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ELEMENTOS DEL LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO I.
LA ILUSIÓN DEL MOVIMIENTO: El cine se basa en un efecto óptico denominado persistencia retiniana. Cuando vemos una imagen al apartarla de la vista persiste en nuestra retina durante una fracción de segundo, de modo que si inmediatamente vemos otra imagen podemos asociar ambas y así nos parece que hay movimiento. Una película es un montón de fotogramas pasando uno tras otro a 1 la velocidad adecuada para producir en el espectador esa sensación de movimiento. Muchos fueron los precursores del cine. Hubo muchos inventos que trataban de conseguir esa ilusión de movimiento. Uno de los primeros fue el zootropo, inventado por el inglés William George Horner en 1834, que consistía en un cilindro con ranuras equidistantes, de tal forma que si se pone en su interior una secuencia de dibujos y se mira a través de las ranuras, al hacer girar el cilindro se produce el efecto de animación.
II.
EL ENCUADRE: Es la composición en el contenido de la imagen. Se da por la selección de aquellos elementos de la realidad que se captarán por el objetivo de la cámara y proyectarán en la pantalla una imagen coherente de la realidad dotada de un significado específico. Con el encuadre se puede expresar una idea o transmitir un contenido simbólico a través de ciertos recursos: a. Excluir selectivamente elementos del cuadro. b. Mostrar detalles significativos o de valor simbólico. c. Organizar de manera artificial o arbitraria los elementos del cuadro. d. Modificar la inclinación de la perspectiva de observación. e. Ubicar los elementos a diferente profundidad dentro del cuadro. En nuestra vida cotidiana enfocamos con mayor atención lo que nos interesa, es decir, centramos nuestra mirada en el espacio que deseamos abarcar, esto es “ENCUADRAMOS”, “ENMARCAMOS”, DELIMITAMOS”, según las diversas formas de encuadre se dan diferentes tipos de planos.
III.
EL PLANO: Porción de la realidad que es captada por el objetivo de la cámara en una sola toma. El tamaño del plano se utiliza para acentuar el contenido dramático o narrativo dentro del filme. Los planos pueden clasificarse por: POR EL DECORADO DE LOS PLANOS PUEDEN SER: Gran Plano General: proporciona una visión muy amplia de un espacio. Su uso es fundamentalmente descriptivo. Plano General: Brinda la visión amplia de un espacio. No se alcanza a ver rostros, igualmente tiene un uso fundamentalmente descriptivo. Plano de Conjunto: La visión es más cercana, tanto así que se ve muy nítido el decorado como los personajes. De uso descriptivo y narrativo. POR LA FIGURA HUMANA LOS PLANOS PUEDEN SER: Plano entero o de figura: La persona en su totalidad de los pies a la cabeza. Plano americano: La imagen de una persona de la cabeza a las rodillas. Plano medio: La imagen de una persona de la cabeza a la cintura. Plano corto: La imagen de una persona de la cabeza al pecho. Primer plano: La imagen de la persona solo de la cabeza (el rostro) Plano de detalle: Parte del cuerpo de una persona (ojos, mano, etc.)
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IV.
V.
ÁNGULOS DE TOMA: Es el punto de vista desde el cual se toma un objetivo. Se tienen los siguientes: Normal: La cámara se sitúa horizontalmente a la altura de los ojos. Picado: Coloca la cámara encima del objetivo y lo encuadra de arriba abajo. Puede dar la sensación de aplastamiento o de degradación de un personaje. Contrapicado: Corresponde a la visión de abajo hacia arriba. Da la sensación contraria al picado, exalta al personaje. Aberrante: Coloca la cámara de forma inclinada hacia un lado u otro, brinda una visión extraña que puede ilustrar la mirada de una persona en estado de somnolencia o embriaguez.
