tradition rapporte que l’aîné, Esaü, affamé, aurait vendu contre un plat de lentilles, son droit d’aînesse à Jacob, son frère cadet. Esaü est présenté dans le texte du poète comme un être négatif : « le plus fort, le plus orgueilleux » (v. 3), « ce voleur acharné » (v. 7). Le poème insiste sur sa malfaisance à l’encontre de son frère : « pour

arracher à son frère la vie » (v. 9). Et malgré son jeune âge, il est mené par son goût de la violence : « « à force de coups / D’ongles, de poings, de pieds » (v. 4-5). À l’inverse, Jacob se présente comme un être doux amené à réagir à l’agressivité de son frère : « ayant dompté longtemps en son cœur son ennui, / À la fin se défend » (v. 12-13). Ce couple de jumeaux ennemis représente les deux camps qui s’affrontent pendant les guerres de religion. L’aîné, Esaü, symbolise le catholicisme, plus ancien, et Jacob, le protestantisme. Agrippa d’Aubigné attribue donc les responsabilités au parti catholique, intolérant et violent, prêt à s’autodétruire pour faire disparaître l’autre camp : « pour arracher à son frère la vie, / Il méprise la sienne et n’en a plus d’envie » (v. 9-10). Au contraire, les violences du parti protestant, « sa juste colère » (v. 13) n’est qu’une réponse justifiée à l’agressivité catholique. L’emploi de ces figures bibliques, courant chez les protestants, lecteurs de la Bible, est donc bien révélateur de l’engagement du poète.

4. La figure de l’allégorie se retrouve dans les deux poèmes ; chez Ronsard sous la forme de figures mythologiques et chez Agrippa d’Aubigné sous l’aspect d’une mère de famille. Dans le premier texte, Ronsard s’appuie sur sa culture de l’Antiquité pour parodier un des amours mythologiques de Jupiter. Il y traite le thème de la démesure humaine réduite à néant par la colère d’un dieu, « fâché contre la race des hommes » (v. 7-8). Il reproche en effet aux hommes de vouloir « savoir / Les hauts secrets divins que l’homme ne doit voir » (v. 9-10). Aussi leur fait-il un cadeau empoisonné en concevant son instrument de vengeance. Du viol de « Dame Présomption » naît « l’Opinion, peste du genre humain » (v. 14) dont le portrait inquiétant est dépeint par le poète. Le champ lexical du mal domine l’ensemble de la description : « orgueil », « folle », « erreur », « vaine affection », « ambition ». Ses menaces apparaissent d’autant plus pernicieuses qu’elles restent souterraines, au fond de son cœur « couvé de vaine affection », sous une posture faussement modeste (« cachait l’ambition »). La comparaison avec la sirène vient renforcer son image de destructrice. Il semble impossible de parer ses attaques, tant elle est rapide (« légère elle portait des ailes sur le dos », v. 25) et discrète (« afin qu’à son marcher on ne la put entendre », v. 28). C’est elle qui



06/09/11 11:52

est l’inspiratrice de la Réforme, brouillant l’interprétation des textes sacrés et provoquant la discorde. Le poète joue donc ici de sa culture humaniste pour expliquer l’origine des guerres de religion. Dans le deuxième poème, Agrippa d’Aubigné met en scène l’allégorie de la France. Il choisit une figure plus simple et plus proche du lecteur. Il l’emprunte en effet au quotidien, représentant le tableau habituellement paisible d’une mère allaitant ses nourrissons. Mais les jumeaux se battent pour accéder au sein malgré les efforts de leur mère : « ni les soupirs ardents, les pitoyables cris, / Ni les pleurs réchauffés ne calment les esprits » (v. 15-16). Son désespoir est si fort qu’elle « succombe à la douleur, mi-vivante, mimorte » (v. 22). Dans sa colère, elle se détourne donc des deux enfants : « or, vivez de venin, sanglante géniture. / Je n’ai plus que du sang pour votre nourriture » (v. 33-34). Agrippa d’Aubigné crée donc une allégorie moins savante, plus tragique : si elle dénonce elle aussi les torts de l’autre camp et la ruine métaphorique du royaume, elle en présente les terribles conséquences pour chacun.

5. Ces deux portraits ont une dimension argumentative car ils personnifient une thèse difficile à soutenir sans ce recours à une représentation indirecte. Les poètes se servent donc d’une histoire pour l’exprimer autrement, comme l’indique son étymologie « dire d’une autre manière ». Chez Ronsard, l’histoire est plus complète, car elle suit le personnage de ses origines jusqu’à sa participation dans les querelles religieuses. On peut y repérer un schéma narratif complet : situation initiale (mécontentement de Jupiter), élément perturbateur (viol de Dame Présomption), péripéties (naissance, éducation d’Opinion), élément de résolution (arrivée chez les Théologiens), situation finale (guerres de religion). Dans le deuxième texte, l’action est restreinte à l’essentiel (querelle des enfants et colère de la mère). Par ailleurs, le récit et ses personnages, loin de devoir être pris à la lettre, ont un sens imagé. « Opinion » représente donc, aux yeux de Ronsard, la prétention des réformés à comprendre les textes sacrés et à contester la religion ancienne. Se faire soi-même une opinion ne débouche pas sur une évolution positive, mais une situation d’anarchie et de chaos par la « diversité de cent nouveaux passages » (v. 32).

La mère des jumeaux est clairement désignée quant à elle comme une figure de la France : « je veux peindre la France une mère affligée » (v. 1). Ainsi voit-on comment dans les deux textes l’allégorie tire sa force argumentative du récit auquel elle appartient et de sa dimension symbolique. L’histoire s’y apparente alors à un apologue, récit narratif et démonstratif à visée argumentative et didactique.

6. Plusieurs procédés rendent ces scènes vivantes et visuelles. Tout d’abord, la personnification en elle-même de la contestation religieuse protestante et de la France. Opinion est alors dotée d’une histoire humaine. Elle a Cuider pour « nourrice » (v. 15), possède « un pauvre habit » (v. 22), est dotée d’un corps parfait « comme d’une sirène » et finit par « se loger […] dedans le cabinet des Théologiens » (v. 29-30). La « mère affligée » n’est pas décrite, on ignore son passé comme son présent. Mais la scène est rendue vivante par les nombreuses actions qu’elle renferme ponctuée de verbes d’actions (« brise », « fait dégât », « arracher »…) ou de tournures expressives, comme « à force de coups / d’ongles, de poings, de pieds » (v. 4-5). On suit l’évolution psychologique des trois personnages, la montée de la violence chez les petits qui atteint son sommet lorsqu’« ils se crèvent les yeux » (v. 20). Le lecteur connaît aussi les sentiments de la mère : « une mère affligée » (v. 1), « cette femme éplorée » (v. 21), « mi-vivante, mi-morte » (v. 22). Enfin, l’extrait se termine sur une intervention directe de la mère maudissant et condamnant sans appel les deux enfants : « vivez de venin » (v. 33). La description par ses notations visuelles et le discours par son interpellation directe font donc de ces histoires des scènes très vivantes. 7. Quoiqu’allégoriques, ces deux scènes provoquent terreur et pitié chez le lecteur en particulier dans le texte d’Agrippa d’Aubigné caractérisé par les registres tragique et pathétique. Les champs lexicaux de la blessure (« crèvent les yeux », « déchirés, sanglants »…), du combat (« coups », « se défend », « combat »…), de la souffrance (« affligée », « pitoyable », « éplorée »…) et de la mort (« arracher la vie », « succombe », « derniers »…) dominent le poème. L’accablement pèse sur la mère ayant pour seul recours le rejet de ses deux enfants, violemment apostrophés : « félons » (v. 31), « sanglante géniture » (v. 33). Enfin, les détails concrets et 18 L'idéal humaniste à travers l'Europe |


319

06/09/11 11:52

horribles abondent comme ceux qui évoquent le lait maternel, « fait dégât du doux lait » (v. 8) ou « adonc se perd le lait » (v. 29). Le texte de Ronsard, plus savant, joue plutôt sur les figures rhétoriques : personnifications (« Cuider », « l’ambition »), comparaison (« comme d’une Sirène »), métaphore (« école d’orgueil »), images variées (« de vent et de fumée était pleine sa tête »).

HISTOIRE DES ARTS Arcimboldo représente ici un homme entièrement constitué d’armes à feu et des accessoires nécessaires pour les allumer. Ses habits sont un assemblage d’armes (un pistolet et deux canons). Son cou est fait de trois bougies et d’une lampe à huile. Une petite flamme sort d’ailleurs de sa bouche. Son visage d’or et de feu est violemment éclairé de face et il reflète à son tour la lumière. De son œil, qui représente une bouche de canon, coule des larmes de sang. Des mèches d’allumage forment le front. Les allumettes constituent sa bouche. Sa chevelure est un vaste brasier. Le collier et l’écusson portés par le personnage donnent la clef du tableau. Cette chaîne de la Toison d’or représente la famille des Habsbourg que le peintre sert officiellement à la cour. Sur l’écusson figure l’aigle bicéphale de cette dynastie, symbole du courage et de la force. Ce tableau est donc une allégorie du pouvoir impérial et les armes représentées sont le symbole de la toute puissance des Habsbourg. Mais il peut apparaître aussi comme un rappel des souffrances sur lesquelles reposent les conquêtes militaires de la famille impériale pour en dénoncer la violence et la cruauté. Enfin, il peut aussi se lire comme une dénonciation des dangers de la rhétorique, politicienne ou religieuse : elle met, littéralement, le feu aux poudres. La parole enflammée échauffe les esprits et embrase les conflits.

ÉCRITURE Argumentation La consigne appelle à défendre une seule thèse : les moyens visuels viennent défendre efficacement une cause. Il s’agit de classer et hiérarchiser les éléments de commentaire des textes : 1) La personnification permet de mieux faire passer une opinion auprès du lecteur a) L’allégorie, une figure vivante et visuelle

b) Les figures rhétoriques du visuel, un outil au service de l’argumentation 2) Le spectaculaire persuade plus efficacement le lecteur a) Un récit symbolique b) Les registres tragique et pathétique

VERS LE BAC Invention À la lecture du début de ce poème, deux éléments se dégagent qu’une reprise peut exploiter : le feu violent et la rhétorique. On peut commencer l’exercice par une exploration lexicale des locutions toutes faites, ici retravaillées par Carl Norac : ne parle-t-on pas « de discours enflammé », « de langue de feu », « de bouche d’incendie », « d’un feu roulant de questions » ? Ne dit-on pas « bouillir de colère » ? Et, à l’inverse, ne parle-t-on pas de « sourire désarmant » ? En lien avec les deux textes étudiés, on peut s’attendre à un texte engagé dans une dénonciation. On pourra cependant confronter les productions avec le texte du poète et en commenter les écarts avec les hypothèses de lecture.

POUR ARGUMENTER : COMMENT L’AFFAIRE GALILÉE REFLÈTE-T-ELLE LES DÉBATS HUMANISTES ?  p. ‹‡⁄ Objectifs : – Croiser deux objets d’étude « Vers un espace culturel européen : Renaissance et humanisme » et « Les réécritures, du XVIIe siècle à nos jours » pour interroger sur la portée de l’idéal humaniste. – Découvrir un combat humaniste : l’affaire Galilée.

LECTURE DU TEXTE 1. Galilée est un physicien et un astronome italien (1564-1642) qui fait scandale en remettant en question l’idée que la terre est le centre de l’univers et que tout gravite autour d’elle (géocentrisme). Il commence par perfectionner les lunettes astronomiques en 1609 et observe



06/09/11 11:52

en particulier les taches solaires, l’anneau de Saturne et les phases de Vénus. Ces observations lui donnent foi dans ce que, prudemment, Copernic présentait comme une hypothèse : le soleil est au centre de l’univers (héliocentrisme) et les planètes tournent autour de lui. Galilée va diffuser et défendre avec ardeur la conception copernicienne de l’univers. Mais, en 1616, l’Église déclare hérétique cette conviction et contraint Galilée au silence. Malgré tout, le savant publie en 1632 un ouvrage de réfutation du géocentrisme, Dialogue sur les deux grands systèmes. Mis en accusation par les autorités religieuse, il est condamné en 1633 à abjurer ses théories et assigné à résidence jusqu’à sa mort.

2. Les découvertes astronomiques sont aux yeux de Brecht une suite logique des grandes découvertes car elles apparaissent comme le résultat d’un processus dont le personnage nous décrit les étapes. Les progrès de la navigation et les voyages lointains en constituent la première phase : « ça a commencé par les bateaux. […] ils s’en sont allés sur toutes les mers » (l. 1-6). Aussi les horizons se sont-ils ouverts pour les habitants du vieux continent : « Une rumeur est née : des continents nouveaux existent » (l. 8-9). Le regard sur le monde a donc été amené à changer et les certitudes se sont fissurées : « c’est là que maintenant le doute s’incruste » (l. 18-19). Le changement semble être désormais le moteur de toute pensée, surtout dans « une astronomie nouvelle » (l. 26). Alors que les astres semblaient « rivés à une voûte de cristal » (l. 27), il ne semble plus inconcevable en ces temps de mutation et d’instabilité de les laisser « aller dans l’espace, sans attache ». L’extrait se termine sur une comparaison qui ramène le raisonnement au début, car les astres y sont rapprochés des « bateaux, sans attache et au grand large » (l. 30). 3. Quoiqu’inspiré par un épisode célèbre de la Renaissance, le sujet de la pièce de Brecht paraît toujours d’actualité en 1938. À travers l’évocation de la vie du savant humaniste, l’auteur allemand traite de la vérité luttant contre

l’obscurantisme en mettant en scène le combat entre science et pouvoir. De la même manière que Galilée est contraint de renier ses idées sous la menace des autorités religieuses du XVIe siècle, Brecht connaît aussi une situation identique, quand les nazis, au pouvoir, imposent leur vérité officielle au point de menacer ou tuer leurs contradicteurs. Par ailleurs, écrite en 1938, révisée en 1945 puis publiée en 1955, la pièce sous sa forme définitive fait aussi écho à la bombe d’Hiroshima, bouleversement scientifique aussi important que la révolution copernicienne et au mauvais usage de la science que peuvent en faire certains savants. Les parentés entre le savant de la Renaissance et Brecht expliquent donc la reprise de l’affaire Galilée.

VERS LE BAC Dissertation La consigne appelle à relire les textes de la séquence en s’interrogeant sur la portée du courant humaniste et son influence sur les mouvements suivants. Il s’agit donc de confronter le sens historique du mot et son sens large, qui désigne toute philosophie plaçant l’homme et ses valeurs au cœur d’un système. Pour ce faire, on peut s’appuyer sur les séquences du chapitre 4. On peut imaginer suivre le plan suivant : 1) L’humanisme est d’abord un courant caractéristique du XVIe siècle a) Il naît dans un contexte particulier b) Il se caractérise par une soif de connaissances c) Il place l’homme au cœur des préoccupations 2) Mais l’esprit humaniste perdure dans les mouvements qui suivent a) De nouvelles découvertes ont continué à modifier les représentations humaines b) Les progrès se sont accélérés dans tous les domaines c) La condition humaine reste au cœur des combats idéologiques 3) Pourtant l’humanisme semble rester inaccessible a) L’humanisme, un idéal rêvé b) Les désillusions

18 L'idéal humaniste à travers l'Europe |


321

06/09/11 11:52

Séquence

⁄·

L’inspiration humaniste au cœur de l’art de la Renaissance Livre de l’élève  p. ‹‡∞ à ‹°¤

Présentation et objectifs de la séquence  p. ‹‡∞ Objectifs : – Analyser les liens entre la littérature humaniste et le renouveau artistique de la Renaissance. – Découvrir la nouvelle représentation picturale de l’homme. Lorsqu’on regarde dans le dictionnaire, on s’aperçoit que le mot « Renaissance » a deux sens, dont l’un est historiquement situé : XVIe siècle (le début de la période dépend en fait du pays). Cette acception date de 1825. Pourtant le premier sens du mot est important : « Réapparition, nouvel essor d’une société ». C’est un Renouveau. La Renaissance apparaît ainsi comme une période de rupture par rapport au Moyen Âge : si l’on parle de Renaissance, c’est qu’on sous-entend qu’il y a eu une première vie, puis la mort, puis la vie à nouveau : Antiquité, Moyen Âge compris comme obscurantisme, Renaissance. Le XVIe siècle marquerait ainsi une rupture radicale d’avec le Moyen Âge. D’ailleurs, c’est à partir de la Renaissance que commence ce que les historiens appellent l’Histoire moderne. Promotion de l’individu, passage du monde clos à l’univers infini, éclatement de l’unité chrétienne : autant d’élans et de ruptures qui marquent l’avènement de la modernité. Si notre vision de la Renaissance et l’humanisme est aujourd’hui plus nuancée et si nous n’assimilons plus le Moyen Âge à un millénaire de ténèbres, il n’en reste pas moins vrai que cette période marque un bouleversement profond dans la philosophie, la littérature et l’art. À travers un renouveau majeur dans l’art se reflètent les idées majeures de la philosophie humaniste, qui place l’homme au centre de sa réflexion. La littérature et l’art vont ainsi exalter le corps humain qui était si méprisé par la philosophie médiévale. L’homme nouveau apparaît pétri de culture antique et entend rivaliser avec les Anciens. Enfin, découverte majeure de la Renaissance, la perspective doit être comprise comme invention humaniste : il s’agit désormais de peindre le monde comme l’homme le voit.

⁄ L’exaltation du corps humain

 p. ‹‡§-‹‡‡

ÉTUDE DE DEUX ŒUVRES 1. Les personnages représentés sur le tableau de Léonard de Vinci sont Sainte Anne, sa fille Marie et l’enfant Jésus. Cimabue, quant à lui, représente seulement la Vierge Marie et l’enfant Jésus, entourés d’anges. Les personnages de Vinci sont représentés de façon réaliste et semblent appartenir au monde humain. À l’inverse,

les personnages de Cimabue sont représentés de façon plus codée et appartiennent clairement au monde divin, comme le prouve l’auréole dorée qui surplombe chaque tête.

2. Dans les deux tableaux, Marie est représentée vêtue de bleu, couleur qui lui est traditionnellement attribuée. Mais Vinci réinterprète de façon réaliste ce bleu mystique. En effet, les montagnes de l’horizon et le ciel rappellent la tenue de la Vierge. Les autres couleurs dominantes du tableau sont des couleurs chaudes, dont les nuances s’étendent de la carnation de la peau à



06/09/11 11:52

la douceur de la terre que les personnages foulent de leurs pieds nus. Le choix des couleurs est très différent dans le tableau de Cimabue qui privilégie le doré, symbole de la dimension mystique et spirituelle de la scène représentée. Il ne s’agit en aucune façon de représenter la réalité de corps humains, mais de donner une interprétation visuelle du monde divin, ce qui a pour conséquence l’absence de perspective. Alors que l’esthétique de Cimabue, très influencée par la tradition des icônes byzantines, appartient encore au Moyen Âge, le tableau de Vinci appartient clairement à la Renaissance, par le choix d’une représentation réaliste des personnages et du décor où règne la profondeur.

3. Dans le tableau de Vinci, la proportion des corps est conservée, à la différence de l’œuvre de Cimabue dans laquelle Marie a une taille disproportionnée par rapport aux anges. En effet, selon l’esthétique médiévale, la taille du personnage reflète son importance symbolique. L’attitude des corps est également différente. Chez Vinci, tout signifie la tendresse maternelle : Sainte Anne porte Marie sur les genoux et cette dernière est tout entière penchée vers son fils, qui lui échappe déjà en jouant avec un agneau, symbole du sacrifice pascal à venir. Le regard part avec tendresse de Sainte Anne vers Marie qui regarde son fils qui la regarde aussi. L’enfant Jésus chez Vinci est le véritable portrait d’un enfant, représenté dans une attitude enfantine, à la différence du Christ de Cimabue qui n’a d’enfantin que sa taille réduite. Cette différence d’esthétique reflète une approche théologique différente. La démarche de Vinci, dans une perspective proprement humaniste, souligne l’appartenance à l’humanité de ces figures essentielles de la religion chrétienne : Dieu s’est fait homme, s’est incarné en naissant d’une femme, Marie, et c’est cela qui rend l’humanité si digne.

3. Dans la Pietà de Michel-Ange, on retrouve la structure triangulaire qui magnifie le groupe et le corps humain. L’attitude de Marie est, comme dans le tableau de Vinci, maternelle et empreinte de tendresse, à cette différence près que le corps qu’elle porte amoureusement n’est plus celui d’un enfant, mais de son fils adulte et mort. La finesse et la grâce des membres du Christ, subtilement soulignées par les veines du marbre, célèbre, comme chez Vinci, dans un esprit renaissant, la dignité du corps humain. 4. Montaigne entreprend de réhabiliter le corps humain en soulignant sa valeur, dans une perspective proprement humaniste. Au lieu de dévaloriser la beauté comme un élément purement superficiel, il loue son rôle majeur dans les relations humaines et prône l’union de l’âme et du corps, selon une démarche qui ressemble fort à « un esprit sain dans un corps sain ». La beauté et la santé de l’âme doivent donc se refléter dans le soin que l’homme prend de son propre corps.

Prolongement On peut citer, en complément du texte de Montaigne, cet extrait de l’ouvrage De la dignité de l’homme, écrit en 1486 par l’humaniste Pic de la Mirandole : « Donc, Il conçut l’homme comme une créature de nature indéterminée et, le plaçant au milieu de l’univers, il lui dit : «[…] Je t’ai placé au centre du monde de sorte que là tu puisses plus aisément observer ce qui est dans le monde. Tu ne participes ni des cieux ni de la terre, tu n’es ni mortel ni immortel afin que, te façonnant toi-même plus librement, tu puisses prendre la forme que tu préfèreras. Tu pourras dégénérer et tomber vers les êtres inférieurs qui sont les bêtes ; tu pourras, si tu le décides, te régénérer et monter vers les êtres supérieurs qui sont divins. »

DES IMAGES AUX TEXTES 1. Dans le dessin de Vinci, l’homme s’intègre parfaitement dans deux figures géométriques idéales : le carré et le cercle. C’est un éloge du corps humain car Vinci souligne ainsi la perfection de ses proportions. 2. De même, dans le tableau La Vierge, l’Enfant Jésus et Sainte Anne, Vinci soulignait la perfection de ces corps humains en les insérant dans un triangle.

¤ Un homme pétri de culture antique

 p. ‹‡°-‹‡·

ÉTUDE D’UNE ŒUVRE 1. Saint Sébastien est un martyr romain. Mantegna le représente conformément à la tradition, attaché à un poteau, le corps transpercé de flèches. Au premier plan, à hauteur du regard des spectateurs, deux archers sont représentés à

19 L'inspiration humaniste au cœur de l'art de la Renaissance |


323

06/09/11 11:52

taille réelle. Leur apparence physique en fait des hommes ordinaires, tandis que le saint, surélevé, règne sur le tableau par la beauté de ses traits et la perfection de son corps musculeux et d’une carnation idéale.

2. Alors que Saint Sébastien est traditionnellement représenté attaché à un poteau de bois, Mantegna l’attache à une colonne romaine au chapiteau corinthien. À l’arrière-plan, le spectateur découvre également d’autres ruines antiques. Ce tableau reflète ainsi la redécouverte par les humanistes et les artistes de la Renaissance de l’Antiquité et de ses canons esthétiques, notamment architecturaux. Le chapiteau corinthien de la colonne vient également couronner, comme une auréole, la tête du saint et rappeler en même temps sa dimension romaine. 3. À côté du pied du saint, le peintre a représenté en trompe-l’œil le pied en marbre d’une statue antique. L’interprétation est plurielle. Il s’agit d’abord d’un hommage rendu à la statuaire antique : Mantegna reconnaît sa dette envers l’esthétique antique, redécouverte par ses contemporains et lui-même. Mais il dépasse cet héritage antique, sans vie, pour lui confronter le pied vivant et frémissant du saint. L’art renaissant n’a pas à rougir de la comparaison avec l’art antique, bien au contraire ! D’un point de vue religieux, il s’agit également de montrer que la religion chrétienne a réduit à l’état de ruine le paganisme alors qu’elle-même est toujours vivante.

DES IMAGES AUX TEXTES 1. À l’érudition archéologique du peintre Mantegna répond l’admiration du poète Dante Alighieri pour la littérature antique et le poète Virgile en particulier. Tout comme l’œuvre de Mantegna soulignait la fascination du peintre pour l’Antiquité en ruine à travers ses effets de trompe-l’œil et la minutie de la représentation, Dante rend hommage au poète latin en écrivant au seuil de la Divine Comédie un vibrant éloge de Virgile, qui devient même le guide du voyageur à travers toute l’exploration des Enfers. 2. Cette connaissance et ce goût pour l’Antiquité révèlent la nature humaniste des deux artistes. L’humaniste, en effet, révère les classiques qu’il connaît et entreprend de s’en inspirer pour tenter de les dépasser.

3. La démarche est la même dans le tableau de Botticelli. On retrouve les éléments de la mythologie antique avec, par exemple, la présence des faunes et des attributs guerriers du dieu Mars avec lesquels ils jouent. Mais le peintre transpose la scène à la Renaissance, en choisissant notamment des armes renaissantes : armure, lance, casque. La violence semble bel et bien absente de la scène, ou du moins mise à distance par les jeux des faunes, dans une vision optimiste, et Mars impressionne surtout par sa beauté et la finesse de ses traits. Comme chez Mantegna, l’allusion à la culture antique est surtout l’occasion d’exprimer les idées de la Renaissance et tout particulièrement la beauté et la dignité du corps humain. 4. Dans cet extrait, Dante donne la parole à Virgile qui, pour se faire reconnaître, cite plusieurs allusions mythologiques : « je chantai ce juste fils d’Anchise qui vint de Troie, après que fut brûlée la superbe Ilion ». Le lecteur humaniste auquel s’adresse Dante ne peut que reconnaître Énée et l’œuvre qui lui est consacrée L’Énéide. Lorsque Dante reprend la parole, c’est alors pour faire l’éloge de son illustre prédécesseur à travers un vocabulaire particulièrement mélioratif : « si large fleuve », « lumière et honneur de tous poètes », « mon maître et mon auteur ». Dante évoque même l’éducation humaniste qu’il a reçue : « la longue étude me vaille et l’ample amour qui m’ont permis d’examiner ton œuvre ». D’une culture à l’autre, un lien subsiste : celui que permet l’étude, l’éducation humaniste, qui devient un lien d’amour et d’admiration, avant de devenir intertextualité : la culture antique imprègne l’art et la littérature renaissante.

‹ La perspective : peindre le monde comme l’homme  p. ‹°‚-‹°⁄ le voit ÉTUDE D’UNE ŒUVRE 1. Le banquet semble se dérouler dans une grande salle antique ouverte sur l’extérieur, avec des colonnes doriques et corinthiennes. Les références à l’architecture de l’Antiquité sont



06/09/11 11:52

nombreuses : colonnes, statues, frise en haut des colonnes du premier plan (on peut penser par exemple aux frises du Parthénon).

2. La scène représente les noces de Cana, au cours desquelles le Christ changea l’eau en vin. Il est possible de lire l’extrait de l’Évangile aux élèves car Véronèse s’appuie très précisément sur le texte. Les personnages principaux, au centre du tableau, sont le Christ et Marie, mis en valeur par l’auréole qui illumine leur tête. Cela peut paraître étrange car, traditionnellement, ce sont les mariés qui occupent la place centrale au banquet de leur mariage. Or les mariés sont à l’écart, à l’extrémité gauche de la table. En effet, pour Véronèse, il s’agit d’abord de représenter un épisode de la vie du Christ et non un mariage. Ce choix s’interprète également de façon théologique : traditionnellement, l’épisode des noces de Cana est lu de façon symbolique comme le mariage du Christ et de l’Église. Il n’est donc pas si étonnant que le Christ, qui figure le marié, soit au centre du banquet. 3. Le tableau est organisé de façon particulièrement rigoureuse et Véronèse dessine avec une extrême précision ses lignes de fuite grâce aux lignes des corniches et aux lignes de la table. Mais, si on les suit, on se rend compte qu’elles ne convergent pas vers un seul et unique point de fuite, mais vers plusieurs, ce qui normalement devrait être impossible. Les Noces de Cana de Véronèse sont un véritable tour de force. Grâce à des lignes de fuite courtes ou masquées, le peintre rend insoupçonnable la multiplication des points de fuite et l’impossibilité de la perspective : l’œil ne peut être en même temps au-dessous de Jésus et au-dessus des colonnes ! Virtuosité qui focalise le regard sur le Christ tout en le plongeant dans l’infini du ciel. Ce double système de lignes de fuite permet en effet de construire deux points de fuite : un dans le ciel, un sur la terre. En effet, les lignes des corniches convergent vers la figure du Christ, tandis que les lignes de la table et du carrelage convergent vers un point du ciel situé au-dessus de lui. Cela renvoie à la double nature du Christ, pleinement humaine et divine. 4. L’axe central horizontal représenté par la balustrade de la terrasse sépare clairement la terre et le ciel, le monde terrestre et le monde divin. Sur l’axe horizontal se trouvent dès lors

plusieurs éléments qui évoquent la passion et la mort de Jésus montant au ciel après son sacrifice. En bas, le chien qui ronge un os représente la nature mortelle du corps, mort qui sera vaincue par le Christ ; le sablier va dans le même sens. Juste au-dessus de la tête du Christ, on peut apercevoir une gourde qui symbolise le vin, et donc le sang que le Christ versera lors de la passion. Enfin, l’agneau découpé annonce le sacrifice final puisque le Christ est souvent nommé « l’agneau pascal ».

DES IMAGES AUX TEXTES 1. À la différence du tableau de Cimabue (p. 376), Giotto s’intéresse au rendu de la profondeur et on découvre un premier travail de perspective. Mais les règles de la perspective n’ont pas encore été trouvées : la différence de taille des personnages permet de signifier la distance, mais ils sont encore sur le même plan. Quant aux bâtiments, ils sont en relief, mais chacun a ses propres lignes de fuite, ce qui rend la représentation de la cité encore peu réaliste. À l’inverse, Piero della Francesca respecte très rigoureusement les règles de la perspective. Son tableau a même la rigueur d’une construction géométrique. Ce choix sert la dramatisation de la scène car toutes les lignes de fuite convergent vers le centre du tableau, c’est-à-dire la flagellation du Christ. Alors que la scène est reléguée dans l’arrière-plan, c’est bien sur elle que se concentre le regard du spectateur, guidé par toutes les lignes du tableau. 2. Le tableau de Piero della Francesca illustre à merveille la perspective géométrique. Au contraire, celui de Léonard de Vinci (p. 376) illustre la perspective aérienne. 3. Pour faire l’éloge de la peinture, Vinci célèbre son pouvoir créateur. Selon lui, le peintre ne se contente pas de reproduire la réalité : il la crée ; il donne vie à une nouvelle réalité, celle que le peintre imagine. En ce sens, le peintre est un nouveau démiurge. 4. Ce texte révèle la pensée humaniste de Vinci car cette célébration de l’art et du pouvoir créateur de l’artiste est bien une valorisation de la dignité humaine qui, sans jamais se prétendre l’égale de Dieu, est bien à l’image de Dieu.

19 L'inspiration humaniste au cœur de l'art de la Renaissance |


325

06/09/11 11:52

› Atelier d’écriture : Écrire un sonnet à la manière  p.‹°¤ de Du Bellay 1. Analyser le poème Ce poème est un sonnet composé d’alexandrins aux rimes embrassées, autour d’un distique central aux rimes suivies aux vers 9 et 10. L’éloignement de la France, subi par Du Bellay, provoque la nostalgie et la plainte mélancolique. Plusieurs procédés permettent au poète de l’exprimer. C’est tout d’abord l’allusion à deux grands voyageurs de la mythologie antique : Ulysse et Jason, le conquérant de la toison d’or. On trouve également dans le sonnet tout un lexique affectif qui montre justement le regret du pays natal, que Du Bellay chérit tant, une fois qu’il en est éloigné. On peut relever : « heureux » au vers 1, « plaît », aux vers 9 et 11. On relève aussi des adjectifs qui marquent la proximité : « petit village », vers 5 et « petit Liré » vers 13. Bien sûr, l’adjectif « petit » marque la modestie de son village, mais il marque aussi l’attachement et la proximité de Du Bellay avec son pays natal. « Petit » est ici un adjectif hypocoristique (voir lexique du manuel). Du Bellay choisit d’évoquer de manière pittoresque son pays natal, pour en faire l’éloge. On a dans le texte une série d’oppositions frappantes : il ose préférer la fragilité (ardoise) à la durabilité (marbre dur), l’obscurité du petit Liré à la célébrité (Tibre) et la douceur de l’Anjou à l’esprit de conquête de l’Empire romain (c’est ce qu’on peut entendre par « air marin »). Pour qualifier son village, Du Bellay emploie des déterminants possessifs : « mon » (v. 12 et 13) et des adjectifs hypocoristiques : « petit » (v. 5 et 13). Ou encore « pauvre » (v. 7). La place de ces adjectifs est importante. Il ne dit pas mon « village petit » ou ma « maison pauvre ». En mettant l’adjectif avant : « mon petit village », « ma pauvre maison », il montre son affection et sa proximité avec son pays natal. Il valorise ici la modestie de son pays natal face à l’orgueil démesuré de Rome. C’est étonnant, car de la part d’un humaniste on

s’attendrait plutôt à un éloge de Rome, capitale de la culture antique ! Pour souligner l’éloge et le blâme, Du Bellay emploie principalement l’antithèse. Les oppositions sont récurrentes dans le texte. On a d’abord une opposition entre les quatrains et les tercets, qui ne sont pas construits sur la même structure syntaxique. Mais ensuite, dans les tercets, on retrouve de nombreuses oppositions et antithèses : « gaulois » ≠ « latin » (v. 12) ; « dur » ≠ « fine » (v. 11) ; « marbre » ≠ « ardoise » (v. 11). On peut remarquer ici que Du Bellay préfère la fragilité de son petit village à l’éternité marmoréenne de Rome. Là encore, ce choix est surprenant, car le marbre est une pierre de taille de bien plus grande valeur que l’ardoise et Rome, la ville latine, est bien plus renommée que l’obscur village gaulois d’où est issu Du Bellay. Par ce jeu des oppositions et des antithèses, Du Bellay renverse en fait les attentes du lecteur (attentes qui étaient d’ailleurs les siennes avant d’arriver à Rome et d’être déçu par ce qu’il a découvert). Dans ce jeu des oppositions, on peut aussi expliquer « l’air marin » du dernier vers. « L’air marin » qualifie Rome car la ville est proche de la mer. Mais cette expression rappelle aussi Ulysse et Jason dont les voyages étaient maritimes. En fait, ici, Du Bellay affirme sa lassitude des voyages. En plus de la signification géographique (Rome est proche de la mer), il y a aussi une signification symbolique : Du Bellay préfère son pays natal et ne veut plus des choses prétentieuses qu’il a trouvées à Rome. Son petit village, avec sa modestie, lui paraît préférable. Le tableau de Brueghel illustre bien ce poème car on y trouve la ruine antique et le bateau prêt à partir, rappelant l’Odyssée d’Ulysse et peut exprimer visuellement le désir qu’éprouve le poète de retourner en France.

2. Transposer le poème Pour illustrer ce travail de réécriture poétique, on pourra proposer aux élèves l’écoute et l’étude des textes de deux réécritures musicales du sonnet de Du Bellay. Le poème, en effet, a inspiré Brassens et Ridan.



06/09/11 11:52

Séquence

¤‚

Michel de Montaigne, Les Essais, ⁄∞·∞ Livre de l’élève  p. ‹°‹ à ‹·¤

Présentation et objectifs de la séquence  p. ‹°‹ Les Essais de Montaigne constituent une étape essentielle dans l’histoire de l’écriture de soi. Des enjeux importants du genre y sont déjà posés. L’essai « Sur le démenti » aborde en particulier la posture et la sincérité de leur auteur. Il s’agit dès lors d’étudier la dimension humaniste de l’œuvre et de comprendre son rôle dans l’évolution du genre autobiographique.

⁄) Entrée dans l’œuvre : l’autoportrait

 p. ‹°›

Objectifs : – Comprendre la démarche de la représentation de soi à travers le genre de l’autoportrait. – Explorer les formes de l’autoportrait.

1. Le portrait frappe ici par sa ressemblance avec la tête du Christ. Son buste se détache sur un fond sombre et vide. Le peintre regarde droit devant lui et fixe le lointain d’un regard profond. Sa tête est mise en valeur par sa beauté : chevelure brune bouclée et détachée sur les épaules, figure éclairée par la lumière, de laquelle ressortent des yeux clairs en amande, une courte barbe et une moustache soignée. Ses riches vêtements bordés de fourrure tranchent par des coloris chauds. Il pose sa main droite sur sa poitrine. De chaque côté de la tête, le peintre a ajouté une inscription qui dénote une certaine fierté : date et signature du peintre et présentation du caractère autobiographique de l’œuvre. La gestuelle accentue la dimension christique du tableau : le geste de la main s’apparente à une ébauche de bénédiction sans arrogance ni intention blasphématoire pour autant. En effet, il s’écarte du Christ par quelques imperfections :

figure légèrement décalée par rapport au centre, raie des cheveux pas tout à fait au milieu, regard légèrement tourné vers la gauche, vêtements contemporains. Le tableau n’a pas une visée provocatrice, mais rappelle l’humanité du Christ, fils de Dieu fait homme. Dürer y exprime sa foi et sa reconnaissance pour ses dons artistiques.

2. Chacun des autoportraits se démarque par son originalité et son traitement inattendu du genre. On a vu comment Dürer dans son Autoportrait en manteau de fourrure (p. 384) se représente sous une forme christique, pour mettre en valeur son humanité. On retrouve là l’intérêt caractéristique des artistes de la Renaissance pour l’homme, objet du savoir et de l’art à qui il donne toute sa mesure. Dans son Autoportrait dans un miroir convexe (p. 386), Le Parmesan joue avec la perspective. Il représente son image reflétée dans un miroir qui provoque une déformation telle que le spectateur a l’impression d’être non devant un tableau, mais devant le miroir lui-même. Mais alors que cet accessoire, emblème à l’époque de la peinture, a pour fonction de représenter le réel, il déforme et métamorphose ici le portrait du peintre, comme le montre l’écart de taille entre la main au premier plan et la tête au second plan. Le peintre ne cherche donc pas à représenter l’immuable et le stable, mais une image fugitive et instable, révélatrice des 20 Les Essais |


327

06/09/11 11:52

transformations incessantes de l’être, du moi. Le peintre joue donc des nouvelles techniques artistiques pour saisir au mieux la nature fluctuante de l’homme. Le Titien présente une curieuse Allégorie de la prudence (p. 388) : trois têtes humaines de face et de profil surmontent dans la même posture trois têtes animales. Les têtes humaines représentent trois hommes de la même famille, symboles des différents âges de la vie humaine (jeunesse, maturité et vieillesse) et des trois formes du temps (présent, passé, avenir). Chacune est surmontée d’une inscription qui donne le sens du tableau et délivre un message moral : « informé du passé / le présent agit avec prudence / de peur qu’il n’ait à rougir de l’action future ». Ainsi sommes-nous appelés à relier ces trois âges avec les trois facultés qui caractérisent la prudence : la mémoire qui se remémore le passé et en tire les leçons, l’intelligence qui permet d’analyser le présent, la prévoyance qui anticipe l’avenir. Les trois animaux choisis (lion, loup et chien) qui semble former une monstrueuse tête tricéphale, sont ici aussi un symbole de la prudence. Le peintre explore donc ici une figure prisée par les humanistes : l’allégorie. Le Portrait de l’artiste avec un ami de Raphaël présente l’originalité d’être constitué d’un double portrait et non de l’unique autoportrait attendu. Le peintre se représente au second plan, la main posée sur l’épaule gauche de son ami et regarde le spectateur, alors que son ami se tourne vers lui et semble désigner du doigt quelque chose devant eux. Il tient sa main gauche posée sur la garde de son épée. On est frappé ici par la similitude vestimentaire des deux hommes (chemise blanche échancrée qui montre le cou, manteau noir). Le peintre, en s’associant à son ami, avec une apparence digne de frères ou de doubles, semble nous rappeler l’impérieuse nécessité de l’autre pour être soi. L’homme ne peut être homme s’il n’appartient pas à une communauté sociale. On voit donc à travers ces quatre tableaux l’extrême diversité de la représentation de soi et le lien qu’ils entretiennent avec les valeurs humanistes.


 p. ‹°›

Objectifs : – Savoir distinguer les différentes formes de l’écriture autobiographique. – Identifier les liens entre la naissance de l’individu et l’émergence des genres autobiographiques.

1. L’essai est un texte en prose qui aborde différents sujets de réflexion de façon libre et sans visée exhaustive. L’autobiographie est le récit, en prose et rétrospectif, que fait une personne réelle de sa vie. L’autoportrait désigne une œuvre où l’artiste se représente lui-même. Si l’on peut rapprocher l’autobiographie de l’autoportrait en ce que ces deux œuvres sont une représentation de l’artiste par lui-même, elles diffèrent cependant par leur nature, texte et image. De son côté, l’essai permet de mieux comprendre son auteur à travers les cheminements de sa pensée. Il n’aboutit donc jamais à une forme vraiment définitive, mais est toujours susceptible d’évoluer. Il se rapproche de l’autobiographie et de l’autoportrait car l’auteur peut devenir son propre objet d’analyse. Prolongement Hugo Friedrich a bien montré le lien entre autoportrait et essai : « Montaigne étudie Montaigne. Ce qui en sort n’est pas un portrait à l’unité achevée, mais pour ainsi dire un carton d’esquisses et d’études comme le peintre en fait à différentes heures de la journée, dans telle ou telle position, tantôt sous un éclairage, tantôt sous un autre, au hasard de l’instant vivement croqué » (Montaigne, tel Gallimard, p. 15).

2. L’humanisme place l’homme au cœur de ses préoccupations. Il est l’objet des recherches, des savoirs, des œuvres. On assiste à « l’émergence de l’individu ». Aussi l’humaniste s’interroge-t-il également sur lui-même. Il devient son propre objet d’étude à travers l’autoportrait dans la peinture et l’autobiographie en littérature.



06/09/11 11:52

‹) Sur le démenti

 p. ‹°∞-‹°·

Objectif : Définir les enjeux et les caractéristiques de l’écriture de l’essai L. 1-35 : Parler de soi ne va pas de soi Montaigne instaure une relation de communication particulière avec son lecteur. D’un côté, il le prend comme confident privilégié de ses réflexions. Il en accepte d’éventuelles remontrances : « cela est certain ; je l’avoue » (l. 4). Il utilise pour cela la première personne et autorise ainsi le lecteur à suivre sa pensée : « je sais bien » (l. 4), « je ne fais de lecture » (l. 21), « je ne vise pas » (l. 29). Il lui accorde finalement le statut privilégié d’un proche et d’un intime : « tout cela est […] pour divertir un voisin, un parent, un ami qui aura plaisir de me fréquenter de nouveau » (l. 30-31). D’un autre côté, il n’hésite pas à le provoquer en lui rappelant son comportement : « pour voir un grand et illustre personnage arriver dans une ville, on abandonne les ateliers et les boutiques » (l. 6-7). Il le défie aussi de suivre sa démarche : « la remontrance suivante est très vraie, mais elle ne me concerne que très peu » (l. 16-17). Au final, le lecteur apparaît comme un destinataire secondaire de l’œuvre. Il reçoit même une fin de non recevoir, comme s’il était de trop dans le tête-à-tête avec soi que sont les essais : « je parle en tête à tête » (l. 29). Le philosophe ne recherche donc pas à tirer gloire de ses écrits : « Je ne fais pas ici une statue pour qu’elle soit érigée au carrefour d’une ville » (l. 24). Il s’agit donc bien d’une relation entre séduction et défi. Le philosophe rapporte dans cet extrait certaines objections qu’il serait possible de lui faire. On pourrait ainsi reprocher à Montaigne d’écrire sans profit pour son lecteur car il diffère de « celui qui a des qualités pour se faire imiter » (l. 8-9). Le lecteur pourrait aussi lui rappeler la vanité naturelle de certains auteurs qui « déclament leurs écrits au forum et même dans les bains publics » (l. 22-23). Montaigne semble accepter le premier argument : « il est malséant de se faire connaître pour tout autre que pour celui […] dont la vie et les idées peuvent servir de modèle » (l. 7-9). L’utilisation du « on » dans cette partie de l’extrait montre que le philosophe s’inclut lui-même dans la catégorie des admirateurs des grands personnages. Mais il explique ses motivations par la nature même

de son œuvre d’abord destinée à lui-même : « je parle en tête à tête » (l. 29) ; puis, à sa destination, intime, dans « une bibliothèque » (l. 30) pour un cercle de proches. Enfin, le contenu même, limité à son expérience personnelle, n’a pas l’ambition de rivaliser avec de nobles sujets, car il est « si stérile et maigre qu’on ne peut pas lui adresser un reproche d’ostentation » (l. 34-35). Il convient donc de ne pas se fourvoyer sur les intentions de l’auteur et la place qu’il accorde à son œuvre. Le lecteur ne peut que trouver de l’intérêt dans la lecture des portraits des grands personnages de l’antiquité. Ils sont en effet les sources et les modèles du courant humaniste qui redécouvre la culture gréco-latine en accédant directement aux textes antiques. C’est pourquoi Gargantua (p. 362) en fait le pilier des lectures et des références de son fils Pantagruel. Il les cite comme objets d’étude dans l’apprentissage des langues et du style (Quintilien, Platon, Cicéron). Il les recommande aussi pour les études de médecine. Mais Gargantua n’oublie pas non plus de conseiller l’apprentissage des langues hébraïques et chaldaïques pour accéder aux textes sacrés. Du Bellay (p. 367) préconise quant à lui l’enrichissement de la langue française par les langues grecques et latines qu’il veut prendre comme références avant de les dépasser. Il en cite d’ailleurs quatre auteurs exemplaires : Homère, Démosthène, Virgile, Cicéron. Dante (p. 379) rencontre même aux Enfers le poète latin Virgile, lui déclare son admiration et lui exprime sa reconnaissance pour l’influence qu’il a eue sur son style. Il est donc naturel pour un écrivain humaniste comme Montaigne de témoigner de l’intérêt pour les grands personnages de l’Antiquité, à la fois inspirateurs et modèles d’une pensée nouvelle qui se considère comme leur héritière. Les écrivains humanistes manifestent une culture commune née de leur étude des textes gréco-latins. Ils partagent de fait la même éducation reçue dans les collèges et les universités, fondée sur la mémorisation des textes antiques. Mais ils lisent aussi les mêmes auteurs dont les manuscrits redécouverts en ce siècle sont diffusés par l’imprimerie et divulgués par les bibliothèques. Ils appartiennent enfin à la même communauté de lettrés qui n’hésitent pas à communiquer par lettre d’un bout à l’autre de 20 Les Essais |


329

06/09/11 11:52

l’Europe. Aussi n’est-il pas étonnant de lire des citations d’Horace et de Perse, deux poètes latins que le philosophe a abordés dès ses propres études.

philosophe et inscrivent sa démarche dans une évolution artistique du XVIe siècle, la naissance et le développement des arts de soi dans l’autobiographie et l’autoportrait.

Montaigne refuse de se magnifier en édifiant à sa gloire une statue monumentale : « je ne fais ici une statue pour qu’elle soit érigée au carrefour d’une ville ou dans une église ou sur une place publique » (l. 24-25). Il ne recherche pas le succès public et ne désire pas être pris en exemple. Il récuse ici les honneurs municipaux, ecclésiastiques, voire royaux, ordinaires à l’époque pour récompenser un acte ou une vie hors du commun. Il n’écrit ni mémoires ni journal destinés à l’édification morale du lecteur, mais écrit comme doivent écrire les gentilshommes : en amateur, avec toute la liberté de la conversation. Ce faisant, il réfléchit sur sa véritable nature, de manière à favoriser « d’autres relations avec moi sous cette image » (l. 32). D’autre part, une statue de marbre est immobile. C’est une représentation figée de soi. Or, ce que veut Montaigne, c’est se peindre en mouvement. En effet, le moi est changeant. Page 390, il compare son « mouvement informe » aux ondulations des « joncs que l’air fait mouvoir au hasard selon son gré ». Seule une encre vagabonde et naturelle peut capter ces infinies variations.

L’adjectif « consubstantiel » est formé de deux éléments. Sa racine « substance » se rapporte à la nature de quelque chose ou de quelqu’un. Le préfixe indique ici l’identité et la simultanéité. Un « livre consubstantiel à son auteur » doit donc se comprendre comme un livre inséparable de son auteur car fait de la même substance. Ainsi Montaigne signifie-t-il au lecteur qu’il n’a pas modifié son être profond en écrivant sur lui-même. Il s’est engagé au contraire à se dire tel qu’il est et qu’il parvient à s’analyser. On voit donc là toute l’originalité du lien qui identifie pleinement une œuvre et son auteur qui déclare en avertissement : « je suis moi-même la matière de mon livre » (l. 17, p. 397).

L. 65-92 : Connais-toi toi-même On trouve dans cet extrait de nombreuses métaphores empruntées à la peinture et à la sculpture. Le nom « portraits » (l. 47) ou le verbe « peindre » de l’« Avertissement au lecteur » (l. 13) jouent de leur ambigüité entre peinture et écriture. Mais le philosophe fait aussi référence aux techniques mêmes de ces deux arts. Ainsi reprend-il la technique du modelage (« moulant ce portait sur moi-même », « me façonner et mettre de l’ordre en moi ») qui, à la Renaissance, précède le moulage (« le modèle s’est affermi ») et la fonte de la statue (« formé lui-même », « pour extraire cette image »). La métaphore lui permet ainsi d’insister sur la difficulté de son entreprise et sa durée dans le temps. De la même manière, il recourt aux procédés picturaux pour tirer un bilan de son autoportrait : « Je me suis peint intérieurement de couleurs plus nettes que ne l’étaient celles que j’avais d’abord » (l. 69-71). Ces références à deux autres arts éclairent les intentions du

L’introspection est une méthode d’observation et d’analyse de soi. Le poète Du Bellay, déçu par son séjour en Italie (p. 364), revient sur luimême pour tirer un bilan négatif de son voyage. Il rappelle toutes les illusions qu’il avait avant son départ et les oppose avec amertume à sa situation à Rome. Telle n’est pas l’intention de Montaigne pour qui l’introspection est le moyen d’apprendre à se connaître et de se former. Aussi avertit-il le lecteur : « je veux qu’on me voit là tel que je suis dans ma forme simple, naturelle et ordinaire, sans effort et sans artifice » (l. 11-12, p. 397). Loin de le décourager, l’introspection l’aide aussi à se construire : « le modèle s’est affermi ». L’introspection reste donc pour Montaigne la meilleure méthode pour accomplir son projet : « je n’ai pas plus fait mon livre que mon livre m’a fait » (l. 71). L. 99-106 : Une œuvre nourrie de références antiques La parole de l’autre joue un rôle important dans l’écriture de Montaigne. Elle apparaît sous la forme de citations empruntées à des auteurs passés ou contemporains. Elles sont tellement nombreuses que l’auteur parle de « farcissure » (p. 390), non sans humour. Elles jouent un rôle stylistique et argumentatif en venant « émailler » ou « étayer » (l. 101) le texte du philosophe. Ainsi donne-t-il la parole à Marot, pour



06/09/11 11:52

exprimer le plaisir de pouvoir compenser certaines frustrations de la vie réelle dans l’écriture (l. 93-98). Mais elles sont aussi les modèles de pensée dont Montaigne se veut le continuateur « pour les seconder et les servir » (l. 106). Dans un autre passage des Essais, Montaigne explique précisément ce qu’apporte la connaissance des Anciens. Il y explique ce qu’il attend de l’éducation d’un enfant (p. 365). Les auteurs grecs et latins forment ainsi le corpus obligatoire des lectures sources de la culture. Mais l’élève doit apprendre par cœur les ouvrages au sens que Rabelais, le premier, donne à cette expression : les mémoriser avec courage, les incorporer avec passion et intelligence. Il est nécessaire qu’il se les approprie. Lire Aristote, Platon ou Xénophon constitue donc une base de connaissances, mais il faut s’approprier leurs pensées, les adapter et les prolonger pour devenir soi. L. 136-169 : La condamnation du mensonge : un pacte de sincérité Il est essentiel pour Montaigne de condamner le mensonge dans son projet des Essais car le philosophe veut se montrer tel qu’en lui-même. Il doit donc rester dans le vrai pour atteindre son but. Mais il souligne toutes les difficultés de cette entreprise, tant la vanité humaine pousse les hommes à se grandir involontairement, voire à mentir délibérément pour se grandir et pour rabaisser autrui, au point que l’on ne peut « les croire quand ils parlent des autres ». Le philosophe en dégage une raison historique : « on reproche ce vice depuis longtemps à notre nation » (l. 116). Aussi le mensonge est-il devenu un trait de société : « on s’y forme, on s’y façonne comme dans un exercice honorable » (l. 120-121). Cette condamnation du mensonge offre donc au texte de Montaigne une garantie de sincérité et une originalité propre à piquer la curiosité du lecteur et à le faire réfléchir. Montaigne fait l’éloge de certains modèles de sincérité empruntés en premier lieu à la culture gréco-latine. Il rappelle d’abord la condamnation morale du mensonge dans l’Antiquité, « premier fait qui montre la corruption des mœurs » (l. 110) et le rôle politique de la sincérité, nécessaire à « celui qui gouverne [la] république » (l. 113). Mais il puise aussi dans le modèle chrétien qui récuse toute utilisation du mensonge pour son impiété et ses répercussions sur

la société comme « témoignage du mépris de Dieu et en même temps crainte des hommes » (l. 137-138). Au-delà de son caractère blasphématoire, le mensonge, en instaurant la défiance au cœur des échanges, « rompt toutes nos relations et délie tous les liens de notre société » (l. 146). Cette double référence s’inscrit dans l’histoire de la Renaissance car elle traduit bien un retour aux sources gréco-latines, mais rappelle aussi la dimension religieuse des débats du XVIe siècle. Loin de rejeter Dieu, les humanistes gardent leur foi comme leur confiance dans l’humanité. La question du mensonge s’amplifie par la suite lors des querelles qui divisent catholiques et protestants. Le sauvage n’est pas nécessairement celui que lecteur attendrait. Montaigne fait référence dans cet extrait aux peuples « des Indes nouvelles » (l. 147). Ce passage sert à la fois à dénoncer les vices de la société européenne et à faire l’éloge de ces populations. Ainsi ceux qui revendiquent la civilisation et se prétendent ses défenseurs montrent-ils leur cruauté et il fustige « la désolation apportée par cette conquête » (l. 148). Leur barbarie va même jusqu’à effacer la preuve de l’existence des peuples soumis : « jusqu’au complet abolissement des noms et de l’ancienne connaissance des lieux » (l. 149-150). À l’inverse, les Indiens se caractérisent par la sagesse de leurs rituels purificateurs. Leur sacrifice de sang « tiré uniquement de leur langue et de leurs oreilles » (l. 151-152) révèle leur aversion pour le mensonge qu’ils considèrent comme un péché « entendu aussi bien que proféré » (l. 152-153). Cette anecdote valorise donc les qualités naturelles des peuples lointains et non pervertis par le mensonge. Les Européens font l’objet de critiques ; les auteurs dénoncent indirectement leur âpreté cruelle. Dans un autre passage des Essais, Montaigne présente le cannibalisme (p. 312), non pour prouver la barbarie des indigènes mais pour souligner celle des Européens, qui font pire. Ils revendiquent une supériorité morale sur les cannibales alors qu’ils sont responsables de morts encore plus cruelles car précédées de longues et terribles tortures. De la même manière, dans le texte de Diderot, l’image des Tahitiens se montre-t-elle bien plus positive que celle des Européens. Car ils vivent selon « le pur instinct de la nature » (l. 4). Leur mode de vie, qui récuse 20 Les Essais |


331

06/09/11 11:52

la propriété individuelle, exclut toute source possible de conflit, alors que les Européens se déchirent pour du superflu, « les commodités de la vie » (l. 37) sans obtenir finalement le bonheur. L’extrait étudié reflète lui aussi ce blâme des mœurs occidentales. Enfin, More (p. 359) et Rabelais (p. 360) présentent deux utopies qui condamnent implicitement les sociétés contemporaines et dénoncent un système fondé sur l’injustice et le manque d’éducation. Le pacte de sincérité de Montaigne s’inscrit alors dans un mouvement littéraire qui redonne sa place à la vérité, qu’elle concerne une population entière ou un écrivain en quête de lui-même.

›) Le cheminement de l’écriture

 p. ‹·‚

Objectif : Analyser les modalités d’écriture de l’essai.

1. Dans l’extrait étudié, le mot « démenti » qui appartient au titre de l’essai n’apparaît que dans le dernier paragraphe de l’extrait proposé : « quant aux différents usages de nos démentis » (l. 156). Puis, il réapparaît dans l’exemple pour caractériser les hommes de l’Antiquité qui n’hésitaient pas à « s’infliger réciproquement des démentis » (l. 163). On peut s’étonner de cette lenteur à aborder enfin le sujet principal annoncé par le titre. Et, à première lecture, le cheminement de Montaigne, cet art du détour, paraît conférer au texte, qui va « à saut et à gambades », en passant d’un thème à l’autre avant d’entrer dans le vif du sujet, un aspect décousu. 2. L’extrait semble cependant suivre le plan suivant : – Celui qui ne peut servir de modèle aux autres ne doit pas écrire sur lui-même. – Mais l’auteur n’est pas motivé par un désir de célébrité. – Et l’ouvrage vise à la modestie dans ses destinataires et dans ses contenus. – Car sa vie apparaît comme trop effacée. – Et ses vertus restent trop exceptionnelles. – Au contraire, ses ancêtres sont dignes de mémoire. – Mais peu importe si sa descendance ne retient rien de lui.

– Son livre servira au pire à l’emballage sur les marchés. – Mais l’auteur n’a pas perdu son temps dans son entreprise. – Au contraire, il en tire un plaisir personnel. – Car il a développé ses capacités de réflexion et a appris à maîtriser son imagination. – L’écriture lui a permis de compenser quelques frustrations de ne pas pouvoir tout dire. – Et sa démarche le rend plus attentif aux autres auteurs. – Son but reste de servir les grands auteurs. – Le mensonge est généralisé dans la France contemporaine. – Mais nous réagissons mal à des accusations de mensonge. – Car nous avons conscience d’obéir à la lâcheté. – Or le mensonge détruit notre relation à Dieu et aux autres. – Des peuples d’Indes nouvelles, eux, savent expier la tendance humaine au mensonge. – Et les Grecs assimilaient les mensonges à un jeu avec les mots. – Le démenti fera l’objet d’une analyse par la suite. L’analyse de ce parcours montre que l’apparent vagabondage recouvre un raisonnement construit où le philosophe commence par exposer ses motivations, puis explicite sa démarche et rappelle ses sources avant de s’engager dans un pacte de sincérité. Il pose donc le problème de la légitimité de sa démarche et veut gagner la confiance de son lecteur. Surtout, en mettant l’accent sur les emprunts et les sources, il attire l’attention sur un fait : il s’approprie différents textes antiques ; il pille leurs auteurs et juxtapose ses différents butins. Son essai est donc constitué de morceaux décousus, bigarrés, empruntés ici ou là. Mais c’est lui qui les coud ensemble et leur confère un sens nouveau. En cela, il est « auteur », original. Il peut dire « je ». Et s’il veut se connaître lui-même, faire l’essai de ce qu’il est et de ce qu’il vaut, il peut relire son texte, miroir de sa pensée en pleine élaboration.

3. Pour Montaigne, l’écriture doit suivre un libre cheminement. L’idée naît en effet des lectures d’un philosophe qui aime passer d’un livre à l’autre « sans ordre et sans dessein ». Elles suscitent chez lui des « rêveries » qui amorcent librement ses réflexions et ses premières notations : « tantôt je note et je dicte » (texte 1). Cette



06/09/11 11:52

liberté de démarche se retrouve aussi dans l’élaboration du texte. L’auteur l’enrichit constamment d’édition en édition : « j’ajoute, mais je ne corrige pas ». Mais il se refuse à donner une version définitive qui figerait son parcours et ne tiendrait compte que d’un seul état de sa pensée : « moi à l’heure qu’il est et moi il y a quelques temps nous sommes bien deux ; mais quand le meilleur ? » (texte 2). Il préfère donc laisser vagabonder son écriture qui trouve malgré tout une cohérence : « mes idées se suivent, mais parfois c’est de loin ». Car ces détours ne sont jamais sans rapport avec le sujet annoncé : « il se trouvera toujours dans un coin, un mot concernant le sujet qui ne manque d’être suffisant » (texte 3).

∞) La réception de l’œuvre

 p. ‹·‚

Objectif : Apprécier la controverse de la réception de l’œuvre.

1. Pascal reproche à Montaigne sa visée : (« le sot projet qu’il a de se peindre ! ») et son sujet (« par un dessein premier et principal »). Ce jugement reflète bien l’idéal janséniste qui récuse le moi : « Le moi est haïssable ». Au XVIIe siècle, au moment où l’individu n’existe pas sous la monarchie absolue, le moi est rejeté sur le plan religieux : pour Pascal, chaque individu, mu par la vanité, voudrait être comme le centre du monde. Chacun veut être admiré et dominer autrui, ce qui ne peut que déboucher sur des conflits sans fin. Enfin, sur le plan artistique, l’originalité à tout prix est repoussée au profit de l’impersonnalité. 2. De son côté, Gide tente de justifier la démarche de Montaigne qui lui paraît ne « véritablement connaître rien, que lui-même ». Il analyse dès lors sa posture contradictoire qui balance entre « extraordinaire défiance » et « assurance » selon ses sujets. Aussi Montaigne préfère-t-il ne parler que de ce qu’il connaît, c’est-à-dire de lui-même. 3. Montaigne, même s’il est son propre sujet d’analyse, ne s’enferme pas dans une méditation égoïste. Au contraire, sa lecture peut paraître agréable et accessible justement par sa démarche vagabonde. Elle lui permet d’aborder de nombreux sujets de réflexion, qui paraissent d’autant

plus naturels qu’ils semblent traités au fil de sa pensée. Le lecteur, qui suit ce vagabondage, est amené progressivement au sujet principal. Il adhère dès lors sans réticence aux interrogations du philosophe et à sa posture de doute pour atteindre la vérité. Finalement, le texte de Montaigne révèle autant le lecteur que son auteur, car c’est l’homme dans son « humanité » qui est au cœur de ses écrits.

§) Fiche de lecture ⁄ : Je et les autres

 p. ‹·⁄

Objectifs : – Comprendre les liens entre les Essais et l’émergence de l’individu. – Repérer la dimension philosophique du texte. Les Essais et la peinture du « moi : un autoportrait littéraire » 1. L’œuvre de Montaigne relève de l’écriture de soi, cependant elle se distingue des autres genres autobiographiques. Dans les mémoires, un personnage public raconte les événements auxquels il a participé. Or, Montaigne rappelle la modestie de son existence qui ne peut servir de la même manière au lecteur. Dans le journal intime, le narrateur raconte ses pensées au jour le jour pour les fixer, ce qui n’est pas l’objectif de Montaigne dont la pensée vagabonde et se transforme en rêverie susceptible d’évoluer. Dans l’autobiographie, le narrateur revient à ses origines pour retracer la genèse de son individualité. La visée n’est pas la même chez Montaigne qui, pendant vingt ans, traite de tous les sujets possibles sans focaliser sa réflexion uniquement sur sa personne. Les Essais représentent donc une démarche originale dans l’écriture de soi.

2. L’autoportrait appartient d’abord à la peinture, mais il désigne aussi un certain type de textes autobiographiques auquel appartiennent les Essais. Si le philosophe ne se décrit quasiment pas sur le plan physique, il recourt néanmoins à la métaphore picturale pour mieux faire comprendre sa démarche et à plusieurs reprises, utilise le verbe « peindre ». On peut aussi parler d’autoportrait car le philosophe tente de saisir ce qu’il est à un moment donné sans renier 20 Les Essais |


333

06/09/11 11:52

cependant ce qu’il a été ou ce qu’il sera. C’est aussi ce que fait le peintre dans les différents autoportraits qu’il réalise au cours de sa carrière et qui fixent son image au moment de leur réalisation. On constate donc de l’un à l’autre l’évolution du peintre à la fois dans ce qui est représenté et dans la manière de le faire. Les modalités d’inspiration en peinture ne sont pas non plus sans rapport avec le « vagabondage » de Montaigne. Le peintre de la Renaissance apprend son métier chez différents maîtres dont il est l’apprenti. Il s’exerce donc d’abord à copier et l’on peut identifier chez un peintre telle ou telle influence pour la représentation du corps, du paysage, pour l’emploi des couleurs… C’est ainsi qu’il trouve son style propre. Il en va de même pour Montaigne. Nourri des penseurs antiques, il les cite, les copie et les commente. À tout cela, se mêlent les réflexions de l’auteur sur la conduite de sa propre vie, réflexions qui débouchent sur de grands sujets qui préoccupent tous les hommes (la vie en société, la solitude, la mort, etc.). C’est ainsi que, progressivement, émerge une pensée personnelle. Loin de gommer ensuite tous les emprunts, il décide de les laisser, comme autant de témoignages des étapes de sa pensée. Enfin, le peintre peut aussi retoucher son tableau comme Montaigne s’autorise des additions pour les différentes éditions. Car au-delà de son modèle, l’autoportrait pictural comme littéraire tente de représenter l’individu non comme unique, mais comme l’illustration de la constance de la nature humaine.

HISTOIRE DES ARTS 3. La consigne appelle à faire un choix par goût et à lui appliquer d’abord une grille d’analyse qui relie son contenu à la vie et à la carrière de son peintre. En ouverture, un parallèle sera fait avec les autoportraits de la Renaissance. Il ne manque pas d’autoportraits dans l’histoire de la peinture, mais l’on peut donner quelques pistes qui sont loin d’être exhaustives : Poussin, Johannes Gumpp, Rembrandt, Van Dyck et Rubens au XVIIe siècle ; Chardin et de La Tour au XVIIIe siècle ; Van Gogh, Courbet, Ingres au XIXe siècle ; Cézanne, Renoir, Nussbaum, Frida Kahlo, Picasso, Bacon au XXe siècle… L’émergence de l’individu 4. Les Essais reflètent l’émergence de l’individu de la même manière que l’autoportrait en

peinture. Pourtant, Montaigne parle très peu de lui, de son parcours. Lui-même n’a pas l’air de se souvenir des faits marquants de son existence, feignant d’oublier combien de ses enfants sont morts en bas âge. De manière tout à fait significative, l’essai qui devait narrer la vie de son meilleur ami, La Boëtie, ne compte qu’une page. Il reste muet sur sa vie intime, mutique même lorsque les souvenirs sont trop douloureux. Faire le récit de sa vie n’est donc pas le but premier de son œuvre. Que veut-il alors ? « Faire l’essai de son jugement » : quand il se donne un sujet d’essai (comme « l’amitié », « les prières », etc.), il se souvient de ses lectures, confronte sa pensée à celle des maîtres anciens, se teste, s’essaie. Il se met à l’épreuve pour « voir ce qu’il y a de bon et de net au fond du pot ». La sincérité est absolument nécessaire. C’est ainsi qu’il apprend à se connaître, sans vouloir édifier le lecteur. C’est en ce sens qu’il revendique le droit à la subjectivité. Le moi devient la matière de sa réflexion. Il suit en cela le mouvement amenant chaque individu pendant la Renaissance à reconsidérer sa place dans un monde plus ouvert dans l’espace et le débat. Montaigne accorde une grande importance à autrui, auquel on se compare et se confronte pour mieux se comprendre soi-même. Lorsqu’il fait la connaissance de « sauvages », par exemple, il voit en eux un miroir pour mieux se voir.

5. La démarche de Montaigne peut paraître étonnante aux yeux de son lecteur qui attend une formation morale sur le modèle des personnages illustres. Que ce soit en littérature ou en peinture, il veut pouvoir admirer le narrateur et ses exploits comme dans les mémoires, la force de son caractère et ses réactions dans le journal intime, le sens d’une destinée dans l’autobiographie. Or, Montaigne ne propose rien de cela dans son œuvre. « Humble et sans gloire », il veut peser le pour et le contre (la flèche de la balance se dit « exagium » en latin et a donné le mot « essai » en français) ; il entend essayer et tester ses pensées au contact d’autrui. Cela demande du temps, exige des tours et détours. Cela réclame aussi que l’on revienne périodiquement sur ce que l’on a écrit. Lorsqu’on regarde les brouillons de Montaigne, ils portent la trace de ce travail : les ajouts envahissent les marges, les interlignes. Seule la mort interrompt ce travail sur soi, de soi.



