FOTOGRAFÍA Conceptos y principios básicos
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Contenidos Artículos Fotografía
Conceptos y principios
1 11
Apertura
11
Balance de blancos
13
Bokeh
15
Diafragma (óptica)
17
Efecto de ojos rojos
19
Exposición (fotografía)
20
Número f (óptica)
21
Objetivo (fotografía)
23
Obturador
26
Profundidad de campo
27
Regla de los tercios
30
Valor de exposición
31
Velocidad de obturación
33
Tecnología y técnica
36
Calotipo
36
Cámara fotográfica
37
Colodión húmedo
51
Composición fotográfica
52
Daguerrotipo
62
Filtro fotográfico
65
Fisiograma
67
Flash (fotografía)
68
Fotografía digital
71
Fotografía en color
74
Fotografía en blanco y negro
77
Fotografía química
78
Iluminación en fotografía
79
Impresión a la albúmina
82
Microfilm
82
Retoque fotográfico
83
Contenidos Artículos Fotografía
Conceptos y principios
1 11
Apertura
11
Balance de blancos
13
Bokeh
15
Diafragma (óptica)
17
Efecto de ojos rojos
19
Exposición (fotografía)
20
Número f (óptica)
21
Objetivo (fotografía)
23
Obturador
26
Profundidad de campo
27
Regla de los tercios
30
Valor de exposición
31
Velocidad de obturación
33
Tecnología y técnica
36
Calotipo
36
Cámara fotográfica
37
Colodión húmedo
51
Composición fotográfica
52
Daguerrotipo
62
Filtro fotográfico
65
Fisiograma
67
Flash (fotografía)
68
Fotografía digital
71
Fotografía en color
74
Fotografía en blanco y negro
77
Fotografía química
78
Iluminación en fotografía
79
Impresión a la albúmina
82
Microfilm
82
Retoque fotográfico
83
Típos de fotografía
89
Fotografía academicista
89
Fotografía antropológica
90
Fotografía artística
91
Fotografía de difuntos
91
Fotografía de guerra
96
Fotografía de naturaleza
97
Fotografía de paisaje
99
Fotografía glamour
100
Fotografía publicitaria
101
Fotografía subacuática
103
Fotografía tradicional
105
Fotomosaico
107
Heliografía
108
Documentación
109
Lomografía
110
Ortofotografía
114
Periodismo fotográfico
115
Pictorialismo
132
Realismo en fotografía
136
Retrato creativo
137
Referencias Fuentes y contribuyentes del artículo
147
Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes
149
Licencias de artículos Licencia
153
Fotografía
Fotografía La fotografía es la ciencia y el arte de obtener imágenes duraderas por la acción de la luz. Es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio material sensible a la luz. Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumentada su nitidez. Para almacenar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace pocos años una película sensible, mientras que en la actualidad, en la fotografía digital, se emplean, generalmente, sensores CCD y CMOS y memorias digitales. El término fotografía procede del griego φως phos ("luz"), y γραφίς grafis ("diseñar", "escribir") que, en conjunto, Vista al daguerrotipo de Barcelona, España, en 1848. Imagen invertida significa "diseñar/escribir/grabar con la luz". lateralmente, como en un espejo. Antes de que el término fotografía se utilizara, se conocía como daguerrotipia. Y es que aunque parte de su desarrollo se debió a Joseph-Nicéphore Niépce, el descubrimiento fue hecho público por Louis Daguerre, tras perfeccionar la técnica. Este término sirve para denominar tanto al conjunto del proceso de obtención de esas imágenes como a su resultado: las propias imágenes obtenidas o «fotografías».
Historia La historia de la fotografía comienza en el año 1839, con la difusión mundial del procedimiento del daguerrotipo, desarrollado y perfeccionado por Daguerre, a partir de experiencias previas inéditas de Niépce. El "año cero" es 1839. Pero sus antecedentes arrancan con el descubrimiento de la cámara oscura, y las investigaciones sobre el ennegrecimiento de las sales de plata. La fotografía nace en Francia, en un momento de tránsito de la El grabado heliográfico más antiguo que se conserva, reproduciendo un grabado flamenco. sociedad pre-industrial a la sociedad industrial, favorecida por las Ensayo realizado en 1825 por Niépce, por innovaciones técnicas de la época. También influye en su nacimiento la contacto, sin cámara oscura. filosofía positivista, que establece que cada elemento de la Naturaleza debe ser probado empíricamente. La burguesía es la clase social dominante del momento, que utiliza el retrato como instrumento de verificación y afirmación del ascenso social.
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En 1816 Niépce obtiene una primera imagen negativa, imperfecta e inestable, con una cámara oscura. En 1826, consigue su primera heliografía, partiendo del betún de Judea o asfalto. Louis Daguerre se asocia con Niépce, para seguir las investigaciones. Pero en 1833 fallece Niépce, y Daguerre continúa en solitario hasta obtener un procedimiento fiable y comercial. El daguerrotipo se presenta en 1839 en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Francia. Ese mismo año 1839 se divulga mundialmente el procedimiento del daguerrotipo. El sistema consiste en la obtención de una imagen sobre una superficie de plata pulida. Para economizar, normalmente las placas eran de cobre plateado, pues sólo era necesario disponer de una cara plateada. La imagen se revelaba con vapores de mercurio, apareciendo en la cara plateada de la placa, que previamente se había sensibilizado con vapores de yodo. [1] Pero era un procedimiento caro, y el equipo pesado, y precisaba de un tiempo de exposición alto, de varios minutos, al principio. Además los vapores de mercurio eran realmente dañinos para la salud.
Ventanal de la Abadía de Lacock. Fotografía de Fox Talbot, en agosto de 1835, ensayando su procedimiento del calotipo. Copia positiva, a partir del negativo más antiguo que se conserva.
En 1840 William Henry Fox Talbot desarrolla un sistema negativo-positivo, en otro procedimiento llamado calotipo. Consistía en obtener un negativo de papel, que luego por contacto era positivado sobre otra hoja de papel. El papel se humedecía en una solución ácida de nitrato de plata, antes y después de la exposición y antes de ser fijada. Supuso el invento de la copia fotográfica, ya que un único negativo podía dar lugar a varios positivos. En 1842 el astrónomo y químico inglés Sir John Frederick William Herschel introduce el proceso llamado cianotipia. También fue el primero en aplicar los términos "positivo" y "negativo" a las imágenes fotográficas. En 1819, Herschel descubrió el poder solvente del hiposulfito de sodio en torno a las sales de plata insolubles, estableciendo un precedente a su utilización como un agente fijador en la fotografía. Informó a Talbot y Daguerre de su descubrimiento en 1839 y que éste podía ser utilizado para fijar imágenes de un modo permanente. Hizo el primer negativo de cristal a finales de 1839.
Zaragoza, La torre nueva o torre inclinada (1865-1867). Fotografía original de José Martínez Sánchez, asociado a J. Laurent. Copia a la albúmina, a partir de un negativo de vidrio al colodión húmedo, de 27 x 36 centímetros.
Para mejorar la nitidez de las imágenes, evitando las rugosidades del papel, en 1850 Blanquart Evrard emplea el papel de albúmina. En estas copias a la albúmina, las fibras del papel están recubiertas con una capa de albúmina de huevo. Luego este papel se sensibilizaba en nitrato de plata.
En 1851 se presenta el nuevo procedimiento fotográfico del colodión húmedo. El colodión se vierte líquido sobre las placas de vidrio, muy limpias. A continuación las placas se sensibilizan en un tanque con nitrato de plata, y se cargan en los chasis. Permite la obtención de imágenes negativas muy nítidas. Se llama "colodión húmedo" porque la placa ha de permanecer húmeda durante todo el procedimiento de toma y revelado de las imágenes. Esto suponía que los fotógrafos tenían que llevar consigo un laboratorio fotográfico portátil, a fin de preparar la placa antes de la toma y proceder a revelarla inmediatamente. Se generalizó así el uso de tiendas de campaña y carromatos reconvertidos en laboratorios para los fotógrafos de viajes que trabajaban en el exterior.
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A partir de 1855 es cuando realmente triunfa el colodión, siendo el procedimiento mundialmente más usado hasta 1880. Entre los fotógrafos más importantes que trabajaron en España, en este periodo, empleando los negativos de vidrio al colodión, hay que citar al británico Charles Clifford, al francés J. Laurent, [2] [3] y al español José Martínez Sánchez.[4] En 1871 nace el procedimiento de las placas secas al gelatino-bromuro, que supone el empleo de una placa de vidrio sobre la que se extiende una solución de bromuro, agua y gelatina sensibilizada con nitrato de plata; que ya no necesita mantener húmeda la placa en todo momento. Se rebaja el tiempo de exposición a un cuarto de segundo, lo que permite posteriormente acercarse al concepto de instantánea fotográfica. Pero las placas al gelatino-bromuro solamente triunfaron después de 1880. En 1888, George Eastman lanza la cámara Kódak. Su gran éxito comercial fue la introducción en el mercado del carrete de película fotográfica, lo que provocó la progresiva sustitución de las placas de vidrio. En 1907 la fábrica Lumière comercializa la fotografía en color. Son diapositivas o transparencias en vidrio, conocidas como placas autocromas o Autochrome. En 1931 se inventa el flash electrónico, que se utiliza sobre todo cuando la luz existente no es suficiente para tomar la fotografía con una exposición determinada. El flash es una fuente de luz intensa y dura, que generalmente abarca poco espacio y es transportable. En 1948 nace la fotografía instantánea de Polaroid : una cámara que revelaba y positivaba la imagen en tan solo 60 segundos. Finalmente, en 1990, comienza la digitalización del ámbito fotográfico: las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y desde allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria.
Primera fotografía permanente, de Niepce, 1826.
Torre Eiffel, 1902.
Fotografía en color, hacia 1915, por Serguéi Mijáilovich Prokudin-Gorskii.
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Funcionamiento de la cámara Véanse también: Cámara fotográfica y Cámara digital
La cámara o la cámara oscura es el dispositivo formador de la imagen, mientras que la película fotográfica o el sensor electrónico capta la imagen. Ésta se guarda en la misma película, o bien en algún tipo de memoria. El fotógrafo configura la cámara y la lente para exponer a la luz el material grabador de ésta (como la película fotográfica, por ejemplo), a algún tipo de forma de "imagen latente" con lo que, tras un procesado adecuado, se convierte en en una imagen utilizable. Las cámaras digitales utilizan un sensor de la imagen basado en electrónicos Una cámara histórica: Contax-S de 1949 — la sensibles a la luz, que pueden estar basados en tecnología CCD primera cámara réflex con pentaprisma. (Charge-Coupled Device) o bien en CMOS ( Complementary Metal-Oxide-Semiconductor ). La imagen digital resultante se almacena electrónicamente, pero puede ser reproducida en papel o en película. La cámara de vídeo es un tipo especial de cámara fotográfica que toma una secuencia rápida de fotografía en tiras de película. Cuando se reproducen a una determinada velocidad los ojos y el cerebro de una persona unen la secuencia separada de imágenes y se crea la sensación de movimiento. En todas las cámaras, excepto en algunas especializadas, el proceso de obtención de una exposición correcta se produce a través del control de una serie de controles con los que se trata que la fotografía sea clara, nítida y esté bien iluminada. Habitualmente los controles que se incluyen son los siguientes: Control
Descripción
Enfoque
El ajuste que sitúa el punto más nítido de la imagen donde se desee. En las cámaras modernas, existirán puntos de autoenfoque sobre los que el sistema de autoenfoque de la cámara tratará de enfocar.
Apertura
El ajuste del diafragma de la lente, medible mediante el número f, el cual controla la cantidad de luz que pasa a través del objetivo. La apertura tiene efecto en dos elementos: la profundidad de campo y la difracción: cuánto más alto sea el número-f, más pequeña será la apertura, menor la cantidad de luz que entre por el objetivo, mayor la profundidad de campo y también mayor el efecto difuminador de la difracción. La longitud focal dividida por el número-f es lo que da el diámetro efectivo de la apertura.
Velocidad de disparo
El ajuste de la velocidad de disparo para controlar la cantidad de tiempo durante la cual el captor o la película son expuestos a la luz por cada exposición. Velocidades de disparo rápidas, o sea, de corta duración, decrementan tanto la cantidad de luz como la trepidación debida al uso de la cámara a pulso, sin trípode.
Balance de blancos
En equipos digitales, la compensación electrónica de la temperatura de color asociada a unas determinadas condiciones lumínicas, asegurándose que la luz blanca es registrada como tal en el captor de imagen y, por lo tanto, los colores en la imagen parecerán naturales. En las cámaras de carrete, esta función se ejerce mediante la elección de determinados tipos de película fotográfica o con filtros correctores de color. Además de usar el balance de blancos para registrar la coloración natural de la imagen, los fotógrafos la pueden emplear con fines estéticos, por ejemplo, para obtener temperaturas de color más cálidas.
Medición
Cálculo de la exposición, de tal forma que tanto las luces altas como las sombras estén expuestas según las intenciones del fotógrafo. Antes de haber exposición automática en las cámaras, ésta era calculada mediante el uso de un dispositivo medidor de luz llamado exposímetro o mediante el conocimiento y la experiencia del fotógrafo a la hora de tomar las medidas. Para convertir una determinada cantidad de luz en un determinado tiempo de exposición y apertura usables, el medidor necesita que es ajuste la sensibilidad ASA de la película o ISO del captor a la luz.
Escala de sensibilidad fotográfica ASA/ISO del captor.
Tradicionalmente ha sido usada para indicar a la cámara la velocidad ASA de la película utilizada en cámaras de película. Hoy en día las velocidades ISO son empleadas en las cámaras modernas para indicar la ganancia de luz del sistema en formato numérico y para controlar el sistema de exposición automático. Cuanto mayor sea el número ISO, mayor será la sensibilidad de la película o del captor a la luz, mientras que con un número ISO menor, la película es menos sensible a la luz. Con una correcta combinación de velocidad ISO, apertura, y velocidad de disparo se consigue una imagen que no es ni demasiado oscura ni demasiado clara, y por lo tanto 'correctamente expuesta'.
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Otros elementos también pueden tener un efecto pronunciado sobre la calidad o la estética de una fotografía; entre ellos los siguentes: • Longitud focal y tipo de objetivo (Teleobjetivo u objetivo "largo" , Objetivo macro, gran angular, ojo de pez, u objetivo zoom) • Filtros fotográficos, se se sitúan entre el sujeto a fotografiar y el captor, pudiendo situarse por delante o detrás del objetivo. • sensibilidad del medio a la intensidad de la luz y longitud de onda de cada color. • La naturaleza del captor de luz; por ejemplo, su resolución medida en pixels o granos de haluro de plata.
Aplicaciones científicas La fotografía ha fascinado a muchos científicos, que han aprovechado su capacidad para registrar con precisión todo tipo de circunstancias y estudios. Por ejemplo, durante las investigaciones dedicadas a la locomoción humana y animal, de Eadweard Muybridge (1887). La fotografía ha constituido desde sus inicios un medio de gran utilidad en la investigación científica. Gracias a su utilización a nivel científico se tiene la posibilidad de registrar fenómenos que no pueden ser observados directamente, como por ejemplo aquellos que se desarrollan en tiempos muy breves ( fotografía ultrarrápida), o extremadamente lentos (fotografía de baja velocidad), aquellos que se producen a escala microscópica, aquellos que afectan a regiones muy vastas de la Tierra o del Espacio ( fotografía aérea, orbital, astronómica), aquellos ligados a radiaciones no visibles al ojo humano, o en situaciones en las que no puede estar físicamente el ser humano, etc. Entre las más importantes especializaciones de la fotografía en el campo científico destacan la fotografía ultrarrápida y estroboscópica, la fotografía estereoscópica, la fotografía infrarroja y ultravioleta, la fotografía aérea y orbital, o la fotografía astronómica.
Fotografía estereoscópica La fotografía reproduce los objetos sobre una superficie plana y la ilusión de la profundidad es lograda exclusivamente gracias a la perspectiva y al claro-oscuro. Sin embargo, resulta posible reproducir el efecto de la visión binocular observando separadamente con nuestros ojos dos imágenes tomadas desde puntos de vista a distancia pupilar, o mayor. Las primeras imágenes estereoscópicas de la historia de la fotografía son unos daguerrotipos del año 1842.
Típica tarjeta estereoscópica del siglo XIX, con dos imágenes tomadas desde puntos de vista diferentes, pero muy cercanos.
La fotografía estereoscópica estuvo muy de moda en varias décadas del siglo XIX. Muchos fotógrafos realizaban vistas estereoscópicas utilizando cámaras especiales de dos objetivos, o bien con cámaras de un objetivo desplazable lateralmente. Autores clásicos, como J. Laurent, tomaban sistemáticamente vistas estereoscópicas, además de las normales. El Ministerio de Cultura de España conserva, en el Archivo Ruiz Vernacci, cerca de 1.000 placas estereoscópicas de Laurent, del procedimiento de vidrio al colodión húmedo, en el formato 13 x 18 centímetros, con vistas de España fechables entre los años 1857 y 1880, y de Portugal del año 1869. [5] Además se conservan otras 11.000 placas de vidrio de formatos mayores, realizadas tanto por Laurent como por sus colaboradores. La imagen estereoscópica también es utilizada para fines cartográficos.
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Fotografía con luz infrarroja y ultravioleta Las películas normales son sensibles a la luz ultravioleta. Uno de los métodos para realizar este tipo de fotografía consiste en utilizar una fuente de luz ultravioleta para iluminar al objeto, de forma que el objetivo de la cámara esté provisto de un filtro que permita únicamente el paso de esta luz. Otro método se sirve de la fluorescencia causada por la luz ultravioleta. El filtro del que está provista la cámara absorbe la luz ultravioleta y permite el paso de la fluorescente. Una importante aplicación de este tipo de fotografía es el estudio de documentos falsificados, ya que la luz ultravioleta detecta los rastros de escritura borrada. Los plásticos y otros productos químicos que reaccionan a la luz ultravioleta sustituyen a la emulsión de haluros de plata de las películas normales en diversos procesos, para producir imágenes fotográficas con la gama ultravioleta del espectro. En uno de estos procesos la superficie de sustancias plásticas expuestas a los rayos ultravioleta se endurece en proporción directa a la exposición, y la eliminación de las zonas no endurecidas hace surgir una imagen fotográfica. En otros procesos se coloca una fina película de productos químicos entre las hojas de plástico. Estos productos químicos emiten burbujas de gas en cantidades proporcionales a la exposición recibida en la zona cuando se les expone a los rayos ultravioletas. Las burbujas crecen y se hacen visibles con la aplicación de calor en las hojas, creando así una transparencia en la que las burbujas de gas forman la imagen. Otro tipo de plástico, al ser calentado, reacciona químicamente con las burbujas de gas, de modo que se obtiene en las hojas de plástico una imagen positiva con manchas. La película fotocromática, creada por la National Cash Register Company, utiliza un tinte sensible a la luz ultravioleta. Se pueden obtener enormes ampliaciones, ya que este tinte no posee estructura granular. Por ejemplo, se pueden conseguir ampliaciones de una película que contenga un libro entero en un espacio del tamaño de un sello o estampilla de correos.
Fotografía aérea y orbital Véase también: Ortofotografía
La fotografía aérea supone un análisis de la superficie terrestre mediante el empleo de máquinas fotográficas instaladas a bordo de diversos medios aéreos. Encuentra aplicaciones en el campo de la investigación arqueológica o geológica, así como en agricultura para recabar información sobre la naturaleza de los terrenos y la extensión de los cultivos, o en el campo militar para obtener información sobre objetivos estratégicos. En arqueología se utiliza como método de prospección del subsuelo para descubrir estructuras en el subsuelo sin necesidad de excavar. Fotografía orbital de Groenlandia; foto: NASA. Agosto de 2008.
La fotografía orbital permite la obtención de imágenes de altura muy superior a aquellas propias de la fotografía aérea, de la cual constituye una extensión, mediante aparatos fotográficos situados sobre vehículos espaciales o satélites en órbita en torno a la Tierra. Entre sus varias aplicaciones cabe señalar los estudios meteorológicos, la investigación sobre la contaminación de los mares o sobre los recursos naturales, etc.
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Fotografía subacuática A pesar de que la fotografía subacuática es una modalidad muy practicada en el buceo deportivo, e incluso una especialidad competitiva de la Federación Española de Actividades Subacuáticas (FEDAS), se trata de una especialidad fotográfica muy utilizada por diferentes ciencias entre las que cabe mencionar: arqueología subacuática, biología marina o de aguas continentales, ecología u oceanografía. Tres son las dificultades fotográficas que plantea el medio subacuático a los fotógrafos: la alta presión del medio que hace que los equipos fotográficos deban ser no sólo totalmente estancos sino resistentes a la presión, o bien protegidos en el interior de cajas estancas especiales; la falta de luz del entorno subacuático y el efecto de filtrado selectivo de los colores en la columna de agua, lo que hace que habitualmente se deban emplear complejos equipos de flash para restaurar la coloración original de los sujetos fotografiados; y la difracción del agua que hace que los objetivos fotográficos aumenten su longitud focal con respecto a la que tienen en la fotografía subaérea.
Macrofotografía Muy utilizada para fotografiar pequeñas cosas (insectos, organismos microscópicos, flores, matices de la piel, etc). Para ello necesitamos un equipo especial, ya sea éste un objetivo especializado, o una serie de tubos de extensión o lentes de aproximación. Para hacer macrofotografía de forma barata se puede utilizar el objetivo de la cámara invertido, únicamente nos queda el foco que lo conseguiremos acercándonos o alejándonos del objeto a fotografiar. El invertido del objetivo es el recurso (para este tipo de fotografía) más económico. Para utilizar este método se precisa de un anillo adaptador que tiene el propio fabricante de la cámara. Con este sistema perdemos los automatismos utilizados en las cámaras actuales, tanto en diafragma como en enfoque. Las lentes de aproximación son cristales de lentes corregidas con diferente graduación que se enroscan delante del objetivo.
Fotografía como arte Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación acreditada, como revistas especializadas, monografías, prensa diaria o páginas de Internet fidedignas. [6] Puedes añadirlas así o avisar al autor principal del artículo en su página de discusión pegando: {{subst:Aviso referencias|Fotografía}} ~~~~
La fotografía no fue siempre considerada un arte. Su integración al arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como reemplazo del retrato pintado ya que aquel era mucho más barato. Como el retrato fotográfico remplazaba al retrato pintado, gran cantidad de pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir. Este fue el caso de Félix Tournachon, Gustave Le Gray y el segundo de los hermanos Bisson. Éste fue el primer ingreso de la fotografía al medio artístico. Además estos pintores fueron algunos de los que lucharon por que la fotografía sea considerada un arte. A mediados del siglo XIX apareció una nueva tendencia artística, el naturalismo. La aparición de esta nueva tendencia, centrada en la objetividad, buscaba imitar la realidad y la naturaleza con un alto grado de perfección y despreciaba la subjetividad. Así, el naturalismo fue la puerta que se abrió para dar a la fotografía una verdadera importancia en el arte ya que al imitar de una forma casi perfecta la realidad, superaba ampliamente a la pintura en este aspecto. Por otra parte, el constante desarrollo de la fotografía en esa época, básicamente con las nuevas técnicas sobre la utilización de la luz del sol, dio origen a fotos con un mayor significado estético, lo que llevó a un nuevo acercamiento de la fotografía hacia el arte. Más tarde se descubrieron técnicas usando clara de huevo, que hacían posible lograr que la imagen por sí misma se quedara grabada en el papel. Esta técnica se fue perfeccionando gracias a la comprensión del fenómeno químico implicado y a una continua experimentación con materiales alternativos. Pronto fue posible tener una caja con un
Fotografía papel fotosensible oculto de la luz, un cañón con el que enfocarla, y un obturador para hacer pasar la luz el tiempo suficiente para que impresionara la película. La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana fueron evolucionado en paralelo durante este tiempo. En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar apareció la posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su enfoque, lo que permitían trasladar la subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además de ir construyendo un lenguaje artístico. En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo. El impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia lo abstracto tuvo un gran efecto en la fotografía. Ya en la actualidad, la fotografía artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión artística,la fotografía de Annie Leibovitz,Tina Nibbana,Helmut Newton y David LaChapelle entre otros, siguen siendo parte de la nueva revolución fotográfica. El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Sin embargo, rápidamente amplió su léxico gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos (picados, contrapicados, etc.), la captura del movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del momento. La presión sobre el fotógrafo para marcar su subjetividad en la fotografía forjó un lenguaje lleno de sutilezas pero perfectamente comprensible, muy directo para cualquier observador. Hoy la fotografía es practicada por millones de personas en todo el mundo armados con buenas cámaras fotográficas. Prefiriéndose actualmente las cámaras con una buena óptica y muchas opciones que añadan flexibilidad, frente a las cámaras orientadas al consumidor, donde la óptica y el obturador es dirigida por la electrónica restando al hecho de hacer una foto gran parte de su imprevisibilidad. La aparición de las cámaras digitales, cámaras mixtas con vídeo y la fotografía en entornos de realidad virtual complican, enriqueciendo, el futuro de este arte.