Picado Aberran Norma Contrapic te l. ado Picado MOVIMIENTOS DE CAMARA: La cámara desplaza la mirada del espectador y permite mantener al personaje en un campo de visión. Las clases de los movimientos de cámara son: a) Panorámica: Consiste en un movimiento de cámara sobre el eje vertical u horizontal (X o Y). Normalmente la cámara está situada sobre un trípode y gira alrededor de su eje. Tiene un gran valor descriptivo y también puede tener valor narrativo. Se emplea para descubrir una acción o un escenario que no puede abarcarse de una sola vez. Su efecto práctico es similar al que se produce cuando se gira la cabeza hacia un lado u otro para visionar un gran espacio. Podemos distinguir: Horizontal: Movimiento de derecha a izquierda o viceversa Vertical: Movimiento de arriba abajo o viceversa
Universidad Alas Peruanas b) Travelling: Consiste en un desplazamiento de la cámara variando la posición de su eje. Estos movimientos suelen ser por desplazamiento de la cámara por una persona, travelling, grúa, etc. Tiene un gran valor expresivo, de relieve y perspectiva narrativa. Existen diversos tipos: Travelling hacia adelante: Avanti o avance, la cámara se acerca y refuerza la atención del espectador. Travelling hacia atrás: Retro o retroceso, la cámara se aleja. Relaja la tensión, a no ser que aparezcan otros objetos que antes no se veían, despertando nuevos focos de atención. Travelling lateral: La cámara acompaña en paralelo a un personaje que se desplaza 1 horizontalmente o muestra alguna cosa con un movimiento lateral. Permite mantener cerca la expresión del personaje que se mueve. Los objetos dan la sensación de moverse más deprisa. Travelling vertical: Diferente al anterior en el tipo de desplazamiento de la cámara. c) Movimiento compuesto: a la vez que la cámara se desplaza va girando sobre su propio eje. VI.
LA LUZ: El juego de luces y sombras, la luminosidad del aire y ambiente, los fuertes contrastes y la infinidad de tonos intermedios han sido objeto de estudio y explotación artística por parte de pintores y fotógrafos de todos los tiempos. El cine también debe tener muy en cuenta la iluminación de planos, ya que de ello tanto como los decorados depende de un modo muy particular la ambientación del film.
VII.
LA ILUMINACIÓN.- En el cine la fotografía no es un fin -como en el arte fotográfico- sino un medio. Un objeto, un personaje no iluminado, no existe para la cámara. Los objetos se elaboran por medio de la luz, cobran vida gracias a ella. La luz ayuda a dibujar los rasgos psicológicos de un personaje. La iluminación decide el tono, el clima de una historia. Da el ambiente. El cine moderno ilumina de cualquier manera porque pretende respetar la verdad de la vida. Algunos tipos de luces que se identifican son: Luz principal (key light): incide en la escena y es la zona de mayor luminosidad determina el nivel de sombra que llevará la escena y con respecto a esta se disponen las demás luces se ubica a 45° en altura. Luz de relleno (fill light): atenúa las zonas del sujeto producidas por la luz principal sin borrarla suele ser difusa la sombra nos da cuenta del volumen fuente poderosa pero aplicada suavemente ya sea rebotándolas en plumas o en paneles tamizados. Contra luz: recorta los sujetos, respecto del fondo remarca los sujetos, se puede poner detrás o lateral pero alta. Luz de fondo: acentúa áreas detrás del sujeto respecto a la posición de contra, genera áreas o zonas de luz separa el fondo respecto del sujeto en primer plano. Como modelos de iluminación se reconocen: Pictorialista: que no tiene explicación justificada para las fuentes, no se justifican en términos de composición, son para generar suspenso, tensión e incomodidad. Naturalista: es la que busca y trata de representar fielmente a la realidad.
VIII.
EL COLOR.- El color aparece en el cine, con el desarrollo del primer proceso de revelado de película en color denominado Autochrome. Mientras que la incorporación del sonido fue rápida y determinó la desaparición del relator y los músicos en vivo, el color tardó más en ser adoptado por el cine. Desde entonces se han sucedido diversas tecnologías y actualmente se colorean, digitalmente, películas en blanco y negro por hacerlas más cercanas y populares al público en general. Por los elementos químicos utilizados en los primeros celuloides, las primeras fotografías y fotogramas fueron en blanco y negro (B/N). La utilización del color en el cine procede, prácticamente, desde el inicio de este arte.