06/09/11 11:52

6. L’intimité ne se dévoile pas encore au XVIe siècle et même les journaux intimes des personnages illustres restent secrets sur ce chapitre. On trouve cependant quelques allusions au domaine du privé dans l’extrait « Sur le démenti ». Le cercle des familiers apparaît dans le texte, avec la mention des destinataires de l’essai (« voisin », « parent », « ami », l. 30-31). La famille est même mentionnée à travers les souvenirs très concrets que Montaigne a gardés de ses ancêtres (« l’écritoire, le sceau, des livres d’heures et une épée personnelle », l. 49-50). Mais il s’agit surtout d’une « autobiographie intellectuelle ». Le lecteur entre avec le philosophe dans son lieu de réflexion et d’écriture, son cabinet (l. 50). Il apprend les lectures faites par le philosophe dans son intimité grâce aux différentes citations qui émaillent son texte. Il suit les méandres de son cheminement intérieur, découvrant, chemin faisant, l’aveu des frustrations nées des interdits de la « civilité et de la raison « (l. 93-94). Il découvre une pensée inavouable mais confessée parce qu’elle prend place dans un parcours réflexif. Cette intrusion dans l’intimité n’a rien de gratuit. Il en va de même pour les allusions au domaine public, comme l’entrée des grands personnages dans une ville (l. 6 et sq.) qui constitue au XVIe siècle une fête publique ou la référence aux statues d’hommes illustres que l’on construit pour que les grands hommes servent de modèle et participent ainsi à l’édification des masses. Enfin, les menus faits de la vie quotidienne trouvent aussi leur place dans l’écriture qui avance et se cherche. On le voit avec l’allusion à l’utilisation des papiers imprimés invendus comme emballage des marchandises (l. 60). Deux autres thèmes publics plus sérieux sont évoqués enfin par le philosophe, la pratique du duel, liée à l’offense du « démenti » (l. 124 ou 156) et la conquête de l’Amérique dans ses tragiques effets (l. 147).

Présence de l’autre : la culture humaniste 7. À l’instar des autres humanistes, Montaigne est pétri de culture antique, comme le montrent ses différentes références aux textes grecs et latins. On y distingue des textes littéraires comme les extraits de poèmes d’Horace et de Perse (p. 385), de Martial et de Catulle (p. 386) et des œuvres plus tardives, comme Salvien de

Marseille (p. 388). Les textes grecs antiques sont cités aussi : Xénophon (p. 385), Pindare et Platon (p. 388). Le philosophe montre encore sa connaissance de l’histoire antique à travers les témoignages sur les hommes illustres : César, Auguste, Caton, Sylla, Brutus, Alexandre, acteur et héros de l’histoire grecque et romaine (p. 385). La littérature des premiers chrétiens lui sert aussi de référence à travers Saint-Augustin (p. 386). Mais l’écrivain n’hésite pas non plus à citer des œuvres plus récentes comme son contemporain Marot (p. 387) ou l’espagnol Lopez de Gomara (p. 389). Ces références nombreuses et variées montrent l’étendue de la culture de Montaigne et l’aident à illustrer son raisonnement. Surtout, elles influencent sa pensée : ce sont des sources nourrissant sa réflexion. Elles agissent encore sur son style : Montaigne avoue aimer la « bigarrure », patente dans l’accumulation et la juxtaposition de pensées empruntées à autrui. Le texte de Montaigne apparaît donc comme un émaillage impressionnant de références culturelles antiques et contemporaines. Mais c’est lui qui fait le lien entre tous ces extraits.

8. Même si le philosophe farcit son texte de références et de citations, sa démarche ne remet pas en question sa sincérité. Les citations restent d’abord trop brèves pour constituer une sorte de « copier-coller » d’une autre pensée. Il ne prétend pas d’ailleurs en maîtriser toutes les nuances (l. 103). Il ne vise pas non plus à reproduire servilement le raisonnement des autres. Il s’en présente plutôt comme l’héritier et le continuateur, « pour les seconder et les servir » (l. 106). Sa sincérité ne peut donc être mise en doute dans cette démarche d’appropriation personnelle des modèles antiques. 9. La formule « Que sais-je ? » est gravée sur les poutres du cabinet de travail de Montaigne. Elle est significative de la posture intellectuelle du philosophe. Le refus des certitudes, le questionnement sceptique fondent sa démarche qui s’inscrit bien dans l’esprit humaniste caractérisé par la curiosité intellectuelle et l’expérimentation. La variété des titres des Essais témoigne de ces interrogations dans tous les domaines : le scepticisme (De l’incertitude de notre jugement), la mort (Que philosopher c’est apprendre à mourir), les préjugés (Que le goût des biens et des maux dépend en bonne partie de l’opinion que nous en avons), la 20 Les Essais |


335

06/09/11 11:52

vanité (Comme l’âme décharge ses passions sur des objets faux, quand les vrais lui défaillent), l’inconstance (De l’inconstance de nos actions), l’éducation (De l’institution des enfants), la nature humaine (Des cannibales)...

Le « moi » de Montaigne, miroir de la nature humaine 10. Quoique Montaigne soit lui-même la matière de son livre, les Essais se présentent aussi comme une réflexion générale sur la nature humaine. Or, le philosophe insiste sur la modestie de son existence qui ne peut être prise comme modèle par le lecteur. Mais sa démarche trouve son originalité dans son aboutissement. Le philosophe rappelle en effet que l’introspection est une méthode reconnue, mais moins accomplie chez les autres, « ceux qui s’analysent en pensée seulement, et oralement, une heure en passant » (l. 75-76). Sans doute fait-il ici allusion à l’examen de conscience quotidien recommandé aux fidèles du XVIe siècle. De son côté, il réalise une introspection complète en tenant « un registre permanent avec toute sa foi, toute sa force » (l. 78-79). Elle le conduit alors à scruter ce qu’est un homme particulier et réel. Il s’éloigne ainsi des théories générales, dont il se défie. Il préfère partir du concret pour dégager l’essence de son humanité, commune aussi au lecteur, car « chaque homme porte en lui la forme entière de la condition humaine ». Au-delà de son individualité, Montaigne fait donc porter sa réflexion sur tout être humain.

11. Montaigne dénonce surtout le mensonge, qui lui apparaît comme le vice le plus caractéristique du peuple français au XVIe siècle (l. 116). Ce défaut menace autant la relation à Dieu que la relation à l’autre (l. 136 et sq.) Il s’agit donc pour lui de retrouver les origines de cette situation (l. 159) pour mieux la dénoncer et en décrire les effets sur l’homme. Mais le philosophe dénonce aussi la vanité (l. 22), l’esprit de domination et la cruauté (l. 147 et sq.). L’ouvrage a donc bien une portée critique que souligne la fin de l’extrait. L’auteur y annonce une analyse des vices qu’il veut transmettre au lecteur : « dire ce que j’en sais » (l. 158), « j’apprendrai » (l. 158), « peser et mesurer si exactement » (l. 160)

‡) Fiche de lecture ¤ : Une écriture sans fin

 p. ‹·¤

Objectifs : – Analyser les motivations biographiques de l’œuvre. – Mesurer la portée des Essais chez les lecteurs. L’essai, genre de l’inachèvement 1. La nature humaine apparaît chez Montaigne comme soumise à l’instabilité. Ses caractéristiques « se changent et se diversifient », ce qui rend difficile son analyse par le philosophe tant l’être est « trouble et chancelant ». Elle change donc constamment et connaît une série d’états provisoires qui oblige l’auteur à dépeindre l’homme « dans l’instant où il [s’]occupe de lui ».

2. Pour autant, le genre de l’essai parvient à capter le « moi », sans le figer, grâce aux choix d’écriture de Montaigne qui délaisse sa part immuable (« je ne peins pas l’être ») pour s’attacher précisément aux changements, même les plus infimes et les plus rapides : « je peins le passage […] de jour en jour, de minute en minute ». 3. En abordant de manière discontinue différents sujets de réflexion, le genre de l’essai paraît le plus adapté à la transcription des pensées vagabondes de l’auteur. Le philosophe peut ainsi passer d’un fragment à l’autre et lui laisser un certain inachèvement avant d’aborder un autre thème et respecter la fluidité de la nature humaine sans l’enfermer dans une narration suivie. L’essai, tentative de prolonger une amitié achevée tragiquement 4. Étienne de la Boétie (1530-1563) est un écrivain humaniste et un grand ami de Montaigne qu’il rencontre, après de brillantes études de droit, quand ils sont tous les deux magistrats à Bordeaux. Mais La Boétie meurt à 33 ans, assisté dans son agonie par le philosophe qui rédigera pour cette occasion son essai sur l’amitié. Cette rencontre influence profondément Montaigne qui admire l’exigence morale, le stoïcisme et l’engagement de son ami. Il voit en celui-ci un alter ego. On peut citer à cet effet une des phrases les plus célèbres de Montaigne, qui



06/09/11 11:52

évoque la naissance de leur amitié comme un coup de foudre : « parce que c’était lui, parce que c’était moi ». La sentence est calibrée comme un alexandrin, avec césure à l’hémistiche. Le parallélisme de construction et la coupe mettent en écho les deux pronoms « lui » et « moi ». L’un est le reflet de l’autre. C’est ce qui rend leur amitié précieuse. Perdre un ami, c’est perdre la moitié de soi. Ne plus pouvoir dialoguer avec lui, c’est ne plus avoir de répondant ; c’est perdre le double qui vous reflète et vous permet de vous connaître. On ne peut plus alors répondre à la question « que sais-je ? ».

5. Montaigne attend parfois de son lecteur qu’il occupe la place laissée vide par La Boétie. Il fait office de miroir, de double, souvent bien mal. C’est pourquoi Montaigne introduit le lecteur dans son intimité et lui ouvre son esprit en le faisant cheminer dans ses raisonnements. Comme pour un ami, il ne cherche pas à dissimuler ce qu’il est vraiment. Il en avertit le lecteur : « je veux qu’on me voie là tel que je suis dans ma forme simple, naturelle et ordinaire, sans effort et sans artifice ». Aussi n’hésite-t-il pas à évoquer ses petits moments d’humeur (p. 387). Il l’introduit dans son intimité en évoquant les siens ou sa maison (p. 386). Il lui raconte aussi éventuellement une anecdote (p. 275), lui donne des conseils (p. 377) et répond à d’éventuelles remontrances (p. 385). Enfin, partout il l’associe à son cheminement intérieur en utilisant le pronom « nous ».

Une écriture de la mélancolie 6. Le personnage allégorique de l’ange semble enfermé dans ses sentiments. Il délaisse toutes ses activités et tous les outils du savoir gisent à terre, délaissés, pendant qu’il porte sur le monde un regard sombre et vague, replié sur lui-même.

7. L’écriture apparaît comme un dérivatif à la douleur de Montaigne abattu par la mort de son ami La Boétie. Il y cherche un moyen de mettre fin à sa solitude provoquée par la perte de l’alter ego et l’enfermement dans sa douleur : « humeur produite par le chagrin de la solitude ». L’écriture permet donc d’esquiver la souffrance sans plus penser à sa source. 8. Si les Essais offrent à Montaigne une consolation de son deuil, on comprend donc qu’ils

ne peuvent prendre fin qu’avec la mort de leur auteur. Leur écriture ne peut qu’accompagner chaque moment de son existence et chaque variation de son état moral. À terme, les Essais paraissent comme indispensables au philosophe tant ils lui sont « consubstantiels ».

Converser avec le lecteur 9. Plusieurs marques du dialogue apparaissent dans les textes de Montaigne. Le jeu des pronoms renforce cette communication. Les Essais sont en effet écrits à la première personne du singulier, signe d’une énonciation directe. Un destinataire est bien présent dans l’Avertissement (p. 397) sous la forme de la deuxième personne du singulier ou de l’interpellation : « Au lecteur ». Mais souvent le philosophe associe le lecteur à sa démarche avec le pronom « nous », par exemple page 275. Le texte est d’ailleurs destiné « pour autrui » (p. 386). On trouve aussi une marque d’oralisation au début de l’extrait « Sur le démenti » (« oui », l. 1).

10. La majorité des œuvres de Platon se présentent sous la forme de dialogues philosophiques sur un sujet donné, comme le beau ou le courage. Sa démarche peut avoir influencé Montaigne, car jamais le philosophe grec ne s’en tient à une certitude figée. Parfois même, il aboutit à des impasses et le lecteur reste sans solution. Quand le dialogue se termine sur une réponse plus ferme, elle n’apparaît enfin jamais comme unique et définitive. 11. Le texte de Montaigne peut paraître d’un abord difficile pour le lecteur. Il suppose d’abord d’avoir une bonne culture antique pour maîtriser les références de Montaigne et de connaître le grec et le latin ou l’italien pour les comprendre au premier abord. La lecture nécessite aussi d’avoir l’esprit clair et opiniâtre pour suivre les vagabondages du philosophe. Il est donc souvent amené à pointer les étapes du raisonnement, voire à revenir en arrière pour saisir les liens entre elles. Enfin, le lecteur doit être capable de prendre la mesure de différentes additions qui rendent compte des changements du texte dans les éditions successives. Le lecteur du XVIe siècle peut ainsi voir le sens du texte changer, tandis que le lecteur d’aujourd’hui doit comprendre les nuances qu’apportent ces différentes additions. 20 Les Essais |


337

06/09/11 11:52

Converser avec Montaigne comme avec un ami 12. Flaubert et Zweig analysent le rapport qu’ils entretiennent, plusieurs siècles après avec Montaigne. Flaubert insiste sur l’identité qu’il sent entre le philosophe de la Renaissance et lui. Il se retrouve totalement dans le texte de Montaigne dans ses « sentiments », ses « goûts », ses « opinions », sa « manière de vivre » et ses « manies ». Il explique cette parenté par

l’influence qu’a eue le philosophe quand il était jeune. « Je m’en suis bourré toute une année à dix-huit ans ». Aussi le considère-t-il comme un ami avec qui échanger. Zweig admire, pour sa part, la démarche de Montaigne qui l’amène à dégager et mettre en valeur sa subjectivité. Il apprécie donc l’individu Montaigne libéré des contraintes morales et intellectuelles de son temps. Il le prend comme modèle pour « fortifier » la nature de chacun.



06/09/11 11:52

Vers le bac : « Éloge et blâme du souverain » QUESTIONS SUR UN CORPUS 1. Les textes du corpus proposent des images du souverain très différentes, qui peuvent être classées selon qu’elles font l’éloge ou le blâme de celui-ci. Ronsard présente le souverain idéal comme un souverain humaniste : il doit connaître l’art de la guerre, mais aussi les autres savoirs, afin d’être à l’image d’Achille. En cela, il doit être un souverain humaniste. De même, le texte 4, issu du Portrait mythologique de François Ier, propose une vision du souverain idéal, rassemblant toutes les qualités. Rabelais propose, quant à lui, un contre-portrait ironique : à travers le portrait de Picrochole, c’est l’image même de ce que ne doit pas être le roi qu’il présente. La position de Machiavel est plus ambigüe puisqu’il fait l’éloge d’un souverain cruel : selon lui, le Prince ne doit pas être aimé mais craint, et sa cruauté garantit la stabilité et l’efficacité du pouvoir, partant la sécurité de tous. Il est intéressant de remarquer que ces textes font souvent référence à des souverains réels. Le texte 4 fait l’éloge de François Ier, celui de Ronsard le portrait idéal de Charles IX (même si ce portrait ne s’avèrera pas exact car Charles IX sera l’instigateur de la Saint Barthélemy) et le texte de Rabelais la critique de Charles Quint. Les procédés littéraires mobilisés au service de ces visées sont divers. Machiavel adopte les procédés de la conviction grâce à un texte argumentatif clairement construit. Rabelais préfère les procédés du comique : comique d’énumération, comique de mots, comique d’exagération. Ronsard adopte une forme argumentative de poésie et la réécriture de récits mythologiques. 2. Les conceptions du pouvoir idéal qu’expriment ces auteurs correspondent de façon plus ou moins explicite aux idéaux humanistes. Cette appartenance au mouvement humaniste est très claire pour le texte de Ronsard, qui donne à Charles IX un modèle antique, Achille, de même que le texte 4, qui attribue à François Ier les qualités de tout un panthéon

 p. ‹·‹ à ‹·§

romain : Mars, Minerve, Diane, Amour et Mercure. On retrouve la même démarche chez Rabelais, même si l’assimilation de Picrochole à Alexandre, Hercule et Auguste est évidemment ironique. La dimension humaniste de Machiavel est plus problématique. En effet, sa vision pessimiste de l’homme et de la nature humaine s’oppose à l’optimisme et à l’éloge de la dignité humaine des humanistes. On acceptera donc de la part des élèves une réponse qui mettrait Machiavel à part. Cependant, l’approche du pouvoir selon Machiavel reste humaniste en ce qu’il défend une vision laïque du pouvoir, où le pouvoir a une valeur en tant que tel et non pas seulement par délégation de Dieu. Ainsi, le fait que seule compte l’efficacité du gouvernement du Prince, et que cette efficacité se mesure non seulement à l’aune de la pérennité de son pouvoir, mais aussi au bien commun est humaniste : l’intérêt de « tous » prime sur l’intérêt d’un « particulier ».

TRAVAUX D’ÉCRITURE Commentaire 1) Des conquêtes démesurées a) Champ lexical des conquêtes et modèles héroïques que les conseillers proposent à Picrochole (Alexandre, Hercule, Auguste) b) Procédé de l’énumération par laquelle les conseillers passent le monde en revue pour donner une dimension universelle aux conquêtes de Picrochole c) Procédés stylistiques de l’exagération : hyperboles, tournures exclamatives, rythmes croissants 2) Des conquêtes comiques a) Formes du comique développées par Rabelais dans cet extrait : comique d’énumération, comique de mots, comique de décalage entre la dimension héroïque des conquêtes et les préoccupations matérielles de Picrochole b) Le temps des verbes dans ce récit de conquête suscite également le rire du lecteur : du futur, on passe au présent (l. 25), puis au passé composé Vers le bac |


339

06/09/11 11:52

(l. 37). Ces temps semblent indiquer que la conquête est déjà achevée alors qu’elle n’a pas encore commencé. 3) La critique des conquêtes a) Les nombreuses références antiques témoignent de la culture humaniste de Rabelais, ici mise à distance par le registre comique b) La théâtralisation du texte et le fonctionnement du dialogue construisent la figure du mauvais conseiller : enchaînement des répliques et jeu des objections c) Par le biais des allusions historiques, Rabelais fait implicitement la satire de Charles Quint

3) L’écriture humaniste au service d’un projet politique a) L’utopie b) L’éloquence et le discours argumentatif : en demandant à Castiglione d’écrire Le Courtisan à l’intention de sa cour, François Ier cherche à établir un nouvel art de vivre à la cour. L’ouvrage de Machiavel ou les Discours de Ronsard construisent également un projet politique. c) Les formes de la critique : l’ironie et le comique chez Rabelais, la satire et l’allégorie chez Agrippa d’Aubigné

Dissertation

Le dialogue entre les deux humanistes devra ménager des points d’accord et de désaccord. Le dialogue peut commencer sur le point d’accord suivant, qui sera développé par l’un des interlocuteurs, et renforcé par l’autre : le Prince doit être instruit par un humaniste car l’intelligence du souverain est nécessaire à la pérennité de son pouvoir et à la bonne administration de ses états. Le Prince, pour Machiavel, Ronsard, mais aussi Rabelais par exemple, doit être savant, cultivé, mais aussi maîtriser l’art de la guerre et de la violence physique. Les points de vue pourront diverger par contre sur l’image du souverain à laquelle cette éducation humaniste doit aboutir. – Pour Ronsard, le Prince doit être un modèle à imiter : un héros du savoir et un héros guerrier. Cette conception du souverain, parangon de perfection, implique un projet moral. Le roi, en tant qu’homme, doit être un superlatif du sujet moral : crainte de Dieu, respect de la religion, etc. – Pour Machiavel, au contraire, le Prince ne doit pas être imité ni admiré ou aimé, mais craint. À cette conception seule tient l’efficacité de son pouvoir et la paix qu’il sera capable d’établir dans son État. Ces différences tiennent à deux conceptions de la nature humaine. Celle de Ronsard est plus optimiste et plus conforme à l’idéal humaniste qui proclame la dignité humaine. Celle de Machiavel est plus pessimiste et souligne les défauts de la nature humaine. La conséquence en est que Ronsard développe un point de vue idéal tandis que Machiavel propose une pratique du pouvoir qui se veut davantage fondée sur la réalité de la nature humaine et sur l’efficacité. Le dialogue entre les deux humanistes peut faire pencher la balance d’un côté ou de l’autre, en respectant les divergences majeures de ces deux positions.

1) L’humaniste, conseiller du Prince a) La cour : le rôle politique qu’un écrivain humaniste peut prétendre jouer est intimement lié au fonctionnement social et politique du temps : la cour. L’humaniste conseiller du Prince entretient un rapport de subordination au Prince b) Un discours au service du Prince : l’humaniste doit être au service du Prince et son discours doit glorifier la fonction et la personne royale. C’est le cas par exemple de Ronsard c) Le maître humaniste et le Prince disciple : selon Ronsard, le poète joue auprès du Prince le même rôle que celui du centaure Chiron auprès d’Achille. Le souverain doit être éduqué de façon humaniste. Rabelais ne dit pas autre chose dans la lettre que Gargantua envoie à son fils Pantagruel 2) La société idéale selon les humanistes a) Une société éduquée : les utopies et les modèles de société prônées par les humanistes, en particulier Rabelais et Thomas More valorisent l’éducation humaniste b) Une société harmonieuse : les sociétés idéales que décrivent les utopistes du XVIe siècle présentent une société aristocratique. En aucun cas les hommes n’y sont tous égaux. Mais tous participent, selon leur place dans la hiérarchie, place acceptée par tous, au bien-être commun c) Une société vertueuse : Rabelais et Thomas More posent la vertu au cœur de leur projet de société. Cette croyance en l’homme est révélatrice de la pensée humaniste qui valorise la dignité humaine. Elle peut cependant être modérée par la vision plus pessimiste que propose Machiavel ou par les tourments de l’Histoire, en particulier les guerres civiles et guerres de religion

Écriture d’invention



06/09/11 11:52

Chapitre

6

Les réécritures, du XVIIe siècle à nos jours Livre de l’élève  p. ‹·° à ›‹°

Présentation du chapitre  p. ‹·° Objectifs Faire réfléchir sur la création littéraire en envisageant les procédés de reprise et de variation par rapport aux œuvres, aux formes et aux codes d’une tradition littéraire. Faire prendre conscience du caractère relatif des notions d’originalité et de singularité stylistique. Faire entrer plus avant l’élève dans l’atelier de l’écrivain. Le chapitre découvre les modalités de réécriture – ses formes et ses fonctions – et envisage les démarches de réappropriation d’un héritage littéraire. Il envisage également les motivations de l’écrivain qui s’inscrit dans ces démarches.

Organisation La première séquence est axée sur les objectifs de l’écrivain qui se lance dans un travail de réécriture. Il s’agit de mesurer la variété des intentions et des dispositifs. De l’hommage à la parodie, de l’imitation au plagiat, de la variation à la transposition, l’élève pourra appréhender les différentes créations à partir d’un texte source. La seconde séquence, consacrée à l’histoire des arts, propose un regard sur la figure du vampire à travers les époques et les arts. Le choix d’une figure mythique familière aux élèves permettra d’aborder « les problématiques de réécriture de manière plus concrète » (IO). En outre, « ce travail sera l’occasion d’aborder l’œuvre dans son rapport au contexte historique et social qui la détermine » (IO). La partie Vers le bac permet aux élèves de

réinvestir leurs connaissances et de les consolider. Ils travailleront sur le traitement d’une même anecdote – la jeune veuve – par des auteurs d’époques et dans des genres différents. Pistes de lecture : la littérature est un formidable terrain de jeu. Les auteurs s’amusent, rendent hommage, parodient et ne cessent de s’inspirer pour mieux créer. Ces démarches référentielles innervent également le cinéma.

Pistes d’étude de l’image L’œuvre de François Fontaine intitulé Poésie urbaine présente une réflexion intéressante sur la démarche de réappropriation des icônes en changeant de tonalité et de modalités d’expression. On demandera aux élèves d’identifier les strates déchirées, la technique de collage utilisée par l’artiste et de s’interroger sur ses motivations ainsi que son positionnement vis-à-vis du chef d’œuvre de Vinci. Il peut être mis en perspective avec les Joconde vues par Léger et Basquiat (p. 399) ainsi qu’avec le travail d’Ernest PignonErnest (p. 253) qui fait descendre Rimbaud dans la rue.

Bibliographie – Compagnon Antoine, La Seconde Main – Le Travail de la citation, Le Seuil, 1979 – Genette Gérard, Palimpsestes, Le Seuil, coll. « Poétique », 1982 – Piegay-Gros Nathalie, Introduction à l’intertextualité, Dunod, 1996 – TDC n° 788 : Pastiche et parodie, De l’art du détournement, collectif, CNDP, 2000 | 341


06/09/11 11:52

Séquence

¤⁄

Réécrire pour faire œuvre nouvelle Livre de l’élève  p. ‹·· à ›¤¤

Présentation de la séquence  p. ‹·· Cette séquence se propose d’explorer les différentes motivations de l’écrivain qui choisit de réécrire un texte source. Un premier corpus de textes poétiques réunit les poètes de La Pléiade autour de la figure tutélaire de Pétrarque puis Baudelaire, Verlaine et Gainsbourg autour de l’automne. Un second corpus propose d’étudier un pastiche à partir d’un extrait de l’Iliade réécrite par Alessandro Baricco. Le troisième corpus envisage la réécriture par l’auteur lui-même à travers différents hommages rendus par Albert Cohen à sa mère. Le quatrième corpus propose la transposition de Madame Bovary en roman graphique par Posy Simmonds. Enfin, le dernier corpus montre qu’un même thème, ici le mythe de Salomé, peut connaître des variations de registres radicales. Un texte de Marie Darrieussecq clôt cette séquence en interrogeant le lecteur sur la notion de plagiat. L’histoire littéraire propose un regard chronologique sur ces démarches de réécritures.

H istoire des arts

La Joconde vue par L. de Vinci (⁄∞‚‹-⁄∞‚§), F. Léger (⁄·‹‚) et J.-M. Basquiat  p. ›‚‚-›‚⁄ (⁄·°‹) Variations sur un visage LECTURE DES IMAGES 1. Au cours de ses recherches sur Internet, l’élève trouvera sûrement d’autres versions célèbres de La Joconde. En 1919, Marcel Duchamp ouvre la voie de l’irrespect en affublant Mona Lisa d’une moustache et d’un bouc barbu et en sous-titrant le tableau d’un jeu de mot alphabétique d’un goût douteux : LHOOQ ! Cette irrévérence fait beaucoup parler d’elle. Déguisée en Salvador Dalí en 1964 dans un « autoportrait » du peintre en Joconde, elle porte la moustache qui a rendu la silhouette de

du peintre surréaliste si reconnaissable. Il y en quelque sorte un glissement de célébrité. Sérigraphiée par Andy Warhol en 1963 à la manière d’un « photomaton », la « Mona Lisa » du Pope of Pop devient une image reproductible à l’infini et s’en trouve attaquée dans son statut de chef-d’œuvre. Elle n’a pas plus de valeur artistique que l’étiquette d’une boîte de soupe Campbell – également objet d’une célèbre sérigraphie de l’artiste. Cela interroge le statut de l’œuvre d’art qui devient un produit de consommation. Remplacé de manière iconoclaste par un balai et une serpillière sur lequel est suspendu l’écriteau « La Joconde est dans les escaliers » dans l’installation de Robert Filiou (FRAC Champagne Ardenne), le tableau est évincé comme s’il fallait faire le ménage et laisser place nette à d’autres œuvres. Cette œuvre provocatrice date de 1969 et s’inscrit dans la perspective du « ready-made » lancée par Marcel Duchamp. En 1977, la Joconde devient une icône politique revêtue du costume de Mao Tsé-Toung dans le tableau du graphiste polonais Roman Cieslewicz. En mêlant ces deux visages devenus des universels, il porte sur la célèbre Mona Lisa un regard moqueur et irrévérencieux.

342 | Les réécritures, du XVIIe siècle à nos jours


06/09/11 11:52

Prolongements Des pistes pour voir et comprendre : – Un beau site France 5 Éducation est consacré à La Joconde et ses avatars (« Mystérieuse Joconde ») : www.curiosphere.tv/joconde/home. html. Il permet de voir et de comprendre les « réécritures » de La Joconde. – Découvrir aussi le livre Tout un Louvre qui explore et revisite les chefs d’œuvre du musée. Caricatures, détournements, dessins, photos, collages s’amusent des œuvres originales et donnent l’envie de les redécouvrir… d’un autre œil ! Couprie Katy et Louchard Antonin, Tout un Louvre, Thierry Magnier, 2005

2. Montrer dans les deux tableaux : – la démarche de citation par le choix des couleurs (jaune, orangé, marron), le sourire énigmatique, la position des mains, la longueur des cheveux ; – la prise d’écart par la place accordée au sujet dans le tableau de Léger, le trait nerveux et rapide de Basquiat ainsi que le mélange d’acrylique et de crayon qui s’oppose au sfumato délicat de Léonard de Vinci. 3. Les caractéristiques du « bad painting » dans le tableau de Basquiat : – le trait et les couleurs en surimpression comme un dessin à la craie ; – le mélange entre le motif et le graffiti ; – le thème provocateur de l’argent à travers les codes du billet de banque, la volonté d’interroger un sujet assez « tabou » : le prix de l’art, le marché de l’art ; – la liberté prise avec le sujet : Basquiat malmène Mona Lisa, il fait descendre l’art dans la rue. Devenue un vulgaire billet de un dollar qui peut régler « les dettes publiques et privées » (cf. graffiti), la valeur de l’œuvre est réduite à sa valeur marchande et devient une effigie de l’argent, une allégorie du marché de l’art. 4. Le titre de Fernand Léger nous amène à décoder le mystère Mona Lisa, à trouver les clés du tableau de Léonard de Vinci. Il s’amuse avec des questions qui demeurent sans réponse : qui est cette jeune femme ? Quels sont ses rapports avec le peintre ? Que représente ce paysage pour Léonard de Vinci ? 5. et 7. On peut s’interroger avec les élèves sur la démarche créatrice des artistes qui s’inspirent de Mona Lisa : est-ce copier ? Pourquoi s’inspirer

une énième fois de ce chef-d’œuvre ? Que peuton apporter à l’original ou d’original ? Pourquoi reproduire une œuvre d’art que tout prédestinait à être unique et remarquable pour son unicité ?

6. Déduire des problématiques soulevées le sens de l’expression « œuvre source » (ou hypotexte selon la terminologie de Genette) que l’on retrouvera en littérature. La Joconde est source car originelle, première en cela qu’elle initie une technique et un motif devenu mythique et elle devient source d’inspiration, support pour une création ultérieure.

VERS LE BAC Oral (entretien) L’élève utilisera les exemples présentés dans la double page et ceux étudiés dans la première question pour étayer ses arguments. Il pourra montrer que les imitations et les détournements, en interrogeant continuellement son sens et en la réactualisant, assurent la postérité de l’œuvre. Par là-même, les réécritures picturales lui rendent hommage même quand la démarche est irrévérencieuse. Ainsi Basquiat était-il un fervent admirateur des techniques picturales de Léonard de Vinci ce qui ne l’empêche pas de malmener l’icône de Mona Lisa.

Invention Pistes pour l’écriture d’invention : – Texte à la première personne. – Forme d’un monologue prononcé par Mona Lisa – personnage et tableau. – Cri de révolte. – Réquisitoire contre les gadgets qui utilisent son image à des fins commerciales et de manière irrévérencieuse ou laide. – Revendication de son unicité et de sa valeur propre. – Utilisation du registre polémique.

Prolongements Ces sites qui abordent les réécritures sous différents éclairages peuvent être consultés : http://expositions.bnf.fr/ http://style.modedemploi.free.fr/ http://mediterranees.net/mythes 21 Réécrire pour faire œuvre nouvelle |


343

06/09/11 11:52

LA FILIATION ET L’HOMMAGE

⁄ ¤ ‹

Pétrarque, Canzoniere, XIVe siècle Joachim du Bellay, L’Olive, ⁄∞›· Pierre de Ronsard, Les Amours, ⁄∞∞‹  p. ›‚¤-›‚›

Objectifs : – Mettre en perspective un texte source (Pétrarque) et ses réécritures (du Bellay et Ronsard). – Montrer l’importance pour les poètes de La Pléiade de cette démarche de réappropriation respectueuse d’un héritage littéraire. Intérêts des textes : – Sonnets par contradictions de ou à la manière de Pétrarque qui expriment la passion amoureuse. – Des poèmes lyriques qui dépassent le cadre pétrarquisant pour exprimer une sensibilité personnelle. – Des poèmes qui construisent un portrait du poète. ❯ Comment la réécriture peut-elle permettre une expression authentique ?

Les feux de la passion LECTURE DES TEXTES 1 À 3 1. et 2. Lorsque que l’on met en perspective les trois poèmes, on peut dégager la forme du sonnet pétrarquisant : deux quatrains et deux tercets qui s’organisent selon un système de contradictions. Les antithèses qui les fondent sont souvent lexicales (« partir et attendre » chez Pétrarque, « glace et feu » chez Ronsard…), elles structurent la syntaxe des vers comme chez du Bellay où deux rythmes ternaires s’opposent aux vers 7 et 8 : « Et toutefois j’aime, j’adore et prise, Ce qui m’étreint, qui me brûle, et entame »

Dans le poème de Ronsard, l’antithèse s’inscrit au sein même des trois premières strophes : « Je suis vaillant, et le cœur me défaut » « J’ai l’espoir bas, j’ai le courage haut ». Ces oppositions qui font du sonnet pétrarquisant un « sonnet par contradictions » trouvent leur explication dans le lien amoureux qui emprisonne le poète malgré lui et le tourmente. Elles reflètent les affres de la passion qui malmènent le cœur du poète. Les responsables de ce chaos sont désignés par Pétrarque au vers 10 (« Amour ou ma Dame »), par du Bellay aux vers 1 et 3 (« Madame » / « Amour ») et par Ronsard au vers 8 (« Amour »).

3. Chacun de ces sonnets propose une image du poète dont on peut distinguer plusieurs facettes. Pour Pétrarque, amoureux malheureux de la belle Laure de Noves, l’amant éconduit est en proie à de tels tourments que la nature qui l’entoure reflète son désordre intérieur : « Hélas, les neiges seront tièdes et noires, La mer sans onde, et les poissons sur l’Alpe ». Aucune paix n’est possible tant que sa Dame ne l’aura pas distingué de son amour ; le poète est un cœur bouleversé. Du Bellay quant à lui se présente comme le prisonnier de l’amour. Les « cheveux d’or » de l’aimée sont des « liens » qui ont eu raison de sa liberté et « ses yeux » sont les flèches qui l’ont blessé. Il assimile ainsi le regard de la femme aimée aux flèches de Cupidon et se présente comme la victime consentante de cette puissance féminine : « Pour briser donc, pour éteindre et guérir Ce dur lien, cette ardeur, cette plaie, Je ne quiers fer, liqueur, ni médecine » Il y a de « L’heur et plaisir » à souffrir sous des jougs si charmants. Ronsard enfin reprend cette image de l’enchaînement chère à ses prédécesseurs en se définissant comme un « Prométhée en passions ». Sa liberté éprise ne lui coûte guère en réalité puisqu’à peine libéré, il reprend ses chaînes : « Je me délace, et puis je me relie. » (v. 4) « J’aime être libre, et veux être captif » (v. 10) Ainsi retrouvons-nous chez nos trois poètes l’image d’un homme prisonnier de l’Amour et heureux de l’être bien qu’il en souffre. Ce paradoxe trouve dans le sonnet par contradictions sa parfaite expression. 4. Le mot « passion » trouve son étymologie dans le latin passio issu du verbe patior qui signifie



06/09/11 11:52

souffrir, endurer, supporter. On évoque ainsi « la passion du Christ » pour évoquer ses souffrances et son supplice de martyr. Ainsi, les sentiments amoureux qu’éprouvent Ronsard et du Bellay sont-ils bien doubles, source de souffrance et de bonheur extrêmes. La passion apparaît comme un sentiment puissant, obsédant qui enflamme avec une fougue douloureuse le cœur des poètes. Les champs lexicaux de la souffrance « transperce », « m’étreint », « me brûle », « plaie » (du Bellay) et « je me pique », « je meurs » (Ronsard) ainsi que le lexique hyperbolique traduisent parfaitement la duplicité de cet amour passionné. 5. Le lien amoureux est imagé par des métaphores : le cheveu de la femme aimée (« Ces cheveux d’or sont les liens »), « les nœuds » chez du Bellay ; des liens pour Ronsard car il s’agit pour le poète de s’en « délace[r] » puis de s’y « relie[r] ». Dans le poème de Pétrarque, c’est Amour et sa Dame qui sont ligués contre le poète et ne le laissent pas en paix : « À tort tous deux contre moi conjurés » (v. 11). 6. L’innamoramento désigne le coup de foudre, l’irruption soudaine et brutale de l’amour. Il est exprimé dans de nombreux poèmes du Canzoniere de Pétrarque et sera amplement repris par l’école lyonnaise – Maurice Scève, Louise Labé – ainsi que par les poètes de La Pléiade. Du Bellay illustre la brutalité du coup de foudre en recourant à la métaphore traditionnelle du « trait » de Cupidon, c’est un événement violent qui le bouleverse et le malmène : « cent fois je meurs, cent fois je prends naissance ». 7. Les vers 3 et 4 du poème de du Bellay pourraient illustrer le tableau du Caravage : « Amour la flamme autour du cœur éprise Ces yeux le trait, qui me transperce l’âme » Les yeux de la femme aimée, par leur beauté, sont comme les flèches de Cupidon et le sourire insolent du jeune garçon sont comme une provocation et signifient la victoire incontestable de l’Amour. 8. On rappellera aux élèves les figures sonores en les renvoyant à la fiche méthode n° 24. Prenons pour exemple le poème de du Bellay, on pourra souligner la diérèse aux vers 1 et 10 sur le mot « liens » qui crée une insistance et mettre en valeur quelques -e prononcés, comme le « vive » du vers 5 qui insiste sur l’ampleur et la force des sentiments.

HISTOIRE DES ARTS 9. Dans le tableau du Caravage intitulé L’Amour vainqueur, le clair-obscur met en lumière le corps de Cupidon, un corps réaliste et sexué qui s’impose à nous avec impertinence (sourire, regard espiègle). Il est victorieux sur les arts (symbolisés par les instruments de musique), la guerre (l’armure), la gloire (la couronne de laurier) et brandit ses flèches avec assurance. 10. Dans le tableau de Rubens, le corps humain, vigoureux et imposant est peint avec un réalisme anatomique qui met en valeur ses muscles puissants et noueux comme le tronc du chêne en arrière-plan. La torsion du corps exprime avec force la douleur ressentie. L’écart entre le volume de ce corps associé à l’arbre et la finesse des chaînes révèlent bien la nature divine du supplice. Nous pouvons mettre ce tableau en perspective avec le dernier quatrain du sonnet de Ronsard : « Un Prométhée en passions je suis, Et pour aimer perdant toute puissance, Ne pouvant rien je fais ce que je puis. » À l’instar du Titan enchaîné pour l’éternité pour avoir volé le feu aux dieux, le poète est prisonnier de son amour dont la force le rend impuissant. Son cœur est mis à mal, tel le foie de Prométhée et il est condamné à souffrir éternellement s’il n’est pas aimé en retour.

VERS LE BAC Oral (entretien) Préparer l’entretien : Pour répondre à cette question, l’élève doit d’abord expliciter la comparaison à Prométhée en s’aidant de la note 6 page 404 et du tableau de Rubens. La réponse peut ensuite développer trois axes : – Le poète exprime la permanence du mal qui le ronge pour dire la force de sa passion. – On peut plus largement s’intéresser à l’inspiration poétique, qui, parce qu’elle reprend les mêmes thèmes, peut sembler être condamnée à la réécriture. – On peut montrer en s’appuyant sur le corpus que la réécriture n’est pas subie mais choisie, que l’inspiration n’empêche pas la création et que le talent du poète trouve toujours de nouvelles images pour échapper à « l’enchaînement créateur » et se libérer. 21 Réécrire pour faire œuvre nouvelle |


345

06/09/11 11:52

Question sur un corpus Du Bellay et Ronsard s’inscrivent en effet dans la filiation pétrarquiste. Quand du Bellay choisit une métaphore qui compare les charmes physiques de la femme aimée (« ces cheveux d’or » et « les yeux ») aux liens qui le privent de toute liberté et au « trait » de Cupidon qui lui « transperce l’âme », Ronsard compare sa souffrance à celle de Prométhée ce qui suppose un lecteur érudit. C’est d’ailleurs, un problème que posent les réécritures.

›

Charles Baudelaire, Les Fleurs du Mal, ⁄°∞‡  p. ›‚∞-›‚§

Objectifs : – Mettre en perspective un thème inspirant pour les poètes (l’automne, la symbolique des saisons) et ses variations. – Montrer les liens entre la poésie et la chanson et l’inspiration poétique chez un compositeur érudit comme Serge Gainsbourg. Intérêts des textes : – Des textes qui expriment la mélancolie automnale sous des formes différentes. – Un exemple de réécriture par citation et transposition du texte source : la chanson de Gainsbourg. ❯ Comment la réécriture révèle-t-elle une inspiration commune ?

Deux visages pour une saison LECTURE DU TEXTE 1. Dans sa proposition de titre, l’élève pourra mettre en valeur une première vision anxiogène de l’automne en utilisant comme titre des éléments du premier vers « Plongée dans les ténèbres », « Dernières lueurs avant l’hiver ». La deuxième partie du poème appelle le réconfort de la femme aimée : « Une muse consolatrice » ou « La beauté de la femme aimée transfigure l’automne ».

Le malaise du poète progresse dans le texte : Premier quatrain : hormis les voyelles claires du vers 2 accentuées par la rime intérieure « clarté » / « étés », le martèlement (v. 3 et 4) est bien marqué par les allitérations [t], [k]. Notons également une rime absolument « spleenétique » entre « ténèbres » / « funèbres ». Deuxième quatrain : une coupe forte met en valeur à la fin du vers 5 le mot « colère » et l’énumération, sans coordination ni articles, accentue les éléments du spleen, qui s’entassent comme des « bûches », renforcés encore par l’allitération en [r]. Troisième quatrain : les sonorités imitent la chute des bûches, avec des allitérations qui se font écho, comme un retentissement. Notons le jeu d’allitérations et d’assonances illustrant l’incessante besogne du bélier : « tour », « sous », « coups », « lourd ». La régularité des rythmes traduit bien l’inexorable travail de destruction et la rime « tombe » / « succombe » est révélatrice de cet échec. Quatrième quatrain : après le vers 14 aux allitérations en [k] qui rappellent l’incessant martèlement, le vers 15 s’entend comme un « réveil », avec un rythme plus heurté (2 + 6 + 4). Le dernier vers se déploie avec une solennité amplifiée par la diérèse sur l’adjectif « mystérieux » et illustre bien l’idée amorcée par la rime « quelque part » / « départ ». Il y aurait peut-être autre chose que l’enfermement, ce vers annonce une alternative.

2. L’imminence de la mort est traduite par les déictiques temporels : « Bientôt » vers 1, « déjà » v. 3, par l’emploi du futur et du futur proche qui annonce l’hiver glacé comme inéluctable et la brutalité du changement de saison est traduite par le parallélisme du vers 15 : « C’était hier l’été ; voici l’automne ! » Les métaphores du froid envahissant (v. 7 et 8), des bûches qui tombent comme un échafaud (v. 10) qu’on construit ou les coups d’un bélier (v. 12) ou un cercueil qu’on cloue (v. 14) renforcent l’angoisse du poète. Notons également les couples oxymoriques « enfer polaire » (v. 7), « rouge et glacé » (v. 8) qui rendent frappant son mal-être. 3. Pour traduire ses sentiments contradictoires : angoisse dans la première partie et espoir d’un réconfort dans la seconde, le poète joue sur le lyrisme aux accents tantôt tragique (I), tantôt élégiaque (II).



06/09/11 11:52

4. Marie Daubrun, « la femme aux yeux verts » est pour Baudelaire une figure de sœur et d’amante. Cette muse baudelairienne est une jolie actrice qui connaît un grand succès en 1847 dans un spectacle inspiré d’un conte de fées : La Belle aux cheveux d’or. Sa voix mélodieuse et ses courbes harmonieuses enchantent les spectateurs et séduisent Baudelaire. L’admiration du poète transparaît dans les poèmes qui lui sont dédiés. Dans une lettre qui lui est adressée et qui fut publiée en 1906 au Mercure de France, le poète lui écrit : « Revenez, je vous le demande à genoux ; je ne vous dis pas que vous me trouverez sans amour ; mais cependant vous ne pourrez empêcher mon esprit d’errer autour de vos bras, de vos si belles mains, de vos yeux où toute votre vie réside, de toute votre adorable personne charnelle ; non, je sais que vous ne le pourrez pas ; mais soyez tranquille, vous êtes pour moi un objet de culte, et il m’est impossible de vous souiller ».

arrivée imminente engendre des effets physiques et psychologiques. L’automne n’est plus une saison mélancolique comme chez les poètes romantiques mais une saison angoissante, annonciatrice de l’hiver, symbole de mort. La forme poétique permet à Baudelaire de rendre extrêmement expressive son angoisse. Dans la seconde partie du poème, le poète demande à une femme (Marie Daubrun à qui le poème est dédicacé) un réconfort, une aide pour s’évader, pour échapper au spleen. La femme a le pouvoir de rendre cette saison symbolique du spleen plus douce, plus apaisée et l’enveloppe d’une chaude sensualité.

Prolongements Voir le « parcours de lecteur » consacré à Baudelaire dans le manuel de seconde.

Mélancolie automnale

5. Le poète confère à la femme aimée un rôle apaisant, sa « douce beauté » doit adoucir la dureté de l’automne ; telle une « mère », une « amante ou sœur », elle doit transformer l’angoisse en bienêtre, le spleen en idéal. Grâce à son « amour », l’automne n’est plus l’avant-goût amer des « froides ténèbres » et de « l’enfer polaire », il peut être « un glorieux automne », une « arrièresaison » dont le poète, apaisé, rasséréné par la présence rassurante et chaleureuse de la femme goûte « le rayon jaune et doux ». C’est cet appel que Baudelaire lance avec véhémence à Marie Daubrun : « aimez-moi, tendre cœur ! », « Ah ! laissez-moi, mon front posé sur vos genoux […] ».

∞

Paul Verlaine, Poèmes saturniens, ⁄°§§  p. ›‚‡

LECTURE DU TEXTE 1. Lorsque Baudelaire propose sept quatrains d’alexandrins pour évoquer l’automne, Verlaine nous offre trois sizains qui alternent des vers de quatre et de trois syllabes. Cette différence formelle crée des rythmes contrastés. La gravité des alexandrins et la régularité des vers en écho à la régularité des « chocs funèbres » du « bois retentissant » expriment le spleen baudelairien. Les vers courts de Verlaine, tantôt pairs, tantôt impairs, laisse entendre une mélancolie très musicale qui volette à la manière d’une « feuille morte » emportée par le vent.

On montrera comment les feuilles mordorées de l’automne se confondent avec la chevelure de la jeune femme, font écho à sa bouche peinte en rouge et s’harmonisent avec le bleu de sa tunique. Elle devient une allégorie de la saison.

2. Le titre, « Chanson d’automne », nous invite à entendre la musicalité particulière de ce poème. Elle s’exprime dans des vers courts tels les paroles d’une comptine ou d’une chanson populaire. Le rythme régulier 4/4/3 crée une harmonie renforcée par la disposition des rimes (aabccb) identique dans les trois strophes. Sémantiquement, la référence aux violons, mise en avant par la diérèse, insiste sur cette musicalité élégiaque.

VERS LE BAC Oral (analyse)

3. La dislocation du vers ne casse pas l’harmonie mais elle mime le sanglot, la voix entrecoupée de pleurs qui chantonne un air mélancolique.

Dans la première partie, l’automne traduit le spleen, sentiment oppressant de mal-être et son

4. Le poète est comparé à une « feuille morte » au vers 17. Son cœur déçu est flétri, fané et la

HISTOIRE DES ARTS

21 Réécrire pour faire œuvre nouvelle |


347

06/09/11 11:52

superbe de l’été laisse place à une nostalgie, une mélancolie qui est parfaitement symbolisée par l’automne. Tels des feuilles mortes, ses vers courts virevoltent « deçà, delà » au gré du « vent mauvais ». Dans un parallélisme entre les vers et les feuilles mortes, le poète, malheureux et incompris, est ballotté au gré du vent. Cette comparaison tisse un lien étroit entre le paysage automnal et les états d’âme du poète.

5. Le mot « langueur », comme le précise le Petit Robert, désigne « l’état d’une personne dont les forces diminuent graduellement ». L’abattement du poète est physique et psychologique et se traduit par une vague tristesse, une mélancolie douce et rêveuse. 6. De nombreux chanteurs-compositeurs ont mis en chanson ce poème mélancolique. La démarche de réécriture est tantôt absolument fidèle (Léo Ferré, Hugues Auffray), tantôt amplifiée (Charles Trenet), tantôt remaniée par Serge Gainsbourg dans Je suis venu te dire que je m’en vais : « Comme dit si bien Verlaine, “au vent mauvais” » ; tantôt parodiée par Boby Lapointe dans Monsieur l’agent : « Au violon mes sanglots longs / Bercent ma peine / J’ai reçu des coups près du colon / J’ai mal vers l’aine ! »

HISTOIRE DES ARTS La tonalité est très homogène : les couleurs chaudes (brun, orangé, ocre) et la mise en lumière du buste de la femme créent une atmosphère agréable et apaisante (cf. v. 28 de Baudelaire : « De l’arrière-saison le rayon jaune et doux »). La palette des couleurs évoque un soleil couchant dont les ors baignent la scène (cf. v. 24 de Baudelaire : « D’un glorieux automne ou d’un soleil couchant »). La chevelure bouclée et le drapé sensuel de la robe se confondent avec les vrilles de la vigne et font de cette jeune plantureuse une allégorie de l’automne.

VERS LE BAC Oral (analyse) On attendra de l’élève qu’il mette en perspective le spleen baudelairien et la langueur verlainienne, montrant l’angoisse de l’un et la profonde mélancolie de l’autre. Il dégagera aussi le pouvoir de la femme chez Baudelaire

qui détourne le poète de son mal-être alors que Verlaine présente un poète solitaire que rien ni personne ne distrait de son chagrin.

Invention L’élève devra choisir : – une saison et lui faire correspondre un état d’esprit ; – entre des alexandrins ou des verts courts ; – entre l’isométrie ou l’hétérométrie ; – et trouver des caractéristiques de cette saison et établir des correspondances entre ces caractéristiques et ses sentiments.

§

Serge Gainsbourg, Vu de l’extérieur, ⁄·‡‹  p. ›‚°-›‚·

Gainsbourg revisite Verlaine LECTURE DU TEXTE 1. Gainsbourg propose une réécriture explicite en citant Verlaine et en lui rendant hommage : « Comme dit si bien Verlaine, “au vent mauvais” » est repris quatre fois. En outre, il reprend le champ lexical de Verlaine qu’il dissémine dans sa chanson. Certains groupes de mots sont repris et transformés : ainsi, « des jours anciens » de Verlaine (l. 5) deviennent « des jours heureux ». « Quand sonne l’heure » devient « à présent qu’a sonné l’heure » (l. 6). Et bien sûr la phrase « je m’en vais » devient le refrain de la chanson : « Je suis venu te dire que je m’en vais » (l. 1). 2. La démarche tient davantage de l’hommage (« comme dit si bien Verlaine ») que de la parodie mais l’introduction du registre familier par Serge Gainsbourg change la tonalité, qui, devenue beaucoup plus orale et presque dédaigneuse transforme l’expression lyrique de la tristesse en message de rupture : « Ouais, je suis au regret / De te dire que je m’en vais / Car tu m’en as trop fait » (l. 18-20). Il n’y a pas parodie mais transposition et changement de ton. 3. Le changement essentiel proposé par Serge Gainsbourg est d’introduire une interlocutrice désignée par de nombreuses occurrences de



06/09/11 11:52

la deuxième personne du singulier. Elle est la femme que l’on quitte et cette nouvelle énonciation change radicalement le sens du poème. Ce n’est plus le poète qui exprime sa tristesse mais son interlocutrice : « Et tes larmes n’y pourront rien changer » / « Tu te souviens des jours anciens et tu pleures » / « Tu suffoques, tu blêmis à présent qu’a sonné l’heure. » D’ailleurs lorsque l’on écoute cette chanson, les larmes de la femme se font entendre sans discontinuer. www.wat.tv/audio/serge-gainsbourg-je-suis-venuyzih_2h9vt_.html

4. Gainsbourg utilise de nombreux procédés poétiques pour créer une harmonie, c’est le propre de nombreuses chansons lyriques. Ainsi les anaphores et les échos (« Tu te souviens, tu suffoques, tu sanglotes »), les rimes (« je m’en vais » / « vent mauvais » // « tu pleures » / « sonné l’heure » // « jamais » / « trop fait ») créent l’unité sonore de la chanson. Des effets de rythme et la musique qui accompagne les paroles créent la mélodie. Néanmoins, la chanson ne répond pas aux mêmes exigences de versification que le poème : certes, elle compte quatre dizains mais il n’y a ni isométrie, ni vers réguliers. 5. C’est la sensualité de la femme aimée (son corps, sa chevelure, ses bijoux, sa démarche dansante), célébrée par le poète que Gainsbourg met en chanson. Il s’agit de rendre hommage à un poème très évocateur et de l’illustrer par une instrumentation qui mime le bruit du serpent ainsi qu’une voix profonde et nonchalante. www.wat.tv/audio/baudelaire-gainsbourg-serpent38wkj_2fgqp_.html

HISTOIRE DES ARTS L’affiche du « biopic » (biographic picture = film biographique) Gainsbourg vie héroïque présente le profil du chanteur en noir et blanc dans un effet d’ombre chinoise monochrome qui met en valeur les yeux et le nez de Éric Elmosnino étonnamment ressemblants à ceux de Serge Gainsbourg. La volute de fumée, outre l’effet esthétique qu’elle produit, rappelle les paroles célèbres « Dieu est un fumeur de havane » / « Je suis un fumeur de gitane » et présente un côté provocateur en 2010, époque résolument « anti-tabac ». Cette provocation rappelle la posture souvent iconoclaste de « l’homme à la tête de chou ».

VERS LE BAC Oral (entretien) Les raisons qui poussent le chanteur à adapter un poème en chanson sont multiples : – Rendre hommage à un poème qu’il affectionne et dont il souhaite montrer la musicalité. Exemple : Léo Ferré chante Baudelaire www.wat.tv/audio/baudelaire-leo-ferre-fontaine1kh27_2fgqp_.html www.wat.tv/video/baudelaire-leo-ferre-mortamants-24lpv_2fgqp_.html – S’amuser avec des références culturelles universelles, jouer avec les connaissances des auditeurs comme une sorte de clin d’œil culturel. Exemple : Marc Lavoine qui met en chanson Le Pont Mirabeau d’Apollinaire www.wat.tv/video/marc-lavoine-pont-mirabeau2005-1g3lh_2i3p3_.html – S’assurer un succès en reprenant un texte très connu parce que souvent étudié à l’école et le revisiter, le moderniser pour montrer qu’entre hier et aujourd’hui, les sentiments et situations sont les mêmes. L’exil, l’émigration et le déracinement, par exemple, n’ont pas d’âge. Exemple : Ridan avec Heureux qui comme Ulysse de Joachim du Bellay www.dailymotion.com/video/x2camj_ulysseridan_music

Question sur un corpus Après une rapide présentation, on reprendra la synthèse des questionnaires pages 406 et 407 et on montrera que Gainsbourg évince la thématique automnale au profit de la thématique sentimentale. Le « vent mauvais » qui ballotte le poète tel une feuille morte chez Verlaine est davantage synonyme chez Gainsbourg d’un temps maussade, gris qui s’oppose aux « jours anciens » du bonheur. L’humidité se lit davantage dans les sanglots de l’amante délaissée que dans la pluie automnale.

Prolongements Débat argumentatif en classe : Toutes les chansons sont-elles poétiques ? Recherches en histoire littéraire sur les origines chantées de la poésie de l’aède homérique au troubadour du Moyen Âge. Oral : De nombreuses comédies musicales s’inspirent, plus ou moins librement, de textes 21 Réécrire pour faire œuvre nouvelle |


349

06/09/11 11:52

littéraires : Notre-Dame de Paris, Roméo et Juliette, Dracula… (cf. séquence 22, page 422). Quelles sont les motivations des compositeurs de ces comédies ? Histoire des arts : on peut comparer une scène de Roméo et Juliette et une planche de la bande dessinée d’Enki Bilal, Julia et Roem et voir comment l’artiste s’empare de cette histoire d’amour pour la revisiter.

repas funèbre. On plaçait dans la bouche du défunt des pièces destinées à payer le passeur Charon et on lui rendait hommage plusieurs jours après le décès ainsi qu’aux dates anniversaires sous formes d’offrandes et de libations. Le rituel de sépulture est indispensable pour les Grecs anciens car si on laisse le mort sans honneurs funèbres, il est condamné à devenir une âme errante qui viendra hanter les vivants. Ainsi, lorsqu’Achille menace Hector d’abandonner son corps aux chiens et aux oiseaux, il l’humilie profondément et le condamne à errer sans sépulture. Prolongement Lisez le texte d’Antigone de Sophocle, page 156, et montrez combien il éclaire l’importance accordée à la sépulture chez les Anciens.

L’IMITATION

Homère, Iliade,

‡ Alessandro Baricco, ° Homère, Iliade, VIIIe siècle av. J.-C.

¤‚‚§

 p. ›⁄‚-›⁄⁄ Objectifs : – Mettre en perspective la traduction littéraire – et assez littérale – d’un texte fondateur de l’épique, de l’héroïsme et du voyage initiatique – et sa réécriture contemporaine. – Montrer que la modernisation d’un texte n’implique pas sa trahison. Intérêt des textes : Des textes qui présentent une force dramatique, psychologique et poétique exceptionnelle. ❯ Comment peut-on moderniser un texte fondateur sans le trahir ?

L’art du pastiche LECTURE DES TEXTES 1. Les Anciens accordaient une grande importance à la cérémonie de sépulture. Elle se déroulait selon un rituel immuable : toilette du défunt, exposition du mort au milieu des lamentations, transport du mort vers la nécropole puis incinération sur un bûcher ou inhumation et enfin

2. La relecture qu’Alessandro Baricco propose d’Homère suppose deux stades de modernisation : le premier est assuré par la nouvelle traduction de Maria Grazia Ciani sur laquelle il s’est appuyé, la seconde par sa propre réécriture du texte. Dans nos extraits, nous pouvons noter la traduction des prénoms : Akhilleus devient Achille, Hektôr s’écrit Hector, la syntaxe est simplifiée et le dialogue s’insère plus naturellement dans la narration. Le récit est également dynamisé par des phrases plus courtes et certaines réactions sont explicitées, ce qui accroît l’analyse psychologique : « Mais le cœur d’Achille était dur au-delà de toute espérance » (l. 14-15). 3. L’originalité du travail d’Alessandro Baricco est d’avoir « délégué » le récit à plusieurs instances énonciatives. Dans cet extrait, c’est Andromaque, l’épouse d’Hector, qui raconte la scène, alors que, dans le texte original, les femmes n’ont pas voix au chapitre. C’est ce point de vue féminin que Baricco voulait absolument faire entendre. Ici, le registre épique, qui s’impose dans l’Iliade, laisse place au pathétique, à l’expression des sentiments. La jeune femme décrit le combat de manière tendue et angoissée car c’est la vie du héros troyen, l’homme qu’elle aime qui est en jeu : « Elle [la lance d’Achille] cherchait dans le bronze la fente pour arriver à la chair et à la vie. Elle la trouva à l’endroit où le cou prenait appui sur l’épaule, le tendre cou de mon bien-aimé » (l. 10-11). La précision anatomique ainsi que le lexique affectif (« le tendre



06/09/11 11:52

cou de mon bien aimé ») traduisent la tendresse d’une épouse aimante. Cette personnalisation du récit confère une affectivité à la scène qui accroît l’empathie du lecteur pour Hector et Andromaque et construit un discours élogieux.

4. et 5. L’épithète homérique est une expansion du groupe nominal (adjectif qualificatif, complément du nom…) qui caractérise le héros. Dans la langue épique d’Homère, l’épithète est souvent l’occasion de glorifier le héros ou d’illustrer le merveilleux épique. Ces épithètes ont plusieurs fonctions : une fonction pratique puisqu’elles sont des « chevilles » qui facilitent le travail de versification du rhapsode ou la mémorisation de l’aède, une fonction dramatique car elles donnent de l’intensité à l’action et une fonction esthétique qui distingue le souffle poétique de la langue d’Homère. Dans le texte 7, les épithètes peuvent qualifier les armes qui sont le prolongement, de manière quasi-métonymique des héros : « les belles armes », « Hektôr au casque mouvant » ; elles caractérisent également les personnages : « le divin Akhilleus », « Akhilleus aux pieds rapides », « la mère vénérable ». Leconte de Lisle, dans sa traduction, reste très fidèle à cette tradition homérique mais Alessandro Baricco n’a pas conservé les épithètes de manière aussi systématique afin de moderniser le texte et de lui donner un aspect plus naturel. 6. Leconte de Lisle conserve les noms grecs et l’allitération de l’occlusive [k] que cela suscite : « Hektôr », « Patroklos », « Akhilleus », les nefs « Akhaiennes » résonnent comme des chocs et créent une harmonie imitative avec les bruits des armes. 7. La cruauté est magnifiée par la poésie et l’intensité dramatique de la scène. Leconte de Lisle, dans un poème barbare, évoque la cruauté d’Achille et sa violence, tant physique que verbale. Ses menaces, reprises par Baricco sonnent terriblement : « Va, les chiens et les oiseaux te déchireront honteusement » // « Tu mérites que les chiens et les oiseaux te dévorent ». Les supplications d’Hector qui attendrissent le lecteur et déchirent le cœur d’Andromaque demeurent de vaines paroles : « Ne me supplie ni par mes genoux, ni par mes parents » // « Ne me supplie pas Hector » mais la menace de cannibalisme

prononcée chez Leconte de Lisle (l. 19-20) a sûrement été jugée hyperbolique par Baricco qui préfère : « c’est déjà beaucoup si je ne te taille pas en pièces moi-même ». Ainsi, la scène devient hypotypose et le lecteur la visualise et l’entend si nettement qu’il s’en sent le témoin.

HISTOIRE DES ARTS Le cinéaste de Troie, Wolfang Petersen, filme l’acteur dans une légère contre-plongée et la tension des muscles de Brad Pitt (bras, mâchoire…) ainsi que son œil mauvais et sa cuirasse mettent en valeur la pugnacité guerrière du héros grec.

VERS LE BAC Oral (analyse) L’élève pourra montrer que le combat et l’horreur des menaces sont mis en exergue chez Leconte de Lisle. Reprise par Baricco, la scène est néanmoins complétée par le regard amoureux d’Andromaque qui introduit de l’émotion et donne aux paroles suppliantes des accents pathétiques qui suscitent la compassion du lecteur / orateur.

Invention On peut enrichir le sujet d’écriture d’invention avec un document iconographique tel le tableau de David représentant la douleur d’Andromaque. Cette écriture sera l’occasion de relire le passage de l’Iliade qui exprime ici la douleur de la jeune femme.

Prolongements www.artliste.com/jacques-louis-david/douleurandromaque-609.html Lecture cursive du chant XXII de l’Iliade.

21 Réécrire pour faire œuvre nouvelle |


351

06/09/11 11:52

SE RÉÉCRIRE, EN QUÊTE DU MOT JUSTE

A. Cohen, Le Livre de ma mère, ⁄·∞› Albert Cohen, Carnets ⁄·‡°, ⁄·‡·

· ⁄‚

 p. ›⁄¤-›⁄‹ Objectifs : – Mettre en perspective deux textes d’un même écrivain qui expriment la permanence d’une inspiration – l’expression de l’amour filial –, d’un registre – lyrisme –, d’un style et l’évolution de ces trois données en une vingtaine d’années. – Montrer que la réécriture peut être aussi le travail d’un seul écrivain qui se réécrit lui-même. Intérêt des textes : Comment la redite de l’indicible peut être salvatrice ? ❯ Comment peut-on se réécrire sans se répéter ?

Réécrire pour saisir l’indicible LECTURE DES TEXTES 1. Les souvenirs d’enfance évoqués par Cohen sont tous liés à la figure maternelle, ce sont des souvenirs « sous tutelle » en quelque sorte. Intimement liés à des sensations, ils évoquent des plaisirs gustatifs (texte 9 : « sirop d’orgeat », « gelée de coings », « goûter de pain et de chocolat »), de loisirs (texte 9 : « balançoires des foires, cirque Alexandre » // texte 10 « décalcomanies »), de remèdes (texte 9 : « pâtes pectorales, arnica » // texte 10 : « sirop de tolu », « alcool camphré », « alcoolat vulnéraire »), de rituels (texte 9 : « bougies roses », « anniversaires », « dindes de Noël »), de tendresse (texte 9 : « petits baisers du soir », « baisers de Maman », « chansons de Maman »). Quels qu’ils soient, ces souvenirs sont associés à une époque révolue, profondément heureuse (texte 9 : « petites paix, petits bonheurs » // texte 10 : « ô bonheurs ») et auréolée par la figure maternelle aimante et rassurante (cf. occurrences du mot « Maman » dans les deux textes).

2. D’après le dictionnaire Larousse, un terme hypocoristique est un adjectif et nom masculin issu du grec upokoristikos, caressant. Se dit d’une forme linguistique exprimant une intention affectueuse. Les mots hypocoristiques sont souvent formés grâce à des suffixes diminutifs [frérot] ou par redoublement [fifille] ; ce sont souvent des appellatifs. Cohen utilise les termes hypocoristiques « Maman », « bonbons à fleurettes », « mon ami un écureuil » pour exprimer avec véracité et authenticité les souvenirs de sa petite enfance. 3. Les accumulations présentent les souvenirs dans un effet de cascade comme s’ils se bousculaient sous la plume de l’autobiographe. Les anaphores rythment les énumérations et expriment cette précipitation de l’écriture comme s’il ne fallait rien oublier, rien taire : « Vite me redire, stupidement souriant, me redire le temps de mon enfance, vite avant la fin de moi et de mes souvenirs » (texte 10, l. 7-9). Leur précision est également exprimée par les adjectifs qualificatifs (« alcool camphré », « alcoolat vulnéraire » t. 10, « plumiers japonais » t. 9), les compléments de noms (« tendres lueurs de la veilleuse de porcelaine » t. 10, « cahiers neufs de la rentrée » t. 9) ou les noms propres (« plumes sergent-major, plumes baïonnettes de Blanzy Poure » t. 9, « eau des Carmes » t. 10). L’effet de miroir qui s’opère avec le lecteur – la reconnaissance des propres souvenirs du lecteur – accroît cette impression d’authenticité : « genoux écorchés et j’arrachais la croûte toujours trop tôt » (t. 9, l. 12), par exemple. 4. Le lyrisme domine dans ce texte puisqu’il est le lieu de l’expression des sentiments personnels dans une prose souvent poétique (rythmes, sonorités, effets rhétoriques) mais il prend des accents pathétiques. En effet, Cohen exprime le regret d’un bonheur révolu et la peur de la mort qui le guette. Les lignes 20 à 24 du texte 9 sont particulièrement éloquentes avec le chiasme : « fumées enfuies et dissoutes saisons », la métaphore des rives de la vie et le mouvement ternaire des apostrophes : « ô tout ce que je n’aurai plus, ô charmes, ô sons morts du passé ». Ces expressions pathétiques sont reprises plus violemment encore dans le texte 10 – Cohen vieillit et il est désormais aux portes de la mort : « J’ai quatre-vingt-deux ans



06/09/11 11:52

et je vais bientôt mourir » – avec l’anaphore de « jamais plus » (l. 10-11). L’apostrophe « ô » revêt une valeur élégiaque mais aussi une valeur incantatrice : en appelant le souvenir, elle exprime aussi le souhait de ressusciter, le temps de l’écriture, ce qui n’est plus.

5. Albert Cohen réécrit la prière catholique « Je vous salue Marie » dans le second paragraphe du texte 9 pour rendre hommage à sa mère : « Je vous salue, mères pleines de grâce, saintes sentinelles, courage et bonté, chaleur et regard d’amour ». Il voue un véritable culte à sa mère, mais de manière plus universelle aux mères et Le Livre de ma mère peut être un titre pris en charge par le lecteur. Ainsi, l’effet de miroir agit-il sur nous qui reconnaissons dans ces textes nos souvenirs – plus ou moins fortement selon notre génération –, notre attachement à notre mère et notre peur de la voir mourir sans lui avoir exprimé notre amour et bien sûr notre peur de mourir nous-mêmes. 6. N.B. : une litanie est une prière qui qualifie Dieu ou la vierge par une succession d’épithètes présents dans les textes sacrés. C’est plus largement une longue énumération. Dans le texte de Cohen, l’écriture de la litanie s’exprime par les énumérations, les reprises (t. 9, récurrence de l’adjectif « petit », l. 1, 2, 5, 6, 19 et t. 10 « Maman morte » l. 1 et 5), les échos (t. 9, l. 5 : « petits baisers du soir, baisers de maman »), les anaphores (t. 10, l. 10 : « Jamais plus »), les apostrophes (t. 10, l. 14-15), les asyndètes (t. 9, l. 12 « genoux écorchés et j’arrachais la croûte toujours trop tôt » ; t. 10, l. 12-13 « charmants guérisseurs de mon enfance, et j’en aimais le bouchon de papier plissé par le pharmacien ») ou encore les jeux sur les sonorités (t. 9 « bougies » / « jeudi », « conforts et confitures », « dentelures et dindes ») qui font de ces textes une prière, une incantation, un chant d’amour filial. Les jeux sonores renforcent la dimension lyrique du texte. 7. Comme nous l’avons expliqué précédemment, le vieillissement de Cohen entre 1954 et 1978 explique le durcissement du ton et le renforcement du registre pathétique « en mon vieil âge, je retourne vers toi, Maman morte », voire tragique avec le futur proche « je vais mourir » qui présente la fin comme inéluctable.