Derechos de autor El derecho de autor considera a las imágenes fotográficas a los fines de tutelar las imágenes de personas o de aspectos, elementos o hechos de la vida natural o social obtenidas mediante el empleo de un procedimiento fotográfico o proceso análogo. Todos los autores sean profesionales o no, tienen, por el solo hecho de haber hecho su obra, en exclusiva una serie de derechos de carácter económico y moral sobre ésta. Los derechos morales definen el respeto de su autoría sobre la obra y por tanto el deber de hacer constar siempre su nombre, y el derecho Fotógrafos en Londres en 1929. que no se modifique la obra sin su consentimiento. Los derechos morales son irrenunciables e inalienables. Por tanto han de ser siempre respetados y no tiene valor la renuncia.
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Corresponde al fotógrafo, salvo en algunas cuestiones relativas a los retratos fotográficos, el derecho exclusivo de reproducción, difusión y venta. Sin embargo, si la obra ha sido obtenida en el marco de contrato de arrendamiento de servicios o de trabajo, y bajo expreso consentimiento del autor, el derecho de reproducción, difusión y venta puede corresponder al responsable del encargo contractual, mientras que los derechos de autoría son irrenunciables. La duración de los derechos sobre la fotografía viene determinada por el acuerdo legal entre el autor y el responsable del encargo contractual.
Fotógrafo en Calgary, Canadá, en 2007. Autor de la foto: Stromcarlson.
El Derecho también protege la privacidad del sujeto fotográfico. De hecho, está permitida la difusión de fotografías sin el permiso del sujeto sólo en los casos de personajes públicos, entendidos como personas que, por trabajo o cargo público, resultan de notoriedad pública. En el resto de los supuestos, el fotógrafo titular de la obra debe obtener el permiso del sujeto a la publicación y exposición pública. En caso de hacerlo sin permiso del sujeto fotografiado, éste tiene derecho a denunciar al fotógrafo.
Véase también Conceptos y principios
Típos de fotografías
Tecnología y técnica
Otros
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Apertura Balance de blancos Bokeh Diafragma Efecto de ojos rojos Exposición Número f Objetivo Obturador Profundidad de campo Regla de los tercios Valor de exposición Velocidad de obturación
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Fotografía academicista Fotografía antropológica Fotografía artística Fotografía de difuntos Fotografía de guerra Fotografía de naturaleza Fotografía de paisaje Fotografía glamour Fotografía publicitaria Fotografía subacuática Fotografía tradicional Fotomosaico Heliografía Identificación y documentación Lomografía Ortofotografía Periodismo fotográfico Pictorialismo Realismo en fotografía Fotografía documental Retrato creativo Retrato fotográfico Retrato
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Calotipo Cámara fotográfica Colodión húmedo Composición fotográfica Daguerrotipo Filtro fotográfico Flash Fotografía digital Fotografía en color Fotografía química Iluminación en fotografía Impresión a la albúmina Microfilm Retoque fotográfico
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Fotografías acusadas de trucaje Fotografías trucadas en la Unión Soviética J. Laurent, fotógrafo en España y Portugal del siglo XIX. William Fox Talbot World Press Photo
Fotografía
Referencias [1] Kurtz, Gerardo F. (2001). «Origen de un medio gráfico y un arte. Antecedentes, inicio y desarrollo de la fotografía en España».Summa Artis. Historia General del Arte. Vol. XLVII. La fotografía en España: de los orígenes al siglo XXI . Madrid: Espasa Calpe, S. A. pp. 88. ISBN 84-239-5492-7. [2] Varios Varios autore autoress (1996). (1996). Un fotógrafo francés en la España del siglo XIX: J. Laurent: Un photographe français dans l'Espagne du XIXème siècle. Madrid: Ministerio de Educación y Cultura - Caja de Madrid. ISBN 84-922135-0-7. [3] Teixidor, Teixidor, C. (2003). «La «La Fotografía Fotografía en la España de Laurent». Laurent».Obras Públicas de España. Fotografías de J. Laurent, 1858-1870. Ciudad Real: Universidad de Castilla-La Mancha. pp. 15-20. ISBN 84-8427-286-9. La Andalucía del siglo XIX en las fotografías [4] López Beriso, M.. «Jean Laurent y José José Martínez Sánchez: Ojos distintos para una sola mirada». La de J. Laurent y Cía.. Almería: Junta de Andalucía, Centro Andaluz de la Fotografía. ISBN 84-8266-024-1. [5] Fernández Fernández Rivero, Rivero, J.A. J.A. (2004). (2004). Tres dimensiones en la historia de la fotografía. La imagen estereoscópica. Málaga: Editorial Miramar. pp. 143. ISBN 84-932094-5-7. [6] [6] http http:/ :/ / en.wikipedia. en.wikipedia.org/ org/ wiki/ wiki/ Fotograf%C3%ADa?action=history Fotograf%C3%ADa?action=history
Bibliografía • Langford, Langford, Michael. Michael. La Fotografía Fotografía Paso Paso a Paso. Hermann Hermann Blume Blume Ediciones. Ediciones. ISBN ISBN 84-87756-0184-87756-01-88
Enlaces externos • Wiki Wikime medi diaa Comm Common onss albe alberg rgaa cont conten enid idoo mult multim imed edia ia sob sobre re Fotografía. Commons Wikilibros • Wiki Wikili libr bros os albe alberg rgaa un un lib libro ro o man manua uall sob sobre re Técnicas básicas de la fotografía . • Actividad Actividad del Ministeri Ministerioo de Cultura: Cultura: Fotógrafos Fotógrafos extranjero extranjeross en España en el siglo siglo XIX. (http:/ (http:/ / www.mcu.es/ www.mcu. es/ mcujuegos/ inicio.do?idPildora=68& inicio.do?idPildora=68&cache=init) cache=init) • Las 100 fotografías fotografías que que cambiaron cambiaron el mundo mundo según según la revista revista LIFE LIFE (http:/ (http:/ / digitaljournalist.org/ digitaljournalist.org/ issue0309/ issue0309/ lm_index.html) lm_index.html)
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Conceptos y principios Apertura En óptica, abertura es un agujero o perforación a través de la cual pasa la luz. Más específicamente, la abertura de un sistema óptico es aquélla que determina el ángulo del cono de un haz de rayos que se enfoca en el plano de imagen. En fotografía, la magnitud de la abertura está controlada por el diafragma, el cual es una estructura interpuesta en la trayectoria de la luz para regular la cantidad de ésta admitida en el sistema. En combinación con la velocidad de obturación, el tamaño de abertura regula el grado de exposición a la luz del filme o sensor, determinando así el Valor de exposición.
Diferentes aberturas del diafragma.
Aberturas máxima y mínima de un objetivo Las especificaciones de los objetivos fotográficos incluyen normalmente las aberturas máxima y mínima. Éstas se expresan a través de los números f (nótese que a mayor número f menor abertura y viceversa). La abertura máxima de un objetivo es un parámetro sumamente importante de éste ya que indicará lo luminoso que puede llegar a ser ese objetivo, es decir, la mayor cantidad de luz que será capaz de dejar pasar ese objetivo hacia el cuerpo de la cámara. A mayor abertura máxima (luminosidad) del objetivo, mayores posibilidades de juego para el fotógrafo a la hora
f32 - pequeña abertura.
Apertura
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de ajustar la exposición de la fotografía controlando la velocidad de obturación, lo cual le da mucha mayor versatilidad para obtener buenas fotografías en condiciones deficientes de luz. En los objetivos zoom, cuya longitud focal es variable, la abertura máxima se ve afectada por la distancia focal que se esté utilizando en cada momento por lo que las indicaciones de aberturas suelen ser las aberturas máximas del objetivo con la mayor distancia focal y la menor distancia focal. No obstante lo anterior existen objetivos zoom de abertura máxima constante destinados al mercado profesional los cuales son típicamente mucho más caros.
f5 - mayor abertura.
Efectos fotográficos derivados de la abertura Modificando la abertura del diafragma del objetivo se regula el máximo paso de luz hacia el obturador y, por tanto, el elemento fotosensible (película fotográfica o sensor de imagen). Con ello lo que se consigue principalmente es dejar pasar más o menos luz hacia el interior de la cámara para equilibrar la exposición de las fotografías. Nótese que también se puede regular el paso de luz alterando la velocidad de obturación del obturador y que es equivalente (a efectos de equilibrar la exposición de la foto) a introducir luz abriendo el diafragma o dando más tiempo de exposición con la ruleta de velocidades. Además del control de la exposición de la fotografía, la abertura también afecta a la forma en que la luz entra en la cámara ayudando a ciertos efectos fotográficos. Así: • Una gran gran aber abertur turaa (diafra (diafragma gmass abiertos): aquellos por debajo de f4 (véase número f) consiguen una menor profundidad de campo y nitidez (al dejar dispersar más la luz) ayudando notablemente para hacer enfoque selectivo. • Una pequeñ pequeñaa abert abertura ura (diafr (diafragm agmas as cerrados): aquellos por encima de f4 consiguen concentrar más la luz produciendo una mayor profundidad de campo y nitidez en la fotografía resultante.
Véase también • Diaf Diafra ragm gmaa (fo (foto togr graf afía ía)) • número f • Valo Valorr de expo exposi sici ción ón • • • • •
Velo Veloci cida dadd de obtu obtura raci ción ón Obje Objeti tivo vo (fot (fotog ogra rafí fía) a) Comp Compos osic ició iónn foto fotogr gráf áfic icaa Fot Fotografía Cáma Cámara ra fot fotog ográ ráfi fica ca
Izquierda: gran profundidad de campo con abertura f8 Derecha: pequeña profundidad de campo con abertura f2.8.
Apertura
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Enlaces externos • Principios Principios básicos básicos de de la fotografía: fotografía: entendiendo entendiendo la apertura apertura [1] • Aclaración Aclaración sobre sobre el el uso de de apertura apertura o abertura abertura de la RAE [2] y de la Sociedad Española de Astronomía [3]
Referencias [1] [1] http http:/ :/ / www.dzoom. www.dzoom.org. org.es/ es/ noticia-2665.html noticia-2665.html [2] [2] http http:/ :/ / buscon.rae. buscon.rae.es/ es/ dpdI/ dpdI/ SrvltGUIBusDPD?origen=RAE&lema=abertura SrvltGUIBusDPD?origen=RAE&lema=abertura [3] [3] http http:/ :/ / sea.am.ub. sea.am. ub.es/ es/ Forum/ Forum/ viewtopic.php?p=64& viewtopic.php?p=64&sid=98e1f3ecd9866a299b0b87596ec82a3b sid=98e1f3ecd9866a299b0b87596ec82a3b
Balance de blancos En fotografía y procesado de imágenes electrónicas, el "balance de blancos" , "equilibrio de color" o "equilibrio de blancos" es un ajuste electrónico que consigue una reproducción de color correcta sin mostrar dominantes de color, que son especialmente notables en los tonos neutros (el blanco y los distintos tonos de gris), con independencia del tipo de luz que ilumina la escena. Se puede realizar de forma continua, automática o manual.
Necesidad del Balance de blancos
La misma imagen con 4 ajustes diferentes de balance de blancos. Un ajuste incorrecto produce dominantes de color, especialmente evidentes en los tonos neutros en las 2 imágenes de la izquierda.
Los colores capturados por las cámaras dependen, como es evidente, de la iluminación. La luz que atraviesa el objetivo y excita el sensor (CCD o CMOS) o la película no es siempre la misma. Puede ser natural o artificial, y dentro de éstas, las hay de diferentes tipos que dependen de una serie de características diferenciadoras. Una de ellas es precisamente la temperatura de color, que expresa la dominante de color de una fuente de luz determinada, que varía según la distribución espectral de la energía. El principal problema que planteaba la temperatura de color en la cámara fotográfica analógica, era que no podía distinguir si la luz presente era blanca pura o no. Las películas se calibraban, en general, para la luz del día, cuya temperatura de color es idéntica a la luz del flash. Además también se utilizaban filtros fotográficos de color para contrarrestar los efectos de la temperatura de color. En condiciones de luz natural, la energía lumínica está distribuida de forma aproximadamente igual en las tres componentes de color (RGB). Sin embargo, con iluminación artificial es muy probable que una de las componentes de color sea más importante que las otras. Por ejemplo, en la iluminación de tungsteno predomina la componente roja, muy útil en escenarios cálidos donde predominan los tonos rojizos. Una cámara no tiene la posibilidad de procesar la luz como lo hace el cerebro humano, ya que está calibrada de forma que el sensor (CCD o CMOS) identifica como luz blanca, una luz con una determinada temperatura de color: la luz solar. Los efectos de la iluminación en la imagen se pueden compensar actuando en la cámara sobre la ganancia de cada una de los componentes del color.
Balance de blancos
Descripción La mayoría de las cámaras digitales trae incorporado al menos un sistema de balance de blancos automático. Éste lo que hace es ajustar la parte más brillante de la escena para que aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro. Algunas cámaras digitales disponen de opciones más avanzadas que el ajuste automático, pero no completamente manuales, dando así algunas opciones además del automático: • Interiores o tungsteno: Se ajusta el balance de blancos asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz incandescente o halógena (iluminación típica del hogar: bombilla). • Sol: Se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio exterior con un tiempo soleado o nublado de gran luminosidad. • Sombra: Se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio exterior en condiciones de sombra o de cielo muy cubierto. • Fluorescente: Se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz fluorescente. Estas opciones son mejores que el uso automático, pero todavía tendremos problemas con los términos medios, durante el amanecer o el atardecer, en que la luz del sol debe atravesar una mayor longitud en las capas de la atmósfera que envuelven la tierra. Esto modifica la coloración de la luz, la cual pocas veces notamos ya que nos es demasiado cotidiano. El ajuste manual del balance de blancos en las cámaras digitales actuales se ha simplificado notablemente y basta con enfocar la cámara hacia una hoja de papel u objeto blanco y pulsar el botón de calibración de blancos. De este modo, la ganancia de las tres componentes de color se ajusta automáticamente para que den el mismo nivel de señal bajo estas condiciones de iluminación. De esta forma, los colores obtenidos en nuestra imagen se acercaran lo máximo posible a los colores reales de la escena fotografiada.
Implementación software del Balance de blancos El balance de blancos es una operación software que altera los niveles de la imagen. Podría pensarse que es un proceso de gran complejidad técnica dado lo complicado que es deshacerse de dominantes indeseadas una vez la imagen ha sido revelada con un balance de blancos insatisfactorio. Nada más lejos de la realidad, la cámara (al tirar en JPEG) o nuestro revelador (al tirar en RAW) implementan el balance de blancos como un simple escalado de todos los niveles RGB por un valor cuando la imagen está aún en estado lineal (por eso es tan complicado corregirlo a posteriori en imágenes con gamma compensada), existiendo un factor diferente para cada canal. Así por ejemplo, y si tomamos como referencia el canal verde (el cual dejamos inalterable), para aplicar un balance de blancos 'tungsteno' en la Canon 350D se utilizan unos factores: R:1.392498, G:1.000000 y B:2.375114, es decir todos los niveles rojos se incrementan en un 39% y los azules en un 138% respecto a sus valores lineales de partida, tan simple como esto.
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Balance de blancos
Véase también • Temperatura de color • Corrección gamma
Enlaces externos • La temperatura de color: la importancia del balance de blancos [1] • Balance de blancos [2] • Equilibrar blancos [3]
Referencias [1] http:/ / www.quesabesde.com/ camdig/ articulos.asp?articulo=48 [2] http:/ / www.fotonostra.com/ glosario/ balanceblancos.htm [3] http:/ / www.fotonostra.com/ tutoriales/ equilibrioblancos.htm
Bokeh Bokeh, pronunciado 'boqué', es un concepto japonés ( ぼ け boke) que significa desenfoque. En fotografía se utiliza este concepto para referirse a la calidad subjetiva de un objetivo por la estética de las zonas desenfocadas que produce en una fotografía.
Se trata por tanto no de la cantidad de desenfoque que un objetivo produce, sino de cómo es. Para la fotografía de determinados motivos, es interesante que el fondo quede desenfocado para evitar distracciones al observar la fotografía y resaltar de este modo el motivo. Mientras Bokeh en una foto disparada con diafragma f/1.2. que unos objetivos muestran los objetos desenfocados como manchas circulares, otros lo hacen en otras formas, colores y contrastes. Estas formas como manchas suaves de color que toman los objetos desenfocados es lo que caracteriza el bokeh de un objetivo. Se trata por tanto de una cualidad subjetiva. Las propiedades por las cuales un objetivo produce un bokeh agradable a la vista, no están todavía del todo claras. El número de láminas del diafragma por sí mismas no son un indicio fiable de si se obtendrá un bokeh en forma de una agradable neblina o un bokeh duro. Por lo general, los objetivos zoom tienden a producir un mal bokeh aunque no es siempre el caso. Un bokeh agradable es especialmente importante en objetivos muy luminosos, pues en sus mayores aperturas de diafragma pueden producir una profundidad de campo mínima. También es muy importante para objetivos de retratos pues el fotografo de retratos prefiere profundidades de campo cortas para hacer desaparecer el fondo resaltando el motivo. Los objetivos catadióptricos, debido a su construcción de espejos, producen un bokeh especial reproduciendo los objetos desenfocados en forma de anillos y no de manchas. Los objetos delgados y alargados del fondo aparecen frecuentemente como un doble contorno.
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Bokeh
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Ejemplos de bokeh
Bokeh creado con una distancia focal de 85mm y una apertura de f/1.2
Bokeh creado con una distancia focal de 200mm y una apertura de f/2.8
Bokeh creado con un tratamiento posterior
Bokeh característico de una lente catadióptrica
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Bokeh.Commons
El primer tramo que perturba el plano parece surgir de la decoración, como el bokeh en el gato se mezcla con los colores de la tabla.
Diafragma (óptica)
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Diafragma (óptica) El diafragma es el estrechamiento variable por medio de un sistema de láminas finas que, situado entre las lentes del objetivo , permite graduar la cantidad de luz que entra a la cámara. Suele ser un disco o sistema de aletas dispuesto en el objetivo de una cámara de forma tal que restringe el paso de la luz, generalmente de forma ajustable. Las progresivas variaciones de abertura del diafragma se especifican mediante el número f, que es la relación entre la longitud focal y el diámetro de abertura efectivo.
Diferentes aberturas del diafragma.
Diafragma en fotografía Evolución El diafragma es la parte de la cámara que determina el tamaño de la abertura. En su forma más elemental, usada en las cámaras más antiguas, no era más que una placa perforada. Los primitivos diafragmas ajustables consistían en una platina metálica con varios orificios de tamaños diferentes que se deslizaba o giraba ante el objetivo. Actualmente casi todos los diafragmas ajustables adoptan el diseño llamado iris, que consiste en un juego de laminillas metálicas imbricadas que determinan entre sí una abertura de forma aproximadamente circular y diámetro continuamente variable que se controla por medio de un anillo dispuesto en el cuerpo del objetivo.
Diafragma de 19 laminas dentro de un lente técnico
El diafragma puede ir montado por delante o por detrás de aquél, aunque en los diseños compuestos va casi siempre en el centro del
Diafragma (óptica)
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sistema óptico. El llamado diafragma-obturador es un mecanismo similar en el que las laminillas pueden cerrar por completo la abertura y combinan así en un solo dispositivo las funciones del diafragma y el obturador. Esta disposición impide naturalmente la lectura y encuadre a través del objetivo.
Diafragma y número f La capacidad que tiene un objetivo para dejar pasar la luz se denomina luminosidad . Una de las maneras de indicar esta luminosidad es mediante el número f que se define como la división de la distancia focal del objetivo por el diámetro de la abertura efectiva. Esta relación da lugar a una escala normalizada en progresión de : 1 1,4 2 2,8 4 5,6 8 11 16 22 32 45 etc. El
Diafragma desnudo
salto de un valor al siguiente se llama paso. El valor mínimo que puede tener el número f es 0,3. Aunque este valor es inalcanzable en la práctica. Estrictamente hablando, el número f no depende de la distancia focal del objetivo, sino de la distancia a la que está el centro óptico (el nodo único de una lente delgada con la misma potencia que el objetivo) de la imagen que forma. Cuando el objetivo está enfocado "a infinito" esta distancia resulta ser la inversa de la potencia del objetivo (distancia focal). Por tanto al enfocar a otras distancias la luminosidad cambia, reduciéndose. Esta variación está minimizada para que quede dentro de un tercio de paso de la luminosidad teórica aportada por el número f. En cine sí se tiene en cuenta esta variación y se emplean dos números para indicar la luminosidad: el f y el t. El f es calculado y sirve para determinar la profundidad de campo. El t es el número f teóricamente correspondiente a la luminosidad real medida. Estos números no suelen diferir en más de un tercio de paso.
Diafragma y profundidad de campo El diafragma afecta en gran medida la profundidad de campo. Cuanto más cerrado esté (mayor número f), mayor será la profundidad de campo. Cuanto más abierto esté (menor número f) más pequeña es la profundidad de campo. Este comportamiento es debido al fenómeno de colimación de la luz. Los rayos de luz que pasan por una apertura pequeña están más alineados que en una apertura grande y esto se traduce en mayor nitidez a distancias más alejadas del punto focal.
Diafragma y nitidez Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación acreditada, como revistas especializadas, monografías, prensa diaria o páginas de Internet fidedignas. [1] Puedes añadirlas así o avisar al autor principal del artículo en su página de discusión pegando: {{subst:Aviso referencias|Diafragma (óptica)}} ~~~~
El diafragma tiene consecuencias directas también en la nitidez de la imagen. Con aperturas pequeñas (número f alto) la difracción aumenta afectando negativamente la nitidez. Con aberturas pequeñas se obtiene mayor nitidez pero en un área más limitada, debido al incremento de la profundidad de campo. Aunque en teoría debería conseguirse mayor nitidez con aperturas grandes, en la práctica esto no es así, pues a aperturas mayores (número f pequeño), las limitaciones de diseño del objetivo conocidas como aberraciones, dominan sobre la apertura amplia y la nitidez empeora. Para objetivos antiguos, una regla práctica para obtener buena nitidez es situar la apertura de f/8 a f/11, con lo que además se consigue una buena profundidad de campo. Los objetivos más modernos suelen tener elementos múltiples y lentes especiales que corrigen las aberraciones, lo cual permite lograr mayor nitidez a números f más bajos, generalmente entre f/5.6 y f/6.3. El valor óptimo del número f para máxima nitidez es una característica
Diafragma (óptica) propia de cada objetivo que los fabricantes no suelen publicar, pero que puede obtenerse haciendo pruebas a diferentes aperturas.
Referencias [1] http:/ / en.wikipedia.org/ wiki/ Diafragma_%28%C3%B3ptica%29?action=history
Efecto de ojos rojos El efecto de ojos rojos consiste en la aparición de pupilas rojas en fotos realizadas con flash en ambientes de poca luz y con un flash situado cerca de la lente de la cámara (cosa frecuente con las cámaras compactas). Se produce en virtud de la luz propia que este flash dispara, introduciéndose en los ojos de las personas o animales fotografiados. Al reflejarse en la retina dará como resultado el color rojo. Este efecto es más acusado cuando las personas fotografiadas son de ojos claros ya que tienden a tener la pupila más dilatada que las de ojos oscuros.