Universidad Alas Peruanas En un principio, las imágenes se coloreaban, a mano, fotograma a fotograma, con lo que esto supone para una película de tan sólo una hora de duración (más de 90.000 fotogramas). Dado el trabajo interminable que hubiese supuesto colorear así todos los films, pronto se terminó coloreando secciones de fotogramas para crear ambientes. Grises oscuros o azules para secciones en oscuridad o nocturnas, rojas para incendios, etc. Finalmente, ante la avalancha de producciones, se abandonó este método. USOS DEL COLOR EN EL CINE El color pictórico: Intenta evocar el colorido de los cuadros e incluso su composición. El color histórico: Intenta recrear la atmósfera cromática de una época. El color simbólico: Se usan los colores en determinados planos para sugerir y subrayar efectos determinados. El color psicológico: Cada color produce un efecto anímico diferente. Los colores fríos (verde, azul, violeta) deprimen y los cálidos (rojo, naranja, amarillo) exaltan. COLOR Y LA PERSPECTIVA Los colores cálidos dan impresión de proximidad, y los fríos de lejanía. También influye el valor de la intensidad tonal de cada color: los valores altos, iluminados, sugieren grandiosidad, lejanía, vacío... Los valores bajos, poco iluminados, sugieren aproximación. El color sirve para centrar la atención, favorecer el ritmo en la narración y en el montaje, y expresar con más fuerza ciertos momentos. VALOR SIMBÓLICO DEL COLOR El color no es solamente un adorno. Se logra mediante el buen uso del color aumentar o reducir la expresividad del film. El color puede crear la atmósfera necesaria para la recepción de nuestro mensaje. Los significados típicos de los colores son: Negro: formal, nítido, rico, fuerte, elegante. Azul: frío, melancolía, depresión, tranquilidad, serenidad. Oro: amor, realeza, rico, imperial. Rojo: amor pasional, ira, odio. Rosado: ternura. Anaranjado: festivo, alegre, energía, salud. Amarillo: tibieza, luz, madurez. Verde: fresco, en crecimiento, joven. Blanco: pureza, limpio nítido. IX.
LA ESCENOGRAFÍA - EL DECORADO: El decorado y su utilización nos permite, a nosotros los espectadores, estar informados sobre los personajes (en su contexto) y su destino, conocerlos mejor, tal como se nos los quiere presentar. Pues no es indiferente, si se nos presenta el caso de un avaro o de un burgués o magnate, que vive en un palacio o en una casa provinciana que si se le ve en piezas sombrías, en calles sombrías lluviosas o bien en jardines lujuriantes de la costa y en departamentos modernos de grandes edificios.
X.
EL VESTUARIO: Los vestidos al igual que el decorado, participan de la estilización del film. Logran belleza y ambientan el film.
EL SONIDO: Sus elementos fundamentales son:
La voz – palabra.- con toda la riqueza del código lingüístico. La música.- igualmente rica en capacidad expresiva. Los efectos sonoros.- con su parte de ambientación.
Favorece el ritmo de la narración. Facilita la comprensión fílmica. Revaloriza el silencio: Aporte expresivo – narrativo. Amplía las posibilidades de una interpretación simbólica y metafórica de la realidad
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Universidad Alas Peruanas El silencio.- como complemento importante para la expresión audiovisual. MAYOR CAPACIDAD DE INTROSPECCIÓN DE LOS PERSONAJES.- se ve facilitado por: Monólogo interior. El recuerdo La evocación El comentario y voz en off. a) Tipos de sonido SINCRÓNICO: el sonido corresponde a la imagen que vemos. 1 Objetivo: el sonido es exigido por un elemento materialmente visible en la imagen. Ej. Veo un auto que pasa y escucho el sonido del motor. Subjetivo: la fuente del sonido es la subjetividad del personaje a quien se ve en la imagen. Ej. Veo un soldado que en el frente, recuerda la “nana” que le cantaba su madre y escucho la “nana”. ASINCRÓNICO: El sonido no corresponde a la imagen que vemos. Objetivo: El sonido tiene relación con la acción que transcurre en la pantalla, pero no está reclamando materialmente por ningún elemento concreto de la imagen. Ej. Veo un orador que está hablando de mejorar la industria del país y escucho el himno nacional. Por lo tanto la acción del orador se encuadra en una visión patriótica. Subjetivo: El sonido no está reclamando directa ni indirectamente por la acción de la pantalla, ni guarda relación alguna, narrativa o lógica con los elementos visuales o sonoros presentes entonces en la imagen. Es el autor quien pretende establecer la relación para expresar determinados significados. Ej. Veo a unos niños jugando en el patio de una escuela y escucho una arenga de combate. XI.