HISTOIRE DES ARTS Le tableau de Renoir présente le fils du peintre sur les genoux de sa nourrice – qui deviendra la muse du peintre –, substitut maternel. Ils semblent jouer ou cuisiner et la tendresse de la position évoque l’amour maternel : les bras de la nourrice enlacent et rassurent, les mains de l’enfant et de la jeune femme font le même geste et se touchent, les visages ronds se répondent et l’harmonie chromatique ainsi que la douceur des contours célèbrent l’amour maternel.

VERS LE BAC Oral (entretien) L’élève pourra expliquer que le titre signifie à la fois : le livre sur ma mère, le livre pour ma mère, le livre dédié à ma mère. L’enjeu de l’écriture autobiographique est donc pour l’écrivain de rendre hommage à sa mère, de l’évoquer car elle est la figure tutélaire de sa petite enfance et la figure essentielle de sa vie, de la ressusciter par l’écriture.

Dissertation L’élève pourra s’appuyer sur le corpus pour développer les axes suivants : – De la vie à la création littéraire : se souvenir pour créer ; – Le choix du registre lyrique : rechercher l’harmonie dans l’expression de ses sentiments ; – La vie transfigurée par la littérature : de l’expression de soi à l’universalité.

Invention Un pastiche consiste à imiter le style d’un auteur dans une démarche d’hommage ou de jeu littéraire. Le pastiche est souvent un exercice de style respectueux. Contraintes thématiques : choix d’objets caractéristiques de notre enfance, choix d’une figure tutélaire (mère, père, nourrice, grandsparents…), choix de micro-anecdotes qui évoquent notre petite enfance, exploration des liens entre les objets et rituels marquants de l’enfance et la personne que l’on a choisi d’évoquer. Contraintes de registre : « à la manière de Cohen » implique le choix du registre lyrique, élégiaque et d’accents pathétiques pour exprimer le regret d’un passé révolu et la peur de la disparition. 21 Réécrire pour faire œuvre nouvelle |


353

06/09/11 11:52

Contraintes stylistiques : cascade de phrases nominales (accumulation, rythme ternaire, binaire…), anaphores, apostrophes, asyndètes, effet de chute (chiasme, phrase courte et lapidaire).

Prolongements ❯ La photo de Willy Ronis, livre de l’élève p. 344, peut être convoquée pour illustrer le bonheur de l’enfance et être mise en perspective avec l’extrait du Livre de ma mère. ❯ Le premier texte de Cohen, célèbre et accessible peut aussi être donné en commentaire. Voici, sous forme de plan détaillé, une proposition de correction pour répondre à la problématique suivante : Comment l’auteur ressuscite-t-il par l’écriture une enfance à jamais perdue ? 1) Ressusciter une enfance heureuse a) L’évocation de la petite enfance : souvenirs liés à la mère, univers miniature et rassurant b) Faire revivre le passé : appeler à soi les souvenirs par l’anaphore et la récurrence du possessif pour se réapproprier le passé 2) Une subtile mosaïque de souvenirs a) La litanie b) Un puzzle subtil : les réseaux de souvenirs, l’évocation des cinq sens, les réseaux lexicaux et sonores 3) Un bonheur retrouvé mais éphémère a) Le deuil impossible b) La peur de sa propre mort

TRANSPOSER, D’UN GENRE À L’AUTRE

⁄⁄ ⁄¤

Gustave Flaubert, Madame Bovary, ⁄°∞‡ Posy Simmonds, Gemma Bovery, ¤‚‚‚  p. ›⁄›-›⁄∞

Objectifs : – Mettre en perspective un hypotexte romanesque et son hypertexte dessiné. – Montrer que le roman de Flaubert est une inépuisable source d’inspiration pour les artistes. Intérêt des textes : Étudier une transposition générique : du texte à l’image fixe. ❯ Comment Posy Simmonds transpose-t-elle le personnage dans une époque moderne tout en étant fidèle à Flaubert ?

Du roman… au roman graphique DU TEXTE À L’IMAGE 1. Chez Flaubert, les hyperboles « il n’y avait jamais assez de » et « elle se chargeait », la métaphore de la fleur épanouie sous l’effet du « fumier » l. 11 ; chez Posy Simmonds, l’impropriété « Madame Bovery s’est également redécorée », l’énumération regroupée sous l’expression entre guillemets « mes accessoires » qui prend une valeur sarcastique sont signes de l’ironie. 2. Gustave Flaubert compare son personnage à « une courtisane » et les préparatifs de la jeune femme deviennent « professionnels ». Posy Simmonds ne va pas si loin et fait de Gemma une « actrice ». Elle joue à la sensuelle amante qui fait tout pour se rendre désirable. La description de Flaubert, par ses détails raffinés et ses métaphores artistiques, montre qu’Emma agit comme les héroïnes des romans qu’elle a dévorés. Elle devient la nouvelle Galatée d’un Prométhée lubrique : « On eût dit qu’un artiste habile en corruption avait disposé sur sa nuque la torsade de ses cheveux ». Dans le roman graphique, sont évoqués « le mascara »,



06/09/11 11:52

« le rouge à lèvres » et la « robe peu familière » mais c’est surtout l’impact des deux dernières vignettes qui permet au lecteur de comprendre la métamorphose.

3. La réécriture se fonde sur des éléments narratifs et psychologiques. Elle met en valeur la transformation physique de Gemma ainsi que sa duplicité. La dernière vignette, sensuelle et attirante, pourrait illustrer la phrase de Flaubert : « elle s’épanouissait dans la plénitude de sa nature. » 4. Dans le roman, Charles est dupe car il trouve sa femme « délicieuse » et « irrésistible » (l. 22) et ne comprend pas que ce charme ne se déploie pas pour lui… La troisième personne du singulier très présente dans le premier paragraphe désigne Rodolphe, l’amant d’Emma et le contraste avec le rappel de Charles à la ligne 22 est cruellement ironique. Dans le roman graphique de Posy Simmonds, Charles est devenu Charlie et la vignette, sa question nonchalante « Salut… C’était bien Rouen ? » ainsi que la phrase : « À se demander si Charlie se rendait compte des après-midi qu’elle passait dans sa chambre à répéter le coup du manteau » montrent la naïve indifférence de l’époux. Ainsi, chez Flaubert, Charles est aveuglé par son adoration pour sa femme alors que dans la version dessinée, il est indifférent et ne prête guère attention à la métamorphose progressive de son épouse.

connaît déjà (ex. : Romeo + Juliette de Baz Luhrmann) ; – qualité des scénarios fournis par les romans (ex. : adaptation de La Délicatesse de David Foenkinos) ; – facilité d’accès à l’œuvre par le biais du cinéma ; – plaisir de voir des figures littéraires s’incarner dans des comédiens de talent. L’élève pourra néanmoins évoquer les raisons qui font qu’on est souvent déçu par une adaptation filmée.

Commentaire Un commentaire de l’extrait de Flaubert pourrait suivre le plan suivant : 1) La métamorphose d’Emma a) Le soin apporté à son intérieur : un boudoir de courtisane b) Le soin apporté à son physique : soins corporels, bijoux, chevelure et silhouette c) L’éloge apparent de sa beauté : un travail d’artiste 2) Le regard ironique du narrateur sur sa méprise entre réel et fiction a) Le regard moqueur de Flaubert : lexique et comparaisons dévalorisantes b) La confusion entre le réel et la fiction c) Derrière l’éloge de la beauté, le blâme du bovarysme Conclusion : « Madame Bovary, c’est moi », dit Flaubert, montrant que l’ironie déployée contre son héroïne est aussi une forme d’autodérision.

LECTURE DE L’IMAGE 5. Emma comme Gemma ne font plus la différence entre réalité et fiction. La première se prend pour la courtisane sensuelle de ses lectures sentimentales (l. 19-21), elle confond Rodolphe, vil séducteur avec « un prince » (l. 6). La seconde « se prépare pour un rôle, comme une actrice, répétant certains gestes, essayant des maquillages, apprenant à se mouvoir dans une robe peu familière ». Elles s’identifient peu à peu à leur modèle fictif.

VERS LE BAC Oral (entretien) Les raisons qui expliquent le succès des adaptations littéraires au cinéma sont nombreuses : – plaisir de voir adapter une histoire que l’on 21 Réécrire pour faire œuvre nouvelle |


355

06/09/11 11:52

LA VARIATION ET LA TRANSPOSITION, AUTOUR DE SALOMÉ

⁄‹ ⁄› ⁄∞

La Bible, « Évangile selon Marc » Gustave Flaubert, Trois Contes, ⁄°‡‡ Joris-Karl Huysmans, À rebours, ⁄°°›  p. ›⁄§-›⁄·

Objectifs : – Mettre en perspective un hypotexte fondateur et ses hypertextes. – Montrer que le texte biblique est une source d’inspiration pour les artistes, peintres et écrivains. Intérêt des textes : Étudier diverses transpositions de style et de registre. ❯ Comment les auteurs de la fin du XIXe siècle se sont-ils emparés du personnage biblique de Salomé pour en faire le parangon de la femme fatale et la muse de l’esthétique décadente ?

Une fatale sensualité LECTURE DES TEXTES 1. Hérode, charmé par la jeune danseuse, se déclare prêt à exaucer tous ses désirs : « Demande-moi ce que tu voudras et je te le donnerai ». Cette promesse est réitérée « avec serment » et augmentée : « Ce que tu me demanderas, je te le donnerai, fût-ce la moitié de mon royaume. » 2. Selon l’évangéliste, c’est la mère de Salomé, Hérodiade, qui porte la responsabilité du crime. Elle veut se venger du chrétien qui avait publiquement critiqué son mariage avec Hérode. C’est bien elle qui prononce son arrêt de mort en répondant à sa fille qu’il faut demander : « La tête de Jean-Baptiste ». Marc disculpe en partie le roi qu’il décrit comme « attristé » de ne pouvoir se dédire en public.

3. La danse de Salomé flatte la vue et suggère d’agréables touchers par l’évocation des couleurs et des matières. Flaubert évoque un « voile bleuâtre » (l. 3), des « carrés de soie gorge de pigeon » (l. 5) qui mettent en valeur la « blancheur de sa peau » (l. 4). Ce corps se dévoile lorsqu’elle « se tordait la taille, balançait son ventre avec des ondulations de houle, faisait trembler ses deux seins » (l. 18-19). Quant à Huysmans, c’est la brillance rare, raffinée qu’il met en valeur par des verbes synonymes : « scintillent », « crachent des étincelles » et le champ lexical de l’orfèvrerie : « diamants », « argent », « or » ainsi que des participes passés qui disent le chatoiement complexe des tissus et des bijoux : « couturée de perles », « ramagée », « lamée », « diaprés », « tigrés ». Le regard des convives est ébloui par les effets des tissus et des pierreries en mouvement : « tous, dilatant leurs narines, palpitaient de convoitise » (texte 14, l. 31). 4. L’érotisme puissant qui se dégage de la scène vient de ce que la danseuse laisse apparaître de son corps superbe. Flaubert évoque d’abord sa « poitrine » et sa « tête » recouverts d’un voile qu’elle ôte avant de danser, ses « épaules » et ses « reins » couverts mais dévoilés par ses mouvements. Huysmans est plus explicite encore lorsqu’il décrit « ses seins [qui] ondulent » et dont les « bouts se dressent ». 5. La lascivité progressive de la danse est accompagnée d’un crescendo musical qui crée une sorte de frénésie sensuelle et exalte la danseuse et son public. Flaubert nous fait entendre le « rythme de la flûte et d’une paire de crotales » (l. 11-12) bientôt accompagnés de « gingras » ou d’une « harpe » pour finir dans une formidable gradation sonore : « les tympanons sonnaient à éclater, la foule hurlait. Mais le Tétrarque criait plus fort […] » (l. 34-35). 6. L’impact de cette danse des sept voiles est très fort sur l’assistance et s’organise lui aussi dans un enthousiasme croissant. L’arrivée de la Salomé de Flaubert provoque d’abord « un bourdonnement de surprise et d’admiration » qui s’amplifie jusqu’à enflammer les hommes (l. 26) et entraîner « les acclamations » de « la multitude » (l. 27). L’auteur détaille



06/09/11 11:52

ensuite l’effet produit sur ceux qui devraient rester de marbre devant un tel spectacle du fait de leur expérience en matière de débauche, de leur âge avancé ou de leur fonction, tels « les vieux prêtres » (l. 30). L’extrait se clôt sur les hurlements de la foule et l’hystérie qui s’empare d’Hérode aux lignes 36-37. Huysmans personnalise davantage encore les réactions et montre l’évolution du visage d’abord impassible d’Hérode aux lignes 6 et 7 qui « frémit » ensuite alors que « l’hermaphrodite ou l’eunuque », lui-même, ne peuvent retenir leur admiration.

7. Les éléments repris de la Bible sont essentiellement narratifs : La situation est la même : le banquet d’anniversaire d’Hérode, la danse de Salomé. Les protagonistes : Hérode, Salomé, Hérodiade. La promesse d’Hérode : – La Bible : « Ce que tu me demanderas, je te le donnerai, fût-ce la moitié de mon royaume. » – Flaubert : « Viens ! viens ! tu auras Capharnaüm ! la plaine de Tibérias ! mes citadelles ! la moitié de mon royaume ! » La présence d’une assistance nombreuse : – La Bible : « ses grands, aux chefs militaires et aux principaux de la Galilée ». – Flaubert : « la multitude », « les nomades », « les soldats », « les avares publicains, les vieux prêtres ». Le rôle crucial d’Hérodiade, la mère de Salomé : – La Bible : « Et sa mère répondit : « La tête de Jean-Baptiste ». – Huysmans : « la féroce Hérodias » l. 17, « induite par sa mère » l. 31. 8. La figure de Salomé est extrêmement amplifiée par rapport au texte biblique. Elle devient l’incarnation de la femme sensuelle et désirable dont la beauté est fatale car elle fait perdre la raison aux hommes. En tant que parangon de la beauté fatale, elle hante les artistes et devient muse pour les écrivains et les peintres. 9. La visée du texte biblique est de raconter le martyr de Jean-Baptiste alors que celle de Flaubert et Huysmans est de mettre en scène le pouvoir sensuel de Salomé sur le puissant Hérode. Il y a donc un changement total de propos : le texte biblique fait l’apologie d’un saint à travers l’injustice et l’arbitraire

dont il est victime, les textes laïques s’emparent de l’anecdote pour élever Salomé au rang de mythe.

10. Dans le texte de Huysmans, Salomé devient une figure fascinante. Cette fascination est exercée au sein même de l’anecdote sur Hérode et l’assistance (cf. question 6) et sur le personnage de Des Esseintes : « Ce type de Salomé si hantant pour les artistes et les poètes, obsédait, depuis des années, des Esseintes » (l. 21-22). Il a lu de nombreuses fois l’évangile de SaintMathieu et a rêvé « entre ces lignes » allant jusqu’à transfigurer le personnage féminin. Il voit dans le tableau L’Apparition de Gustave Moreau la « Salomé, surhumaine et étrange qu’il avait rêvée » (l. 43).

HISTOIRE DES ARTS 11. Dans le tableau du Caravage (p. 416), la violence naît du geste du bourreau dont les muscles dénudés sont tendus dans l’effort du supplice. Le saint homme, étendu à terre, attire le regard par la verticalité des gestes et l’étoffe rouge qui ceint sa taille. Cette étoffe fait écho au sang qui coule en jets de sa gorge et le doigt pointé du garde laisse comprendre au spectateur effaré que le plat est destiné à recevoir la tête du supplicié. La danseuse peut être qualifiée de « femme fatale » au sens propre : figure du destin, elle apporte la mort. Ici, elle tient le plat d’or qui recueillera la tête du saint, elle est désignée comme celle qui a commandé le châtiment, sa volonté est fatale à Jean-Baptiste. 12. Dans le tableau de Gustave Moreau (p. 418), la violence est mise en valeur par le geste autoritaire de Salomé qui pointe le doigt vers la tête décollée du saint qui flotte au milieu de la toile sanguinolente et auréolée de rayons lumineux. Très dénudée, couverte partiellement de voiles brillants et de bijoux, Salomé apparaît comme l’instrument de la fatalité en cela qu’elle est responsable de la mort de Jean-Baptiste. Femme fatale, elle attire irrésistiblement le regard du spectateur et exerce une fascination. Son geste s’apparente à de la magie, comme un ensorcellement et le regard de la tête volant dans les airs vers son séduisant bourreau accroît la force tragique du tableau. L’imagination du peintre transfigure la scène. 21 Réécrire pour faire œuvre nouvelle |


357

06/09/11 11:52

VERS LE BAC Invention L’élève décrira le cadre de la scène en utilisant l’encadré de la page 419 puis il imaginera le discours prononcé par la tête de Jean-Baptiste et les réactions stupéfaites de l’assistance.

⁄§

Jules Laforgue, Moralités légendaires, ⁄°°‡  p. ›¤‚

Regard parodique sur un mythe LECTURE DU TEXTE 1. Jules Laforgue voue à Gustave Flaubert une telle admiration qu’elle en est paralysante : comment peut-on encore oser écrire après un tel maître ? Telle est la question que se posent les jeunes auteurs décadents, fervents lecteurs des Trois contes. La parodie qu’il propose d’Hérodias dans Moralités légendaires lui permet de prendre ses distances par rapport à son modèle. On peut même dire qu’il s’en moque pour mieux le désacraliser et cette démarche libératrice ouvre un espace de création. Il reprend la situation du texte source, l’entrée remarquée de Salomé dont il se moque faisant mine de ne pas l’identifier avec certitude : « il paraît que c’était Salomé » (l. 2-3), là où Flaubert conservait une sorte de suspens : « Une jeune fille venait d’entrer » (l. 2). Il décrit ensuite, comme Flaubert, avec forces détails le physique, la tenue et les poses de la jeune danseuse. 2. Jules Laforgue s’amuse du lexique décadent cher aux écrivains de cette fin de XIXe siècle (cf.encadré de la page 419). Il multiplie les noms de couleur : « moire, azur, or, émeraude », « rose pâle » ou désigne précisément les mouvements du tissu avec les néologismes « emmousselinée » (l. 18) ou le verbe « s’adombr[er] » (l. 23), les hyperboles « arachnéenne » (l. 18) ou « éblouissantes » (l. 29) et l’emploi de termes précieux tels « les brassières de nacre » (l. 12) ou « les fibules » (l. 19).

3. Bien que le texte appartienne au registre épidictique et fasse, à première lecture, l’éloge de Salomé, une lecture plus attentive permettra à l’élève d’étudier la visée parodique du texte. Ainsi, la jeune femme est présentée comme une figure « raide » (l. 4) et vacillante (l. 8 et 27) sur ses « pieds exsangues aux orteils écartés », cette notation saugrenue est d’ailleurs récurrente : lignes 8 et 28. Ses cheveux sont dénigrés par les expressions : « saupoudrés de pollens inconnus », « se défaisaient », « ébouriffés » qui nuisent à la sensualité du personnage. Il en est de même avec les remarques sur sa maigreur adolescente : « deux soupçons de seins » et « hanches maigres » qui contredisent l’image traditionnelle de la volupté. Le vocabulaire religieux, par ses exagérations très appuyées, participe également à la parodie en faisant du personnage de Salomé – bourreau d’un saint – une martyre : « les yeux décomposés d’expiations chatoyantes » (l. 15) ou « un sourire des plus crucifiés » (l. 17). On note donc un renversement de l’image traditionnellement accordée au personnage : la beauté sensuelle et la séduisante pécheresse devient une adolescente maladroite et hautaine. 4. Contexte : cette expression proverbiale est tirée de la fable 9 du livre IV des Fables de La Fontaine, elle s’applique aux plagiaires et les contemporains ont parfois reconnu Colbert sous les traits du geai qui se serait paré des qualités du paon Fouquet. « Un paon muait : un geai prit son plumage ; Puis après se l’accommoda ; Puis parmi d’autres paons tout fier se panada, Croyant être un beau personnage. Quelqu’un le reconnut : il se vit bafoué, Berné, sifflé, moqué, joué, Et par messieurs les paons plumé d’étrange sorte ; Même vers ses pareils s’étant réfugié, Il fut par eux mis à la porte. Il est assez de geais à deux pieds comme lui, Qui se parent souvent des dépouilles d’autrui, Et que l’on nomme plagiaires. Je m’en tais, et ne veux leur causer nul ennui : Ce ne sont pas là mes affaires. » La Salomé de Jules Laforgue arbore « une roue de paon nain » car elle n’est que la réplique, la pâle copie de la Salomé originale et de celle qu’a décrite Flaubert, maître écrasant de Laforgue.



06/09/11 11:52

ÉCRITURE Argumentation L’élève pourra développer les arguments suivants en utilisant les textes du corpus. Certes la réécriture contient une part d’imitation et de reprise : – Reprise d’une figure : Fernand Léger redessine La Joconde (p. 400), Laforgue imite la Salomé de Flaubert et Huysmans (p. 420). – Reprise d’une forme : Joachim du Bellay et Ronsard imitent Pétrarque (p. 403-404). – Reprise d’une histoire : Alessandro Baricco revisite l’Iliade d’Homère (p. 411) et Posy Simmonds transpose l’intrigue de Madame Bovary de Flaubert (p. 415). – Reprise de mots : Gainsbourg s’inspire des vers de Verlaine pour écrire sa chanson Je suis venu te dire que je m’en vais (p. 408). Néanmoins l’auteur qui réécrit propose sa propre création : – Nouvelle interprétation d’une icône : La Joconde par Basquiat interroge le marché de l’art et désacralise le sfumato de De Vinci en le traitant comme un graffiti à la craie. – Changement énonciatif : Gainsbourg cite Verlaine mais transforme l’élégie mélancolique du poète en message de rupture. – Changement de point de vue : Baricco laisse la parole à Andromaque pour raconter le combat d’Hector et Achille et introduit une émotion pathétique emprunte de féminité. – Changement de registre : • Certes Cohen « ressasse » les mêmes sentiments et évoque dans ses Carnets une douleur du deuil impossible déjà évoquée dans Le Livre de ma mère 25 ans plus tôt mais la nostalgie laisse la place à l’angoisse de mourir et le texte prend un tournant tragique. • Jules Laforgue parodie Flaubert et transfigure la Salomé sensuelle en adolescente gauche et empêtrée dans ses voiles.

POUR ARGUMENTER : RÉÉCRITURE OU PLAGIAT ?

 p. ›¤⁄

LECTURE DU TEXTE 1. Le sujet des récits de Camille Laurens et de Marie Darrieussecq est proche. Philippe est un texte autobiographique publié en 1995 qui raconte la mort de son bébé après l’accouchement par la faute d’un médecin négligent. Elle expose sa souffrance et la violence de cet événement. Tom est mort est un roman narrant une histoire fictive. Publié en 2007, il raconte la mort accidentelle d’un petit garçon de quatre ans et demi à la suite d’une négligence de sa mère. Elle expose la douleur du deuil. Les deux auteurs sont publiés chez le même éditeur – POL – et en 2007, lorsque sort le roman de Marie Darrieussecq, Camille Laurens l’accuse de « plagiat psychique » et de singer une expérience de deuil qu’elle n’a pas personnellement vécue. Pour l’accusée, cette polémique est un « ignoble concours de douleurs, et que, quel qu’en soit le sujet, un roman n’a pas à se légitimer d’une expérience vécue ». 2. Ce mot est un néologisme, un « mot-valise » qui regroupe les mots plagiat et calomnie. La « plagiomnie », c’est l’accusation infondée de plagiat. Marie Darrieussecq est accusée de plagiat par ses consœurs qu’elle accuse à son tour d’attaque infondée et calomnieuse. Elles ont distillé le doute sur l’authenticité de son œuvre comme « un poison » (l. 13), elles lui ont fait perdre confiance en son inspiration de romancière : « “Et si c’était vrai ?” se demande l’accusé, qui n’ose plus prononcer la moindre phrase de peur de citer quelqu’un. » (l. 11-12). Elle se sent victime : « cœur de cible ». Quant à Camille Laurens, elle revient sur ce moment douloureux dans son roman Romance nerveuse où elle pose à nouveau la question : est-ce qu’on peut singer la douleur ? Est-ce que le succès littéraire qui découle de cette mort fictive, de ce « faire semblant » imitant/réécrivant une douleur vraie (celle de C. Laurens ou de toute autre mère endeuillée) est acceptable ? 3. Le singe est l’animal qui copie l’homme, qui s’amuse à l’imiter (cf. « peuple singe du maître » dans « Les Obsèques de la lionne » de 21 Réécrire pour faire œuvre nouvelle |


359

06/09/11 11:52

La Fontaine). Le plagiat se présente ainsi comme une imitation simiesque, grotesque.

VERS LE BAC Dissertation

Prolongements On peut demander aux élèves de sélectionner sur Internet des « singeries », des tableaux montrant un singe singeant : Le Singe peintre de Chardin s’interroge sur la stupidité de l’imitation ou le mensonge sur lequel repose certains succès artistiques ou littéraires. Les singeries de Téniers ou Lancret sont elles aussi très intéressantes.

Proposition d’une introduction rédigée. Accusée à deux reprises de plagiat par ses consœurs, Marie Darrieussecq publie en 2010 un livre dont le titre évoque le sentiment qu’elle a eu d’être mise en examen : Rapport de police. Elle s’interroge sur la « plagiomnie » dont elle s’est sentie à la fois victime et coupable malgré elle et propose une réflexion sur le concept de plagiat au-delà de son cas personnel. La frontière entre réécriture et plagiat peut être ténue. Où s’arrêtent les réécritures ? Où commence le plagiat ? L’auteur qui réécrit est-il le « singe de son maître » ? Nous envisagerons les dangers du plagiat et les nuances entre le plagiat et l’imitation puis nous montrerons que réécrire n’est pas copier.

4. L’Oulipo est défini comme « l’ouvroir de littérature potentiel », il s’agit de jeux d’écriture, souvent intertextuels, sous contraintes : « l’auteur oulipien est […] un rat qui construit lui-même le labyrinthe dont il se propose de sortir. » C’est un mouvement fondé par Raymond Queneau et François Le Lionnais qui comptent de nombreux membres écrivains et/ou mathématiciens. Pour lire le manifeste de l’OULIPO dans son intégralité : www.oulipo.net/document2561.html. Les membres de l’OULIPO jouent avec le langage et tissent entre les textes, entre les mots des autres, des réseaux dont ils s’amusent. Ils seraient « promis à l’enfer » s’ils étaient jugés par Camille Laurens et Marie N’Diaye qui se positionnent comme garantes de l’originalité absolue, comme protectrices du droit d’auteur.

L’élève pourra reprendre les arguments de l’exercice d’écriture de la page 420 et s’aider de la page d’histoire littéraire, p. 422, pour les organiser dans un plan dialectique qui pourrait être : 1) Certes, la démarche d’imitation peut sembler proche du plagiat 2) Mais imiter n’est pas copier 3) Réécrire est une création à part entière : l’intertextualité n’est pas le masque d’une impuissance créatrice



06/09/11 11:52

Séquence

¤¤

Les Vampires Livre de l’élève  p. ›¤‹ à ›‹¤

Présentation de la séquence  p. ›¤‹ L’objectif de cette séquence est de découvrir un mythe et ses réécritures, de la littérature au cinéma. Elle se propose d’analyser et de comparer les variations de la figure vampirique selon les siècles et les arts. On découvrira que la figure du vampire présente des constantes comme l’inquiétante étrangeté de cette créature mi-monstre, mi-dandy, son animalité, l’ambiguïté entre l’effroi et l’attirance ressentie par sa victime et la tension que le vampire instaure entre Éros et Thanatos. Des variations pourront également être mises en valeur entre le Dracula gothique de Bram Stoker et l’adolescent ténébreux de Twilight. Le vampire s’est-il dénaturé en évoluant ?

⁄ Visages d’un mythe

 p. ›¤›-›¤∞

ÉTUDE DE PORTRAITS DE VAMPIRES 1. Le portrait fondateur. Le photogramme du film de Murnau, Nosferatu le Vampire et l’affiche du Dracula de Tod Browning proposent le même angle de prise de vue : le vampire est représenté en contre-plongée, ce qui donne au lecteur un sentiment de petitesse et d’infériorité. L’angle de prise de vue rend le vampire plus imposant et, par là même, plus inquiétant. 2. L’affiche de Dracula joue avec la représentation traditionnelle du vampire. On retrouve chacun des éléments-clés qui rendent immédiatement reconnaissable ce personnage mythique : l’élégance, le regard inquiétant, la bouche écarlate et la cape noire doublée d’un tissu rouge sang en forme d’aile de chauve-souris. Le groupe des « gentlemen » en petit, en bas à gauche de l’affiche, forme un contrepoint saisissant : saisis, voire effrayés, habillés de costumes clairs, ils sont face au vampire et semblent résister difficilement à cette noire incarnation des forces du mal.

3. Max Shreck incarne bien le monstre décrit par Bram Stoker. En effet, la traduction de Lucienne Molitor évoque : « le nez aquilin », « le front haut », les sourcils « qui donnaient l’impression de boucler », les dents « pointues »,

les oreilles « en pointe », les joues creuses et la « pâleur étonnante ». Paradoxalement, le fait que l’acteur soit chauve et glabre, alors que la créature de Bram Stocker est plus velue, sert bien le film. Sa pâleur morbide ressort d’autant mieux. On peut faire la même remarque sur le noir et blanc expressionniste caractéristique du cinéma allemand des années 1920 : il renforce la monstruosité du personnage, même si, bien sûr, il ne peut rendre « le rouge vif » des lèvres, bien mis en valeur par l’affiche en couleurs de Tod Browning.

4. La vie et la mort coexistent dans cet extrait. On peut relever le contraste entre « la vitalité extraordinaire » des lèvres carmin et « la pâleur étonnante » du visage. L’antithèse entre la vie et la mort est donc parfaitement exprimée par les oppositions lexicales. Ainsi, c’est bien la peur du mort-vivant qui est exprimée par Bram Stoker.

L’UNIVERS DU VAMPIRE 1. Il existe un rapport mimétique entre le lieu de vie du vampire et sa personnalité. Dans le texte de Bram Stoker, la « brume épaisse », les « gros paquets de brouillard », les « sapins noirs » et les « montagnes » donnent au paysage un aspect « effrayant », menaçant. Matthew Lewis souligne également l’analogie entre le château et 22 Les Vampires |


361

06/09/11 11:52

« l’hôte surnaturel » qu’il abrite. Les lieux apparaissent « menaçants » et inspirent au spectateur une « triste et respectueuse horreur ». Aussi le vampire est-il isolé du monde des hommes et des frontières naturelles le séparent du commun des mortels, ce qui souligne son inquiétante étrangeté.

2. L’encre de Victor Hugo représente un château émergeant de la brume. Les différentes teintes brunes, les effets de lavis et le contraste violent entre ombre et lumière créent une atmosphère fantastique, et plus précisément gothique. Il pourrait avoir pour légende la phrase de Matthew Lewis : « Ses murs épais, que la lune teignait de sa lueur mystérieuse ; ses vieilles tours à demi ruinées, qui s’élevaient dans les nues et semblaient menacer les plaines d’alentour ». 3. Cette affiche réunit tous les éléments vampiriques : – l’inquiétant personnage, drapé dans sa cape noire, au regard perçant et aux dents pointues ; – la tension entre Éros et Thanatos : la victime, sensuelle et décolletée, s’abandonne dans la mort comme après un baiser ; – le château sombre et inquiétant apparaît dans la brume et la pâle clarté d’une pleine lune ; – les arbres sans feuilles semblent directement sortis du tableau de Friedrich de la page 432 ; – les couleurs noire et rouge connotent la mort et le sang, la passion et la nuit ; – le titre est encadré par une aile de chauvesouris.

¤ La sensualité du vampire

 p. ›¤§-›¤‡

ÉROS ET THANATOS 1. Dans cet extrait d’Entretien avec un vampire d’Anne Rice, la sensualité est explicitement exprimée par les postures et les gestes des personnages (« en un mouvement si gracieux et si intime » ; « il m’entoura de son bras droit et m’attira contre son sein » ; « il appuya les doigts de sa main droite sur mes lèvres »). Ils font de la morsure du vampire une étreinte, un baiser fatal – à la fois dangereux et irrésistible.

2. Le photogramme du film Dracula de Francis Ford Coppola met en valeur la sensualité du vampire et la tension entre le désir et le danger grâce à : – la ligne diagonale qui conduit vers le baiser ; – l’éclairage à la bougie qui effleure les épidermes ; – le froissement de l’étoffe ; les couleurs rouge et noire des vêtements féminin et masculin, qui contrastent et s’épousent ; – la main droite du vampire qui enserre la taille fine et corsetée de la jeune femme, tandis que l’autre étreint sa gorge dans une caresse mortelle ; – le luxe baroque représenté par le chandelier doré, les bijoux, la préciosité des étoffes. Ainsi, les deux personnages sont attirés l’un par l’autre, dans un rapport de forces contradictoires.

UN ÊTRE FASCINANT 1. Dans Entretien avec un vampire, la morsure semble un baiser comme en témoigne l’expression « le geste d’un amant » et les verbes « il m’attira », « il m’entoura » évoquant l’étreinte. C’est néanmoins un baiser volé et forcé : « je tentai de lutter », « je cessais ma tentative avortée de rébellion ». La dernière phrase du texte, faisant office de pointe, rappelle la violence de la morsure substituant à la tendresse de l’embrassade : « il enfonça ses dents dans mon cou ». 2. Clarimonde exerce sur le narrateur une véritable fascination. Elle s’exprime lorsqu’il la décrit épanouie après qu’elle s’est nourrie de son sang. Par une série de comparaisons (à un félin, à un gourmet, à une amante) et le champ lexical des sensations, le narrateur évoque une femmevampire « plus belle que jamais et dans un état parfait de santé ». Le pouvoir hypnotique exercé par la jeune femme est également suggéré par la focalisation du regard, voire sa fixation, sur certaines parties de son corps. Ainsi, « la pupille de ses prunelles vertes », « les lèvres », « l’œil humide et brillant » et « la main tiède et moite » semblent se détacher avec force (vision myope). 3. Le texte de Théophile Gautier et le tableau d’Edvard Munch traduisent l’ambiguïté de l’étreinte vampirique. Elle est à la fois tendre, enveloppante et dangereuse car la créature a une emprise évidente sur le sujet. Le peintre traduit ce rapport de domination par la position des personnages l’un par rapport à l’autre ; l’écrivain



06/09/11 11:52

par la passivité du narrateur. Quant à la tendresse du baiser-morsure, elle s’exprime textuellement par la phrase suivante, où le chiasme met en valeur les lèvres : « elle s’interrompait pour me baiser la main, puis elle recommençait à presser de ses lèvres les lèvres de la plaie ». Picturalement, elle se traduit par la cascade de cheveux et les bras entourant la victime en un geste presque maternel. Néanmoins, l’ambivalence est maintenue car cette chevelure rouge sang semble tenir prisonnier le jeune homme, dont l’abandon pourrait signifier la mort.

‹ Un monstre infiltré parmi  p. ›¤°-›¤· les humains DE L’IMAGE AU TEXTE 1. Gary Oldman est un homme très élégant. Son costume trois pièces, sa lavallière, sa canne à pommeau d’argent et son chapeau haut de forme lui donnent une allure de dandy (cf. encadré de la page 428 définissant le dandysme). Seules ses lunettes noires lui confèrent un aspect mystérieux et quelque peu décalé. Le danger est d’autant plus grand que cet homme attirant ne laisse en rien filtrer son animalité, hormis, peut-être, une certaine grâce féline. 2. C’est un véritable plaidoyer en faveur du vampire que développe l’interlocuteur de Robert Neville. Il soutient que la terreur qu’il suscite n’est pas justifiée : « la Société le hait sans raison ! », clame-t-il. Pour relativiser sa dangerosité, il le compare à une série de criminels en liberté, bien plus effrayants à ses yeux dans une succession de questions rhétoriques qui accusent les parents abusifs, les hommes politiques névrosés, les vendeurs d’armes et d’alcool ou encore le rédacteur en chef d’un journal à scandales. Le vampire passe, dans cette harangue, du statut de bourreau à celui de victime, de « pauvre innocent » victime d’un « injuste préjugé » à son égard. Son crime est minimisé : « Tout ce qu’il fait, c’est boire du sang. » Selon l’interlocuteur de Neville, c’est la traque continuelle dont il est victime qui fait du vampire un marginal : « il se voi[t] forcé de mener une existence nocturne, en marge de la légalité ». Il y a donc dans ce discours argumentatif une inversion des rôles entre les hommes et les vampires.

3. Le vampire est inquiétant car il nous est familier. Il peut passer inaperçu parmi les hommes et s’infiltrer dans notre monde alors qu’il est une sorte de prédateur animal, un tueur sanguinaire fondamentalement terrifiant. NB : L’expression « inquiétante étrangeté » est la traduction française d’un concept freudien datant de 1919 : « Das Unheimliche ». Il désigne le sentiment d’angoisse, de malaise ou d’effroi que peut susciter une situation en apparence banale et quotidienne. Pour comprendre « l’inquiétante étrangeté » : www.ac-grenoble.fr/PhiloSophie/file/freud etrangete.pdf www.larevuedesressources.org/spip. php?article1481

LES MÉTAMORPHOSES DU VAMPIRE 1. La métamorphose que Baudelaire fait subir au mythe du vampire est profondément originale. La femme, séductrice qui laisse le poète exsangue, vide de toute inspiration, s’affirme d’abord comme une dangereuse dominatrice. Mais, dans cet extrait qui constitue le dénouement du drame poétique, le personnage masculin survit et peut témoigner de la métamorphose de la femme : l’amante se transforme brusquement en « outre aux flancs gluants ». L’enjambement met en valeur la révulsion et le dégoût ainsi suscités. Le mot « pus », à la rime, choque encore les lecteurs modernes. Puis, elle se consume, subissant une mort en accéléré, pour n’être plus que « débris de squelette », plus grotesque qu’effrayante. La volupté s’avère mortelle pour le bourreau. Comme dans « Une charogne », le sang transforme la séduction en infection. 2. La censure a été choquée par l’obscénité de ce poème qui mêle l’amour charnel à l’évocation crue de la douleur et de la mort. Les Fleurs du mal ont été condamnées en 1857 pour « outrage à la morale publique et aux bonnes mœurs ». De fait, ce poème fait de la femme une créature démoniaque, aspirant les forces vives d’un créateur séduit et pourtant cruellement méprisant. L’esthétique poétique met en valeur une description aussi terrifiante que grotesque de la femme-vampire. Lire le poème sur : http://poesie.webnet.fr/lesgrandsclassiques/ poemes/charles_baudelaire/les_metamorphoses_ du_vampire.html 22 Les Vampires |


363

06/09/11 11:52

Pour mieux comprendre ce qui a choqué les lecteurs, lisons cet extrait du réquisitoire d’Ernest Pinard : « De bonne foi, croyez-vous qu’on puisse tout dire, tout peindre, tout mettre à nu, pourvu qu’on parle ensuite du dégoût né de la débauche et qu’on décrive les maladies qui la punissent ? Messieurs, je crois avoir cité assez de passages pour affirmer qu’il y a eu offense à la morale publique. Ou le sens de la pudeur n’existe pas, ou la limite qu’elle impose a été audacieusement franchie. » Prolongement Lire le réquisitoire d’Ernest Pinard dans son intégralité. http://fr.wikisource.org/wiki/R%C3%A9quisitoire_ d%E2%80%99Ernest_Pinard

3. Le vampire a toujours été comparé à la chauve-souris, animal nocturne dont certaines espèces se nourrissent, sans les tuer, du sang de leurs proies. C’est un animal inquiétant qui concentre des peurs populaires et suscite des rumeurs fantastiques. D’ailleurs, la substance anticoagulante qui est contenue dans la salive des chauves-souris s’appelle… la draculine ! 4. Le personnage joué par Tom Cruise est penché sur sa victime à la manière d’un fauve sur sa proie. Son regard, sa chevelure et ses lèvres mouillées de sang renforcent l’analogie entre l’homme et le félin. On peut rapprocher sa posture de ces quelques lignes de La Morte amoureuse de Théophile Gautier : « Elle sauta à bas du lit avec une agilité animale, une agilité de singe ou de chat » qui établissent la même correspondance.

› La fin d’un mythe ?

 p. ›‹‚-›‹⁄

ÉTUDE D’IMAGES 1. Le film de Mel Brooks est sorti trois ans après le Dracula de Francis Ford Coppola. Il s’affiche clairement comme une parodie. La même gargouille de pierre est utilisée. Mais, si la première est effrayante et démoniaque, la seconde – très humanisée sous les traits de Leslie Nielsen – est ridicule. La devise de la première affiche joue sur le topos des amants maudits avec l’expression : « l’amour est éternel » ; la seconde propose un jeu de mots : « i’mmord tellement fort »

redoublé par le sous-titre « mort et heureux de l’être ». Enfin, le calembour « sang pour sang » fait écho à l’écriture sanglante de l’affiche de Coppola. Il y a donc clairement un changement de registre entre les deux affiches : quand l’une est fantastique et tragique, l’autre est délibérément comique et parodique.

2. Dans le photogramme du Bal des Vampires de Polanski, le personnage, apeuré, est ridicule. Écartelé entre les deux cercueils, il ne sait plus où donner de la tête. De plus, sa position le rend ridicule et assez inoffensif malgré sa volonté : il est plus bas que le vampire ce qui lui fera vraisemblablement manquer son geste. De nombreux clichés vampiriques sont réunis dans cette image : la crypte sombre, les cercueils ouverts, les pieux qu’il faut enfoncer dans le cœur du vampire pour le tuer, selon la légende. Tous ces clichés sont tournés en dérision. 3. En réunissant les clichés vampiriques pour s’en moquer, la parodie désacralise le mythe du vampire et permet de tenir à distance les peurs ancestrales qu’il exprime (peur de la passion dévorante, peur de la mort, peur de la nuit). Ces parodies, en faisant rire de ce qui terrifie, adoptent une démarche salutaire.

LE MYTHE REVISITÉ 1. L’élève pourra s’appuyer sur l’article du Monde (texte 4) et l’affiche du film pour étayer la thèse qu’il souhaite défendre : Oui, le personnage d’Edward Cullen peut sembler affadir le mythe du vampire : – il n’est pas effrayant ; – il ne présente pas de danger pour les jeunes filles puisqu’il se nourrit de sang animal ; – il ne vit pas dans un lieu inquiétant mais dans une luxueuse villa baignée de lumière. Mais, ce personnage reprend de nombreux aspects du mythe : – il retrouve « la charge érotique propre au mythe vampirique » ; – il incarne « la force du désir inassouvi » et met en tension ce désir et ses dangers réunissant ainsi Éros et Thanatos : « Le fantasme sexuel semble fécondé par le sang » ; – il renoue avec le topos de l’amour impossible et des amants maudits, présents dans de nombreuses histoires de vampire ;



06/09/11 11:52

– il pose la question de l’autre, à la fois semblable et différent. C’est de ce sentiment de familiarité étrange que vient le trouble ; – il se nourrit du romantisme noir cher aux auteurs gothiques, si séducteur.

2. et 4. Aujourd’hui, le succès du mythe des vampires est important, on peut même évoquer un phénomène de mode nourri par : – des œuvres littéraires : Je suis une légende de Richard Matheson, Entretien avec un vampire ou Lestat le vampire d’Anne Rice, la saga de Stephanie Meyer (Fascination, Hésitation, Tentation), Le Journal d’un vampire de J.S. SMITH ou encore Le Petit Vampire de Joann Sfar ; – leurs adaptations cinématographiques : la saga Twilight, Morse de Thomas Alferdson en 2008, Dracula de Coppola en 1992 et de Mel Brooks en 1995, Entretien avec un vampire de Neil Jordan sorti en 1994, Innocent blood de John Landis en 1992 ; http://fr.wikipedia.org/wiki/Cat%C3%A9gorie: Film_de_vampire – des séries américaines comme True blood ou The vampire diaries ; – des publicités : http://morduedevampires.pagespro-orange.fr/ Articles/A0007.htm www.paperblog.fr/4405236/ une-pub-pour-les-dentistes-avec-des-vampires/ – des jeux de rôle : Vampires, Le Requiem, Vampires : l’ère victorienne… ; – des mangas : Vampire Knight, dont l’érotisme malsain et la volonté de puissance séduisent les adolescentes. 3. Le mythe du vampire se modernise et se renouvelle, ce qui explique qu’il perdure avec une telle vivacité. Comme l’écrit Macha Séry, « il est loin le temps où des morts vivants au faciès terreux […] exhalaient la naphtaline et se cloîtraient dans des châteaux en Transylvanie. » Nul ne se plaindra de la disparition de l’arsenal folklorique qui accompagnait la légende populaire : crucifix et gousses d’ail n’ont plus cours, avec un souci de l’épure très esthétique. De ce point de vue, le vampire moderne, se confondant avec le mythe du beau ténébreux, est réhabilité. Comme l’écrit Jean Marigny, ce sont « des êtres d’élite », des « anges de la mort » qui « fascinent les jeunes lecteurs ». Mais le vampire

est aussi dénaturé dans la mesure où la créature inquiétante et démoniaque a laissé place au dandy séduisant, voire au « beau gosse » – un peu pâle et mélancolique tout de même – du lycée américain.

∞ Atelier d’écriture : Écrire une « note d’intention »  p. ›‹¤ La note d’intention est un texte synthétique permettant de donner une idée d’un projet artistique.

La composition de la note d’intention La note d’intention peut être construite autour de deux axes directeurs : – Quelles raisons ont conduit le réalisateur à proposer une nouvelle adaptation de Dracula ? L’élève pourra s’appuyer sur le texte théorique de Jean Marigny (p. 431) pour montrer l’actualité de cette figure incarnant les peurs et fantasmes de plusieurs générations (adolescents et adultes). Dans cette optique, il sera nécessaire de faire référence aux autres versions (fidèles, parodiques) pour mieux affirmer la singularité du projet artistique. – Comment le réalisateur envisage-t-il d’interpréter le mythe de Dracula ? Sans entrer dans des détails trop techniques, il serait judicieux d’indiquer les grandes lignes de la création artistique : choix des lumières, environnement sonore, idée du casting (nom d’un comédien pour représenter Dracula en le justifiant).

Le point de vue de l’auteur Dans l’idéal, la note d’intention doit être la plus personnelle possible, refléter le point de vue, les intentions de l’auteur en illustrant son propos. Elle devra donc multiplier les modalisateurs marquant la subjectivité du locuteur.

Évoquer les conditions du tournage La note d’intention peut préciser les conditions mêmes du tournage à venir en faisant référence à des lieux possibles de tournage : en studio, en plein air dans un cadre propre à inspirer l’angoisse. L’élève peut s’appuyer sur le tableau de Friedrich pour imaginer un endroit idéal.

22 Les Vampires |


365

06/09/11 11:52

Vers le bac : « L’anecdote de la jeune veuve »

Livre de l’élève  p. ›‹‹ à ›‹∞

QUESTIONS SUR UN CORPUS La Fontaine et Voltaire s’inspirent d’une histoire narrée par Ésope dans le Satiricon de manière plus ou moins prononcée. C’est La Fontaine qui conserve la trame narrative la plus proche en proposant le portrait d’une veuve éplorée qui souhaite mourir : « mon âme / aussi bien que la tienne est prête à s’envoler » (v. 18-19) // « Son affliction était telle qu’elle était résolue à se laisser mourir de faim » (l. 8, Pétrone). Intervient ensuite dans les deux récits un tiers consolateur : le garde chez Ésope (« Il lui tint tous les discours propres à guérir un cœur ulcéré », l. 19) et le père chez La Fontaine : « La belle avait un père, homme prudent et sage / Il laissa le torrent couler. / À la fin, pour la consoler ». Dans les deux récits également, la jeune veuve est indignée qu’on se propose de la distraire et proteste vivement : « Ah ! dit-elle aussitôt, / Un cloître est l’époux qu’il me faut. » (v. 32-33) // « Mais elle, choquée qu’un étranger osât la consoler, se déchire le sein de plus belle. » (l. 20-21, Pétrone). Certes, le dénouement est moins radical et moins cru dans la fable que dans le Satiricon puisque dans le premier cas le prétendant est réclamé (« Où donc est le jeune mari / Que vous m’avez promis ? », v. 47-48) alors que dans le second il est « consommé » (« Donc ils couchèrent ensemble, et non seulement cette nuit même, qui fut celle de leurs noces, mais le lendemain et encore le jour suivant » l. 41-43, Pétrone) mais le retournement de situation est similaire. Nous retrouvons ce même revirement dans l’extrait de Zadig de Voltaire où la veuve Cosrou est obligée de « détourner le ruisseau » pour tenir sa promesse. Voltaire propose une histoire beaucoup plus resserrée, prenant moins la forme d’un récit que d’une anecdote. Néanmoins, on retrouve en quelques mots le passage radical de l’affliction (« sa douleur » l. 8) à la consolation. On voit donc, dans les trois textes, des veuves désespérées se transformer en veuves joyeuses,

malgré leurs serments de deuil éternel. La morale énoncée par La Fontaine pourrait parfaitement illustrer ces trois apologues : « On dit qu’on est inconsolable, on le dit mais il n’en est rien. » En outre, La Fontaine et Voltaire reprennent le ton plaisant et amusé de Pétrone. La parole suggestive et subjective du conteur du Satiricon apparaît aux lignes 3 (elle « ne se contenta pas comme tout le monde »), 16 (« les marques de ses ongles sur son visage »), 21 (elle « s’arrache les cheveux et les jette à poignées sur le corps de celui qu’elle pleure »). Les hyperboles traduisent les excès des démonstrations de désespoir comiques lorsqu’on les confronte aux nuits d’amour passées dans le caveau au dénouement. Cet humour est relayé par le discours du fabuliste dans les quinze premiers vers et par la vivacité de ton de Voltaire qui oppose avec drôlerie les lignes 9 à 15 créant un effet de chute qui surprend et amuse le lecteur. Ainsi, si le moraliste du XVIIe siècle et le philosophe du XVIIIe renouvellent l’anecdote de la jeune veuve par la fable et le conte philosophique, ils demeurent fidèles au texte source du latin Pétrone. On pourrait citer les quatre premiers vers ou les vers 40 et 41 : « Toute la bande des Amours / Revient au colombier » pour illustrer la gravure de Gustave Doré. Le petit Cupidon attend son heure, caché derrière un arbre. Son arc à la main, il guette la jeune veuve car il semble savoir qu’« on dit qu’on est inconsolable » mais qu’il « n’en est rien ».

TRAVAUX D’ÉCRITURE Commentaire Introduction : On peut rappeler l’importance de la réécriture dans les Fables de La Fontaine : le fabuliste se nourrit des récits de Pétrone, des fables d’Ésope, de Phèdre ou encore de textes d’Horace ou de Tite Live.

366 | Les réécritures du XVIIe siècle à nos jours


06/09/11 11:52

1) Plaire a) Des personnages expressifs On peut en dresser l’inventaire stéréotypé : le mari mort, la veuve « jeune beauté », le « père, homme prudent et sage », le prétendant promis : « époux beau, bien fait, jeune » choisi parmi « la bande des Amours ». b) Une anecdote plaisante : c’est un récit amusant proposant une variation sur le topos littéraire de la veuve joyeuse. Situation initiale : deuil inconsolable. Élément perturbateur : le père fait une proposition qui est rejetée. Péripéties : les changements de coiffure et d’habits, la reprise des divertissements. Épilogue léger : la jeune veuve réclame un jeune mari ! Il y a donc un glissement de registre du pathétique au comique. c) La vivacité du récit La forme versifiée est vivifiée par les changements de rythme grâce à l’alternance entre alexandrins et octosyllabes, rimes embrassées, suivies ou croisées. Le lecteur est séduit par des formules frappées au coin de la maxime, aisément mémorisables – ce qui est propre à l’apologue. On peut citer le conseil du vers 26 : « Puisqu’il est des vivants, ne songez plus aux morts » ou les assertions des lignes 33 (« Un cloître est l’époux qu’il me faut ») ou 38 (« Le deuil enfin sert de parure »). 2) Pour instruire a) Une morale explicite Relevons : – Le présent de vérité générale, aux vers 1 et 2, par exemple. Sa valeur est soulignée par le vers 11 : « C’est toujours même note et pareil entretien » et renforcée par la valeur de généralité du « on » aux vers 2, 12 ou 14. – L’allégorie des vers 3 et 4 : « Sur les ailes du Temps la tristesse s’envole, / Le Temps ramène les plaisirs ». – L’antithèse et le parallélisme antithétique des vers 5, 6 et 9. b) L’humour du fabuliste au service de son propos On peut s’amuser au vers 22 de la métaphore exagérée du torrent de larmes, aux vers 18-21 de l’hypotypose : le lecteur s’imagine la scène. Le dialogue poignant et la chute qui le clôt rendent l’euphémisme amusant (« Le mari fait seul le voyage »).

La convocation de « la bande des Amours » suggère une comparaison des angelots ailés aux pigeons voyageurs qui reviennent au pigeonnier et ramènent avec eux « les jeux, les ris, la danse ». c) La fonction des Fables Deux vers nous permettent de cerner la fonction de l’apologue et de comprendre l’art de la fable : « Comme on verra par cette fable / Ou plutôt par la vérité » (v. 14-15). La fable est définie comme une fiction qui révèle la vérité sur l’homme. Cela fait apparaît la duplicité paradoxale du genre : fantaisiste, il reflète la réalité ; léger et drôle, il propose une réflexion grave et morale.

Dissertation 1) Certes, réécrire, c’est s’inspirer d’autrui et donc « écrire sous tutelle » a) Imiter pour rendre hommage Ex. 1 : La Fontaine en écrivant « La jeune veuve » reprend le schéma narratif de Pétrone. Il adapte une histoire mais n’invente pas une situation (p. 434). Ex. 2 : Du Bellay et Ronsard s’inspirent de Pétrarque à plusieurs niveaux : il lui emprunte la forme du sonnet, les registres lyrique et élégiaque, la posture du poète amoureux captif et heureux de l’être (voir p. 402-404 ainsi que p. 208). b) S’inspirer pour s’inscrire dans une tradition littéraire Ex. : Verlaine et Baudelaire ont en partage le motif de l’automne, saison de la mélancolie. Plus largement, ils reprennent un topos littéraire, celui de la symbolique des saisons (p. 407). c) Réécrire, c’est se répéter pour approcher de la vérité et de la justesse Ex. : Le Livre de ma mère, Chants de mort ou les Carnets de 1978 développent une esthétique de la litanie, de la redite pour exprimer un sentiment permanent et lancinant. « Et ce qui m’importe, ce qui est vrai et capital, pourquoi ne pas inlassablement le redire ? Ainsi ont fait mes prophètes, saints ressasseurs », écrit Albert Cohen (p. 412-413). 2) Cependant, réécrire permet d’exprimer une vision personnelle et authentique a) Une vision personnelle Ex. 1 : Posy Simmonds réinvente entièrement la silhouette de Gemma Bovery, son dessin n’est pas le décalque des descriptions de Flaubert (p. 415). Vers le bac |


367

06/09/11 11:52

Ex. 2 : La chanson de Gainsbourg propose un changement d’énonciation qui transforme le sens du texte source et fait de l’élégie mélancolique un message de rupture (p. 408-409). b) Une vision authentique et nouvelle Ex. 1 : On peut être sensible à l’image authentique proposée par Ronsard dans le sonnet 12 des Amours (p. 404) où il se représente en nouveau Prométhée ainsi qu’à son rôle de « fou d’amour », emprunté à la poésie médiévale du « fin’amor » dans ses Sonnets pour Hélène (p. 208). Ex. 2 : L’image de Salomé, sensuelle et fatale que nous donne Flaubert dans Hérodias (p. 417) est une véritable relecture du texte biblique. c) Réécrire, c’est s’adresser à un nouveau public Ex. : Alessandro Baricco adapte le texte de l’Iliade pour une lecture publique, ce qui nécessite de le raccourcir, le moderniser et l’humaniser tout en restant très fidèle à Homère (p. 411). 3) Réécrire, c’est donc faire œuvre nouvelle a) Réécrire est un acte créateur Il s’agit de créer à part entière un texte nouveau, dont l’intérêt ne réside pas uniquement dans la relation au texte source. Ex. : Le texte de Huysmans, tout en proposant une écriture du mythe de Salomé, très populaire en cette fin de siècle, propose un regard d’esthète et de critique d’art sur le tableau de Gustave Moreau à travers le point de vue de Des Esseintes. Cela apporte à son texte une dimension inédite et produit un texte d’esthétique décadente qui se réapproprie totalement le mythe de Salomé (p. 418-419). b) Réécrire, c’est inventer Ex. : En réécrivant Emma Bovary, Posy Simmonds popularise un genre nouveau : le roman graphique (p. 415). c) Réécrire, c’est proposer une nouvelle lecture, sous un angle nouveau Ex. 1 : Certes A. Baricco est fidèle à Homère traduit par Maria Graiza Ciani mais il ajoute une dimension à l’épopée en laissant Andromaque mener le récit. Choisir de faire entendre la parole des femmes change le regard porté sur la guerre et l’empathie du lecteur (p. 411).

Ex. 2 : Jules Laforgue porte un regard ironique, distancié et original sur Salomé, moralité légendaire dont il a empruntée la trame à Flaubert, afin de prendre ses distances par rapport à ce maître écrasant du récit. Ce « meurtre du père », tout symbolique, lui permet de conquérir son autonomie et de naître à lui-même comme écrivain (p. 420). Pour conclure, on peut reprendre la citation de Du Bellay et la considérer au regard de notre étude et proposer une comparaison avec l’art pictural en s’inspirant des Joconde des pages 400 et 401. « Si, par la lecture des bons livres, je me suis imprimé quelques traits en la fantaisie, qui, après [...] me coulent beaucoup plus facilement en la plume qu’ils ne me reviennent en la mémoire, doit-on pour cette raison les appeler pièces rapportées ? » (Seconde préface de L’Olive, 1550).

Écriture d’invention Pistes Les contraintes de la réécriture théâtrale supposent : 1) le choix des personnages. Principaux : un mari défunt, une jeune et jolie veuve, son père Secondaires suggérés par le texte : dames de compagnie et suivantes, des Amours ou leur représentation symbolique 2) le respect de la trame narrative. 3) la mise en dialogue de la narration et la transformation du discours existant en répliques théâtrales. 4) la rédaction de didascalies pour donner des indications de décor, de costumes, d’éclairage, de ton (v. 18, v. 23), de temps (v. 35 et v. 36). L’élève doit tenir compte de la représentation scénique dans son dialogue. 5) la présence éventuelle d’un chœur ou d’un narrateur pour exprimer la morale. 6) le respect des registres et le glissement de l’expression hyperbolique de la douleur à la légèreté frivole.

368 | Les réécritures du XVIIe siècle à nos jours


06/09/11 11:52

Méthodes Livre de l’élève  p. ›‹· à §⁄‹

Fiche

⁄

Le dessin de presse  p. ››⁄

1 Comparer les iconographies d’un journal Objectifs : cet exercice permet à l’enseignant de travailler avec les élèves l’un des domaines d’exploration mentionné dans les nouveaux programmes de la classe de seconde (BO spécial n° 4 du 29 avril 2010) : « Images et langages : donner à voir, se faire entendre ». L’objectif est que les élèves appréhendent de manière critique les messages médiatiques sous des formes variées. Compétences visées : être capable d’analyser des images « en contexte » et de « développer une réflexion nuancée sur la place et l’usage de l’image dans nos sociétés ». Les élèves seront capables de repérer les différentes composantes iconographiques d’un journal.

1. La maquette d’un journal prend en compte son format, la présentation plus ou moins précise et finalisée des titres, du texte et des illustrations mis en page. La plupart des articles sont constitués d’un titre, d’un sous-titre, d’un chapeau, de textes signés de leur auteur, de photos et de leur légende. Sur l’une des pages du journal, on trouvera l’ours (encadré comprenant des informations sur le journal et des mentions légales : noms des responsables du journal, cordonnées, nom de l’imprimeur, date du dépôt légal…). La maquette d’un journal est caractérisée également par une typographie (présentation graphique du texte imprimé) : dans un même article, il est possible de jouer avec la richesse de la typographie (gras, corps du texte, italique, souligné). Une maquette produit du sens, ne serait-ce que par les effets de contamination, par juxtaposition d’articles, de photographies. Les graphistes de presse, à la fois directeurs artistiques

et maquettistes, créent les chartes graphiques des journaux ou magazines et les gèrent. Ils sont là pour traduire visuellement les informations et organiser l’ensemble de la page en assemblant des éléments textuels et iconiques d’origines diverses selon des repères graphiques et visuels non perceptibles par les lecteurs. De cette manière, ils créent pour chaque journal ou magazine une identité visuelle qui lui est propre et qui cherche à créer une complicité entre les concepteurs et le public. La photographie joue généralement un rôle prédominant (par exemple, dans la presse quotidienne régionale) et notamment en Une ; le dessin a toujours sa place (notamment dans Le Monde) et l’infographie s’est beaucoup développée depuis une vingtaine d’années ce qui permet un travail de l’image très important. Le lecteur type est souvent sensible à la présentation de son journal. Par exemple, une présentation très organisée, la présence de graphiques attirera l’attention des hommes d’affaires.

2. L’iconographie a plusieurs fonctions : – elle accroche le regard et attire le lecteur ; – aère et anime la page, permet à l’œil de se reposer ; – aide à la mise en scène de l’information notamment en renforçant le caractère dramatique des articles ; – favorise l’entrée dans la lecture de certains types de lecteurs ; – véhicule de l’information ; – renforce la crédibilité de l’article par son caractère documentaire ; – joue un rôle symbolique ; – apporte une dimension esthétique ou une dimension ludique. 3. Certains journaux ou magazines choisissent des images informatives ou explicatives (infographie, cartes, schémas), argumentatives (dessins), suscitant des émotions ou permettant au Fiches |


369

06/09/11 11:52

lecteur de s’identifier (photographies). Ces choix permettent de comprendre quel est le type de lecteur visé. Il convient de les confronter aux types d’articles mis en valeur et à la complexité de l’écriture.

2 Identifier les différentes iconographies de la presse écrite Objectifs : Il s’agira de travailler sur le langage visuel ; le comprendre en contexte, dans une perspective d’information. L’élève pourra s’interroger sur le regard du reporter. Compétences visées : « Développer une réflexion nuancée sur la place et l’usage des images dans nos sociétés. »

1. Exemple d’événement : Les catastrophes successives qui ont frappé le Japon. 2. Un site présente l’utilisation des images de cet événement : http://owni.fr/2011/03/12/lacirculation-sur-le-web-des-images-du-seismejaponais/. Les différents types d’iconographies peuvent être trouvés par les élèves eux-mêmes soit au CDI, soit en salle multimédia, soit à la maison.

3 Sélectionner des caricatures Objectifs : Le langage visuel d’hier pourra être comparé avec celui d’aujourd’hui. Plusieurs pistes de travail possibles : − La relation, dans son contexte historique, entre un fait et l’image qui en est donnée. L’élève pourrait s’interroger sur la distinction entre les différents statuts de l’image, selon qu’elle relève du réel ou de la fiction. − Ou bien encore, la compréhension des effets, voire des détournements ou manipulations à visée persuasive. Il s’agit alors d’analyser la manière dont l’image a pu être mise au service de l’argumentation. On pourra s’appuyer sur le montage de portraits de Zola : http://expositions.bnf.fr/zola/index.htm Sources pour les caricatures : − Balzac : http://phahn.canalblog.com/ archives/2010/01/29/16711058.html http://debalzac.wordpress.com/2009/11/09/ balzac-et-la-caricature/ http://expositions.bnf.fr/daumier/pedago/01_4.htm

− Baudelaire : http://expositions.bnf.fr/daumier/pedago/01_2.htm http://baudelaire.litteratura.com/?rub=galerie& srub=car − Flaubert : http://flaubert.univ-rouen.fr/iconographie/ portraits.php http://expositions.bnf.fr/daumier/pedago/02_1.htm − Hugo : www.caricaturesetcaricature.com/article-10505 261.html www.cndp.fr/presence-litterature/dossiers-auteurs/ hugo/caricature.html

4 Repérer des figures de style Piste de travail et objectif : Compréhension des effets utilisés par l’auteur. On se donne pour but que les élèves soient capables d’appréhender de manière critique les messages médiatiques sous la forme de dessins de presse. Compétences visées : Les élèves développent leur capacité d’analyse des contraintes et des effets de lecture produits par les supports eux-mêmes.

1. Le lien suivant peut servir de base de réflexion : www.dessindepresse.com/10-galerie_ de_cartoons_humoristiques_par_aster.html (voir le dessin sur le projet d’ouverture des galeries Lafayette à Dubaï). Dans ce dessin, on peut relever : − un symbole : les tours et le yacht évoquent Dubaï. − une allégorie : les deux hommes d’affaires représentent la puissance financière et économique de cette partie de la planète. − une métonymie : les colliers que les deux hommes portent figurent l’État de Dubaï. − une métaphore : le jeu de mots utilisé par le dessinateur.

5 Lire l’image et son texte Piste de travail : La réflexion sur les langages impose une distance réflexive à l’égard des images. Elle peut s’exercer sur les images ellesmêmes et sur les différents types de relations texte et image.

370 | Fiches


06/09/11 11:52

Compétences visées : Recherche, analyse, contextualisation, distanciation, autonomie et esprit critique. 1 et 2. Exemple de production :

De moins en moins doués ! Quelle perspective pour l’avenir ? De nos jours, le fossé entre les générations se creuse… Les parents sont convaincus qu’ils étaient bien meilleurs à l’école que leur progéniture… Les bacheliers sentent leur avenir professionnel plus que menacé et se demandent à quel âge ils pourront bénéficier d’une retraite bien méritée. Cette perspective de l’avenir ne motive certainement pas les lycéens d’aujourd’hui.  Les repères de la société remis en question L’âge de la retraite ne cesse de reculer. Les acquis sociaux sont remis en question. Les jeunes se demandent d’ailleurs si le système des pensions existera toujours…

Certains bacheliers obtiennent le baccalauréat tardivement au goût de leurs parents. Les repères de la société eux aussi sont remis en question. On n’obtient ni le bac à 18 ans ni la retraire à 60 ans en 2011 !

6 Repérer une argumentation Prolongements possibles : − La liberté d’expression grâce au dessin de presse. Une réflexion sur le droit, les devoirs de l’auteur ou bien sur la censure : pourquoi un dessin de presse pourrait-il être censuré ? Faire découvrir le travail de Plantu et ses confrères : www.cartooningforpeace.org/?lang=fr − Parole publique et démocratie dans la cité.

1. Dessin de presse et argumentation sont étroitement liés. En effet, le dessinateur expose ses idées au travers du dessin publié dans la presse. Afin de guider les élèves, l’enseignant peut proposer les pistes de réflexions suivantes, sous forme de questions : Quand et où ? Une cité : présence d’appartements en arrière-plan, d’une voiture onéreuse, d’un couple dont la tenue vestimentaire semble indiquer qu’ils ont les moyens de s’assumer financièrement. De nos jours, de nombreuses personnes peuvent vivre grâce à différentes aides (associations ou allocations diverses) dont certaines qui n’en ont pas besoin. L’énonciateur ? Un journaliste. Le thème ? Utilisation et détournement du système d’aides sociales. La thèse énoncée ? Certains nantis profitent du système alors qu’ils ont les moyens de vivre

très bien (voir les 11 000 euros par mois et la grosse voiture). Le destinataire ? Les lecteurs du journal, l’ensemble des Français. Par quels moyens la thèse est-elle énoncée ? Grâce aux figures de style utilisées par le dessinateur.

2. L’auteur utilise l’allégorie (la richesse de certains est représentée par la voiture garée le long du trottoir). La métonymie est également utilisée : le cabas représente l’association et les services qu’elle rend aux plus démunis.

7 Interpeller grâce au dessin de presse Objectif : Cet exercice permet de travailler un des points d’entrée possible des enseignements d’exploration : « Des tablettes d’argile à l’écran numérique : Textualité numérique et « formes ouvertes » de l’écrit d’aujourd’hui. » La problématique suivante peut être développée : dans une société marquée par l’abondance des réseaux sociaux, la capacité à questionner ces réseaux et à les distinguer de réelles sources d’information constitue un enjeu éducatif primordial.

Fiche

¤

Le billet d’humeur  p. ››‹

1 Comparer un billet écrit ou audio Objectifs : Cet exercice permet à l’enseignant de travailler avec les élèves la maîtrise des langages. Au-delà des explications données par les élèves, l’enseignant les amène à expliciter la pensée des auteurs des billets d’humeur mais également à confronter leur parole, à en apprécier les points de vue et à argumenter. Compétences visées : Les compétences langagières : la capacité à analyser, argumenter et débattre. Les élèves seront capables de repérer les différentes composantes d’un billet d’humeur écrit ou audio.

1. Les procédés stylistiques utilisés par l’auteur sont l’humour et l’ironie. L’auteur utilise le raisonnement de l’absurde. Il prend position en proposant une réponse « enfantine » à la fin Fiches |


371

06/09/11 11:52

du billet qu’il a écrit : la chute est ironique ! L’auteur joue sur les mots autour de l’éléphant : celui qui existe (et qui barrit) et celui qui apparaît quand on a trop bu. Il joue aussi sur les mots autour de l’Écosse, pays de lacs et lieu d’origine du whisky et du scotch.