Formas de evitarlo Existen cámaras digitales que evitan tal problema. Para ello, al momento de accionar el obturador, la cámara efectúa un breve disparo Fotografía en la que se puede observar el efecto del flash que causa una contracción de la pupila; casi instantáneamente, de ojos rojos. arroja un segundo disparo del flash, éste sí orientado a crear la luz necesaria para sacar la foto. De modo que, al producirse la contracción pupilar, es menor la luz que, a instancias del segundo flash, agrede a la pupila, reduciéndose así el reflejo de luz que origina el efecto de ojos rojos. Un truco casero sería mirar fijamente un rato a un foco de luz, e inmediatamente hacerse la foto, esto haría que la pupila se cerrara y reduciría, incluso evitaría el efecto de ojos rojos. Si no se dispone del dispositivo digital que evita, al momento de tomar la fotografía, la eliminación del efecto mencionado, existen de programas de edición capaces de cumplimentar esta tarea, (de diversas prestaciones y precios) tales como el Photoshop de Adobe, el Picasa de Google o herramientas de código abierto como Gimp. En general, cada cámara digital viene provista con un programa nativo (diseñado para cada línea o modelo) que, entre otras funciones, asiste al usuario en el sentido aquí descrito.
Enlaces relacionados • Ojos Rojos, ¿Cómo Evitar que Aparezcan? [1]
Referencias [1] http:/ / www.dzoom.org.es/ noticia-1459.html
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Exposición (fotografía)
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Exposición (fotografía) En fotografía, se llama exposición a la cantidad de luz que recibe el material fotosensible (en fotografía química) o el sensor de imagen (en fotografía digital) para que se forme una imagen. Matemáticamente: exposición = iluminancia x tiempo. Como indica la fórmula anterior, la exposición, que se mide en lux segundo, [1] es una combinación del tiempo y del nivel de iluminación recibido por el material fotosensible.
Control de la exposición
Las estrellas giran alrededor del polo celeste sur durante una noche en el Observatorio de La Silla al norte de Chile.
En una cámara, el tiempo de exposición queda controlado por la velocidad de obturación y el nivel de iluminación por la apertura del objetivo. Estos dos últimos factores (velocidad de obturación y apertura) se combinan en un solo número llamado valor de exposición, EV.
Exposición correcta Podemos hablar de más de una exposición correcta dependiendo del efecto que el fotógrafo desee transmitir. Una aproximación a una exposición correcta la da la regla sunny 16: en un día soleado, con una apertura f/16, obtendremos una exposición correcta con una velocidad de obturación de 1/sensibilidad usada. Por ejemplo, si empleamos una sensibilidad ISO 100, y una apertura f/16, una velocidad de obturación adecuada será 1/100 de segundo.
Enlaces externos • Los 3 Elementos que Afectan a la Exposición en tus Fotos [2]
Referencias [1] Leslie D. Stroebel et al. Basic Photographic Materials and Processes: Materials and Processes. Focal Press, 2000. ISBN 0-240-80405-8 p. 89 [2] http:/ / www.dzoom.org.es/ noticia-1802.html
Véase también • • • •
Número f Paso (fotografía) Tiempo de exposición o velocidad de obturación. Valor de exposición
Número f (óptica)
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Número f (óptica) En óptica, la abertura de una lente puede expresarse en términos absolutos como el diámetro D de la misma, o en relación a su longitud focal f , como la expresión D/f , también llamada apertura relativa. El número f es el recíproco de la apertura relativa. [1] Es la medida cuantitativa de la velocidad de la lente.[2] De modo más concreto, es una cantidad adimensional N que resulta de dividir la longitud focal f entre el diámetro de la pupila de entrada D de un sistema óptico cualquiera:
Un número f como N=16 suele notarse en la forma f/16 .
Notación La interpretación literal de la notación f/N se obtiene si despejamos D en la fórmula anterior:
Así, f/16 (leído "efe dieciséis") se corresponde con un diámetro de pupila de entrada D, que resulta ser 16 veces menor que la longitud focal de la lente. La pupila de entrada es proporcional al diámetro de apertura del sistema. Observamos que a mayor N (número f), menor abertura, pues aumenta el denominador en la expresión de D.
Número f en fotografía En una cámara fotográfica, la anterior abertura se corresponde usualmente con la abertura del diafragma, la cual puede ser ajustada en pasos discretos para variar el tamaño de la pupila y por lo tanto la cantidad de luz que alcanza el filme o el sensor.
Escalas de números f
Diagrama de aberturas decrecientes, correspondientes a la escala estándar de números f crecientes, en incrementos de un paso. Cada abertura de esta serie abarca la mitad del área que la que le precede.
Si ajustamos los pasos de modo que cada valor represente la mitad de intensidad luminosa que el precedente, deberemos dividir el área de la pupila de entrada entre 2, y su diámetro entre . Obtendremos de este modo una sucesión llamada escala estándar de números f , formada por aproximaciones de los términos de la progresión geométrica de las potencias de 1 /
:0≤n<∞
f/1, f/1.4, f/2, f/2.8, f/4, f/5.6, f/8, f/11, f/16, f/22, f/32, f/45, f/64, f/90, f/128, etc. En cámaras modernas podemos encontrar también escalas que avanzan según una fracción de paso (1/2, 1/3 o incluso 1/8 de paso): Escala de medio paso # 1.0 1.2 1.4 1.7 2 2.4 2.8 3.3 4 4.8 5.6 6.7 8 9.5 11 13 16 19 22
Escala de 1/3 de paso
Número f (óptica) # 1.0 1.1 1.2 1.4 1.6 1.8 2 2.2 2.5 2.8 3.3 3.5 4 4.5 5.0 5.6 6.3 7.1 8 9 10 11 13 14 16 18 20 22
Luminosidad de una lente La luminosidad de una lente viene dada por su mínimo número f, que se corresponde con su máxima abertura y de la luz que deja pasar en el periodo de tiempo que el obturador está abierto. De una lente de gran abertura máxima decimos que es una lente luminosa, pues permite usar unas velocidades de obturación más rápidas. Los fabricantes indican este dato en la montura de los objetivos. Así, podemos decir que una lente es más luminosa que otra. Por ejemplo, una lente con abertura máxima de f/3.5 es más luminosa que otra con una abertura de Canon 85mm f/1.8 mostrando su gran abertura máxima. f/5.6, aunque ninguna de ellas sea especialmente rápida. Una lente con abertura máxima de f/1.8 es más oscura que otra con una abertura de f/1.2, aunque ambas pueden clasificarse como lentes luminosas.
Números f, relación de luces y pasos La relación que guardan dos números f y las exposiciones correspondientes son: En relación de luces (m):
En pasos (n):
Lo cual significa por ejemplo, que si medimos dos diafragmas, uno que vale 1.1 y el otro 2.5 la diferencia de exposición que guardan esos dos tonos serán:
La relación de luces (m) es de 5.16:1. El número de pasos (n) será de 2,37 pasos (dos pasos y un tercio).
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Número f (óptica)
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Referencias [1] Alan H. Cromer. Física en la ciencia y en la industria. Reverté, 2001. ISBN 84-291-4156-1 (pg.480) [2] John W. Jewett, Raymond A. Serway. Física para ciencias e ingenierias- volumen II . Cengage Learning Editores, 2006 ISBN 970-686-425-3 (pg 450)
Enlaces externos • El Misterioso Significado del Número F (http:/ / www.dzoom.org.es/ noticia-1480.html)
Véase también • • • • • • • • •
Apertura Apertura numérica Paso Diafragma Valor de exposición Velocidad de obturación Distancia focal Objetivo Cámara fotográfica
Objetivo (fotografía) Se denomina objetivo al conjunto de lentes convergentes y divergentes que forman parte de la óptica de una cámara tanto fotográfica como de vídeo. Su función es recibir los haces de luz procedentes del objeto y modificar su dirección hasta crear la imagen óptica, réplica luminosa del objeto. Esta imagen se lanzará contra el soporte sensible: sensor de imagen en el caso de una cámara digital, y película sensible en la fotografía química. El agujero de la cámara oscura fue considerado como el primer objetivo ya que permitía hacer pasar por él la luz proveniente de una escena exterior y proyectarla sobre las paredes interiores o sobre un lienzo (ver cámara estenopeica). Con el tiempo este agujero fue sustituido inicialmente por una lente esférica que concentraba una mayor cantidad de rayos en un mismo punto, y más adelante por un sistema de lentes que corregía las aberraciones ópticas.
Objetivo de una cámara.
Objetivo (fotografía)
Principales características Luminosidad La luminosidad, apertura relativa o número f de un objetivo es el cociente entre la distancia focal de un objetivo y el máximo diámetro de su diafragma y nos da una indicación sobre la cantidad de luz que puede dejar pasar. La luminosidad de un objetivo está pues determinada por: • La distancia entre el objetivo y la imagen proyectada , lo cual es función de la distancia focal (véase siguiente apartado). • El diámetro del haz de luz que penetra por el objetivo, lo cual depende del diseño y construcción del propio objetivo. El valor máximo de este diámetro (con máxima apertura del diafragma) se lo denomina apertura efectiva.
Distancia focal Indica la distancia en milímetros desde el centro óptico del objetivo al plano focal y define la potencia o poder de desviación de una lente u objetivo. La distancia focal de un objetivo está determinada por: • Ángulo de incidencia de la luz sobre la lente o, a efectos prácticos, curvatura de la lente (a mayor radio de curvatura menor distancia focal). • Índice de refracción de la lente, el cual vendrá determinado por la composición química del vidrio de la misma. • Longitud de onda de la luz incidente, esto es, color de la luz; si bien actualmente la mayor parte de los objetivos están compuestos por grupos de lentes convergentes y divergentes que compensan las posibles aberraciones cromáticas derivadas de este aspecto.
Tipos de objetivos Existen diferentes tipos de objetivos según la distancia focal de la lente utilizada: • Objetivos gran angulares: Objetivo cuyo ángulo de visión es mayor al del objetivo normal (generalmente entre 60 y 180º). Se utilizarán para los planos generales donde nos sea necesario abarcar un gran ángulo de visión. Su característica principal es que proporcionan gran profundidad de campo. Suelen distorsionar la imagen haciendo curvas las líneas rectas. • Objetivo normal: Con un ángulo de entre 40 y 65º se asemejan a la visión del ojo humano. Su utilidad se centra en la representación de escenas sin carga dramática. Su profundidad de campo es moderada. No suele presentarse distorsión de la imagen como en los angulares, conservándose la perspectiva original. Además, estos objetivos suelen tener una gran luminosidad. • Teleobjetivos: El ángulo de visión es menor que el del objetivo normal (generalmente menor de 30º). Permiten acercar objetos situados a grandes distancias. Así consiguen aumentar el tamaño de las imágenes respecto al objeto real. Por el contrario su profundidad de campo es reducida y su punto de enfoque crítico. • Objetivos zoom: Son objetivos de distancia focal variable. Destacan por su comodidad ya que evitan el cambio de objetivos de distancias focales fijas (angulares, normales y teleobjetivos). Como contrapartida, debido a su construcción, suelen ser menos luminosos que los objetivos equivalentes de focal fija. • Objetivos macro: Permiten el enfoque a muy corta distancia. Se utiliza para objetos muy pequeños situados a poca distancia de la lente. • Objetivo ojo de pez: Se trata de un angular extremadamente amplio, llegando hasta los 180º. Proporcionan una profundidad de campo extrema, y las imágenes se ven curvas como si estuvieran reflejadas en una esfera.
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Objetivo (fotografía)
Otros objetivos especiales • Objetivos flou, que poseen un determinado nivel de aberración esférica que produce cierto grado de difusión o efecto de halo, en algunos el grado de difusión puede variarse a voluntad. Se usan para retratos, desnudos y para conseguir cierto ambiente romántico y de ensoñación. Este efecto también puede lograrse mediante filtros u otros trucos simples. • Objetivos submarinos, que, además de ser estancos, están diseñados para refractar la luz de forma óptima debajo del agua. • Objetivos medical, que son básicamente objetivos macro con un flash anular automático incorporado para evitar sombras. Suelen ser de una alta calidad y su uso principal, como su nombre indica, es la fotografía médica. • Objetivos shift, en los que se puede desplazar el eje óptico, controlando así la perspectiva de la cámara. Se usan mucho en arquitectura, por ejemplo para corregir la fuga de líneas que se produce al hacer un contrapicado de un edificio. • Objetivos UV, que poseen lentes de cuarzo o fluoruro de cuarzo para poder fotografiar en la región de luz ultravioleta. • Objetivos anamórficos, usados habitualmente en el cine (por ejemplo en Cinemascope) para estrechar las imágenes sobre la película y comprimir así vistas panorámicas. Obviamente, luego se utilizan también objetivos de este tipo en el proyector para reconstruir las relaciones originales.
Identificación de los objetivos Para facilitar el uso todos los objetivos poseen una serie de datos identificadores en su carcasa. Esta información sirve para decidir qué objetivo se va utilizar según el tipo de encuadre requerido o la cantidad de luz presente en la escena: • Distancia focal: expresada en milímetros. En los objetivos zoom se expresa un rango de valores indicando la mínima y máxima distancia focal. • Luminosidad: indica el mayor y menor valor de apertura del diafragma. Se expresa a través de los número f. En el caso de los objetivos zoom se expresan también dos valores distintos indicando la luminosidad para la mínima y máxima distancias focales. • Diámetro de filtro: A través del símbolo (Ø) el fabricante indica el diámetro del filtro que se puede acoplar. • Tratamiento superficial de las Lentes: indica el tratamiento óptico de la superficie de las lentes a través de las palabras "coated" o "multicoated". • Corrección de aberraciones ópticas: Mediante las expresiones "aspheric" y "apochromatic" el fabricante hace saber si ha aplicado un especial grado de corrección a los objetivos. • Número de serie de fabricación: Importante conocer este dato para caso de robo o pérdida.
Calidad de los objetivos Existen múltiples parámetros con los que poder atribuir mayor o menor calidad a un objetivo; algunos pueden ser: • Montura metálica, más resistente y duradera. • Mayor peso, que aunque sin relación aparente suele indicar la utilización de materiales de mayor calidad en su construcción. • Con mecanismos de corrección de ciertas aberraciones ópticas (por ejemplo, objetivos aspheric). • Definición, es decir, la nitidez con la que pueden reproducir las imágenes. • Contraste, es decir, que reflejen fielmente los contrastes de intensidad de luz del motivo retratado sin apagar los tonos. • Fabricante, ya que algunos fabricantes son referencias clave en calidad.
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Objetivo (fotografía)
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Véase también • • • • • • • • • • • • •
Diafragma número f Valor de exposición Velocidad de obturación Aberraciones ópticas Objetivo gran angular Objetivo normal Teleobjetivo Objetivo zoom Objetivo macro Objetivo ojo de pez Cámara fotográfica Fotografía
Obturador En fotografía el obturador es el dispositivo que controla el tiempo durante el que llega la luz al elemento sensible (película o sensor). Junto con la abertura del diafragma, la velocidad de obturación es el principal dispositivo para controlar la cantidad de luz que llega al elemento fotosensible.
Tipos Existen básicamente dos tipos de obturador: central (o de laminillas) y de plano focal (o de cortina).
Dial del obturador en una Fujica STX-1.
Obturador Central El obturador central lo incorporan los objetivos de gran formato así como cámaras réflex de 2 objetivos y algunas de formato medio como algunos modelos de Hasselblad. Suele encontrarse en el objetivo y están compuestos por unas láminas que se abren de forma radial. Su ventaja es que pueden sincronizarse con el flash a cualquier velocidad y su desventaja es que la velocidad máxima de exposición no puede superar 1/500 s
Obturador de plano focal El obturador de plano focal se encuentra en todas las cámaras réflex de un solo objetivo. Está situado justo delante de la película o sensor y está formado por dos cortinillas. Una de apertura y otra de cierre, que se mueven en la misma dirección. Su funcionamiento es el siguiente: primero baja una cortinilla abriendo el obturador, posteriormente, según el tiempo de exposición seleccionado, baja la segunda cortinilla cerrando la ventana que da paso de luz a la película. Una desventaja frente al obturador central es la dificultad de sincronización con el flash que suele encontrarse entre 1/30 y 1/250 s. dependiendo de su tamaño y materiales utilizados. Esto es debido a que la primera cortina tarda un tiempo en realizar su recorrido, dándose el caso en que a velocidades altas la cortina de cierre se activa antes de haber terminado la primera cortina su recorrido, en estos casos la exposición se forma por
Obturador
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una franja de luz, entre una cortina y la siguiente, en forma de barrido, de manera que como el flash tiene por norma general un destello muy corto, la foto sale cortada pues no hay ningún instante que esté abierta la ventana al mismo tiempo. Esto puede resolverse con un flash que mantenga la iluminación durante el tiempo total que tarda la exposición en realizarse, por lo general son flashes especiales dedicados de cada marca.
Control del obturador El obturador de plano focal podía controlarse de modo mecánico, alcanzando normalmente velocidades máximas entre 1/500 y 1/1000. La velocidad máxima alcanzada por medio puramente mecánico fue de 1/4000 s en la Nikon FM2. Hoy día los obturadores suelen ser controlados de modo electrónico mediante electroimanes. Con ello se consigue mayor precisión, velocidades que alcanzan los 1/12.000 como es el caso de las Minolta Dynax 9 y mejor control en velocidades lentas pudiéndose ajustar normalmente hasta 30 s.
Véase también • Velocidad de obturación (fotografía) • Diafragma (fotografía) • Fotografía
Profundidad de campo Por profundidad de campo se entiende tradicionalmente en óptica, y en fotografía en particular, como la zona en la cual la imagen captada por el objetivo es nítida (es decir enfocada), de manera que en la fotografía que se realice, las personas y objetos que se encuentren dentro de esa zona aparecerán también nítidos. Una definición más completa y exacta sería: La profundidad de campo es el espacio por delante y por detrás del plano enfocado, comprendido entre el primer y el último punto apreciablemente nítido reproducidos en el mismo plano de enfoque.
Ejemplo de profundidad de campo, sólo la línea central aparece enfocada, el resto no.
Depende de cuatro factores: el tamaño del círculo de confusión (y por tanto el formato y el tamaño de la impresión, además de la distancia de observación y de la capacidad resolutiva de cada observador), la distancia focal, el número f y la distancia de enfoque. La profundidad de campo depende por tanto de la distancia focal. Se ha dicho anteriormente que la distancia focal no varía, por lo que la profundidad de campo tampoco, siempre y
Profundidad de campo
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cuando de cada formato ampliemos una copia proporcional, y las veamos, tengan el tamaño que tengan, a la misma distancia. Si en vez de observarlas de esta forma, las observamos a la distancia proporcional al tamaño de la copia, resulta que tendría más profundidad de campo la copia del formato más grande ya que la observamos más lejos también, cosa contraria a lo que se cree. Pero resulta que como para mantener la misma angulación hay que utilizar ópticas con más distancia focal y resulta que ese parámetro es de mayor influencia en la profundidad de campo, al final tiene más el formato menor, pero por poco. Esta diferencia se incrementa cuando las observamos a la misma distancia, ya que de esta forma sólo influye la distancia focal.
Imagen con poca profundidad de campo.
1. La Profundidad de campo sólo existe en el contexto de una reproducción. No es una propiedad intrínseca de un lente y depende de valores de apreciación subjetivos.
Imagen con profundidad de campo moderada.
2. La frase aceptablemente nítida se refiere a la zona que rodea el plano de la imagen que está en foco. Todos los puntos en una fotografía están fuera de foco en cierta medida (aunque no sea obvio), solo un plano está perfectamente enfocado. Los límites de la profundidad de campo son precisamente donde la falta de nitidez se vuelve inaceptable para el observador. La profundidad de campo no es una zona en la que la fotografía está enfocada perfectamente sino la zona de la fotografía donde el foco es lo suficientemente cercano al plano nítido como para ser aceptable. La profundidad de campo no dicta tampoco cuán borrosos estarán los planos alejados del plano nítido, una confusión común. La profundidad de campo aumenta en relación inversa a la apertura, es decir, cuanto más cerrado se encuentra el diafragma o lo que es lo mismo, cuanto mayor sea el número f elegido. Por ejemplo, con un diafragma de f5,6 la profundidad de campo no será muy amplia, mientras que con un diafragma de f11 o de f16 será considerable. Por otra parte, cuanto más cerca se encuentre el motivo que se desea fotografiar, menor será la profundidad de campo, independientemente del diafragma seleccionado. Si se utilizan teleobjetivos también se reduce la profundidad de campo. Pero con objetivos angulares, la profundidad de campo aumenta.
Profundidad de campo
Efecto del diafragma sobre la profundidad de campo
Efecto del diafragma sobre la profundidad de campo. Los puntos en el plano enfocado (2), proyectan puntos en el plano imagen, pero los que están fuera del plano enfocado (1 y 3) causan un círculo de confusión, proyectando una imagen borrosa. Al emplear un diafragma, el área efectiva de la lente (4) se reduce, reduciendo a su vez el tamaño de los círculos de confusión (ya que el ángulo entre los rayos de máxima separación angular provenientes de un mismo punto ven reducida esa separación angular por el diafragma), así que objetos alejados del plano enfocado se ven más nítidos, lo que aumenta la profundidad de campo (la distancia alrededor del plano enfocado a la que los objetos se ven con una cierta nitidez).
El hecho de que un diafragma muy abierto reduzca la profundidad de campo, explica que las personas miopes vean peor de noche ya que el rango enfocado se reduce, el defecto visual se hace más evidente debido a que hace falta más precisión en el enfoque.
Véase también • • • • • • • • • • •
Apertura Paso (fotografía) Número f Diafragma Valor de exposición Velocidad de obturación Composición fotográfica Objetivo Fotografía Cámara fotográfica Distancia hiperfocal
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Profundidad de campo
Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Profundidad de campo.Commons • Fundamentos de la imagen fotográfica digital, por Efraín García y Rubén Osuna [1]
Referencias [1] http:/ / www.uned.es/ personal/ rosuna/ resources/ photography/ ImageQuality/ fundamentos.imagen.digital.pdf
Regla de los tercios En las artes visuales como la pintura, fotografía y diseño, la regla de los tercios es una forma de composición para ordenar objetos dentro de la imagen. Esta regla divide una imagen en nueve partes iguales, utilizando dos líneas imaginarias paralelas y equiespaciadas de forma horizontal y dos más de las mismas características de forma vertical, y recomienda utilizar los puntos de intersección de estas líneas para distribuir los objetos de la escena. La regla de los tercios se usa con frecuencia en todo tipo de escenas como retratos, paisajes o bodegones.
Puntos de intersección Los fotógrafos y pintores suelen utilizar los cuatro puntos de intersección para ubicar en ellos el centro de Esta fotografía ilustra los principios seguidos con la regla de los atención de la composición y así crear una imagen tercios. estéticamente agradable y balanceada. Normalmente el punto de atención o el sujeto principal se coloca en cualquiera de los cuatro puntos y si existiese un segundo punto de atención, éste se ubicaría al lado opuesto diagonalmente, es decir, el punto opuesto.
Ley del horizonte Una interpretación de la Regla de los Tercios es ley del horizonte si se trabaja con paisajes. En lo que se refiere a esta ley, se dice que hay que ubicar el horizonte en la línea inferior, a 1/3 para darle prioridad al cielo o en la línea horizontal superior, a 2/3 para darle prioridad a la tierra esta regla es de aplicación tanto en fotografías apaisadas (horizontales)como verticales. "Remarks on rural scenery", de John Thomas Smith, ya recomendaba seguir esta ley en 1793 para las pinturas de paisajes, aunque posiblemente el origen sea muy anterior. [1]
30
Regla de los tercios
Enlaces externos • La Regla de los Tercios: Mejora tu Composición Fotográfica [2]
Referencias [1] Field, George (1845). Chromatics; or, The analogy, harmony, and philosophy of colours (http:/ / books.google.com/ books?id=oBMEAAAAQAAJ&pg=PA47&dq=rule-of-thirds+date:0-1980&as_brr=3&ei=V36ORqTTK6DeoAKC4f2bCw). David Bogue, Fleet Street. . [2] http:/ / www.dzoom.org.es/ noticia-1404.html
Valor de exposición Se denomina en fotografía valor de exposición a un número que resume las dos cantidades de las que depende la exposición: tiempo de exposición y apertura. Se basa en el listado de las series de números f de diafragma y de tiempos de obturación. El valor base es 0 y corresponde al valor para el diafragma f:1 y el tiempo de obturación t de 1s. Sube o baja una unidad por cada paso. Presenta la cualidad de indicar con un mismo número combinaciones diferentes de tiempo y diafragma asociadas a una misma exposición.