LA MÚSICA: Constituye un gran medio de expresión cinematográfica, pero del cual también se abusa con frecuencia. Puede ser real, si está producida por un objeto que pertenece a la realidad captada por la cámara, o expresiva, añadida por gusto al realizador o guionista de la película. SUELE EMPLEARSE: En sustitución de un sonido real: disparos, explosiones, pasos de personajes… acompañados por una música que sustituye al sonido real. La música en este caso tiene el mismo ritmo que el sonido sustituido. En sustitución de un sonido pensado: recordado por un personaje. Un trabajador está enfermo y viejo. Toda su vida ha llevado pesados tractores. En la cama cuando piensa en sus años de trabajo, surge una música infernal que imita el ruido de los tractores. Como continuación de un grito o un ruido: un niño ve por vez primera el mar. Para expresar su alegría y asombro, se aumenta el ruido del oleaje muriendo en la arena y se transforma en una música optimista y alegre. Como ambiente de fondo: se presta al abuso. Hay muchas películas en que no deja de escucharse casi ni en un solo instante una música de fondo. Esto no suele lograr ningún efecto, a no ser la monotonía. El acompañamiento musical continuo es irreal y convierte al cine en una especie de baile u ópera sin canto y sin baile. Además la imagen es suficientemente rica como para no necesitar un comentario musical continuo.
XII.
LA ACTUACIÓN O INTERPRETACIÓN: La gran mayoría de films desarrollan su tema mediante historias que ponen en juego al ser humano. Para contarlas, el cine utiliza una persona cuyo modo de expresión procede a la vez de la imagen y del sonido: el actor. Su aporte en la creación cinematográfica varía mucho: depende del guion, las concepciones y de la autoridad del realizador, de la habilidad del actor y en fin de toda clase de consideraciones económicas bastante extrañas al arte.
Universidad Alas Peruanas DIFICULTADES DE LA INTERPRETACIÓN CINEMATOGRÁFICA: El cine impone al actor, por su naturaleza, una serie de condicionamientos que se tener presentes en el momento de hacer un juicio estético sobre una película:
deben
✾ Ausencia de contacto con el público. En el teatro el actor tiene la ventaja de comprobar la reacción que produce en el espectador, el enardecimiento de los aplausos, etc. ✾ Disciplina de la técnica. El foco, ángulo, escala, movimiento, campo…. Que dificulta la realidad y 1 espontaneidad del actor. ✾ Rodaje fragmentado. Lo cual impide al intérprete representar de un tirón y le obliga a cambiar continuamente de estado de ánimo. ✾ Obediencia total al director. Se convierte en una especie de robot en manos del director. Tiene que vibrar con él obedecerlo en los últimos detalles fielmente, pues es el director el que ha de dar continuidad a la película. Como norma general, en cine no se puede admitir la improvisación del actor. Cada acción debe estar medida. XIII.