2. Le journaliste exprime un point de vue critique et l’annonce (comme l’indique le titre). Les détails donnés par l’auteur lui permettent de démontrer et de dénoncer l’absurdité de la situation. Le journaliste utilise, comme le précédent, l’ironie pour défendre son point de vue, mais aussi l’exagération. La chute de l’article est une mise en abyme : l’auteur se défend d’être plus absurde que ceux qui ont condamné pour absurdité. 3. Pour améliorer l’expression orale des élèves, la radio est un support particulièrement adapté. Elle occupe une place importante dans les pratiques culturelles des adolescents. Le professeur peut, grâce à cet exercice, initier les élèves au fonctionnement des émissions de radio et en apprécier l’écoute. L’analyse du billet d’humeur diffusé à la radio donne l’occasion aux élèves de repérer les codes et les modes de discours spécifiques de ce média.

2 Rédiger un billet d’humeur Objectifs : Il s’agira de travailler sur les techniques d’écriture d’un billet d’humeur mais également de motiver ainsi les élèves en leur proposant de rédiger leur propre réponse au billet écrit par un anonyme. L’éducation aux médias a l’avantage de ne pas être centrée uniquement sur l’analyse critique et théorique des émissions télévisuelles, radiophoniques ou de la presse, elle offre aussi la possibilité aux élèves d’être dans une situation de producteurs. Compétences visées : Développer les capacités d’analyse et d’écriture « à la manière de… » et être capable de publier cette production en ligne.

1. Un billet d’humeur écrit par un anonyme ne sera pas aussi largement diffusé dans la presse qu’un billet rédigé par un journaliste connu. Cet auteur exprime néanmoins un point de vue critique. L’auteur commente les différents types d’arnaques aux médicaments dont un internaute peut être victime. Il conseille l’internaute quant à l’attitude à adopter.

2. La production des élèves doit répondre aux caractéristiques du billet d’humeur (genre journalistique, article court, point de vue critique, état d’esprit, style adapté). 3. Les élèves doivent expliquer à leurs camarades leurs choix d’écriture. Ils doivent ainsi argumenter, analyser leur propre production et tenir compte des contraintes d’écriture. Ils doivent montrer leur compréhension des effets utilisés dans leur billet.

Fiche

‹

L’information par l’image

 p. ››∞

1 Repérer la part photographique d’un journal d’information 1. Cet exercice permet aux élèves de développer leur vision du monde par le biais des images fixes qui le représentent. Les élèves établissent un classement des photos par sujets (actualité politique, locale, sportive, culturelle…) ou par genres (le portrait, la photographie de mode, la photographie publicitaire, la photographie scientifique...) sans oublier les pages publicitaires. Dans le journal Le Monde du 15 mars 2011, les élèves pourront relever huit photographies illustrant le séisme au Japon. À partir de celles-ci, ils seront capables de les regrouper par genres et de les analyser en se posant par exemple les questions suivantes : s’agit-il de photos scientifiques ou publicitaires ? Quel est le sujet exprimé par la photographie : une actualité mondiale ?

3. Les élèves pourront s’interroger sur les moyens utilisés pour que les images fassent sens, nous touchent ou nous émeuvent, sur leur relation au réel et sur la manière dont elles peuvent éventuellement être manipulées. La capacité à analyser de façon critique une photographie de presse ou tout autre document iconographique sera ainsi travaillée. La présentation de la photographie peut comprendre les éléments suivants : – le choix de la placer en couverture, de la mettre à la « Une » ; – sa visée (informer / argumenter) ; – le moment choisi par le photographe et sa pertinence ;

372 | Fiches


06/09/11 11:52

– la perspective adoptée, le cadrage, l’angle de prise de vue ; – les réactions que cette image suscite (compassion, étonnement, choc…) ; – l’impact (cette photographie a-t-elle convaincu le lecteur ?).

2 Analyser la composition d’une photo de presse Voir fiche 42 sur la lecture de l’image.

3 Décrypter les figures de style d’une photo de presse 1. La figure de style utilisée par le photographe est l’allégorie. Le lecteur prend conscience à travers cette photo de la vie quotidienne des enfants dans certains pays. Cette photographie dénonce le travail des enfants.

2. Le photographe dénonce l’activité des enfants par son travail sur le cadrage et sur la lumière. Il s’est placé au niveau de l’enfant pour prendre la photo, ce qui nous permet de partager le point de vue de celui-ci. Il a également travaillé sur la profondeur de champ (flou de l’arrière-plan) ainsi que sur le contraste de couleur entre le marron de la minéralité et le rouge du bonnet. La beauté de cet enfant est également en contraste avec la pénibilité de son travail. Le spectateur est amené à noter cette opposition et ça éveille en lui le désir de dénoncer les conditions de vie des enfants de certains pays. La photographie donne une impression de sérénité (l’image de calme rendue par le calme de l’enfant qui s’applique) mais l’alignement des briques qu’il confectionne donne l’impression que sa tâche ne finira jamais… Son avenir semble être réduit à tout jamais à cette activité.

4 Analyser une photo de presse 1. Les choix du photographe : − Cadrage : horizontal. − La ligne de fuite : un point situé au centre de la photographie attire l’œil et lui permet de le guider jusqu’au « fond » de la photographie. − La lumière : la faible luminosité apporte des couleurs sombres. L’utilisation du clair-obscur avec l’opposition entre les flammes et la fumée opaque. On voit que la mort est passée ; il n’y a plus que des masses qui apparaissent dans la fumée du séisme.

− Composition : plan moyen. − Profondeur de champ : étendue (elle intègre le porteur de bidons et le paysage qu’il traverse). − Angle de prise de vue : parallèle au sol, focalisation zéro.

2. Les figures de style : − l’allégorie : cette photographie dénonce les conditions de l’après-séisme : catastrophe climatique et ses conséquences ; − l’antithèse : dans cette image, le photographe réunit deux éléments opposés : le séisme et l’impression d’une fin du monde annoncée, et l’homme portant un bidon : les éléments naturels et l’Homme qui résiste à ces éléments. − l’hyperbole : cette vision des faits est accentuée par l’opposition entre l’homme courageux qui lutte pour subvenir et l’immensité des dégâts.

5 Associer photographie de presse et réalité 1. Cadrage : horizontal et plan large. Composition : Cette coulée de boue est au centre de l’image et au premier plan. Elle attire immédiatement le regard. Angle de prise de vue : de face. Cet angle permet au spectateur / lecteur de se rendre compte des conséquences désastreuses qui entourent cette plaie béante.

Fiche

›

Le JT nous informe-t-il vraiment ?  p. ››‡

Objectifs : Cet exercice permet à l’enseignant de travailler la capacité d’analyse critique des futurs citoyens que sont les lycéens d’aujourd’hui. Le lycée doit leur permettre de s’ouvrir au monde et à leur environnement. La place croissante des médias et des journaux télévisés (en direct à la télévision ou sur les tablettes, en streaming via Internet…) dans la société rend indispensable cette analyse critique ainsi que l’apprentissage de la lecture de ces journaux télévisés. Compétences visées : Connaissance et maîtrise des langages spécifiques auxquels le JT a recours. Capacité d’analyser les différents supports Fiches |


373

06/09/11 11:52

utilisés lors d’un JT mais surtout être capable de trier, de sélectionner les informations données grâce au développement de l’esprit critique des élèves. Pistes de travail possibles : L’éducation aux médias ne peut se contenter d’une approche théorique et de manipulation au travers d’exercices. Il s’agira également, par exemple, de faire découvrir aux élèves tout un secteur professionnel lors de visites en régie des journaux télévisés régionaux.

1 Comprendre la constitution d’un JT national 1. Le comité de rédaction est constitué de 10 personnes : techniciens, journalistes, responsables du montage et des rédactions, responsables de services divers (sports…), de rédaction. Chacun donne son avis sur les thèmes à aborder. Sont pris en compte : l’actualité, les désirs du présentateur, le courrier des spectateurs, les commentaires des spectateurs via le site Internet du journal. Le jour même : conférence vers 8 h 30. La veille : la rédactrice en chef décide du fil conducteur du journal. Ce fil conducteur doit coller aux spectateurs et à leurs préférences. Le journal en direct : Parfois la moitié du journal n’a pas encore été validée alors que le présentateur est déjà à l’antenne ! (L’oreillette est importante car elle permet au présentateur à l’antenne d’être en contact avec le chef d’édition.)

2. et 3. Déroulement de ce journal qui sera présenté sous forme de tableau : – prévisions météo – titres nationaux : EDF / marée noire / une réunion de famille et tous les membres qui la constituent / marée noire – évènements ou actualité régionale Les gros plans sont utilisés pour filmer le présentateur, des sujets sont enregistrés, des images diffusées lors de la présentation ou de l’annonce faite par J.-P. Pernaut. 4. En plus des métiers mentionnés ci-dessus, on peut noter la présence d’une assistante éditoriale et rédactionnelle, de correspondants régionaux, d’un gestionnaire du site Internet, de techniciens son et images. (Le menu défilant en fin de sujet permet de compléter la liste des métiers annoncés lors du reportage.)

2 Comprendre la constitution d’un journal régional Objectifs : Cet exercice permet aux élèves de comparer les différents types de journaux télévisés et de réaliser qu’un évènement peut avoir une présentation et une importance différente selon qu’il est traité dans un journal régional ou national. Compétences visées : Distanciation et capacité d’analyse. Cette activité permet aux élèves de réagir et de réfléchir en tant que citoyens confrontés au monde d’aujourd’hui et à la présentation qu’en font les médias.

3 Présenter un reportage à la manière d’un présentateur du JT Objectifs : Cet exercice permet une approche interdisciplinaire. Le lycéen se met alors en scène et doit préparer en amont son travail de présentation de l’information. Dans un contexte médiatique, l’élève doit analyser l’information, la sélectionner et doit s’entourer de collaborateurs précieux grâce à qui le JT sera de qualité et répondra aux attentes des spectateurs. Compétences visées : Maîtrise du langage, autonomie, prise d’initiative et engagement des élèves afin de mener à bien un projet.

4 et 5 Analyser un reportage et avoir un œil critique sur le JT Objectifs : À partir du reportage proposé, il s’agit d’aider les élèves à faire le point sur leur connaissance des techniques qui entrent en compte lors de la conception d’un reportage. Compétences visées : Analyse critique et connaissances techniques.

Fiche

∞

De la Une papier à la page d’accueil

 p. ››·

1 et 2 Constater la mutation de la Une d’un quotidien régional / Comparer la presse papier et sa version en ligne Objectifs : Cet exercice permet aux élèves de développer leur vision du monde par le biais

374 | Fiches


06/09/11 11:52

d’une Une qui le représente. Les élèves établissent un classement des informations qui y sont présentées (manchette, titres, mise en espace des articles, illustrations…) sans oublier éventuellement les pages publicitaires. L’utilisation des médias, en tant qu’outils facilement utilisables, permet d’instaurer des rapports différents entre tous les acteurs de l’école ; le travail en petits groupes ou en ateliers évite la pédagogie frontale et laisse plus de place à l’autonomie, à l’initiative des élèves et à une véritable pédagogie différenciée. Compétences visées : Analyser de façon critique une Une papier et la comparer ensuite à la version en ligne (exercice 2). Apprendre à s’exprimer clairement, à préciser sa pensée, à se confronter à la parole de l’autre, à en apprécier le point de vue et à argumenter. Pistes de travail possibles : La presse d’information et l’actualité suscitent chez les élèves la curiosité et le goût de bien s’informer. L’enseignant peut ainsi mettre l’accent sur le rapport des élèves à leur environnement local. De nombreux échanges peuvent se créer à l’intérieur de l’établissement (exercices 4 et 5). Travailler avec ou sur les médias, très valorisés par notre société, entraîne souvent l’adhésion des élèves. Rencontrer des professionnels de l’info (journalistes, pigistes…) peut se révéler très motivant ; ces rencontres peuvent avoir lieu notamment lors de la semaine de la presse.

1. et 2. Pour comprendre les changements et les intentions de la direction du journal, on pourra consulter : www.courrier-picard.fr/courrier/Actualites/Inforegionale/Chat-avec-la-redaction-en-chef-duCourrier-picard www.courrier-picard.fr/courrier/Espaceinteractif/Nouvelle-formule/Votre-nouveaujournal/Nouvelle-formule-du-Courrier-picardpage-de-presentation-journal-du-12-01-2011 4. Voir la loi de proximité sur les médias.

3 Comprendre l’enjeu d’une mutation Objectif : L’éducation aux médias au travers de cette activité modifie le comportement des élèves, développe les compétences transversales et facilite les apprentissages. Les enseignants peuvent ainsi travailler ensemble sur des compétences transférables.

Compétences visées : Être capable de lire des informations rédigées dans une langue étrangère. Il s’agira, par exemple, pour les élèves de comprendre l’identité culturelle d’un pays dont ils apprennent la langue. Le site a changé d’adresse http://europeandaily. com/.

4 Moderniser la Une du journal de votre lycée Objectif : Conduire les élèves à mener à bien des projets où ils produisent eux-mêmes des médias (journaux, radio ou vidéo). Ils exercent ainsi l’un des droits fondamentaux de la démocratie, le droit d’expression. Citoyens d’aujourd’hui et de demain, ils peuvent ainsi commencer à apprendre les règles et la déontologie qui s’y rapportent. Compétences visées : Être capable de rédiger en ayant recours à l’écriture à contrainte et un style journalistique. Prendre en considération le lecteur d’un message et ses attentes. Voir www.clemi.org/fr/productions-des-eleves/ journaux-scolaires/ et la rubrique « Créer son journal » sur www.jetsdencre.asso.fr/.

5 Créer la page d’accueil du site Internet du journal de votre lycée Objectif : La rédaction d’articles (dans un journal ou sur un site) permet aux élèves de s’exprimer mais surtout de trouver les arguments pour convaincre leurs camarades. Ils sont ainsi à amenés à traiter des thèmes susceptibles d’intéresser leurs pairs. Ils réalisent alors que la manière d’aborder un sujet ou de le traiter suscitera, ou non, l’adhésion de leurs camarades ou de la communauté éducative. Compétences visées : S’informer ou se documenter, argumenter et débattre. Piste de travail possible : Cette activité de création permet aux élèves de prendre des initiatives et des responsabilités. Ils échangent des informations qu’ils ont souvent collectées eux-mêmes dans leur environnement, ce qui favorise le partage d’une culture commune. Cette présentation pourra se faire grâce à un logiciel de mise en page et sera présentée au vidéoprojecteur aux futurs lecteurs. En fonction des commentaires de leurs camarades, les rédacteurs pourront réfléchir à d’éventuelles corrections « en direct » avec un Fiches |


375

06/09/11 11:52

comité de lecteurs qui pourrait être réuni pour l’occasion. On pourra consulter : www.scoop.it/t/des-nouvelles-des-eleves?sc_ source=http%3A%2F%2Fwww.clemi.org%2F fr%2Fproductions-des-eleves%2F

Fiche

§

La recherche d’informations sur Internet  p. ›∞⁄

1 Définir son besoin d’informations Objectifs : On se donne ici pour but de permettre aux élèves de mieux appréhender les informations que l’internaute peut trouver sur Internet. Il s’agit d’être capable d’analyser et de hiérarchiser les informations trouvées selon qu’elles sont pertinentes ou non. Compétences visées : L’élève doit développer sa capacité à utiliser les outils modernes de recherche, dont Internet. Cet outil n’est pas seulement un outil de communication mais c’est également un outil de recherche.

1. Voici les liens de quelques définitions qu’un internaute peut trouver grâce aux moteurs de recherche : − Scène à l’italienne : www.google.fr/imgres?q=sc%C3%A8ne+%C3% A0+l%27italienne&um=1&hl=fr&sa=N&tbm =isch&tbnid=Iu09mkKzeO0kKM:&imgrefurl=h ttp://lesclapotisdunyoyo2.blogspot.com/2008/09/ une-scne-litalienne-typique.html&docid=hJa5 tjzh7P3sPM&w=379&h=352&ei=6_VDTqm 5DsPRsgaE2pG2Bw&zoom=1&iact=hc&vpx =130&vpy=68&dur=108&hovh=216&hovw =233&tx=108&ty=88&page=1&tbnh=114&t bnw=123&start=0&ndsp=16&ved=1t:429,r:0, s:0&biw=1024&bih=505 (schéma) − Théâtre Farnèse : http://fr.wikipedia.org/wiki/ Th%C3%A9%C3%A2tre_Farn%C3%A8se − Aspects techniques : www.theatrons.com/aspects-techniques.php www.dossiers.latroupeduroy.fr/16.html (La troupe du ROY) Sur la première page, il y a évidemment des encyclopédies en ligne mais également des sites privés et/ou commerciaux référencés. Toutes

les informations données sur cette page ne sont donc pas pertinentes. Cette recherche apporte une série d’informations beaucoup plus pertinentes et ciblées (on évite ainsi les sites commerciaux ou ayant peu d’intérêt). Il ne faut donc pas se contenter de la première page proposée par un moteur de recherche.

3. La technique QQQOCP permet de cibler les informations les plus pertinentes. 4. Scène à l’italienne : définition et schéma des différentes parties qui constituent la scène. XVIIe siècle : spécificités des scènes et des théâtres en Italie. Aspects techniques et leurs spécificités.

2 Utiliser une encyclopédie numérique Objectif et compétences visées : Les élèves découvrent ou réfléchissent à la pertinence de l’utilisation d’une encyclopédie numérique. Une connaissance et une utilisation judicieuse des outils de recherche documentaire actuels sont dorénavant indispensables. Dans une société marquée par l’abondance et le foisonnement de l’information, la capacité à hiérarchiser les données, à s’assurer de leur source, de leur nature et de leur fiabilité constitue un enjeu éducatif primordial.

1. Les encyclopédistes utilisaient le système de renvois suivant : un enchaînement des connaissances (appelé également enchaînement des savoirs) construit autour de la généalogie des savoirs, des causes qui en sont à l’origine puis, des caractéristiques qui les distinguent. Ce système de renvois était ainsi conforme aux tables de l’entendement élaborées en fonction de la mémoire qui renvoie à l’histoire, de la raison qui renvoie à la philosophie et de l’imagination qui renvoie aux beaux-arts. Ces liens entre les sciences permettaient de dépasser la contrainte de l’ordre alphabétique, qui sépare les éléments et empêche de définir intégralement une science. Ainsi, les philosophes des Lumières pouvaient ébranler les préjugés d’une façon détournée sans ébranler la censure. L’article « capuchon » fait état, avec ironie, d’une dispute au sein des Cordeliers, religieux de l’ordre de Saint-François d’Assise. Cette

376 | Fiches


06/09/11 11:52

dispute, qui dura plus d’un siècle, provoqua la scission des frères : elle portait sur le choix de la taille du capuchon dont ils se couvrent la tête et ne put être résolue qu’à la suite de plusieurs bulles papales. Dans l’article, les encyclopédistes raillent la futilité de l’objet de la querelle et l’attribuent au fait que les lumières de la raison n’ont pas encore pénétré chez les religieux. L’article « capuchon » ridiculise donc les Cordeliers mais il propose un lien vers l’entrée « Cordeliers », où l’on peut lire une définition plutôt élogieuse des religieux. L’article « Cordeliers » propose lui aussi un lien vers « capuchon ». Ainsi, la censure est habilement détournée : l’article principal (Cordeliers) est conforme aux idées de l’Église et de l’État, l’article secondaire auquel il renvoie (capuchon) est le moyen d’exprimer une critique de l’ordre. L’enseignant pourrait demander aux élèves de poursuivre leur recherche avec le mot « justice » par exemple.

2. Un internaute n’adopte pas la même technique de lecture qu’un lecteur papier. Sur papier, le lecteur a une vue d’ensemble de ce qu’il lit et son œil suit un trajet linéaire et vertical. Sur Internet, chaque document est scindé en plusieurs pages. En effet, la vitesse de lecture des pages Internet serait de 25 % plus lente que sur papier, notamment parce que la lecture sur écran provoque une fatigue des yeux et que le scintillement altère la lisibilité. La taille de l’écran impose un mode de lecture vertical sans possibilité de vision transversale. Par ailleurs, l’internaute est un lecteur pressé qui doit trouver en quelques clics ce qu’il est venu chercher. Ainsi, il parcourt plus qu’il ne lit, son œil « balaie » la page pour s’en faire une idée rapide ou chercher une information (voir les recherches de John Morkes et Jakob Nielsen pour Writing for the Web : l’étude a révélé que 79 % des visiteurs de pages Web ne lisent pas, mais parcourent les textes, et que 16 % lisent mot à mot. www.useit.com/alertbox/9710a.html). Il peut entrer dans un site par n’importe quelle page et se déplacer de page en page sans ordre logique ou linéaire. Internet brise donc la linéarité de la lecture, notamment par l’utilisation des liens hypertextes. Le lecteur qui navigue de page en page ne court-il pas le risque de se perdre dans un dédale d’informations et de perdre de vue l’objet de sa recherche ?

3. Le mot « page » désigne, à l’origine, chacun des deux côtés d’une feuille de papier. Il suppose donc une quantité de texte limitée dans un format donné. Une page Internet peut se « dérouler » indéfiniment : la contrainte du nombre de signes typographiques disparaît. Les liens hypertextuels, permettant d’accéder à un nombre infini d’autres pages, démultiplient la quantité de texte disponible à partir d’une page initiale. Il serait intéressant de comparer les définitions trouvées par les élèves ainsi que leurs sources d’informations et d’en déduire la fiabilité des définitions trouvées.

3 Hiérarchiser les sources Compétences visées : La capacité de hiérarchiser ses sources conditionne la véracité et la pertinence des informations trouvées sur Internet. L’élève doit avoir un regard critique tout au long de son parcours de recherche.

1. et 2. Exemple : « quotidien de presse XIXe siècle ». Résultats de la recherche sur Wikipédia : Wikipédia fournit un exemple de presse quotidienne : celle de la région du Mans (Histoire de la presse mancelle). L’internaute doit se connecter plusieurs fois afin d’obtenir des informations concernant des quotidiens nationaux et non régionaux. Résultats de la recherche sur Gallica : les informations sont plus complètes et précises. Des exemples de quotidiens sont proposés et chacun fait l’objet d’une présentation pertinente : son histoire, la typologie… 3. Informations recherchées Quotidien de presse XIXe

Wikipédia * Presse quotidienne nationale

Gallica Presse et revues. Index et choix proposé.

Presse quotidienne régionale Presse hebdomadaire Magazine mensuel Fiches |


377

06/09/11 11:52

Informations recherchées

Le Figaro

Wikipédia

Gallica

Groupes de presse Diffusion de la presse nationale Présentation, historique

Présentation détaillée

* Attention, les informations données par Wikipédia font partie d’un article « à recycler ». Ce terme signifie que cet article doit être restructuré. Les informations mentionnées doivent être vérifiées ou réexaminées.

L’internaute ne doit pas oublier qu’Internet lui donne une quantité d’informations incroyable. Toutefois, il doit apprendre à utiliser des sites de qualité et pertinents. Il appartient au lecteur de discriminer l’information.

4 Vérifier l’origine de ses sources Objectif : Faire réfléchir les élèves à la place et au rôle des sites Internet et à la fiabilité des ressources proposées. Leur faire appréhender de manière critique ces informations qui peuvent être de genres variés.

1. Présentation et structure RTBF

Twitter

– Bandeau : services : Mobilinfo/Bourse/ Boutique/teletexte (en haut à gauche) – Barre d’outils centrale : Accueil/ Belgique/ Régions/ Monde/Économie/ Société/Médias/ Etc. – Moteur de recherche : sur RTBF Info (en haut à droite) – Menu déroulant : les thèmes ou infos les plus populaires.

– En haut à droite : Nom de compte / Mot de passe – Intitulé : « Suivez vos passions : recevez des nouvelles instantanées de vos amis […] et de ce qui se passe partout dans le monde. » – Bandeau central imagé : ex. : sénat info/L’Équipe/sites politiques

Le choix des informations est en valeur sur le site de Twitter. Toutefois, les informations de qualité et pertinentes viennent de RTBF. Les

informations sur Twitter sont bien souvent des « gossip » (commérages) et non de réelles informations.

2. Similitudes : mêmes titres d’actualité mais Facebook sélectionne à la fois les contacts personnels et les faits d’actualité. De plus, L’Express s’adresse aux lecteurs via Facebook et pose des questions à l’internaute connecté. L’Express peut ainsi impacter l’internaute plus facilement pendant que celui-ci est connecté sur Facebook.

5 Sélectionner et reformuler L’importance des guerres de religion dans l’œuvre d’Agrippa D’Aubigné peut être abordée par des entrées différentes : les différentes batailles, les acteurs, les conséquences de ces batailles…

6 Respecter le droit d’auteur Objectif : Dans une société dans laquelle Internet prend de plus en plus d’importance, il est facile de reproduire les paroles ou le travail des autres et de les reprendre en son nom propre. L’objectif est de sensibiliser les élèves aux lois qui régissent le droit d’auteur. Voici les principales informations que donne la recherche faite sur Internet pour le mot « plagiat » : − Sur Google, le 1er site proposé est Wikipédia : « Le plagiat consiste à s’inspirer d’un modèle que l’on omet délibérément ou par négligence de désigner. Le plagiaire est celui qui s’approprie frauduleusement le style, les idées, ou les faits… » 2e site proposé : www.leplagiat.net/ − Sur Yahoo, le 1er site proposé est l’encyclopédie collaborative Wikipédia (même définition). 2e site proposé : www.leplagiat.net/ (idem)

1. Les principales lois qui encadrent l’utilisation des informations mises à disposition via Internet sont les suivantes : − Utilisation en milieu scolaire : www.droit surinternet.ca/pratique_78_40.html − Droits d’auteur sur Internet : www.internetjuridique.com/libreetcontenus2002.php Le droit d’auteur en France est régi par la loi du 11 mars 1957 et la loi du 3 juillet 1985, codifiées dans le Code de la propriété intellectuelle :

378 | Fiches


06/09/11 11:52

Article L. 111-1 du Code de la propriété intellectuelle : « L’auteur d’une œuvre de l’esprit jouit sur cette œuvre, du seul fait de sa création, d’un droit de propriété incorporelle exclusif et opposable à tous. Ce droit comporte des attributs d’ordre intellectuel et moral, ainsi que des attributs d’ordre patrimonial [...]. » Article L. 123-1 du Code de la propriété intellectuelle : « L’auteur jouit, sa vie durant du droit exclusif d’exploiter son œuvre sous quelque forme que ce soit et d’en tirer un profit pécuniaire. Au décès de l’auteur, ce droit persiste au bénéfice de ses ayants-droits pendant l’année civile en cours et les soixante-dix années qui suivent. »

Fiche

‡

La publicité  p. ›∞‹

1 Analyser les composantes d’un visuel publicitaire 1. Une piste de décollage fait penser à l’envol des avions. Ici, elle l’évoque d’autant plus qu’elle n’a pas la forme d’une route ordinaire. Son contour, qui occupe toute la largeur du visuel et se déploie sur une oblique ascendante, a la forme d’un oiseau aux ailes profilées et au corps tendu vers l’avant, en plein essor. Bec pointu et corps fin évoquent plus précisément l’hirondelle, connue pour sa rapidité. Ce contour peut aussi faire penser à un avion en plein décollage, voire à une fusée, avec un nez pointu et des formes effilées. Eux aussi volent vite et loin, de jour comme de nuit. Le profil acéré, les lignes brisées et les traits obliques accentuent cet effet d’accélération. Par transfert, on attribue à la Poste ces qualités de vitesse, de dynamisme. Le courrier « vole » vers son destinataire, où qu’il soit et arrive à tire d’aile. La référence à l’aviation (piste 06, horizon, avion, lumières de balisage) peut aussi renvoyer aux temps mythique de l’Aéropostale, où les pionniers, comme Mermoz ou Saint-Exupéry prenaient des risques insensés, aux commandes de leur petit avion, pour transporter le courrier

d’un continent à l’autre et, ainsi, relier les hommes. Cela ajoute à la rapidité de La Poste l’idée de prouesse technique et de courage humain. Enfin, on remarque que la forme de la route bleue sertie de lumières jaunes reprend très exactement le tracé du logo et les couleurs caractéristiques de La Poste, consignées dans la Charte graphique. Ce jeu de répétition (même forme, même couleurs) et d’agrandissement (changement d’échelle) insiste sur l’idée d’aérodynamisme et l’associe davantage encore à La Poste. Cela devient son image de marque. En publicité, la répétition visuelle d’une même forme, d’un même contour est très souvent employée. Elle favorise en effet le « behaviourisme », la création d’un réflexe pavlovien, qui consiste ici à associer automatiquement La Poste et le décollage, qu’il s’agisse de produits postaux (colissimo, lettres, télégrammes) ou financiers.

2. La route s’enfonce dans le lointain, comme le montre le travail sur la perspective et le point de fuite. Grâce à ce procédé visuel, la piste et l’horizon semblent se rejoindre à l’endroit où le soleil se couche. Ce visuel évoque ainsi le voyage vers des contrées lointaines, réelles ou imaginaires. La perspective fuyante suggère l’avancée vers un monde inconnu, chargé d’aventures et de défi. L’ambiance crépusculaire renforce encore ces connotations. On note en effet que les 9/10es de l’image plongent déjà dans la nuit. Seul un tout petit bandeau horizontal est encore éclairé, dans le lointain vers lequel l’avion/piste/oiseau pointe son bec. Notons toutefois qu’« aventure » ne signifie pas « aventurisme » : les lettres confiées à la Poste mais aussi les économies, les investissements, les emprunts, etc. sont entre de bonnes mains ; les risques sont calculés ; leur évolution est pilotée. En effet, la piste de décollage est balisée, comme en témoignent les lampes allumées. On sait où l’on va et ce message s’affirme visuellement avec un certain esthétisme (contraste des couleurs historiques de La Poste, jeux d’ombre et de lumière, lignes épurées). D’autre part, le pavé rédactionnel ainsi que le logo sont soigneusement encadrés dans deux cartouches jaunes et cet effet de cadrage connote le sérieux et la stabilité. Dès lors, le mot « confiance », que l’on retrouve dans l’accroche et le pavé rédactionnel prend tout son sens. La Poste accorde sa confiance à ceux qui font des Fiches |


379

06/09/11 11:52

projets d’avenir (elle les accompagne dans leur « développement ») ; de même, ses clients peuvent se reposer sur elle, dormir sur leurs deux oreilles pendant qu’elle veille et vole de nuit.

3. Le trajet de lecture comprend deux temps. L’œil balaie d’abord rapidement le visuel, en faisant un « Z » qui découvre la promesse (dans l’accroche), le visuel très dynamique, avant de lire le pavé rédactionnel détaillant les services financiers proposés par la Poste et le logo, en zone de verrouillage. Ensuite, l’œil revient sur le visuel. Il se laisse d’autant plus guider par ses lignes dynamiques et ascendante que les lumières trouant la nuit balisent son cheminement jusqu’à ce qu’il débouche sur le soleil dont les dernières lueurs rasantes aveuglent l’horizon. Si le regard va de la nuit vers la lumière, du bas vers le haut, ce qui en soi constitue tout un programme, on remarque aussi qu’il part de la gauche, connotant le passé et va vers la droite, qui signifie l’avenir. Ainsi, à l’idée de décollage et d’envol s’ajoute une nouvelle connotation : La Poste est une entreprise d’avenir. Elle est ancrée dans un passé mythique et voit loin devant elle. Grâce à elle, ses clients peuvent eux aussi se tourner vers l’avenir et l’envisager avec optimisme. Si l’on s’appuie sur l’accroche (« vous accompagner dans votre développement »), l’on peut dire que La Poste nous prend où nous sommes, au début en bas à gauche, et nous accompagne dans notre essor, pour nous emmener, sur les ailes de son logo, très loin, en haut, à droite. C’est une belle ascension. En temps d’incertitude bancaire et de turbulences financières, redonner confiance en un avenir placé sous le signe du développement et du décollage, est déterminant. 4. Le logo est dans la zone de verrouillage. C’est un bon choix parce que c’est l’élément que l’on retiendra en dernier.

2 Comprendre l’ancrage mythologique d’une publicité Pour porter des lettres à l’autre bout du monde, des pilotes aussi célèbres que Saint-Exupéry, Mermoz ou Guillaumet étaient prêts à prendre des risques inconsidérés. Cette aventure aérienne française se déroule entre 1918 et 1936 et permet d’ouvrir de nouvelles routes aériennes vers l’Afrique et l’Amérique du Sud. Elle est

célébrée dans les œuvres de Saint-Exupéry comme Terre des Hommes, Vol de Nuit ou certains passages du Petit Prince. Le visuel illustre certains éléments du texte. Ainsi, le texte met en valeur l’esprit pionnier animant Mermoz. On peut relever les verbes qui disent la conquête d’un espace vierge : « explorer », « ouvrir la route », « défricher », « repartir ». On retrouve cette idée de conquête dans le travail du publicitaire sur la perspective. C’est vers l’horizon que convergent toutes les lignes obliques du visuel. On remarque aussi que, dans le texte de SaintExupéry, tous les milieux naturels du globe sont conquis tour à tour. L’auteur insiste sur cette expansion avec la répétition, à deux reprises, du complément « les sables, la montagne, la nuit et la mer ». La nuit est ici présentée comme un lieu à part entière, mythiquement inexploré. Et c’est bien l’ambiance nocturne que l’on retrouve dans le visuel, d’autant mieux mise en valeur qu’elle contraste avec les lumières qui trouent son obscurité. Bien sûr, on ne peut mettre sur un pied d’égalité texte littéraire et publicité, composée à des fins commerciales. Toutefois, La Poste, entreprise présentant le service de ses clients comme une véritable mission, ressuscite cet imaginaire épique. L’image publicitaire, combinaison d’éléments graphiques et textuels, installe un climat aventureux et confiant.

3 Écrire un pavé rédactionnel : une histoire de bleu 1. Les couleurs du visuel sont celles de La Poste : le bleu et le jaune. Elles sont ici très travaillées. Le bleu est très sombre, très profond. C’est presque un bleu nuit. Cette couleur froide et apaisante contraste fortement avec le jaune du soleil et des lampes, très chaleureux. Le jaune est celui de la lumière qui guide dans la nuit. La bichromie est ici très efficace puisqu’elle épouse et répète le message : La Poste guide ses clients, les accompagne. Selon M. Pastoureau, « aux XIIe et XIIIe siècles, le bleu est enfin devenu une couleur de premier plan, une belle couleur, une couleur mariale, une couleur royale, et pour toutes ces raisons un rival du rouge [...] le bleu devient non seulement une

380 | Fiches


06/09/11 11:52

des couleurs les plus présentes sur l’étoffe et le vêtement, mais aussi, et surtout, la couleur préférée des populations européennes. » Désormais associée dans l’imaginaire collectif à des idées de pureté, d’infini, de vacances et de paix, le bleu traverse l’histoire de France, indifférent aux révolutions et aux changements de régime. La couleur de la Sainte Vierge devient celle des républicains de 1792, le bleu des Gardes-françaises attachés à la Maison du roi depuis 1564 habille les combattants de la Marne en 1916. En peinture, la couleur préférée des romantiques, le bleu de Manet ou l’International Blue Klein (IKB) remporte tous les suffrages.

3. IKB est une couleur inventée et déposée, avec un copyright, par Yves Klein. Cet outremer très intense, très lumineux devient sa marque de fabrique et il l’utilise pour peindre de grands tableaux monochromes. Il en imbibe des œuvres en éponge naturelle, matière qui se gorge de peinture et retient parfaitement l’éclat des pigments ainsi que des nus anthropométriques où des jeunes femmes, enduites de peinture bleue, laissent la marque de leur corps sur la toile. Ces œuvres défraient la chronique ! Pour Klein, ce bleu connote la paix, l’évasion, la spiritualité. Il renvoie à la soif d’idéal qui l’anime et l’épuise. Son intensité a séduit ses contemporains et elle est aujourd’hui très utilisée.

4 Comprendre l’évolution des mentalités grâce à une publicité populaire 1. et 2. Pendant la première guerre mondiale, la France a enrôlé dans son armée des soldats venus des colonies. Les « tirailleurs sénégalais », présents sur le front de la Somme dès 1914, sont les plus connus d’entre eux : ils ont payé un lourd tribut à la victoire de 1918. 70 000 d’entre eux n’ont jamais revu leur Afrique natale. En 1916 et en 1917, des affiches pour la quête en faveur des armées saluent leur courage et rendent leur physionomie et leur costume célèbres. Beaucoup de Français de province n’avaient jamais vu de Noirs et sont très surpris. Lardet, qui a inventé le Banania, boisson à base de chocolat, poudre de banane, orge, sucre en poudre, la distribue largement sur le front et rencontre des tirailleurs. Il

a l’idée d’en faire un personnage ornant chacune des boîtes du précieux breuvage. Le tirailleur, en costume, sourit et s’exclame : « y’a bon ». Cette expression, devenue proverbiale dès avant la guerre, servait de remerciement dans les régiments coloniaux. Les dessinateurs s’en font l’écho sans connotation méprisante et le public rit de bon cœur, sans se rendre compte que cela peut être blessant. Le personnage du tirailleur, hilare, exotique comme la boisson dont il se régale, s’installe dans l’imaginaire collectif et le succès de « Banania » lui doit beaucoup. Toutefois, en 1960, quand éclatent les guerres de décolonisation, cet humour passe moins bien. Elle est un temps simplifiée, puis abandonnée avant de revenir, profondément modifiée. Aujourd’hui, le personnage de marque se présente comme un jeune garçon. Il sourit de toutes ses dents. Il porte encore le chapeau traditionnel mais le gilet s’est simplifié. Il ne dit plus « y’a bon ». Dans les petites BD que l’on trouve au dos des boîtes de Banania, il fait figure de héros débrouillard et astucieux, s’exprimant comme tous les Français de sa génération. Cette évolution montre que les mentalités ont changé au rythme de l’Histoire. Aujourd’hui, la marque souhaite défendre les valeurs de la France métissée, qui rejette les expressions pouvant être perçues comme racistes.

3. La publicité sait capter l’air du temps et restituer l’atmosphère d’une époque. Quand un poète ou un plasticien s’y intéresse, elle exprime ce qu’est notre société. Prévert, Desnos, Cendrars ou Apollinaire en font un mode d’expression de la vie moderne. On peut toutefois proposer une vision plus critique. Dans les années 1950, Andy Warhol est l’un des plus brillants publicitaires de New York. Puis, il s’inspire de la publicité pour créer une œuvre profondément originale. Il prend pour sujet les emballages, qui sont un support publicitaire : boîtes de soupe Campbell (1968), bouteilles de Coca-Cola ou paquets de lessive Brillo et il multiplie leur image à l’infini. Très graphiques, ses œuvres montrent à quel point les images commerciales envahissent la société. Warhol observe avec un détachement ironique l’émergence d’une culture nouvelle, où consommation de masse et communication de masse s’engendrent mutuellement. S’appropriant totalement la démarche publicitaire, qui favorise Fiches |


381

06/09/11 11:52

la prolifération des objets et, plus encore, des images jetables, ses célèbres « séries » (de Marylin, de Mao, de boîtes de soupe ou de Coca Cola) lui permettent de s’autoproclamer « artiste commercial ». « L’art, c’est déjà de la publicité. La Joconde aurait pu servir de support à une marque de chocolat, à Coca-Cola ou à tout autre chose », s’exclame-t-il, non sans provocation.

Fiche

°

Utiliser ses notes de cours pour préparer le bac  p. ›∞∞

3. Les élèves peuvent organiser leurs feuilles d’exemples réussis en fonction des conseils donnés et des points faibles à travailler. Exemple pour le commentaire : INTRODUCTION > Introduire le texte > Exemples réussis (C. L. 1) : – Exemple 1 : Les premiers vers de « Zone » de Guillaume Apollinaire annoncent d’emblée une certaine rupture avec la tradition poétique. – Exemple 2 : Véritable manifeste de la modernité poétique, « Zone » de Guillaume Apollinaire, expose une nouvelle forme de lyrisme.

4. On proposera la même démarche pour les autres exercices écrits du baccalauréat (questions sur un corpus, dissertation, écriture d’invention), en tenant compte bien évidemment de leurs spécificités.

1 Utiliser ses notes de cours pour préparer le commentaire 1. Cet exercice vise à développer l’autonomie des élèves dans l’apprentissage des exercices écrits du baccalauréat. Il s’agit de les amener à mettre en pratique les différents conseils donnés lors du cours et reportés sur des copies ainsi qu’à travailler leurs points faibles.

2. Pour chaque exercice, les élèves peuvent se constituer une fiche de suivi qu’ils complèteront au fur et à mesure des différents exercices rédigés en classe ou à la maison.

2 Préparer l’épreuve orale (lecture analytique) 1. Dès le début de l’année, on montrera aux élèves comment établir un sommaire pour chaque séquence. On construira progressivement le premier sommaire avec toute la classe afin de poser des exigences (contenu, organisation, numérotation des feuilles de cours, etc.) :

Exemple de fiche de suivi pour les trois premiers commentaires. LE COMMENTAIRE LITTÉRAIRE

INTRODUCTION

Organisation / Étapes

Conseils / Points faibles à travailler

– Introduire le texte

Ne pas commencer par « Ce texte... » (C. L. 2). Supprimer les éléments biographiques (C. L. 3). Ne pas résumer le texte (C. L. 2).

– Caractériser le texte – Problématiser – Annoncer le plan

Améliorer la formulation de la problématique : poser une question ouverte (C. L. 1). Ne pas donner les titres des sous-parties (C. L. 1).

DÉVELOPPEMENT

…

…

CONCLUSION

…

…

382 | Fiches


06/09/11 11:52

Exemple de sommaire : Séquence 12 : Le poète, arpenteur du monde Corpus 1 : Dire et déchiffrer le monde Séance n° 1. Le poète visionnaire . . . . . . . . . . p. 1 Lecture analytique : V. Hugo, « Ce que dit la Bouche d’Ombre » . . . . . . . . . . p. 1 Vers le bac : Le commentaire littéraire . . . . p. 3 Exercices sur la versification . . . . . . . . . . . . . . . . . . p. 5 Séance n° 2. Célébrer la naissance du monde . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . p. 6 Lecture analytique : J. Supervielle, « Le matin du monde » . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . p. 6 Exercices sur l’intertextualité . . . . . . . . . . . . . . . . . p. 8 Histoire des arts : M. Chagall, « Scène champêtre » . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . p. 8 Vers le bac : Oral (entretien) . . . . . . . . . . . . . . . . . p. 9 Etc.

2. On peut construire un tableau synoptique qui résume les traits caractéristiques de chaque texte au regard de la problématique choisie. Ce tableau permet de mettre en relief les points communs et les différences entre les textes d’un corpus. On déterminera les entrées de ce tableau en fonction de la problématique retenue. Exemple de tableau synoptique : SÉQUENCE N° 1 Problématique choisie Texte 1 Texte 2 Texte 3 Texte 4 Genre Courant Type(s) de texte Registre(s) Thème(s) Singularité du texte Projet de lecture Etc.

3. Pour les lectures analytiques, on construira la première fiche de synthèse (voir leçon) avec les élèves et on insistera sur la nécessité de créer ces fiches au fur et à mesure des séances. Il peut être utile d’imposer des échéances.

On proposera aux élèves de confronter leurs fiches afin de combler d’éventuelles lacunes. Régulièrement, on pourra demander à un élève de présenter tout ou partie d’une lecture analytique dans les conditions de l’oral.

3 Préparer l’épreuve orale (entretien) 1. Dès le début de l’année, on incitera les élèves à relire régulièrement leurs notes de cours et à utiliser leur manuel afin d’approfondir les notions et les connaissances abordées en classe. 2. On insistera sur la nécessité de préparer une liste de notions et de connaissances à connaître et à convoquer en vue de l’entretien. Par conséquent, les élèves doivent apprendre à souligner et à annoter les documents afin de se construire des outils de travail efficaces. On développera cette méthode de travail par une pratique régulière en classe. 3. Certaines définitions peuvent être notées en regard des textes. Mais, pour plus de clarté et de précision, on proposera de construire une fiche de notions essentielles par séquence. Elle sera élaborée en fin de séquence ou complétée au fur et à mesure des séances. Exemple d’organisation de la fiche : Séquence : Dire et déchiffrer le monde Séance n° 1. Le poète visionnaire Texte : Victor Hugo, « Ce que dit la Bouche d’Ombre » – L’énonciation – La prosopopée – Le registre lyrique – Les Contemplations Etc.

4. Ces informations essentielles doivent être organisées clairement afin de faciliter la mémorisation. On rappellera également l’importance d’apprendre au fur et à mesure le contenu de ces fiches. Fiche

·

Les outils de l’autonomie  p. ›∞‡

1 Construire une frise chronologique 1. Le roman : évolutions marquantes du personnage du

XVIIe

siècle à nos jours (p. 48-50, Fiches |


383

06/09/11 11:52

« La fabrique du roman et du personnage » ; p. 93-94, « Le personnage de roman et ses visions du monde ») À partir du manuel, l’axe chronologique pourra contenir les éléments suivants : XVIIe siècle : Personnage du picaro, marginal partant à l’aventure, mais aussi description fouillée de la conscience intime. XVIIIe siècle : Personnage à la sensibilité tourmentée. XIXe siècle : – jusque vers 1830 : Personnage à la sensibilité douloureuse. – jusque vers 1860 : Personnage reflet d’une société. – jusque vers 1900 : Personnage symbolique (type). XXe siècle : – jusque vers 1930 : Personnage libéré des préjugés, jeune. – jusque vers 1950 : Crise existentielle du personnage, engagement. – jusque vers 1960 : Nouveau roman, réduction de l’identité du personnage. – jusque vers 1980 : Rupture avec les valeurs traditionnelles. – après 1980 : Conscience ironique, doute. La présentation sous forme de frise reprendra les dates ci-dessus et n’indiquera que les mots-clés. Un titre permettra d’en préciser le contenu. Exemple : Évolutions du personnage de roman XVIIe

XVIIIe

Marginal « je » intime

Tourmenté XIXe

1830 Sensibilité douloureuse

1860 Reflet société

1900 Symbolique (type)

XXe

1930 1950 Libéré, Crise et jeune engagement

1960 1980 Après Réduc- Rupture Ironie, tion valeurs doute identité

2. Le théâtre de l’absurde (p. 179-180) À partir du manuel, l’axe chronologique pourra contenir les éléments suivants : – Samuel Beckett : En attendant Godot, 1952 ; Fin de partie, 1957 ; Oh les beaux jours, 1963. – Eugène Ionesco : Les Chaises, 1951 ; Rhinocéros, 1960 ; Le Roi se meurt, 1962. 3. Renaissance et humanisme (p. 355-381) À partir du manuel, l’axe chronologique pourra contenir les éléments suivants : – Vers 1430 : Naissance de la perspective (Masaccio). – 1450 : Invention de l’imprimerie (Gutenberg). – 1453 : Chute de Constantinople (manuscrits amenés en Europe par les clercs orthodoxes). – 1492 : Découverte de l’Amérique (Christophe Colomb) ; Proportions du corps humain, Léonard de Vinci. – 1516 : L’Utopie, de Thomas More ; Préface à la traduction du Nouveau Testament, Érasme. – 1517 : Diffusion de la doctrine de Luther (Allemagne, Suisse, pays scandinaves). – 1528 : Le Livre du courtisan, Balthazar Castiglione. – 1530 : Calvin reprend en France les idées de Luther. – 1532 : Pantagruel, Rabelais. – 1534 : Gargantua, Rabelais. – 1549 : Défense et Illustration de la langue française, Du Bellay. – 1558 : Les Antiquités de Rome et Les Regrets, Du Bellay. – 1562-1598 : Guerres de religion. – 1562 : Les Amours et Discours sur les misères de ce temps, Ronsard. – 1567 : Le Premier Tome de l’architecture, Philibert Delorme. – 1572 : Massacre de la Saint-Barthélemy. – 1595 : Les Essais de Montaigne. – 1598 : Édit de Nantes. La frise pourra comprendre trois colonnes : une pour les dates, une pour les événements et une pour les œuvres.

384 | Fiches


06/09/11 11:52

Exemple : Renaissance et humanisme Dates

Événements

Naissance de la perspective (Masaccio).

Vers 1430 1450

Invention de l’imprimerie (Gutenberg).

1492

Découverte de l’Amérique (Christophe Colomb).

Diffusion de la doctrine de Luther (Allemagne, Suisse, pays scandinaves). Le Livre du courtisan, Balthazar Castiglione.

1528

Etc.

Proportions du corps humain, Léonard de Vinci. L’Utopie, de Thomas More.

1516

1517

Œuvres

Etc.

Etc.

2 Réaliser une fiche biographique On suivra avec profit le plan donné dans la leçon pour l’élaboration d’une fiche biographique. Cela peut résoudre en partie la difficulté à sélectionner les informations essentielles : – Nom, prénom (pseudonyme). – Date de naissance et de décès. – Rattachement de l’auteur à un mouvement, un courant, une école. – Brève bibliographie : ses principales œuvres. – Brève biographie, quelques grands repères. À partir des articles du Dictionnaire des auteurs, Laffont Bompiani, 1952, voici les éléments qu’on pourra retenir pour chaque auteur :

1. Victor Hugo Nom, prénom (pseudonyme) : Hugo, Victor. Date de naissance et de décès : 1802 – 1885. Rattachement de l’auteur à un courant : Romantisme.

Brève bibliographie : – 1822 : Début de sa création littéraire : divers poèmes et un roman. – 1827 : Cromwell, drame, avec la Préface où l’auteur se pose en théoricien du romantisme. – 1829 : Les Orientales ; Le Dernier Jour d’un condamné. – 1830 : Hernani. – de 1830 à 1840 : Quatre recueils de poésies ; quelques pièces dont Ruy Blas (1838). – 1853 : Les Châtiments. – 1856 : Les Contemplations. – 1862 : Les Misérables. – Entre 1859 et 1883 : La Légende des siècles. – 1872 : L’Année terrible. – 1874 : Quatre-Vingt-Treize. Brève biographie : Sa longue vie, ses engagements politiques, ses souffrances familiales, son immense succès, pourront être résumés ainsi : – Père général d’Empire. Enfance avec sa mère aux Feuillantines, lieu d’inspiration pour le futur poète. – 1822 : Mariage avec Adèle Foucher. – 1825 : Chevalier de la Légion d’honneur. – 1841 : Académie française. – 1843 : Mort de sa fille, Léopoldine ; poésie marquée par ce décès. – 1848 : Soutient Louis Napoléon Bonaparte pour la présidence de la République. – 1851 : Exilé pour s’être opposé à Louis Napoléon Bonaparte au moment de son coup d’État. Exil qui durera 20 ans (Belgique, Jersey, Guernesey). – 1859 : Refuse l’amnistie accordée par Napoléon III. – 1871 : Rentré à Paris, il est élu député et démissionne un mois après. Son fils aîné meurt. – 1872 : Sa femme est internée. – 1873 : Mort de son deuxième fils. – 1876 : Élu sénateur, se bat pour l’amnistie des Communards. – 1885 : Mort, funérailles nationales. Panthéon.

2. Lautréamont Nom, prénom (pseudonyme) : Comte de Lautréamont, pseudonyme d’Isidore Lucien Ducasse. Date de naissance et de décès : 1846 – 1870. Rattachement de l’auteur à un courant : Difficile à classer. Il subit l’influence du romantisme (particulièrement du romantisme noir) qu’il Fiches |


385

06/09/11 11:52

parodie dans son poème. Succès posthume, en particulier auprès des surréalistes. Brève bibliographie : Les Chants de Maldoror, 1869. Brève biographie : Lautréamont n’a vécu que 24 ans. On sait peu de choses de sa vie. Il s’est passionné tardivement pour la littérature, il s’est intéressé aux sciences et a préparé l’École polytechnique. Il a mené une vie recluse et studieuse. Il semblerait qu’il se soit engagé politiquement en faveur de la Commune : à partir de 1869, on suppose qu’il fréquentait le milieu révolutionnaire.

3 Réaliser une fiche sur un genre littéraire 1. La poésie. La fiche pourra contenir les éléments suivants : – Définition générale : d’un mot grec poïen signifiant « créer, fabriquer à partir de rien », forme de texte souvent en vers où le souci de la forme, des possibilités du langage, est prépondérant. – Bref récapitulatif historique : forme qui apparaît dès le Moyen Âge. – Citer quelques noms et des œuvres par siècle : Villon, Ronsard, Du Bellay, Malherbe, La Fontaine, Hugo, Musset, Baudelaire, Verlaine, Rimbaud, Mallarmé, Apollinaire, Aragon. – Différentes thématiques : la poésie épique, lyrique, didactique (brève définition). – Les différentes formes : l’élégie, le sonnet, l’ode, le poème en prose (brève description).

2. Le théâtre. La fiche pourra contenir les éléments suivants : – Définition générale : texte destiné à être mis en scène, en vers ou en prose, fait d’échanges entre des personnages nommés et complété par des didascalies. – Bref récapitulatif historique : genre qui prend son essor en France au XVIIe siècle avec Molière, Racine, Corneille. – Citer quelques noms et des œuvres par siècle : Marivaux, Beaumarchais, Hugo, Musset, Camus, Sartre, Anouilh, Ionesco. – Les différents genres : tragédie, comédie, drame (définir brièvement). – Traiter à part le théâtre du XXe siècle et ses grands thèmes : réécriture de la tragédie antique, les sujets historiques ou religieux, philosophiques ou politiques, les comédies de mœurs, l’absurde.

4 Tenir un journal de bord 1. Le journal de bord pourra se présenter sous la forme d’un cahier. Il est important de le remplir régulièrement, de préférence à chaque lecture. S’il peut servir à noter des informations (par exemple, des recherches sur un auteur), l’accent doit être mis sur les impressions de lecture.

2. Le journal de bord pourra contenir également des notes et impressions sur d’autres formes artistiques comme un spectacle, un film. Il permet ainsi de développer une culture générale en vue des exercices écrits et oraux du baccalauréat. 3. Les références littéraires et les citations choisies devront, si possible, être apprises par cœur afin d’être utilisées dans le cadre d’une dissertation. Le journal de bord sera également exploité avec profit dans le cadre de l’épreuve orale (entretien). Il est donc important de bien en connaître le contenu. 4. L’organisation d’échanges entre élèves ou bien la présentation d’exposés en classe permettront de vérifier si le journal de bord a été construit de manière pertinente, si les impressions de lecture sont bien formulées, si les informations notées sont connues et judicieusement choisies.

Fiche

⁄‚

Préparer un exposé  p. ›∞·

1 Comprendre et analyser un sujet d’exposé a. Le théâtre de l’absurde : l’exposé doit présenter le théâtre de l’absurde, en s’appuyant notamment sur des textes significatifs pris dans le manuel. 1. Les mots-clés pertinents Concernant la base documentaire du CDI : – théâtre / 20e siècle / 1950- / absurde / les différents auteurs (en recherche thématique) – les différents titres des œuvres (en recherche thématique) Ces mots-clés seront utilisés de la manière suivante : Pour les caractéristiques du théâtre de l’époque : recherche croisée « théâtre / 20e siècle » ou « théâtre / 1950- ».

386 | Fiches


06/09/11 11:52

Pour limiter au théâtre de l’absurde lui-même : « théâtre / absurde ». Concernant Internet : on pourra compléter la recherche précédente par une recherche à partir du mot-clé « théâtre de l’absurde ». 2. Les ressources documentaires et les supports Avant de se lancer dans les recherches, les élèves pourront tout d’abord se référer au manuel qui servira de premier support (et pas uniquement pour les textes significatifs). Ils consulteront ensuite un ouvrage général de littérature : une histoire littéraire, une histoire du théâtre, un dictionnaire des œuvres, des auteurs. Dans un troisième temps, ils pourront interroger la base documentaire du CDI pour des ouvrages spécialisés, des articles de revues ou des sites Internet référencés. Enfin, si nécessaire, on fera une recherche directe sur Internet, à partir du mot-clé indiqué. b. Manon Lescaut de l’abbé Prévost : l’exposé doit rendre compte d’une lecture cursive. Le sujet demande de replacer l’œuvre dans le contexte littéraire, de définir le roman-mémoire et de mettre en relief les relations qui unissent les personnages tout au long du roman. 1. Les mots-clés pertinents Concernant la base documentaire : roman / 18e siècle / Manon Lescaut / abbé Prévost / littérature. Ces mots-clés seront utilisés de la manière suivante : Pour les caractéristiques du roman du XVIIIe siècle : recherche croisée « roman / 18e siècle ». Pour le contexte littéraire de l’époque : recherche croisée « littérature / 18e siècle ». Pour une étude de l’œuvre : « Manon Lescaut », ou bien « abbé Prévost », en recherche thématique. Concernant Internet : on pourra compléter les recherches précédentes par une recherche à partir du mot-clé « roman-mémoire ». Pour aborder la dimension libertine du récit, on veillera à bien faire associer « Manon Lescaut / libertinage » pour que la notion soit circonscrite et problématisée à partir de l’œuvre. 2. Les ressources documentaires et les supports On suivra la démarche indiquée précédemment pour le théâtre de l’absurde.

2 Rechercher des informations a. La modernité de l’œuvre poétique de Guillaume Apollinaire On consultera en premier lieu le manuel, p. 255-264. Cela permettra d’orienter la recherche vers le recueil d’Apollinaire qui illustre le mieux la question de la modernité : Alcools. En particulier, on retiendra le premier poème cité dans le manuel, « Zone », considéré comme « manifeste de la modernité ». Par la suite, on pourra faire des recherches dans la base documentaire du CDI et retenir, par exemple, les deux titres suivants : – Claire Daudin, Guillaume Apollinaire, Alcools, coll. « Connaissance d’une œuvre », Bréal, 1998. – Laurence Campa, Apollinaire : La poésie perpétuelle, coll. « Découvertes », Gallimard, 2009. Ces deux ouvrages abordent le thème de la modernité de l’œuvre poétique d’Apollinaire. b. Le mythe du « bon sauvage » au XVIIIe siècle Les informations données dans les pages 332-334 du manuel permettent d’orienter la recherche vers trois auteurs principaux (Voltaire, Diderot et Rousseau) et d’aborder la question de la controverse entre Bougainville et Diderot au sujet des peuples sauvages. On consultera également les textes du manuel (p. 316-319), en restant dans les limites de la question posée (XVIIIe siècle) : – Voltaire, L’Ingénu, 1767. – L. A. de Bougainville, Voyage autour du monde, 1771. – D. Diderot, Supplément au voyage de Bougainville, 1772. Enfin, on pourra faire des recherches dans la base documentaire du CDI et retenir, par exemple, les deux titres suivants qui abordent le mythe du bon sauvage : – Geneviève Bussac, Denis Diderot, Supplément au voyage de Bougainville, coll. « Connaissance d’une œuvre », Bréal, 2002. – Catherine Trachez-Griffoul, L’Ingénu de Voltaire, coll. « L’œuvre au clair », Bordas, 1992.

3 Construire un plan a. Les poètes de la Pléiade Introduction : Un contexte propice aux idées nouvelles. Des personnalités variées rassemblées autour de grands principes. Deux grandes figures : Ronsard et Du Bellay. Fiches |


387

06/09/11 11:52

1) Les origines, contexte historique et culturel a) L’humanisme (redécouverte de la culture antique, importance de l’imprimerie) b) Naissance du Collège de Coqueret c) Les membres de la Pléiade. Les deux figures principales : Ronsard, Du Bellay 2) Les principes : Défense et illustration de la langue française (On prendra des exemples dans les recueils de Du Bellay et de Ronsard.) a) Les sources littéraires et philosophiques : néoplatonisme et pétrarquisme b) La langue : enrichissement du français, lui rendre sa dignité c) La poésie : la notion d’imitation, les genres adoptés, la versification Conclusion : La Pléiade, une étape importante dans l’évolution de la poésie et de la place du poète. Des poètes imités par leurs contemporains. Après une période d’oubli, un héritage aujourd’hui reconnu. b. La comédie au XVIIIe siècle et son rôle de critique sociale Introduction : un contexte historique et culturel propice au développement d’une critique sociale : rôle des philosophes, diffusion d’idées nouvelles. On pourra citer cette déclaration de Figaro, qui est comme une annonce des intentions de l’auteur : « Je me presse de rire de tout, de peur d’être obligé d’en pleurer », Le Barbier de Séville, I, 2. (On prendra des exemples dans Le Barbier de Séville et Le Mariage de Figaro.) 1) Beaumarchais et le renouveau de la comédie a) Un rôle définitivement reconnu. Voir Voltaire et les philosophes qui mettent en avant les bienfaits du théâtre et du rire sur le plan moral b) La forme : l’art de la mise en scène, les péripéties c) Le langage : rire et émotion 2) La critique d’une société a) L’injustice sociale fondée sur la naissance : Beaumarchais lui oppose le mérite personnel. La situation des femmes b) Une justice inégalitaire, conséquence de l’injustice sociale c) L’arbitraire du pouvoir et son corollaire, la censure Conclusion : Souligner le caractère subversif des pièces de Beaumarchais.

Fiche

⁄⁄

Améliorer son expression  p. ›§⁄

1 Utiliser le mot juste a. « début de roman » = incipit ; « dernière page du roman » = explicit ; « récit bref et concis en prose » = nouvelle ; « instance chargée de raconter l’histoire » = narrateur ; « être imaginaire ou inspiré de la réalité » = personnage b. « auteur de poèmes » = poète ; « strophe de quatre vers » = quatrain ; « poème de quatorze vers composé de deux quatrains et de deux tercets » = sonnet ; « poème court faisant l’éloge d’une personne » = blason ; « compter pour deux syllabes deux voyelles voisines qui comptent ordinairement pour une seule » : diérèse c. « auteur de pièce de théâtre » : dramaturge ; « première scène » = scène d’exposition ; « longue intervention d’un personnage face à un autre » = tirade ; « intervention d’un personnage seul en scène » : monologue ; « échange rapide de personnages, vers à vers » = stichomythie ; « pièce qui traite d’un sujet noble dont les personnages sont socialement élevés » = tragédie ; « genre théâtral qui refuse les contraintes, mélange les genres et les registres » = drame ; « indications du texte destinées à la scène » = didascalies d. « récit instructif à visée morale » = apologue ; « genre qui se nourrit d’une réflexion personnelle fondée sur la vie de l’auteur » = essai ; « genre polémique, qui attaque une personne ou une situation » = satire

2 Utiliser le mot juste a. crée – b. chantent – c. se déplacent – d. arguments / exemples

3 Utiliser le mot juste a. compréhensibles – b. sensée – c. davantage – d. personnifie – e. prêt

4 Varier le vocabulaire a. démontre – b. soutient que – c. s’approprie / le développe

388 | Fiches


06/09/11 11:52

5 Adopter une syntaxe appropriée a. Personnellement, j’ai lu les œuvres au programme. – b. Hugo a écrit Les Misérables. – c. En lisant Le Rouge et le Noir, on peut se demander ce que Stendhal a voulu dire à travers ses personnages. – d. Les pièces de Molière sont agréables à lire. – e. Avec La Comédie humaine, le but de Balzac était de copier l’état civil.

6 Remplacer les abréviations et introduire les exemples a. Les écrivains romantiques ont bousculé les codes classiques. Le drame Hernani, écrit par Hugo, en est un exemple célèbre. b. Dans « Demain dès l’aube », Hugo évoque un décès, comme l’indique la mention de la « tombe » dans l’avant-dernier vers. Il s’agit de sa fille, à laquelle il s’adresse en utilisant le pronom « tu ». c. Dans Les Essais, Montaigne s’appuie sur son expérience personnelle. Ainsi, il évoque son amitié pour La Boétie, un ami décédé depuis peu.

7 Structurer son discours a. Dans son théâtre, Marivaux met volontiers en scène des couples qui jouent avec les codes amoureux et le travestissement. Par exemple, il crée des situations dans lesquelles les personnages échangent leurs rôles pour mieux mettre à l’épreuve leurs sentiments. b. La poésie fonctionne comme un genre à part. Forme courte, elle est souvent l’occasion pour les auteurs de tester et d’affiner leur langage. Les images y sont nombreuses, pour dire avec d’autres mots de quoi le monde est fait. c. Le roman est aujourd’hui le genre le plus populaire : cela montre que l’homme comme l’enfant reste subjugué lorsqu’on lui raconte des histoires dans lesquelles il peut se reconnaître.

Fiche

⁄¤

Les genres du roman  p. ›§›-›§∞

1 Dates et repères littéraires Scarron, Le Roman comique (1651) ; Marivaux, La Vie de Marianne (1731-1742) ; Balzac, Eugénie Grandet (1833) ; Flaubert, Bouvard et

Pécuchet (1880) ; Malraux, L’Espoir (1937) ; Perec, Les Choses (1965).

2 Identifier un genre de roman Roman social Roman réaliste Roman naturaliste Roman existentiel Nouveau Roman

Montesquieu, Les Lettres persanes Flaubert, Madame Bovary Stendhal, Le Rouge et le Noir Zola, Nana

– Michel Butor, La Modification

3 Analyser un manifeste réaliste 1. Le romancier réaliste a pour tâche de donner « l’illusion complète du vrai » pour reprendre une expression de Maupassant (Préface de Pierre et Jean). En ce sens, il ne se contente pas de copier la réalité mais s’engage à créer une fiction vraisemblable. Dans le texte, Maupassant insiste sur le travail de synthèse que doit opérer le romancier pour transposer la réalité. Loin de vouloir relater une réalité circonstancielle, le réaliste construit des cas généraux. Les expressions utilisées par Maupassant dans le deuxième paragraphe sont évocatrices : « une moyenne des événements humains » (l. 9), « une philosophie générale » (l. 10), « les idées générales des faits » (l. 11).

2. Maupassant reprend la traditionnelle distinction entre vérité et vraisemblance. Dans la préface de Pierre et Jean, le romancier cite la célèbre formule de Boileau : « Le vrai peut quelquefois ne pas être vraisemblable » (Art poétique) pour étayer ce propos. Tandis que les faits vrais sont imprévisibles et contingents (possibilité de « l’accident »), les faits racontés dans la fiction sont contrôlés par le romancier. Maupassant en déduit que le héros ne peut être soumis au hasard de la Grande Faucheuse (l. 21-23).

4 Analyser la préface d’un roman engagé 1. Dans cette préface, Victor Hugo examine ce qu’il considère comme les « trois problèmes du Fiches |


389

06/09/11 11:52

siècle » : « la dégradation de l’homme par le prolétariat, la déchéance de la femme par la faim, l’atrophie de l’enfant par la nuit » (l. 5-7). Le romancier choisit ainsi trois incarnations de la misère : la situation de l’homme au travail, la condition de la femme et l’incurie pour l’enfant. Ces trois symboles représentent un condensé de la société misérable dont Hugo se fait le porte-parole.

2. Cette préface annonce un roman engagé dans la mesure où l’auteur met en évidence la visée argumentative de la fiction. Hugo dramatise cette fonction du roman en recourant à une période (phrase ample composée d’au moins deux temps : la protase qui en constitue l’introduction et l’apodose qui résout la tension introduite par le premier mouvement) binaire : la protase introduite par « tant que » (repris en anaphore) examine les faits sociaux qui déterminent l’état de misère tandis que l’apodose (« des livres de la nature de celui-ci ne seront pas inutiles ») met en lumière la nécessité du roman.

5 Étudier le genre du roman existentiel Dans ce passage, Kyo envisage le suicide comme une solution digne et noble. L’extrait est tout entier dominé par la méditation du personnage qui s’interroge sur le sens à donner à sa propre mort. En ce sens, le titre est étayé par cette réflexion : l’homme n’acquiert sa véritable condition qu’en devenant maître de son destin (voir distinction « mourir » / « se tuer », l. 10-11). La dimension philosophique de cet extrait est sensible : les verbes de pensée (« il s’imagina » l. 3, « il avait toujours pensé » l. 8) ainsi que les phrases abstraites au présent de vérité générale (« Et mourir est passivité, mais se tuer est acte », l. 10-11) peuvent être étudiés avec profit.

6 Analyser la première page d’un roman-mémoire 1. L’incipit d’un roman-mémoire a pour fonction de persuader le lecteur de la bonne foi du narrateur. Celui-ci se confesse pour mieux autoriser l’œuvre à venir. Ce désir de transparence intérieure se manifeste à travers plusieurs expressions : « je ne l’ai jamais dissimulée » (l. 2), « ma franchise » (l. 4) dans le texte de Marivaux ;

« Qui me croira sincère » (l. 3), « franchise » (l. 12), « je le confesse » (l. 13) dans l’extrait de l’Abbé Prévost.

2. Le lecteur peut trouver suspect l’idéal de transparence revendiqué par les auteurs dans la mesure où leur discours apparaît loin d’être naturel. Plusieurs procédés rhétoriques peuvent être étudiés en ce sens : – L’utilisation de la litote dans le texte A : « car je n’ai pas remarqué qu’en aucune occasion on en ait eu moins d’égard et moins d’estime pour moi » (l. 4-6). Fausse modestie du narrateur. – La récurrence des questions rhétoriques dans le texte B : « Qui me croira sincère dans le récit de mes plaisirs et de mes peines ? » (l. 3-4). Manipulation du lecteur par ce procédé de fausse accusation.