Definición formal Los valores de exposición son una escala logarítmica de base 2 definida por:
donde • •
es la apertura relativa (número f) es el tiempo de exposición en segundos (s) (“Velocidad de obturación ”)
EV 0 corresponde a un tiempo de exposición de 1 s, con una apertura relativa of /1.0. Si el EV es conocido, puede ser usado para seleccionar combinaciones de tiempo de exposición y número f, como se muestra en la Tabla 1-number. Cada incremento de 1 en el valor de exposición corresponde al cambio de un paso; (o más comunmente “stop”) en la exposición, por ejemplo, la mitad de la exposición, ya sea por disminuir a la mitad el tiempo de obturación o por disminuir a la mitad el área de apertura, o una combinación de cambios de ese tipo. Mayores valores de exposición son más apropiados para fotografía en situaciones con más iluminación o para películas más sensibles.
Tabla de valores de exposición
31
Valor de exposición
32
Tabla 1. Tiempos de Exposición *, para distintos Valores de Exposición y números f EV
número f 1.0
1.4
2.0
2.8
4.0
−6
1 min
2 min
4 min
8 min
16 min
32 min
64 min 128 min 256 min 512 min 1024 min 2048 min 4096 min
−5
30 s
1 min
2 min
4 min
8 min
16 min
32 min
64 min 128 min 256 min
512 min 1024 min 2048 min
−4
15 s
30 s
1 min
2 min
4 min
8 min
16 min
32 min
64 min 128 min
256 min
512 min 1024 min
−3
8s
15 s
30 s
1 min
2 min
4 min
8 min
16 min
32 min
64 min
128 min
256 min
512 min
−2
4s
8s
15 s
30 s
1 min
2 min
4 min
8 min
16 min
32 min
64 min
128 min
256 min
−1
2s
4s
8s
15 s
30 s
1 min
2 min
4 min
8 min
16 min
32 min
64 min
128 min
0
1s
2s
4s
8s
15 s
30 s
1 min
2 min
4 min
8 min
16 min
32 min
64 min
1
1/2 s
1s
2s
4s
8s
15 s
30 s
1 min
2 min
4 min
8 min
16 min
32 min
2
1/4 s
1/2 s
1s
2s
4s
8s
15 s
30 s
1 min
2 min
4 min
8 min
16 min
3
1/8 s
1/4 s
1/2 s
1s
2s
4s
8s
15 s
30 s
1 min
2 min
4 min
8 min
4
1/15 s
1/8 s
1/4 s
1/2 s
1s
2s
4s
8s
15 s
30 s
1 min
2 min
4 min
5
1/30 s
1/15 s
1/8 s
1/4 s
1/2 s
1s
2s
4s
8s
15 s
30 s
1 min
2 min
6
1/60 s
1/30 s
1/15 s
1/8 s
1/4 s
1/2 s
1s
2s
4s
8s
15 s
30 s
1 min
7
1/125 s
1/60 s
1/30 s
1/15 s
1/8 s
1/4 s
1/2 s
1s
2s
4s
8s
15 s
30 s
8
1/250 s
1/125 s
1/60 s
1/30 s
1/15 s
1/8 s
1/4 s
1/2 s
1s
2s
4s
8s
15 s
9
1/500 s
1/250 s
1/125 s
1/60 s
1/30 s
1/15 s
1/8 s
1/4 s
1/2 s
1s
2s
4s
8s
10 1/1000 s
1/500 s
1/250 s
1/125 s
1/60 s
1/30 s
1/15 s
1/8 s
1/4 s
1/2 s
1s
2s
4s
11 1/2000 s 1/1000 s
1/500 s
1/250 s
1/125 s
1/60 s
1/30 s
1/15 s
1/8 s
1/4 s
1/2 s
1s
2s
12 1/4000 s 1/2000 s 1/1000 s
1/500 s
1/250 s
1/125 s
1/60 s
1/30 s
1/15 s
1/8 s
1/4 s
1/2 s
1s
13 1/8000 s 1/4000 s 1/2000 s 1/1000 s
1/500 s
1/250 s
1/125 s
1/60 s
1/30 s
1/15 s
1/8 s
1/4 s
1/2 s
1/8000 s 1/4000 s 1/2000 s 1/1000 s
1/500 s
1/250 s 1/125 s
1/60 s
1/30 s
1/15 s
1/8 s
1/4 s
1/500 s 1/250 s 1/125 s
1/60 s
1/30 s
1/15 s
1/8 s
1/8000 s 1/4000 s 1/2000 s 1/1000 s 1/500 s 1/250 s 1/125 s
1/60 s
1/30 s
1/15 s
14 15
5.6
1/8000 s 1/4000 s 1/2000 s 1/1000 s
16
8.0
11
16
22
32
45
64
* ‘s’ = segundos, ‘min’ = minutos (según el Sistema Internacional de Unidades).
Origen Los números de valores de exposición tienen su origen en el sistema de sensibilidad APEX que trató de imponerse en los años 40 y 50 como forma práctica de determinar la exposición fotográfica
Véase también • • • •
Paso (fotografía) Apertura Diafragma (fotografía) número f
Velocidad de obturación
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Velocidad de obturación En fotografía, el concepto velocidad de obturación se usa por abuso del lenguaje para hacer referencia al inverso del tiempo de exposición de la fotografía, que es el periodo de tiempo durante el cual está abierto el obturador de una cámara fotográfica. Se expresa en segundos y fracciones de segundo. De esta forma la velocidad de obturación se podría definir como su inverso. Los tiempos de exposición de una cámara fotográfica pueden ajustarse en valores discretos. El salto de cada valor al siguiente se denomina un paso. Estos valores suelen oscilar entre los 30 segundos y 1/8000 de segundo en las mejores cámaras; para realizar exposiciones más largas suele existir la opción B (o modo Bulb) en la que el obturador se mantiene abierto durante el tiempo que mantengamos el dedo sobre el pulsador. Una variante del modo B es el modo Time (T), casi en desuso, en el que ha de accionarse el pulsador una vez para comenzar la exposición del sensor o película, y otra para finalizarla. Aunque no puede hablarse de velocidades rápidas o lentas con independencia de la situación fotografiada, a efectos prácticos, en la mayoría de situaciones, podemos distinguir:
La velocidad de obturación puede tener un impacto dramático al fotografiar objetos en movimiento. Es necesario ajustar la apertura para obtener una exposición adecuada.
Fotografía con una velocidad relativamente rápida, congelación de
• Velocidades rápidas: superiores a 1/60 segundos; el movimiento. obturador permanece abierto muy poco tiempo dejando pasar menos luz hacia el elemento fotosensible. Con ellas se consigue congelar o reducir notablemente el movimiento. • Velocidad lentas: inferiores a 1/60 s; el obturador permanece abierto más tiempo dejando pasar más luz. Con ellas se consiguen imágenes movidas, desplazadas, otorgando mayor sensación de desplazamiento. En estas velocidades es recomendable usar un trípode para evitar que se mueva la cámara por el pulso. La velocidad de obturación, en conjunción con la sensibilidad de la película fotográfica (caso de cámaras tradicionales) o sensor de imagen (en cámaras digitales) y la apertura del diafragma, determina el valor de exposición para una fotografía.
Fotografía desde el mismo sitio con una velocidad más lenta, efecto desplazamiento.
Velocidad de obturación
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Escala de velocidades La escala típica de velocidades suele ser:
Dial del obturador en una Fujica STX-1.
Valor tiempo de equivaloracion del disparador
B
mientras se pulse el disparador
30"
30 s
15"
15 s
8"
8s
4"
4s
2"
2s
1"
1s
2
1/2 s
4
1/4 s
8
1/8 s
15
1/15 s
30
1/30 s
60
1/60 s
125
1/125 s
250
1/250 s
500
1/500 s
1000
1/1000 s
2000
1/2000 s
3000
1/3000 s
4000
1/4000 s
Al avanzar un paso en esta escala se reduce a la mitad el tiempo, dejando entrar menos luz.
Velocidad de obturación
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Velocidades lentas Una velocidad lenta o tiempo de exposición largo será más sensible al movimiento pudiendo expresarse en forma difusa y uno más corto obtendrá una imagen "congelada" y nítida. Para poder obtener el efecto deseado sin variar la iluminación deseada en la fotografía, habrá que ajustar el diafragma para compensar la cantidad de luz recibida. En fotografía digital, la sensibilidad ISO también se convierte en un parámetro ajustable; un ISO mayor nos permitirá una fotografía más rápida. Un tiempo de exposición largo puede requerir el uso de trípode, para evitar la trepidación debida a la vibración de nuestro pulso. El tiempo máximo para la obtención de una fotografía nítida sin trípode dependerá del tipo de cámara y del ángulo de visión del objetivo.
Fuegos artificiales, en esta foto se ha usado 4 s de exposición, dejando las trayectorias luminosas. Si tuviese mayor velocidad, sólo se verían puntos de luz.
Depende de la cámara pues en una réflex el rápido movimiento del espejo hará vibrar la cámara y producirá trepidación apreciable con velocidades menores a 1/50; en cámaras compactas, cogiendo bien la cámara, el tiempo podrá ser mayor. También puede depender de la cámara pues algunas pueden incorporar un estabilizador de imagen que permitirán un tiempo de exposición entre 1,5 y 3 pasos mayor. También dependerá del objetivo pues la vibración de la mano tendrá una mayor repercusión cuanto menor sea el ángulo de visión. Este es un factor a tener muy en cuenta con el uso de teleobjetivos o zooms. Suele decirse que la velocidad más lenta es 1/(distancia focal), en este caso se refieren a la velocidad focal de una cámara reflex analógica o sin factor multiplicador. Por otra parte algunos objetivos incorporan un estabilizador de imagen. Una técnica estéticamente muy interesante por su dinamismo, y que transmite el movimiento sin la utilización de una velocidad realmente lenta, es el barrido.
Véase también • • • • •
Obturador Diafragma Apertura Cámara fotográfica Fotografía
Enlaces externos • Para qué sirve la velocidad de obturación [1] • Que és y para qué sirve el obturador [2] •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Velocidad de obturación .Commons
Referencias [1] http:/ / www.dzoom.org.es/ noticia-2640.html [2] http:/ / www.fotoclubdigital.com/ tutoriales/ conceptos-tecnicos/ 28-el-obturador.html
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Tecnología y técnica Calotipo El calotipo es un método fotográfico, creado por William Fox Talbot, basado en un papel sensibilizado con nitrato de plata y ácido gálico que tras ser expuesto a la luz era posteriormente revelado con ambas sustancias químicas y fijado con hiposulfito sódico. [1] Este procedimiento resulta ser muy cercano al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen en negativo que podía ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara. Para ello se baña el papel negativo en cera derretida para que se vuelva transparente y así, tras someterlo a un foco de luz o por contacto sobre otro papel idéntico, se obtiene una imagen en positivo. Aunque se utilizaba al menos desde 1835 y Talbot ya presentó una comunicación en 1839, el procedimiento fue patentado en el año 1841 en Inglaterra lo cual limitó sensiblemente su internacionalización, a diferencia de otros procedimientos.[2] También conocido con el nombre de «Talbotipo» o «impresión al papel salado» ( Salt print en inglés),[3] fue el proceso fotográfico más utilizado entre los que empleaban papel antes del descubrimiento de la impresión a la albúmina y se estuvo utilizando aproximadamente hasta 1860.
Referencias [1] Castellanos, P. (1999). Diccionario histórico de la fotografía. Madrid: Ediciones Itsmo. pp. 48. ISBN 84-7090-325-X. [2] Sougez, M.L.; Pérez Gallardo, H.. Diccionario de historia de la fotografía. Madrid: Ediciones Cátedra. pp. 89. ISBN 84-376-2038-4. [3] López Mondéjar, P.. Historia de la fotografía en España. Barcelona: Lunwerg editores. pp. 293. ISBN 8477826609.
Cámara fotográfica
Cámara fotográfica Este artículo o sección sobre tecnología necesita ser wikificado con un formato acorde a las convenciones de estilo. Por favor, para que las cumpla. Mientras tanto, no elimines este aviso puesto el 12 de April de 2010. También puedes ayudar wikificando otros artículos. Atención: Por ahora no estamos clasificando los artículos para wikificar por tecnología. Por favor, elige una categoría de artículos por wikificar de esta lista.
Una cámara fotográfica o cámara de fotos es un dispositivo utilizado para capturar imágenes o fotografías. Es un mecanismo antiguo para proyectar imágenes en el que una habitación entera desempeñaba las mismas funciones que una cámara fotográfica actual por dentro, con la diferencia que en aquella época no había posibilidad de guardar la imagen a menos que ésta se trazara manualmente. Las cámaras actuales pueden ser sensibles al espectro visible o a otras porciones del espectro electromagnético y su uso principal es capturar el campo visual. Las cámaras fotográficas constan de una cámara oscura Cámara de fuelle, para negativos de vidrio, con trípode ligero para cerrada, con una abertura en uno de los extremos para viajes. que pueda entrar la luz, y una superficie plana de formación de la imagen o de visualización para capturar la luz en el otro extremo. La mayoría de las cámaras fotográficas tienen una lente colocada delante de la abertura de la cámara fotográfica para controlar la luz entrante y para enfocar la imagen, o parte de la imagen. El diámetro de esta abertura suele modificarse con un diafragma, aunque algunas cámaras tienen una abertura fija. Mientras que el tamaño de la abertura y el brillo de la escena controlan la cantidad de luz que entra por unidad de tiempo, en la cámara durante el proceso fotográfico, el obturador controla el lapso que la luz incide en la superficie de grabación. Por ejemplo, en situaciones con poca luz, la velocidad de obturación será menor (mayor tiempo abierto) para permitir que la película reciba la cantidad de luz necesaria exactamente.
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Cámara fotográfica
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Historia El primer fotógrafo fue Joseph-Nicéphore Niépce en 1826, utilizando una cámara hecha de madera fabricada por Charles y Vincent Chevalier en París. Sin embargo, aunque se considera "oficialmente" que éste fue el nacimiento de la fotografía, la invención de la cámara oscura es muy anterior. Pero no fue hasta la invención de la fotografía que se pudieron fijar permanentemente las imágenes; mientras tanto se tenían que dibujar manualmente las imágenes. La primera cámara que fue lo suficientemente pequeña como para considerarse portátil fue construida por Johann Zahn en 1685. Las primeras cámaras fotográficas eran similares en esencia al modelo de Zahn, aunque generalmente con una mejora en el enfoque. Antes de cada exposición una placa sensibilizada era insertada. El popular daguerrotipo de Louis Daguerre, dado a conocer en 1839, utilizaba placas de cobre plateado, sensibilizadas con vapores de yodo; mientras que en el procedimiento del calotipo inventado por William Fox Talbot se formaban las imágenes negativas sobre soporte de papel. Diseño de una cámara oscura del siglo XVIII.
La invención del proceso de placa húmeda con colodión húmedo inventado por Frederick Scott Archer en 1850 redujo mucho el tiempo de exposición, pero siempre requería que el fotógrafo preparara artesanalmente las placas, en el cuarto oscuro de los estudios fotográficos, o bien en laboratorios portátiles de campaña, en la fotografía exterior de viajes.
Cámara Zeiss Ikon Box Tengor, hacia 1950.
En el siglo XIX se diseñaron muchos tipos de cámaras fotográficas. Por ejemplo, las cámaras aptas para obtener fotografías estereoscópicas; cuyos pares estereoscópicos finalmente se tenían que mirar con un visor apropiado, para poder visualizar su efecto tridimensional o de relieve. Una típica cámara estereoscópica tenía dos objetivos, para obtener simultáneamente dos imágenes muy parecidas, pero no iguales, desde dos puntos de vista muy cercanos. En realidad se inspiraba en la visión binocular humana.
Otras cámaras diferentes eran algunas cámaras de estudio de la época en que se popularizaron los retratos en formato de tarjeta de visita (entre los años 1860 y 1880). Esas cámaras podían tener cuatro o más objetivos, para obtener varios retratos en un mismo negativo de vidrio. De esa manera el positivado (por contacto) era más rápido, pues en una sola hoja de papel se obtenían los retratos realizados; que sólo debían ser cortados y montados en diferentes tarjetas individuales.
Cámara fotográfica
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Tipos de cámaras Existen multitud de tipos distintos de cámaras fotográficas y los posibles criterios de clasificación son también innumerables teniendo en cuenta la complejidad y especialización que ha alcanzado la tecnología en este campo.
Cámaras compactas de 35mm Sin duda las cámaras compactas de 35mm son las más extendidas mundialmente entre los usuarios no profesionales. Pueden ser cámaras tradicionales de película fotográfica o digitales. Son cámaras sencillas cuyo objetivo no es desmontable. Las cámaras compactas suelen ser también más sencillas de manejar que las cámaras réflex y más económicas. Normalmente su funcionalidad está limitada en comparación con las réflex, aunque suelen ser más ligeras y fáciles de transportar, lo que las hace ideales para llevarlas de viaje. Las compactas de película fotográfica montan normalmente película perforada de 35mm.
Cámara compacta de 35mm Kodak.
En comparación rápida con las cámaras réflex: Compactas
Réflex
Orientación usuario inexperto
Orientación usuario profesional
Menor peso
Mayor peso
Mayor sencillez de uso
Requiere conocimientos mínimos y práctica
Menor coste
Mayor coste
Visor óptico directo (habitualmente) Visor réflex Objetivo no intercambiable
Objetivos intercambiables
Cámaras APS Si bien estas cámaras tuvieron una corta vida, y en la actualidad no se utilizan, es interesante considerar que fueron el resultado de la primera unificación entre el sistema analógico y el digital, ya que el registro de la imagen se realizaba sobre película, pudiendo agregarse a la misma información digital. Las cámaras APS ( Advanced Photo System) son el resultado del acuerdo adoptado por varios fabricantes mundiales (entre otros Canon, Agfa, Polaroid, Kodak, Fuji y Nikon) para conseguir simplificar el funcionamiento de las cámaras fotográficas para los usuarios inexpertos y además introducir mejoras sustanciales frente a las comunes cámaras compactas de 35mm. Entre otras cosas, estas cámaras disponen de indicadores de estado, permiten sacar fotografías de tres formatos (clásico, alta definición y panorámico), permiten el cambio de película a medio uso, etc.
Cámara fotográfica
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Cámaras réflex SLR Una cámara réflex SLR (Single Lens Reflex) es una cámara fotográfica en la cual la imagen que ve el fotógrafo a través del visor es exactamente la misma que quedará capturada. Eso se consigue mediante el reflejo de la imagen (de ahí el nombre) sobre un espejo o sistema de espejos. Al igual que las cámaras compactas, pueden ser cámaras tradicionales de película fotográfica o digitales (DSLR). Éstas suelen ser las cámaras preferidas por los fotógrafos aficionados y profesionales ya que permiten un control casi absoluto sobre cada uno de sus elementos y parámetros y disponen de multitud de accesorios intercambiables para distintos propósitos. En general poseen las siguientes características: • • • • • •
Corte de una cámara Minolta SLR.
Visor réflex o de pentaprisma, que permite ver exactamente lo que se ve a través del objetivo. Objetivos intercambiables. Fotómetro o exposímetro incorporado.
Zapata de conexión para flash externo. Control (anillo) de enfoque manual. Obturadores muy rápidos.
Cámaras digitales Una cámara digital es un dispositivo electrónico usado para capturar y almacenar fotografías electrónicamente en lugar de usar películas fotográficas como las cámaras convencionales.
Otros tipos menos habituales • Cámara TLR (Twin Lens Reflex): es una cámara réflex de objetivos gemelos (uno encima de otro) que intenta solventar el principal problema del visor réflex, el que no se pueda ver la imagen durante el disparo (ya que el espejo que la conduce se abate para dejar pasar la luz hacia la película fotográfica o el sensor de imagen). Para ello monta dos objetivos: uno para tomar la foto y otro para conducir la imagen hacia el visor. Debido a esta configuración, adolecen del error de paralaje y de inversión lateral de la imagen en el visor, por lo que hay que acostumbrarse a usarlas sobre todo para realizar fotografías de objetos en movimiento. Son cámaras en desuso y muy pocas tienen objetivos intercambiables. Además habría que comprar dos objetivos para cada distancia focal. • Cámara de estudio o de banco: Aquellas que están montadas sobre bancos ópticos y raíles para permitir todo tipo de descentramientos, basculando los paneles delantero y trasero; lo cual da un control absoluto sobre la forma de la imagen, su perspectiva y el reparto de la profundidad de campo. Impresoras de fotografías digitales Kodak.
• Cámara miniatura: Son las cámaras de fabricación en serie más pequeñas. Suelen tener formatos absolutamente particulares, especiales y su uso es, principalmente, la de actuar como cámaras espía. Estas cámaras suelen ser absolutamente automáticas careciendo de cualquier tipo de control aparte del disparador. Aunque existen cámaras de este tipo con película fotográfica (películas especiales de 16mm. de anchura), actualmente la mayoría de estas cámaras son cámaras digitales ya que ofrecen mayores posibilidades de miniaturización.
Cámara fotográfica • • • •
Cámara panorámica: que proporcionan un ángulo de visión superior sin deformaciones. Cámara aérea: cámaras de satélites, fotogametría y cartografía. Cámara subacuática: específicamente diseñadas para trabajar bajo el agua a gran profundidad. Cámara estereoscópica: que intentan reproducir el funcionamiento de los dos ojos humanos (dos fotos simultáneas desde dos puntos separados 63mm con las que luego se puede reproducir la visión estéreo con un visor especial).
Componentes básicos de una cámara Elemento fotosensible Toda cámara fotográfica necesita un elemento sensible a la luz que registre de algún modo la imagen que procede del objetivo. Este soporte será normalmente uno de los siguientes: • Una película fotográfica, que es un soporte compuesto fundamentalmente por una emulsión de gelatina y cristales de haluros de plata (generalmente cloruro, yoduro o bromuro de plata) que se descomponen al recibir cierta dosis de radiación electromagnética, de baja longitud de onda, formando un germen de plata metálica apenas visible. Este es el soporte más habitual en fotografía química. • Papel fotográfico auto-revelable, que no deja de ser una variante de película fotográfica positiva utilizada para la fotografía con cámara instantánea. • Un sensor de imagen electrónico, que es un chip formado por millones de componentes sensibles a la luz (fototransistor) y por algún mecanismo para percibir los distintos componentes de color (distintas longitudes de onda de la luz). Este es el soporte utilizado en las cámaras digitales en fotografía digital.
Visor El visor es el sistema óptico que permite encuadrar el campo visual que se pretende que abarque la fotografía. Es decir, el visor es la ventanilla, pantalla o marco incorporado a la cámara o sujeto a ella de que se sirve el fotógrafo para previsualizar, exacta o aproximadamente, la relación motivo/entorno que abarca el objetivo. El visor es una de las partes más importantes de cualquier cámara, puesto que es el modo que tiene el fotógrafo de encuadrar y componer cada fotografía. LA CÁMARA / ENFOQUE
SISTEMAS DE VISOR Y ENFOQUE El uso de cámaras estenopeicas fabricadas con cajas o puedes excluyendo la posibilidad de hacer encuadres con precisión, aunque tampoco son imprescindibles. Otro factor como es el enfoque tampoco es necesario con las cámaras de orificio, pues el hecho de no emplear lentes excluye la necesidad de enfocar, porque LOS RAYOS que penetran a través de un orificio son divergentes y NO CONVERGENTES, como cuando pasan atravesando un sistema óptico. _ La convergencia de los rayos en un punto hace necesario que podamos ver, o, cuando menos, calcular, en qué punto o, mejor dicho, en qué plano podemos encontrarnos con una imagen enfocada _ nítida. El hecho de enfocar cuando trabajamos con sistemas ópticos se convirtió en necesaria antes del propio nacimiento de la fotografía: durante el s. XVIII encontramos cámaras oscuras portátiles donde se resuelve este problema. La solución fue introducir un elemento que se incorporará a las cámaras fotográficas y que perdurará hasta nuestros días: EL VIDRIO ESMERILADO, aunque también se pueden utilizar otros tipos de materiales translúcidos, como PAPEL o, mejor aún, papel encerado. El medio que reúne las mejores condiciones es, sin duda, el vidrio esmerilado. VISOR DIRECTO: Sobre este cristal traslúcido conseguimos que la luz (invisible para sí misma) se proyecte y podemos ver la imagen directa realizada con la luz proveniente de la escena y formada por el sistema óptico (lentes) de nuestra cámara. Gracias a esta pantalla podremos enfocar de forma precisa, comprobar las zonas de la escena que quedan fuera de enfoque (profundidad de campo) y encuadrar cómodamente, de acuerdo con nuestros intereses.