CUALIDADES DEL ACTOR CINEMATOGRÁFICO: Dichos condicionamientos muestran cómo el actor de cine ha de poseer una serie de cualidades que le hagan apto para el nuevo medio de expresión estética. Entre otras apuntemos las siguientes: a) Sensibilidad: Es sensible el actor que percibe, que se da cuenta de las realidades que le rodean, que sabe descubrir su secreto sublime. Esta es la cualidad de artista, y por la que el actor se convierte también en creador. b) Físico: Dentro de las cualidades esenciales que necesita un actor cinematográfico, el físico es una de las más importantes. Para hacer teatro basta con “prender el papel de… …” Para hacer cine es totalmente necesario “tener cara de… …” c) Mímica: No le basta a un actor ser físicamente apto y fotogénico. Al rostro y al aspecto se ha de sumar el conocimiento de esa propia fisonomía y el saber utilizarla adecuadamente. d) Voz: Con la aparición del cine sonoro se hizo esencial también esta nueva cualidad del actor: poseer voz. Una vez que se adecue a los gestos del actor, con la riqueza de matices que pide la índole del personaje. La voz no es meramente la capacidad de expresar con los sonidos de palabras los elementos de un diálogo. Se requiere más: un esfuerzo del espíritu sin el cual desaparece la expresión y significación para convertirse en mero sonido. La comunicación emocional se consigue por una exteriorización del pensamiento a través del estado de ánimo del personaje. Para ello es también importante el frecuente ejercicio práctico. e) Compenetración: Proceso por el que todo actor, después de conocer y comprender completamente su personaje, debe asimilarlo y hacerlo nacer en sí mismo. La compenetración con el personaje supone en el actor una capacidad estética suficiente para captar todos los valores que incluso “malos” de las películas han de tener.
XIV.
EL CINE COMO NARRACIÓN: a) EL TIEMPO EN EL CINE: La primera idea trata del tiempo. Siempre que se cuenta una historia se está haciendo uso del tiempo. Una película es una serie de acontecimientos que siguen los unos detrás de los otros. No importa que haya un solo acontecimiento. En este caso también hay tiempo: el que tarda en suceder el acontecimiento. El autor de la película puede hacer con el tiempo de la historia lo que quiera. En cambio no podemos modificar el tiempo real. Si la historia que se cuenta incluye un período de treinta años, el autor puede contarlos en noventa minutos. Del mismo modo puede hacer que media hora real dure hora y media en la pantalla. Se puede adelantar el tiempo futuro y se puede retroceder, hasta el pasado. Vamos a ver las principales formas de utilización del tiempo en una historia:
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✾ Adecuación: El tiempo de la historia que se está contando es el mismo que dura la proyección de la película. La retransmisión televisiva de un partido de fútbol o la película. Solo ante el peligro, son muestras de adecuación al tiempo real. Reducción.-Años y meses pueden reducirse a minutos, a horas. Los cuarenta años que los israelitas estuvieron por el desierto se han reducido en la película 1 Los Diez Mandamientos a tres horas. Alargamiento: En la película Orfeo, el cartero introduce una carta en el buzón, y en el tiempo en el que la carta se deposita en el fondo se desarrollan quince o veinte minutos de la acción de la película, en la cual los protagonistas traspasan el muro de los espejos para volver a la habitación más tarde, justo en el instante en que la carta se deposita en el fondo del buzón. En un instante han ocurrido muchas, cosas. Continuidad: La historia se cuenta de principio a fin y en orden. Ejemplo: primero sucedió esto y luego lo otro. Acciones paralelas: Alternan, se mezclan en la pantalla dos historias que están sucediendo a la vez. Los malos van a matar a la protagonista y el chico viene a salvarla. En Viaje Alucinante hay acciones paralelas: lo que sucede dentro del cuerpo humano y lo que ocurre fuera. Futurible: También hay saltos al futuro. Ejemplo: la película Odisea espacial 2001 Salto atrás: Se llama también flash back. La historia, de pronto, nos lleva a conocer un suceso pasado. Simultaneidad: A veces vemos en la misma imagen, y al mismo tiempo, al protagonista en tiempo presente y cuando era niño viviendo un suceso pasado. El personaje está a la vez en dos tiempos o momentos de su vida.
b) RECURSO PARA EXPRESAR EL PASO TIEMPO: Existen muchos recursos. Por ejemplo, un calendario donde las hojas rápidamente, un cigarrillo encendido que consumiendo, las distintas horas que un reloj, un cenicero lleno de colillas, una que se ha terminado, una habitación con telarañas, la llegada de la primavera, el de luz de la mañana a la noche, o al revés, las diversas edades de un personaje, etc.