7 Étudier le genre du roman romantique 1. Ce passage met en scène un narrateur souffrant d’un mal-être profond : cette sensation est rendue sensible par la récurrence de phrases négatives : « je n’attendrai plus », « je n’ai rien obtenu », « je ne possède rien », « nulle intimité n’a consolé mes ennuis »… Le narrateur éprouve un sentiment d’impuissance : le contraste entre le renouvellement de la nature et sa propre incapacité à évoluer le conduit vers la plainte élégiaque (fin de l’extrait : « sentiments des jeunes années, qu’êtes-vous devenus ? »).

2. Cet extrait développe la thèse du « mal du siècle » dans la mesure où l’auteur met l’accent sur son incapacité à vivre heureux au sein du monde. Désabusé et nostalgique, le narrateur constate son statut de marginal au sein d’une nature devenue pour lui seul étrangère : « je devins étranger dans le monde heureux » (l. 14-15). Cette malédiction qui frappe l’individu renvoie au « mal du siècle » romantique.

8 Comprendre les enjeux du Nouveau Roman 1. Alain Robbe-Grillet défend l’idée que le roman est un genre en constante évolution. En égrenant les noms de romanciers de toutes origines du XIXe et du XXe siècle, l’auteur cherche à retracer les étapes qui ont conduit à la défense d’un « Nouveau Roman ».

390 | Fiches


06/09/11 11:52

2. Les théoriciens du Nouveau Roman déconstruisent le roman traditionnel en vidant de toute substance l’intrigue romanesque. Le personnage n’est plus un point d’ancrage autour duquel se construit une histoire. La notion de héros se voit ainsi battue en brèche par cette avant-garde soucieuse de débarrasser le roman de toute psychologie.

9 Étudier le genre de l’autofiction 1. Camille Laurens hésite entre la première et la troisième personne. Les deux premiers paragraphes donnent à lire un projet de fiction : « Ce serait un livre sur tous les hommes d’une femme » (l. 3-4) ; « je ne serais pas la femme du livre » (l. 10). Cette distanciation se trouve néanmoins contredite par le dernier paragraphe dans lequel la narratrice fait référence à sa propre personnalité : « je donnerais au personnage ce trait précis de mon caractère… » (l. 16-17). La fiction se trouve ainsi traversée par des passages autobiographiques.

2. Cet extrait ne s’apparente pas à un passage traditionnel de roman. Dans la mesure où se trouve évoqué un projet de roman, ce passage ressemble plutôt à une préface. En intégrant cette réflexion sur l’art d’écrire un roman au sein de l’œuvre elle-même, Camille Laurens renouvelle les codes du roman.

Fiche

⁄‹

« [les notes] n’ont d’autre objet que d’indiquer la source de quelques citations » (l. 16-17). En réalité, il s’agit de dénégations qui traduisent la mauvaise foi du rédacteur. Prolongement : Les préfaces fictives sont courantes au XVIIIe siècle. Pour une étude précise de ce dispositif, lire : Gérard Genette, Seuils, « Poétique », Éditions du Seuil, 1987 (voir « Préfaces fictionnelles », p. 255-257).

2 Identifier une fonction du narrateur 1. Dans ce passage, le narrateur communique avec le lecteur en rompant le pacte de vraisemblance. Une relation intime est établie du fait des nombreuses recommandations que le narrateur adresse au lecteur. Plus précisément, le narrateur provoque le lecteur en présageant ses erreurs : « Vous allez prendre l’histoire du capitaine de Jacques pour un conte, et vous aurez tort » (l. 1-2). Le narrateur utilise le procédé du faux dialogue pour simuler une communication avec le lecteur : « je vous proteste que » (l. 2), « je vous le répète » (l. 10). 2. À travers la série d’injonctions que le narrateur adresse au lecteur, une définition du lecteur idéal se dessine en creux. L’adjectif « circonspect » (l. 11) caractérise ce lecteur qui doit exercer son esprit critique et ne pas prendre la fiction pour ce qu’elle n’est pas.

3 Identifier une fonction du narrateur

Auteur, narrateur  p. ›§‡

1 Analyser la stratégie d’un auteur 1. Le rédacteur se donne pour mission d’organiser la composition de l’ouvrage : les verbes « mettre en ordre », « élaguer », « conserver », « replacer par ordre » témoignent de ce travail éditorial. L’étiquette de « rédacteur » convient mieux que celle d’« auteur » dans la mesure où le narrateur décline toute responsabilité artistique.

2. Le rédacteur ne cesse de se défendre de toute intervention dans la construction de l’ouvrage final. Cette prudence se manifeste à plusieurs reprises au cours du texte : les négations restrictives (« je n’ai demandé, pour prix de mes soins, que la permission d’élaguer » (l. 7-8), « j’ai tâché de ne conserver en effet que les lettres » (l. 8-9) ;

Dans ce passage liminaire, le narrateur informe le lecteur sur le cadre spatial dans lequel va se dérouler la première partie du roman. Cette description de la ville de Verrières permet de créer un « effet de réel » (Barthes) dans la mesure où l’auteur cherche à plonger le lecteur dans un cadre typique : celui d’une petite ville de province dans les années 1830.

4 Interpréter un commentaire du narrateur 1. Dans cet extrait qui clôt la scène de ménage entre César Birotteau et sa femme, Balzac informe le lecteur sur la vie antérieure des personnages. Tout en présentant ceux-ci (« adjoint et parfumeur, ancien officier de la garde nationale », l. 6-7), le narrateur fait explicitement référence au travail du romancier (« en éclairant Fiches |


391

06/09/11 11:52

la profondeur de son caractère et les ressorts de sa grandeur », l. 8-10).

2. La dernière phrase comporte deux verbes au présent de vérité générale (« surmontent », « deviennent »). Le narrateur montre ainsi que le récit des aventures de César Birotteau n’est pas seulement l’histoire d’un personnage singulier mais l’analyse d’un caractère, autrement dit d’un type (César Birotteau = type du « petit esprit »).

5 Insérer un commentaire du narrateur L’élève est libre de choisir une des fonctions étudiées dans la leçon. Il peut insérer un commentaire visant soit à informer le lecteur (le mode de vie new-yorkais, en quoi il apparaît différent des habitudes françaises), soit à émettre un jugement (impossibilité de se repérer dans la ville). Enfin, il est souhaitable que la suite de texte soit cohérente (respect du style propre à Céline).

Fiche

⁄›

Le personnage de roman

 p. ›‡‚-›‡⁄

1 Distinguer personnage inventé et personnage historique Personnage inventé Lucien de Rubempré Bardamu Meursault

Personnage historique Le duc de Guise Le cardinal de Richelieu Hamilcar Barca

2 Étudier le portrait d’un personnage 1. Le portrait d’Élisabeth de France est construit sur le principe de la surenchère : l’éloge progresse par degrés. Dans un premier temps, les vertus du personnage sont présentées comme communes (« exagérations ordinaires en faveur des princes » l. 2-3). La princesse va ensuite se singulariser du type auquel elle appartient (« Toutes les belles personnes ne touchent pas toutes sortes de cœur » l. 7-8). Le propos général du narrateur se trouve ensuite étayé par des situations attestant des dons de la jeune femme.

La conclusion de l’extrait est introduite par le connecteur « enfin » : il s’agit d’une synthèse de la description.

2. Le narrateur prouve les qualités de la princesse en recourant à la figure de l’hyperbole : l’écriture de l’éloge se traduit par la présence de modalisateurs d’appréciation (« toute belle », « dans le plus grand éclat », « beauté parfaite »…), de litotes (« Il était si difficile de la voir sans l’aimer ») et d’adverbes de degré qui traduisent la perfection de la jeune femme (« si difficile », « jamais reine ne fut plus reine qu’elle »).

3 Reconnaître un personnage-type : l’opportuniste 1. Aristide Rougon et Georges Duroy appartiennent à la famille des opportunistes. Ils manifestent tous deux une volonté de réussir sans limite : chez Zola, ce désir de succès se traduit par la métaphore animale (« Aristide Rougon s’abattit sur Paris », l. 1) tandis que cet appétit est sensible dans les propos cyniques de Duroy chez Maupassant. Ce type de personnage tend à réduire la société à un simple objet : une proie dévorée par un loup pour Aristide Rougon, un « colosse épuisé de fatigue » qu’il faut anéantir pour Georges Duroy.

2. L’appétit bestial d’Aristide Rougon lui donne un aspect inquiétant. La métaphore animale (« flair des oiseaux de proie », l. 2, « avec des appétits de loup », l. 11) concourt à cet effet. Toutefois, l’allusion à son passé provincial et, plus encore, le jugement de valeur énoncé à son encontre (« après s’être compromis comme un sot » l. 7) neutralisent son pouvoir d’intimidation. 3. Le narrateur introduit une description subjective de la ville en passant par le point de vue interne (l. 3-8) : la ville se trouve progressivement personnifiée (« palpitation de vie », « le souffle de Paris respirant », « comme un colosse épuisé de fatigue ») au point qu’elle traduit le bouillonnement et l’avidité dont fait preuve le personnage.

4 Étudier les sentiments d’un personnage 1. La religieuse est animée par deux sentiments distincts : l’orgueil et le dépit. Au début

392 | Fiches


06/09/11 11:52

de l’extrait, elle fait montre d’une attitude orgueilleuse et digne en prenant à parti son amant (« Ah ! malheureux ! Tu as été trahi… » l. 2-3) ; cependant, elle subit ensuite les affres de la passion amoureuse, ce qui se manifeste dans le texte à travers le champ lexical du désespoir : « ma douleur », « me privera », « larmes », « pleurer sans cesse ».

2. La narratrice inspire un sentiment de pitié, notamment lorsqu’elle raconte les moments de liesse amoureuse : l’utilisation d’un futur prédictif (« me privera ») et d’un imparfait pour décrire les moments heureux favorise ce sentiment de la part du lecteur.

5 Identifier la relation entretenue par le narrateur et son personnage 1. Cet extrait met en évidence la métamorphose d’Aurélien : alors qu’il donnait à voir une forme d’idéalisme dans un passé proche (« Aurélien croyait que ça irait encore plus loin »), il apparaît désormais abattu, découragé par l’évolution des événements (« Il ne croyait plus… »).

2. Ce passage est au point de vue interne comme le suggère la présence de verbes de jugement (verbe « croire » utilisé à deux reprises, l. 5 et 8). Ces modalisateurs sont des indices formels du statut subjectif de cet extrait. Le narrateur se désolidarise ainsi du jugement porté par le personnage.

6 Identifier les caractéristiques d’un antihéros 1. Les deux premiers extraits appartiennent au genre romanesque : le premier texte est un passage au discours direct (dialogue au sein d’un roman) tandis que le second est un passage de récit (description d’un personnage). Le troisième extrait se distingue des deux autres textes dans la mesure où l’auteur propose une réflexion théorique sur l’évolution du genre romanesque : il s’agit donc d’un essai.

2. Bardamu est un personnage qui revendique et assume son statut d’antihéros : le refus d’héroïsme est proclamé haut et fort comme si le personnage souhaitait s’engager à ne pas s’engager. On peut commenter en ce sens les questions rhétoriques qui sont autant de provocations assénées par Bardamu, reflet de sa forte

personnalité. À l’inverse, le personnage principal du Pressentiment est effacé, invisible aux yeux de la communauté : on peut à cet égard relever les propos insistants du narrateur (« tant son aspect était quelconque » l. 7, « n’attiraient en effet pas l’attention », l. 10).

3. Alain Robbe-Grillet prononce un jugement catégorique sur le statut du personnage dans le roman du XXe siècle. Son propos éclaire le texte d’Emmanuel Bove : « l’aspect quelconque » du personnage est analysé par l’auteur de Pour un nouveau roman qui utilise l’expression de « fantoches ». Cette analyse ne reflète pas, en revanche, le texte de Céline : Bardamu est par trop vindicatif pour correspondre au type forgé par Robbe-Grillet.

7 Observer le rapport entre un romancier et ses personnages 1. Mauriac distingue la « personne », être vivant, de chair et d’os, et le « personnage », être fictif, inventé par le romancier. Selon Mauriac, les hommes ont besoin des personnages pour mieux comprendre leur condition.

2. Le lecteur s’identifie aux personnages créés par le romancier. Plus précisément, il est à même de décrypter ses propres comportements et de progresser (l. 5). Le « monde idéal » auquel tend à accéder le lecteur s’oppose sans doute à l’univers obscur dans lequel progressent les êtres vivants (existence menée de manière intuitive).

Fiche

⁄∞

Le point de vue  p. ›‡‹

1 Reconnaître un point de vue 1. Le narrateur adopte un point de vue omniscient dans cet incipit. Il informe le lecteur aussi bien sur la situation familiale de la comtesse de Tende que sur ses sentiments (« La comtesse de Tende, vive et d’une race italienne, devint jalouse » l. 9-10).

2. En donnant à lire les pensées du personnage, le narrateur met en valeur sa force de caractère : la comtesse de Tende a su en peu de temps se ressaisir comme en témoigne la dernière phrase. Cette aptitude du personnage à retrouver une Fiches |


393

06/09/11 11:52

maîtrise de soi et à s’éloigner des dangers de la passion en fait une héroïne galante.

2 Reconnaître un point de vue 1. Le narrateur choisit le point de vue externe pour raconter l’arrivée de Jean Valjean dans la ville de Digne. En effet, aucune information n’est livrée sur le personnage : seule son apparence physique est mentionnée (« un aspect plus misérable » l. 7-8 ; « c’était un homme de moyenne taille, trapu et robuste » l. 8-9). La scène est vue à travers les yeux d’un témoin extérieur qui ne raconte que ce qu’il voit.

2. Pour transposer cet extrait au point de vue omniscient, il est nécessaire de préciser l’identité du personnage (Jean Valjean), en évoquant succinctement son passé proche, ses motivations et ses sentiments.

3 Analyser les pensées d’un personnage 1. Le point de vue interne domine dans ce passage : le narrateur révèle les interrogations du personnage (« ne sachant s’il devait se réjouir ou s’affliger » l. 2) et sa vision globale de l’attitude d’Armance. Ce point de vue permet de retranscrire précisément les inquiétudes d’Octave, en recourant notamment à un « discours direct libre » de la ligne 5 à la ligne 14.

2. Dans cet extrait, deux discours rapportés sont utilisés : – Le discours indirect libre : « mais l’avait-il perdue ou gagnée ? » (l. 4). Présence de l’interrogation, ponctuation expressive, qui fait entendre la voix du personnage. – Le « discours direct libre » de la ligne 5 à la ligne 14. Le personnage s’exprime à la première personne et le discours est introduit par une incise (« se dit-il », l. 5). Il s’agit d’un discours direct libre dans la mesure où sa parole n’est pas encadrée par des guillemets. Sur la notion de « discours direct libre », voir Laurence Rosier, Le Discours rapporté. Histoire, théories, pratiques, 1999.

4 Analyser la variation des points de vue 1. Dans cet incipit de La Vie est brève et le désir sans fin, deux points de vue sont utilisés. Dans le

premier paragraphe, le récit est au point de vue externe : le narrateur se contente de décrire une scène sans donner de plus amples explications (pourquoi une voiture se trouve à cet endroit ? qui est cet homme « aux cheveux hérissés » ?). Dans le second paragraphe, le point de vue omniscient est introduit : l’identité du personnage est précisée, la situation temporelle est clarifiée (« jour de l’Ascension » l. 10).

2. L’auteur a cherché à créer un effet de dramatisation en passant du point de vue externe au point de vue omniscient. L’identité du personnage est progressivement révélée ce qui permet de capter l’attention du lecteur.

5 Manipuler les points de vue Transposition au point de vue interne : Il était désespéré. Il avait tout perdu. Il n’osait confier au papier le secret de ses peines : mais il avait besoin de les répandre dans le sein d’un ami sûr et sensible ! À quelle heure pourrait-il voir le Vicomte et aller chercher auprès de lui des consolations et des conseils ? Il était si heureux le jour où il lui avait ouvert son âme ! À présent, quelle différence ! tout était changé pour lui. Ce que je souffre pour mon compte n’est encore que la moindre partie de mes tourments, se dit-il ; mon inquiétude sur un objet bien plus cher, voilà ce que je ne puis supporter. Commentaire : La transposition nécessite le passage de la première à la troisième personne, des modifications dans l’emploi des temps (d’un discours ancré dans la situation d’énonciation à un discours coupé de celle-ci) et une ponctuation expressive marquant l’émotion du personnage. Il est possible d’intégrer un passage au discours direct libre (dernière phrase) pour donner une dimension plus authentique au récit.

Fiche

⁄§

La construction du récit  p. ›‡§-›‡‡

1 Identifier le moment du récit 1. Le premier extrait obéit au principe de la narration ultérieure : il s’agit du récit d’événements passés comme l’indique l’utilisation de verbes au passé. Le deuxième extrait est une narration

394 | Fiches


06/09/11 11:52

simultanée : le récit est au présent de l’indicatif (« se demande Tobie »). Le dernier extrait est construit sur le modèle mixte de la narration intercalée : le narrateur relate des faits passés tout en commentant ceux-ci au présent d’énonciation (« Je me dois ce témoignage… »).

2. La narration ultérieure permet de distinguer des événements de premier plan et de second plan grâce à l’emploi de l’imparfait et du passé simple. La narration simultanée crée un effet d’immédiateté : le lecteur a l’impression de vivre l’action en même temps que les personnages. Enfin, la narration intercalée offre deux points de vue au lecteur : celui du narrateur au moment des faits passés (narrateur personnage) et celui du narrateur racontant a posteriori son histoire (narrateur narrant).

2 Comparer différents rythmes de narration 1. Dans le premier extrait, le narrateur opère une ellipse : « je passe rapidement sur ces deux années » (l. 3-4). Un saut dans le temps est effectué de manière à se concentrer sur l’essentiel. Dans le deuxième texte, Victor Hugo introduit une pause : la description d’une « grande salle » suspend le récit pour un temps. Dans le troisième passage, le dialogue entre « la dame » et « l’enfant » est reproduit in extenso : il s’agit donc d’une scène.

2. Ce début de roman correspond à un incipit in medias res : le lecteur est plongé au cœur d’une conversation sans qu’il connaisse l’identité des deux personnages. Les romanciers ont souvent recours à ce type de procédé pour capter l’attention du lecteur (captatio benevolentiae).

3 Analyser le rythme de la narration 1. Le début de l’extrait (l. 1-12) correspond à une scène : le narrateur relate les différentes désillusions du prince sans opérer de sauts dans le temps, se concentrant sur le moment où il apprend la décision irréversible de Mme de Clèves de ne plus le voir et de se retirer du monde. Plusieurs procédés permettent alors d’accélérer la narration pour mener le récit à sa clôture : – Le passé simple dans la phrase introduite par « néanmoins » aux lignes 12-14 présente l’action comme achevée.

– L’ellipse présentée dans la participiale « des années entières s’étant passées » marque explicitement le passage du temps, sa labilité (motif augustinien). – La fin du texte est un sommaire : les occupations de Mme de Clèves sont rapportées à l’imparfait ; le passage du temps est figuré par ce biais.

2. Le verbe « passer », conjugué à l’imparfait, inscrit l’action dans le temps cyclique de l’habitude et achemine le récit vers la fin de l’intrigue mondaine. En effet, aucune action de premier plan ne se manifeste comme pour mimer le lent déclin de la princesse de Clèves : l’héroïne, toute à sa religion, se situe face à l’éternité (mort, audelà, exemplarité universelle de sa vertu).

4 Étudier le début d’un roman contemporain 1. Ces deux incipits interpellent le lecteur en faisant entendre un message violent : le choix du suicide dans l’œuvre de Belletto, le récit d’un crime dans le roman de Rosenthal. L’originalité du premier extrait tient plus précisément à la décision du narrateur-personnage de prendre congé du lecteur. Dans le second texte, on peut commenter l’inventivité formelle sensible aux lignes 11 à 14 : le lecteur n’est pas en mesure d’identifier l’auteur des phrases (discours direct libre).

2. Ces deux incipits donnent des bribes d’informations : – Dans l’extrait de L’Enfer, le lecteur comprend qu’il s’agit d’un début de roman : le narrateur n’est pas l’auteur étant donné que la « lettre de suicide » est signée « Michel » et non « René ». Des renseignements sur le caractère du personnage sont bien entendu livrés dans ce passage : nature dépressive en premier lieu mais également indécise (« je ne savais »). – Dans l’incipit de On n’est pas là pour disparaître, une indication temporelle précise est mentionnée (« Le 6 juillet 2004 »). L’identité de l’auteur du crime est donnée mais de son nom ne reste qu’une initiale (« Monsieur T. »). Les circonstances de l’action sont relatées mais les motivations restent inconnues en raison de l’amnésie du personnage. Fiches |


395

06/09/11 11:52

5 Repérer une rupture dans l’ordre chronologique 1. Deux passages font référence à un temps ultérieur : « c’est à ce souvenir que j’ai dû ensuite une partie de ma force dans les plus malheureuses circonstances de ma vie » (l. 4-6) et « les nôtres eurent le sort commun, c’est-à-dire de durer peu… » (l. 18-19). Il s’agit d’une prolepse.

2. La référence à un temps ultérieur introduit une dimension tragique dans le récit : les amours du chevalier des Grieux et de Manon sont vouées à l’échec alors même qu’elles apparaissent éclatantes dans le récit qu’en fait le narrateur (« une vie toute composée de plaisir et d’amour », « si charmantes délices »). La prolepse s’apparente à une forme d’oracle qui énonce l’amère vérité. Prolongement : Sur la dimension tragique de Manon Lescaut, voir le « Parcours de lecteur », pages 51-58 du manuel de l’élève et notamment la fiche de lecture 2 « Du libertinage à la tragédie » (p. 58).

6 Analyser l’ordre d’un récit contemporain 1. Ce passage correspond à un monologue intérieur du narrateur. Les mouvements de pensées du personnage se traduisent par des ruptures thématiques (voir fiche 62 : Organisation et cohérence textuelles). Le narrateur tente d’élucider les raisons qui l’ont conduit à se retrouver seul dans une chambre et mentionne ensuite « un homme » qui vient l’aider, son travail, son intention de mourir… Certains passages peuvent être analysés, notamment les effets de relance : « Oui, je travaille maintenant » (l. 8). Le personnage semble répondre à ses propres interrogations.

2. Les faits relatés par le narrateur-personnage ne sont pas certains comme en atteste la présence de modalisateurs marquant l’incertitude (« je ne sais pas », « peut-être » répété, « paraît-il »). Ce doute du personnage sur sa propre situation brouille la situation d’énonciation. De fait, le lecteur est obligé de décrypter les informations livrées par ce témoignage décousu.

Fiche

⁄‡

La parole du personnage

 p. ›‡·

1 Étudier les discours rapportés 1. Le tableau ci-dessous dresse un relevé des différents discours rapportés. – « Perfide Manon ! Ah ! perfide ! perfide » – « Que prétendez-vous Discours donc ? » direct – « Je prétends mourir […] vive. » – « Demande donc ma vie, infidèle ! » – « Elle me répéta, en pleurant Discours à chaudes larmes, qu’elle ne indirect prétendait point justifier sa perfidie. » Discours – « Je commençais plusieurs fois narrativisé une réponse […] achever. » Le narrateur a choisi de faire entendre le réquisitoire du chevalier au discours direct pour lui donner plus de valeur aux yeux du lecteur. La faible répartie de Manon n’apparaît que sous la forme d’un discours indirect.

2. Le discours direct progresse à mesure que des Grieux révèle ses véritables sentiments. Le dévoilement de son intériorité va de pair avec une domination du discours direct. Ce type de discours rapporté permet de faire entendre l’expressivité du propos du personnage (passage du vouvoiement au tutoiement notamment).

2 Repérer le discours indirect libre 1. Dans le texte de Flaubert, le passage au discours indirect libre clôt l’extrait : « D’ailleurs, n’était-ce pas une femme du monde, et une femme mariée ! une vraie maîtresse enfin ? ». Cette phrase comporte plusieurs marques du discours indirect libre : l’utilisation de l’imparfait, temps du récit, renvoie au discours indirect tandis que la ponctualité expressive et le recours à l’italique font entendre la voix du personnage. Dans l’extrait de Gide, le discours indirect libre est plus difficile à identifier : dans la séquence « Il releva la tête et prêta l’oreille. Mais non : son père et son frère étaient retenus au Palais », le connecteur d’opposition « mais non » fait

396 | Fiches


06/09/11 11:52

entendre la voix du personnage (oralité de l’expression marquant le revirement).

2. Le discours indirect libre permet un entremêlement de voix. Dans l’extrait de Flaubert, le point de vue interne domine : les sentiments de Léon sont décrits par le personnage lui-même. Le regard de Léon met en évidence la dimension sensuelle d’Emma Bovary (« l’inexprimable délicatesse des élégances féminines », « les dentelles de sa jupe »). Toutefois, le narrateur détourne ce lieu commun par le biais de l’ironie : les « poses de colombe assoupie » font sourire le lecteur et « l’exaltation de son âme et les dentelles de sa jupe » suggère la lourdeur de Léon.

3 Interpréter le choix d’un discours rapporté 1. Le discours indirect domine dans les deux extraits. Les subordonnées interrogatives indirectes sont ainsi récurrentes : « le duc d’Anjou demanda… » (texte A : l. 1-2) ; « Marie […] m’a demandé si je voulais me marier avec elle » (texte B : l. 1-2).

2. En transposant le texte au discours direct, l’échange entre le duc d’Anjou et la princesse de Montpensier devient plus vif. Dans le texte de Madame de La Fayette, les deux personnages semblent dialoguer à distance.

4 Étudier le monologue d’un personnage 1. Le discours direct libre domine dans les deux derniers paragraphes : le personnage s’exprime à la première personne au présent de l’indicatif (discours ancré dans la situation d’énonciation). Comme souvent dans les romans de Stendhal, le discours direct est libre, autrement dit il n’est pas encadré par des guillemets. Néanmoins, il est introduit par une incise (« se dit-il », l. 5) qui permet de le repérer.

2. Le monologue du personnage est ponctué de revirements : l’élève peut analyser les renversements introduits par le connecteur « mais » (l. 8 et l. 11). Julien Sorel réfléchit donc aux conséquences mêmes des actions qu’il entreprend en tenant compte du résultat de ses observations.

Fiche

⁄°

La description  p. ›°⁄

1 Étudier une description subjective 1. La description n’est pas structurée en fonction d’une organisation des éléments dans l’espace. Le narrateur oriente la peinture du paysage à l’aune des objets qui attirent son attention. Les ruptures de thèmes sont ainsi fréquentes. Les connecteurs temporels (« tantôt » à trois reprises ; « quelquefois » par deux fois) organisent la vision du narrateur qui n’obéit qu’au principe du détournement permanent (« j’en étais toujours détourné », l. 1). 2. Ce n’est qu’au deuxième paragraphe que les marques de l’échange épistolaire sont présentes : le verbe « ajouter » au mode impératif (« Ajoutez », l. 11) et la 2e personne du pluriel du verbe « avoir » au futur modal (« vous aurez », l. 12).

2 Associer un point de vue à une description 1. Le narrateur adopte un point de vue interne pour décrire Paris. Il s’agit de la vision de Christine comme en témoigne la récurrence des verbes faisant référence aux sens : « un nouvel éclair l’avait aveuglée » (l. 1-2), « apparurent » (l. 6), « on distingua » (l. 6), « on aurait compté » (l. 9-10).

2. On peut parler d’une description subjective dans la mesure où une vision infernale se substitue à une stricte reproduction de la réalité. Les métaphores telles que « éclaboussement de sang » et « trouée immense » renvoie à l’image que se fait Christine du lieu dans lequel elle vient d’arriver.

3 Repérer la structure d’une description 1. Le narrateur est soucieux de structurer la description de Paris en mettant en valeur l’échelle des plans créée par le relief de la ville : « le dôme terne et mélancolique du Val-de-Grâce domine orgueilleusement toute une ville » (l. 5-7). Les connecteurs spatiaux (« à gauche » l. 9, « dans le lointain » l. 11) permettent de parfaire cette vision en perspective. Fiches |


397

06/09/11 11:52

2. Le narrateur valorise le paysage qu’il décrit en utilisant la figure de l’hyperbole « digne de ravir l’artiste ou le voyageur le plus blasé sur les jouissances de la vue » (l. 3-4). Le lecteur susceptible de s’identifier à cet « artiste » ne peut que se laisser ravir par les beautés vantées par le narrateur. De plus, le paysage s’anime sous l’effet d’images fantastiques qui créent un effet de dramatisation : « inexplicables fantaisies » (l. 10-11), « spectre noir et décharné » (l. 11-12), « masses bleuâtres » (l. 13).

4 Repérer la structure d’une description 1. La description du château de Sigmaringen obéit à une logique de la fragmentation. Au lieu de donner à voir une représentation globale du lieu, le narrateur procède par touches successives en recourant au procédé de l’énumération. La description s’apparente à un puzzle que le lecteur doit reconstituer. L’élève peut en ce sens étudier la succession de phrases nominales qui mettent en évidence un thème (son, détail du château, environnement forestier…).

2. Il s’agit d’une description péjorative du château. Ce jugement de valeur est énoncé à travers le procédé de l’ironie (« Quel pittoresque séjour ! », l. 1 ; « le décor parfait », l. 2 ; « si jolie, fignolée », l. 6) mais aussi à travers la critique directe qui est sensible dans l’usage de certains termes comme « opérette » ou « carton-pâte ». La dévalorisation ou la dépréciation du lieu présenté comme un décor vise à mettre en valeur son caractère artificiel : tout n’est que comédie. Le texte joue sur le contraste entre la tragédie historique et la musique (« sopranos », « ténors », « orchestre », « opérette »). Le narrateur qui, d’un souffle, relate la déroute de l’armée allemande et la fuite des collaborateurs, dévoile une Histoire qui a perdu tout sens et dont la retranscription éclatée fait glisser dans le délire, l’onirisme et la vision grotesque.

5 Reconnaître la fonction d’une description 1. La description des ruines de Sagra est en mouvement : le narrateur-personnage découvre un nouveau paysage à mesure qu’il avance. L’élève peut relever en ce sens les verbes renvoyant à la marche : « j’avais marché de

longues heures » (l. 1-2), « je cherchais à deviner de loin » (l. 3-4), « je perçus » (l. 7).

2. Il s’agit d’une description subjective. Au lieu d’un tableau réaliste et objectif, ce passage correspond à la vision du narrateur. Les images auxquelles le jeune Aldo a recours peuvent être analysées dans cette perspective : « la silhouette brisée sur l’horizon plat » (l. 4-5), « le murmure surprenant d’un ruisseau » (l. 8). De plus, le narrateur fait état de ses interrogations au moment même où il se perd dans les alentours de la ville morte (« Pendant que je me perdais en conjectures », l. 5). La description qui suit le mouvement de découverte marque l’entrée dans un univers poétique et onirique marqué par l’étrangeté (apparition soudaine de la ville morte, solitude, vide, lieu indéfinissable…).

Fiche

⁄·

Les genres du théâtre  p. ›°‹

1 Identifier un genre théâtral Tragédie classique Andromaque de Racine Drame existentiel Caligula d’Albert Camus

Drame romantique Hernani de Victor Hugo Théâtre de l’absurde Oh les beaux jours de Samuel Beckett

2 Analyser la préface d’une comédie Molière donne une portée morale à la comédie. En déclarant qu’elle doit « corriger les hommes en les divertissant » (l. 1-2), le dramaturge s’inscrit dans la doctrine classique qui prétend « plaire et instruire » le public. La visée critique de la comédie est sensible dans cette préface : « corriger les hommes », « attaquer par des peintures ridicules », « décriât les hypocrites ».

3 Étudier une scène de comédie légère 1. Cette scène est un lieu commun de la comédie légère : – par des personnages-types : le nom Boubouroche peut indiquer le caractère tendre, naïf,

398 | Fiches


06/09/11 11:52

généreux du personnage principal qui va être victime de la jeune femme plus rusée (Adèle est une jeune veuve qui a fait de Boubouroche, un agent au service des Eaux, son ami et protecteur) ; – par la situation : le soupçon d’adultère ou de tromperie. L’intrigue s’ébauche à partir d’un trio de personnages (la femme, le mari ou l’ami, l’amant caché). Ce type de pièce joue de façon irrévérente et burlesque sur les codes moraux de la bourgeoisie ou de la petite bourgeoisie (mariage, argent). L’amant caché dans un buffet ou une armoire est l’un des ressorts du comique de situation dans ce type de théâtre ; – par la facilité langagière de pur divertissement : les échanges sont vifs et typiques de la comédie légère : chaque personnage rebondit sur les propos de l’autre, créant ainsi un rythme haletant (« Qu’est-ce que tu veux dire par là ? » / « Je veux dire que… », l. 15-16) ; – par la dimension de l’expressivité outrée : le comique de la scène tient au contraste des attitudes des personnages : d’un côté Boubouroche, nerveux et agité (didascalie : « entre comme un fou, descend en scène… ») et de l’autre Adèle, placide et jouant l’étonnement (« qui l’a suivi des yeux avec stupéfaction »). Colère versus surprise ou ingénuité feinte.

2. Le comique de cette scène repose sur la situation des personnages : Adèle trompe Boubouroche avec André qui reste caché. Le spectateur est complice de la tromperie dès lors qu’il connaît les tenants de la duperie. Piste : on pourra demander aux élèves de rechercher les lieux de représentation, à l’origine, de ce théâtre de boulevard (recherche Internet) ou d’expliquer l’étiquette « théâtre de boulevard ».

4 Étudier le genre du drame romantique 1. Alfred de Vigny reproche à la tragédie classique sa prévisibilité, autrement dit le fait que tout dénouement est en germe dès l’exposition de la pièce. Ce défaut de fabrication, selon Vigny, explique l’ennui que le spectateur ressent en attendant une chute annoncée en amont.

2. Le dramaturge défend un type de pièce en opposition au « système » de la tragédie classique (« Ce ne sera pas ainsi », l. 11). Il insiste sur la

vitalité de ce nouveau poème dramatique : les personnages sont assimilés à des espèces vivantes (« des existences entières », « créatures », « dans leur cœur »). À la différence de la tragédie classique, genre fondé sur le principe de la préméditation, le drame moderne sera, selon Vigny, l’œuvre des personnages. L’imprévisibilité du dénouement tient au fait que le dramaturge ne jette dans le cœur de ses personnages que « les germes de passions ».

5 Analyser une scène de drame existentiel 1. Les deux personnages défendent chacun une position en relation avec la perspective de tuer le grand-duc. Kaliayef ne supporte plus son statut de criminel et considère que le meurtre ne peut permettre de réparer une injustice. À l’opposé, Stepan ne s’intéresse qu’à la fin (« si justice est faite » l. 7-8) et non aux moyens. Plus précisément, Stepan est une figure de martyr dans la mesure où il ne donne aucune importance à sa propre personne (« Toi et moi ne sommes rien » l. 8-9). Selon lui, l’individu n’est qu’un moyen en vue d’une fin morale (la justice).

2. Cet extrait ressort du drame existentiel étant donné que les personnages échangent des propos philosophiques sur le bien fondé du sacrifice humain. C’est la notion même d’action, dans sa dimension problématique, qui est au cœur du dialogue et de l’interrogation des personnages. Les répliques mettent en évidence des idées fortes qui amènent le spectateur à réfléchir sur sa propre condition.

Fiche

¤‚

L’action  p. ›°∞

1 Analyser une scène d’exposition 1. Cette scène d’exposition est dynamique étant donné qu’il s’agit d’un début in medias res. Le dramaturge veut donner l’illusion d’un dialogue qui a déjà débuté lorsque le rideau se lève, comme le laisse entendre la formule initiale Fiches |


399

06/09/11 11:52

« mais encore une fois ». Le dynamisme de cette scène est également sensible dans les enchaînements de répliques : Silvia répète la fin de la réplique de Lisette pour lui répondre (« Le non n’est pas naturel » l. 9). Le ton est celui de la conversation, ce qui crée une proximité entre le spectateur et les acteurs.

2. Le spectateur assiste à un échange conflictuel entre Silvia et Lisette. L’exposition de la pièce montre ainsi un rapport de force entre un maître et son valet autour de l’épineuse question du mariage. Il semble surprenant que la servante exprime son point de vue avec autant de liberté, ce qui révèle qu’elle passe du simple rôle de confidente servile à l’expression d’une franchise parfois insolente (voir Arlequin et autres valets dans le théâtre du XVIIIe siècle). Mais une hiérarchie tend par moments à se dégager : c’est le cas surtout au tout début de l’extrait lorsque Silvia cherche à faire taire sa servante (« de quoi vous mêlez-vous »).

2 Analyser un dénouement Plusieurs indices montrent qu’il s’agit du dénouement : les didascalies stipulent que la lumière doit s’éteindre (« la lumière s’est éteinte », l. 2) et, au terme de l’extrait, la référence au rideau qui « se ferme doucement » est significative. Les indications scéniques précisent également que la pièce recommence : cet effet de miroir peut suggérer au spectateur que la pièce se termine.

3 Analyser la progression dramatique Ce dialogue entre une jeune femme et Madeleine est symptomatique d’une impossibilité de communiquer. Chaque fois que la jeune fille évoque une situation du passé, la vieille dame invalide le souvenir (par ses réponses lapidaires, « non », et ses gestes). Les informations contenues dans le discours de la jeune femme restent donc hypothétiques ce qui empêche toute progression dramatique.

4 Identifier le cadre de l’action Les didascalies informent le lecteur sur le cadre de l’action. Dans Ruy Blas, les indications sont précises : Hugo détaille sa description pour mettre en valeur la richesse de Dom Salluste (« salon de Danaé », « ameublement

magnifique »). Beckett, quant à lui, insiste sur le caractère épuré du décor. L’accent est mis sur l’activité du personnage.

5 Étudier la liaison d’un acte à l’autre Cet extrait d’Antony permet de saisir une des innovations du théâtre romantique : l’abandon de l’unité d’action. En effet, Dumas crée un effet de rupture entre l’acte III et l’acte IV en changeant radicalement de cadre et d’ambiance. Si la tension dramatique est à son comble à la fin de l’acte III, elle retombe dans l’acte IV : la violence du rapt a laissé place à la pesanteur d’une discussion de salon aristocratique. L’élève peut analyser le contraste entre les didascalies de l’acte III et celles de l’acte IV.

Fiche

¤⁄

La parole  p. ›°‡

1 Observer l’énonciation théâtrale 1. Dans l’extrait de L’Île des esclaves, les didascalies donnent des informations sur l’attitude d’Arlequin et le ton qu’il prend pour répondre à son maître. Son comportement désinvolte (boire à la bouteille, siffler) contraste avec le sérieux d’Iphicrate qui perd ainsi son autorité. Dans le texte 2, les didascalies sont plus étoffées : elles renseignent le lecteur sur le destinataire des propos de la Reine (« aux pages, au fond du théâtre », l. 1) et permettent surtout de donner à voir les sentiments de Ruy Blas (« joie profonde » l. 7, « il paraît comme en proie à un rêve » l. 7-8).

2. Dans ce dialogue, Arlequin parvient à faire dérailler la mécanique du pouvoir instituée par Iphicrate. Dans un premier temps, il fait entendre un propos ironique : « Ah ! je vous plains de tout mon cœur » (l. 1-2). Par la suite, il refuse d’entrer dans le jeu du dialogue en inventant un infra-langage : sifflements, chanson, rire. Il tourne ainsi en dérision les commentaires de son maître en faisant preuve d’une impertinence sans limite.

400 | Fiches


06/09/11 11:52

2 Étudier un monologue délibératif 1. On peut parler d’un monologue délibératif dans la mesure où Rodrigue énonce un choix définitif au terme d’une réflexion. Il examine dans un premier temps les raisons qui motivent la délibération puis agit par la parole (énoncé performatif : « Courons à la vengeance » l. 6).

2. Cet extrait n’est que le terme des stances de Rodrigue. Le personnage s’est longtemps plaint de sa situation avant de se résoudre à venger l’honneur de son père. La fin du monologue porte les traces du dilemme qui a précédé : « mon esprit s’était déçu » (l. 1), « je m’accuse déjà de trop de négligence » (l. 5). Le temps de l’hésitation et des doutes a laissé place au temps de l’action héroïque.

3 Étudier une tirade romantique Camille interpelle Perdican au moyens de plusieurs moyens rhétoriques : dès le début de sa tirade, elle pose une question oratoire qui annule la portée du discours du jeune homme (« Y croyez-vous, vous qui parlez ? » l. 3). Ensuite, elle reprend chacun des arguments de Perdican et les contredit. On peut analyser la construction syntaxique de deux phrases : « Vous avez pleuré […] mais » (l. 6) et « Vous faites votre métier […] ; vous ne croyez pas » (l. 10-12). Dans ces deux phrases, les arguments de Perdican sont tout d’abord présentés puis critiqués. Les images convoquées par Camille donnent une intensité et une force persuasive à son propos (eau des sources supérieure à l’eau des larmes).

4 Étudier un récit 1. Ce récit donne une vision subjective de la scène : Kaliayef met en valeur les éléments qui l’ont détourné de sa mission (phrase nominale : « Des enfants, des enfants surtout »). Plus loin, il revient sur ce qui l’avait pourtant conduit à agir : « les lanternes de la calèche ». Le récit de Kaliayef est donc une vision discontinue de la scène de tentative de meurtre.

2. Le personnage apparaît troublé comme le signale d’emblée la didascalie : « égaré ». Dans son discours, le bouleversement de Kaliayef se traduit par les points de suspension qui font entendre une intensité dramatique. Au terme du récit, l’émotion du personnage se traduit par

la figure de l’asyndète : les phrases se suivent sans lien de coordination ce qui donne une énergie dramatique au discours du militant.

Fiche

¤¤

Le personnage et son évolution  p. ›°·-›·‚

1 Reconnaître un personnage comique 1. Orgon correspond au type du « personnage à marotte » : obnubilé par Tartuffe, il en oublie toutes les affaires domestiques qui le concernent. La monomanie du maître de maison est sensible dans la reprise de la réplique « Et Tartuffe ? » qui ponctue le compte rendu de Dorine (comique de répétition). Dans Le Rire, Bergson montre qu’une situation devient comique à mesure que le corps humain manifeste un côté mécanique (« du mécanique plaqué sur du vivant »). Cet extrait du Tartuffe illustre bien ce principe : Orgon répète tel un automate une même réplique qui perd toute signification à force d’être prononcée.

2. Dorine est un personnage double dans cet extrait : si d’un côté, elle obéit à son maître en répondant précisément à son interrogatoire, elle n’en demeure pas moins impertinente et irrévérencieuse. Elle exagère le contraste entre « Madame » et Tartuffe pour donner à voir l’imposture de ce prétendu dévot. On peut à cet effet étudier la figure de l’antithèse qui structure les répliques de Dorine ou relever le procédé de l’ironie sensible par endroits (« Et fort dévotement, il mangea deux perdrix », l. 17).

2 Reconnaître un héros romantique 1. Ce monologue a deux fonctions principales : d’une part, décrire l’espace dans lequel se trouve le personnage : « Ces deux chambres communiquent entre elles… Oui mais de chaque côté la porte se ferme en dedans… » (l. 2-4). Il s’agit d’indications scéniques parfois nommées « didascalies internes ». D’autre part, ce monologue permet de percer à jour Antony qui révèle ses inquiétudes, plus largement ses sentiments. On peut à ce titre relever des termes et des signes de ponctuation dénotant l’expressivité du propos Fiches |


401

06/09/11 11:52

d’Antony (« Ah ! » répété à plusieurs reprises, « Malheur ! »).

2. Antony inspire au spectateur deux sentiments contradictoires : lors d’une première lecture, on peut être terrifié par ce personnage qui fait montre de violence et d’une agitation nerveuse (étude des didascalies : « il s’assied », « il se lève », « il s’assied », « il frappe la table de son poignard »). L’aspect effrayant du personnage se double néanmoins d’une sensibilité extrême qui se manifeste dans les moments où il se révèle vulnérable : « Je suis écrasé » (l. 8), « ils riront de l’insensé Antony » (l. 21). Le spectateur éprouve alors de la pitié pour cet être méprisé par la société.

3 Analyser la posture d’un personnage 1. Ce monologue constitue un autoportrait de Figaro. Le valet loue ses qualités en montrant qu’il ne doit son statut actuel qu’à son mérite personnel : « il m’a fallu plus de science et de calculs pour subsister seulement » (l. 7-8). À l’opposé, le comte Almaviva ne possède que des vertus aristocratiques, un rang social attribué à la naissance et non acquis grâce au travail (« Vous vous êtes donné la peine de naître », l. 4).

2. Le dramaturge suggère l’agitation du personnage à travers deux procédés : – la ponctuation expressive (points d’exclamation, d’interrogation et points de suspension) permet de faire entendre les fulminations tout autant que l’inquiétude du personnage ; – le commentaire faisant référence à la situation hors scène (« On vient… c’est elle… ce n’est personne », l. 9-10) suggère un déplacement du personnage.

4 Analyser les relations entre un maître et son valet 1. Dans cette tirade, Sganarelle défend la religion et tente de montrer à Dom Juan que Dieu est au fondement de la création humaine. Son plaidoyer en faveur de la chrétienté est néanmoins entaché de nombreuses maladresses qui témoignent de son statut de valet ; il se discrédite tout au long de sa réplique : « je n’ai point étudié comme vous… » (l. 9), « avec mon petit sens, mon petit jugement » (l. 11). La fin de sa

tirade marque également son impuissance à argumenter plus avant (« interrompez-moi donc, si vous voulez », l. 15-16).

2. Le silence de Dom Juan peut être interprété de plusieurs manières. On peut penser qu’il s’agit d’une stratégie rhétorique visant à humilier Sganarelle dont l’argumentaire perd ainsi tout crédit. Cette fin de non recevoir peut toutefois sembler ambiguë : Dom Juan aurait-il une difficulté à contredire le plaidoyer plein de bon sens de son adversaire ? Au metteur en scène de décider si cette réplique est un aveu de faiblesse ou le signe de la toute puissance de Dom Juan.

5 Étudier un couple dans le théâtre de l’absurde Ce dialogue entre Hamm et Clov révèle une absence de progression dramatique : Hamm tente de raviver la mémoire de son prétendu fils mais celui-ci nie les faits et refuse l’échange. Cet échange met à jour l’impuissance de Hamm à exercer un quelconque pouvoir sur Clov. Ce faux débat est progressivement contaminé par les jeux de mots qui traduisent l’inanité de l’échange (étudier notamment « Ma maison qui t’a servi de home » ou « Sans Hamm pas de home »).

6 Observer des personnages dans une scène de conflit 1. L’originalité de cette scène d’affrontement tient à l’absence de réel conflit entre les personnages. Le dialogue met en valeur les doutes et les interrogations de H1 et de H2. Le fond du problème entre les deux personnages n’est qu’évoqué subrepticement : « Il me semble que tu t’éloignes… tu ne fais plus jamais signe » (l. 5-6). La présence de modalisateurs (« je voudrais savoir », « il me semble que ») et de formules prudentes témoigne de la difficulté des personnages à énoncer clairement un grief.

2. Nathalie Sarraute a refusé de donner un nom précis à ses personnages pour éviter de leur donner des contours humains. Ce choix est à mettre en relation plus généralement avec le mouvement du Nouveau Roman (remise en cause des fondements esthétiques traditionnels, critique de la notion de personnage).

402 | Fiches


06/09/11 11:52

7 Étudier un personnage dans un drame existentiel 1. Inès et Maria donnent à entendre les deux dimensions de la figure tragique : d’une part la souffrance de celui qui réalise l’impasse dans laquelle il se trouve (« le malentendu » pour Maria) ; d’autre part, la lucidité qui se manifeste dans le discours d’élucidation d’Inès. Celle-ci découvre l’impasse dans laquelle les trois personnages sont maintenus (huis clos).

2. L’absurdité de la condition des personnages est due à l’écart entre une situation effroyable (l’enfermement dans Huis clos, le meurtre du frère dans Le Malentendu) et une prise de conscience des victimes de cette malédiction. La formule de Camus fait bien entendre l’impossible conciliation entre la parole humaine et le monde. Prolongement : Sur la notion d’absurde chez Camus, voir livre du professeur (Parcours de lecteur sur La Peste, Fiche de lecture 2).

Fiche

¤‹

Texte et représentation

 p. ›·¤-›·‹

1 Étudier les didascalies 1. Les didascalies de Victor Hugo informent le lecteur essentiellement sur le décor de la pièce : la « forêt mouillée » est décrite dans le texte 1, une rue dans le texte 2. La didascalie des Gueux précise également la présence d’un individu qui paraît faire écho au titre de la pièce : il est « en haillons, pieds nus, avec une sébile de mendiant ».

2. Les pièces de Victor Hugo écrites durant son exil ont été conçues pour la lecture exclusivement. En effet, son œuvre étant censurée en France, le dramaturge a conscience que son théâtre attendra pour être mis en scène (voir Florence Naugrette, Le Théâtre romantique, Seuil, « Point Essais », 2001, p. 281-285). Les didascalies de La Forêt mouillée et des Gueux témoignent de la dimension littéraire de ce « théâtre en liberté ». Le décor décrit par Hugo paraît difficilement transposable sur un plateau, à moins que le metteur en scène prenne le parti de ne pas s’en tenir à une représentation réaliste (pour le ruisseau, l’étang et l’âne notamment). Par ailleurs,

certaines indications peuvent interpeller le metteur en scène : le « philosophe » mentionné dans la didascalie des Gueux doit-il se comporter à la manière d’un philosophe (expression du visage, démarche…) ? Comment ce même personnage peut-il informer le spectateur du nom qu’il porte ? Enfin, on peut juger inutile la dernière phrase dans le cadre d’une représentation, sauf si le metteur en scène invente une manière de faire dire ce texte au personnage.

2 Insérer des didascalies dans un dialogue Dans cette scène de L’Amour médecin, il est possible d’ajouter des didascalies portant sur : – L’attitude et le ton des personnages : M. Tomès peut prendre un ton condescendant, avoir des gestes prévenants tout en gardant un air obséquieux. Sganarelle, sous le charme du médecin, peut avoir la bouche ouverte au moment où Tomès explique la maladie de sa fille. Lisette a une attitude irrévérencieuse et cherche à défier le médecin. – Les déplacements des personnages : Avant de s’exprimer, M. Tomès peut prendre un temps de pause en avançant d’un pas lent vers le milieu de scène. Puis il toise le public et les personnages présents sur scène. Sganarelle se tient immobile comme hypnotisé par l’aura du médecin. Lisette, en suivante impertinente, peut tourner autour de Tomès, telle la « mouche du coche ».

3 Étudier la fonction d’une didascalie 1. Les didascalies de Beckett sont très précises : le mamelon au sommet duquel trône Winnie est décrit de manière détaillée. Le dramaturge ne laisse pas de place à l’imagination du metteur en scène en opérant à la manière d’un architecte : « Pentes douces à gauche et à droite et côté avant-scène. Derrière, une chute plus abrupte au niveau de la scène ».

2. Ce décor est symbolique dans la mesure où le cadre forgé par le dramaturge ne renvoie pas à un lieu réel précis. Le milieu naturel est associé à un artifice : « la toile de fond en trompe-l’œil ». Cette association montre bien qu’il ne s’agit pas d’un décor réaliste. Le metteur en scène Peter Brook va jusqu’à employer le terme de « symbole » pour définir les décors créés par Beckett (« Les symboles de Beckett sont puissants Fiches |


403

06/09/11 11:52

justement parce que nous ne pouvons pas les saisir ; ce ne sont pas des panneaux indicateurs, ni des manuels, pas plus que des plans d’architecte – ce sont littéralement des créations », Peter Brook, Points de suspension, Seuil, Points Essais, p. 50).

3. Le choix de Bob Wilson peut sembler iconoclaste à première vue, surtout si l’on se réfère à la représentation canonique de Roger Blin (voir livre de l’élève, p. 194). Le metteur en scène invente un mamelon en dents de scie, ce qui peut paraître contradictoire. Toutefois, les didascalies de Beckett ne contredisent pas le parti pris de Wilson : on peut mentionner pour ce faire les expressions « chute abrupte », « lumière aveuglante » ou encore « enterrée jusqu’au dessus de la taille dans le mamelon ».

4 Réfléchir à la mise en scène d’un dénouement à partir d’une didascalie 1. Le dramaturge a choisi de terminer sa pièce par une longue didascalie pour montrer l’échec de la parole. Comme souvent dans le théâtre de l’absurde, le dénouement est marqué par une profusion d’indications scéniques qui signalent la défaite du langage (voir à ce propos le dénouement de Fin de partie de Samuel Beckett).

2. Ce dénouement met en évidence la disparition des personnages entourant le Roi ainsi que des objets. Le Roi et son trône sont évacués en dernier. Le titre évoque l’idée d’une mort progressive suggérée par ces disparitions successives.

5 Analyser un choix de mise en scène 1. Philippe Adrien met l’accent sur le mouvement pour définir le rôle du metteur en scène. Il refuse de penser le théâtre dans une dimension psychologique. Au lieu d’envisager le personnage comme le reflet d’une personne, il l’appréhende comme « un pion » (l. 3). La force comique des pièces de Feydeau tient alors à la mécanique des mouvements comme l’attestent les termes et expressions « position », « exactitude », « ordonnés à la perfection ». 2. Dans sa mise en scène, Philippe Adrien insiste sur la dimension chorégraphique : les personnages adoptent des postures figées qui

correspondent à l’aspiration d’une scénographie ordonnée prônée par Feydeau. Le comique naît de cette mécanique (voir Bergson, Le Rire).

6 Comprendre le parti pris d’un metteur en scène Claude Régy plaide pour une mise en scène dépouillée. À l’opposé d’un théâtre surchargé, il prône un art débarrassé de toute fioriture. Selon lui, le texte en lui-même est à même de susciter un espace dramatique. On peut souscrire ou non à ce point de vue en mettant en valeur les avantages et les inconvénients d’un théâtre strictement littéraire. Prolongement : Pour répondre à cette question, les élèves peuvent consulter avec profit un entretien avec le metteur en scène sur le site des Inrockuptibles (« Claude Régy ou l’éloge du vide ») : www.lesinrocks.com/actualite/ actu-article/t/43063/date/2010-03-06/article/ claude-regy-ou-leloge-du-vide/.

7 Analyser le discours d’un dramaturge 1. Les deux principaux griefs de Jean Genet concernent la scénographie et les costumes des comédiens. Il condamne l’idée d’un « plateau tournant » et rappelle que son intention était de proposer plusieurs tableaux – il fait ici allusion aux didascalies de la pièce. Dans le second paragraphe, il insiste sur la visée politique de sa pièce. Les costumes doivent évoquer une situation sociale contemporaine et non constituer une énigme pour le public (« Que les costumes soient expressifs et non méconnaissables » l. 13).

2. Les élèves peuvent donner leur avis sur l’implication du dramaturge dans le travail du metteur en scène. Cette opinion dépend du statut que l’on accorde au metteur en scène : le dramaturge a-t-il tout pouvoir sur sa pièce ? Comment la relation entre un metteur en scène et l’auteur de la pièce peut-il s’avérer fructueux ?

8 Étudier le travail de l’acteur 1. Denis Podalydès distingue deux temps de la vie d’un acteur : le moment de la « répétition » et l’instant du « jeu ». À l’opposé d’une

404 | Fiches


06/09/11 11:52

représentation traditionnelle du jeu d’acteur (génie de l’improvisation), Podalydès plonge le lecteur dans les arcanes du « travail » de l’acteur. Ce caractère artisanal est suggéré par les expressions suivantes : « travail poussé jusqu’à l’ingratitude » (l. 6-7), « l’ampleur de notre tâche » (l. 11), « temps de recherche passionnée » (l. 13-14), « émois intellectuels » (l. 14-15).

2. L’adage latin « ars est celare artem » (l’art c’est de cacher l’art) s’applique parfaitement au travail de l’acteur présenté par Denis Podalydès. En effet, ce texte extrait de Scène de la vie d’acteur met en avant les différentes étapes menant à « l’acquisition d’un rôle », autrement dit au gommage des traces expérimentales énumérées entre la ligne 4 et la ligne 13. La perfection résulte de tout un travail intellectuel, période de bouillonnement durant laquelle l’acteur passe par des hauts et des bas (« les idées folles » l. 8 / « le vide absolu » l. 9).

Fiche

¤›

La versification du XVIe siècle à nos jours  p. ›·∞

1 Identifier un mètre et ses effets 1. Texte A : la strophe est un quatrain formé de décasyllabes. Texte B : la strophe est un quatrain formé d’alexandrins. 2. Le décasyllabe du texte A permet un jeu sur le rythme, les coupes de plus en plus nombreuses impriment au vers une vitesse qui fait écho à la description, sujet du la strophe. A contrario, l’alexandrin du texte B imprime un rythme lent qui entre en résonance avec la description des lions et de leur attente.

2 Identifier l’effet du mètre et des sonorités 1. Ce type de strophe est un quintil, le mètre utilisé est l’octosyllabe. Le texte B est également formé d’octosyllabes.

2. Texte A : La sonorité dominante est celle du son [o] plus ou moins ouvert suivant ses occurrences et qui fait le lien entre l’apostrophe « Mignonne » en début de poème et le mot « rose ». On peut également noter le jeu sur cette assonance et ses variantes avec les deux occurrences du mot « robe », les mots « soleil » et « vôtre ». On distingue trois rimes différentes, les mots « rose » et « pareil » mis en valeur à la rime, encadrent l’extrait et permettent de tisser un réseau de significations qui associe de manière continue la femme et la fleur. Texte B : Une assonance en [o] domine aussi dans cet extrait : « oh », « solitude », « beaux », « aux » ainsi que sa variante nasalisée [˜ɔ] : « monde », « content ». Les nasales [n] et [m] sont également très présentes : « j’aime », « nuit », « éloignés », « monde », « nativité », « premiers ». Elles apparaissent aussi dans la nasalisation de plusieurs voyelles : « content », « inquiétude », temps », « encore ». Ces sonorités contribuent à créer des échos sonores, les mots « solitude » et « univers » qui encadrent également cet extrait construisent un réseau de signification reliant le particulier et l’universel.

3 Décrire en poésie : comparer deux extraits de poème 1. Le texte A est un poème en vers rimés, tandis que, dans le texte B, ce sont les blancs qui permettent d’identifier les lignes comme des vers, il n’y a, en revanche, pas d’effet de rime systématique. Les deux poèmes sont des descriptions, chez Hugo, la nature est animée de personnages qui sont le sujet essentiel de la description, chez Follain, au contraire, la nature est désertée.

2. C’est un sentiment de suspension du temps qui domine chez Hugo, comme le signifie le dernier vers. Chez Follain en revanche, l’idée du temps qui passe et de sa lenteur domine.

4 Analyser la musicalité d’un poème 1. à 3. Le poème se construit sur un lien entre la poésie et les rimes. Ainsi, toutes les rimes du poème sont des variations, des jeux de mots, des holorimes sur le mot « rime » lui-même (« mari m’aille » / « ma rimaille », « rimassez » / « rime assez » ou des inventions verbales comiques (« je m’enrime »). Fiches |


405

06/09/11 11:52

Fiche

¤∞

Les formes poétiques du XVIe siècle à nos jours  p. ›·°-›··

3. La forme (vers court, rythme rapide, reprise d’un refrain) donne au poème sa légèreté caractéristique du sentiment amoureux, sujet du poème.

1 Identifier les caractéristiques d’un sonnet 1. Le sonnet traite de la relation du poète à un

3 Repérer les caractéristiques d’une forme fixe 1. Ce poème est un portrait mélioratif d’une

passé imaginaire, source d’inspiration.

partie du corps de la femme aimée (on relève à l’appui de cette affirmation les termes « doux », « délicieux », « gracieux », « admire », « Dieux », « douce », « merveille »).

2. Le poème est formé de deux quatrains qui décrivent le décor à partir duquel se développe la rêverie. Les deux tercets développent une description plus précise du poète. 3. Les vers sont des alexandrins. Il s’agit d’un sonnet rimé de la manière suivante : abba/ baab/cdd/cee. La solennité de l’alexandrin, son classicisme entrent en résonance avec la description d’une Antiquité rêvée mêlée d’orientalisme développée tout au long du poème (« portiques », « grands piliers », « esclaves nus »). Pour les rimes, les sons vocaliques graves alternent avec des sons plus aigus de manière régulière. 4. La chute est dans le dernier vers qui énonce un paradoxe temporel : « Le secret douloureux » peut être celui d’une « vie antérieure », objet même du poème. L’interprétation de ce que serait cette « vie antérieure » est le poème, vécu comme une nostalgie d’un temps révolu auquel le poète n’a pu appartenir.

2. Ce poème se développe à partir de l’anaphore du mot « bouche » et égrène les caractéristiques de cette partie du visage. Ainsi, chaque vers se présente comme un groupe nominal dont le noyau est toujours le même terme, créant ainsi peu à peu une définition. 3. Le dernier vers fait apparaître le « je » du poète, qui exprime alors son désir. Le poème n’est plus simplement une description mais se transforme en déclaration d’amour.

4 Identifier une forme poétique fixe et ses effets 1. Au vers 7, Musset donne la clé d’interprétation de son poème : « Avec soin de mes vers lisez les premiers mots ». Le message caché est donc : « Quand voulez-vous que je couche avec vous ? »

2. Ces deux textes sont des acrostiches, puisque la réponse de George Sand, construite de la même manière que Musset, est « Cette Nuit ».

2 Comprendre le choix d’une forme fixe 1. L’anaphore « Dedans Paris » encadre le

3. Le registre des deux poèmes apparaît lyrique alors que les messages cachés sont en réalité très crus.

poème et cette expression, répétée trois fois, lui donne ses seuls vers en rimes masculines (v. 9 et v. 15), toutes les autres sont des rimes féminines. De même les vers 9 et 15, formés de 4 syllabes se distinguent de tous les autres vers qui sont des octosyllabes. Le rythme du poème, vif, scandé par une expression récurrente, est léger, quasi-sautillant.

4. Le décalage entre la tonalité apparente et celle sous-jacente produit un effet comique.

2. Ce poème peut-être considéré comme un rondeau, un même vers est repris dans chacune des strophes.

5 Repérer le registre dans une forme fixe 1. Comme dans un pantoum, le poème est composé de quatre quatrains. Se retrouvent les mêmes vers placés de manière différente suivant les quatrains (exemple : v. 3 repris par v. 5 ; v. 4 repris par v. 9 ; v. 8 repris par v. 14).

406 | Fiches


06/09/11 11:52

2. Le registre du texte est comique, inspiré manifestement de comptines et de chansons enfantines mêlées à un ton plus égrillard : « ma cousine est blonde, elle a nom Ursule », « Dodo, l’enfant do, chantez, doux fuseaux », « Trois petites pâtés, ma chemise brûle ». 3. La forme générale du poème ressemble à celle du pantoum, néanmoins, les règles précises d’organisation et de reprises de vers ne sont pas respectées.

6 Identifier une forme fixe 1. Le vers 1 est repris au vers 7, le vers 2 est repris au vers 8. Les rimes sont identiques dans les deux strophes au niveau des sons, elles sont embrassées dans la première strophe et croisées dans la seconde. Le son [˜ε] est particulièrement présent (« temps », « manteau », « vent » – ces trois termes sont répétés au début et à la fin de l’extrait, « luisant », « Qu’en », « chante »). 2. La son nasalisé [˜ε] donne sa tonalité languide à la ballade, mais l’apparition de sons vocaliques dans les vers 3, 4 notamment les sons [o] et [ε] en modifie l’effet. Le poème joue sur ces effets sonores pour rendre compte du passage lent et hésitant de l’hiver au printemps.

7 Comparer deux madrigaux 1. Les deux poèmes ont tous deux une tonalité lyrique, ils associent la femme aimée et la nature, et visent à exprimer leur amour.

2. Chateaubriand associe la vision du sourire de la femme à un bonheur qui l’extrait de son sentiment de solitude et d’abandon. Chez Baudelaire, inversement, la tristesse de la femme avive l’amour du poète. 3. Le titre de « Madrigal triste » s’apparente à un oxymore. En effet, le madrigal est un poème censé complimenter la femme aimée, or ce compliment chez Baudelaire est rendu plus intense par la contemplation de la femme attristée par le souvenir : « Quand sur ton présent se déploie / Le nuage affreux du passé ». La comparaison de ces deux madrigaux met en lumière les différences entre le romantisme de Chateaubriand et l’esthétique baudelairienne.

8 Analyser une forme poétique 1. Le sujet du poème peut être, comme le titre l’indique, le voyage qui manifeste spatialement un éloignement sentimental, une rupture : « Et toi tu m’avais oublié ».

2. Ont disparu du poème le mètre fixe, la rime, la ponctuation qui permet de scander le vers. 3. Les blancs sur la page, le caractère fragmentaire et non lié des notations, l’absence de ponctuation, la présence de majuscule au début de chaque ligne sont autant d’indices qui permettent d’identifier ce texte comme un extrait de poème.

9 Identifier les effets du jeu avec les mots 1. Le texte joue sur l’identification entre un processus physique « maigrir » et une déformation du langage, de type populaire.

2. On remarque essentiellement l’orthographe phonétique et fantaisiste de nombre de mots, un jeu de mots sur « coq-six ». 3. Il s’agit d’un registre comique où se mêlent invention orthographique et effet de ritournelle.

Fiche

¤§

Poèmes en prose et prose poétique  p. ∞‚⁄-∞‚¤

1 Identifier un poème en prose 1. Les personnages de ce poème sont ceux des contes pour enfants (« les petits charbonniers de la Forêt-Noire », « les enfants fourvoyés », « la troupe de voleur », « l’ogresse »).

2. Le poème est organisé en paragraphes qui se développent à partir de l’anaphore « Ils plaignent ». Chacun des paragraphes fonctionne comme une unité de sens mais tous renvoient à une même idée de peur et de danger. 3. La dernière phrase commence par l’indication de temps « Et le lendemain », elle marque donc une clôture par rapport aux paragraphes précédents. Elle est en outre la seule phrase Fiches |


407

06/09/11 11:52

employant le passé simple et l’imparfait. Par son sens, elle exprime aussi la fin de l’histoire des « petits charbonniers » amorcée dans le premier paragraphe.

question. On reviendra ainsi sur les réponses précédentes et on pourra également mettre en lumière les effets de sons et de rythme présents dans cette description.

2 Comprendre l’importance des images et de la syntaxe dans le travail poétique 1. L’image est celle du volet dont les battants

4 Comprendre la portée symbolique d’une description poétique 1. Le perroquet est le seul animal qui peut repro-

ressemblent à des ailes d’oiseaux. Il s’agit d’une métaphore exprimée par les mots « c’est un drôle d’oiseau qu’un volet ».

2. La symétrie, la prise au vent sont les qualités que partagent le volet et les ailes d’oiseau. La sensation qui domine le poème est le caractère sonore du volet (« crie », « retentir », « cris », « coups », « vlan », « silence »). La vue est également un des sens convoqués ainsi que le toucher à travers les fréquentes références à la violence des coups portés par le volet (« s’assomme », « battoir », « cloué », « battre », « s’assommer », « bataille »). 3. « Et crie » doit être mis en relation avec son homophone « écrit » qui traduit le bruit du volet simultané au travail du poète. 4. Le poète exprime de manière humoristique son impossibilité à poursuivre son travail d’écriture face à un objet immobile et muet qui ne lui fournit plus d’éléments à décrire.

3 Repérer le jeu sur le langage dans le texte poétique 1. Le porc est lourd, occupé uniquement à sentir ce qui l’entoure et se nourrir. Il est décrit comme un animal dont le plaisir essentiel réside dans ces activités et dans la jouissance de la saleté.

2. et 3. La figure dominante est l’énumération (exemple : « c’est une jouissance profonde, solitaire, consciente, intégrale », v. 9-10) qui traduit le caractère goulu, insatiable du porc. Le lecteur se trouve en quelque sorte submergé par l’accumulation d’adjectifs et de verbes qui décrivent les activités de l’animal, le texte produit un effet semblable à celui qui peut être éprouvé face au porc. 4. La différenciation entre sujet et traitement littéraire pourra être mise en lumière avec cette

duire le langage humain. La première phrase y fait référence ainsi que la dernière.

2. L’animal est enfermé dans une maison : « sur le palier près de la lucarne », « la porte du couloir ». Il symbolise l’absence de liberté, l’animal a été sorti de son milieu naturel, il est maintenant prisonnier de la civilisation qui le rend malade. 3. « Homme à la lampe que lui veux-tu ? », « le pollen gâté de la paupière », «comme un anneau de sève morte », « plume malade ».

5 Comprendre l’insertion d’un fragment de prose poétique dans un récit 1. La description est organisée de manière spatiale : sont d’abord décrits les parties les plus hautes et éloignées du paysage puis ce qui se situe « au-dessous ». Le dernier paragraphe est une description de la partie la plus proche de la mer et de l’œil de l’observateur, la ville et de ses habitants.

2. On note des hyperboles nombreuses associées fréquemment à des comparaisons (« le sommet fend les nues et va toucher les astres », « tombent, comme des torrents », « paraissent aussi vieux que la terre », « semble nager au-dessus des eaux »). Il s’agit de présenter un pays idyllique, utopique, où règne harmonie et richesse. 3. Un premier élément de réponse est donné par le paratexte : le titre du récit dont est tiré l’extrait. On peut faire remarquer également que la description est orientée par un point de vue identifiable comme celui d’un narrateur. Enfin, on note que le texte est une description organisée d’un paysage, cadre dans lequel une narration peut se développer.

408 | Fiches


06/09/11 11:52

6 Repérer les indices de poéticité dans une description 1. Hugo compare le rêve à une plongée dans le monde marin : « Le rêve est l’aquarium de la nuit ».