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Cámara fotográfica 1 - PANTALLA DE CAMPO MATE: Poca luminosidad _ accesorios: lupas, pantallas fresnel. Lo que siguen incorporando hoy en día las cámaras técnicas o de gran formato. Ventajas: -Vemos directamente. -No existen errores de paralaje. -Versatilidad de ajustes y movimientos de montantes de estas cámaras. -Control sobre perspectiva y nitidessa. Inconvenientes: -Imagen en la pantalla de enfoque invertida de arriba abajo izquierdas a derecha. -Imagen poco luminosa (_ paño negro sobre la cabeza y parte posterior cámara) -Cámaras pesadas e incómodas. -Profundidad de campo muy pequeña. -Una vez realizado el enfoque hay que introducir la placa fotosensible. (VISOR DIRECTO) 2 - GUÍAS y marcos: Sistemas exterior de la cámara. Los emplearon las primeras compactas de uso aficionado como la Kodak I (1888). 3 - COMPACTAS DE VISOR DIRECTO: Desarrollados a finales de los años 20 (s XX) para LEICA en sus cámaras de 35mm. Actualmente presentes en: -cámaras compactas de aficionado. -cámaras reciclables. -cámaras digitales compactas (como alternativa a la pantalla LCD) No vemos a través de la óptica, sino a través de una pequeña ventana (visor) dotada de unas lentes que nos permiten observar, de modo aproximado, la escena que estamos fotografiando. Para hacer más preciso el encuadre, estos visores cuentan, además, con unas marcas de referencia interior que nos dejan ajustar de manera más precisa, los límites de nuestro encuadre. Colocados usualmente en la parte superior de la cámara, alejados unos centímetros del objetivo, nos encontraremos con un ligero desfase entre lo que vemos y la imagen que registra nuestro objetivo _ error de paralaje. 4 - VISORES DIRECTOS CON TELEMETRÍA El telémetro es un sistema externo a la pantalla de enfoque que permite enfocar con precisión, dado que con las cámaras de visor directo, además del error de paralaje no vemos directamente sobre la pantalla de enfoque, lo que impide observar el grado de enfoque de ésta. Ventajas: -Cámaras silenciosas (uso de obturadores de entrelents): ausencia de vibraciones. -Muy compactas y ligeras. -No perdamos en ningún momento la visión de la escena. -Imagen nítida y brillante _ facilita el uso a niveles bajos de luz. Desventajas: -Error de paralaje. -Imposible comprobar la profundidad de campo (no vemos a través del objetivo) -Dependemos del telémetro para enfoque de la imagen. VISORES REFLEX. TIPOLOGÍAS DE CÁMARAS REFLEX El espejo interpuesto en el eje óptico a 45 ° fue una solución que se incorporó a las cámaras oscuras para hacerlas más fáciles de utilizar y, sobre todo, para darle vuelta a la imagen y verla corregida de arriba abajo _ permite al artista dibujar encima el vidrio esmerilado en una posición erguida sobre una imagen "derecha" (aunque romana invertida de izquierda a derecha). A estos modelos que incorporan un espejo las llamamos Reflex. TRL (Twin Lens Reflex) Con la aparición de la fotografía, estos sistemas se adaptaron a las primeras cámaras técnicas de visor directo pero no integrado en su interior, pues resultaba muy complejo mecánicamente tener que mover el espejo después de haber enfocado y encuadrado para exponer la imagen, por lo que se optó por colocar superpuesta sobre la cámara técnica otra cámara con espejo (réflex). De este modo se veía la imagen por la cámara superior obtienen la fotografía por la de la parte inferior. Algunos de estos modelos todavía se fabrican en la actualidad, aunque de un tamaño mucho más reducido que las primeras fabricadas en el s. XIX Modelos míticos: Rolleiflex, Mamiya Combinan características de: CÁMARAS TÉCNICAS CÁMARAS DE VISOR DIRECTO VENTAJAS: -Silenciosa: Su espejo es fijo. Llevan obturador de entrelentes, silencioso. - GRAN PANTALLA DE ENFOQUE que no pierde de vista la imagen durante la exposición. -DISCRETAS pues se suelen manejar la altura de la cintura (_ puntos de vista bajos) -PELÍCULAS DE FORMATO MEDIO (imágenes de 6 x 6 cm) -OBTURADOR DE
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Cámara fotográfica ENTRELENTS _ sincronizan a cualquier velocidad con los flashes. DESVENTAJAS: -ERROR DE paralaje, más acusado en los primeros planos -IMAGEN EN LA PANTALLA DE ENFOQUE INVERTIDA de izquierda a derecha _ especialmente incómodas en escenas donde hay movimiento (inversión del sentido) -IMPOSIBLE APRECIAR PROFUNDIDAD DE CAMPO EN EL VISOR -NO CUENTAN CON OBJETIVOS intercambiables y cuando cuentan, debemos adquirirlos por duplicado) -No suelen INCORPORAR FOTÓMETRO SLR (Single Lens Reflex) Modelos de posterior aparición donde desaparece la parte superior de la TLR se integra al mismo cuerpo tanto la película como un espejo a 45 °, esta vez móvil para poder exponer la película. -Podremos enfocar y ver la imagen a través del objetivo. -Sin embargo, el problema de la inversión lateral de las imágenes persiste. Sólo con la incorporación del pentaprisma se logrará corregir la imagen lateralmente para una visión más cómoda. -Suelen llevar película de formato 120 y, en función de estas características constructivas de la cámara, podemos obtener imágenes de diferentes tamaños (6 x 4.5 cm, 6 x 6 cm, 6 x 7 cm ...) Las marcas más reconocidas: Mamiya, Hasselblad, Bronica. VENTAJAS: SIN ERROR DE paralaje TAMAÑO DE NEGATIVO GRANDE Y DE GRAN CALIDAD _ _ Grandes ampliaciones OBJETIVOS intercambiables OPCIÓN DE OFRECER MOTOR DE AVANCE DE PELÍCULA OBTURADOR DE ENTRELENTS _ _ sincronizan a cualquier velocidad con el flash DESVENTAJAS: IMAGEN INVERTIDA DE IZQUIERDA A DERECHA (ESPECULAR) PRECIO Y PESO ELEVADOS Ruidosas SIN pentaprisma CAL FOTOMETRÍA DE MANO PROFUNDIDAD DE CAMPO REDUCIDA Perder visión DURANTE LA EXPOSICIÓN SLR 35mm Para acabar con problemas de paralaje y con la dificultad de enfocar y valorar una imagen invertida era necesario crear una cámara pequeña con la que pudiéramos ver la misma imagen que se expondrá sobre la película y al mismo tiempo conseguir una imagen corregida a los dos ejes. _ Aparición de las primeras CÁMARAS REFLEX DE UN SOLO OBJETIVO, de 35 mm Incorporan un pentaprisma que corrige definitivamente la imagen reflejada por el espejo a 45 ° hacia el visor, corrigiéndose la de izquierda derecha (invirtiendo la). Durante la exposición, el espejo se retirará hacia la parte superior de la cámara dejando paso a la luz hacia la película. VENTAJAS: NO TIENEN ERROR DE paralaje aunque la imagen del visor es ligeramente más pequeña que la que obtendremos en nuestra película (± 95/98%) La ausencia de este error facilita el trabajo en tomas muy cercanas. IMAGEN EN EL VISOR CORREGIDA DE ARRIBA ABAJO Esquerra A DERECHA (pero no olvidemos que en la película todavía se forma invertida en ambos ejes) LIGERAS y versátil: gran variedad de tipos de objetivos intercambiables. Amplio repertorio de películas. SISTEMAS DE MEDICIÓN TTL (Through The Lens) _ Evaluar la luz. DESVENTAJAS: EL USO DE OBTURADOR DE PLAN FOCAL _ _ LIMITADAS VELOCIDADES DE SINCRONIZACIÓN CON EL FLASH _ perder visión DURANTE LA EXPOSICIÓN _ VIBRACIONES _ nitidez afectada (exposiciones largas) COMPLEJIDAD DE LA CÁMARA _ USO engorroso. SLRD evolución hacia el formato digital de las SLR 35mm
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VISORES LCD (LIQUID CRYSTAL DISPLAY) Estas pantallas utilizan dos capas de material polarizado con una solución de cristal líquido entre ambas. Al pasar una corriente eléctrica a través del líquido los cristales líquidos se alinean y no dejan pasar la luz _ cada cristal es como un obturador que deja pasar la luz o no. Incorporadas en la parte posterior de la cámara, a modo de visor, donde podemos ver y componer la imagen que se plasmará en el sensor fotosensible. De hecho es la misma. Además, podemos cambiar a la misma Pantallla los menús necesarios para modificar los controles de la cámara (velocidad, resolución, sensibilidad, diafragma ...) Muchas se pueden separar del cuerpo de la cámara y girar para adaptarlas a nuestro punto de visión _ elemento extremadamente versátil La mayor parte de las cámaras digitales con este tipo de pantalla siguen llevando algún tipo de visor convencional (visión directa-el más común-o visión réflex) (Extraído, entre otras fuentes, de "La imagen fotográfica", de Joaquín Perea, Luís Castelo y Jaime Munárriz, editado en Madird por AKAL Bellas Artes en 2007)
Objetivo Se denomina objetivo al conjunto de lentes convergentes y divergentes que forman parte de la óptica de una cámara. Su función es recibir los haces de luz procedentes del objeto y modificar su dirección hasta crear la imagen óptica, réplica luminosa del objeto. Esta imagen se lanzará contra el soporte sensible: Sensor de imagen en el caso de una cámara digital, y película sensible en la fotografía química
Diafragma El diafragma y el maties es el método que regula la apertura de un sistema óptico. Suele ser un disco o sistema de aletas dispuesto en el objetivo de una cámara de forma tal que restringe el paso de la luz, generalmente de forma ajustable. Las progresivas variaciones de apertura del diafragma se especifican mediante el número f, que es la relación entre la longitud focal y el diámetro de apertura efectivo,además esta parte ha de ser de Plastico.
Obturador El obturador es el dispositivo que controla el tiempo durante el que llega la luz al elemento sensible (película o sensor de imagen). Consiste normalmente en una cortinilla situada en el cuerpo de la cámara, justo delante de este elemento fotosensible y obviamente detrás del objetivo; la cortinilla se abre y cierra el tiempo que esté configurado en la cámara para dejar pasar la luz hacia el elemento fotosensible.
Diferentes aperturas del diafragma.
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Otros elementos habituales • Exposímetro: El exposímetro o fotómetro se trata de un dispositivo que da la medida de la exposición que tendrá el elemento fotosensible con la configuración de apertura y velocidad de obturación configuradas. Aunque hoy día la gran mayoría de las cámaras llevan un exposímetro incorporado, los exposímetros manuales son una accesorio de gran utilidad, especialmente en situaciones de iluminación difícil. • Flash incorporado: El flash es un dispositivo que actúa como Dial del obturador en una Fujica STX-1. fuente de luz artificial para iluminar escenas de forma sincronizada con el disparo de la cámara. Se utiliza sobre todo cuando la luz existente no es suficiente para tomar la instantánea con una exposición determinada aunque también tiene otros usos. El flash es una fuente de luz intensa y dura, que generalmente abarca poco espacio y es transportable. Normalmente los flash incorporados en las cámaras son luces equilibradas a 5500 K, al igual que la luz de un día soleado. Hoy en día la gran mayoría de las cámaras vienen con un flash incorporado y, muchas cámaras, disponen de zapatas estándar de conexión de flash externo.
Controles habituales de una cámara Dependiendo del tipo, marca y modelo de cámara, ésta dispondrá de más o menos controles para permitir al fotógrafo configurar la cámara a su gusto. Las cámaras habitualmente más versátiles en este sentido son las cámara réflex SLR si bien en cualquier cámara de gama semi-profesional o profesional se encuentran todos los controles citados a continuación. En las cámaras digitales y en las compactas algunos de estos controles pueden ser automáticos o electrónicos.
Anillo de enfoque El anillo de enfoque es un control que permite enfocar las lentes del objetivo para percibir nítidamente el motivo de la fotografía. Las cámaras compactas suelen carecer de este control bien por tratarse de objetivos enfocados a infinito (de modo que prácticamente cualquier objeto a partir de una cierta distancia se verá nítido), bien por disponer de un sistema automático de autofoco. En las cámaras que disponen de la posibilidad de enfoque manual este control está situado en el objetivo (no en el cuerpo de la cámara) y presentará normalmente una escala en metros. Ajustando suavemente este control se puede comprobar cómo la imagen percibida en el visor se enfocará o desenfocará. Algunos objetivos presentan algún mecanismo de ayuda al enfoque, siendo el más habitual la lente partida de Fresnel, consistente en un pequeño círculo que se puede ver a través del visor en el que, cuando la imagen no esté perfectamente enfocada, se percibirá la imagen invertida dentro del círculo y cuando el objeto que se visualiza dentro del círculo esté enfocado ya se verá perfectamente alineada con el resto de la imagen del visor. Este mecanismo facilita enormemente el enfoque ya que permite apuntar hacia el motivo que se desea que se vea nítido y, jugando suavemente con el anillo de enfoque, llevarlo hasta la posición en que las lentes se alinean y la imagen se ve completa (no invertida en el círculo central). En los objetivos que permiten tanto enfoque manual (MF) como automático (AF) es importante no intentar forzar manualmente el anillo de enfoque cuando esté en posición automático (AF) ya que se puede dañar el mecanismo del objetivo. Es por esto que cuando se guarden estos objetivos se deben poner en la posición de enfoque manual (MF) para evitar posibles equivocaciones.
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Cámara fotográfica Ajustar el enfoque al motivo a fotografiar es una técnica básica que todo buen fotógrafo aplica para dirigir la atención del espectador.
Selector de modo de operación La mayor parte de las cámaras digitales y algunas cámaras tradicionales disponen de una ruleta en la que se selecciona el modo de operación de la cámara. Cada cámara puede tener un conjunto de modos distintos, si bien seguramente estarán algunos de los siguientes: • Modo reproducción: para visualizar, revisar y/o borrar las fotografías tomadas (sólo en cámaras digitales). • Modo automático (auto): todos los parámetros serán elegidos automáticamente por la cámara. • Modo programado (P): la cámara escoge los parámetros de apertura y tiempo de exposición; el fotógrafo puede escoger los demás parámetros que permita la cámara (pe. el balance de blancos, el modo de flash, la sensibilidad ISO,...) • Modo prioridad de apertura (Av): el fotógrafo escoge un parámetro para la apertura y la cámara selecciona el valor de tiempo de exposición más apropiado para exponer correctamente la fotografía según la medición del exposímetro incorporado en la cámara. • Modo prioridad de exposición (Tv): el fotógrafo escoge un parámetro para el tiempo de exposición y la cámara selecciona el valor de apertura más apropiado para exponer correctamente la fotografía según la medición del exposímetro incorporado en la cámara. • Modo manual (M): el fotógrafo escoge todos los parámetros manualmente. • Otros modos modos preconfigurado preconfigurados: s: modos preconfigu preconfigurados rados en la cámara cámara para fotografía fotografía de paisajes, paisajes, retratos, retratos, fotos panorámicas, vídeo, etc.
Anillo de diafragmas Este control permite escoger la apertura del diafragma del objetivo y, en consecuencia, regular el máximo paso de luz hacia el obturador y la película fotográfica o el sensor de imagen. Con ello lo que se consigue principalmente es, aparte de facilitar la consecución de algunos efectos fotográficos, dejar pasar más o menos luz hacia el interior de la cámara para equilibrar la exposición de las fotografías. Nótese que también se puede regular el paso de luz con la ruleta de velocidades (véase a continuación) y que es equivalente (a efectos de equilibrar la exposición de la foto) introducir luz abriendo el diafragma o dando más tiempo de exposición con la ruleta de velocidades. En términos prácticos se distinguen: • Diafragmas abiertos: aquellos por debajo de f4 (véase número f o apertura), el disco del diafragma está más abierto y deja pasar más luz hacia el interior. Además, se consigue una menor profundidad de campo y nitidez (al dejar dispersar más la luz) ayudando notablemente para hacer enfoque selectivo. • Diafragmas cerrados: aquellos por encima de f4, el disco del diafragma está más cerrado y deja pasar menos luz. Además, así se consigue mayor profundidad de campo y nitidez en la fotografía resultante.
Ruleta de velocidades Este control permite escoger al fotógrafo la velocidad del obturador o lo que es lo mismo, el tiempo de exposición del elemento fotosensible (película fotográfica o sensor de imagen). Con ello lo que se consigue principalmente es, aparte de facilitar la consecución de algunos efectos fotográficos, dejar pasar más o menos luz hacia el interior de la cámara para equilibrar la exposición de las fotografías. Como ya se comentó en el punto anterior, también se puede conseguir este mismo efecto con el anillo de diafragmas. En términos prácticos se distinguen: • Velocidade Velocidadess rápidas: superiores superiores a 1/60 segundos; segundos; el obturador obturador permanec permanecee abierto muy poco poco tiempo dejando dejando pasar pasar menos luz hacia el elemento fotosensible. Con ellas se consigue congelar el movimiento y resaltar el dinamismo
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Cámara fotográfica de los objetos en movimiento. • Velocidad Velocidad lentas: lentas: inferiores inferiores a 1/60 segundos; segundos; el obturador obturador permanece permanece abierto abierto más tiempo dejando dejando pasar más luz. luz. Con ellas se consiguen imágenes movidas, desplazadas, otorgando mayor sensación de desplazamiento.
Anillo de sensibilidades Este control permite al fotógrafo ajustar en la cámara la sensibilidad de la película fotográfica montada en la cámara (caso de cámara tradicional) o el sensor de imagen (caso de cámara digital). La sensibilidad en este contexto indica la intensidad de luz necesaria para que el elemento fotosensible perciba la imagen. • En las cámaras cámaras tradicionales tradicionales este factor factor depende depende directamen directamente te de la emulsión de la película película fotográfic fotográfica. a. Algunas Algunas cámaras disponen de un mecanismo automático de contactos metálicos situados en el tambor donde se carga el carrete fotográfico para leer el código DX que viene impreso también con contactos metálicos sobre la mayor parte de los carretes modernos de un modo semejante al de un código de barras. En estas cámaras ya no es necesario indicar la sensibilidad de la película pues ya la cámara la detecta automáticamente al cargar el carrete. • En las cámaras cámaras digitales digitales este factor factor puede puede configurarse configurarse para para que el sensor sensor de imagen imagen sea más o menos menos sensible. sensible. Existen varias escalas de sensibilidad fotográfica, siendo la más habitual la escala ASA. En general, con menores sensibilidades se consigue una mayor nitidez de imagen, si bien es necesario que entre mayor cantidad de luz en el objetivo; por otro lado, con sensibilidades altas se facilita al fotógrafo la posibilidad de realizar fotografías con menos luz, si bien la nitidez de la imagen se verá probablemente perjudicada en cierto grado.
Balance de blancos La luz blanca pura no es habitual en nuestro entorno: la luz del sol tiene un cierto tono dorado y la luz de una bombilla de filamento de tungsteno suele tener un tono más amarillo. Al fotografiar objetos con una luz que no es blanca pura éstos adquieren un cierto tono del color de la luz que incide sobre ellos (esto se llama dominante). Muchas veces el fotógrafo se aprovecha precisamente de estas dominantes para conferir ciertos efectos a las fotografías pero en otras ocasiones es preferible corregir este desequilibrio de color; esto es lo que se conoce como balance de blancos. El balance de blancos consiste en indicarle a la cámara el tipo de luz dominante que hay para que la corrija. Para hacer esto hay distintos métodos: • En muchas muchas cámaras digitale digitaless es posible apuntar apuntar con con la cámara a un objeto objeto blanco blanco para que que ésta entienda entienda que eso eso es lo que queremos que se considere blanco y que a partir de ese valor se hagan las correcciones oportunas. • La mayoría de las cámaras cámaras digitales digitales disponen, disponen, en todo caso, caso, de una serie de valores valores prefijados prefijados para distintos distintos tipos tipos de luz habituales con distintas temperaturas de color. • Finalmente, Finalmente, es posible posible colocar colocar un filtro fotográfico fotográfico corrector corrector de temperatu temperatura ra de color para corregir corregir la dominante dominante por ese color.
Anillo de zoom Las cámaras que dispongan de objetivos de distancia focal variable (objetivo zoom) deberán disponer de algún mecanismo (electrónico o manual) para que el fotógrafo pueda ajustar la distancia focal entre el rango de valores admitidos por dicho objetivo. Al actuar sobre este control se consigue: • Abri Abrirr o cerr cerrar ar el el encu encuad adre re.. • Amplia Ampliarr o reduc reducir ir el ángulo ángulo de de visión visión.. • Alejar Alejar o acerc acercar ar los obje objetos tos encua encuadra drados dos..
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Accesorios más habituales Trípode Un trípode es un aparato de tres partes que permite la estabilización de un cámara en su parte superior. Se usa para poder evitar el movimiento propio de la mano al tomar una foto.
Filtros y adaptador de filtros Los filtros fotográficos son filtros ópticos que se acopla en la parte frontal del objetivo por medio de una rosca o de un adaptador para producir distintos efectos sobre la luz que entra en el objetivo.
Flash externo Es aquel que no viene adherido a la cámara, sino que se adhiere
Protector para objetivo El protector para objetivo es una pequeña lente ubicada en el cristal diagfragmal
Correa La correa de sujección de la cámara, aunque no parezca tener importancia en el conjunto de accesorios de una cámara por su sencillez o su precio, es un elemento importante para todo fotógrafo ya que constituye en última instancia el cinturón de seguridad de la cámara. La correa debe llevarse en todo momento puesta en la cámara y sujeta de algún modo al cuerpo o al brazo del fotógrafo; de este modo se evita que por cualquier tropiezo la cámara caiga directamente al suelo al resbalarse de la mano. Además, otra razón para enrollarse la correa al brazo cuando se toma una fotografía es que así no habrá cordón suelto que pueda situarse delante del objetivo y estropear la foto.
Parasol (para-luz difusa) Éste es un accesorio plástico con forma de paraguas o de pétalos de flor que se coloca en el extremo del objetivo para eliminar la luz parásita o dispersa que resta contraste a las imágenes. Cada objetivo, dependiendo de su distancia focal, deberá tener un parasol específico ya que éste no deja de ser un elemento que está por delante del objetivo y si el ángulo de visión del objetivo es suficientemente grande puede llegar a abarcar el parasol con lo que se produce en la fotografía un efecto de viñeteo. Existen también unos parasoles de goma retráctiles que se pueden utilizar en varios objetivos ya que, en caso de llegar a producirse el viñeteo, se pueden retraer sobre sí mismos. Además, como ventaja adicional, estos parasoles de goma ayudan a proteger el objetivo frente a posibles caídas o golpes.
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Equipo limpia-objetivos Las lentes ópticas de objetivos y visor, así como el espejo abatible de las cámaras réflex son elementos muy sensibles a las huellas, vibraciones, presiones, etc. por lo cual debe evitarse a toda costa el contacto con ellos. No obstante, en el caso de ser imprescindible su limpieza existen algunos pinceles, peras de aire, gamuzas y líquidos de limpieza específicamente diseñados para estos elementos. La limpieza debe limitarse a soplar con una pera de aire para eliminar partículas sobre estas superficies y pasar luego un pincel de pelo de camello suavemente. En el caso de las lentes de los objetivos se podrá también pasar con una bayeta o un papel especial impregnado en un líquido limpia-objetivos para eliminar las huellas dactilares y otras manchas de grasa. En este caso, la limpieza debe hacerse infringiendo muy poca presión y desde el centro hacia afuera de la lente (no circularmente). En todo caso, como ya se indicó antes, los objetivos deben estar protegidos en todo momento con tapas plásticas cuando no se usan y con filtros protectores en todo momento.