DEL caen se va señala vela polen y cambio
c) LOS SIGNOS DE PUNTUACIÓN.- También la escritura cinematográfica posee sus signos de puntuación, es decir, sus comas, sus puntos, sus puntos y comas y sus puntos y aparte. Conviene saber que en cada época se emplean estos signos de modo distinto y que cada autor tiene su estilo propio de puntuación. Alguno de los signos que van a continuación apenas si se usan hoy. Los principales son: ✾ Fundido (en negro o en blanco): La escena se oscurece o se ilumina rápidamente hasta quedar totalmente negra o blanca. Para la película en color se funde en cualquier color. ✾ Fundido encadenado o encadenado. Lentamente va desapareciendo la imagen y en su lugar va apareciendo otra.
Universidad Alas Peruanas ✾ Cortinilla. Se ve como una imagen que entra desplaza a la otra, hacia un lado. Unas veces es una raya vertical que corre de un lado a otro y borra la imagen que estaba. Puede la raya moverse como se despliega un abanico. Es otra forma de cortinilla. Algunas veces la imagen se rompe como lo hace un espejo y aparece otra imagen distinta. Una clase de cortinilla es el "ojo de gato" o "iris". Se trata de un círculo que rodea un objeto o una persona y se va agrandando hasta dejar ver toda la imagen o al revés. ✾ Barrido. La cámara se mueve velozmente de una figura a otra produciendo una ráfaga. ✾ Corte. Dos imágenes distintas se empalman sin más y pasamos de la una a la otra 1 directamente XV.
EL PROCESO DE LA IMAGEN- EL RITMO Y EL MONTAJE: ✾ El ritmo: Es la impresión dinámica dada por la duración de los planos, las intensidades dramáticas. Sin embargo, el ritmo del cine es ritmo visual de la imagen, ritmo auditivo del sonido y ritmo narrativo de la acción. ◦El ritmo se crea: ◦ Con la duración material de los planos. Según cual sea la duración de estos, el film tendrá un ritmo u otro. Motivos cercanos piden el cambio rápido del plano, porque se capta rápidamente lo que contienen; el contrario pasa con planos que presentan motivos lejanos. ✾ El montaje audiovisual: Puede ser definido como la ordenación narrativa y rítmica de los elementos objetivos del relato. Consiste en escoger, ordenar y unir una selección de los planos a registrar, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guion, la idea del director y el aporte del montador. Ya que de cada escena se hacen varias tomas, y que existen miles de tomas diferentes en una película, el montaje constituye una ardua labor. Siguiendo la trama del guion, el montador, en general, tiene libertad para montar las diferentes tomas realizadas de una escena de la manera que estime más apropiada. Asimismo puede utilizar más o menos metraje de película de cada toma, y decidir cómo enlazar una escena o secuencia con la siguiente. Por todo ello se considera que el montaje es una de las disciplinas fundamentales en la realización de una película TIPOS DE MONTAJE: Montaje analítico o externo y sintético o interno Analítico o Externo: Con encuadres de planos cortos ("cerrados") y en general de corta duración. Se analiza la realidad estudiándola por partes. Sintético o Interno: En base de encuadres de planos largos ("abiertos") y con frecuencia uso de la profundidad de campo (se ve en foco tanto el frente, la figura, como el fondo). Se da una visión más amplia de la escena, sin voluntad de análisis. Según la totalidad del relato cinematográfico Montaje narrativo o clásico: cuenta los hechos, o bien cronológicamente o haciendo saltos tanto al futuro (flash-forward) como al pasado (flash-back y Racconto) pero siempre estructurándose con la idea de dotarlas de forma narrativa. Montaje ideológico: cuando utiliza las emociones ya sea basándose en símbolos, gestos, etc. Montaje creativo o abstracto: ordenar sin tener en cuenta una cronología determinada como recurso cinematográfico, sino como una operación totalmente nueva, que tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la obra fílmica. Montaje expresivo: cuando marca el ritmo de la acción, rápido en las aventuras y en la acción, lento en el drama y en el suspenso.