2. Le rêve est présenté comme un espace étrange, inquiétant, peuplé de fantômes, de créatures et de végétaux difficilement identifiables. (« vivants indistincts de l’espace », « création fantôme », « spectrale », « animalités étranges », « végétations extraordinaires », « lividités terribles », « masques », « confusions », « obscures décompositions du prodige »). Le paragraphe est composé pour sa majeure partie d’une phrase excessivement longue, qui accumule les visions étranges, créant ainsi un effet de submersion pour le lecteur.

b. Métaphore : les cheveux sont blonds, semblables à l’or, les yeux bleus semblables au ciel, les chairs délicates comme les pétales de la fleur. c. Métaphore qui relie le sentiment d’ivresse à la toute puissance poétique. d. Métaphore (« chœur des rainettes ») puis comparaison (« pareil à »). e. Métaphore basée sur deux expressions figées remotivées dans ce contexte : « avoir le cœur sur la main », « être dans la lune ». f. Métaphore : le nuage est assimilé à un chien. g. Métaphore basée sur un paradoxe. h. Métaphore ou personnification puisque sont associées à des caractéristiques physiques de l’animal (les antennes, le mouvement) des qualités psychologiques (la circonspection).

3. Le temps utilisé est le présent. Mais la dernière phrase à l’imparfait montre que cette description fait partie d’un récit. Le présent de la description généralise le propos.

2. a. comparé : fleur ; outil de comparaison : « ainsi qu’ » ; comparant : encensoir. d. comparé : le chœur ; outil de comparaison : « pareil à » ; comparants : « élocution puérile », « plaintive récitation », « ébullition de voyelles ».

7 Identifier une description poétique et repérer des images 2. L’énumération domine dans cette seconde

2 Comprendre les métaphores dans un poème 1. Les deux métaphores sont d’une part celle de

phrase, les groupes nominaux se développent avec des expansions multiples systématiques (adjectifs, compléments du nom, propositions subordonnées relatives) qui contribuent, par l’insistance sur les sensations éprouvées par le narrateur, à donner une tonalité lyrique au passage.

3. L’image qui se met en place peu à peu est celle de la nature morte, les objets sont décrits les uns après les autres, de manière précise (voir réponse à la question 2) découvrant au fur et à mesure l’image finale.

Fiche

¤‡

la représentation mathématique du plan : « en abscisse », « en ordonnée », d’autre part, celle du jeu d’échec (« le Fou », « La Reine », « La Tour »).

2. Cette partie du poème est constitué uniquement de phrases nominales, brèves, qui confèrent au poème un rythme haché. Les figures sont essentiellement des métaphores exprimant le caractère destructeur de la mère pour l’enfant et la violence de leur relation. 3. Jacques Dupin décrit ici une relation à la mère qui est asservissement de l’enfant et manipulation de la mère. Nous sommes très loin des représentations traditionnelles et affectivement rassurantes de la mère.

Le langage poétique  p. ∞‚∞-∞‚‡

1 Identifier et interpréter 1. a. Comparaison : « ainsi qu’ ». La fleur dégage un parfum comme le fait l’encensoir.

3 Identifier métaphores filées et allégories 1. Dans le premier extrait, Du Bellay regrette sa jeunesse et l’inspiration que les Muses lui apportaient et qui semble l’avoir quitté (« Où sont ces doux plaisirs qu’au soir sous la nuit brune / Fiches |


409

06/09/11 11:52

Les Muses me donnaient »). Dans le second, Malherbe fait l’éloge du roi et se félicite d’être le poète qui chante ses louanges (« qu’en de si beaux faits vous m’ayez pour témoin »).

2. Le premier texte se développe à partir de deux métaphores filées, le second à partir d’une allégorie (« l’hydre de la France »).

4 Identifier les figures d’analogie dans un poème 1. « Le » dans le premier vers est un pronom qui remplace le mot « courroux ». « Les étincelles » est donc une métaphore, « Vienne » est une métonymie (Le Saint-Empire Germanique où règne la dynastie autrichienne des Habsbourg), de même que « Rome », métonymie pour le Vatican. Ces métonymies sont associées à des personnifications (Vienne est « irrité », Rome « ouvre une carrière »).

2. La Fontaine fait allusion à la rivalité, au niveau économique notamment, qui oppose à cette période Léopold Ier et Louis XIV. La référence à Rome semble être liée à l’attentat visant l’ambassadeur de France en 1662 à Rome. À la suite de cette tentative, Louis XIV fait annexer Avignon, qui appartenait au Vatican, au royaume de France. Avignon sera rendu au Pape Alexandre VII en 1664.

5 Identifier les figures d’analogie dans un poème 1. Apollon est le dieu grec de la poésie notamment. Les Muses, sous les ordres d’Apollon, transmettent au poète l’inspiration venue du dieu. Ils symbolisent donc la poésie et l’inspiration.

2. Apollon « me servit en ce monde de guide » : cette métaphore permet de présenter le poète comme un élu du dieu qui le conduit à son destin. « De science et d’honneur amoureux » : l’opposition entre les noms « science » et « honneur », et l’adjectif « amoureux », fait également image. Une dernière métaphore alliant le concret et l’abstrait clôt le poème : « des poignants aiguillons de sa Divinité ».

6 Identifier le jeu des métaphores et de la mise en page dans un poème 1. Le deuxième haïku apparaît comme la suite et la conséquence du premier : la répétition de l’expression « fermer les yeux » fait le lien entre les deux poèmes.

2. Les deux haïkus jouent sur un paradoxe : il faut fermer les yeux pour véritablement sentir la rose et expérimenter « son essence », mais les haïkus sont fondés sur une utilisation particulière de l’espace de la page, le regard est donc déterminant dans l’expérience poétique de lecture. Le sens convoqué par le contenu du poème, l’odorat, est également de manière paradoxale celui qui fait défaut dans la lecture. 3. Dans le premier haïku, le rejet du mot « odeur » à gauche de la page a une valeur performative, l’odeur est graphiquement éloignée du processus décrit à droite de la page, comme si la lecture de la partie droite devait ensuite renvoyer au mot de gauche. Dans le second haïku, le « Nous » est scindé, le « N » majuscule fait alors écho à la majuscule de « Rose ». À noter que la première édition de ce livre de Claudel est calligraphiée, à l’encre de Chine, et joue sur le graphisme même des lettres, ce qui ne peut apparaître dans cette version imprimée.

7 Identifier et analyser la musicalité d’un poème 1. Le poème est composé de vers de 6 syllabes composant ainsi par deux, un alexandrin. Le découpage syntaxique corrobore cette analyse dans les deux premières strophes où chaque phrase se poursuit sur deux vers. On remarque la répétition de mot « cœur » dans chacune des strophes parfois à plusieurs reprises y compris dans la paronomase « écœure », ainsi que la reprise de la préposition « sans » dans les expressions « sans raison », « sans amour », « sans haine ». Se développe également un réseau d’allitérations liquides en « l » qui entre en résonance avec le thème du poème, ainsi également de voyelles nasalisées et de nasales (dans la première strophe par exemple, on peut relever : « dans », « mon », « langueur », « pénètre »).

410 | Fiches


06/09/11 11:52

2. Les répétitions de mots et de sons ainsi que le rythme particulier de ce poème concourent à produire un effet de litanie, une tonalité mélancolique qui s’accorde avec le sujet du poème.

8 Comprendre la musicalité du poème 1. Chaque phrase du premier paragraphe peut se décomposer respectivement en deux alexandrins.

2. La répétition du mot « pleurer » et donc des sons qui le constituent caractérise le premier paragraphe ainsi que l’assonance en [wa], que l’on peut rapprocher de celle en [a]. Dans le second paragraphe, ce sont alors les mots « pieuvre », « houle », « sentimentale » qui entrent en résonance avec ceux du premier. 3. Les phrases en italiques, semblables à des didascalies, le rythme du premier paragraphe permettent de rapprocher cet extrait du genre théâtral. Néanmoins, cette assimilation est contrecarrée par le contenu du second paragraphe, et montre ainsi comment Ponge joue des divers codes génériques, les mêle, les pastiche.

9 Identifier le jeu sur le langage et les sonorités 1. Ce poème décrit un bonbon en train de se faire manger par une personne (« montagnes » : dents, chaleur de la bouche, dents qui broient le bonbon, « porte » : bouche ou fond de la gorge).

2. « Je » est donc le bonbon, il s’agit d’une personnification. Le poème est intégralement motivé par le mot « bonbon » fait de deux syllabes identiques et qui permet un développement par assimilation de l’objet au nombre d’éléments identiques dont il est constitué (cinq doigts, un nez, trente deux dents, deux lèvres).

10 Comprendre l’usage des images dans la poésie contemporaine 1. Ce texte peut faire penser à un dialogue théâtral mais la différence réside dans la narration des paroles rapportées indirectement de ce fait.

2. Les répétitions de mots brouillent la compréhension notamment par l’utilisation systématique au début du passage de la négation et de la réponse qui suit, négative elle-même. S’en suit

un doute que la phrase « Tu me dis est ce que tu me dis non ou oui » formule pour le lecteur. Le mot qui clôt le poème est « oui » et semble invalider la série de négations ou de doutes exprimés dans les phrases précédentes. Il fait également référence à la fin de Ulysse de James Joyce où le dernier chapitre, monologue de la femme du personnage principal est ponctué de « oui », jusqu’à la dernière phrase, identique à celle de l’extrait.

3. « Pour cette page tu dis » : La page est identifiée ici comme le lieu d’un dialogue qui n’aurait d’existence de ce fait que par l’écriture, et ne renvoie à aucune réalité concrète.

11 Identifier et analyser un poème en prose 1. L’anaphore du son [j] court tout au long du poème (« abbaye », « murailles », « grouillant », « feuilles », « rayons », « cierges », « réveil »), ainsi que des nasales sous forme de voyelles nasalisées souvent (pour le premier et le second paragraphe , on peut relever les termes suivants : « nuit », « raconte », « sentier », « Morimont », « funèbres » – deux fois –, « frissonnait », « ramée », « bourdonnantes », « pénitent », « noirs », « accompagnent », « criminel »).

2. On relève les images suivantes : « la barre du bourreau », « la foule s’était écoulée ». 3. Le poème commence par une indication temporelle « Il était nuit » et se termine en indiquant le statut de la vision : un rêve. L’écriture permet la construction et la mise en narration d’un espace par essence imaginaire. 4. « Cris plaintifs », « rires féroces », « supplice », « une jeune fille […] pendue », « barre du bourreau ».

12 Identifier et analyser un poème en prose 1. Le sujet du poème est une description du processus mental qui aboutit à l’écriture du poème.

2. Une partie du poème (v. 3 à 8) est une description des hallucinations du poète vécues comme des réalités. L’ensemble du poème peut cependant être lu comme le récit d’une évolution du poète et la transformation du processus d’écriture en « alchimie ». Fiches |


411

06/09/11 11:52

3. On peut remarquer une organisation en paragraphes avec une forte présence du « je », des phrases exclamatives, une énumération (v. 3 à 8), des images, des comparaisons inattendues (v. 11 à 15), autant d’éléments qui signent le poème en prose.

13 Identifier les effets sonores et stylistiques dans la prose poétique 1. « La Chartreuse » et « douceur stendhalienne » font référence au roman de Stendhal La Chartreuse de Parme.

2. « Parme », « lisse », « compact(e) », « mauve » et « douce » sont les mots répétés dans cet extrait associés également aux mots « douceur » et « violettes ». Le narrateur développe une rêverie fondée sur une référence littéraire et sur la polysémie du mot « Parme », à la fois nom de ville et couleur. Les répétitions ont valeur d’insistance et accentuent l’impression de rêverie qui domine le passage.

3. L’auteur a recours au raisonnement par analogie, la thèse adverse n’est pas prouvée, la thèse de Rousseau en conséquence, qui n’est pas prouvée non plus, n’a pas moins de validité. 4. L’argumentation se rapproche de la persuasion par ses procédés : présence du « je », interpellation du destinataire en terme affectifs « mon ami », lexique du sentiment : « témoignage intérieur », « sentiment », « trouvons en nousmêmes », métaphore filée du regard : « Nous reverrons ces mêmes objets aux lumières de la raison ».

2 Identifier un type d’argumentation et repérer le mode de raisonnement 1. L’œuvre d’art paraît réaliste précisément lorsqu’elle s’éloigne de la réalité, lorsqu’elle en exagère les caractéristiques.

2. Dans le deuxième paragraphe, l’auteur fait appel au raisonnement par l’absurde : « il faudrait alors un volume au moins par journée ». 3. Maupassant cherche ici à démontrer un point de vue et présente des arguments objectifs.

Fiche

¤°

Stratégies argumentatives et modes de raisonnement  p. ∞⁄‚-∞⁄⁄

1 Identifier un type d’argumentation et repérer des modes de raisonnement 1. Rousseau pense que la conscience de l’homme est une conséquence de sa nature intrinsèque. Pour lui, la raison n’intervient pas dans notre conscience. Un de ses arguments est d’écouter la conscience elle-même « qui dépose pour ellemême », l’autre est de montrer que le détour par le raisonnement amène à une conclusion et un jugement similaire à celui qui s’est imposé naturellement à notre conscience.

2. La thèse adverse est présentée à partir de la ligne 5 : « Puisque ceux qui nient ce principe admis et reconnu par tout le genre humain ne prouvent pont qu’il n’existe pas… ». La thèse est réfutée car elle n’est pas prouvée.

3 Repérer des arguments opposés et identifier des procédés stylistiques 1. La thèse est énoncée dans la deuxième phrase du premier paragraphe.

2. L’argument est présenté de manière implicite au début du second paragraphe : « Les nègres […] esclaves par le droit de la guerre » : l’argument est que les vainqueurs pourraient s’arroger le droit de faire de leurs prisonniers des esclaves. Un argument opposé est présenté clairement dans la phrase « Les hommes et leur liberté ne sont point objet de commerce ». 3. La volonté de convaincre apparaît grâce à l’utilisation de liens logiques nombreux qui appuient la démonstration « donc » (3 fois), « il faut conclure », « puisqu’ », « par conséquent ». On remarque également un raisonnement de type hypothético-déductif dans le deuxième paragraphe, des raisonnements de type déductif dans les paragraphes suivants. 4. Ligne 13 : « Les rois, les princes, les magistrats ne sont point les propriétaires de leurs sujets,

412 | Fiches


06/09/11 11:52

ils ne sont donc pas en droit de disposer de leur liberté, et de les vendre pour esclaves ».

2. L’hésitation du personnage se manifeste grâce aux phrases de type interrogatif et aux affirmations contraires énoncées dans la même tirade.

4 Repérer les procédés de la persuasion 1. La présence du locuteur se manifeste par l’uti-

3. « D’un côté », « D’un autre », « D’une autre part ». Perdican trouve les manières de Camille trop « brusques », néanmoins il la trouve « jolie ».

lisation du « je ».

2. Octave dresse un portrait péjoratif de luimême : « Je ne sais point aimer », « débauché sans cœur », « ivresse passagère d’un songe », « je ne sais pas les secrets qu’il savait », « masque d’un histrion », « lâche ». Coelio est en revanche présenté comme celui qui « savait verser dans une autre âme toutes les sources de bonheur », capable de « dévouement », lui aurait « consacré sa vie entière à la femme qu’il aimait ». 3. Le registre du texte est pathétique, Octave se dénigre et pleure Coelio. Le lexique du sentiment très présent participe de la persuasion.

5 Identifier et caractériser un mode de persuasion 1. Le thème traité est celui de l’esclavage. La thèse principale de Condorcet est que la couleur de la peau est ce qui a permis l’assimilation des hommes noirs à des sous-hommes et a donc légitimé l’esclavage.

2. Cet extrait est formé de quatre phrases, la figure d’insistance est l’énumération. 3. Le champ lexical dominant est celui du commerce (« vente », « marchés », « rapportent », « propriété », « profit »). Un autre est celui de la violence (« arracher », « violence », « coups », « arracher », « insultes », « barbarie »). 4. « L’Américain oublie que les nègres sont des hommes. »

4. Le personnage paraît incohérent parce qu’il se contredit mais également parce que son discours manque totalement de logique, les phrases se suivent, sans lien. 5. Perdican se montre obsédé par l’image de Camille, incapable de poursuivre une idée, il est manifestement amoureux de la jeune fille.

7 Identifier les procédés de la délibération 1. Bérénice se demande si elle doit disparaître afin de ne plus revoir Titus et souffrir.

2. Lignes 1 à 8 : Bérénice songe à disparaître. Lignes 9 à 16 : elle ne peut imaginer ne plus voir Titus. Le mot charnière est « adieu » (l. 8). 3. Dans la deuxième partie de la tirade, les phrases exclamatives et interrogatives sont le signe de l’émotion du personnage et de son désarroi. 4. Titus est qualifié de « cruel » dès le début de la tirade ainsi que d’« infidèle ». Le paradoxe réside dans la passion qui anime le personnage de Bérénice alors que Titus la fait souffrir.

Fiche

¤·

L’essai  p. ∞⁄‹

5. « Voilà comme nous traitons d’autres hommes ! » (l. 15-16) : la phrase exclamative montre l’indignation de l’auteur.

1 Repérer le caractère délibératif de l’essai 1. Les connecteurs logiques et temporels nom-

6 Identifier les procédés de la délibération 1. Perdican délibère pour savoir s’il est ou non

breux et les parallélismes syntaxiques démontrent le caractère labile de la personnalité de Montaigne (l. 7 « lorsque », l. 10 « mais », l. 12 « maintenant », l. 14 « aujourd’hui » / l. 15 « une autre fois » ; « ou bien » l. 17, « une autre fois » l. 22).

amoureux de Camille.

Fiches |


413

06/09/11 11:52

2. L’extrait décrit les divers sentiments, humeurs, intérêts de Montaigne qui se modifient au gré des circonstances. Il s’y décrit ainsi aussi diversement et complètement que possible, insiste sur le caractère mouvant de sa personnalité et de ce fait montre comment l’individu échappe à toute tentative de définition. 3. L’écriture se trouve en conséquence affectée par ces traits de caractère. Montaigne souhaite ainsi montrer l’aspect également protéiforme de sa pensée. Cette dernière, comme sa personnalité, ne peut se comprendre qu’en perpétuel mouvement.

2 Comprendre l’enjeu d’un essai 1. Camus exprime dans cet extrait à la fois son besoin de connaître le monde de manière sensuelle (l. 1 à 5) et son scepticisme vis-à-vis des explications scientifiques qui se résolvent le plus souvent en « métaphores » (« Je reconnais alors que vous en êtes venus à la poésie » l. 17). Cela lui permet de justifier à la fin de l’extrait ce qu’il affirmait au début du passage. 2. La voix (la science) qui s’oppose à la sienne est traduite par des phrases dont le sujet est « vous », à la manière d’un dialogue raconté. 3. La question posée par ce texte est celle des voies de la connaissance du monde naturel et l’opposition entre un mode de connaissance immédiate (la sensation) qui mène à la production artistique et un autre passant par le raisonnement scientifique qui, pour Camus, se résout également en une forme de poésie.

3 Comprendre le point de vue développé 1. Simone de Beauvoir souhaite démonter que les femmes n’ont pas pu, jusqu’à très récemment, jouer un véritable rôle dans l’Histoire parce qu’elles ont toujours été prisonnières d’un système de valeur masculin qui les marginalisait et, par voie de conséquence, les infériorisait. Elle montre d’abord que les personnages historiques féminins ne sont connus que parce qu’elles ont eu une destinée individuelle particulière, contrairement aux hommes célèbres qui ont été moteurs de bouleversement historiques et politiques considérables. Elle poursuit son analyse en expliquant comment la femme n’a eu d’autre

choix que d’être soumise aux valeurs dominantes, raison pour laquelle elle n’a pu tenir de rôle historique majeur. Elle en conclut ainsi que la place réservée aux femmes a été jusqu’alors circonscrite à un modèle dominant conçu par l’homme et qui, de ce fait, a rendu la femme « inférieure » car marginalisée par rapport au mouvement de l’Histoire.

2. « Les circonstances sont pour chacune d’elles un obstacle et non un tremplin », « Pour changer la face du monde, il faut y être tout d’abord solidement ancré ». Ces phrases présentées comme des vérités générales apparaissent aussi comme le point de vue de l’essayiste défendu car vécu de manière personnelle.

Fiche

‹‚

La littérature morale  p. ∞⁄∞

1 Identifier les caractéristiques de la maxime 1. On note que les maximes sont faites d’une seule phrase, à la syntaxe fréquemment simple (a et b), de reprises de termes donnant un balancement particulier à la phrase (b et c), d’images mêlant le concret et l’abstrait (a et e). La maxime manie souvent également le paradoxe (d et e).

2. et 3. Ces deux questions peuvent être traitées de manière simultanée, la maxime prenant tout son sens à la lumière d’un exemple concret.

2 Comprendre un fragment 1. L’expression « roseau pensant » renvoie à la fois à la fragilité de l’homme (le roseau) et à sa force (la pensée), idée directrice du fragment.

2. Les trois paragraphes se suivent sans lien de causalité exprimé. Le lecteur doit donc appliquer au fragment sa réflexion afin de créer les liens implicites entre les trois paragraphes. Le lecteur est donc amené, par la construction même du fragment, à penser. 3. L’homme est fragile mais c’est la conscience de sa fragilité et de sa finitude qui le rend plus fort que la nature, elle qui peut pourtant l’anéantir.

414 | Fiches


06/09/11 11:52

4. La morale est le fruit de l’effort que l’homme produit pour bien penser et qui fait ainsi sa force.

3 Repérer l’éloquence dans le sermon 1. Fénelon s’adresse aux « peuples des extrémités de l’Orient ». En effet, ce sermon est composé lors de la visite des ambassadeurs du royaume de Siam. Il s’agit d’engager les étrangers à reconnaître la religion chrétienne et à la propager, ceci en référence à l’Épiphanie quand les mages vinrent reconnaître la naissance du fils de Dieu.

2. On note des énumérations nombreuses (l. 6 à 11), des apostrophes (« Vents, portez-les sur vos ailes » l. 13, « Ô Sion, ton Dieu régnera sur toi ! » l. 18-19). L’éloquence du sermon a pour but d’exalter le sentiment religieux, en montrer la puissance évocatoire par la parole. 3. La conquête que Fénelon décrit n’est pas celle de guerriers mais plutôt celle, sacrificielle, des évangélistes.

4 Identifier la visée morale d’un discours 1. Rousseau souhaite identifier le moment où l’homme est passé de l’état de nature à l’état civilisé. Pour ce faire, il reprend les divers critères examinés par les philosophes pour distinguer ces deux états : d’abord l’opposition juste/injuste puis la question de la propriété, ensuite celle de la domination et enfin celle de l’autorité d’un individu sur un autre. Il en conclut que ces oppositions sont caduques car elles présupposent l’existence préalable d’une civilisation.

2. Les critères retenus : justice, propriété, légitimité du pouvoir et de l’usage de la force ont de fortes connotations morales. 3. Le renversement argumentatif est rendu frappant par le parallélisme de forme entre les deux parties de la phrase et produit ainsi un effet de formule. Rousseau renvoie « les philosophes » qu’il attaque à leurs présupposés, fondement de leur erreur.

Fiche

‹⁄

L’apologue  p. ∞⁄‡

1 Identifier les caractéristiques de la fable 1. Dans un premier temps, la critique semble porter sur le caractère peureux de l’homme qui fuit ou s’effraie devant l’inconnu. Néanmoins, une étude plus précise de la fable (voir question 3) montre que c’est bien « l’accoutumance » de l’homme, l’habitude qui banalise la réalité, qui est ici visée par La Fontaine.

2. Le principe de gradation employé à deux reprises dans la fable est un procédé stylistique qui acquiert une valeur comique. Les répétitions et la vitesse des récits renforcent cet effet. 3. La morale intervient dans le dernier vers. Elle déplore la perte du mystère, de l’imagination, l’asservissement (le dromadaire) du fabuleux à la rationalité (un licou).

2 Comprendre et interpréter la mise en scène des points de vue dans l’apologue 1. Voltaire critique la mauvaise foi, le mensonge. 2. La Poularde permet le développement d’un récit amusant qui sert d’illustration à la morale donnée par le chapon. 3. Les animaux choisis pour défendre la thèse de Voltaire sont inattendus ainsi que le lieu et la teneur de leur échange. Le contraste entre le caractère naïf des propos de la poularde et ses références à Dieu est un autre élément comique.

3 Comprendre la visée de l’utopie 1. Implicitement, sont critiqués le luxe, le faste et l’ostentation qui régnaient à la cour de Louis XIV. Dans le deuxième paragraphe, c’est le caractère superficiel du jugement du monarque qui est attaqué ainsi que son désintérêt pour le peuple et ses besoins. 2. La description de la cour habillée de manière « modeste », le caractère amène et accessible du monarque apparaissent comme des exagérations et donnent ainsi le sentiment d’un monde utopique. Fiches |


415

06/09/11 11:52

4 Identifier les caractéristiques d’un récit utopique contemporain 1. La société présentée est de type répressif et totalitaire. L’homme y apparaît soumis, incapable d’utiliser la liberté lorsqu’elle lui est rendue, aliéné au divertissement qui l’empêche de penser. Il s’agit évidemment d’une vision très pessimiste de l’homme.

2. L’intérêt du texte réside beaucoup dans la complexité des relations tissées entre interdit, aliénation, divertissement et liberté. Les morales sont à cet égard multiples.

Fiche

‹¤

La variété des registres dans l’argumentation  p. ∞⁄·

1 Étudier le registre pathétique 1. Hugo met en parallèle l’exécution d’un condamné à mort et sa situation d’écrivain, incapable alors de produire, obsédé par le supplice subi par le condamné. La réaction de l’écrivain donne force à son propos.

2. Lexique de la souffrance : « hurlements », « douloureuse », « bourreaux », « souffrances », « agonisant », « coupe », « lie », « arrachait », « supplice ». Figures d’amplification : « emplissait la tête », « chose monstrueuse », « l’assiégeait ». On note également l’anaphore « chaque fois ». Il s’agit d’émouvoir le lecteur, de lui faire éprouver de la pitié pour le condamné, de faire appel à son imagination et ses sentiments.

2 Repérer les indices du registre polémique 1. Alceste critique l’hypocrisie et la flatterie. 2. L’opposition est marquée d’abord par le « Non » en début de tirade, repris au vers 13 de manière insistante. Le lexique du sentiment est fortement péjoratif : « je ne puis souffrir », « je ne hais rien tant ». La description des manières du temps sont qualifiées de la même façon, de « contorsions », « d’ambassades frivoles », « inutiles paroles », « estime […] prostituée » et les « gens à la mode « sont de « grands faiseurs » ou d’« obligeants diseurs ». L’énumération donne de

l’ampleur à la phrase et accentue l’effet produit par le lexique. La question rhétorique (l. 9 à 12) est une condamnation des mœurs de l’époque.

3. L’exagération (accumulation et hyperboles), le refus de tout ce qui peut également apparaître comme de la politesse ou de l’affection (l’énumération « amitié, foi, zèle, estime, tendresse » l. 10) rend le discours d’Alceste excessif et donc suspect pour le lecteur. Alceste y apparaît aigri, misanthrope.

3 Comprendre la fonction du registre lyrique dans l’argumentation 1. L’homme de génie se caractérise par « l’étendue de l’esprit, la force de l’imagination et l’activité de l’âme ».

2. On relève des amplifications telles que : « jeté dans l’univers », « frappée par les sensations », « intéressée à tout ce qui est dans la nature », « à ces idées mille autres se lient », des énumérations (l. 8-9, l. 13-14), des parallélismes qui frappent l’esprit du lecteur « tout l’anime et tout s’y conserve ». L’amplification sert ici le propos puisqu’il s’agit de décrire un homme hors du commun, le lyrisme du passage renvoie à la force de l’imagination présente chez l’homme de génie.

4 Identifier le mélange des registres 1. Boileau critique le bruit qui règne à Paris la nuit. On relève le champ lexical correspondant : « frappe », « cris », « miaule », « grondant », « roule sa voix », « crie ».

2. L’exagération s’exprime par des généralisations : des expressions telles que « nuits entières », « chats de toutes les de gouttières », « tout l’enfer » ; un lexique du sentiment fort (« plein de trouble et d’effroi »), ainsi que par des comparaisons « comme un tigre en furie », ou encore « comme un enfant qui crie ». L’accumulation de ces notations qui font de Paris la nuit une jungle infernale et inquiétante produit un effet comique. 3. Les habitants de Paris et plus exactement les noctambules, ainsi que les animaux (chat, rat, souris) sont vilipendés par Boileau. Le poète fait un portrait de lui-même ridicule : « sauter du lit, plein de trouble et d’effroi », il émet l’hypothèse d’un complot grotesque des animaux contre lui

416 | Fiches


06/09/11 11:52

« les souris et les rats semblent, pour m’éveiller, s’entendre avec les chats » ; il montre son humour, en se faisant la cible de sa propre satire.

4. Si la visée est polémique, Boileau entend bien protester contre le bruit à Paris la nuit, le traitement du sujet et l’humour qui le caractérise en font un extrait plus satirique que polémique.

Fiche

‹‹

Un espace culturel européen (⁄)

 p. ∞¤⁄

1 Apprécier l’importance de l’Antiquité Pantagruel doit acquérir d’abord les langues anciennes, le latin et le grec pour pouvoir accéder au savoir des Anciens, modèle de pensée pour les humanistes. Il devra s’en inspirer aussi pour écrire, en particulier « Platon » et « Cicéron ». Mais il doit aussi apprendre les langues qui lui permettront de lire la Bible (« les saintes Lettres ») dans ce qu’on pense à l’époque être ses langues d’origine : « l’hébreu », supposée être la langue naturelle de l’Ancien et du Nouveau Testament, puis « le chaldéen », langue du peuple qui emmena le peuple juif en captivité, enfin « l’arabe », langue des peuples voisins, mais aussi de la brillante civilisation, admirée par les savants du XVIe siècle. Par ailleurs, son éducation est aussi complétée par « l’étude scientifique », constituée des connaissances contemporaines en plein épanouissement à l’époque ou des savoirs antérieurs (« des auteurs qui s’en sont occupés »). On voit donc combien la formation intellectuelle du jeune humaniste est complète et en revient aux sources classiques ou chrétiennes.

2 Étudier un thème des grandes découvertes 1. Il s’agit bien ici d’une scène de première rencontre comme le montre d’abord la curiosité des habitants de « Yabouraci » à travers leur empressement à venir voir le voyageur

(« immédiatement entouré de sauvages ») ou la question qu’ils semblent répéter sans fin : « marapé-dereré ». La scène de bienvenue prend aussi des allures comiques lorsque le narrateur décrit les premiers gestes des indigènes qui le déshabillent et s’approprient avec ingénuité certains accessoires : « Et du reste, l’un ayant pris mon chapeau qu’il mit sur sa tête, l’autre mon épée et ma ceinture qu’il ceignit sur son corps tout nu, l’autre mon casque qu’il revêtit ». L’accueil semble se transformer en jeux d’enfants : « courant ainsi au milieu de leur village avec mes hardes ». On voit ici toute la naïveté de ces « bons sauvages » qui se montrent plus turbulents que violents.

2. Le narrateur est déconcerté par l’accueil que lui réservent les habitants de « Yabouraci ». D’une part, il n’en connaît pas la langue, comme le montre son ironie à l’égard de lui-même : « ce qui pour moi alors était alors du haut allemand ». D’autre part, il reste désemparé par leur accueil en lui-même. Son malaise quasi physique (« m’étourdissant de leurs cris ») en est tout à fait révélateur. Au final, il ne sait pas interpréter cet accueil : « je pensais avoir tout perdu », « je ne savais plus où j’en étais ». L’occidental perdu sans ses repères européens se retrouve dès lors dans la situation paradoxale du dominé.

3 Analysez le lien entre science et littérature humaniste 1. et 2. Le champ lexical de l’anatomie domine le texte dans ce récit des ravages commis par frère Jean. Le lecteur suit la progression des blessures qu’il inflige à ses ennemis. Le texte détaille donc les différentes parties du corps atteintes : les parties externes (« bras et jambes », « cou », « le nez », « les yeux », « les mâchoires »), mais aussi les organes internes (« la cervelle », « les reins »). Certaines expressions dénotent une parfaite maîtrise du vocabulaire médical. La plus frappante clôt d’ailleurs l’extrait : « il lui réduisait la tête en miettes à travers la suture lambdoïde. » Pour autant, l’accumulation des expressions anatomiques qui détaillent toute l’horreur des faits d’armes, ne suscitent ni le dégoût, ni la pitié. L’hyperbole donne au contraire toute une dimension comique à cette parodie de combat épique écrite par un ancien étudiant en médecine. Fiches |


417

06/09/11 11:52

4 Mesurer l’influence italienne sur l’humanisme 1. Nous assistons dans ces deux poèmes au réveil de la nature, au moment où la nuit fait place au jour (« déjà la nuit déchirait son voile », texte A ; « déjà la nuit […] fuyant le jour », texte B). Les ténèbres se dissipent (« éperonnait ses sombres chevaux ailés », texte A ; « ses noirs chevaux chassait », texte B). La lumière du jour point peu à peu (« l’aurore […] lançait ses rayons », texte A ; « déjà le ciel aux Indes rougissait », texte B). L’aurore est donc bien le thème commun à ces deux textes. On voit ici comment l’humanisme français tire ses sources d’une culture qui l’a précédé dans cette révolution européenne des lettres. La confrontation des deux poèmes met en valeur le phénomène de l’innutrition poétique, de la reprise du modèle italien et de sa transposition à travers la langue française (autre enjeu de l’affirmation nationale propre à l’humanisme français).

2. Si Antonio Rinieri est bien l’inspirateur du poète français, le sonnet de Du Bellay trouve son originalité dans son traitement du motif originel. Ainsi enrichit-il le procédé de la personnification. La nuit est en effet personnifiée sous la forme d’une femme dans le texte d’origine (« déjà la nuit déchirait son voile »). Le poète français joue de son côté sur l’expression populaire qui désigne la planète Vénus, la première et la dernière visible dans le ciel : l’étoile du berger. Le champ lexical pastoral se retrouve donc dans la première strophe : « en son parc », « un grand troupeau », « pour entrer aux cavernes ». Mais ce motif se combine lui-même avec une allusion à la mythologie grecque pour le lever du jour, lorsqu’Hélios ouvre les portes du jour et se fraye un chemin avant le char d’Apollon. Du Bellay renouvelle ici l’image en accordant la même fonction à la nuit (« ses noirs chevaux chassait »). De la même manière, il développe la personnification de l’aurore, comparée à la femme dans le premier texte (« faisait tomber de ses cheveux dorés des perles »). Sa coiffure est soulignée et étoffée par l’hyperbole : « ses tresses tant blondes », de même que ses bijoux (« mille perlettes rondes »), conformes au goût des parures de l’époque. Sa richesse est amplifiée par la métaphore météorologique (« faisait grêler ») ou la polyvalence de l’expression, « ses trésors »,

au sens propre des perles et au sens figuré de sa beauté. Sur fond de nature (« étoiles », « prés »), les éléments cosmologiques sont donc transformés dans cette réécriture du poème de Rinieri.

5 Analyser les arguments de la Réforme 1. La force de l’argumentation repose ici sur la logique. Calvin revendique le décompte sincère des reliques conservées d’abord pour chaque saint : « Il serait bien d’avoir registres de toutes parts pour savoir quelles reliques on dit qu’il y a en chaque lieu ». Ce recensement incontestable mettrait dès lors en évidence les failles de cette croyance : « Et lors on connaîtrait que chacun apôtre aurait plus de quatre corps ; et chacun saint pour le moins deux ou trois ». L’auteur tire ensuite la conséquence de cette proposition en la généralisant à l’ensemble des lieux de culte (« deux ou trois mille évêchés, de vingt ou trente mille abbayes, et plus de quarante mille couvents, de tant d’églises paroissiales et de chapelles ») pour montrer la vanité du culte des reliques. Mais il utilise aussi un vocabulaire péjoratif qui rabaisse l’objet de la vénération des croyants : « un tel monceau », « une fourmilière d’ossements et tels autres menus fatras ». Le culte est donc rabaissé à une « moquerie tant sotte et lourde ».

2. Dans ce passage, Calvin critique un élément majeur du dogme catholique, le culte des saints à travers leurs reliques physiques ou vestimentaires. Cette croyance repose sur la conviction que ces reliques de chrétiens martyrisés pour leur foi ont gardé tout leur pouvoir magique de guérison. Mais le théologien souligne ici la dérive de ce culte désormais restreint à l’adoration d’« une fourmilière d’ossements » et d’« autres menus fatras » et fondé sur le mensonge en raison de l’origine très suspecte des reliques et de leur nombre invraisemblable. Au-delà de la critique d’une croyance fondée sur une « moquerie tant sotte et lourde », Calvin rejette plus profondément la nécessité de faire appel aux saints comme intermédiaires entre Dieu et les hommes. Il dénonce aussi de manière implicite les profits engrangés par l’Église lors des dons offerts par les pèlerins. L’extrait est donc une véritable remise en question des dogmes catholiques et confirme la volonté de réformer l’ensemble des pratiques religieuses qui apparaissent comme trompeuses et scandaleuses.

418 | Fiches


06/09/11 11:52

Fiche

‹›

Un espace culturel européen (¤)

 p. ∞¤‹

1 Décoder l’imitation humaniste 1. Les deux textes font clairement allusion à l’antiquité gréco-romaine. Tout d’abord par le thème même du poème consacré à une fontaine dont on connaît l’importance dans la civilisation antique pour l’apport de l’eau. Mais si le texte d’Horace mentionne bien un monument romain (« Ô fontaine de Bandusie »), celui de Ronsard adapte son nom au XVIe siècle en jouant par ailleurs pleinement sur son sens : « Ô fontaine Bellerie ». Le texte antique fait ensuite allusion aux libations offertes alors traditionnellement aux dieux pour les dons de la nature : « un doux vin et des fleurs » et « un chevreau ». Il mentionne enfin une divinité majeure du panthéon antique, « Vénus ». De son côté, le poète français renouvelle cette image dont il ne garde que le dernier élément : « un petit chevreau de lait ». S’il reprend le motif des « cornes naissantes », il insiste plutôt sur l’âge et l’innocence de l’animal caractérisé par son « front nouvelet ». Il ne s’agit pas non plus d’une scène sacrificielle et l’on passe d’une « offrande » à une présentation : « Vois ton poète qui t’orne ». Plus encore, la présence même du poète au sein de son texte met sur la piste d’un don finalement poétique à travers son écriture elle-même.

2. Si le poète humaniste s’inspire manifestement du poème d’Horace, il parvient cependant à s’en dégager pour trouver sa propre originalité. Il donne ainsi un nouveau contexte au motif traité et s’inspire directement d’un lieu contemporain, la source même de son domaine de la Possonnière en Vendômois, nommée dès le premier vers : « Ô fontaine Bellerie ». De même, le paysage semble plutôt évoquer la France (« en ce pré verdelet ») dont on trouve trace aussi dans l’expression « ma terre paternelle ». À ce nouveau contexte correspond aussi un nouveau choix prosodique. Le poète joue en effet d’une certaine fantaisie poétique en employant des heptasyllabes, vers impairs de sept syllabes, qui donnent au texte un rythme chantant comme l’eau. On retrouve la même fantaisie aussi dans le schéma métrique qui fait alterner des rimes suivies avec des rimes croisées sur cinq vers

(AABCBCB). Enfin, le poète transforme et enrichit le motif de l’eau au cœur de l’évocation d’Horace (« plus limpide que le verre »). Il délaisse la question de sa limpidité au profit d’une saynète mythologique consacrée à la fuite des nymphes face aux satyres (« quand ton eau / Les cache au creux de ta source »). On voit donc ici combien le poète humaniste sait s’approprier ses modèles pour écrire ses propres textes.

2 Comprendre l’encyclopédisme de l’humanisme 1. L’élève humaniste reçoit un enseignement varié tout à fait caractéristique de l’esprit de ce mouvement. On lui enseigne d’abord les connaissances les plus élémentaires (« il n’y en avait aucun qui ne sût lire, écrire »), mais qui le classe d’emblée parmi les apprentis lettrés. Elles sont complétées par un savoir musical (« chanter, jouer d’instruments de musique »), discipline liée à la notion d’harmonie, mais considérée aussi depuis l’Antiquité comme une branche des mathématiques pour la maîtrise qu’elle implique des différentes harmonies musicales. Il s’agit donc ici, outre le plaisir esthétique et mélodique, d’une ouverture au domaine scientifique. La maîtrise des langues peut aussi paraître novatrice (« parler cinq ou six langues »), mais elle est à relier au cosmopolitisme des humanistes. Le texte 1 rappelle cependant qu’elles ont un lien avec la culture antique (« premièrement le grec, comme le vieux Quintilien ; deuxièmement le latin ; puis l’hébreu pour les saintes Lettres, le chaldéen et l’arabe pour la même raison »). Par ailleurs, cet apprentissage linguistique ne se limite pas à un survol de la langue, mais l’élève doit en assimiler toutes les subtilités langagières, comme les différences de style : « composer en ces langues autant en vers qu’en prose », comme on le retrouve aussi dans le texte 1 (« que tu formes ton style sur celui de Platon pour le grec, sur celui de Cicéron pour le latin »). Pour autant, l’enseignement humaniste ne se limite pas au seul domaine intellectuel et vise à former autant le corps que l’esprit. Aussi l’élève est-il initié au combat à pied et à cheval : « chevaliers si preux, de si belle allure, si adroits à pied et à cheval, si vigoureux, plus alertes et plus aptes à manier toutes sortes d’armes ». Le combat de frère Jean dans le texte 3 reste le meilleur témoignage du succès de cette pratique, Fiches |


419

06/09/11 11:52

lui qui affronte seul une bande entière d’ennemis et parvient à les mettre à mal.

2. L’éducation des femmes telle qu’elle est présentée dans l’extrait peut étonner tant elle paraît peu ouverte au modernisme humaniste. L’auteur insiste d’abord sur le soin et finalement l’apparence physique des « dames si élégantes, si mignonnes », limitant leur première qualité à la beauté physique, complétées cependant par la maîtrise de soi (« moins acariâtres »). Les activités qui leur sont réservées peuvent sembler elles aussi bien traditionnelles : travaux d’aiguilles et de maîtresses de maison « plus adroites aux travaux manuels, à la broderie, et à toute occupation convenant à une femme honnête et libre ». Mais, outre l’originalité de cette mention des filles, ici partenaires à part entière des garçons, cette liste d’apparence conventionnelle implique la maîtrise de savoirs comme l’hygiène et les soins corporels pour l’apparence physique, l’apprentissage de la raison et du respect de l’autre pour le caractère, la culture pour les liens sociaux, l’adresse et la souplesse pour les travaux féminins ainsi que les connaissances indispensables pour la direction de la maison (lire, écrire, compter)… Aussi, quoique en apparence plus restreinte et plus conventionnelle, cette évocation implique une véritable éducation des filles, encore tenue pour négligeable, et illustre bien la modernité humaniste.

3 Mesurer la place de l’homme au cœur de l’humanisme 1. Le sauvage n’est pas dans cet extrait celui auquel le lecteur du XVIe siècle peut s’attendre. Il ne s’agit pas ici des peuplades lointaines et privées de la civilisation occidentale dont Las Casas affirme l’ingénuité (« ces nations innocentes »). Il les présente au contraire comme des victimes des Conquistadors (« la cupidité, l’ambition et la cruauté des Espagnols »), conduites à la totale destruction (« pour qu’ils s’affligent davantage de leur ruine et de leur damnation »). S’ils sont coupables de méfaits ou d’atrocités, ce sont bien les Européens qui en sont les vrais responsables : « les Indiens n’ont fait de mal à un chrétien sans avoir d’abord subi de la part des chrétiens de torts, des vols et de trahisons ». On assiste donc ici à un renversement : le sauvage est le colonisateur dont les valeurs perverties ont amené les malheurs des Indiens.

2. L’extrait vise à dénoncer le colonialisme dont il dénie toute volonté civilisatrice. L’appât du gain, la volonté de pouvoir et la capacité de nuisance paraissent les seules motivations des colonisateurs (« la cupidité, l’ambition et la cruauté des Espagnols »). Aussi l’auteur joue-t-il sur l’émotion du lecteur. Il en appelle d’abord à la charité chrétienne : « Pour que tous les chrétiens aient encore plus de compassion pour ces nations innocentes ». Plusieurs procédés stylistiques viennent servir cette visée comme la triple anaphore de la même subordonnée finale, répétition caractéristique de l’art oratoire religieux et construite sur une progression close sur les motivations criminelles des Espagnols. Elle aboutit à une recommandation forte proche de l’ordre par l’emploi du subjonctif injonctif : « qu’ils tiennent pour vraie la vérité suivante ». L’extrait se conclut enfin une affirmation généralisatrice, argument d’autorité qui met en avant le processus de vengeance légitime suivie par les Indiens (« depuis la découverte des Indes jusqu’à ce jour, les Indiens n’ont fait de mal »). Enfin, le vocabulaire et les figures de style invitent le lecteur à prendre de la distance par rapport à la situation : champ lexical de la pitié et de la révolte (« compassion », « s’affligent », « accusent, abominent et détestent ») ou accumulation sous la forme d’une énumération ternaire (« pour qu’ils accusent, abominent et détestent », « la cupidité, l’ambition et la cruauté des Espagnols », « de torts, de vols et de trahisons »).

4 Étudier la pédagogie humaniste Montaigne récuse ici les méthodes employées depuis le Moyen Âge et fondées sur la répétition aveugle et brutale des modèles pédagogiques (« criailler à nos oreilles », « redire ce qu’on nous a dit »). Il prône au contraire un enseignement qui donne à l’élève un rôle plus actif dans ses apprentissages. Il incite d’abord le maître à se mettre à la portée de l’élève et à lui apporter un savoir adapté à son âge et à ses capacités : « que, de belle arrivée, selon la portée de l’âme qu’il a en main, il commençât à la mettre sur la montre ». Ainsi l’élève est-il amené à cultiver son esprit critique et son raisonnement en expérimentant par lui-même les différents savoirs inculqués : « lui faisant goûter les choses, les choisir, les discerner d’elle-même ». Le maître doit donc savoir varier sa pédagogie et moduler

420 | Fiches


06/09/11 11:52

sa participation (« quelquefois lui ouvrant le chemin, quelquefois le lui laissant ouvrir »). Il doit savoir s’effacer au profit de la construction autonome de son élève : « je veux qu’il écoute son disciple parler à son tour ». On voit donc ici toute la modernité de cette conception qui met l’élève et non plus le maître au cœur de l’éducation.

5 Analyser les valeurs de l’humanisme Thomas More dénonce ici la différence de traitement entre les différentes classes de travailleurs. Il critique en particulier l’injustice qui touche les travailleurs indispensables au bon fonctionnement de la société : « elle n’a ni cœur ni souci pour le laboureur, le charbonnier, le manœuvre, le charretier, l’ouvrier, sans lesquels il n’existerait pas de société ». Tout d’abord, leur valeur n’est pas reconnue au profit des travailleurs du luxe (« joailliers », « oisifs », « artisans de luxe »), aux ordres des classes dominantes et riches (« flatter et asservir des voluptés frivoles »), mais dont la production n’apparaît pas comme essentielle. Par ailleurs, l’auteur critique aussi leurs rudes conditions de travail : « elle abuse de la vigueur de leur jeunesse pour tirer d’eux le plus de travail et de profit ». Enfin, il pointe les faillites d’un système qui récuse toute solidarité et abandonne ses éléments les plus faibles (« dès qu’ils faiblissent sous le poids de l’âge ou de la maladie », « en les laissant mourir de faim »). Cette dénonciation traduit bien les ravages sociaux provoqués par les transformations économiques de la société anglaise au XVIe siècle qui creuse les écarts entre riches et pauvres, citadins et ruraux.

Fiche

‹∞

L’intertextualité  p. ∞¤∞

1 Comprendre le principe de l’imitation Ronsard s’affirme ici comme l’imitateur et le continuateur d’Horace. Il reprend ici l’opposition entre la chaleur accablante de la canicule (« la saison impitoyable de la canicule embrasée », texte A ; « L’ardeur de la canicule »,

texte B) et la fraîcheur de la fontaine (« une aimable fraîcheur », texte A ; « Ton vert rivage ne brûle », texte B). Il traduit aussi assez littéralement la fin de la strophe latine (« aux taureaux fatigués de la charrue et au bétail errant », texte A ; « Aux bœufs las de la charrue, / Et au bestial épars », texte B). Mais il se démarque dans le traitement du motif principal en développant davantage le cadre de cette fraîcheur que la fraîcheur elle-même. Elle apparaît alors moins tranchée que dans le climat torride de l’Italie méditerranéenne du poète latin. Le mot même disparaît au profit d’une tournure négative « L’ardeur de la canicule / […] ne brûle ». À l’inverse, le paysage s’élargit et s’étoffe d’autres caractéristiques : la couleur (« Ton vert rivage ») et les ombrages (« Ton ombre est épaisse et drue »). Ces évocations constituent dès lors le principal attrait pour les hommes et les bêtes (« Aux pasteurs venant des parcs, / Aux bœufs las de la charrue, / Et au bestial épars »). L’homme y tient la première place et bénéficie en priorité de la source. Enfin, le bétail change : il ne s’agit plus de « taureaux fatigués », mais de « bœufs las de la charrue », plus conformes à ce que le poète connaît. S’il s’inspire du texte d’Horace, Ronsard est aussi l’inventeur de sa propre poésie en particulier en adaptant ses sources à sa réalité bucolique quotidienne.

2 Expliciter les allusions littéraires 1. L’extrait se fonde sur le champ lexical du romanesque. Les romans d’amour sont en effet les principales lectures d’Emma (« amours, amants, amantes, dames persécutées »). Le cadre des aventures des héroïnes y est marqué par de violents contrastes (« pavillons solitaires », « forêts sombres » / « nacelles au clair de lune, rossignols dans les bosquets »). De nombreux obstacles y retardent le dénouement (« postillons qu’on tue à tous les relais, chevaux qu’on crève à toutes les pages »). Les sentiments les plus forts y sont exprimés (« troubles du cœur, serments, sanglots, larmes et baisers ») tandis que les héros présentent toutes les contradictions séduisantes pour une lectrice de « quinze ans » (« messieurs braves comme des lions, doux comme des agneaux, vertueux comme on ne l’est pas, toujours bien mis, et qui pleurent comme des urnes »). On retrouve donc ici toutes les caractéristiques du roman sentimental. Fiches |


421

06/09/11 11:52

2. Ces lectures représentent un réel danger pour Emma car elles donnent une vision faussée de la réalité. La jeune fille court alors le risque de vouloir retrouver ce charme romanesque dans une réalité plus banale et plus terne. On devine déjà le sort de l’héroïne enfermée à vie dans « cette poussière des vieux cabinets de lecture » et condamnée à l’échec sentimental, voire à l’échec de toute son existence. Le romancier, tout en se moquant de son personnage à travers les excès de ses lectures, pose ainsi très vite des indices du tragique destin qui attend Emma.

3 Analyser les emprunts à une source littéraire 1. On constate une évidente parenté entre le texte de Louise Labé et celui de Catherine Pozzi. Cette dernière reprend tout d’abord le procédé de l’invocation avec l’anaphore systématique de la particule « ô » à tous les vers. Mais certains motifs du poème du XVIe siècle se retrouvent aussi chez elle comme la nuit (« Ô noires nuits », texte B ; « Ô vous mes nuits », texte A), le regard (« ô regards détournés », texte B ; « Ô longs regards », texte A) et le désir (« Ô chauds soupirs », texte B ; « Ô grand désir », texte A). Les deux poèmes traduisent pareillement une expérience intime, perceptible avec les indices de la subjectivité (« Ô pires maux contre moi destinés », texte B ; « Ô vous mes nuits », texte A). Les emprunts restent donc clairement identifiables ici.

2. Pour autant, on peut noter l’originalité du poème du XXe siècle qui sait prendre ses distances avec son modèle. Ainsi le motif amoureux présent tout au long du texte de Louise Labé s’efface-t-il au profit d’une expérience de la nuit et du rêve dans le poème de Catherine Pozzi. La poétesse y évoque les mystères de cet univers nocturne (« Ô pays fier, ô secrets obstinés ») et l’errance de l’esprit (« Ô vol permis outre les cieux fermés. », « Ô beau parcours de l’esprit enchanté », « Ô porte ouverte où nul n’avait passé ») en proie à des épreuves contradictoires : « Ô pire mal, ô grâce descendue ». Dernier texte écrit avant la mort de son auteur, ce poème s’ouvre donc à une invocation plus existentielle qu’amoureuse.

4 S’exercer à l’emprunt littéraire 1. Tout le sonnet de Louise Labé repose sur le procédé de l’antithèse pour exprimer le malaise heureux ressenti par l’amoureuse au début de la passion. Chaque vers oppose donc deux idées contradictoires à l’image du premier vers qui rapproche la notion même de vie et de mort, d’eau et de feu : « Je vis, je meurs ; je me brûle et me noie ». Le reste des deux quatrains reprend alors le même principe d’écriture ; il oppose des verbes ou des expressions verbales (« je ris et je larmoie », « J’ai chaud extrême en endurant froidure », «je sèche et je verdoie »), des noms (« J’ai grands ennuis entremêlés de joie », « Et en plaisir maint grief tourment j’endure ») ou des adjectifs (« La vie m’est et trop molle et trop dure »). Ainsi la poétesse nous fait-elle mieux comprendre cet entre-deux de l’amour, jamais totalement heureux, ni détestable.

2. Pour écrire sur le même modèle, il est tout à fait possible de continuer le poème luimême en adaptant les oppositions au monde contemporain.

5 Comparer les variations d’un mythe 1. Le mythe de Don Juan repose sur certains éléments que l’on peut retrouver dans cet extrait. Sa beauté physique est mise en avant : « C’était la vraie beauté, – la beauté insolente, joyeuse, impériale, juanesque enfin ». Ses conquêtes féminines sont rappelées (« ce front divin, couronné des roses de tant de lèvres »). Il est aussi présenté comme un rebelle aux règles religieuses (« ses larges tempes impies ») et cherche la confrontation avec Dieu (« avait-il fait un pacte avec le diable ? »). Il vit aussi dans la recherche du plaisir et de la jouissance de l’instant, symbolisée ici par une métaphore : « les griffes de tigre de la vie ». Son égoïsme et son caractère destructeur transparaissent de même à travers son orgueil (« avec l’impassibilité de l’orgueil surexcité par la puissance »). 2. Des failles apparaissent cependant dans ce portrait. Son âge est souligné à plusieurs reprises annonçant une certaine décrépitude : « les premiers cheveux blancs », « commençaient à lui rayer ce front ». Mais surtout le regard des victimes ordinaires du séducteur change avec ces avancées du temps : « mais les

422 | Fiches


06/09/11 11:52

femmes qui l’avaient aimé les regardaient parfois avec mélancolie. » On sent finalement poindre une certaine fragilité du personnage vaincu par une puissance supérieure : « Seulement, Dieu retrouvait son compte ». Cette reprise du mythe trouve donc son originalité dans l’évocation d’un Don Juan, certes encore imbu de sa puissance, mais sur le point de rendre les armes devant la fuite du temps.

Fiche

‹§

L’art du détournement  p. ∞¤‡

1 Analyser un changement de forme 1. On assiste ici d’un extrait à l’autre au passage du poème en vers au poème en prose. Il s’agit bien pourtant du même motif poétique de la chevelure de la femme aimée (« Fortes tresses », texte A ; « Tes cheveux », texte B). Celle-ci ouvre au poète de nouvelles perspectives sur un monde qui contient les mêmes caractéristiques dans les deux textes. Il s’apparente ainsi à un monde idéal : « un éblouissant rêve / De voiles, de rameurs, de flammes et de mâts », texte A ; « tout un rêve, plein de voilures et de mâtures », texte B). L’exotisme en est le trait principal : mers chaudes (« mer d’ébène » ; « de grandes mers dont les moussons »), soleil permanent (« sous l’ardeur des climats » ; « vers de charmants climats »), activités portuaires (« Un port retentissant » ; « un port fourmillant »), amplification des sens (« À grands flots le parfum, le son et la couleur » ; « l’atmosphère est parfumée par les fruits, par les feuilles et par la peau humaine »), beauté d’une population proche revigorée par la nature (« l’arbre et l’homme, pleins de sève » ; « hommes vigoureux de toutes nations et de navires »). Le poète y trouve satisfaction des sens et promesse d’évasion : « Ouvrent leurs vastes bras pour embrasser la gloire / D’un ciel pur où frémit l’éternelle chaleur » ; « découpant leurs architectures fines et compliquées sur un ciel immense où se prélasse l’éternelle chaleur ». La chevelure fait donc naître tout un monde enchanteur. Au monde terrestre ancré dans les sensations est relié un monde supérieur où tout est « plus bleu et plus profond » (texte B). Le poète seul est capable de

déchiffrer à travers l’écriture poétique les symboles qui permettent de passer de l’un à l’autre.

2. En choisissant la prose, Baudelaire renouvelle l’écriture poétique. Il lui donne une plus grande souplesse en se libérant de la contrainte de la rime et fait disparaître le carcan du schéma ABAAB que l’on trouve dans le poème en vers. La phrase y connaît aussi un mouvement d’amplification. Chaque strophe n’en contient qu’une seule, mais construite sur l’accumulation des propositions (« Tes cheveux contiennent… », « ils contiennent… », « dont les moussons… », « où l’espace est… », « où l’atmosphère est… ») ou des compléments enrichis de nombreux détails. Elle semble ainsi suivre la rêverie même à laquelle s’abandonne le poète et se clôt à chaque fois sur une note sensuelle, « parfumée par les fruits, par les feuilles et par la peau humaine » et « où se prélasse l’éternelle chaleur ». Ce sont donc les images qui donnent son caractère poétique au poème en prose : « Dans l’océan de ta chevelure, j’entrevois un port fourmillant de chants mélancoliques ». Le choix de la prose apporte une plus grande liberté de créativité.

2 Pratiquer une transposition du genre et une amplification Pour transposer cet extrait de fable dans le genre théâtral, il conviendra d’en respecter toutes les nouvelles caractéristiques : répliques directes des personnages, évolution de la scène au fil des arguments développés, didascalies pour indiquer la mise en scène (gestuelle, ton, attitude, accessoires, décor, lumière…). On gardera cependant les traits de caractère des personnages ainsi que leur posture respective qu’il faudra déterminer avant l’exercice même de transposition.

3 Transposer la visée d’un texte 1. L’auteur vise à dénoncer ici le culte du travail dans lequel évoluent les travailleurs du système capitaliste (« Une étrange folie possède les classes ouvrières »). De fait, il est ici assimilé à une maladie (« Cette folie est l’amour du travail, la passion furibonde du travail », « cette aberration mentale ») à l’origine de la dégénérescence de la classe ouvrière : « jusqu’à l’épuisement des forces vitales de l’individu et de sa progéniture ». L’auteur pointe alors les véritables responsables, Fiches |


423

06/09/11 11:52

élites religieuses, économiques et philosophiques du capitalisme (« les prêtres, les économistes, les moralistes ») qui ont perverti la place et le rôle du travail au sein de la société : ils « ont sacro-sanctifié le travail ». Aussi le système aboutit-il à un renversement de valeurs : le travail présenté comme le châtiment d’une humanité trop avide de connaissances (« ce que leur Dieu avait maudit ») en référence à l’expulsion d’Adam et d’Ève du Paradis, est devenu le seul moteur de la société. Il s’agit donc pour Lafargue, proche du mouvement ouvrier et de la première Internationale de blâmer ici les conditions de vie d’un prolétariat totalement assujetti au travail.

2. La consigne invite à changer la visée du texte. On acceptera aussi bien un éloge positif du travail qu’un éloge paradoxal dans le contexte d’une société des loisirs. Il conviendra dès lors d’en adapter le registre selon la visée retenue.

4 Écrire une suite de texte L’incipit de la nouvelle de Maupassant s’ouvre sur un mystère. Le lecteur ne peut que s’interroger sur les motivations des camarades de Simon : « ils s’arrêtèrent à quelques pas, se réunirent par groupes et se mirent à chuchoter » et sur la situation de la Blanchotte, mise à l’écart par les villageois (« quoiqu’on lui fît bon accueil en public, les mères la traitaient entre elles avec une sorte de compassion un peu méprisante »). La consigne invite donc à exploiter ces pistes et résoudre cette énigme. Il conviendra cependant de garder les caractéristiques du texte, en particulier son réalisme.

5 Suivre une modalité d’écriture La morale de la fable de la Fontaine se moque de l’indiscrétion attribuée traditionnellement aux femmes et ici à quelques contemporains masculins. On attend donc le récit comique ou humoristique d’une aventure humaine ou animale qui suive un schéma prévisible : transmission d’un secret, transgression, punition du (de la) bavard(e).

6 Jouer des contraintes formelles La consigne, qui appelle au respect d’une contrainte formelle et du choix du support, laisse libre des autres modalités d’écriture : sujet, registre, type de vers…

Fiche

‹‡

Lecture cursive  p. ∞¤·

1 Rendre compte d’une lecture cursive à l’écrit 1. Camus commence par exprimer sa gratitude mais aussi sa gêne de recevoir une telle distinction au moment où, en Europe, d’autres écrivains sont réduits au silence. Il énonce les intentions de son discours : exposer l’idée qu’il se fait de son art et du rôle de l’écrivain. Camus considère l’art non pas comme une « réjouissance solitaire » mais comme un moyen d’émouvoir ses semblables en leur offrant une image privilégiée des souffrances et des joies communes. En conséquence, le rôle de l’écrivain « ne se sépare pas de devoirs difficiles » : il ne peut se mettre au service de ceux qui font l’Histoire mais il doit être au service de ceux qui la subissent. L’écrivain doit accepter les « deux charges qui font la grandeur de son métier » : le service de la vérité et celui de la liberté. Pour Camus, écrire est un honneur car cet acte oblige à porter et à partager le malheur et l’espérance de tous les hommes.

2. Citation : « [L’acte d’écrire] m’obligeait particulièrement à porter, tel que j’étais et selon mes forces, avec tous ceux qui vivaient la même histoire, le malheur et l’espérance que nous partagions », Discours de réception à Stockholm…, l. 87-90. Extrait choisi dans le manuel : « Des raisons d’agir contre la peste », p. 304. Tarrou a pris la décision d’aider Rieux dans sa lutte contre la peste. Étant donné le sens allégorique de la peste, défini par Camus dans ses Carnets (cf. p. 302 du manuel), on peut voir dans « l’engagement » de Tarrou l’image même du rôle de l’écrivain tel que le définit Camus dans son discours : – par son engagement aux côtés des victimes. – par ses motivations. À la question de Rieux : « Qu’est-ce qui vous pousse à vous occuper de cela ? », Tarrou répond : « La compréhension » (cf. Discours de réception : « les vrais artistes ne méprisent rien ; ils s’obligent à comprendre au lieu de juger », l. 47-49). – par sa relation avec Rieux : la complicité, l’amitié qui se créent entre eux (cf. Discours

424 | Fiches


06/09/11 11:52

de réception : « l’artiste [...] ne nourrira son art [...] qu’en avouant sa ressemblance avec tous », l. 42-44). – par sa certitude de « tout connaître de la vie » : cette connaissance donnée par l’expérience de la douleur vécue et partagée (cf. Discours de réception : « [l’art] soumet [l’artiste] à la vérité la plus humble et la plus universelle », l. 39-40).

2 Exploiter une lecture cursive dans une dissertation Ce discours permet d’aborder la notion de littérature engagée : obligations et rôle de l’écrivain selon Albert Camus. La lecture de son Discours à l’aune de la question posée permet ainsi de développer et d’illustrer les idées suivantes : – L’écrivain engagé par son écriture fait sortir du silence et de la solitude ceux qui souffrent, qui subissent l’Histoire. – L’écrivain est effectivement parmi les hommes : il existe avec et par ses semblables sinon il ne joue pas son rôle. Sentiment de solidarité, de sympathie avec ses semblables lors des événements les plus graves. – L’écrivain porte et partage le malheur et l’espérance des autres. Il ne doit pas s’enfermer dans une « tour d’ivoire » mais il doit exprimer sa solidarité avec ses semblables. – En conférant aux joies et aux souffrances communes une dimension esthétique (« image privilégiée »), l’œuvre littéraire redonne à l’humanité toute sa dignité. – En somme, l’écrivain peut rappeler à son époque des vérités ou un idéal qu’elle aurait oubliés. Face aux chaos, aux drames, aux malheurs, la littérature peut donc redonner l’espérance : lueurs d’espoir et confiance en l’humanité.

3 Exploiter une lecture cursive lors de l’entretien du baccalauréat 1. Auteur : Albert Camus. Titre : Discours de réception à Stockholm. Date : 10 décembre 1957. Circonstances d’écriture : Discours prononcé « à l’occasion de la remise du prix Nobel de littérature ». Problématique : Selon Albert Camus, en quoi consiste le rôle de l’écrivain ? Principales idées : Cf. exercice 1.

2. Quelques questions possibles : – Quelle définition de la littérature engagée peut-on formuler à partir de ce discours ? – Quelles raisons peuvent pousser un écrivain à s’engager par la fiction ? – Selon Camus, comment l’écrivain engagé se situe-t-il par rapport à ses semblables ? – Quelles sont, selon Camus, les grandes obligations de l’écrivain engagé ? – Pourquoi, selon Camus, l’artiste est-il obligé de s’ouvrir au monde ? – Pourquoi Camus ne conçoit-il pas l’art comme une « réjouissance personnelle » ?

Fiche

‹°

Lecture analytique (⁄)

 p. ∞‹⁄

1 Trouver des indices dans le paratexte Objectif : L’exercice vise à faire travailler les élèves sur la notion d’« horizon d’attente » qui se construit à partir du croisement d’éléments ou de premiers rapprochements possibles avec des œuvres ou des genres connus. On privilégiera une première approche sémantique à partir des titres. Il s’agit également de faire pratiquer aux élèves ce qui relève d’une « lecture pronostique » : quelle histoire ou quelle dimension du récit peut-on imaginer ou déduire ? A. Le lecteur peut s’attendre à une histoire d’amour passionnée ou bien à une évocation de l’amour en soi, décrit avec une certaine démesure. Le titre peut aussi suggérer l’idée d’un amour rêvé voire impossible. B. Titre, de prime abord pessimiste, qui associe un terme négatif « trompeuses » et un terme positif « espérances ». À l’image de l’expression, « les apparences sont trompeuses », ce sont ici les espérances elles-mêmes qui trompent, qui trahissent. Il s’agit peut-être de l’évocation d’une personne ou d’un groupe victime de ce en quoi ils croient et espèrent. C. La « ritournelle » désigne un refrain, donc l’idée d’une répétition. On peut ainsi s’attendre à ce que le thème de la faim (ou l’idée de manque, de privation, de souffrance) s’impose et revienne comme un refrain obsédant. Fiches |


425

06/09/11 11:52

D. « L’écume » désigne la mousse qui se forme à la surface d’un liquide agité ou d’une vague quand elle se défait au bord du rivage. Le lecteur peut donc s’attendre à l’évocation d’une vie agitée, bouillonnante. La métaphore est assez énigmatique : l’auteur veut-il évoquer ce qui se forme et se défait inéluctablement (par exemple, l’amour) ? L’image tente-t-elle d’exprimer un rapport à la vie et à l’existence qui consiste à rester à la surface des choses (musique, fête, fantaisie, humour, bulles du vin pétillant...) ? Est-ce la mauvaise part de la vie qui refait surface (l’écume désigne à l’origine la mousse chargée d’impuretés qui apparaît à la surface d’un liquide chauffé) ? Ce titre permet de travailler particulièrement la notion de polysémie. E. « Les heures » évoquent la vie elle-même, le temps passé à faire ou vivre quelque chose. D’autre part, on peut s’interroger sur le lieu (« souterraines ») : l’histoire se passe-t-elle sous terre, dans une mine, par exemple, ou dans le métro ? Le titre peut également avoir une signification psychologique : les heures sombres de la vie, l’évocation de pensées noires, le sentiment d’être dans une impasse.

2 Trouver des indices dans le paratexte 1. Elles porteront sur le titre mais aussi sur la date du poème. « Le dormeur du val » suggère l’évocation d’un personnage endormi dans un coin de nature (le val). Cependant, la date d’octobre 1870 peut orienter l’interprétation du titre puisqu’il s’agit de l’époque de la guerre franco-prussienne. Il y a donc un décalage entre le titre évoquant un cadre paisible et le contexte de la guerre. On peut alors s’interroger sur l’identité du « dormeur » : s’agit-il d’un soldat qui se repose, d’un déserteur ?

2. L’hypothèse d’un cadre paisible est confirmée dès le premier vers qui présente les lieux : « C’est un trou de verdure où chante une rivière ». Le premier quatrain, par les éléments descriptifs, par les verbes (« chante », « luit », « mousse ») ainsi que par l’évocation de sensations agréables, pose un décor idyllique. Le deuxième quatrain présente « un soldat jeune » dans une attitude de repos et d’abandon : « bouche ouverte, tête nue, / Et la nuque baignant dans le frais cresson bleu, / Dort ; étendu ». Le titre prend donc ici tout son

sens puisque ce jeune soldat « dort » dans un « petit val ». Néanmoins, la chute du sonnet vient modifier cette première interprétation puisqu’on découvre que ce soldat est mort : « Il a deux trous rouges au côté droit ». D’ailleurs, une relecture permet de constater que la mort était déjà suggérée à travers une série d’indices : vers 5, « bouche ouverte » ; vers 8, « pâle » ; vers 11, « un enfant malade » ; vers 12, « il a froid » ; vers 13, « les parfums ne font plus frissonner sa narine ». Une relecture expressive du sonnet permettra de mettre en valeur ces expressions ainsi que la chute.