Fundas o bolsas de transporte Equipamiento barato pero imprescindible para conservar y proteger apropiadamente los elementos ópticos y la propia cámara fotográfica. Es importante que sea acolchada para amortiguar posibles golpes y con correas que permitan llevarla al hombro. El peso y el volumen también son importantes y dependerán del equipo que el fotógrafo necesite transportar en cada momento. El cuidado de ésta es fundamental para que la calidad de las fotos continue.
Adaptadores para microscopios y telescopios La combinación de microscopios/telescopios con cámaras fotográficas a nadie se le escapa que puede ser atractiva de cara a conseguir ampliaciones o distancias fuera del alcance de cualquier objetivo fotográfico (véase astrofotografía). Para ello existen adaptadores en el mercado que permiten acoplar el objetivo de la cámara a telescopios y microscopios. Para hacerlo son necesarios normalmente: • Un anillo T, que es un pequeño accesorio plástico muy simple que tiene de un lado una rosca como la lente de la cámara, y del otro lado una rosca estándar, lo que permite enroscarlo como si fuera un teleobjetivo a la cámara. • El adaptador para cámara fotográfica en sí, que es un tubo que nos permite unir la cámara de fotos al telescopio/microscopio. Con este tipo de elementos acoplados a la cámara es importante ajustar correctamente la apertura del diafragma y la distancia focal (zoom) para evitar que aparezca en la foto ese desagradable efecto de viñeteo dado al abarcar también parte del accesorio en la foto.
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Disparadores de cable y disparadores a distancia Un disparador de cable es un pequeño artefacto que se puede acoplar al cuerpo de algunas cámaras y que permite extender con un cable el botón del disparador de la cámara, de modo que éste se pueda accionar por parte del fotógrafo a una cierta distancia de la cámara. Normalmente el propósito de este tipo de dispositivos no es alejar al fotógrafo mucho de la cámara, sino simplemente que pueda estar observando la escena fotografiada desde fuera del visor. Por otro lado, los disparadores a distancia son ya dispositivos de función análoga pero más sofisticados que permiten normalmente disparar con un mando a distancia sin cables.
Intervalómetros Un intervalómetro es un dispositivo (normalmente electrónico) que, conectado a una cámara compatible, permite realizar ráfagas de disparos a intervalos de tiempo configurables. Esto es útil sobre todo en fotografía a animales salvajes en su entorno, fotografía de la naturaleza, etc.
Véase también • • • •
Fotografía Lente fotográfica Cámara de vídeo Vídeo
Enlaces externos • • • • • • •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Cámaras fotográficas. Commons Historia de la fotografía y biografía de algunos fotógrafos [1] Camerapedia una enciclopedia libre sobre cámaras [2] (en inglés) Funcionamiento de una cámara en How stuff works [3] (en inglés) Como usar una cámara réflex [4] (en inglés) La cámara fotográfica, elementos y clases de cámaras [5] Tabla de objetivos intercambiables para cámaras réflex y telemétricas [6] (en español)
Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6]
http:/ / www.foto3.es/ web/ historia/ historia.htm http:/ / www.camerapedia.org/ wiki/ Main_Page http:/ / science.howstuffworks.com/ camera.htm http:/ / www.canon.co. jp/ Imaging/ enjoydslr/ index.html http:/ / www.fotonostra.com/ fotografia/ camaras.htm http:/ / manualcamera.info/ objetivosintercambiables.htm
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Colodión húmedo
Colodión húmedo El colodión húmedo es un procedimiento fotográfico creado en el año 1851 por Gustave Le Gray, que fue el primero en indicar un procedimiento con este compuesto, consiguiendo imágenes mediante el revelado con sulfato de protóxido de hierro. Frederick Scott Archer publicó ese mismo año, en Inglaterra, un estudio de tal agente que supuso un gran avance en el desarrollo de la fotografía. El método supone la utilización del colodión, una especie de barniz que se vierte líquido a las placas. El colodión se sensibilizaba en nitrato de plata. Las placas de vidrio tenían que estar muy limpias, para poder obtener imágenes nítidas y sin manchas. Se llama colodión húmedo porque la placa ha de permanecer húmeda durante todo el procedimiento de toma y revelado de las imágenes. Esto suponía que los fotógrafos tenían que llevar consigo el laboratorio fotográfico a fin de preparar la placa antes de la toma y proceder a revelarla inmediatamente. Se generalizó así el uso de tiendas de campaña y carromatos reconvertidos en laboratorios para los fotógrafos que trabajaban en el exterior. Otro de los inconvenientes de este método era el de la fragilidad de las placas de vidrio empleadas como soporte, que a veces acababan rayadas o rotas, posteriormente. Con el empleo de este procedimiento se consiguió reducir el tiempo de exposición a unos segundos, lo cual provocó una disminución de los costes. Otra de las grandes ventajas era la estabilidad de la emulsión empleada. Su generalización motivó el abandono del empleo de otros procedimientos como el daguerrotipo o el calotipo, a la vez que supuso la popularización del acceso al mercado de imágenes de famosos por parte de la burguesía y las escasas clases medias suprimikas. A partir del año 1855 se impuso. Entre los fotógrafos que adoptaron este procedimiento se encuentran algunos autores clásicos como Charles Clifford y J. Laurent, dos de los más importantes fotógrafos que trabajaron en España, en la época de la reina Isabel II. En la década de 1880 su uso empezó a ser desplazado por la aparición de la instantánea fotográfica, de las "placas secas" de vidrio al gelatino-bromuro. Pero las placas de vidrio al colodión siguieron empleándose muchas décadas en los talleres de artes gráficas.
Véase también • • • • • •
Heliografía Daguerrotipo Calotipo Dibujos fotogénicos. Gelatino-bromuro fotografía
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Composición fotográfica
Composición fotográfica En fotografía, ya sea fija o en cine, la composición es la forma en la que se ordenan los objetos vistos dentro del encuadre, dentro de lo que efectivamente queda en cuadro. La perspectiva, el horizonte, la diagonal, la línea "A", la imagen horizontal, la imagen vertical, el centro de interés, el fondo, el contraste, el equilibrio, son elementos a tener en cuenta a la hora de componer el cuadro, estos conceptos vienen originalmente de la pintura. En cine, a diferencia del teatro o de la fotografía tradicional, la posibilidad de variar la posición de la cámara para seguir el desarrollo de la acción y resaltar distintos aspectos de la escena le da un nuevo nivel de significado al encuadre. De ese modo también participa del montaje, generándose el denominado montaje dentro del plano. La composición de una fotografía es, en cierto modo, un arte... y como tal no existen reglas ni limitaciones que hagan que una determinada composición sea mejor que otra; no obstante, basándose en los elementos comunes conocidos respecto al modo en que los seres humanos percibimos y subjetivizamos las imágenes se han documentado una serie de guías que todo fotógrafo debería conocer y tener en cuenta para mejorar la transmisión de los elementos objetivos y subjetivos del tema y motivo de la imagen al espectador.
Elementos y herramientas básicas de la composición El ser humano cuando percibe una imagen suele hacerlo de una determinada forma y en un determinado orden; además, existen ciertos aspectos en una imagen que ayudan a captar en general la atención del cerebro y que suelen evocar ciertas sensaciones o sentimientos. Cuando se compone una fotografía que pretenda ser algo más que una instantánea de un hecho, es decir, cuando se pretenden transmitir sensaciones o resaltar ciertos mensajes con una fotografía es preciso conocer cómo funcionan estos mecanismos de la percepción del ser humano de cara a aplicar las técnicas oportunas para transmitir lo que deseamos. En cierto modo, se puede decir que la composición es como un lenguaje subliminal para transmitir sentimientos a través de las imágenes. Algunos elementos con los que se puede jugar en la composición son: • • • • •
La atracción de la atención hacia el centro de interés, el motivo de la imagen. La textura y sensaciones de tacto que puede evocar la imagen. La forma y el volumen de los objetos, así como la sensación de profundidad de éstos en la escena. El contraste como elemento de atracción y resalte: contraste en el tono, el tema, los motivos,... La fuerza del color o su ausencia.
Para trabajar estos elementos, para modelar y transmitir mensajes en este lenguaje visual, el fotógrafo tiene a su disposición múltiples herramientas: • • • • • •
Encuadre del motivo y su entorno Colocación de los objetos dentro del encuadre Enfoque total o selectivo Perspectiva y ángulo de la toma Iluminación de la escena Poses para salir como una super estrella
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Encuadre El encuadre es aquello que el fotógrafo sitúa dentro de la fotografía, la porción de escena que elige captar. Ante un mismo motivo cada fotógrafo puede elegir hacer una fotografía diferente captando unos u otros elementos. En esta selección de lo que sitúa dentro de la fotografía y cómo se hace, aunque ninguna es norma estricta, existen algunas directrices que se pueden tener en cuenta, a saber: • En toda escena suele existir un motivo (aquello que deseamos destacar, el centro de interés) y fondo (aquello que rodea, decora y/o da sentido al motivo). Para resaltar el motivo el fotógrafo debe llenar el encuadre con él, esto es, hacer que ése sea el objeto principal en la escena; de este modo excluiremos del encuadre otros objetos que puedan distraer la atención del espectador sobre el que el fotógrafo ha seleccionado. • A pesar de lo dicho en el punto anterior, es importante en el encuadre dejar un cierto margen alrededor del motivo para no atosigar la imagen. Este margen actuará como marco del motivo y, por tanto, deberá ser normalmente además igual por todos los lados de la fotografía. • La línea del horizonte suele ser una referencia visual clave para el ser humano. Normalmente ésta debe mantenerse recta, horizontal. La percepción de una línea del horizonte inclinada suele llamar la atención y, si no está justificada, da al espectador la sensación de que los objetos se van a caer hacia ese lado, lo cual no suele producir buenas sensaciones. • Otro factor comunicativo importante en fotografía es la elección del formato del encuadre. La mayoría de los elementos fotosensibles (películas o sensores de imagen) tienen un formato rectangular y habrá por tanto la posibilidad de elegir un encuadre horizontal, vertical o inclinado: cada uno de ellos transmite sensaciones diferentes y tiene su campo de aplicabilidad: • El encuadre horizontal sugiere quietud, tranquilidad y suele utilizarse normalmente para paisajes y para retratos de grupo.
encuadre horizontal
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encuadre horizontal
encuadre horizontal
• El encuadre vertical sugiere fuerza, firmeza y es el más apropiado normalmente para retratos (entre otras cosas porque los seres humanos somos más altos que anchos).
encuadre vertical
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encuadre vertical
• El encuadre inclinado transmite dinamismo y fuerza y suele utilizarse como recurso ocasional para resaltar estas cualidades en el motivo de la fotografía.
encuadre inclinado
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Colocación de los objetos dentro del encuadre Es importante repetir que no existen reglas rígidas y mucho menos con respecto a dónde deben colocarse los objetos dentro del encuadre, no obstante, es importante que el fotógrafo conozca algunos recursos cuya eficacia está demostrada y que pueden ser de utilidad para resaltar el motivo o transmitir distintas sensaciones. En las culturas occidentales, derivado de los sistemas de escritura, las personas acostumbramos a mirar de arriba a abajo y de izquierda a derecha (en las culturas árabes y orientales dependerá igualmente de su sistema de escritura). Además, la mirada no se mueve normalmente de forma uniforme sino que se suele detener en ciertos puntos equiespaciados al mismo tiempo que avanza en el recorrido que esté siguiendo. En estos puntos es donde se concentra por defecto el interés del espectador y es donde debemos colocar el motivo que deseemos resaltar en nuestras fotografías. De esta forma nace la llamada regla de los tercios, que nos indica que si dividimos la imagen a partes iguales por dos líneas horizontales y dos verticales, los cuatro puntos de intersección de dichas líneas son los que mayor atención recibirán del espectador (y en el orden antes indicado). Debido a esto podrá deducirse igualmente que el motivo no debe ir centrado en el encuadre sino que es preferible desplazarlo ligeramente a la izquierda ya que así se obtienen imágenes menos simplistas, más atractivas y que ayudan al ojo a recorrer los puntos de atención. Por otro lado el fotógrafo debe tener presentes las líneas dominantes de la composición que está realizando y utilizarlas para dirigir la atención del espectador, no desviarla. Se puede hallar una línea casi en cualquier cosa. Una de las normas más populares de la composición se basa en la repetición de las líneas y objetos, especialmente cuando el tema es una estructura. Las líneas pueden ser, horizontales, verticales, curvas u oblicuas. Las diagonales y líneas en "S" son mucho más interesante que las líneas paralelas, se utilizan para imprimir un cierto movimiento a las fotos. El caso más básico de línea dominante es la de horizonte. La línea de horizonte actúa de referente para el espectador y es conveniente colocarla recta (no inclinada) y no en el centro vertical de la imagen sino a dos tercios (por arriba o por abajo) ya que si se coloca la línea del horizonte al centro se obtendrá una imagen descriptiva, inexpresiva; mientras que al bajarla o subirla estamos primando el cielo, el mar o la tierra como fondo (o incluso motivo) de la imagen. Otro caso típico son las líneas diagonales que a menudo se forman en las fotografías: pe. una barandilla de un paseo, una acera, un camino... todos estos elementos forman líneas dominantes en la fotografía y pueden, por tanto, ser usados para conducir la atención. Un recurso habitual es colocar estas líneas en las diagonales de la fotografía haciéndolas coincidir con una o más esquinas de la misma: así el ojo recorrerá esas líneas desde las esquinas a los centros de interés ayudando a dirigir hacia ellos la atención del espectador. Al cortar las líneas dominantes con uno de los lados de la fotografía ésta parece interrumpirse bruscamente, mientras que al llevar una línea a una esquina da la sensación de continuidad. Finalmente, es importante resaltar dos casos especiales de líneas dominantes: la mirada y el movimiento. • La mirada de un ser humano traza una línea dominante imaginaria en la foto de gran fuerza expresiva que debe ser respetada y resaltada por el fotógrafo. Cuando la persona retratada está mirando hacia algo debe abrirse el encuadre situando a la persona a un lado y dejando un espacio libre delante de ella para ser ocupado por su mirada. • Una persona u objeto en movimiento también describe una línea dominante imaginaria que es su trayectoria y que también puede tener gran fuerza expresiva. Cuando el motivo esté entrando en la escena es conveniente abrir el encuadre nuevamente y dejarle un espacio libre delante para que sea ocupado por su trayectoria y resaltar el efecto de movimiento.
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Enfoque total o selectivo El enfoque es otro de los elementos fundamentales para dirigir la atención del espectador y resaltar los motivos de nuestras composiciones. El anillo de enfoque de la cámara fotográfica nos permite enfocar a distintas distancias y controlando la apertura del diafragma y el tiempo de exposición del obturador podemos conseguir mayor o menor profundidad de campo en la imagen y también enfoques selectivos.
produndidad de campo amplia
produndidad de campo Limitada
Enfoque selectivo del fondo Enfoque selectivo del primer plano
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Enfoque selectivo del primer plano
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Enfoque selectivo del primer plano
El primer gran recurso artístico del enfoque total es claro: resaltar el elemento enfocado (el motivo) frente a todo lo demás que está desenfocado (fondo). Este recurso es muy poderoso a la hora de fijar el centro de interés de la fotografía y todo buen fotógrafo hace uso profuso de él. El enfoque selectivo no deja de ser una aplicación de una reducida profundidad de campo. En fotografía de paisajes, en general, es preferible una gran profundidad de campo para abarcar todos los detalles con nitidez en todas las zonas de la fotografía. No obstante, para el retrato, la fotografía del detalle y muchas otras ocasiones suele ser preferible una profundidad de campo limitada para que sólo aquello que interesa al fotógrafo aparezca nítido.
Perspectiva y ángulo de la toma El ser humano, por su propia constitución física, está acostumbrado a ver las cosas desde aproximadamente 1,60 m de altura y de frente. Las imágenes así se captan de forma clara y descriptiva, si bien no aportan ninguna originalidad. La variación del punto de vista aporta perspectivas diferentes con elementos inesperados que a menudo captan más la atención. Es por esto que existen infinidad de recursos fotográficos en este sentido siendo la directriz general el que el fotógrafo debe estudiar el motivo y la escena buscando puntos de vista innovadores y/o más atractivos para el espectador. Teniendo en cuenta esta premisa general existen ciertas técnicas ampliamente utilizadas entre los fotógrafos: • El picado consiste en fotografiar un motivo desde arriba hacia abajo y ayuda a resaltar lo pequeño de ciertos objetos ya que proporciona un punto de vista de superioridad. Al mismo tiempo es contraproducente en general su uso en fotografía de personas (especialmente niños) o animales precisamente porque ayuda a verlos como inferiores, les resta importancia y, además, si se fotografía de cerca puede deformar las proporciones de la cabeza con respecto al cuerpo. • El Cenital Es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente perpendicular (de arriba hacia abajo) con respecto al suelo, es decir, a 90º • El contrapicado es la perspectiva contraria al picado, es decir, consiste en fotografiar un motivo desde abajo hacia arriba y ayuda a resaltar la grandiosidad de un elemento. Se suele utilizar para fotografiar edificios o monumento y también deforma la perspectiva acentuándose este efecto cuanto más cerca se esté del motivo.
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Ejemplo de contrapicado
• La toma a rás consiste en sacar la fotografía a rás de suelo o del objeto y ayuda a sorprender al espectador con imágenes que un ser humano no acostumbra a ver ya que no se suele colocar en ese nivel de visión. Este ángulo se suele utilizar para fotografiar motivos pequeños en su entorno natural a los que no préstamos habitualmente mucha atención.
Ejemplo de toma a rás
Iluminación y color. Forma y volumen El control de la luz y el color por parte del fotógrafo es otra herramienta poderosa a la hora de transmitir sensaciones que van más allá de la percepción visual y para dirigir la atención. Véase el artículo iluminación en fotografía para mayor detalle. Así, por ejemplo, para resaltar el motivo es conveniente buscar un contraste de tono y/o color entre el motivo y el fondo. También es conveniente simplificar la composición, buscar fondos uniformes y pocos colores muy marcados en la foto; evitar los fondos llenos de detalles que puedan distraer la atención. En general es más impactante una fotografía con pocos elementos y pocos colores muy contrastados que una fotografía con muchos elementos en los que ninguno resalta especialmente sobre el resto. Una opción vistosa para resaltar algunos motivos puede ser la de utilizar un marco natural que lo rodee como fondo (pe. un pórtico, el marco de una ventana, arreglos vegetales, etc). Del mismo modo, los distintos tipos de luz solar pueden producir distintos tipos de sombras y matices afectando a la percepción de las texturas y los volúmenes: • La luz del mediodía es una luz dura, intensa y que elimina las sombras, lo cual afecta negativamente a la percepción del volumen y los matices de la superficie de los objetos. En general no suele ser buena para la fotografía.
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• La luz de la mañana ilumina con tonos frescos apastelados y difumina normalmente los detalles lejanos. • La luz del atardecer ilumina lateralmente y con tonos dorados y cálidos produciendo sombras ténues y sutiles que resaltan la textura de los objetos y su volumen. Según las estaciones la luz también es ligeramente diferente y ello también afecta a estos parámetros, y, por supuesto, el tiempo meteorológico también es crucial en este aspecto. Lo importante es que el fotógrafo sea consciente de la iluminación de que dispone en cada momento y su efecto sobre la fotografía de modo que pueda intentar contrarrestarlo (pe. con iluminación artificial, con un filtro,...) o simplemente cambiar de lugar o de punto de vista para realizar la toma en mejores condiciones. El color también es importante ya que puede ser utilizado como otro recurso expresivo más. La saturación de color evoca intensidad y los tonos suaves tranquilidad. La cantidad de colores y su gama afecta también a la percepción del espectador y a las sensaciones que en él se pueden evocar. Finalmente, la fotografía en blanco y negro es también muy impactante y ayuda a resaltar mejor los contrastes y las variaciones tonales (por ejemplo de la piel). Además ayuda a que el color no distraiga de otros recursos expresivos (como la forma, la textura, la expresión de una cara) que el fotógrafo desee primar.
Ejemplo fotografía en blanco y negro
El retrato es uno de los grandes géneros de la fotografía ya que toma al propio ser humano y su complejidad como centro.
El movimiento El movimiento es uno de los principales motores de expresividad en la fotografía ya que los seres y objetos fotografiados a menudo están en movimiento mientras que la fotografía es eminentemente una instantánea congelada en la que nada se mueve. La expresión del movimiento se consigue fundamentalmente actuando sobre el obturador y el diafragma y combinando estos elementos con otros como el enfoque selectivo. Los dos efectos más habituales con respecto al movimiento son:
En esta imagen podemos observar los diferentes resultados en el agua variando la velocidad de exposición. Los cambios producidos en el fondo se debe a los cambios de diafragma para compensar la exposición, que repercuten en la profundidad de campo
• Congelación de movimiento, es decir, conseguir que una imagen de alto dinamismo en pleno movimiento aparezca como congelada en medio de ese movimiento, de modo que proporcione al espectador la visión de un instante que normalmente el ser humano no capta de forma separada y estática. Ejemplos típicos de este efecto puede ser una fotografía de las gotas de un arroyo cayendo o un patinador en el aire en medio de un salto, etc.
Composición fotográfica • Desplazamiento del motivo, es decir, ajustar un tiempo de exposición suficientemente lento en la cámara como para que el movimiento del motivo a fotografiar, que está en movimiento, aparezca desplazado ( movido) dentro de una foto en la que todo lo demás aparece nítidamente (no movido). Del mismo modo también se puede conseguir (con un barrido fotográfico perpendicular al motivo) captar una instantánea en la que el motivo permanezca nítido mientras que todo lo demás en la foto aparezca movido. Este efecto resalta de un modo espectacular el movimiento de los objetos y puede ayudar incluso a captar la atención hacia el motivo si bien su consecución requiere muchas veces de habilidad con los controles de la cámara y seguramente con un trípode.
Véase también • • • • • •
Fotografía Cámara fotográfica Fotografía química Película fotográfica Fotografía digital Cámara digital
Enlaces externos • • • •
Las 13 Reglas de composición fotográfica fundamentales que deberías conocer [1] El arte de saber mirar para crear [2] Reglas de composición que debes conocer [3] La Composición Fotográfica (1ªparte), Por Félix Garay [4]
Referencias [1] [2] [3] [4]
http:/ / www.dzoom.org.es/ noticia-1479.html http:/ / www.fotonostra.com/ fotografia/ composicion.htm http:/ / www.fotoclubdigital.com/ tutoriales/ tecnicas-de-fotografia/ 43-reglas-de-composicion.html http:/ / www.fotografiasdepaisajes.com/ modules.php?name=News&file=article&sid=296
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Daguerrotipo El daguerrotipo o "daguerreotipo", fue el primer procedimiento fotográfico anunciado y difundido oficialmente en el año 1839. Fue desarrollado y perfeccionado por Louis Daguerre a partir de las experiencias previas inéditas de Joseph-Nicéphore Niépce, y dado a conocer en París, en la Academia de las Ciencias francesa.
Características Los daguerrotipos se distinguen de otros procedimientos porque la imagen se forma sobre una superficie de plata pulida como un espejo. Para economizar, normalmente las placas eran de cobre plateado, pues sólo era necesario disponer de una cara plateada.
’ L Atelier de l'artiste (el taller del artista), Louis
Daguerre, 1837.
La imagen revelada está formada por partículas microscópicas de aleación de mercurio y plata, ya que el revelado con vapores de mercurio produce amalgamas en la cara plateada de la placa. Previamente esa misma placa era expuesta a vapores de yodo para que fuera fotosensible.[1]
Algunos inconvenientes • Al principio los tiempos de exposición eran muy largos. Por ejemplo, 10 minutos con luz brillante; por ello en 1839 sólo se tomaban vistas exteriores. Pero esos tiempos se redujeron progresivamente mediante el uso de lentes Petzval y de «aceleradores químicos».[2] A partir de 1841 los retratos pudieron realizarse en menos de un minuto.