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XVI. NOCIÓN DE PUESTA EN ESCENA: Conjunto de relaciones que se establecen entre los diversos elementos de un film a lo largo de su desarrollo, significa por lo tanto un proceso. El proceso de construcción de un film. Lo específico del arte del cine está constituido por el plano y el montaje. La imagen cinematográfica es 1 dinámica, es el resultado de la unión de muchos planos. Cada uno de los cuales tienen a menudo un movimiento interior que enlaza con el movimiento que lo precede y sigue. Pero aun cuando no se dé ello, la imagen cinematográfica es dinámica por estar formada de multitud de planos.
La obra de arte es la que:
SUGIERE INCENTIVA DESPIERTA
Emociones Actitudes
ANÁLISIS CRÍTICO DE UN FILM PRIMERA FASE: Saber el argumento de la película, es decir, conocer la historia que nos han contado; la relación entre los personajes y los hechos; la cronología de los acontecimientos; los lugares y las circunstancias de la acción narrada; etc. En esta primera fase se debe hacer un análisis objetivo: no se trata de inventar nada, ni tampoco de dar opiniones personales, tan solo enumerar unos hechos. SEGUNDA FASE: Preguntarse por el cómo nos han contado esa historia. Descubrirás que unas cosas las sabes porque las dicen los personajes y otras porque te las han contado con imágenes. TRCERA FASE: Concluir lo que el autor ha querido decirnos con esto, tratar de dar opiniones personales, pero opiniones fundadas en el argumento y del estilo hecho anteriormente. CUARTA FASE: Contrastar las opiniones trasmitidas por las películas con las que uno tiene como propias, no aceptando cualquier idea, sino razonándola; rechazándola cuando no va con la propia formación, con la peculiar sensibilidad, con la experiencia particular, y aceptándola cuando enriquezca esos ámbitos personales de formación, de sensibilidad de experiencia. CRITERIOS DE VALORACIÓN DE LA OBRA CINEMATOGRÁFICA NECESIDAD: Todos los elementos del film han de estar justificados en su contexto, no deben sucumbir ante el deseo de agradar al público. AUTENCIDAD: Se descubre en la relación: a) Actores-personajes b) Personajes-decorados La verdad de los sentimientos que se presentan deben ser encarnados por los actores y sentidos por el espectador. CONSISTENCIA: El conjunto de las imágenes deben dar un espesor al film. Deben crear un mundo consistente en sí mismo.
Universidad Alas Peruanas ORIGINALIDAD: Mundo propio del autor. Visión nueva, propia, única a través del film. PODER DE LAS IMÁGENES: Un buen film avanza por la imagen.
TRABAJO A DESARROLLAR
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En grupos de 5 participantes realizar la siguiente actividad: 1. Elegir una película que de alguna forma aluda a temas relacionados con su profesión, o con profesiones complementarias a la de ustedes. 2. Hacer un resumen de la película. 3. Elegir una escena o secuencia de esa película que sea representativa del film. 4. Proyectar o visualizar en imágenes la película aplicando los criterios de necesidad, intensidad, consistencia, originalidad y fluidez de las imágenes. 5. Relacionar la escena representativa del film con una obra literaria que hayan leído (presentando un breve análisis de la obra literaria) y emitir su juicio crítico de relación de parentesco. 6. Relacionar la escena representativa del film con una obra de arte en pintura, escultura o arquitectura (indicar la corriente a la que pertenece, ubicarla históricamente y señalar características del autor), y emitir su juicio crítico de relación de parentesco. 7. Relacionar la escena representativa del film con una obra musical y emitir su juicio crítico de relación de parentesco. Dicha composición deberá estar relacionado (a) con la temática de la película elegida. 8. Relacionar la película o la escena representativa del film con dicha elección. (Relación noticia – film)
una noticia
oral o escrita. Fundamentar
9. Comentar cómo ha sido la experiencia al hacer el trabajo tanto a nivel personal como grupal. 10.Contestar las inquietudes del profesor y los compañeros respecto a su trabajo. Nota: La exposición del trabajo tendrá una duración máxima de 80 minutos aproximadamente.