3 Faire des hypothèses à partir d’une lecture « balayage » 1. Ce texte, qui relève du registre didactique, vise à démontrer l’impossibilité de « classer » les individus.

2. Le texte commence effectivement par une affirmation légitimée par l’autorité d’une science : « La leçon première de la génétique [...] ordonnés ». Cette affirmation est suivie d’une série d’exemples qui la justifient. Chaque exemple est construit selon la même structure : formulation d’une idée suivie de sa réfutation par des formules invalidantes : « ne peut être qu’arbitraire » ; « est sans réponse » ; « échappe pour l’essentiel à nos techniques d’analyse ». L’effacement de l’énonciateur, l’absence de destinataire précis, l’emploi du présent et la récurrence de l’auxiliaire « être » confèrent aux propos une valeur d’objectivité et de vérité générale, propre à l’essai didactique. Mais cette rhétorique du constat, caractérisée par la neutralité de l’énonciateur, est nuancée à la fin de l’extrait par l’intrusion de jugements de valeur négatifs sur les « tentatives passées « d’amélioration » biologique de l’Homme » : « simplement ridicules » ; « le plus souvent criminelles » ; « dévastatrices ».

4 Faire des hypothèses à partir d’une lecture « balayage » 1. Hernani se présente comme un homme seul et désespéré, marqué par un destin qu’il ne maîtrise pas. Il donne de lui une image négative et exprime en particulier la certitude qu’il fait le malheur de tous, ce qui explique sa solitude. Une lecture expressive permettra de mettre en relief les phrases exclamatives.

426 | Fiches


06/09/11 11:52

2. Son désespoir est exprimé à travers une série d’impératifs adressés à Doña Sol pour l’éloigner de lui : répétition de « prends » et « fuis ». La récurrence des phrases exclamatives vient renforcer l’expression de ce désespoir. Hernani donne de lui-même une image négative à travers des expressions dévalorisantes (« prends le duc [...] C’est bien », « Fuis ma contagion ») et la sentence hyperbolique : « Tout ce qui n’est pas moi vaut mieux que moi ! ». L’impératif « Détrompe-toi », mis en relief au début du vers 10, vient clore ce portrait dépréciatif. Sa solitude est présentée comme une fatalité et une nécessité : « Je n’ai plus un ami qui de moi se souvienne », « Tout me quitte », « Car je dois être seul ». Enfin, dans la métaphore finale, « Je suis une force qui va ! », Hernani se présente comme dépossédé de son identité et soumis à un destin qui le dépasse. (Ce texte peut être l’occasion de définir le héros romantique.)

5 Faire des hypothèses à partir d’une lecture « balayage » 1. L’imaginaire s’impose à travers la perception d’un décor dont les éléments évoqués s’effacent peu à peu au profit d’images créant un autre univers. Le passage est constitué de deux longues phrases. Chaque phrase décrit un élément du réel (« les grands pins », le bruit des « marteaux ») qui s’efface devant l’évocation d’autres sensations ou impressions. Une lecture expressive permettra de mettre en relief la manière dont chaque phrase se déploie (emploi de la parataxe).

2. La personnification initiale, « les grands pins mélancoliques », confère à la description une charge émotionnelle accentuée par l’adjectif « grands ». La suite de la description évoque un monde de sensations visuelles et sonores : la lumière (« rayons horizontaux du soleil »), la musique (« chanson des fontaines ») et invite à la contemplation d’une autre réalité (« les routes sont belles, pures »). Dans la deuxième phrase, l’imaginaire s’impose à travers une sensation auditive transcrite par un imparfait estompant la perception du réel : « On entendait ». Le processus de métaphorisation des « marteaux [...] infinis, inlassables » vient accentuer cette métamorphose du réel. De plus, la comparaison qui suit « comme une chanson de toile » ouvre la voie d’accès à un monde imaginaire mis en

parallèle avec la réalité. Mais on constate un décalage inhabituel entre le comparant et le comparé (le bruit des « marteaux ») : le comparant est développé en une série de propositions qui estompent progressivement le comparé et font surgir une image nouvelle du monde représenté. Ainsi, dans ce texte, l’imaginaire se développe à travers des associations insolites, voire des correspondances, entre les êtres et les choses mais aussi entre les choses elles-mêmes : « chanson de toile », « bâti naïf », « lacis incessant de soucis », « la sœur même des fontaines ». Ces relations inédites imposent une vision personnelle et imaginaire du monde.

Fiche

‹·

Lecture analytique (¤)

 p. ∞‹›-∞‹∞

1 Repérer des indices en fonction des hypothèses 1. La première phrase du roman annonce un décès sur un ton de confidence : « Aujourd’hui maman est morte ». On s’attend alors à l’expression du chagrin, de la tristesse mais le narrateur ne montre aucune émotion. II semble au contraire indifférent et s’attache à des détails futiles auxquels il donne une importance inattendue.

2. Une fois le décès annoncé, le discours prend une autre direction. Il ne porte pas sur le chagrin éprouvé par cette mort mais sur le moment de la mort. Le narrateur s’interroge sur ce détail comme le montrent les indications temporelles volontairement incertaines (« Aujourd’hui [...] Ou peut-être hier »), sa lecture complète du télégramme et sa conclusion (« Cela ne veut rien dire. C’était peut-être hier »). Le narrateur s’interroge ensuite sur des aspects pratiques. À nouveau, il insiste sur des détails sans importance par rapport à l’événement premier (le décès). Les indications sur la distance et sur l’heure de son départ et de son retour relèvent encore d’une attitude étonnante : « L’asile [...] est à quatrevingts kilomètres d’Alger », « je prendrai l’autobus à deux heures », « je rentrerai demain soir ». D’autre part, au moment de demander « deux jours de congé » à son patron, le narrateur ne Fiches |


427

06/09/11 11:52

manifeste toujours pas d’émotion mais un sentiment de culpabilité excessif : « avec une excuse pareille », « ce n’est pas ma faute », « je n’aurais pas dû », « je n’avais pas à m’excuser ». De plus, le narrateur insiste de manière anormale sur l’attitude de son patron. En effet, les modalisateurs propres à l’expression de la subjectivité portent ici sur des éléments étrangers aux sentiments que l’on attendrait du narrateur : « C’était plutôt à lui […] Mais il le fera sans doute », « c’est un peu comme si », « après l’enterrement, au contraire ». Enfin, l’événement du décès semble réduit à un simple acte administratif : « ce sera une affaire classée [...] allure plus officielle ». Au final, dans l’ensemble du texte, on relèvera : – l’absence de vocabulaire de la tristesse, du chagrin, des émotions ; – la succession de considérations et d’intentions neutres, d’égale importance ; – l’emploi de phrases simples, dépouillées, allant à l’essentiel.

2 Repérer des indices en fonction des hypothèses 1. Le texte se trouve dans la section des Caractères intitulée « De la société et de la conversation » : cette section développe l’idéal de l’honnête homme, fondé sur le sens de la mesure, le respect des bienséances. Arrias incarne tout le contraire de cet idéal par : – son irrespect des bienséances : Arrias monopolise la conversation, il est indiscret, il rit aux éclats ; – son absence de tout sens de la mesure : Arrias est menteur et vaniteux, jusqu’à se mettre dans une situation embarrassante.

2. Arrias apparaît au premier plan, comme un acteur mis en scène dans un décor précis : « à la table d’un grand ». Il s’agit du contexte de la vie en société, qui renvoie au titre de la section. Dans son comportement, il apparaît seul face à des convives qui lui sont opposés par leur discrétion et leur patience. 3. Dès le début, la récurrence du pronom « il », l’anaphore de « tout » (« a tout lu, a tout vu ») et l’hyperbole (« c’est un homme universel ») posent le personnage : Arrias est un menteur et un vaniteux. La Bruyère présente ses défauts sur un ton ironique créant ainsi une complicité

avec le lecteur : « il aime mieux mentir que de se taire », « il se donne pour tel ». Arrias monopolise la parole comme le montrent l’expression « il discourt » (qui suggère l’idée de durée), suivie de l’énumération des sujets abordés, ainsi que l’accumulation des verbes : « il récite », « il les trouve », « il en rit ». De plus, l’hyperbole, « Il en rit le premier jusqu’à éclater », souligne son manque de discrétion. Cette attitude s’oppose à la discrétion des autres convives. En effet, l’intervention d’un des convives est rapportée au discours indirect alors que la réaction d’Arrias est exprimée au discours direct : à la discrétion et à la sobriété du premier qui « lui prouve nettement qu’il dit des choses qui ne sont pas vraies », s’oppose le bavardage envahissant et sans retenue d’Arrias. Ses paroles, dans lesquelles s’impose la première personne, « Je n’avance, […] je ne raconte rien que je ne sache d’original », renforcent sa suffisance et insistent sur son mensonge. De plus, ce mensonge est justifié par l’emploi d’une gradation développée en trois subordonnées relatives qui martèlent sa conviction (« que je connais familièrement, que j’ai fort interrogé, et qui ne m’a caché aucune circonstance ») et qui préparent la chute. Dans cette mise en scène, la dernière phrase au discours direct tombe comme un véritable coup de théâtre : les paroles de Sethon ruinent le discours d’Arrias qui se trouve démasqué et tourné en dérision.

3 Repérer des indices en fonction des hypothèses La représentation théâtrale est tournée en dérision par le traitement particulier des éléments qui la constituent habituellement : – Les noms des personnages : « Clov » et « Hamm ». Il s’agit de noms monosyllabiques, apparaissant comme des noms inachevés. – Les didascalies : elles permettent habituellement de donner sens et corps à l’intrigue, de soutenir la parole. Ici, la répétition de « Un temps » donne place au silence. D’une part, la mise en scène est réduite à un minimum d’indications, d’autre part, la parole, moteur de l’intrigue, perd son statut essentiel. – Le statut de la parole : elle ne permet pas de faire avancer l’intrigue comme le montre la récurrence des expressions indéfinies : « c’était vivant », « Qu’est-ce qui se passe ? », « Quelque

428 | Fiches


06/09/11 11:52

chose suit son cours », « Qu’est-ce que c’est ? », « signifier quelque chose ». La remise en question de la représentation théâtrale est également soulignée par un questionnement sur la raison d’être du théâtre : « CLOV : Pourquoi cette comédie tous les jours ? – HAMM : La routine » ; par une allusion ironique aux tentatives de démarches interprétatives : – le verbe « signifier » est répété trois fois : « HAMM : On n’est pas en train de... de... signifier quelque chose ? – CLOV : Signifier ? Nous, signifier ! » ; – la didascalie, « Rire bref », souligne le caractère dérisoire de la signification de la représentation théâtrale ; – l’exclamation familière, « Ah elle est bonne ! », semble réduire cette signification à une « bonne blague » et contribue également à la tourner en dérision ; – la phrase interro-négative, « Une intelligence [...] ne serait-elle pas tentée de se faire des idées [...] ? », exprime un doute : elle apparaît comme un avertissement, au lecteur ou au spectateur, sur l’inutilité de toute tentative d’interprétation.

4 Analyser et interpréter dans un projet de lecture 1. Projet de lecture : Comment ce poème célèbre-t-il la femme aimée ?

2. Ce poème est une déclaration d’amour qui célèbre la femme aimée : • Par la reconnaissance du poète envers ce nouvel amour : – L’anaphore du « Je t’aime » révèle la tonalité lyrique du poème ainsi que l’exaltation du sentiment amoureux. – L’expression redondante, « Je t’aime pour aimer », qui constitue un seul vers, insiste sur la gratuité du sentiment, mais aussi sur son caractère absolu. – Dans les vers 9, 10 et 13, le jeu des pronoms et le champ lexical de la vision (« refléter », « voir », « percer ») font de la femme aimée le miroir du poète : « Qui me reflète sinon toimême ; je me vois si peu ». Elle lui donne le sentiment d’exister en lui renvoyant son image. – L’absence de ponctuation et la répétition des mêmes structures syntaxiques amplifient cette célébration lyrique et insufflent un rythme au poème.

• Par la transformation du monde que cet amour entraîne : – L’anaphore de la construction « Je t’aime pour [...] pour », évoquant les effets de cet amour, souligne son caractère universel ainsi que la réconciliation du poète avec le monde. – L’accumulation de termes descriptifs évoque un retour à la vie. Le poète perçoit à nouveau les bienfaits et la beauté du monde qui l’entoure comme le suggèrent les différentes sensations : les plaisirs de la vie quotidienne (« l’odeur du pain chaud »), le rythme des saisons (« la neige qui fond pour les premières fleurs »), l’émerveillement devant la nature (« animaux purs »), la sensation de liberté (« l’odeur du grand large »). – De plus, le sentiment amoureux donne une vision du monde pleine d’harmonie et de paix. Les saisons se succèdent avec douceur : « la neige qui fond pour les premières fleurs », les animaux vivent en paix avec les hommes : « animaux purs que l’homme n’effraie pas ». • Par l’apaisement intérieur que cet amour procure : – Le poète rappelle sa souffrance passée comme l’indique le champ sémantique de la mort, de la solitude et de la misère : « étendue déserte », « toutes ces morts », « sur de la paille », « je n’ai pas pu percer le mur de mon miroir ». – L’indication temporelle, « Entre autrefois et aujourd’hui », souligne la transformation du poète grâce à l’amour qui efface les souffrances et les malheurs passés. – Ainsi, l’amour rétablit le poète dans un état d’innocence qui lui permet de renaître et de redécouvrir la vie : « Il m’a fallu apprendre mot par mot la vie / Comme on oublie » (cf. le titre du recueil, Le Phénix, animal qui renaît de ses cendres).

5 Analyser et interpréter dans un projet de lecture 1. Projet de lecture : Comment ce passage exprime-t-il la transformation intérieure de Jean Valjean ?

2. Le passage présente une progression en trois temps : l’expression de la souffrance de Jean Valjean, le retour sur sa vie passée et la prise de conscience de ses fautes, le passage du Mal vers le Bien. Fiches |


429

06/09/11 11:52

• La souffrance de Jean Valjean est exprimée dès le début par : – La répétition du verbe « pleurer » et l’adverbe de temps « longtemps ». – Les expressions hyperboliques (« à chaudes larmes », « à sanglots ») et la gradation dans les deux comparatifs « avec plus de faiblesse qu’une femme, avec plus d’effroi qu’un enfant ». • Cette souffrance provoque un retour sur sa vie passée et une prise de conscience : – Une longue phrase résume les différentes étapes de la vie de Jean Valjean. – Cette phrase, saturée de termes négatifs, insiste sur le parcours d’une vie sombre et dominée par le mal : « faute », « abrutissement », « endurcissement », « plans de vengeance », « vol », « crime », « lâche », « monstrueux ». – L’énumération de ces termes négatifs débouche sur l’émergence d’une prise de conscience symbolisée par l’apparition de la lumière : « tout cela lui revint et lui apparut clairement [...] une clarté qu’il n’avait jamais vue jusque-là ». – Cette prise de conscience est confirmée par un mouvement introspectif (« Il regarda sa vie ») et renforcée par un parallélisme : « Il regarda sa vie, et elle lui parut horrible ; son âme, et elle lui parut affreuse ». Un changement semble ainsi s’opérer à l’intérieur de Jean Valjean. • Ce changement apparaît dès le début et se voit confirmé à la fin : – Le passage de la souffrance à l’apaisement est traduit par l’image du « jour » qui apparaît progressivement et finit par s’emparer de l’existence de Jean Valjean : « Cependant un jour doux était sur cette vie ». – Le champ lexical de la lumière symbolise l’intrusion du Bien dans l’esprit de Jean Valjean. Cette intrusion, dans une âme envahie par le Mal, semble se traduire de manière douloureuse comme le suggère l’antithèse initiale : « jour ravissant et terrible à la fois ». – Ce passage du Mal vers le Bien, voire ce début de conversion, sont symbolisés par la vision mystique finale : « Il lui semblait qu’il voyait Satan à la lumière du paradis ».

6 Organiser et présenter une lecture analytique 1. Le caractère arbitraire de la justice divine et la déformation de la notion de fatalité qui en résulte sont traités par :

• Un discours structuré et convaincant : – Égisthe pose d’abord un constat, introduit par la tournure impersonnelle propre au discours démonstratif : « il est incontestable que ». De même, la construction « elles ont ceci de [...] que » relève du même type de discours. Ce constat est suivi de quatre exemples, puis d’une conclusion, introduite par « Cela correspond bien » qui la souligne clairement. – Dans l’ensemble du texte, l’absence de la première personne (l’unique « je » présent vise simplement à introduire un nouvel exemple) confère une valeur générale à la démonstration et lui donne ainsi plus de poids. – Les quatre exemples mentionnés présentent une construction régulière, renforçant ainsi la rigueur du discours (« mais »). – La permutation entre les verbes et les sujets (« La peste éclate », « la guerre se déchaîne » au lieu du contraire) contribue à souligner l’arbitraire de l’action des dieux et leur indifférence sur les conséquences de leurs actes. En effet, les exemples démontrent que, si les dieux réagissent pour punir les humains, ils ne se soucient pas de punir les vrais coupables, contrairement au sens que revêtait la fatalité dans l’Antiquité. Celui qui était poursuivi et puni par les dieux était réellement coupable. • Un langage familier et irrévérencieux : – La reprise de l’adjectif « extra-humain » contribue à mettre en doute la notion du divin. En outre, cette mise en question se poursuit au sujet de l’origine des interventions elles-mêmes : « peut laisser croire à ». – Les interventions divines sont dévalorisées par l’emploi d’expressions réductrices et péjoratives : « un travail en gros, nullement ajusté ». Ces deux expressions familières accentuent le caractère dérisoire de ces interventions. – Les termes péjoratifs désignant les dieux euxmêmes et l’objet de leurs interventions relèvent du vocabulaire de la farce (« des boxeurs aveugles, des fesseurs aveugles »). – Les métonymies « joues » et « fesses », désignant les êtres humains, accentuent avec ironie l’absurdité de l’action divine. Son caractère arbitraire et dérisoire est souligné par la répétition de l’adjectif « aveugle ». Les hommes semblent ainsi réduits à des jouets qui ne peuvent que subir les interventions divines.

430 | Fiches


06/09/11 11:52

2. Éléments pour une introduction : Dans Électre, représentée en 1937, Giraudoux reprend et revisite le mythe du personnage éponyme. Égisthe et Clytemnestre ont fait assassiner le mari de cette dernière, Agamemnon. Il reste Électre, sa fille, que le couple veut marier à un jardinier, afin de l’empêcher de suivre son vrai destin, qui leur serait funeste. Dans ce passage, Égisthe justifie son choix au « président » qui, en tant que parent du jardinier, s’inquiète de ce mariage. Lors de son plaidoyer, Égisthe est accompagné d’un mystérieux mendiant, soupçonné d’être un dieu. Égisthe trouve là l’occasion de donner sa vision de la justice divine : les dieux pratiquent une justice arbitraire. Éléments pour une conclusion : Égisthe a cherché à convaincre son interlocuteur à la fois par un discours démonstratif construit de manière rigoureuse, et par un langage imagé, et même percutant, qui ouvrent sur une vision nouvelle de la notion de fatalité. Elle n’est plus seulement cruelle, comme dans l’Antiquité, mais elle prend ici une dimension absurde.

7 Organiser et présenter une lecture analytique 1. Le poète, en évoquant la mélancolie automnale, exprime une vision du monde faite de malaise et d’angoisse : – Tout d’abord, l’automne est personnifié comme le montrent les différentes apostrophes : « Automne malade et adoré / Tu mourras ». Le poète dit sa passion pour l’automne qui est ici célébré (répétition du verbe « j’aime », v. 14). – D’autre part, le poète évoque la fin inéluctable de l’automne par l’emploi du futur simple et du futur antérieur (« Tu mourras », « l’ouragan soufflera », « il aura neigé ») et par le champ lexical de la mort et de la destruction (« malade », « mourras, « meurs »). – Mais ce déclin est associé à l’évocation de la beauté et de l’abondance comme l’indique le rapprochement des termes « ouragan » / « roseraies » et « neigé » / « vergers ». De même, les vers 6-7 contiennent des termes antinomiques connotant à la fois la mort et la vie. De cette association étroite entre déclin (« tombant sans qu’on les cueille ») et abondance, naît un sentiment de fragilité et de malaise. – Ce sentiment de malaise est accentué par l’irruption d’un monde de légende où règne la

menace de la mort : « des éperviers planent ». De même, l’angoisse est suggérée par l’apparition d’étranges figures féminines : « les nixes nicettes aux cheveux verts et naines ». – Des jeux sur les mots entretiennent cette ambiance de mystère et introduisent le thème de l’amour malheureux : « les nixes nicettes [...] qui n’ont jamais aimé ». La femme apparaît comme une créature difforme, « cheveux verts et naines », froide (froideur suggérée par la racine latine de neige : nix) et comme une victime. En effet, dans la mythologie germanique, les « nixes » représentent les âmes de jeunes filles qui se sont noyées suite à un chagrin d’amour. – De plus, les indications spatiales posent un décor dont l’imprécision contribue au mystère : « au fond du ciel », « aux lisières lointaines ». De même, les sensations auditives donnent à ce lieu une résonance mélancolique. L’emploi du pluriel estompe les contours de ce tableau automnal. – Enfin, au vers 14, l’apparition de la première personne et l’emploi de l’apostrophe constituent l’apogée de la célébration de cette saison. L’automne est décrit avec le vocabulaire des sentiments : « Le vent et la forêt qui pleurent / Toutes leurs larmes ». Le sentiment de tristesse du poète trouve un écho dans ce paysage animé de sentiments humains. De plus, la fin du poème, mimant par sa forme la chute des feuilles, renforce ce sentiment de tristesse et d’angoisse devant la fuite inéluctable du temps : « Un train qui roule », répétition de « s’écoule ».

2. Éléments pour une introduction : Alcools, publié en 1913, rassemble des poèmes composés entre 1898 et 1912. On retrouve dans « Automne malade » le thème récurrent, en poésie, du double visage de l’automne, à la fois saison des récoltes et saison du déclin. Apollinaire, qui a écrit plusieurs pièces sur cette saison, décrit l’automne comme « [sa] saison mentale » (cf. « Signe », Alcools). « Automne malade » exprime donc cette adhésion entre l’état d’esprit du poète et l’atmosphère mélancolique propre à l’automne. Éléments pour une conclusion : En somme, chez Apollinaire, l’automne apparaît comme la saison la plus favorable pour exprimer l’état d’âme du poète : malaise, incertitude et angoisse. L’évocation même de l’abondance permet de souligner la fragilité de la vie, puisque cette Fiches |


431

06/09/11 11:52

saison de « fruits mûrs » s’accompagne du déclin de la nature. Plus qu’un état d’âme, l’évocation de l’automne est à l’image de la vie elle-même : instabilité de toutes choses et fuite du temps.

Fiche

›‚

Les registres  p. ∞‹·-∞›⁄

1 Identifier Ce texte appartient au registre héroï-comique. La Fontaine emploie des expressions élevées pour traiter un sujet bas : une querelle entre deux coqs au sujet d’une poule. Il faudra donc souligner ce décalage entre les éléments triviaux et les expressions élevées relevant du registre épique. • Les éléments triviaux : – les personnages : « Deux Coqs », « une Poule », « la gent qui porte crête » ; – le lieu du combat : un poulailler ; – la cause du combat : Deux coqs qui s’affrontent au sujet d’une poule. • Les expressions relevant du registre épique : – l’amplification (hyperbole, pluriel) : « plus d’une Hélène », « longtemps [...] le combat se maintint ; – le singulier collectif : « tout le voisinage », « la gent qui porte crête » ; – le lexique du combat, du merveilleux : « la guerre allumée », « Troie », « le combat », « vaincu »…

2 Identifier Ce texte appartient au registre tragique. Le passage est dominé par l’idée de fatalité : les hommes sont les esclaves des dieux. • Principaux procédés : – Le lexique de la fatalité, du destin : « les pieds lourds et puissants de chaque Destinée / Pesaient sur chaque tête », « le doigt d’airain dans le cercle fatal ». – Le lexique du malheur, de la douleur : « leurs esclaves », « tous errants [...] en un désert sans fond ». – L’idée d’accablement et d’impuissance : « chaque front se courbait et traçait sa journée », « sans dépasser la pierre où sa ligne est bornée », « Tous errants, sans étoile ».

3 Identifier Ce texte appartient au registre lyrique. • Principaux procédés : – La première personne : « mon état est changé », « me rapprocher de vous ». – Le vocabulaire des sentiments et des émotions : « que d’amertumes se mêlent à la douceur de me rapprocher de vous », « une âme sensible », « peine et douleur ». – Les phrases exclamatives : « Que d’amertumes se mêlent à la douceur de me rapprocher de vous ! ». – Les hyperboles : « c’est un fatal présent du ciel », « dans d’absurdes maximes un obstacle invincible », etc.

4 Analyser 1. Ce texte appartient au registre lyrique. 2. Pour bien saisir la dimension lyrique de ce passage, il conviendra de souligner le rôle du chœur. Il s’agit d’un chœur de paysans qui a une double fonction dans la pièce. Ici, en particulier, il est porteur d’émotion : il personnifie le temps qui passe, le paradis perdu de l’enfance. La scène se déroule sur une place devant le château. Le dialogue de Perdican avec les paysans met en évidence les souvenirs du jeune homme et son émotion de retrouver ceux qu’il a connus. Une lecture expressive permettra de mettre en relief le lyrisme exacerbé de ce dialogue. • Principaux procédés : – Le dialogue entre Perdican et le chœur de paysans permet de rappeler les bons moments passés. On soulignera la symétrie des constructions associant les pronoms de deuxième et de première personne : « vous qui m’avez porté ». – Le vocabulaire exprimant la joie du retour sur les lieux de son enfance et l’émerveillement devant la nature : « il est plus doux de retrouver ce qu’on aime que d’embrasser un nouveau-né ». – Les phrases interrogatives soulignant l’émotion des retrouvailles : « Me reconnaissezvous ? », « N’est-ce pas vous qui m’avez porté [...] ? », « Et pourquoi donc alors ne m’embrassezvous pas [...] ? » – Les phrases exclamatives renforçant l’intensité des sentiments : « Que Dieu te bénisse, enfant de nos entrailles ! », « Voilà donc ma chère vallée ! ».

432 | Fiches


06/09/11 11:52

– Les hyperboles exprimant la fuite du temps : « en un jour tout change sous le soleil », « vous vous êtes courbés de quelques pouces vers le tombeau ».

5 Analyser 1. Ce texte relève du registre épique et pathétique. Ce passage suscite à la fois de l’admiration devant les exploits de Gavroche (registre épique) et de la compassion devant la mort de cette « petite grande âme » (registre pathétique). 2. Principaux procédés : • Procédés du registre épique : Gavroche participe à l’idéal des insurgés en allant chercher des munitions au milieu des barricades et sous les coups de feu des gardes nationaux qui s’amusent à l’ajuster. Les verbes d’action, les comparaisons, les métaphores et le lexique du merveilleux confèrent à cette scène une dimension exceptionnelle voire mythique. Ce « nain invulnérable » apparaît ainsi comme un géant affrontant et défiant la mort. – L’amplification : « Le spectacle était épouvantable », « on ne sait quel effrayant jeu de cache-cache ». – Les anaphores, les gradations : « on le visait [...] on le manquait », « ce n’était pas un enfant, ce n’était pas un homme ; c’était un étrange gamin fée ». – Le singulier collectif : «la barricade tremblait », « la barricade poussa un cri ». – Les métaphores, les comparaisons : « les balles couraient après lui », « la face camarde du spectre », « c’est comme pour le géant toucher la terre ». – La personnification des éléments inanimés : « les balles couraient après lui », « une balle [...] plus traître ». – L’accumulation des verbes d’action décrivant ses exploits : « [Gavroche] taquinait la fusillade », « Il se couchait, puis se redressait, s’effaçait […], bondissait, disparaissait, reparaissait, se sauvait, revenait ». – Le lexique du combat : « fusillé », « fusillade », « les gardes nationaux et les soldats ». – Le lexique du merveilleux : « c’était un étrange gamin fée », « le nain invulnérable », « Antée ». • Procédés du registre pathétique : Si ce passage provoque l’admiration devant les exploits de Gavroche, il est aussi émouvant car il se termine sur sa mort. L’image du « moineau

becquetant les chasseurs » suscite dès le début une certaine émotion. Le spectacle de Gavroche évoluant sous les rires des soldats qui l’ajustent et les cris de la barricade qui tremble pour lui accentuent cette charge émotive. La tension de la séquence épique se clôt sur une séquence pathétique décrivant la mise à mort de ce « gamin » qui « s’abat la face contre le pavé et ne remue plus ». Ainsi, après avoir partagé l’anxiété de la barricade, le lecteur est bouleversé par la mort de « cette petite grande âme ». – Les termes évoquant la mort de cet enfant : « une balle [...] finit par atteindre l’enfant », « il s’abattit la face contre le pavé ». – Le vocabulaire des émotions : « haletants d’anxiété », « la barricade tremblait », « effrayant jeu ». – Les détails concrets : « On vit Gavroche chanceler, puis il s’affaissa », « un long filet de sang rayait son visage », « il s’abattit la face contre le pavé, et ne remua plus ». Remarque : Le registre tragique trouve un traitement particulier dans cet extrait. Les lignes finales (qui claquent comme une nouvelle funèbre) marquent le destin du personnage terrassé par l’oppression politique. Toutefois, le tableau pathétique (figure renouvelée du sacrifice) permet d’insister sur la souffrance et de créer la compassion. La dimension mythologique du héros limite l’effet tragique puisque le personnage ne cesse de se relever, physiquement et spirituellement, contre la force qui l’accable.

6 Confronter Ces deux textes évoquent la mort. Texte A : Gervaise meurt dans le dénuement le plus absolu, seule. Ce texte relève du registre pathétique. Texte B : Manon Lescaut meurt aux côtés de son amant. Ce texte relève du registre tragique. Néanmoins, le pathétique n’est pas absent dans ce tableau de l’agonie. • Procédés du registre pathétique dans le texte A : – Le lexique de la souffrance, des malheurs : « Gervaise dura ainsi pendant des mois. Elle dégringolait plus bas encore », « la terre ne voulait pas d’elle apparemment », « Elle devenait idiote ». – L’accumulation de détails concrets et sordides : Gervaise « acceptait les dernières avanies », « elle buvait et battait les murs », « On la Fiches |


433

06/09/11 11:52

chargeait des sales commissions », « ça sentait mauvais [...] on la découvrit déjà verte, dans sa niche ». • Procédés du registre tragique dans le texte B : – Le lexique de la fatalité, du désespoir : « ce fatal et déplorable événement », « Le Ciel ne me trouva point sans doute assez rigoureusement puni ». – Le lexique du malheur, de la douleur, de la mort : « Elle me dit, d’une voix faible, qu’elle se croyait à sa dernière heure », « la fin de ses malheurs approchait », « au moment même qu’elle expirait ». – Les interpellations : « N’exigez point de moi que je vous décrive mes sentiments ». – L’idée d’accablement et d’impuissance : « C’est tout ce que j’ai la force de vous apprendre, de ce fatal et déplorable événement ». Remarque : Il s’agit d’un récit à la première personne (récit subjectif) qui vise à rendre l’attitude de Manon, simple courtisane, édifiante et admirable. Le chevalier des Grieux sait donc mobiliser les ressources du registre tragique. Cependant, des notations corporelles savent restituer la souffrance physique et morale du personnage face à la mort et susciter la pitié (le pathétique) : toucher les mains qui se refroidissent, les réchauffer contre son sein, soupirer, se tenir les mains serrées. Dans le texte A, les détails concrets de la déchéance et de la mort de Gervaise suscitent la pitié et la compassion. Dans le texte B, la mort de Manon est également émouvante. Mais cette scène prend une dimension tragique en raison de la réaction du chevalier Des Grieux qui exprime son accablement et le sentiment d’être victime de la fatalité.

7 Transposer 1. Ce texte appartient au registre didactique. • Principaux procédés : – La progression claire et logique des propos : alternance régulière entre les bienfaits de la paix et les méfaits de la guerre. – Les termes introduisant des explications : « c’est... », « La guerre est […] c’est... », « c’est-à-dire ». – Les marques de la neutralité et de l’objectivité : absence de la première personne ; réflexions générales sur la paix et son contraire, la guerre.

– Le recours à des exemples : les bienfaits (« elle favorise la population, l’agriculture) ; les méfaits (« les lois sont forcées de se taire », « elle rend incertaines la liberté et la propriété »).

2. La paix : – donne de la vigueur aux empires. – maintient l’ordre parmi les citoyens. – laisse aux lois la force qui leur est nécessaire. – favorise la population, l’agriculture et le commerce. – procure le bonheur qui est le but de toute société. – guérit les plaies dues à la guerre. Récapitulatif : La paix est « l’état naturel » des sociétés. Elle permet l’exercice normal de la justice et la prospérité économique. Pour les philosophes des Lumières, il n’y a pas de bonheur possible sans un bien-être matériel et sans un respect mutuel entre les hommes. 3. La lecture expressive de quelques textes réalisés par les élèves permettra d’identifier les procédés du registre lyrique.

8 Vers l’écriture d’invention Une lecture expressive permettra tout d’abord d’identifier le registre du texte : il s’agit du registre comique. Suite de la scène : (Dernière phrase du passage) : LUCIENNE, s’arrêtant : Monsieur, je ne puis en écouter davantage !... Sortez ! PONTAGNAC : Jamais ! LUCIENNE : Jamais ? Mais que vous ai-je fait ? PONTAGNAC : Ah ! Madame ! Si vous saviez ! LUCIENNE : Si je savais quoi ? PONTAGNAC, surpris : Eh bien ! Ce que vous me faites ! LUCIENNE : Mais je ne vous ai rien fait ! PONTAGNAC : Comment ! Comment pouvezvous être à ce point ignorante de votre propre charme... LUCIENNE : Je ne vois pas le rapport ! PONTAGNAC, à nouveau surpris : Avec quoi ? LUCIENNE : Avec ce que vous prétendez : que je vous ai fait quelque chose ! PONTAGNAC : Mais vous ne m’avez rien fait ! LUCIENNE : Ah ! Vous voyez ! PONTAGNAC, qui a perdu un peu de son élan : Madame, je ne sais comment comprendre vos paroles. Et puisque vous souhaitez que je m’en aille...

434 | Fiches


06/09/11 11:52

LUCIENNE, spontanément, se plaçant devant la porte : Ce serait trop facile ! PONTAGNAC, abasourdi : Je vous demande pardon ? LUCIENNE : Vous entrez de force chez moi, vous me courez après, vous me dites que vous m’aimez. Après cela, vous affirmez que je vous ai fait quelque chose, puis vous avouez qu’en réalité je ne vous ai rien fait ! Allez-vous finir par prétendre que, tout compte fait, vous ne m’aimez pas et que vous êtes entré chez moi par hasard ? PONTAGNAC : Non... LUCIENNE : Alors ? PONTAGNAC : Alors quoi ? LUCIENNE, barrant toujours la porte : Allez-vous enfin me dire ce que vous faites ici ?

9 Vers le commentaire 1. Ce sonnet appartient au registre satirique. • On relèvera les figures de l’exagération et les termes dévalorisants : – L’anaphore de « grave » soulignant l’attitude affectée du courtisan. – L’accumulation de verbes à l’infinitif qui caricaturent le portrait du courtisan et miment ses défauts (flatterie, hypocrisie, servilité, paraître). – Les indéfinis et les adverbes qui insistent sur la répétition mécanique et artificielle de ses gestes et paroles : « à chacun », « tous ses mots ». – La comparaison et le rythme ternaire mettent en relief sa vanité : « Et comme si l’on eût [...] Naples aussi ». – Le démonstratif péjoratif « cette » et l’antiphrase hyperbolique dénoncent l’imposture de cette cour : « Voilà de cette cour la plus grande vertu ».

2. Les Regrets ont été écrits, pour une grande partie, pendant les deux dernières années du séjour de Du Bellay à Rome. Ils paraîtront en 1558, un an après son retour à Paris. On pourrait s’étonner de trouver des poèmes satiriques dans un recueil dont le titre annonce une poésie élégiaque. Pourtant, dans Les Regrets, Du Bellay nous offre une illustration variée de la pratique de la satire. En effet, quelques sonnets sont consacrés à la critique de la cour romaine et du courtisan. Mais, si sa satire est mue par l’indignation, elle cherche aussi à faire rire comme l’annoncent les vers « »À Monsieur D’Avanson » qui ouvrent le recueil : « Et c’est pourquoy d’une doulce satyre [...] J’appreste icy le plus souvent à rire ». Nous nous demanderons donc comment s’exprime cette « doulce satyre » du courtisan.

Contrairement au mythe humaniste, Du Bellay montre la réalité de la Rome moderne. Il dresse ainsi un portrait à charge du courtisan romain qui incarne le « vice déguisé ». Les trois premières strophes sont rythmées par la succession de neuf verbes à l’infinitif décrivant les gestes, les paroles et le caractère du courtisan romain. Cette accumulation d’exemples caricature le comportement des courtisans fondé sur le paraître, l’hypocrisie et la flatterie. Cette caricature s’exprime également à travers la reprise d’un adjectif soulignant le comportement affecté du courtisan : « d’un grave pas et d’un grave sourci, / Et d’un grave souris ». L’emploi d’indéfinis et d’adverbes insiste sur la répétition mécanique de ses gestes et paroles. Le courtisan symbolise ainsi l’affectation, l’hypocrisie et le mensonge comme le prouvent la récurrence des structures binaires (« Balancer tous ses mots, répondre de la tête ») ou l’emploi d’oppositions (« un Messer non ou bien un Messer si »). De plus, la comparaison des vers 7 à 8 souligne sa vanité. Enfin, l’antiphrase du vers 12, introduite par un « Voilà », vient clore sur une tonalité ironique ce tableau des misères de la cour romaine. Pourtant, même s’il s’agit de dénoncer le mensonge et l’imposture sous le motif de réformer les mœurs, Du Bellay a choisi de placer sa satire sous le signe du « miel », c’est-à-dire du plaisir. Ainsi, le poète imite-t-il de manière comique les attitudes des courtisans. Cette parodie, qui suppose la perception permanente d’un décalage, laisse entendre la voix du poète qui alterne les paroles rapportées et les gestes des courtisans, comme dans une sorte de jeu de mime : « Messer non », « Messer si », « È cosi », « son Servitor ». Le sonnet semble ainsi tendre aux courtisans un miroir reflétant leur attitude ridicule. De plus, la construction polysyndétique confère une dynamique à cette mise en scène : « Et d’un grave », « Et d’un son Servitor », « Et, comme si l’on eût », « Et, suivant la façon ». De même, l’accumulation des verbes contribue à animer ces figures, véritables marionnettes, qui semblent évoluer sous nos yeux. Ainsi, ce procès des courtisans prend-il la forme d’une saynète pleine de vivacité et d’humour avant de se conclure sur une note déceptive qui permet de tirer une leçon de ce spectacle. En somme, dans ce sonnet, Du Bellay se plaît à montrer la cour romaine sous son véritable jour et à ôter les masques du courtisan sur un mode comique voire grotesque. Fiches |


435

06/09/11 11:52

Fiche

›⁄

Les figures de style

 p. ∞››-∞›∞

1 Identifier a. La métaphore dévalorise l’Espagne puisqu’elle l’assimile au système d’évacuation des déchets. Cette métaphore, parce qu’elle est excessive, est hyperbolique. b. Une comparaison assimile Mentor à un lion, pour symboliser sa force. De plus une gradation intensifie cette puissance (« il déchire, il égorge, il nage dans le sang ») jusqu’à l’hyperbole : « nager dans le sang ». Comme la métaphore est filée, les adversaires sont assimilés à un troupeau de brebis et les chefs de ces troupes sont identifiés à des bergers. c. C’est un chiasme qui permet de mettre en opposition deux conceptions inverses de l’existence. d. C’est un oxymore qui associe deux termes contraires. L’effroi ne procure généralement pas le plaisir, plaisir exprimé ici par l’adjectif « voluptueux ». La sensation évoquée par Flaubert est donc paradoxale.

L’auteur construit l’énumération des lignes 1 à 7 avec des parallélismes, c’est-à-dire par la répétition d’une même construction syntaxique : « des gens qui », ce qui permet de donner au groupe une unité explicitée dans l’expression « tous ces malheureux » (l. 28-29), tout en déclinant les différentes manifestations de leur souffrance : « qui pleurent », « qu’on pousse », « qui vomissent ». Une gradation peut être observée des lignes 3 à 7 : les gens d’abord « debout », « ploient », « trébuchent », « tombent », etc. Leur chute est transcrite étape par étape, comme dans un ralenti cinématographique. On peut aussi parler de parallélisme aux lignes 13 et 14 (« Des hommes qui se battent »). Les lignes 9 et 10 présentent une antépiphore : « bord de la route », ce qui permet de mettre en valeur ce lieu du départ forcé. D’ailleurs, l’antépiphore de « sur la route » structure le reste de l’extrait. La métaphore à la ligne 20 (« une valise ouverte qui crache son linge sur la route ») traduit l’intensité de la violence subie. L’auteur utilise des figures d’insistance, d’intensité et d’analogie pour traduire l’horreur de la guerre.

2 Repérer Le parallélisme principal permet de mettre en opposition deux conceptions du réalisme et d’exclure la première par l’expression de l’opposition : « non pas à nous montrer la photographie banale de la vie, mais à nous en donner la vision la plus complète ». Dans les énumérations elles-mêmes (l. 11-16), l’auteur use également d’effets de répétition : « les plus… » (trois fois), « sans… » (deux fois). Une rhétorique de l’insistance caractérise cette écriture didactique et théorique, qui relève du manifeste littéraire.

3 Repérer Les lignes 1 à 7 sont construites sur une énumération. Elle permet de rendre compte du nombre colossal de personnes forcées à l’exode par la guerre. L’énumération se poursuit tout au long de l’extrait et chaque phrase présente un élément nouveau : cela peut être un humain (« un enfant », « Maman Guite »), un animal (« un cheval »). L’auteur énumère aussi une série d’objets éparpillés pour rendre compte du désordre : « des chaises », « un seau », « un sac », « une culotte »…

4 Vers le commentaire 1. Le texte est jalonné d’antithèses : « vis » ≠ « meurs », « brule » ≠ « noie » (v. 1) ; « chaut » ≠ « froidure » (v. 2) ; « molle » ≠ « dure » (v. 3) ; « ennuis » ≠ « joie » (v. 4) ; « ris » ≠ « larmoye » (v. 5) ; « plaisir » ≠ « tourment » (v. 6) ; « s’en va » ≠ « dure » (v. 7) ; « seiche » ≠ « verdoie » (v. 8) ; « plus de douleur » (v. 10) ≠ « hors de peine » (v. 11) ; « heur » (= bonheur, v. 13) ≠ « malheur » (v. 14). De plus, ces antithèses se combinent bien souvent avec une expression hyperbolique par la présence de termes intensifs : « je meurs », « je me brule et me noie » (le sens des verbes exprime l’intensité), « chaut estreme », « et trop molle et trop dure » (superlatifs), « grands ennuis », « maint (= beaucoup) grief (= grave) tourment ». 2. Ces figures traduisent un amour passionnel qui fait passer le sujet par des états inverses et extrêmes. L’amour est présenté comme une alternance d’états d’âme et de sensations contraires

436 | Fiches


06/09/11 11:52

qui déstabilisent l’individu, ce que résume parfaitement le vers 9 : « Ainsi Amour inconstamment me meine. »

5 Vers le commentaire 1. C’est une antépiphore qui structure le dizain puisque « la beauté » est mentionnée au vers initial comme au vers final. Cette beauté est tout au long du poème mise en rapport avec l’amour que le poète porte à la destinataire du poème (« vous »).

2. Les vers 1 et 2 présentent donc cette comparaison (« Si la beauté [...] / N’était pareille à mon affection ») ainsi que les vers 5 et 6 (« Mais comme seule elle [la beauté] a perfection, / Aussi parfaite est ma vive étincelle »). La beauté de la dame et l’amour du poète sont mis sur un pied d’égalité. L’affection est reprise par une métaphore au vers 7 : « ma vive étincelle ». L’étincelle comme la flamme sont des images fréquentes pour exprimer l’intensité de l’amour. C’est un topos. La mise en rapport de l’amour et de la beauté se poursuit par le recours aux parallélismes : « l’une est céleste, l’autre est éternelle » (v. 8), « l’une est sans feu, l’autre sans cruauté » (v. 9). Enfin, les deux notions s’imbriquent dans le chiasme final (v. 10-11) pour montrer à la destinataire que sa beauté et l’amour que le poète lui porte sont voués à s’unir, à se confondre : « Telle beauté fait l’amour être belle [« amour » peut être un nom féminin au XVIe siècle] / Et tel amour aimable la beauté. »

6 Vers le commentaire 1. À l’école Thomas Diafoirus a appris : – la gradation : « saluer, reconnaître, chérir et révérer » (l. 1-2), « votre très humble, très obéissant, et très fidèle » (l. 46), – le parallélisme articulé autour d’un lien d’opposition : « le premier m’a engendré ; mais vous m’avez choisi » (l. 4-5), « Ce que je tiens de lui est un ouvrage de son corps ; mais ce que je tiens de vous est un ouvrage de votre volonté » (l. 5-8), – l’anaphore qui place « d’autant plus » en tête des propositions aux lignes 8 à 10, – la périphrase : « le Ciel vous a concédé le nom de belle-mère » (l. 22-23),

– la comparaison : Thomas se compare à la statue de Memnon (l. 32 à 36), il compare son cœur à un héliotrope (l. 39), – la métaphore : « le soleil de vos beautés » (l. 36), « les astres resplendissants de vos yeux » (l. 40), « que j’apporte […] à l’autel de vos charmes l’offrande de ce cœur » (l. 43-44). La saturation du discours par des figures de style vise à dénoncer un discours docte, pédant, boursouflé, à l’inverse d’un langage clair et limpide qui restituerait le naturel de la conversation. On peut donc parler de parodie de la rhétorique scolaire.

2. Toinette se moque avec ironie de l’expression de Thomas qui, parce qu’elle est trop recherchée, trop artificielle, paraît ridicule (l. 14-15). Thomas, obsédé par la récitation de son compliment pompeux, n’identifie pas la destinataire de ses propos et confond sa belle-mère et sa future épouse (l. 24). Son compliment est ampoulé, et, à force de multiplier les figures de style, il en devient presque incompréhensible. Par delà la dimension comique de la scène, le dramaturge oppose deux types de langage pour valoriser celui qui apparaît plus naturel (rhétorique des doctes versus langage de l’honnête homme).

7 Vers le commentaire Tout d’abord, c’est la métaphore utilisée pour désigner le système judiciaire (« cette vieille échelle boiteuse des crimes et des peines », l. 1-2) qui rend le texte expressif, parce que l’image évoque très bien la vétusté du système. La transformation de la justice, parce qu’elle vise à rétablir le bon ordre des choses, est imagée de façon militaire : « Remettez les lois au pas des mœurs » (l. 4). Le texte est rendu particulièrement dynamique par la répétition de l’impératif en tête de phrase : « Démontez-moi » (l. 1), « Songez » (l. 11), « Allez » (l. 18), etc. La seconde phrase présente ainsi une parfaite anaphore puisque « refaites » est répété en tête de chacune des propositions juxtaposées. Hugo insiste donc sur la nécessité de la réforme judiciaire. Les parallélismes, très présents dans l’extrait, ont différentes fonctions. Ils contribuent à créer un effet de scansion et un rythme régulier, propres à la dimension oratoire de ce discours. Fiches |


437

06/09/11 11:52

Cet effet s’observe aussi aux lignes 24 et 25. Le parallélisme peut répondre aussi d’une stratégie argumentative : il vise alors à retourner le discours des adversaires contre eux-mêmes aux lignes 6-10, d’autant plus que les deux phrases commencent par l’expression de la cause : « puisque ». Cette même figure de style permet d’énumérer, aux lignes 15 et 16, les noms des pays qui ont privilégié l’éducation afin de mieux dénoncer cette France qui « ne sait pas lire ». Enfin, aux lignes 11 et 12, le parallélisme met en valeur la nécessité de la création d’institutions pour tous, adultes comme enfants : « Des écoles pour les enfants, des ateliers pour les hommes. » La comparaison des hommes à des animaux (l. 24-25) explicite l’appartenance des condamnés au « type bestial ». Mais le parallélisme des lignes 28 et 29 sert à faire porter l’accusation sur le manque d’éducation qui n’a pas modifié cette bestialité.

Fiche

››

Lecture de corpus : textes et images  p. ∞∞∞-∞∞§

1 Comparer texte et image 1. Dans le texte, Pantagruel a des vaches pour nourrices ce qui implique qu’il ait besoin d’une quantité extraordinaire de lait : « Car de nourrisses il n’en eut jamais autrement » (l. 2). L’association des deux adverbes rend ici ce besoin catégorique. Pantagruel témoigne d’une extraordinaire force physique puisque l’enfant est capable, tel Hercule, de se défaire de ses liens (l. 3-4). Cette capacité se double d’une force de préhension hors du commun (l. 5) et d’une voracité remarquable que l’énumération des membres de la vache (l. 6-7) permet de décliner. De nouveau, une expression intensive, « toute dévorée » (l. 7), vient souligner le gigantisme du personnage. Un dernier élément permet de traduire ce gigantisme. Il s’agit de la relativité de mesure établie par les comparaisons : « il […] tenoit [le jarret], et le mangeoit très bien, comme vous feriez d’une saulcisse ». L’illustration de Gustave Doré représente bien le contraste entre monde des géants et monde humain. La famille de géants occupe ainsi la majorité de la surface peinte. Une diagonale située dans la partie haute de l’image relie le

regard que portent Gargantua et Grangousier au visage de leur enfant. Les traits du dessin soulignent leurs formes généreuses. Par contraste, le bas de l’image représente le monde humain et animal. Les cinq hommes qui observent Pantagruel dans son berceau paraissent minuscules, placés en-dessous des deux géants. Le contraste entre les deux sortes d’êtres se construit aussi par le contraste du nombre. Tout en étant plus nombreux, les humains sont infiniment moins visibles que les géants. De la même manière, la dizaine de vaches qui se trouve dans le berceau de Pantagruel apparaît comme une collection de petits jouets, de figurines. Le contraste s’exprime à son maximum dans la représentation de la vache tenue dans la seule main du petit géant.

2. Rabelais cherche à faire sourire son lecteur en utilisant le registre comique. Il provient du décalage créé par la démesure des actes du géant et par l’expression innocente de la satisfaction de Pantagruel (« Bon ! Bon ! Bon ! », l. 16) suite à ce qui peut apparaître, aux yeux du lecteur, comme le début d’un carnage. Rabelais recourt aussi à l’usage du burlesque (sous-registre comique) qui ravale la grandeur du sujet. En effet, tout prince que soit Pantagruel, le récit de ses actes se concentre ici sur la manière dont il se nourrit, thème tout à fait trivial et que Rabelais décline avec de nombreux termes anatomiques : « jarret », « tétin », « foye », « roignons », « os ». Ajoutons que ce comique, parce qu’il expose la dévoration, se teinte d’effroi. En effet, la vache crie « horriblement » (l. 8). On peut alors parler de grotesque : un comique bizarre, qui peut faire peur. Or, dans l’illustration de Gustave Doré, cette dévoration n’est pas transposée. En fait, elle se débarrasse des éléments triviaux et choquants pour créer une image attendrissante. Le choix de couleurs tendres contribue à créer cet effet. Les visages des géants expriment ainsi une certaine douceur et le jeune Pantagruel, plutôt que de croquer la vache qu’il tient dans la main gauche, semble bien la caresser du doigt tandis qu’il serre contre sa poitrine, d’un geste affectueux, une autre vache dans sa main droite. Les vaches ne sont donc pas présentées comme de la nourriture mais comme des animaux de compagnie, des jouets. On peut penser que le choix de Gustave Doré est ordonné par le lectorat auquel

438 | Fiches


06/09/11 11:52

il s’adresse, c’est-à-dire un jeune public, qu’il ne faut pas choquer. Le texte de Rabelais est donc épuré et l’image constitue ici une véritable réécriture.

2 Comparer texte et image 1. Il s’agit d’une étude, c’est-à-dire d’un travail préparatoire consacré à une partie de tableau ; ici, les mains d’un personnage. Elles bénéficient d’un travail approfondi sur le graphisme et la lumière alors que les bras qui les prolongent ne sont que vaguement esquissés. L’étude s’effectue généralement au fusain ou à la mine de plomb.

2. Cette focalisation du peintre sur une partie du corps trouve un écho dans les deux textes. Chacun d’eux s’emploie à décrire la main en détail, ce qui répond à la minutie de la reproduction recherchée par le peintre dans l’étude. 3. Dans le document A, l’anaphore permet tout particulièrement de mettre en valeur la main. De plus, chaque vers lui attribue une proposition subordonnée déterminative. Le poème de Théophile Gautier propose quant à lui des comparaisons (v. 6, 7) pour décrire la main et s’attache à caractériser chacune de ses parties : doigts, cambrure, pouce. Le texte présente de nombreux compléments du nom : adjectifs qualificatifs qui indiquent la teinte, la forme, le mouvement (« mate », « délicate », « fins », « florentine », etc.) et groupes prépositionnels (« une main / d’Aspasie ou de Cléopâtre », « un bel air de fierté »). 4. L’étude est destinée à la réalisation d’une œuvre aboutie qui ne se limitera pas à la reproduction du détail de la main, certainement un tableau. 5. En tant que forme courte, concentrée, le poème s’adapte bien à la considération minutieuse du détail.

3 Vers le baccalauréat 1. Les trois documents mettent en scène le peuple. Le tableau romantique d’Eugène Delacroix s’intitule ainsi La liberté guidant le peuple, « C’[est] le peuple » (l. 2) qui entonne la Marseillaise dans le texte de Flaubert. L’identité populaire se décline par la mention de professions chez Zola : « les ouvriers » (l. 5), « un bûcheron » (l. 9). Ils font référence à trois moments de révolte populaire au XIXe siècle.

Le tableau fait référence à la révolution des Trois Glorieuses. Le document 2 fait référence à la révolution de 1848 qui met fin à la monarchie de juillet. Enfin, le document 3 présente la révolte populaire qui fit suite au coup d’État du 2 décembre. Louis Napoléon Bonaparte, élu président de la République en 1848, s’attribue à cette date les pleins pouvoirs en se nommant empereur. Chacun des documents fait référence à la Révolution française de 1789 par la présence du bonnet phrygien. Il est porté par la figure allégorique de la liberté chez Delacroix. Chez Flaubert, on trouve des « bonnets rouges ». Chez Zola, le capuchon porté par la jeune porte-drapeau la coiffe « d’une sorte de bonnet phrygien » (l. 21).

2. Le registre épique s’exprime dans les trois documents. Il met en scène une action armée dans les documents 1 et 2. Dans le tableau, au centre de l’image, le poulbot parisien brandit des pistolets et le bourgeois au chapeau noir serre entre ses mains un fusil. Les conséquences funestes du combat sont figurées par l’amas de cadavres au premier plan. Le registre tragique s’associe donc ici à l’épique. Le document 2 mentionne quant à lui « casques » (l. 4) et « baïonnettes » (l. 5). Le document 3 ne mentionne pas d’arme mais il met en scène le drapeau qu’il faut porter pour représenter symboliquement la cause défendue dans le combat. On se doute qu’il s’agit ici du drapeau tricolore, celui que lève la Marianne dans le document 1. En outre, l’action, propre au registre épique, est rendue par le mouvement des corps donné par le peintre aux personnages qui figurent au centre de l’image. Ce mouvement est poursuivi à l’arrière-plan par celui de la foule. L’avancée est rendue d’autant plus remarquable qu’elle se dirige droit vers le spectateur. Dans le document 2, les termes « se précipita » (l. 3), « impétueusement » (l. 5) et « impulsion irrésistible » (l. 9) traduisent la force du mouvement. Cette force est redoublée par le recours à la comparaison (« comme un fleuve refoulé par une marée d’équinoxe », l. 7) et la métaphore (« secouant à flots vertigineux », l. 3). Les deux figures de style recourent à la mer comme comparant, masse liquide infinie et dévastatrice lorsqu’elle entre dans un mouvement brutal. Fiches |


439

06/09/11 11:52

Fiche

›§

Répondre à une question sur un corpus  p. ∞§‚-∞§⁄

1 Comprendre une question sur un corpus 1. Les mots-clés sont « débuts de roman », encore appelés incipits. Cette indication est importante puisqu’elle précise que les extraits sont pris au début des œuvres, moments qui répondent à des contraintes précises. Le lecteur découvre toute une série d’informations qui va fixer son intention et former une attente, l’amener à s’interroger. « Comment » : l’adverbe interrogatif porte sur les procédés littéraires. « L’incertitude du lecteur » : il s’agit de réfléchir à la façon dont les auteurs préparent les effets de la lecture.

2. Quelques pistes : – les informations : le lecteur s’attend à découvrir des personnages, mis en scène dans un univers spatio-temporel précis et pris au cœur d’une histoire. Les auteurs jouent avec ces attentes : qu’en sera-t-il ? – les points de vue : les extraits sont des romans. Quels sont les choix narratifs opérés par les auteurs et quelles sont les conséquences sur les connaissances délivrées au lecteur ? 3. Le paratexte est porteur d’un certain nombre d’indications : – génériques, propres au roman policier : « affaire » (Balzac), « commissaire » (Magnan), – liées à l’histoire ou à l’intrigue : « ténébreuse » (Balzac), « fantômes » (Simenon) ; – lieu : la « truffière » (Magnan) ; – les dates de publication donnent un spectre assez large, du roman réaliste du XIXe siècle avec Balzac au roman assez récent avec Magnan. Il s’agira donc d’avoir une vision relativement diachronique d’un genre.

2 Comprendre une question sur un corpus 1. Les mots-clés sont « dénoncent » : le verbe réfère à la fonction critique des textes et renvoie au genre de l’argumentation ; « procédés littéraires » : l’attention doit être portée sur l’écriture des textes, notamment les figures

de style qui permettent la dénonciation et la critique.

2. On s’interrogera principalement sur les registres liés à l’argumentation. Consulter dans le manuel de l’élève les fiches méthode 32 « La variété des registres dans l’argumentation » et 40 « Les registres ». 3. Le paratexte est porteur : – du genre des textes pour les textes B et C (encyclopédie et dictionnaire), – des dates de publication : siècle de Louis XIV (A), Lumières (B et C), XXe siècle (D), – d’une référence intertextuelle (D) et d’un thème (A).

3 Comprendre une question sur un corpus 1. Pour la première question, les mots-clés sont « effets du temps », l’expression réfère au thème poétique classique de la fuite du temps ; « description » : l’indication invite à se pencher sur un type de texte précis. Pour la seconde question, les mots-clés sont « souvenir », le terme est lié au thème relevé précédemment ; « sentiment » : la question invite à l’analyse du sentiment exprimé dans les poèmes.

2. Les questions posées invitent à l’analyse du registre lyrique (cf. manuel de l’élève, fiche 40 « Les registres »). 3. Les deux questions sont complémentaires : la première induit un relevé objectif. Il s’agit d’une première approche qui permet d’analyser la description. La seconde question appelle davantage l’analyse des effets produits par cette description dans chacun des textes. 4. Pour la première question, il faut s’attacher à une analyse stricte des effets. Pour la seconde, on attend un plan plus dialectique, voire un débat sur le ou les sentiments créés par l’évocation du souvenir de la maison natale.

4 Comprendre une question sur un corpus 1. Leur genre : – Ce sont deux textes de théâtre (indices : mise en page – noms des personnages – et didascalies,

440 | Fiches


06/09/11 11:52

mention de « scène » chez Claudel et de « prologue » chez Anouilh). – Leur place dans le texte : au début (indices : « scène première » pour Claudel et « prologue » pour Anouilh). – La forme théâtrale : la tirade et l’adresse au spectateur (indices : occurrences de « vous » qui réfèrent au spectateur). – Dimension métadiscursive (ou méta-théâtrale) : l’annoncier et le prologue préparent la réception de la pièce. L’annoncier, chez Claudel, invite les spectateurs à imaginer une situation ; le prologue, chez Anouilh, annonce la pièce à venir.

2. La différence porte sur le discours des personnages. L’annoncier, chez Claudel, plonge peu à peu le spectateur dans l’illusion théâtrale. Les verbes de vision invitent à imaginer une situation et un personnage. Le prologue, en revanche, rompt cette illusion en montrant les personnages sur scène comme des acteurs en attente de jouer la pièce. 3. Questions possibles : – comment ces deux scènes d’exposition jouentelles avec les conventions théâtrales ? – ces deux scènes d’exposition remplissent-elles leurs fonctions ? Le tableau comparatif reprendra les éléments de réponse des questions 1 et 2.

5 Analyser les textes et rédiger 1. Les mots-clés sont « Le lecteur » : la question posée porte sur la réception du texte ; « un regard critique sur les personnages » : il s’agit de s’interroger sur la façon dont les personnages sont envisagés par l’auteur et sur le regard que celui-ci invite à porter. On peut donc reformuler la question de la façon suivante : comment les textes incitent-ils le lecteur à prendre une certaine distance avec les personnages ?

2. Les points de comparaison seront les suivants : – choix narratifs et focalisation, – prise de distance des narrateurs avec leurs personnages, ironie, – objets de la critique et regard du narrateur. 3. Plan détaillé possible : 1) Des narrateurs impliqués dans leur texte 2) Des regards moqueurs et ironiques

Fiche

›‡

Comprendre un sujet d’écriture d’invention  p. ∞§›-∞§∞

1 Relier un sujet à son objet d’étude 1. Sujet A : « Le texte théâtral et sa représentation, du XVIIe siècle à nos jours ». Indices : les indications qui renvoient au lieu théâtral (« rideau », « lumières », « espace scénique », « spectacle ») et la mention explicite d’une « pièce ». Sujet B : « Le personnage de roman, du XVIIe siècle à nos jours ». Indices : « dernière page d’un roman », « personnage principal ». Sujet C : « Écriture poétique et quête de sens, du Moyen Âge à nos jours ». Indices : renvoi explicite à une « conception de la poésie », opposition passé versus présent. Sujet D : « La question de l’Homme dans les genres de l’argumentation, du XVIe siècle à nos jours ». Indices : « comprendre les hommes du passé », « imaginez le discours ».

2. Sujet A : « faites part de vos réactions ». Il y a peu d’indications de forme, sauf les restrictions à la fin du sujet, qui invitent à ne pas « raconter la pièce », ni la « résumer ». Sujet B : « réécrire la dernière page d’un roman », rappeler « le titre et l’essentiel du dénouement », « imaginez la méditation du personnage principal ». Il s’agit de rédiger un explicit, les contraintes sont fortes et le texte est guidé dans son contenu. Sujet C : il s’agit de rédiger un dialogue, c’està-dire un texte où deux voix vont exposer des arguments différents. Sujet D : il s’agit de rédiger un « discours », c’est-à-dire un texte argumentatif qui prenne la défense des « œuvres classiques », adressé à des « camarades » de classe.

2 Analyser les mots-clés d’un sujet 1. Les mots-clés sont « conception de la poésie » : il s’agit de définir de façon personnelle un genre littéraire ; « passé / présent » : l’opposition doit structurer le dialogue et l’argumentation ; « dialogue » : il s’agit de la forme imposée.

2. La dialogue peut prendre des formes multiples en fonction du ton choisi. Il peut s’agir d’un échange courtois qui fait la place belle à la Fiches |


441

06/09/11 11:52

concession : chaque participant accepte alors de prendre à son compte une part de l’argumentaire de la partie adverse. Mais le ton peut aussi être fortement polémique et l’opposition entre les deux journalistes sera plus violente.

3. Le dialogue doit opposer deux conceptions de la poésie, l’une tournée vers la célébration du passé, l’autre vers celle du présent. Les arguments pourront être de différents ordres : – esthétique : l’un pourra défendre les formes anciennes, l’autre des formes plus innovantes (liées aux nouvelles technologies par exemple), – référentielle : la poésie peut évoquer un monde ancien ou notre monde contemporain, – langagière : emploi d’un lexique et d’une syntaxe anciens, voire archaïques versus réemploi dans le langage poétique de la langue actuelle.

3 Analyser les mots-clés d’un sujet 1. Les mots-clés sont « une page de roman » : le

– le bonheur est-il dans le monde ou hors du monde ? – le bonheur se conçoit-il pour soi ou au milieu d’autrui ? – le bonheur a-t-il à voir avec l’« être » ou l’« avoir » ?

5 Cerner les contraintes 1. Les mots-clés sont « adapter pour le théâtre » : il s’agit de réécrire le texte dans un nouveau genre.

2. Le texte à écrire doit prendre la forme théâtrale (distribution de la parole entre les personnages, présence de didascalies éventuellement) et sera écrit librement en vers ou en prose. 3. Léopold tient un café et connaît Racine par ses jeunes clients qui récitent assez mal les vers d’Andromaque. S’imaginant sauver la femme d’Hector, il est un rêveur, peut-être aussi prompt à verser dans l’illusion réaliste ou théâtrale.

texte à rédiger relève d’un genre littéraire précis avec ses propres contraintes ; « lieux » et « psychologie » : le sujet appelle un texte qui mêle étroitement description d’un lieu et d’un personnage sur le plan psychologique.

6 Analyser les mots-clés d’un sujet 1. Les mots-clés sont « célébrer un objet

2. La contrainte formelle est double : écrire une « page de roman », mais aussi, à partir de la consigne, un texte descriptif, et ce à deux titres puisqu’il s’agit de décrire un lieu et, partant, un caractère.

2. Le texte doit être en prose et s’inscrire dans le genre épidictique de l’éloge. Cela implique l’emploi de termes laudatifs qui donnent une nouvelle vision d’un objet banal. Le contraste entre la nature de l’objet et ce qui est dit de lui sera très fort.

3. Le texte ne peut être platement descriptif et il faut sans nul doute penser d’abord au caractère du personnage dont il sera question. À partir de là, il s’agira d’imaginer comment le lieu peut refléter et incarner ce tempérament ou cette psychologie.

banal » : il s’agit d’un éloge paradoxal, qui s’intéresse à ce qui habituellement n’est pas considéré comme intéressant.

Fiche

›8

Rédiger un écrit d’invention  p. ∞§°-∞§·

1 Rédiger un éloge 4 Analyser les mots-clés d’un sujet 1. Les mots-clés sont « dialogue argumentatif » : il s’agit de débattre, d’échanger des arguments autour d’un thème ; « conception du bonheur » : le thème relève d’un sentiment humain fondamental.

2. « Dialogue » : à travers les deux interlocuteurs, le texte doit confronter deux conceptions différentes du bonheur. 3. Les arguments pourront s’opposer sur des éléments fondamentaux :

Critères de réussite : – emploi de procédés propres à l’éloge (vocabulaire mélioratif, figures de style), – pertinence du choix de l’objet par rapport à l’éloge proposé, – intérêt de l’éloge proposé, en particulier la façon dont il amène un nouveau regard sur l’objet en question. Pour le corrigé, on pourra se reporter au poème « La Valise », page 250 du manuel de l’élève ou se reporter au recueil Le Parti pris des choses de Francis Ponge publié en 1942.

442 | Fiches


06/09/11 11:52

2 Rédiger un hymne Pour préparer le sujet, les élèves pourront lire avec profit les textes du chapitre 3 de leur manuel et découvrir des poèmes qui proposent une vision positive à travers des hymnes notamment. Critères de réussite : – prise en compte du thème (bonheur de vivre) et de la forme (l’hymne), – pertinence du propos, évitement des clichés sur la question. À valoriser : un propos qui prendrait le contrepied du cliché selon lequel on ne fait pas de bonne littérature avec de bons sentiments et qui défendrait la thèse inverse.

3 Rédiger une lettre Pour préparer le sujet, les élèves liront avec profit les textes de Butor et de Robbe-Grillet, pages 42 et 43 de leur manuel. Critères de réussite : – défense d’une thèse : s’inscrire dans l’esthétique du Nouveau Roman, – présence d’arguments qui relèvent de la création romanesque : intrigue, personnage, etc., – exemples littéraires convaincants issus du Nouveau Roman.

4 Amplifier un texte et transposer un registre Critères de réussite : – respect de la trame donnée dans le texte romanesque, – respect de la forme théâtrale, – écriture d’un nouveau texte qui donne la parole aux personnages et déploie les bribes mises en place dans le roman. À valoriser : mise en place d’une situation burlesque (décalage entre Léopold et les autres personnages).

5 Écrire un dialogue théâtral Critères de réussite : – le point de vue d’Hector doit nécessaire s’inscrire dans la continuité de celui d’Andromaque, – il prendra en compte la réponse faite par Priam, – l’argumentaire d’Hector pourrait développer les points suivants : vouloir dépasser sa condition d’homme mortel en faisant la guerre est le

signe d’une grande vanité ; la guerre n’est en rien supérieure à la médiocrité de la vie : elle amplifie la bestialité et accroît la petitesse de l’Homme. À valoriser : les textes qui évitent les clichés sur la guerre.

6 Transformer un dialogue en monologue Critères de réussite : – reprise des éléments portés à la connaissance du lecteur par le biais de la focalisation interne et des paroles des personnages, – invention des arrière-pensées de Frédéric, – mise au jour d’une pensée à la fois tourmentée, troublée par Madame Arnoux, et d’un caractère décidé à la séduire.