París, Boulevard du Temple, en abril o mayo de 1838, por Daguerre.
• Son piezas únicas. No permiten tirar copias al no existir un negativo apropiado. En realidad, un daguerrotipo es a la vez negativo y positivo, pudiendo verse de una u otra forma según el ángulo de observación y la incidencia de la luz que recibe. Pero un daguerrotipo se puede reproducir, como cualquier otro objeto, fotografiándolo de nuevo. • Los vapores de mercurio, del revelado, son muy perjudiciales para la salud. • Las imágenes resultantes son frágiles. No se deben tocar fuera de su Barcelona en 1848. Vista al daguerrotipo, con la estuche o caja de protección, porque se dañan irreversiblemente. Se Muralla del Mar y la Casa Vidal Quadras. La deben conservar sin abrir los estuches. imagen está invertida lateralmente. • Generalmente, la imagen original está invertida lateralmente, como en un espejo. En el caso de las vistas, es muy importante tener en cuenta que una imagen invertida puede producir errores en la identificación del lugar exacto de la toma. Véase la imagen adjunta de Barcelona en 1848, con una vista de la Muralla del Mar y una
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aparente Casa Xifré, que en realidad es la vecina Casa Vidal Quadras (esquina "Passeig d'Isabel II" y "Pas de Sota Muralla" ), desde el Paseo de Colón. Ambas casas tienen fachadas similares, con soportales, en el Paseo de Isabel II.
Historia Entre los años 1836 y 1838 Daguerre realizó numerosos ensayos previos a la divulgación. Por ejemplo, en abril o mayo de 1838, obtuvo la conocida vista titulada Boulevard du Temple, con una exposición de cerca de 10 minutos. Esta imagen está considerada la primera fotografía en la que aparece la silueta de una persona: un cliente de un limpiabotas, en el ángulo inferior izquierdo, ampliando la vista. Anteriormente Daguerre había tomado otras vistas de París y realizado bodegones.
José de San Martín, en un retrato al daguerrotipo de 1848, Museo Histórico Nacional (Argentina).
En julio de 1839 el gobierno francés compró este procedimiento para que todo el mundo pudiera usarlo libremente y sin patentes. [3] Muchos periódicos publicaron la noticia y el método a seguir en todos los continentes. Se realizaron demostraciones públicas en varios países, entre ellas se pueden señalar las realizadas ese mismo año en España y Estados Unidos o al año siguiente en Brasil y Uruguay. Las primeras cámaras comerciales fabricadas siguiendo las recomendaciones de Daguerre fueron la fabricada por su cuñado Alphonse Giroux y la de los hermanos Susse. Los daguerrotipos fueron coetáneos con otros procedimientos fotográficos, como el calotipo del británico Fox Talbot que se difundió menos por tener una patente. Pero a mediados de la década de 1850 se impuso el procedimiento de los negativos de vidrio al colodión húmedo.
El daguerrotipo en España
Edgar Allan Poe,en un retrato al daguerrotipo de 1848, reproducido en 1904..
Véase también: Historia del daguerrotipo en América del Sur
En España se realizaron daguerrotipos entre 1839 y 1860 como máximo, mientras que en otros países como Estados Unidos se estuvo empleando durante un mayor período de tiempo. El 10 de noviembre de 1839 tuvo lugar en Barcelona la que se ha considerado primera demostración pública del daguerrotipo en la península ibérica y pocos días después se realizó otra demostración en Madrid. [4] [5] Sin embargo, existen evidencias de que en octubre de 1839 ya pasó un daguerrotipista por Lisboa, Funchal y Santa Cruz de Tenerife.[6] Ese primer daguerrotipista era el abate francés Louis Compte, que viajaba a bordo de la fragata mercante Oriental, que se encontraba en viaje dando la vuelta al mundo, aunque el barco se
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hundió al salir de Valparaíso. [7] Las demostraciones de Compte en Río de Janeiro y Montevideo en 1840 son una referencia en la historia del daguerrotipo en América del Sur. En España se conservan muy pocas vistas de exteriores al daguerrotipo. Se conocen dos vistas de Mahón; ocho vistas de las obras de la carretera de Madrid a Valencia, con presos trabajando encadenados; una vista de Barcelona; una vista de Cádiz; una vista de la catedral de Málaga; una vista del Patio de los Leones de La Alhambra de Granada; una vista tomada desde La Giralda de Sevilla; una vista del Monasterio de El Escorial y otras dos de Madrid. En cambio, los retratos al daguerrotipo son más numerosos.
Referencias [1] Kurtz, Gerardo Gerardo F. (2001). (2001). «Origen «Origen de un medio gráfico y un arte. Antecede Antecedentes, ntes, inicio y desarrollo de la fotografía en España». Summa Artis. Historia General del Arte. Vol. XLVII. La fotografía en España: de los orígenes al siglo XXI . Madrid: Espasa Calpe, S. A. pp. 88. ISBN 84-239-5492-7. [2] Las contribucione contribucioness de John Frederick Goddard Goddard y Antoine Claudet Claudet permitieron permitieron una mayor extensión del daguerrotipo. [3] Gernsheim, Gernsheim, H.; Gernshei Gernsheim, m, A. (1965) (1965) (en inglés). inglés). A concise history of photography. Londres: Thames and Hudson. OCLC 425560. «Sin embargo, Daguerre obtuvo una patente en Inglaterra cinco dias antes de hacerse público el procedimiento.»
Daguerrotipo coloreado a mano, por J. Garnier. Hacia el año 1850.
Daguerrotipo estereoscópico, para ver en tres dimensiones, con un visor.
[4] Newhall, Newhall, B.; Fontcuberta, Fontcuberta, J.. Historia de la fotografía. Desde sus orígenes hasta nuestros días. Barcelona: Editorial Gustavo Gili S.A.. pp. 300. ISBN 84-252-1163-8. [5] López López Mondé Mondéjar jar,, P.. P.. Historia de la fotografía en España. Barcelona: Lunwerg editores. pp. 16. ISBN 8477826609. [6] Teixido Teixidor, r, Carlos Carlos (1999) (1999).. La fotografía en Canarias y Madeira: la época del daguerrotipo, el colodión y la albúmina: 1839-1900. Madrid. ISBN 84-605-8665-0. [7] Bécquer Bécquer Casaballe, Casaballe, A. A. y Cuarterolo, Cuarterolo, M.A. M.A. (1983). Imágenes Imágenes del Río de la Plata: crónica de la fotografía rioplatense: 1840-1940. Buenos Aires: Editorial del Fotógrafo.
Enlaces externos • Wiki Wikime medi diaa Comm Common onss albe alberg rgaa cont conten enid idoo mult multim imed edia ia sob sobre re Daguerrotipo.Commons • Actividad Actividad del Ministeri Ministerioo de Cultura: Cultura: Fotógrafos Fotógrafos extranjero extranjeross en España en el siglo siglo XIX. (http:/ (http:/ / www.mcu.es/ www.mcu. es/ mcujuegos/ inicio.do?idPildora=68& inicio.do?idPildora=68&cache=init) cache=init)
Filtro fotográfico
Filtro fotográfico Se trata de un filtro óptico que se acopla en la parte frontal del objetivo de una cámara fotográfica, con el fin de conseguir un determinado efecto en la fotografía. El filtro puede ser un cristal cuadrado que se acopla al objetivo mediante un accesorio, Filtros de color de 55mm. pero es más común en la forma de cristal redondo con una montura en forma de anillo de metal o plástico con rosca. Los objetivos suelen incorporar una rosca para estos filtros. Obviamente, el diámetro de la rosca ha de ser el mismo en el filtro y en el objetivo; ello se indica con el símbolo Ø en la parte frontal del objetivo y en el borde del filtro (Ø58mm por ejemplo). Los materiales más habituales son el vidrio (mayor calidad, mayor precio) y la gelatina (menor precio y gran variedad de tipos).
Filtros protectores Son cristales sin ningún efecto en la fotografía y se usan para proteger el lente del objetivo de la suciedad y arañazos. Los más habituales son el Filtro Skylight (o 1A) y el UV, que bloquean parte de la luz ultravioleta, reducen una posible dominante del color azul en las fotos y tienen un bajo costo.
Filtros de colores para blanco y negro Los Filtros para blanco y negro se usan para dar o corregir un tono de color a la fotografía y se usan sobre todo en fotografía en blanco y negro, ya que ayudan a separar mejor los distintos tonos de un color en distintos tonos de grises. Los hay de dos tipos: 1. Los de rosca: son los más simples, pues sólo se enroscan en el lente. Son más costosos porque hay que cambiarlos continuamente, además del cuerpo metálico (que en algunos casos es plástico). 2. Los portafiltros: aunque la inversión inicial es más costosa, más tarde sólo es necesario cambiar el filtro, y no todo el armazón. Los filtros de blanco y negro son los mismos que los de color, salvo por ligeras diferencias en el comportamiento de la fotografía: • • • •
El skylight: skylight: sirve sirve como como protector protector y los cambios cambios en en la foto foto son mínimos. mínimos. Polarizadore Polarizadores: s: funciona funciona para para quitar quitar o reducir reducir brillos brillos y reflej reflejos. os. Densid Densidad ad Neutr Neutra: a: Reduc Reducee la cantid cantidad ad de luz. luz. De contraste: contraste: Los hay hay de todos los colores colores imaginabl imaginables; es; su función función en la fotografía fotografía B&N B&N es la de aclarar aclarar su propio color y oscurecer su complementario. • Efectos Efectos Especial Especiales: es: cantidad cantidad ilimitada ilimitada de efectos efectos..
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Filtros de efectos • Filtros de degrada degradado. do. Para oscurece oscurecerr o colorear colorear parte de la fotograf fotografía, ía, por ejemplo ejemplo el cielo. cielo. • Filtros de estrella. estrella. Para Para inducir rebotes rebotes en forma de estrellas estrellas (con un número número de puntas variable variable)) en los destellos de luz. • de efec efecto toss esp espec ecia iale les. s.
Filtros de control de la luz • Polarizador: Polarizador: Eliminan Eliminan reflejos reflejos indeseados indeseados en agua, agua, cristales cristales (excepto (excepto en los metales,como metales,como los objetos objetos cromados) cromados) y produce colores más reales y saturados, al seleccionar los rayos de luz que entran en el lente de cámara fotográfica. El efecto puede cambiarse rotando el filtro y variando la orientación al sol. Se percibe mejor en teleobjetivos u objetivos normales que en gran angulares. Los hay lineales o circulares: • Lineal: Lineal: Los polarizadores polarizadores lineales lineales permiten permiten regular regular la eliminación eliminación de reflejos, reflejos, y son menos costosos, costosos, en general, que los circulares. • Circular: Circular: Los polarizador polarizadores es circulares circulares se diseñaron diseñaron específicamen específicamente te para el uso de cámaras cámaras con objetivos objetivos de enfoque automático o autofoco. • Filtro ND ND (de (de Densidad Densidad Neutral), Neutral), filtros filtros grises para para reducir reducir el contraste contraste lumínico lumínico y la luz que que incide en el el objetivo. Este filtro está compuesto por particulas de zinc y una retícula de polarizado. • filtros correct correctores ores de color, color, utiliza utilizados dos para corregi corregirr la temperatura temperatura de de color de de la luz dominante en la fotografía.
Otros filtros • Filtro IR (de rayos rayos infrarrojos) infrarrojos):: No bloquean bloquean los rayos rayos infrarrojos infrarrojos sino al contrario contrario,, bloquean bloquean la luz visible visible permitiendo el paso de la infraroja, la película es una combinación de celulosa y dioxido de titanio. • Lentes de aproximaci aproximación, ón, permiten permiten reducir reducir la distancia distancia mínima de enfoque, enfoque, utilizado utilizado para para la macrofotograf macrofotografía. ía.
Véase también • Fot Fotografía • Cáma Cámara ra fot fotog ográ ráfi fica ca
Enlaces externos • Todo lo que que Necesita Necesitass Saber Saber sobre sobre Filtros Filtros en Fotogra Fotografía fía [1] • Docume Documenta ntació ciónn básic básicaa sobre sobre el tema tema [2]
Referencias [1] [1] http http:/ :/ / www.dzoom. www.dzoom.org. org.es/ es/ noticia-1625.html noticia-1625.html [2] [2] http http:/ :/ / www.madteam. www.madteam.net/ net/ fotografia/ fotografia/ articulo.php/ articulo.php/ art_6.htm art_6.htm
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Fisiograma
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Fisiograma Un fisiograma es el registro fotográfico de la trayectoria de una fuente luminosa en movimiento. Producimos un fisiograma, cuando realizamos una fotografía del movimiento de un haz de luz con la cámara en un punto fijo, o realizando un movimiento de cámara sobre un punto de luz fija. Cualquier fuente de luz es valida para realizar un fisiograma, y los valores de apertura y velocidad del diafragma, dependen de la intensidad de la fuente de luz. Se puede realizar el registro de un fisiograma, al capturar una fuente luminosa, que pasa por delante del objetivo de la cámara, por ejemplo el paso de unos faros de un vehículo en movimiento. También podemos realizar un fisiograma de forma intencionada, creando una fusión entre el arte de la fotografía y el arte de la pintura, mediante la utilización de un foco luminoso, a modo de pincel de luz, o mediante el movimiento de la cámara; este último procedimiento es como dibujar al revés, es decir, si movemos la cámara hacia la izquierda y hacia arriba el movimiento de la luz se registra hacia la derecha y hacia abajo.
Letra "z" creada con la técnica fisiográfica.
Fisiograma multicolor con forma de estrella.
El hecho de realizar un fisiograma también es conocido con el nombre de pintura de luz y en inglés Light-Painting.
Enlaces externos • • • •
Ejemplos de fusión entre la pintura y la fotografía [1] Trucos y consejos [2] Galeria en Flickr de Lightpainting [3] Laser Painting & Graffiti en Video [4]
Referencias [1] [2] [3] [4]
http:/ / www.fisiogramas.com http:/ / www.xatakafoto.com/ trucos-y-consejos/ light-painting-dibujemos-con-la-luz http:/ / www.flickr.com/ groups/ lightjunkies/ http:/ / matos.art.free.fr/ lightgraff_video_lightgraffiti.html
Fisiograma hecho moviendo la cámara (dibujando al revés).
Flash (fotografía)
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Flash (fotografía) El flash fotográfico o destello fotográfico es un dispositivo que actúa como fuente de luz artificial para iluminar escenas en fotografía. El flash es una fuente de luz intensa y dura, que generalmente abarca poco espacio y es transportable. Atendiendo a su constitución, existen varios tipos de flashes: • El flash de lámpara, que provoca la ignición de filamentos metálicos encerrados en una ampolla de vidrio. En la actualidad ha caído en desuso, sobre todo porque había que reponer la lámpara tras cada destello. Su combustión era rápida, pero no instantánea. • El flash electrónico, que provoca una descarga de la electricidad acumulada en un condensador en una lámpara de xenón. Una vez cargado el condensador, su disparo es instantáneo y debe estar bien sincronizado con la apertura del diafragma. El flash convencional, por su corto alcance, es menos útil cuando el sujeto está lejos. Sin embargo, los flashes de más alta potencia son capaces de iluminar más allá de los 75 metros. Los fabricantes dan una indicación sobre el alcance de un flash mediante su número guía.
Un flash electrónico
Historia Los primeros flashes consistían en una cantidad de polvo de magnesio cuya ignición se provocaba manualmente. Su primer uso data de 1864, pero su precio prohibitivo le impidió generalizarse hasta pasada una década. En 1880 se usó la mezcla de polvo de magnesio con un agente oxidante como el clorato potásico. [1] El carácter explosivo del mismo hacía peligroso su uso. En 1930 los flashes de lámpara o flashes de bombilla sustituyeron al polvo de magnesio. Eran bombillas de un solo uso que encerraban herméticamente un largo filamento de magnesio en una atmósfera de Cuboflash, sobre una cámara Kodak Instamatic oxígeno. Su ignición se provocaba eléctricamente con el accionamiento de finales de los años 1960. Permitía sólo 4 usos, rotando 90 grados de forma automática tras cada del obturador de la cámara. Para evitar que estallasen, la presión del exposición. oxígeno de su interior era inferior a 1 atmósfera. Posteriormente, el zirconio sustituyó al magnesio para producir destellos más brillantes. Llegaron a popularizarse agrupaciones de 4 lámparas (el llamado cuboflash) y de unas 10 (el Flipflash). En la actualidad las unidades de flash electrónico están constituidas por lámparas de xenón. Un flash electrónico contiene un tubo lleno de gas xenón, en el que una descarga eléctrica de alto voltaje genera un arco que emite un destello luminoso con una duración del orden de milésimas de segundo. La mayoría de cámaras destinadas al consumidor los incorporan. Los LEDs, aunque aún no alcanzan los niveles de potencia para reemplazar a los flashes de xenón de las cámaras de consumo, ya han sido usados en las cámaras de teléfonos móviles.
Flash (fotografía)
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Uso del flash Atenuación de sombras El flash de relleno sirve para atenuar las sombras producidas por la luz ambiente sobre el sujeto. Suele usarse en situaciones de contraluz o simplemente bajo el sol del mediodía. Tiene el inconveniente de que la imagen puede quedar algo plana. A veces es necesario evitar o suavizar las sombras provocadas por el propio flash. Los profesionales usan otros dispositivos, como los difusores para suavizar la luz del flash. Imagen sin el uso de flash de relleno (izquierda) y con el mismo (derecha).
También es útil el evitar que la luz del flash se dirija directamente hacia el sujeto apuntando en su lugar hacia una superficie reflectante (con frecuencia el techo o una pared), de modo que al sujeto llega una luz difundida. Esta técnica, conocida como flash rebotado, necesita de mayor potencia del flash que la iluminación directa.
Iluminación correspondiente a un flash directo (izquierda) y rebotado (derecha))
También pueden evitarse con el uso simultáneo de varios flashes. El flash por simpatía, que se usa en los estudios fotográficos, consiste en la utilización de varios flashes que funcionan al unísono por "simpatía". Cuando se dispara uno (flash maestro), los restantes (flashes esclavos) detectan la luz y disparan también. El retardo es inapreciable.
Sincronización lenta El alcance limitado del flash en escenas nocturnas hace que el fondo aparezca con frecuencia demasiado oscuro. Esto puede evitarse con la sincronización lenta, que deja el obturador abierto más tiempo del que necesita el flash. De este modo se añade detalle al fondo, aunque la velocidad lenta suele obligar a estabilizar la cámara para evitar fotos desenfocadas.
Reducción del efecto de ojos rojos En condiciones de escasa iluminación, las pupilas de los ojos de personas o de algunos animales están muy dilatadas, y con el uso del flash se puede provocar un desagradable efecto de ojos rojos. Este puede reducirse por sistemas que tratan de deslumbrar al sujeto y contraer su pupila antes de efectuar el destello principal.
Otros usos Para usos más específicos podemos destacar: • El flash estroboscópico, o múltiple, el cual, en vez de emitir un solo haz de luz, emite varios. Si el sujeto está sobre un fondo oscuro y el sujeto se mueve, se verán una superposición de instantáneas del movimiento.
Otras fuentes de luz artificial Las posibilidades de la luz artificial son mayores que las de la luz natural en fotografía: se puede controlar la intensidad, la dirección, que sea intensa u oblicua, etc. Además del flash, la iluminación artificial se puede conseguir otras fuentes:
Flash (fotografía) • El spot , un dispositivo que transmite un haz de luz concentrada dura continuada (usada generalmente para resaltar una parte específica del modelo). • Las lámparas de luz difusa.
Notas y referencias [1] Kerry K. Karukstis, Gerald R. Van Hecke. Chemistry Connections: The Chemical Basis of Everyday Phenomena . Academic Press, 2003. ISBN 0124001513
Véase también • • • • •
Flashes de magnesio Efecto de ojos rojos Flash anular Número guía Through the lens (TTL)
Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre flash fotográfico. Commons • Curso de nivel básico-medio sobre manejo del flash (http:/ / www.hugorodriguez.com/ cursos/ curso-flash00. htm) • Selección de artículos sobre uso del flash traducidos del blog Strobist (http:/ / strobistenespanol.blogspot.com/ 2006/ 03/ lighting-101.html) • 5 Excelentes Razones para Comprar un Flash Externo (http:/ / www.dzoom.org.es/ noticia-1640.html)
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Fotografía digital
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Fotografía digital La fotografía digital consiste en la obtención de imágenes mediante una cámara oscura, de forma similar a la fotografía análogica. Sin embargo, así como en esta última las imágenes quedan grabadas sobre una película fotosensible y se revelan posteriormente mediante un proceso químico, en la fotografía digital las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y desde allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria.
Ventajas
Cámara digital.
La ventaja de este sistema respecto a la fotografía análoga es que permite disponer de las imágenes grabadas al instante, sin necesidad de llevar la película al laboratorio y revelar los negativos para poder ver las imágenes, esta ventaja en la rapidez en la disponibilidad de la imagen permite que el fotógrafo haga los cambios en el momento y realice las correcciones que considere pertinentes de forma inmediata facilitando así lograr la imagen que se desea. En la cámara digital pueden verse en una pantalla las fotos que se acaban de tomar. La cámara se puede conectar a una computadora u otro dispositivo capaz de mostrar las fotos en un monitor. Como tienen formato informático, las fotos pueden enviarse directamente por correo electrónico, publicarse en la web y se pueden procesar con programas de tratamiento fotográfico en una computadora, para ampliarlas o reducirlas, realizar un encuadre (una parte de la foto), rectificar los colores y el brillo, y realizar otras muchas posibles modificaciones según el programa que se utilice. Otra gran ventaja de la fotografía digital es que cada vez que la cámara toma una foto crea un archivo y guarda en la memoria información relevante de la captura como la fecha, la hora, la apertura del diafragma, la velocidad de obturación, velocidad del ISO, esta información es muy útil para estudiar la imágenes y entender mas acerca de cada fotografía y también facilita el ordenamiento y el manejo de los archivos fotográficos. Otros recursos útiles existentes en fotografía digital son el histograma de brillo, que es un gráfico que muestra la distribución de los pixeles de la imagen según el brillo y el histograma RGB que muestra la distribución de los pixeles en los diferentes canales RGB, según sus siglas en ingles: R red, G green, B blue. Este recurso no existe en fotografía análoga. Las cámaras digitales profesionales tienen la opción de personalizar diferentes tipos de usuario, permitiendo ajustar características importantes de la imagen como la saturación, el contraste, la nitidez y el tono de color. Además permiten un manejo personalizado del balance del blanco, lo cual puede variar notablemente la gama cromática y también permiten capturar imágenes en blanco y negro, sepia, con filtros, etc. El control fácil y rápido de la velocidad del ISO ayuda a resolver los problemas de falta o exceso de luz. El costo, en comparación con el sistema análogo, por fotografía impresa es menor. Esto considerando que se pueden realizar múltiples tomas y elegir e imprimir sólo las mejores fotografías. La tecnología ha llevado las cámaras digitales a los teléfonos móviles aumentando el número de usuarios de la fotografía exponencialmente y cada vez los nuevos modelos mejoran la calidad óptica y la resolución de la imagen, esto ha causado que la tarea del fotógrafo deba ser repensada y reestructurada. La fotografía digital ha creado una revolución del medio fotográfico. Las imágenes van cada vez más a las pantallas que al papel.
Fotografía digital En el 2010 ya son millones de usuarios los que comparten sus imágenes a través de las redes sociales como Facebook y otros sitios web especializados como Flickr,Picasa, que permiten almacenar, ordenar, buscar y compartir fotografías en línea.