Fiche

›·

Comprendre un sujet de commentaire  p. ∞‡¤-∞‡‹

1 Comprendre, caractériser et problématiser 1. Le poème de Ronsard est un sonnet. Il met en scène une femme, Hélène, et le poète lui-même. Texte descriptif et narratif se complètent. Deux thèmes se croisent : celui du temps qui passe et plus précisément de la vieillesse promise auquel Ronsard répond par le traditionnel « carpediem », mais aussi celui de la postérité littéraire dans les quatrains. Le registre est lyrique.

2. Le lecteur peut être surpris par le ton quelque peu ironique de Ronsard qui raille le dédain supposé de la Belle. Par ailleurs, l’évocation assez brutale de la mort dans le premier tercet contraste particulièrement avec les deux derniers vers. 3. Il est possible de s’interroger sur le renouvellement du thème du « carpe diem », qui se construit à partir d’une évocation lyrique de la mort à venir, mais aussi de la postérité littéraire de Ronsard qui se met en scène dans ce poème.

2 Comprendre, caractériser et problématiser 1. « Les Fenêtres » est un poème en prose, principalement descriptif. Le registre est lyrique : à Fiches |


443

06/09/11 11:52

travers la fenêtre, le poète évoque la création poétique et le pouvoir de l’imagination.

2. L’écriture poétique en prose peut toujours surprendre. Elle invite à lire la poésie ailleurs que dans les simples rimes et dans un rythme figé. Il faut aller au cœur des phrases pour découvrir la musicalité des mots. 3. On pourrait s’interroger sur la portée symbolique des « fenêtres » : simples objets du quotidien ou métaphores de la création poétique ?

3 Comprendre, caractériser et problématiser 1. Regain de Giono est un roman. L’extrait est la fin du roman, l’explicit, et il s’agit d’un texte narratif. Le lecteur lit tout à la fois une fin, mais aussi un nouveau départ pour le personnage dont la terre est pleine de promesses. La naissance à venir en est le pendant. Le thème lyrique de la renaissance est donc à l’œuvre dans l’extrait.

2. L’extrait peut surprendre par son style paratactique, en particulier au début du texte. 3. Cet extrait pose le problème de l’explicit ou de la fin du roman. Alors que le lecteur attend une clôture, la fin d’une intrigue, nous avons ici une ouverture. Est-ce paradoxal ou, au contraire, cela termine-t-il de façon satisfaisante le roman ?

Fiche

∞‚

Construire le plan détaillé d’un commentaire  p. ∞‡∞

1 Analyser méthodiquement un texte et construire un plan détaillé 1. et 2. Plan détaillé pour le commentaire : 1) Une déclaration d’amour singulière a) Étude de la situation d’énonciation : Ronsard et Hélène b) Un portrait de la « belle » âgée c) Une conclusion en forme de morale : « carpe diem » 2) De l’amour à la poésie a) Une évocation morbide du poète mort b) La postérité certaine c) Le poème pour obtenir les faveurs de la femme aimée

2 Analyser méthodiquement un texte et construire un plan détaillé 1. et 2. Plan détaillé pour le commentaire : 1) Réalisme et lyrisme a) L’évocation d’un objet banal b) Un regard neuf et paradoxal c) La mélancolie du poète 2) Une expression du bonheur a) Le plaisir de la narration chez le poète b) Raconter une autre réalité pour être au monde c) Les fenêtres, métaphores de la poésie

4 Comprendre, caractériser et problématiser 1. La Reine morte est une pièce de théâtre.

3 Analyser méthodiquement un texte et construire un plan détaillé 1. et 2. Plan détaillé pour le commentaire :

L’extrait est un dialogue entre le roi et son fils. Dans un registre polémique, le roi fait un portrait sans concession de Don Pedro. Le texte traite la question de la filiation, mais aussi du pouvoir et de la grandeur royale.

1) Une célébration de la nature a) Osmose entre le personnage et la terre b) Images de la fécondité et de la vie 2) Un dénouement tourné vers l’avenir a) Bilan de Panturle et confiance en l’avenir b) Ouverture du roman

2. L’affrontement entre les deux hommes pose la question du pouvoir de la parole. Manifestement, Ferrante maîtrise pleinement le verbe et fait un portrait qui relève de l’exécution verbale. 3. Le texte met en scène un affrontement verbal. On pourra s’interroger sur les moyens mis en œuvre pour rendre compte de la tension entre les personnages, mais aussi sur la mise en scène de l’affrontement filial.

4 Analyser méthodiquement un texte et construire un plan détaillé 1. et 2. Plan détaillé pour le commentaire : 1) Portraits croisés a) Un roi fatigué b) Un fils singulier 2) Un affrontement de générations a) Histoire d’une déception paternelle b) Haine du père, impuissance du fils

444 | Fiches


06/09/11 11:52

5 Analyser méthodiquement un texte et construire un plan détaillé 2. et 3. Plan détaillé pour le commentaire : 1) Une définition de l’amitié a) Montaigne contre l’amitié ordinaire b) L’amitié de Montaigne et La Boétie : une forme de communion difficile à expliquer 2) L’ami, un « alter ego » a) Ressemblance et identification b) Bilan de cette expérience fusionnelle Fiche

∞⁄

Rédiger un commentaire  p. ∞°‚-∞°⁄

1 Rédiger une introduction 1. et 2. Une problématique simple pourrait être : Contre quel ennemi le poète se bat-il dans le poème ? Plan pour le commentaire : 1) Les saisons, métaphores de la vie a) La jeunesse : l’été b) La vie adulte : l’automne c) L’avenir : le printemps 2) Le poète et la poésie a) La métaphore du jardin pour évoquer l’âme du poète et la création poétique b) Le sursaut créateur Pour la rédaction de l’introduction, on se reportera à la méthodologie, pages 576-577 du livre de l’élève.

2 Rédiger un axe de commentaire La rédaction de l’axe d’analyse pourra s’appuyer sur le parcours suivant : 1) Un idéal pédagogique a) fondé sur un langage de vérité b) qui s’appuie sur l’expérience c) qui doit être partagé avec l’enfant Pour la rédaction, on se reportera à la méthodologie, pages 576-577 du livre de l’élève.

c) Des repères brouillés : que sait-on ? 2) Le personnage de Queneau dans le monde a) Un personnage original et difficile à saisir b) Une existence difficile à établir c) Un monde aux frontières du surréalisme Pour la rédaction, on se reportera à la méthodologie, pages 576-577 du livre de l’élève.

4 Rédiger un commentaire La rédaction du commentaire pourra s’appuyer sur le parcours suivant : Problématique : Lorenzo parvient-il à justifier le meurtre qu’il prépare ? 1) Un personnage déterminé a) Un discours adressé à Philippe Strozzi b) Un discours agité, qui évoque la violence à venir c) Des contradictions et des paradoxes qui trahissent l’agitation du personnage 2) La justification d’un meurtre a) Pour éviter de mourir et se trouver soi-même b) Pour des raisons morales et philosophiques c) Pour des raisons politiques Pour la rédaction, on se reportera à la méthodologie, pages 576-577 du livre de l’élève.

5 Rédiger un commentaire La rédaction du commentaire pourra s’appuyer sur le parcours suivant : Problématique : En quoi la reprise de Robinson par Saint-John Perse enrichit-elle le mythe ? 1) Une reprise du mythe de Robinson a) Présence de Robinson dans le texte b) L’île c) La ville et la civilisation 2) Éloge d’une nature originelle a) Des éléments naturels en harmonie b) Un univers de sensations c) Un hommage à la nature Pour la rédaction, on se reportera à la méthodologie, pages 576-577 du livre de l’élève.

3 Rédiger un commentaire La rédaction du commentaire pourra s’appuyer sur le parcours suivant : Problématique : Queneau cherche-t-il vraiment à nous faire connaître son personnage ? 1) Complexité des choix narratifs a) Un narrateur omniprésent b) Une focalisation mouvante

Fiche

∞¤

Rédiger un commentaire comparé  p. ∞°‹

1 Comparer deux argumentations 1. et 2. La rédaction du commentaire comparé pourra s’appuyer sur le parcours suivant : Fiches |


445

06/09/11 11:52

Problématique : Anouilh réécrit-il la fable de La Fontaine ou lui donne-t-il une suite ? 1) Des éléments constants a) Des personnages symboliques identiques et un même rapport de forces b) Un même récit et un même débat 2) Mais des divergences a) Anouilh donne la parole au roseau et le fait donc évoluer b) Deux morales différentes

2 Comparer deux textes du même genre sur un même thème 1. et 2. La rédaction du commentaire pourra s’appuyer sur le parcours suivant : Problématique : Les deux textes donnent-ils la même image du poète et de la poésie ? 1) Deux détours pour peindre le poète a) Le même détour par l’image, le recours à l’arbre et à l’animal b) Le même dispositif discursif qui invite à une rétro-lecture dans le dernier quatrain 2) Le poète maudit a) Deux victimes de la violence des hommes b) Mais deux conclusions différentes : nécessité de la violence chez Gauthier pour créer une œuvre, constat amer chez Baudelaire

Fiche

∞‹

Comprendre un sujet de dissertation  p. ∞°§-∞°‡

1 Relier le sujet à son objet d’étude 1. Sujet A : « Le personnage de roman, du XVIIe

siècle à nos jours ». Indices : « le personnage de roman ». Sujet B : « Le théâtre et sa représentation, du XVIIe siècle à nos jours ». Indices : « créer un personnage », « acteur », « rôle », « personnage ». Sujet C : « Écriture poétique et quête de sens ». Indices : « Poète », « inspiration », « poète lyrique ». Sujet D : « La question de l’Homme du XVIe siècle à nos jours ». Indices : « écrivain », « œuvres », « amélioration de la société ».

2. Les pages indiquées renvoient au manuel de l’élève. Sujet A : Trois œuvres : La Princesse de Clèves de Madame de La Fayette (p. 80-81), Manon Lescaut de l’abbé Prévost (p. 51-58), Un Roi

sans divertissement de Giono (p. 78-79). Pour les extraits, on pourra se reporter dans le manuel de l’élève aux textes de Proust (p. 32-33), Sylvie Germain (p. 44) et Laclos (p. 82-83). Sujet B : Trois œuvres : Don Juan de Molière (p. 119-121), Le Mariage de Figaro de Beaumarchais (p. 130-131), Lorenzaccio de Musset (p. 143-150). Pour les extraits, on pourra se reporter aux textes de Plaute et Molière (p. 116-118) qui mettent en scène le même personnage, mais aussi au corpus « quel espace pour le chœur ? » de la séquence 9 (p. 186-187)

2 Analyser les mots-clés d’un sujet et reformuler 1. Les mots-clés sont « définition du jardin » et « poésie » : le sujet compare la définition d’un lieu et d’un genre littéraire.

2. Jaccottet donne une image particulière du jardin, isolé et coupé du monde, et le valorise avec l’adverbe « merveilleusement ». La comparaison entre le jardin et la poésie invite donc à considérer ce genre littéraire comme singulier, coupé des autres et en quelque sorte préservé dans sa pureté originelle. 3. Peut-on considérer la poésie comme un genre à part dans la littérature, conservé dans sa pureté originelle ?

3 Identifier l’implicite du sujet 1. « Au théâtre, réplique prononcée par un personnage seul ou se croyant seul sur scène » (manuel de l’élève p. 634).

2. Le reproche fait au théâtre est celui du manque de « naturel », de l’« artifice » et de l’« illusion ». 3. L’adverbe restrictif « seulement » est important dans le sujet : en forçant le trait, il invite à nuancer et oriente déjà la réflexion. Si le théâtre n’était qu’artifice et illusion, ce serait une vision assez restreinte. Or, le théâtre l’est sans doute, mais il n’est pas que cela. Ainsi, la problématique pourra porter sur l’illusion théâtrale et sur les procédés propres au genre qui permettent de la mettre en place et qui relèvent bien de l’artifice (monologue, tirade, aparté par exemple).

4 Identifier l’implicite du sujet 1. L’expression « forme littéraire » se définit par opposition à ce qu’elle n’est pas, c’est-à-dire la

446 | Fiches


06/09/11 11:52

forme ordinaire du langage et de la communication. Par « littéraire », il faut comprendre un travail particulier sur la langue, ses détours et ses subtilités. L’apologue, par exemple, est une façon d’argumenter en empruntant le détour de la fiction.

2. Le sujet pourrait être reformulé de la façon suivante : Quels procédés littéraires rendent une argumentation plus efficace que la seule argumentation directe ? 3. Le sujet oppose de façon implicite deux usages de la langue (littéraire versus non-littéraire, cf. question 1), mais pose aussi le problème de l’argumentation. Pour amener un auditoire à adhérer à une thèse ou une opinion, on peut mettre en œuvre une argumentation propre à convaincre, laquelle fait appel à la raison et à l’adhésion consciente de l’auditoire, mais il est aussi possible de séduire de façon plus insidieuse, de « charmer », au sens étymologique. 4. L’expression « dans quelle mesure » incite à évaluer et non à débattre de l’emploi de la « forme littéraire ». Il faut donc s’interroger sur les cas dans lesquels la littérature apporte une plus-value évidente.

5 Reformuler et problématiser 1. Le sujet suppose deux postures : – l’imitation du réel, une transposition fidèle qui laisserait, finalement, peu de place à l’invention et à l’imagination, – une création plus libre.

2. Reformulation du sujet : Peut-on réduire le travail du romancier à une simple copie de ce qui existe déjà dans la nature ? 3. Les textes proposés montrent bien que l’écrivain réaliste ne se contente pas de copier le réel. Dans les textes, on pourra observer : – les choix narratifs, en particulier la focalisation, qui permet d’avoir accès à autre chose qu’une simple « observation », – la place du narrateur, – la qualité des portraits et leur portée symbolique. 4. On pourra de demander quelle est la part d’invention dans l’écriture réaliste.

Fiche

∞›

Construire le plan détaillé d’une dissertation  p. ∞°·

1 Déterminer un mode de raisonnement 1. Sujet A : L’interrogation totale (« consisteelle ») et l’adverbe restrictif « seulement » invite à un débat sur la fonction de la poésie lyrique. Le raisonnement sera donc dialectique. Sujet B : L’adverbe interrogatif « comment » appelle une analyse des moyens mis en œuvre par « le théâtre » pour représenter les « relations de pouvoir ». Le raisonnement sera analytique ou thématique. Sujet C : L’expression « par quels moyens » induit un plan analytique ou thématique. Il n’y a pas de débat, mais un exposé des « moyens » mis en œuvre dans les textes littéraires. Sujet D : L’interrogation (« est-elle ») et la restriction (« seule ») posent les termes d’un débat sur la « fonction du personnage de roman ». Le raisonnement sera donc dialectique.

2 Trouver les arguments et les exemples 1. et 2. Les références sont celles du manuel de l’élève. a. Le héros est un individu parfait – Le héros a des origines épiques : il est fort et courageux (Liboko dans La Mort du Roi Tsongor, p. 99 ; Homère, Iliade, p. 410) ; – le héros est un être idéalisé, particulièrement beau (Mademoiselle de Chartres dans La Princesse de Clèves, p. 80-81) ; – le héros est aussi un être pur (personnage de Cosette, jeune fille martyr dans Les Misérables, p. 76-77). b. Le héros peut avoir des failles – Julien Sorel, dans Le Rouge et le Noir, est un héros faible physiquement et qui manque encore de courage (p. 84-85) ; – Manon Lescaut est une femme frivole (p. 51-58) ; – le héros peut aussi être un personnage très ordinaire (Jacob, sorte de picaro, dans Le Paysan parvenu, p. 26-27). c. La notion même de héros évolue au fil du temps – Le roman remet en question la notion même de héros avec Jacques le fataliste (p. 36-37) ; Fiches |


447

06/09/11 11:52

– il propose aussi des héros à la moralité condamnable (Madame de Merteuil dans Les Liaisons dangereuses, p. 82-83) ; – les héros, finalement, prennent aussi le visage des antihéros (Meursault dans L’Étranger, p. 90-91 ou Bouvard et Pécuchet, p. 38-39).

3 Trouver les arguments et les exemples Les références sont celles du manuel de l’élève. a. La littérature nous donne accès à des mondes inconnus – Découverte de l’État de nature (Rousseau, p. 322-323) ; – découverte d’autres conditions de vie (SaintExupéry, p. 326-327). b. La découverte de mondes étrangers peut nous divertir – Rappel du sens pascalien du divertissement (Pascal, p. 149) ; – découvrir l’autre (Gaugin, p. 310-311) et contempler une beauté exotique (Bougainville, p. 316). c. La découverte de mondes étrangers peut nous amener à réfléchir sur nous-mêmes – Les « cannibales » de Montaigne interrogent notre propre humanité (p. 312-313) ; – l’« indigène » face à Bougainville le remet en cause (Diderot, p. 317-318).

4 Organiser le plan 1. L’expression « dans quelle mesure » induit un raisonnement dialectique. Il s’agit d’évaluer la participation possible du spectateur dans la représentation.

2. 1) Le spectateur assiste à un spectacle, il n’est pas partie prenante a) La scène et la salle sont clairement délimitées dans la plupart des théâtres (théâtre à l’italienne par exemple), les espaces disent bien les rôles des uns et des autres b) Un texte ne varie pas en fonction de la salle, il est toujours identique 2) Pourtant, le public n’est pas neutre et peut influer sur le jeu des acteurs a) Il réagit à la pièce, parfois très explicitement par le rire par exemple b) Le texte de théâtre n’est pas un texte neutre : il est dit pour le spectateur, il lui est adressé.

5 Organiser le plan 1. à 3. A. La poésie donne une image sublimée, et donc éloignée du monde – L’emploi d’un langage travaillé, des images poétiques disent le monde autrement ; – les valeurs et les sentiments sont exaltés par la parole poétique. B. La poésie, en ce qu’elle rapporte des expériences universelles, peut nous amener à mieux vivre – Le lecteur de poésie peut identifier son propre malaise à celui du poète ; – la lecture peut devenir une expérience cathartique et éviter la souffrance au lecteur qui en tire profit.

6 Organiser le plan 1. L’expression « maniement de la scène » renvoie de façon très large à la question de la mise en scène.

2. Pour Artaud, le véritable auteur est celui qui porte le texte à la scène, c’est-à-dire le metteur en scène. 3. – En effet, le metteur en scène prend en charge une part importante du « hors-texte » : décors, costumes, lumières. – Il dirige les acteurs, qui interprètent le texte. – Il est donc un véritable auteur et peut infléchir considérablement le sens d’un texte. 4. – Il ne peut modifier les mots de l’auteur du texte. Il reste subordonné à celui-ci. – Moralement et artistiquement, il passe un contrat tacite avec l’auteur : il doit respecter son œuvre. – Une pièce de théâtre est un ensemble qui demande davantage de collaborations : celle des acteurs et même des spectateurs.

7 Organiser le plan 1. Le sujet pose une question de réception du texte romanesque par le lecteur : dans quelle mesure l’attitude d’un personnage peut-elle l’amener à le condamner ?

2. Quelques lectures possibles de héros « faillibles » : Julien Sorel dans Le Rouge et Le Noir, Manon dans Manon Lescaut, voire Meursault dans L’Étranger.

448 | Fiches


06/09/11 11:52

3. 1) Le héros peut décevoir le lecteur a) Sur le plan moral : Manon Lescaut ; b) Sur le plan psychologique et social : Meursault. 2) Mais les faiblesses du héros ne le condamnent pas forcément : elles l’humanisent a) Le roi sanguinaire prend figure humaine : Tsongor ; b) Le combat de Marie dans À l’Abri de rien et sa faiblesse psychologique provoquent l’adhésion du lecteur.

Fiche

∞∞

Rédiger une dissertation  p. ∞·›-∞·∞

1 Rédiger une introduction On pourra se reporter pour l’analyse et la problématique aux pages 584-585 du manuel de l’élève. Plan possible : 1) Des personnages ordinaires et malheureux fascinants ? a) L’intérêt pour le spectacle de la souffrance relève du voyeurisme ordinaire (la souffrance du père Goriot dans le roman de Balzac). b) Le Mal est un objet de fascination en littérature (les libertins des Liaisons dangereuses de Laclos). c) La mise en scène du malheur de personnages ordinaires peut aussi avoir une fonction cathartique (Giono, Un Roi sans divertissement). 2) Mais ce type de personnages et d’intrigues peuvent susciter le rejet a) Le réalisme a ses limites et il s’accommode volontiers d’une forme de transfiguration (voir les symboliques dans les romans de Zola, « Histoire littéraire », p. 48-49). b) On peut même préférer une certaine idéalisation du monde (romans du XVIIe siècle comme La Princesse de Clèves, mais les personnages ne sont plus si « ordinaires »). c) Il n’est pas non plus interdit de penser une littérature qui se fait porte-parole du bonheur de vivre (par exemple les romans de Delerm, très à la mode il y a quelques années). Pour la rédaction de l’introduction, se reporter à l’analyse du sujet, pages 584-585 du manuel de l’élève. Pour la méthodologie, voir page 590.

2 Rédiger une introduction On pourra se reporter pour l’analyse et la problématique à la page 585 du manuel de l’élève. Pistes pour la dissertation : 1) Dans une première partie, on pourra analyser méthodiquement les apports de la fable et de la fiction dans l’efficacité argumentative. Le point de départ pourrait être « Le Pouvoir des fables » de La Fontaine. On détaillera le genre de l’apologue. 2) Dans une seconde partie, on pourra s’arrêter sur le paradoxe suivant : l’efficacité argumentative peut être plus importante lorsque l’argumentation emprunte des détours. Pour la rédaction de l’introduction, se reporter à l’analyse du sujet aux pages 584-585. Pour la méthodologie, voir page 590.

3 Analyser un sujet et préparer un plan 1. La phase de problématisation du sujet s’arrêtera sur l’expression « qui se prend au sérieux ». À propos de la poésie, cela peut renvoyer à une expression grandiloquente, auto-centrée et coupée de son lecteur. A contrario, on pourra défendre une poésie marquée par le jeu (sur la langue, les mots, les sons, les images, etc.). On pourra formuler la problématique suivante : le sérieux a-t-il sa place en poésie ?

2. Lectures : on privilégiera les textes qui proposent une vision ludique des textes poétiques (dans le manuel de l’élève : séquence 10 « Les jeux de l’amour ») et des textes peut-être plus profonds, plus recherchés pris dans les séquences 12 et 13. 3. Plan possible : 1) La poésie, par essence, est un jeu a) Un jeu avec les formes (fixes ou libres) b) Un jeu avec les sons, la musique c) Un jeu avec les mots et les images 2) Mais le sérieux peut avoir sa place a) Par la gravité des thèmes b) Par la complexité du projet esthétique c) Mais cela doit rester accessible, faute de quoi la poésie tend vers l’hermétisme et se coupe de son lectorat

4 Rédiger une dissertation La question posée a trait à la réception des œuvres littéraires. Être sensible ou pas pose la question de Fiches |


449

06/09/11 11:52

l’illusion référentielle : l’être revient à considérer le personnage comme une personne, ne pas l’être laisse entendre que la lecture est sans effet. On pourra réfléchir à partir de la problématique suivante : dans quelle mesure doit-on prendre part à l’illusion référentielle ? On pourra développer deux parties : – Dans un premier temps, on montera qu’être « sensible » au destin des personnages revient à tomber dans le piège de l’illusion référentielle. C’est un travers que la littérature elle-même a mis en scène avec Don Quichotte. – Dans un second temps, il s’agira de voir que la lecture ne peut (ne doit) pas non plus laisser le lecteur insensible. Au contraire, la lecture n’est pas sans effet et ressentir des sentiments avec les personnages (peut-être davantage que « pour » eux) est un effet naturel.

5 Rédiger une dissertation La question posée, avec la restriction et l’interrogation totale, invite à dépasser une vision restrictive du comique qui n’aurait pour fonction que de provoquer le rire. Il est aisé de montrer que le rire peut être tout à fait sérieux. On pourra formuler la problématique : le rire doit-il être pris au sérieux ? On pourra développer deux parties : – Dans un premier temps, montrer que le rire est avant tout un mécanisme physique et que certaines recettes existent pour le provoquer. – Dans un second temps, on pourra dépasser cette image trop simple et analyser en quoi le rire a des fonctions sérieuses (thérapeutiques, cathartiques, etc.) qui dépassent le niveau le plus visible du rire.

2. On s’attachera à analyser la scène par le prisme de sa place dans la pièce et celui des attentes du public. Que nous dit ce passage sur l’intrigue ? Les personnages ? Cela correspond-il aux attentes du public ? On pourra s’inspirer du plan suivant : 1) Un début de comédie a) Une relation extra-conjugale potentielle ; b) Un mari qui se croit trompé. 2) Un jeu avec les codes du théâtre a) Maîtres, valets et confidences ; b) Le spectateur au cœur du théâtre. 3. Cette question de lecture analytique est plus pointue que la question 2. Il faut s’attacher à relire ce passage par le prisme du genre de la comédie. On pourra s’inspirer du plan suivant, proche de celui de la question 2, qui montre que le passage relève bien de ce genre. 1) Une intrigue amoureuse a) Un mari trompé ; b) Un jeune homme amoureux d’une femme mariée. 2) Une scène qui emporte le spectateur a) Rythme de la scène : entrées et sorties des personnages ; b) L’intrigue potentielle et le suspens. 4. La mise en scène proposée devra prendre en compte deux paramètres particuliers : le décor et la question des entrées et sorties des personnages. 5. Cette scène joue avec le degré de connaissances du spectateur, qui a accès à tous les dialogues et voit sous ses yeux se mettre en place l’intrigue.

2 S’exercer sur le théâtre 1. Les apartés occupent presque tout l’espace

Réussir l’épreuve orale du baccalauréat  p. ∞·°-∞··

du texte dans cet extrait. Ils permettent aux personnages d’exprimer leurs sentiments et au spectateur de les connaître.

1 S’exercer sur le théâtre 1. Le spectateur prend connaissance de l’intrigue

2. Le registre comique domine dans les apartés. Au contraire du dialogue qui est d’une extrême banalité (les personnages se saluent et commentent l’heure qu’il est), les apartés mettent au jour toute l’intrigue matrimoniale.

Fiche

∞§

par les dialogues entre les personnages principaux et les personnages secondaires. Ainsi, Marianne apprend qu’un jeune homme est amoureux d’elle par Ciuta, « une vieille femme ». Ensuite, Claudio se confie à son « valet de chambre » et lui fait part de ses soupçons d’infidélité.

3. La lecture analytique pourra analyser méthodiquement les différentes formes du comique dans cet extrait : comique de mots, de gestes, de situations et de caractères.

450 | Fiches


06/09/11 11:52

4. On pourra analyser le travail du dramaturge : – dans la construction du dialogue et des apartés, – la mise au jour progressive de l’intrigue, – le jeu sur les clichés. 5. Une réflexion peut s’engager sur la posture des corps et les moyens utilisés pour faire prononcer les apartés par les personnages dans cet extrait. 6. La réponse sera construite librement par les élèves.

3 S’exercer sur le roman 1. Cet incipit fait l’analyse d’Oran selon le prisme de la géographie urbaine et de la sociologie. Il souligne en particulier les singularités qui étonneraient le lecteur français ignorant des villes du Maghreb.

2. Le texte met en avant le rapport entre les habitants et l’argent. Il souligne la place du travail, des affaires et de l’enrichissement personnel. On apprend également la façon dont ils occupent leur temps libre le soir. 3. La question des fonctions de l’incipit renvoie à l’horizon d’attente du lecteur. On analysera ce que l’on apprend sur : – Le contexte spatio-temporel, en particulier la description de la ville et l’indication temporelle qui renvoie à un temps quelque peu imprécis, – les premiers personnages : les habitants, – ce que l’on peut soupçonner de l’intrigue, peu de choses à la vérité, mais on peut inférer quelques éléments à partir de l’analyse sociologique du paragraphe 2 et les connotations du titre. 4. Les élèves pourront répondre de différentes façons à cette question. 5. La peste est une maladie quasi mythique. Elle disparaît et le spectre de son retour plane parfois. Mais c’est aussi la « peste brune » ou le nazisme. Le renvoi aux années 40 sans autre forme de précision est une clé qui sera confirmée dans la suite du roman. Fiche

∞‡

La communication : enjeux et interactions  p. §‚⁄

1 Repérer les marques de l’oral Plusieurs indices permettent d’identifier ici une communication orale. Les interlocuteurs sont

bien présents comme l’indiquent les pronoms de la première et de la deuxième personne : « t’as raison », « j’ai convenu ». En outre, l’emploi du pronom indéfini « on » (« on est tous assis sur une grande galère, on rame tous à tour de bras ») inclut les deux interlocuteurs dans la même expérience. Par ailleurs, le locuteur emploie un niveau de langue très familier et caractéristique de l’oral : syntaxe fautive (« t’as raison »). L’intonation aussi est perceptible grâce à la ponctuation exclamative et interrogative (« Et qu’est-ce qu’on en a ? Rien ! »). Elle induit toute une gestuelle du locuteur soulignée par des mimiques facilement imaginables.

2 Identifier les types de communication On peut reconnaître à travers ces extraits les trois types de communication. Le texte A, extrait d’un chat sur internet, et le texte C, tiré d’une pièce de théâtre, sont caractéristiques de la communication directe, car l’émetteur et le récepteur sont bien présents. Le texte théâtral présente même l’originalité d’un double récepteur, le deuxième personnage, Camille, mais aussi le public. Le texte B, tiré d’un article de journal rapporte une parole différée, celle du journaliste qui analyse ici « les relations familiales ». Le récepteur ne peut donc en prendre connaissance qu’après l’acte même de communication. C’est aussi le cas du texte D, fragment de la correspondance de Madame de Sévigné que sa destinataire, sa fille, ne peut lire qu’après l’avoir reçue. Enfin, le texte E est le message vocal d’un répondeur. Ses différents récepteurs n’y ont accès qu’après son enregistrement. Il s’agit donc bien d’une communication rapportée qui transmet une parole prononcée à un autre moment et dans un autre lieu.

3 Analyser un schéma de communication Dans cet extrait théâtral, il y a bien énonciation, car Scapin et Argante échangent entre eux en présence de Sylvestre. Mais les personnages sont à tour de rôle émetteur et récepteur. Si Scapin ne s’adresse qu’à Argante (« Monsieur », « Vous vous portez bien », « Votre voyage »), celui-ci a deux destinataires, Scapin à qui il répond (« Bonjour, Scapin »), mais aussi son domestique comme le signale la didascalie (« À Sylvestre »). Par ailleurs, le lecteur et/ou le public est aussi le Fiches |


451

06/09/11 11:52

destinataire de cette énonciation théâtrale. Les personnages échangent sur un double référent. Scapin vient aux nouvelles à l’arrivée d’Argante : « Votre voyage a-t-il été bon ? », tandis qu’Argante adresse des reproches à Sylvestre : « Vous avez suivi mes ordres vraiment d’une belle manière ! ». Enfin les personnages communiquent à l’oral, qui constitue dès lors le canal de communication.

4 Identifier la ou les fonctions de communication d’un texte Deux fonctions caractérisent le texte A. Tout d’abord, la fonction expressive pour ce poème qui exprime les sentiments du poète à travers les marques de la subjectivité. On y trouve la première personne (« il pleure dans mon cœur »), mais aussi la répétition de l’invocation (« Ô bruit doux de la pluie », « Ô le chant de la pluie ! »). Enfin, deux tournures exclamatives traduisent l’émotion du poète comme « Ô bruit doux de la pluie / Par terre et sur les toits ! ». Mais le langage remplit ici aussi une fonction poétique. Tout un travail est mené sur les sonorités. La première strophe est dominée par des sonorités douces (« pleure », « cœur », « pleut », « langueur », « cœur »), tandis que les sons en [i] ne sont pas sans rappeler le bruit des gouttes d’eau dans la deuxième strophe (« bruit », « pluie », « s’ennuie », « pluie »). Ces sonorités s’accompagnent d’un rythme lent pour la première strophe dont les vers se déroulent sur l’ensemble du vers, tandis que les points d’exclamation brisent la musicalité du vers par un arrêt fort et expressif. Enfin, ce début de poème joue sur l’emploi du vocabulaire : néologisme (« Il pleure ») qui fusionne les verbes « pleurer » et « pleuvoir » et répétitions (« cœur », « pluie ») qui donnent au poème sa musicalité douce et nostalgique.

Fiche

∞°

L’implicite du discours  p. §‚‹

1 Étudier les procédés de l’implicite 1. L’extrait semble d’emblée nous présenter une espèce animale comme l’indique le thème de la première phrase : « certains animaux farouches, des mâles et des femelles ». S’il ne les nomme

pas, l’auteur évoque leur mode de vie qui paraît confirmer cette hypothèse. Tout d’abord par leur zone d’habitat (« répandus par la campagne », « attachés à la terre », « dans des tanières »), mais aussi à travers leur portrait : « noirs, livides, et tout brûlés du soleil » qui insiste sur la rudesse de leur physique. Leurs activités aussi sont caractérisées par l’animalisation (« la terre qu’ils fouillent et qu’ils remuent »). Ce n’est donc que dans la deuxième partie de l’extrait qu’on peut enfin deviner qu’il s’agit bien d’êtres humains avec la mention de leur capacité langagière (« ils ont comme une voix articulée ») péjorée cependant par l’approximation (« comme »). Des traits humains apparaissent enfin : « sur leurs pieds », « face humaine ». Une phrase confirme l’humanité des êtres décrits : « et en effet, ils sont des hommes », aussitôt modérée par les dernières précisions. Leurs maisons sont ramenées à de simples « tanières » et leur nourriture se réduit à quelques éléments de base (« pain noir, d’eau et de racines ») sans raffinement, voire sans cuisson, symbole même de l’alimentation humaine.

2. L’implicite provoque d’abord la curiosité du lecteur surpris de cette présentation énigmatique dans une œuvre de moraliste consacrée à pointer les défauts et les ridicules des hommes. La deuxième partie du texte ne peut que susciter chez lui de la compassion pour les paysans que la misère réduit quasiment à l’état animal. Leur portrait dénonce ici les difficultés de leur existence toujours menacée par la famine. Le moraliste insiste sur leur sauvagerie (« animaux farouches ») et leur manque de raffinement qui les transforme en simples « mâles » et « femelles », bien loin de la civilisation et des relations sociales. Aussi ne peuvent-ils se soucier de leur image à l’inverse des gens de Cour, lecteurs de l’ouvrage de La Bruyère. Ils sont sales (« noirs »), bruns de peau (« tout brûlés du soleil »), victimes de l’hygiène et des mauvaises maladies (« livides »). Leur travail de la terre, peu efficace, souffre des modes rudimentaires pour exploiter les champs (« qu’ils fouillent et qu’ils remuent avec une opiniâtreté invincible »). Aussi sont-ils soumis à la moindre crise : catastrophe météorologique, guerre, qui les mène à la famine et réduit leur survie : « ils vivent de pain noir, d’eau et de racines ». La Bruyère joue donc ici sur l’émotion du lecteur

452 | Fiches


06/09/11 11:52

pour l’amener à prendre conscience de la situation de la plus grande partie de la population. Mais, loin de prôner une réforme sociale, il en appelle plutôt à leur charité pour apporter une aide aux paysans dont ils ont la charge.

2 Identifier un présupposé L’argumentation de Jules Ferry repose ici sur deux présupposés. Du côté du colonisateur, la colonisation apparaît comme la meilleure réponse économique que peuvent rencontrer « les pays riches ». Elle est considérée par l’auteur comme une source de revenus (« un placement de capitaux des plus avantageux »), mais aussi comme une solution à « la crise que traversent toutes les industries européennes ». De fait, elle offre aux économies des pays colonisateurs « la création d’un débouché ». Pour les colonisés, l’auteur y trouve aussi un avantage en ce qu’il lui semble que la colonisation présente un « côté humanitaire et civilisateur ». À ses yeux, les colonisés doivent ainsi accéder à la culture européenne considérée comme la seule norme en matière de civilisation. Cette conviction se fonde à l’époque sur la représentation d’une hiérarchie des cultures partagées entre « races supérieures » et « races inferieures », d’autant plus inacceptables aujourd’hui qu’on en connaît les conséquences historiques au XXe siècle.

3 Décrypter un sous-entendu 1. Blessé par l’attitude d’Andromaque, Pyrrhus se laisse emporter par sa colère dont le champ lexical envahit sa tirade. Sa brutalité transparaît : « leur violence », « avec transport ». Il en vient à la haine de celle qu’il a aimée jusqu’à présent : « haïr », « haïsse avec fureur ». De même, son ton se fait-il menaçant comme ses paroles avec l’emploi de l’impératif (« Songez-y bien ») et celui du futur (« Je n’épargnerai rien », « Le fils me répondra »). 2. Il est alors facile de reconstituer le message sous-entendu de Pyrrhus. Puisqu’Andromaque refuse son amour, sa vengeance retombera sur le fils de celle-ci : « Le fils me répondra des mépris de la mère ». Le personnage utilise alors un chantage d’autant plus terrible qu’il en souligne toute la radicalité : « il faut désormais que mon cœur, / S’il n’aime avec transport, haïsse avec fureur ». L’héroïne est donc condamnée à une alternative, céder à Pyrrhus ou sacrifier son fils.

4 Étudier un quiproquo Tout l’extrait est construit sur un quiproquo comique. Arnolphe est aveuglé par sa jalousie et imagine que sa pupille a pu céder à Horace, son jeune amoureux. Aussi toutes ses questions sontelles connotées par une dimension sexuelle, ridiculisée par l’ambigüité de ses propos : « quelque autre chose », « Qu’est-ce qu’il vous a pris ? ». Ses réactions exagérées suscitent aussi le rire du spectateur. Tantôt elles se réduisent à des exclamations brèves comparables à des cris primaires de douleur (« Euh ! »), tantôt à de brèves analyses de la situation (« que de mystère ! »), voire de lui-même (« Je souffre en damné »). Ses tentatives pour amadouer la jeune fille tournent aussi au ridicule par leur brièveté (« Quoi ? », « Plaît-il ? ») et ne peuvent même que rebuter Agnès par leur violence (« Mon Dieu ! non. », « Ma foi, soit », « Non, non, non, non. Diantre ! » De son côté, Agnès est une jeune fille qui fait pour la première fois l’expérience de l’amour. Son caractère enfantin transparaît dans sa peur de son tuteur dont elle imagine la sévérité : « Et vous vous fâcherez peutêtre contre moi », « Vous serez en colère ». Aussi ses répliques restent-elles en suspension (« Hé ! Il m’a… », « Pris… », « Le… ») et l’amènentelles à demander de façon enfantine une garantie à Arnolphe : « Jurez donc votre foi ». L’aveu final (« Il m’a pris le ruban que vous m’aviez donné ») clôt cet extrait sur une chute, en décalage total avec les craintes d’Arnolphe. Le comique naît donc ici du quiproquo.

5 Étudier les liens de logique Diderot utilise le connecteur « et » dans cet extrait, mais celui-ci ne traduit pas le même lien logique. En effet, pour les deux premiers emplois, le connecteur souligne une relation d’opposition. Dans la phrase qui précède son emploi, le Tahitien fait une affirmation : le caractère naturel de leur mode de vie (« Nous suivons le pur instinct de la nature ») et l’absence de propriété individuelle (« Ici tout est à tous »). Dans les deux cas, le connecteur montre les contradictions du colonisateur européen préoccupé de détruire ces valeurs naturelles (« et tu as tenté d’effacer », « et tu nous as prêché je ne sais quelle distinction du tien et du mien »). Dans le troisième emploi, le connecteur exprime une relation de conséquence. Le Tahitien souligne la monstruosité de l’Européen, perverti par ses Fiches |


453

06/09/11 11:52

passions amoureuses exclusives (« vous vous êtes égorgés pour elles »). Le connecteur introduit alors la conséquence de ces crimes passionnels : « et elles nous sont revenues teintes de votre sang. ». Le Tahitien montre ainsi comment le « bon sauvage » peut perdre son innocence au contact d’une civilisation pervertie. Le connecteur « et » n’est donc pas limité à indiquer une relation d’addition, mais exprime ici une relation d’opposition ou de conséquence. Fiche

∞·

L’énonciation  p. §‚§-§‚‡

1 Identifier la situation d’énonciation 1. Le destinataire de la lettre, canal écrit de la communication, est clairement indiqué au début du texte : « Julie » que l’on retrouve aussi dans l’interpellation « mademoiselle ». On ne connaît pas ici le nom de l’émetteur, mais il indique luimême sa fonction de précepteur auprès de la jeune fille : « l’éducation d’une fille », « Fier, à mon tour, d’orner de quelques fleurs un si beau naturel ». Le jeune homme écrit à la première personne du singulier (« j’aurais », « j’espère », « je dois ») et utilise la deuxième personne du pluriel pour s’adresser à Julie (« Vous m’avez promis », « vos mœurs »).

2. Il manque plusieurs éléments du paratexte pour venir compléter toute la compréhension de la lettre, en particulier une date et un lieu ainsi que le nom de l’émetteur. 3. La relation entre les deux jeunes gens est relativement claire. Le jeune homme annonce son retrait (« il faut vous fuir ») et en indique les raisons. Car ses sentiments ont dépassé le cadre de relations qui semblait avoir été fixées au début de ses fonctions : « Vous m’avez promis de l’amitié ». Mais la fréquentation d’une jeune fille comporte des risques dont l’un et l’autre n’ont pas perçu la réalité : « ce dangereux soin », « le péril », « ma témérité ». Aussi avoue-t-il son amour à demi-mots. S’il ne peut le faire clairement (« Je ne vous dirai point que je commence à payer le prix de ma témérité »), le sujet des convenances qu’il aborde ensuite (« des discours qu’il ne vous convient pas d’entendre ») ainsi que la différence de classes (« votre naissance ») laissent deviner son amour pour Julie.

La mention de sa beauté (« vos charmes ») vient finalement confirmer l’attrait qu’elle a pour lui.

2 Analyser l’énonciation d’un discours 1. Le texte est un extrait du sermon que prononce Bossuet au moment de l’enterrement du Prince de Condé. Il veut en effet y « célébrer (sa) gloire immortelle ». Aussi s’adresse-t-il à l’héritier du mort qui mène le deuil par son statut de fils aîné du prince, « Monseigneur ». On trouve ici les pronoms attendus pour ce type de communication, première personne pour le locuteur (« j’ouvre la bouche ») et deuxième du pluriel pour le destinataire (« vous me ferez »). 2. Le paratexte nous livre les indications nécessaires pour comprendre le contexte de ce discours. Il s’agit d’une « oraison funèbre », art oratoire où brille l’auteur qui, à partir de 1671, réalise celles des proches du roi et des plus illustres courtisans. Le nom du mort nous rappelle qu’il s’agit du Grand Condé, brillant général des troupes de Louis XIV et vainqueur de plusieurs grandes batailles du règne. Bossuet y fait par ailleurs allusion à travers la question rhétorique : « Quelle partie du monde habitable n’a pas ouï les victoires du Prince de Condé ? ». Le contexte est donc parfaitement identifiable pour les auditeurs de l’oraison. 3. L’auteur exprime son admiration pour le Grand Condé. L’expression initiale « célébrer la gloire immortelle » traduit déjà ce sentiment. Mais l’orateur se sent écrasé par sa responsabilité, « je me sens également confondu » et rabaisse modestement son entreprise pour mieux valoriser le défunt (« grandeur du sujet », « inutilité du travail »). L’hyperbole seule semble alors capable d’exprimer les vertus du disparu. On la retrouve dans la question rhétorique (« quelle partie du monde ») et dans sa réponse évidente (« partout »). Aussi le défunt apparaît-il comme le sujet le plus connu (« le Français qui les vante n’apprend rien à l’étranger ») et l’oraison comme bien difficile à réaliser, car elle risque de rester « beaucoup au-dessous » des mérites réels du mort. Ainsi les procédés rhétoriques et la modalisation traduisent-ils l’admiration de Bossuet.

3 Identifier la singularité d’une situation d’énonciation 1. Le discours retranscrit un appel téléphonique à l’époque où il faut passer par un standard

454 | Fiches


06/09/11 11:52

téléphonique pour obtenir ses communications. Les standardistes peuvent alors être responsables d’erreurs de connexion : « nous sommes plusieurs sur la ligne ». Mais ce discours se présente plutôt comme un dialogue lacunaire et tronqué. Les points signalent les interventions des différents interlocuteurs dont on peut reconstituer les paroles à partir des plaintes du locuteur. Ces présences « sur la ligne » retardent donc la connexion avec le véritable destinataire du personnage qui n’intervient qu’à la fin du passage : « Ah ! enfin… c’est toi ».

2. Plusieurs interlocuteurs viennent brouiller la communication du personnage. Une femme (« Madame ») refuse de mettre fin à sa propre communication (« raccrochez »), alors qu’elle semble cherche un médecin (« mais non, ce n’est pas le docteur Schmit »), mais n’appelle pas le bon numéro (« zéro huit pas zéro sept »). Les deux femmes sont à nouveau mises en communication par la standardiste et la femme se plaint auprès du personnage (« Que voulez-vous que j’y fasse »). Une deuxième interlocutrice apparaît dans le texte (« mademoiselle »). Il s’agit de la standardiste qui effectue les connexions entre les interlocuteurs. Aussi est-elle sollicitée comme arbitre (« On me sonne et je ne peux pas parler »). Enfin le destinataire attendu est présent à la fin de l’extrait (« c’est toi »). La conversation véritable peut commencer et l’action dramatique se mettre en marche.

4 Distinguer récit et discours 1. La fable fait alterner récit et discours. Le début du passage raconte à la troisième personne du pluriel et aux temps du récit au passé, le début d’une histoire qui semble se dérouler d’elle-même : la rencontre entre la grenouille et le bœuf qui provoque la jalousie de la grenouille, puis sa métamorphose au présent de narration (« s’étend, s’enfle, et se travaille ») sous les yeux d’une autre grenouille (« ma sœur »). Un verbe de déclaration indique le premier passage au dialogue (« disant »). Cinq tirets introduisent les interventions des deux animaux qui prolongent le dialogue. Les pronoms personnels (« je », « vous ») marquent l’échange entre les interlocuteurs. Les réponses de la deuxième grenouille font progresser l’action et déclenchent la catastrophe finale (« nenni », « point du tout » », « vous n’en approchez point »). Le récit reprend sur l’étape de solution et la situation finale

(« elle creva »). Le texte se termine enfin sur la morale qui, à la troisième personne, exprime la leçon à tirer de la fable. Quoiqu’il en soit absent en apparence, elle relève du discours du moraliste.

2. Les vers 6 et 7 sont prononcés par la grenouille, héroïne de l’histoire. Puis se succèdent les interventions des deux animaux, sous forme de questions pour le personnage principal et de réponses pour l’autre grenouille.

5 Analyser l’énonciation du texte littéraire 1. Le texte appartient au genre du dictionnaire, comme le montre son entrée écrite en majuscules et le classement alphabétique des termes (« CAPUCHON »). Ce mot est complété aussi par son nombre et son genre (« s. m. »). Suit alors la mention du domaine auquel il appartient : « Hist. Ecclés. ». Mais ce dictionnaire n’est pas ordinaire car il s’agit de l’Encyclopédie dont la publication est dirigée par Diderot dans la deuxième partie du XVIIIe siècle. Nous avons à faire à un dictionnaire philosophique dont la mission dépasse la simple élucidation du sens des mots.

2. Le premier paragraphe est un discours écrit à la troisième personne, au présent et neutre de ton qui explique l’usage de l’objet désigné : « espèce de vêtements ». Il en distingue des catégories : « il y a deux sortes », fondées sur la couleur et la destination du capuchon (« blanc » / « noir », « cérémonie » / « ordinaire »). Le deuxième paragraphe développe un deuxième sens pour le mot défini (« se dit communément d’une pièce »). Mais il s’enrichit d’un récit dont le passage est marqué par le changement de temps (« fut », « voulaient »). Le philosophe sous le prétexte d’une recherche des sources se livre en réalité à une critique ironique des divisions religieuses, si graves qu’elles provoquent la rédaction de « bulles de quatre papes », mais sur un motif présenté ici comme dérisoire, le choix entre un capuchon large et un capuchon étroit. On voit comment l’apparente neutralité de l’article de dictionnaire tourne à la critique ironique des mœurs de l’époque.

6 Analyser l’énonciation du texte littéraire On retrouve dans cet extrait de Germinal toutes les caractéristiques du récit. Aucun locuteur ne semble prendre en charge l’histoire qui donne Fiches |


455

06/09/11 11:52

l’impression de se dérouler d’elle-même. Les verbes sont conjugués à la troisième personne du singulier tant à propos du héros de l’action (« suivait », « voyait », « avait ») que pour l’évocation du décor de la scène (« tachait », « se déroulait »). Le point de vue est omniscient et nous permet de connaître les sensations ou les pensées du personnage : « il n’avait la sensation de l’immense horizon plat », « une seule idée occupait sa tête vide d’ouvrier ». Rien ne renvoie non plus à la situation d’énonciation. Les pronoms personnels servent uniquement de reprises pour qualifier « l’homme ». Les indices spatio-temporels n’évoquent que le cadre rude de l’action, dans un paysage du nord de la France (« dans la plaine rase », « de Marchiennes à Montsou », « l’immense horizon plat »), pendant la nuit (« sous la nuit sans étoiles », « obscurité », « encre », « il ne voyait même pas le sol noir ») et surtout dans le froid (« souffles du vent de mars », « glacées », « lanières du vent »). L’énonciation est donc typique du récit.

7 Analyser la présence du destinataire dans le texte littéraire 1. Le texte joue ici sur la situation d’énonciation. Son début n’est pris en charge par aucun locuteur clairement identifié. Une série de questions ouvertes et mystérieuses se succèdent sans aucun indice sur cette situation d’énonciation : « Comment s’étaient-ils rencontrés ? », « comment s’appelaient-ils ? », « d’où venaientils ? » Quelques précisions comme le nom des personnages « le maître » et « Jacques » ou le verbe « disait » permettent de mettre le lecteur sur la piste d’un dialogue entre un maître et son valet. Ils semblent discuter sur le thème du destin « tout ce qui nous arrive de bien et de mal » (l. 6-7). Mais c’est l’apparition du dialogue qui donne seulement la certitude du genre du texte sans répondre toutefois aux questions posées.

2. Le paratexte fournit quelques indications : le nom des héros et leur relation, grâce au titre, ainsi que le thème traité, dans le surnom de Jacques. La date et le nom de l’auteur permettent de situer l’œuvre dans le contexte des Lumières et éventuellement dans le genre du dialogue, apprécié pour présenter un débat d’ordre philosophique. Cet incipit nous surprend car il ne répond pas aux attentes habituelles d’un début de roman. Il pose en effet des questions

qui demeurent sans réponse. Par ailleurs, le lecteur est déconcerté par l’irruption du dialogue qui semble s’égarer loin des interrogations initiales. Le lecteur reste donc dans l’attente et doit compter sur sa propre lecture pour construire une interprétation du texte.

8 Étudier l’énonciation dans un texte littéraire 1. et 2. Le texte nous présente une double situation d’énonciation. Dans la première situation, le narrateur raconte à la première personne (« me », « je vis ») une rencontre avec un aliéniste (« le médecin », « folie érotique et macabre »). Le cabinet du spécialiste est le cadre attendu de l’histoire (« dans son cabinet »). Le médecin présente un cas particulier de folie au narrateur (« nécrophilie ») dont il pense que le pittoresque peut l’intéresser (« un des déments les plus singuliers que j’ai vus »). Mais l’extrait annonce une deuxième situation d’énonciation lorsque le médecin remet au narrateur le journal du fou : « vous pouvez parcourir ce document ». Dès lors, on peut supposer un changement d’énonciation avec la dernière phrase du texte : « voici ce que contenait ce cahier ». On attend donc un discours à la première personne où le fou a transcrit les étapes de sa maladie et les réactions qu’elle a provoquées en lui. Cette double énonciation souligne ici le procédé narratif de l’enchâssement d’un récit dans un autre où la première situation d’énonciation confirme l’authenticité de la deuxième, technique assez fréquente dans les récits au XIXe siècle. Fiche

§‚

La modalisation  p. §‚·

1 Analyser la modalisation d’un texte et ses effets sur le destinataire Le narrateur parle ici « des blancs », ses compagnons de voyage en route vers l’Afrique. Son analyse pointe avec sévérité leurs défauts. Dès le début de l’extrait, il leur dénie toute humanité en les réduisant au « contenu humain du navire ». Plusieurs comparaisons les rabaissent au statut d’animaux, caractérisés par leur capacité de nuisance (« tels crapauds et vipères ») ou à celui de proies dépourvues d’intelligence (« comme des poulpes au fond d’une baignoire d’eau fadasse »).

456 | Fiches


06/09/11 11:52

Mais l’auteur dénonce aussi les tares d’un comportement humain perverti par l’alcoolisme (« dans une massive ivrognerie »), l’abandon aux vices (« l’angoissante nature des blancs, provoquée, libérée, bien débraillée enfin ») et l’aptitude au Mal (« tout comme à la guerre »). Plusieurs modalisateurs viennent renforcer cette image négative de l’Européen. L’auteur utilise ainsi des adjectifs d’ordre affectif ou appréciatif comme « désespérante » ou « angoissante », tandis que « vraie » valide le jugement de l’auteur. Un jugement de mesure transparaît encore dans les adverbes « mollement » et « bien ». Enfin le recours à l’image sous la forme des comparaisons participe aussi à la modalisation du jugement très négatif de l’auteur.

2 Conforter le repérage d’une thèse en s’appuyant sur la modalisation Don Juan revendique ici le droit à l’infidélité (« se piquer d’un faux honneur d’être fidèle ») qu’il compare à une certaine mort (« s’ensevelir », « être mort dès sa jeunesse »). Il récuse l’enfermement dans un seul amour (« Tu veux qu’on se lie à demeurer au premier objet qui nous prend ») et utilise la métaphore monastique pour en condamner l’enfermement et l’exclusion du monde social : « qu’on renonce au monde », « qu’on ait plus d’yeux pour personne ». Le personnage utilise plusieurs modalisateurs pour souligner ses affirmations. L’extrait commence ainsi sur une exclamation (« Quoi ! ») révélatrice de son indignation. De la même manière la question rhétorique (« Tu veux qu’on se lie… ») souligne l’ineptie des convictions de l’adversaire. Les adjectifs marquent aussi l’incongruité de l’infidélité, sous la forme de l’ironie (« la belle chose ») ou de l’oxymore (« faux honneur »). Des compléments circonstanciels récusent son caractère définitif (« pour toujours », « dès sa jeunesse »). Cet éloge de l’inconstance tire donc sa force des convictions mêmes de Don Juan, mais aussi de leur modalisation qui confirme les certitudes du personnage.

3 Expliciter le rôle des modalisateurs dans le registre lyrique Le poème raconte la promenade souvenir de son auteur revenu sur un lieu qu’il a jadis beaucoup fréquenté. L’emploi de la première personne et le choix des temps (présent, imparfait et passé composé) sont autant d’indices du caractère autobiographique du poème. Une certaine

mélancolie ressort de cette évocation marquée par la fuite du temps. Ainsi l’entrée semble-telle avoir vieilli (« la porte qui chancelle »), tandis que les statues se sont dégradées : « j’ai retrouvé debout la Velléda / Dont le plâtre s’écaille ». Pourtant, le poète y retrouve aussi un monde resté lui-même : « Rien n’a changé ». Les mêmes éléments décorent « le petit jardin » (« l’humble tonnelle », « le jet d’eau », « le vieux tremble »). La nature elle-même semble identique : les mêmes fleurs y sont plantées (« les roses », « les grands lys orgueilleux »), les mêmes oiseaux les survolent (« chaque alouette »). À travers ces touches impressionnistes, le lecteur ressent donc ici toute la délicatesse des sensations retrouvées dans ce jardin soumis pourtant à l’éphémère. L’adverbe « doucement », les adjectifs « petit », « humble », « argentin » et « fade » accentuent cette évocation en demi-teintes. Des compléments de temps (« toujours », « sempiternelle ») et la répétition de la comparaison « comme avant » paraissent l’inscrire dans l’éternité, impression pourtant atténuée par les deux derniers vers du poème. C’est donc l’image du réséda au parfum fade, mais insistant, qui clôt ces retrouvailles avec le passé.

4 Étudier les modalisations de l’appréciation Comme l’indique le titre de l’ouvrage, La Harpe fait ici un portrait très élogieux du dramaturge : « Il y a longtemps que ton éloge était dans mon cœur ». On y retrouve un champ lexical extrêmement positif qui traduit les sentiments de l’auteur : « admiration » ou « hommages ». Il présente Racine comme un génie qui, loin d’avoir été formé par l’éducation, a exploité des talents innés : « Un homme tel que toi ne pouvait être formé que par la nature ». Les procédés d’écriture traduisent donc l’excès des sentiments de La Harpe, comme on le voit dans les deux invocations au dramaturge (« Ô Racine ! »). L’hyperbole domine ainsi le texte (« car tu n’en as pas encore », « Un homme tel que toi », « ton excellente organisation »). Enfin, des adjectifs modalisent l’extrait dans le sens de cette admiration : « vraie et sentie », « excellente », « original ». À cette hauteur correspond proportionnellement l’humilité de La Harpe (« où j’ose apporter à tes cendres des hommages »), vaincu par l’art racinien. Fiches |


457

06/09/11 11:52

5 Identifier les procédés de l’ironie pour comprendre les effets de distanciation. Voltaire ridiculise ici la noblesse, même si le conte se déroule dans un petit état caractérisé par son éloignement et une certaine rudesse, la Westphalie. Le portrait du seigneur local et celui de sa femme sont péjorés par l’emploi de l’ironie. Le pouvoir du baron, « un des plus puissants seigneurs de Westphalie », ne s’appuie ainsi que sur la banalité de son mode de vie : « car son château avait une porte et des fenêtres ». Aucun de ses attributs ne relève de l’extraordinaire, mais tout est soumis à l’exagération ridicule et prétentieuse (« ses palefreniers » / « ses piqueurs », « le vicaire du village » / « son grand aumônier »). On sent combien le personnage n’est pas important malgré ses prétentions de pouvoir (« Ils l’appelaient tous Monseigneur ») et d’intelligence (« ils riaient quand il faisait des contes. »). De la même manière, son portrait réduit la baronne à son obésité (« environ trois cents cinquante livres ») et sa médiocrité (« faisait les honneurs de la maison avec une dignité qui la rendait encore plus respectable »). L’ironie permet donc bien ici de dénoncer les prétentions de supériorité de la noblesse du XVIIIe siècle.

Fiche

§⁄

La syntaxe de la phrase  p. §⁄⁄

1 Identifier la phrase complexe On retrouve ici plusieurs phrases complexes organisées autour d’un noyau verbal conjugué. La première moitié de l’extrait est composé de propositions reliées entre elles par la subordination. Ainsi la première phrase compte-t-elle une proposition principale (« Jacques vit… ») dont le premier groupe nominal, complément essentiel, forme une proposition infinitive (« la gueule noire du tunnel s’éclairer ») et dont le second (« la bouche d’un four ») est expansé par la proposition relative « où des fagots s’embrasent ». La phrase suivante comporte une proposition principale « ce fut » dont le groupe nominal attribut du sujet (« la machine ») est expansé par la relative (« qui en jaillit »). Le groupe

nominal « dans le fracas », complément circonstanciel placé en tête de phrase, est complété lui aussi par une relative (« qu’elle apportait »). Il en est de même pour le groupe nominal « lanterne d’avant », mis en apposition à « son gros œil rond » et dont dépend la relative « dont l’incendie troua la campagne… ». La suite du texte est constituée d’une succession de propositions indépendantes juxtaposées dont les verbes sont « c’était », « se succédèrent » et « firent défiler ». L’extrait se termine sur subordonnée circonstancielle de conséquence annoncée dans le groupe nominal qui la précède (« dans un tel vertige de vitesse ») : « que l’œil… ».

2 Distinguer coordination et subordination Dans la première phrase, il faut relever les trois propositions coordonnées dont le noyau est « vint », « naissait », « s’étaient fixés », reliées entre elles par des conjonctions de coordination (« et », « puis »). Pour les propositions subordonnées, on peut identifier les propositions relatives (« que j’appelle moi », « dont les ascendants avaient été… ») introduites par des pronoms relatifs. Dans la deuxième phrase, le schéma grammatical est plus complexe. Deux propositions sont coordonnées (« se trouvait située », « a disparu ») reliées par le coordonnant « et ». Mais trois propositions subordonnées viennent enrichir la première proposition : une proposition relative (« où se passait… »), une proposition causale (« puisque toute naissance en est… »), une autre proposition relative (« qui leur tiennent »). Si les deux relatives commencent par le pronom relatif attendu, la causale est introduite par un autre subordonnant : « puisque ».

3 Analyser la valeur de la coordination a. Le vent souffle et le roseau plie : conséquence. b. Viens nous voir demain ou passe au moins après-demain : alternative. c. Il a plié, mais il a résisté : opposition. d. Il pleut et il vente : addition. e. D’accord, mais je demande à vérifier : restriction. f. Je plie et je ne romps pas : opposition. g. Ou tu travailles ou tu ne réussiras pas ton passage : alternative.

458 | Fiches


06/09/11 11:52

4 Identifier et étudier la construction des propositions subordonnées – « Comme Françoise allait dans l’après-midi au marché de Rousseausainville-le-Pin » est une proposition à la fois de temps et de cause qui souligne la répétition de l’action principale. – « (Si bien)… qu’elle tenait à cette habitude là autant qu’aux autres » et « (si bien)… que cela l’eût autant dérangée » sont des propositions de conséquence qui montrent comment la tante s’enferme dans ses manies. – « S’il lui avait fallu » et « si elle avait dû, un autre jour, avancer son déjeuner à l’heure du samedi » sont des propositions de conditions qui envisage des hypothèses totalement impossibles dans la mécanique bien huilée de la vie de la tante. – « Comme disait Françoise » est une proposition de comparaison qui ajoute un commentaire à l’action. – « Au moment où d’habitude on a encore une heure à vivre avant la détente du repas » est une proposition de temps qui vient généraliser l’expérience connue dans la famille du narrateur. – « Que, dans quelques secondes, on allait voir arriver des endives précoces, une omelette de faveur, un bifteck immérité » est une subordonnée complétive du verbe « savait » dont elle développe le contenu.

5 Manipuler la subordination La consigne laisse toute liberté de thème pour chaque énoncé, mais on veillera à bien faire respecter les valeurs demandées pour les propositions subordonnées.

6 Interpréter le rôle de la subordination dans un texte littéraire On peut noter tout au long du texte une alternance entre propositions relatives et propositions causales. Les premières viennent enrichir les groupes nominaux qui dressent le portrait de l’homme sincère. Les causales expliquent de leur côté les raisons qui nous le font fuir. Ainsi peut-on relever comme relatives : « qui n’a que la vérité à dire », « qu’il annonce », « dont il fait profession », « qui est la plus chère des passions », « qui nous fait voir aussi difformes que nous le sommes ». On peut repérer les causales : « parce qu’il ne plaît point », « parce qu’elle est amère »,

« parce qu’elle ne porte que des fruits sauvages », « parce qu’elle humilie, parce qu’elle révolte l’orgueil, », « parce qu’elle est un peintre fidèle ». Cette mécanique logique donne ici d’autant plus de force à l’argumentation de Montesquieu. Fiche

§¤

Organisation et cohérence textuelles  p. §⁄‹

1 Identifier les liens logiques a. Je m’inquiète pour toi, car tu ne donnes aucune nouvelle. (Cause) b. Il est tombé dans l’escalier, c’est pourquoi on a dû le conduire à l’hôpital. (Conséquence) c. Le début est un peu long, mais ce film est palpitant. (Opposition) d. Mon grand-père est très âgé, pourtant il est toujours alerte. (Opposition) e. J’ai adoré ce roman, aussi ai-je emprunté toutes les autres œuvres de l’auteur. (Conséquence) f. Il a beaucoup plu, par conséquent la saison touristique n’est pas bonne. (Conséquence)

2 Comprendre le rôle des connecteurs dans la cohérence du texte Texte dans l’ordre : On ne souffre point à Genève de comédie : ce n’est pas qu’on y désapprouve les spectacles en eux-mêmes ; mais on craint, dit-on, le goût de parure, de dissipation et de libertinage que les troupes de comédiens répandent parmi la jeunesse. Cependant ne serait-il pas possible de remédier à cet inconvénient par des lois sévères et bien exécutées sur la conduite des comédiens ? Par ce moyen Genève aurait des spectacles et des mœurs, et jouirait des avantages des uns et des autres ; les représentations théâtrales formeraient le goût des citoyens, et leur donneraient une finesse de tact, une délicatesse de sentiment qu’il est très difficile d’acquérir sans ce secours.

3 Étudier les effets produits par les liens logiques Voltaire se lance ici dans une démonstration logique pour récuser la thèse de l’animal-machine : « Il me paraît presque démontré que les bêtes ne peuvent être de simples machines ». Il utilise des liens logiques pour en marquer les étapes. Dans un premier temps, il part d’un constat, l’analogie Fiches |


459

06/09/11 11:52

physiologique entre l’animal et l’homme (« les mêmes organes de sentiment que les nôtres »), puis en tire une conséquence introduite par « donc » : « s’ils ne sentent point, Dieu a fait un ouvrage inutile ». Il relance alors le raisonnement en répondant lui-même à ce dernier argument et se met à la place de son adversaire (« de votre aveu même »). C’est pourquoi il emploie le connecteur « or » qui marque une relation d’opposition. L’argumentation y suit à nouveau le même schéma : le philosophe y reprend une autre affirmation du bon sens divin : « Dieu […] ne fait rien en vain ». Puis il en tire encore une conséquence introduite par le même connecteur. Toute création divine contient sa propre finalité : « il n’a point fabriqué tant d’organes de sentiment pour qu’il n’y eut point de sentiments ». L’extrait se termine sur une conclusion générale : « donc les bêtes ne sont point de pures machines ». On peut donc en déduire que l’animal est bien doté de la pensée et d’une âme. La démonstration se veut rigoureuse par son emploi des liens logiques, cependant elle n’est pas tout à fait convaincante. Voltaire construit son raisonnement sur deux affirmations de départ qui contiennent finalement déjà leur conséquence en elles-mêmes. Par ailleurs, la référence à Dieu apparaît surtout comme un argument d’autorité qui s’auto-justifie. La démonstration peut donc sembler ici assez creuse.

4 Étudier les reprises dans un texte Tout l’extrait tire sa puissance des effets de reprises. La phrase non verbale est constituée d’une longue énumération scandée par le retour de mots ou de tournures. On peut ainsi compter la répétition à huit reprises et souvent en anaphores, du groupe nominal « le travail », mais enrichi à chaque fois par des compléments variés. Ils désignent dans une progression implacable les différentes catégories de travailleurs et dénoncent une législation qui autorise l’exploitation des plus faibles (« vieillesse », « enfance », « infirme »). Puis un deuxième système de reprises souligne la misère des ouvriers (« et souvent pas de… »). La fin de l’extrait relance une dernière énumération qui ajoute à l’évocation trois exemples plus précis, introduits à chaque fois par le même schéma grammatical, le connecteur, l’adjectif démonstratif et le nom : « et cette femme aveugle », « et ce filetier phtisique », « et cette mère épileptique ». Par ses

différentes reprises, l’évocation apparaît comme une accumulation d’horreurs qui ne peut qu’entraîner la compassion des auditeurs.

5 Analyser la progression thématique dans un portrait Le portrait suit ici une progression thématique, centrée sur le personnage de Madame Vauquer, dont le romancier fait le portrait au moment de sa première apparition dans le roman. Un rapide coup d’œil du haut vers le bas nous donne une première impression de coquetterie ratée. Elle porte un postiche mal placé (« un tour de faux cheveux mal mis ») et son « bonnet de tulle » reste bon marché. Ses « pantoufles grimacées » soulignent aussi son avarice. Quelques éléments ressortent ensuite en petites touches et pointent la laideur et l’embonpoint du personnage : « Sa face vieillotte, grassouillette », « ses petites mains potelées », « sa personne dodue », « son corsage trop plein ». Deux images renforcent encore la critique. La métaphore, « nez à bec-deperroquet », caricature l’appendice nasal et lui donne un aspect crochu peu sympathique. Elle annonce aussi une tendance au bavardage creux et mécanique. La comparaison, « comme un rat d’église », évoque un animal répugnant. Son laisser-aller transparaît par ailleurs dans son allure peu élégante : « en traînassant ses pantoufles grimacées ». Le portrait continue sur une analogie avec la pension dont elle est propriétaire. Le champ lexical insiste sur le manque d’hygiène (« suinte », « fétide, « écœurée ») et la souffrance (« le malheur », « la spéculation »). Le fin de l’extrait mêle enfin physique et caractère du personnage à travers une série d’expressions négatives. La comparaison météorologique montre son manque de chaleur (« Sa figure fraîche comme une première gelée d’automne »), tandis que ses « yeux ridés » révèlent des sentiments toujours négatifs entre le « sourire prescrit » et « l’amer renfrognement de l’escompteur ». La description du personnage annonce finalement celle du décor principal de l’action, car « toute sa personne explique la pension, comme la pension implique sa personne ». Un certain réalisme caractérise donc le portrait de Madame Vauquer, mais il est chargé de significations. Le physique de la veuve annonce sa mesquinerie et sa médiocrité. On note enfin la parfaite identité entre le personnage et le milieu dans lequel il évolue.

460 | Fiches


06/09/11 11:52

Correction Livre Francais

Recommend Documents