Desventajas La resolución de un film de 35 mm [1] es alrededor de 320 pixels por milimetro esto da alrededor de 87 Megapixels. En cambio expertos fotográfos dicen que una buena cámara analógica, con un buen objetivo, un buen negativo y un buen revelado equivaldría a unos 40 Megapíxeles . Hoy en día (año 2010) las cámaras digitales han alcanzado los 160 Megapíxeles, por ejemplo la cámara digital "Seitz Phototechnik AG 6x17". Las camaras digitales con sensor "full frame [2]" presentan una figura de ruido [3] mejor que el film. Otra desventaja de las cámaras digitales es el costo más elevado de estas, comparado con las máquinas convencionales, aunque día a día esta brecha se acorta. Una desventaja de las cámaras Réflex digitales DSLR(Digital Single Lens Reflex) es que son más delicadas que las Réflex análogas ya que el sensor que digitaliza la imagen es muy frágil y puede rayarse o deteriorarse con facilidad, además suele ensuciarse con frecuencia durante el cambio de lentes. La camara digital crea mucho ruido en las imágenes en las exposiciones prolongadas y también usando una velocidad de ISO alta, incluso utilizando los reductores de ruido que incluyen las cámaras profesionales. En algunas ocasiones las cámaras digitales se demoran mientras guardan la información del archivo en la tarjeta de memoria y aparece el anuncio de "BUSY" ocupado, impidiendo que se tomen nuevas imágenes hasta que se termine de procesar la información, esto es molesto por que algunas imágenes no se pueden capturar y se escapan mientras ocurre este proceso de archivado, esto no ocurre en la fotografía análoga donde el motor de arrastre es el encargado del desplazamiento de la película y de dejar la cámara lista para la siguiente toma. Lograr un efecto de exposición múltiple es mas fácil en fotografía análoga que en digital.
Tipos de cámaras Al igual que en la fotografía clásica, existen muy diversos tipos de cámaras digitales, ya sean de tam año de bolsillo, medianas o para uso avanzado o profesional, con ópticas más o menos completas, y con sistemas más o menos sofisticados. Una característica peculiar de las cámaras digitales es, sin embargo, la resolución. También en la fotografía clásica se habla de resolución, pero en este caso depende del tipo de película que se usa, ya que es el tamaño de los granos fotosensibles y la dimensión física de la película lo que determina la resolución independientemente de la cámara. También se habla de la "resolución magnifica", pero debe ser tenida en cuenta solamente la del sensor, ya que la interpolación consiste en un proceso que amplía la imagen sin ganancia de calidad (incluso puede perderla ligeramente), puesto que se parte siempre de la resolución del sensor y ésta se interpola con procedimientos matemáticos en los que es imposible obtener los detalles que no captó el sensor.
Cámaras digitales estándar Esta categoría incluye la mayoría de las cámaras digitales compactas. Se caracterizan por tener una gran facilidad de uso y operación y enfoque sencillo; éste diseño limita las capacidades de capturar imágenes en movimiento, Tienen una profundidad de campo amplia para la cuestión del enfoque. Esto permite que varios objetos estén enfocados al mismo tiempo lo que facilita el uso aunque es también una de las razones por las cuales los fotógrafos profesionales encuentran las imágenes tomadas por estas cámaras planas o artificiales. Estas cámaras son ideales para tomar paisajes y uso ocasional. Frecuentemente guardan los archivos de imagen en formato JPEG.
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Cámaras digitales de zoom largo Estas cámaras permiten un mayor control de las tomas y tienen más calidad y prestaciones que las anteriores. Físicamente se asemejan a las cámaras SLR ( Single Lens Reflex) "profesionales" y comparten algunas de sus funciones, aunque siguen siendo compactas. Generalmente tienen zoom óptico largo (de ahí su nombre) que asegura una capacidad de multiuso. Algunas veces son comercializadas como y confundidas con cámaras SLR digitales (dSLR) ya que los cuerpos de cámara se parecen entre sí. Las principales características que las distinguen son que no tienen un objetivo intercambiable (aunque pueden añadirse diferentes objetivos en algunos modelos), pueden tomar video, grabar audio y la composición de la escena se lleva a cabo en la pantalla de cristal líquido o en el visor electrónico. La velocidad de respuesta de estas cámaras tiende a ser menor que la de una verdadera SLR digital, pero pueden lograr una muy buena calidad de imagen siendo más ligeras y compactas que las SLR digitales. Muchas de estas cámaras guardan las fotografías en formato JPEG y cada vez hay más que pueden hacerlo en RAW.
Características La resolución en fotografía digital se mide multiplicando el alto por el ancho de las fotografías que permite obtener la cámara y generalmente comienza con un millón de píxeles, para las cámaras más económicas, y va en aumento hasta más de diez millones de píxeles, para las cámaras profesionales. El término "píxel" (del inglés picture element ), es la unidad más pequeña que capta un valor gris o de color de la fotografía. Una cámara de cuatro millones de píxeles generará imágenes más grandes que una de dos millones, lo que permite obtener una copia impresa de hasta 50 x 75 cm, pero no necesariamente de mayor calidad ya que en este aspecto tiene una mayor importancia la calidad de la óptica utilizada. Sin embargo, dado que a más megapíxeles las cámaras son más caras, es habitual que también posean mejores lentes. Otra característica de la fotografía digital es el zoom digital. Mediante este zoom se puede ampliar una foto, pero el efecto no es el de un zoom óptico. El zoom óptico acerca y amplia lo que se quiere fotografiar sin mermar la resolución de la cámara, ya que el acercamiento se consigue con el objetivo. El zoom digital, por el contrario, amplia la imagen que ya ha recibido, de forma que disminuye la resolución, al igual que ocurriría encargando una ampliación al laboratorio o utilizando un programa de edición de gráficos. Actualmente las cámaras digitales también permiten tomar vídeos, generalmente en resoluciones desde 320x240 hasta 1920x1080 píxeles y de entre 12 y 60 fotogramas por segundo, a veces con sonido (normalmente mono) en el caso de los modelos más completos. Estos vídeos están alcanzando un nivel tan alto de calidad que son muchos los profesionales que están utilizando cámaras de fotos réflex en lugar de cámaras de vídeo.
Historia La primera cámara digital fue desarrollada por Kodak, que encargó a Steve Sasson la construcción de una el 12 diciembre de 1975. Ésta tenía el tamaño de una tostadora y una calidad equivalente a 0.01 Megapíxeles. Necesitaba 23 segundos para guardar una fotografía en blanco y negro en una cinta de casete y otros tantos en recuperarla.
Véase también • Formato del sensor de imagen • Factor de multiplicación de la distancia focal • Arreglo de filtro de color
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Fotografía digital
Enlaces externos • • • • • •
Como se forma una imagen digital [4] página sobre fotografía e historia [5] Taller en línea sobre fotografía digital [6] Fundamentos de la imagen fotográfica digital [1] Fotografía digital [7] Edición y retoque digital de fotos [8]
Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6] [7] [8]
http:/ / kenrockwell.com/ tech/ film-resolution.htm http:/ / es.wikipedia.org/ wiki/ Formato_del_sensor_de_imagen http:/ / en.wikipedia.org/ wiki/ Image_noise http:/ / www.fotoclubdigital.com/ tutoriales/ conceptos-tecnicos/ 19-como-se-forma-una-imagen-digital.html http:/ / www.fotorevolucion.org http:/ / www.memoflores.com/ podcast http:/ / www.fotografia-digital.info http:/ / www.tecnicasfotograficas.com
Fotografía en color La Fotografía en color es una división del arte de la Fotografía que surge de la técnica de revelado de la fotografía en color.
Desarrollo Temprano La primera fotografía La fotografía en colores fue estudiada a lo largo del siglo XIX. Experimentos iniciales en color no pudieron fijar muy bien la fotografía ni prevenir que el color se desvaneciera. Además, hasta los años 1870 las emulsiones disponibles no eran sensibles a la luz roja o verde. La primera fotografía con color permanente fue tomada en 1861 por el La primera fotografía en color permanente, tomada por James Clerk Maxwell en 1861. físico britanico James Clerk Maxwell. Presentó su método aditivo de fotografía en color en Londres, con la intención de demostrar que cualquier color podía obtenerse mezclando luces de los tres colores primarios (rojo, verde y azul) en diferentes proporciones. Probó la teoría haciendo pasar la luz a través de filtros coloreados combinados y proyectando el resultado en una pantalla. Fue el primer sistema aditivo aplicado a la fotografía en color y recibió el nombre de tricromía. La fotografía en color que realizó Maxwell fue a partir de tres fotografías sucesivas cada vez con la lente tras un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla. La fotografía se llamó Tartan Ribbon y está considerada como
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la primera fotografía de color permanente. Ésta todavía puede verse en la Universidad de Cambridge. El procedimiento tiene un fundamento científico, pero el experimento resultó por pura coincidencia, ya que la emulsión utilizada por Maxwell poseía una sensibilidad cromática insuficiente.
Fotografía en color, en Rusia, entre los años 1909 y 1915, por Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii.
Varios métodos patentables para producir imágenes fueron ideados desde 1862 por dos inventores franceses (quienes trabajaban independientemente), Louis Ducos du Hauron y Char les Cros.[1] Basándose en el método sustractivo, utilizaron tres negativos del mismo tema a través de un filtro colocado entre la placa y el objetivo. Un selector apropiado interceptaba uno de los colores primarios para cada negativo. El positivo transparente se obtenía con la utilización del colorante correspondiente al color que representaba cada negativo. Luego las imágenes eran sobrepuestas y entregaban una fotografía única conteniendo todos los colores. La complejidad de este método, que requería, como el de Maxwell, la utilización de varios negativos, y la carencia en esa época de emulsiones sensibles, hicieron que la fotografía en color fuera muy difícil de realizar. No eran métodos prácticos ni comercializables.
Perfeccionamiento de la técnica En 1873 Hermann W. Vogel descubrió que la placa de colodión húmedo normalmente sólo sensible al azul podía hacerse más sensible al verde tratándola con algunos tintes de anilina. Esto le llevó a la placa ortocromática, insensible al rojo y todavía supersensible al azul, pero ya se avanzaba en la dirección correcta. Más tarde (1884) logró sensibilizarla al naranja pero no será hasta 1906, que Wratten y Wainwrigth, en Londres, introduzcan la placa pancromática, sensible a todos los colores del espectro. Las placas de vidrio Autochrome, o autocromas, salieron al mercado en 1907, siendo el primer sistema comercializado, y el único disponible en color hasta 1935. Se debió a la gran aportación de los franceses Auguste y Louis Lumière, que idearon un sistema de rejilla, en la cual la placa era recubierta de minúsculos granos de fécula de patata, teñidos. Las placas autocromas eran transparencias o diapositivas. Otro procedimiento de fotografía en color fue inventado por Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii, el cual consistía en tres exposiciones monocromas diferentes (negativos separados) de una escena a través de filtros rojos, verdes y azules. El propio inventor, entre los años 1909 y 1915, tomó imágenes de gran belleza a lo largo del imperio ruso. Pero este sistema no se comercializó, y sólo sus herederos conservaron sus imágenes.
La Moderna Película en Colores La primera película diapositiva moderna en color fue la Kodachrom e, la cual fue introducida en 1935 y fue basada en tres emulsiones coloreadas. La mayoría de las películas modernas en colores, exceptuando la Kodachrome, son basadas en tecnologías descubiertas por Agfacolor (como ‘Agfacolor Neue’) en 1936. (En esta nueva tecnología, los acopladores de color ya están incluidos en las capas de emulsión, en lugar de tener que ser cuidadosamente difuminadas durante el revelado.) En 1942 Eastman Kodak comenzó a producir películas negativas en color de las que se podían obtener copias positivas en color, la Kodacolor. La película instantánea en colores fue introducida por Polaroid en 1963.
Fotografía en color
Sistemas y colores Existen básicamente dos sistemas de colores: 1. Aditivo: los colores son añadidos como luces coloreadas. En este sistema, el conjunto básico de colores primarios son rojo, verde y azul. 2. Sustractivo: los colores son sustraídos de la luz blanca por teñido o pigmentos. En este sistema, el conjunto básico de colores primarios son cyan, magenta y amarillo. Ducos du Hauron realizó varias fotografías utilizando este método a finales del siglo XIX.
Tipos comerciales de impresión Varios métodos comerciales de impresión fueron ideados usando la técnica sustractiva durante los 1930s para impresión desde la “separación de negativos ”. Kodachrome fue la primera película “tri-pack integrada” comercialmente disponible.
Tipos de películas Existen dos principales tipos de películas en colores utilizadas actualmente: 1. El negativo en color que crea una imagen en negativo cuando es expuesta la cual es fijada durante el revelado. Ésta es luego expuesta en papel fotográfico para formar una imagen en positivo. 2. Película de inversión en color, también conocido como diapositiva, crea una imagen negativa cuando es expuesta, la cual es revertida a positiva en el proceso de revelado. La película puede ser proyectada en una pantalla.
La fotografía en color en la guerra mundial AGFA presento su película en color en 1936, la agfacolor de la cual proceden todos los procesos actuales de películas en color excepto la Kodachrome que fue presentada en ese mismo año por Kodak la cual fue inventada por dos músicos profesionales Mannes y Godosky, a la cual se le incorporaban los colorantes en el procesado (revelado) en lugar de en la fabricación.
Notas [1] Coe, Brian, Colour Photography: the first hundred years 1840-1940, Ash & Grant, 1978.
Referencias • Coote, Jack, The Illustrated History of Colour Photography, Fountain Press Ltd., 1993, ISBN 0-86343-380-4 • Sipley, Louis Walton, A Half Century of Color , Macmillan, 1951 • Loup Soguees, Marie. Historia de la fotografía .Madrid. 2001. Octava edición. Ediciones Cátedra (Grupo Anaya, S.A). Capítulo VII, El color .
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Véase también • • • • •
Tele Televi visi sión ón en Col Color or Videocámara Fot Fotografía Cron Cronol olog ogía ía de Inve Invent ntos os Revela Revelado do de de la fotogr fotografí afíaa en color color
Enlaces externos • Técnicas Técnicas gráficas, gráficas, un libro libro en formato formato PDF de M. Riat (http:/ (http:/ / www.riat-serra. www.riat-serra.org/ org/ tgraf.html) tgraf.html)
Desarrolladores Desarrolladores de la fotografía en color • • • • • •
Loui Louiss Duco Ducoss du Haur Hauron on Geor George ge East Eastma mann Will Willia iam m Egg Eggle lest ston on Frede Frederi rick ck Lanc Lanche hest ster er Gabr Gabrie iell Lipp Lippma mann nn Luis Ma Marden
Fotografía en blanco y negro La fotografía en blanco y negro , en ocasiones abreviado como B/N o en inglés B/W (de black y white), es una frase adjetiva utilizada sobre todo en cine y fotografía para describir varias formas de tecnología visual. La fotografía en blanco y negro se caracteriza por la ausencia de colorido, esto es debido a su naturaleza química, que se compone de haluros de plata. En un primer paso la película se expone a una determinada cantidad de luz en una cámara oscura o fotográfica, con lo que se obtiene una imagen latente que aún no se puede ver. Se revela con líquidos especiales y opcionalmente se pasa por un baño de paro y ya tenemos la imagen. Aún falta un paso, la fijación, esto es "fijar la imagen" para que sea químicamente estable y no reaccione a la luz ni otros agentes exteriores.
Niños en la Calle Santander de Panajachel, Guatemala.
Muchas formas de tecnología visual se han desarrollado inicialmente en blanco y negro y han evolucionado paulatinamente para incluir color. La expresión blanco y negro se usa aún cuando en ocasiones las tecnologías visuales en cuestión incluyen varios matices de gris además del blanco y el negro o cuando se utiliza blanco y matices de un solo color como el sepia. Al contar con tecnología para hacer imágenes en color, la fotografía en blanco y negro se continúa utilizando debido a diferentes cualidades que sólo ella ofrece, entre éstas: la ausencia de color permite al espectador concentrarse en la forma y relación de lo fotografiado sin tomar en cuenta los colores de los objetos. Para que una fotografía en blanco y negro se considere buena debe de entrar en lo que se conoce como sistema de zonas, que a grandes rasgos es que la fotografía tenga toda la gama de grises, desde el blanco más blanco hasta el
Fotografía en blanco y negro negro más negro. El sistema de zonas es una técnica de blanco y negro, que diseñó el fotógrafo Ansel Adams. Entre los pioneros de la fotografía en blanco y negro en España destacan Miserachs, Terré y Maspons, además de Ramón Masats.
Fotografía Digital en Blanco y Negro Para obtener fotografías en blanco y negro en una cámara digital no hace falta contar con equipamiento extra. La práctica totalidad de los modelos actuales permite realizar fotos en blanco y negro realizando un leve ajuste en los controles de la cámara. El proceso de conversión a blanco y negro se realiza mediante la aplicación de técnicas de procesado digital de imágenes. Por las posibilidades de la reedición y retoque posteriores, se pueden obtener fotografías en blanco y negro a partir de cualquier fotografía en color. Para ello, existen multitud de métodos que consiguen transiciones, brillos, contrastes y matices de diverso tipo.
Enlaces externos • Grupo de flickr sobre fotografía en blanco y negro [1] • Conversión de fotografías a blanco y negro con Photoshop [2] • Taller en video de conversión de fotografías Digitales a ByN [3]
Referencias [1] http:/ / www.flickr.com/ groups/ tumundoblancoynegro/ [2] http:/ / www.dzoom.org.es/ cont-30-fotografia-blanco-negro-photoshop.html [3] http:/ / www. javierherrero.es/ ?page_id=171
Fotografía química La fotografía química es la fotografía tradicional o clásica en comparación con la más recientemente aparecida fotografía digital. Se basa en procedimientos físico-químicos para la obtención y el procesado de las imágenes. Para la obtención de imágenes fotográficas, en blanco y negro en este caso, se emplean película donde el elemento sensible a la luz es el halogenuro de plata, en suspensión en gelatina muy pura. El tamaño y cantidad de los cristales de halogenuro de plata determinan la sensibilidad de la película, comúnmente llamada velocidad, la cual está normalizada y se expresa en grados ISO. Cuando se abre el objetivo por un breve instante, la luz incide sobre la película y deja sobre ella la impresión de la imagen, que en este punto recibe el nombre de imagen latente, que se irá descomponiendo a partir de ese momento hasta ser revelada. En realidad la luz da inicio a un proceso físico-químico produciendo un punto de sensibilidad en el halogenuro de plata, obteniendo así una imagen latente, lo que a la postre, cuando la película se sumerja en el revelador, mediante un proceso de óxido reducción, ocurrirá la transformación del halogenuro en plata metálica negra, obteniéndose así una imagen visible. El proceso de revelado de la película blanco y negro consta de cuatro pasos básicos: revelado, paro y lavado, fijado y lavado. La imagen así obtenida es un negativo, esto es, que los valores de luz están invertidos con respecto al original Una vez seca, de esta película o "negativo" se pueden hacer copias de la imagen sobre papel o bien sobre otra película, en cuyo caso obtendremos una diapositiva o positivo translúcido que nos permitirá observar la fotografía por proyección o transparencia. Las imágenes obtenidas, al invertir nuevamente los valores de luz, por ampliación o contacto, nos dan como resultado un "positivo". A este proceso se le llama positivado. Si utilizamos en la cámara una película especialmente tratada, "para diapositivas", obtendremos las imágenes directamente en positivo al revelar la película.
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Iluminación en fotografía
Iluminación en fotografía La iluminación en fotografía consiste en dirigir y rebotar luz hacia un objeto con la intención de que ésta pueda ser registrada por una película, un sensor electrónico CCD o CMOS. La luz resulta fundamental en la fotografía ya que sin ésta no es posible plasmar una fotografía. Aparte de ser un factor físico imprescindible en el proceso fotográfico, la luz posee una función plástica de expresión y modelado que confiere un significado y un carácter tal, que muchas veces ella sola determina la calidad de una fotografía, aunque esto depende del gusto del fotógrafo y la técnica que él mismo emplee.
Luces empleadas en fotografía La luz tiene dirección y calidad, la dirección la determina donde está colocada la luz en referencia con el sujeto, por ejemplo si se encuentra en un ángulo de noventa grados del sujeto es una luz lateral, si se coloca frente al sujeto entonces se conoce como luz frontal, si se encuentra ubicada detrás del sujeto y hacia la cámara es una iluminación a contraluz. La calidad de la luz la determina su dureza o suavidad, una luz dura es cuando la fuente de iluminación se encuentra desnuda, es decir, nada se interpone entre ella y el sujeto a fotografiar y una luz suave es cuando se usa un modificador de la luz natural, como son las nubes, cuando se interponen entre el sol y la tierra, con lo cual se consigue que el sol pierda su dureza. La luz dura provoca sombras marcadas y la luz suave produce sombras difusas, dicho de otro modo la luz dura provoca demasiado contraste mientras que una luz suave produce menos contraste. Una iluminación básica consiste en el uso de cuatro luces: principal, relleno, de recorte y de acento. • Luz principal: es la fuente más potente, la de más intensidad y fija la colocación de las demás. • Luz de relleno:debe colocarse en la posición donde está la cámara y como su nombre indica rellena las sombras provocadas por la luz principal. • Luz de recorte: crea un halo detrás del elemento a fotografiar y ayuda a darle volumen separándolo del fondo. • Luz de cabello o de acento debe colocarse detrás y por encima del sujeto, dirigida al cabello, separándolo del fondo. Si se desea que el fondo no quede muy oscuro, se puede iluminar con una luz suave, para que no desvíe la mirada del objeto protagonista de la fotografía.
Luz natural y artificial La luz puede provenir de fuentes naturales o artificiales, y en cada caso posee una serie de características. • La luz natural es aquella que proviene del mismo sol y es influida en su paso por la atmósfera terrestre, además dependiendo de la hora del día puede dar diferentes matices en intensidad, dirección, dureza y color, lo que significa que una luz apta para determinado trabajo pueda tener una corta duración debido a la rotación de la tierra. Una ventaja de la luz natural es que permite hacer tomas fotográficas en exteriores y puede ser complemento a la luz artificial. • La luz artificial es aquella que proviene de lámparas, spots, flashes y otros objetos luminosos controlados por el fotógrafo, teniendo como ventaja el poder manipular la dirección, color e intensidad de éstas. Sin embargo el uso de luz artificial tiene un coste más caro de producción y requiere de conocimientos técnicos para manejarla adecuadamente; dependiendo de la cantidad de luces que se utilicen puede haber un límite de la extensión de la superficie iluminable, por lo que la luz artificial suele ser complemento de la natural y viceversa.
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Iluminación en fotografía
El color Viene determinado por la longitud de onda de la luz y por el color intrínseco del objeto. El color es una parte importante del registro fotográfico ya que usualmente le da un sentido dramático a la fotografía y puede provocar distintas expresiones o estados de ánimo dependiendo de lo que el fotógrafo quiera manifestar por medio de ella.
Dirección La dirección de la luz y la altura es el ángulo de direccionamiento de las luces hacia el modelo y tiene una importancia decisiva en el aspecto general de la fotografía. Variando la posición de la fuente, pueden resaltarse los detalles principales y ocultarse los que no interesen. De la dirección de la luz también depende la sensación de volumen, la textura y la intensidad de los colores. Como ejemplo se puede citar que una luz dirigida de manera horizontal puede sugerir tranquilidad o ambiente de atardecer. Aunque las posiciones de la luz respecto al motivo y la cámara pueden ser infinitas, todas ellas pueden incluirse en mayor o menor medida en uno de los siguientes tres tipos:
Luz frontal Produce aplanamiento de los objetos, aumenta la cantidad de detalles pero anula la textura. Los colores se reproducen con gran brillantez. La luz llega desde detrás de la cámara, por lo que incide frontalmente en el sujeto. Ésta constituye la manera más básica e infalible de orientarse a la hora de disparar. También es la mejor forma de captar un bonito cielo azul como fondo.
Iluminación lateral Destaca el volumen y la profundidad de los objetos tridimensionales y resalta la textura; aunque da menor información sobre los detalles que la luz frontal y además, aumenta el contraste de la imagen.
Contraluz Convierte los motivos en siluetas, lo cual puede resultar conveniente para simplificar un tema conocido y lograr su abstracción, además de obtener la supresión de los colores.
Difusión Determina la nitidez del borde de las sombras y, por tanto, la dureza o suavidad de la imagen. La luz dura produce, en general, efectos fuertes y espectaculares, mientras que la suave resta importancia a las sombras y hace que sea el volumen del motivo el que domine sobre las líneas. Ambos tipos de iluminación están determinados por el tamaño y proximidad de la fuente luminosa. La luz dura procede de fuentes pequeñas y alejadas, como el sol y las bombillas o flashes directos. La distancia y el tamaño determinan el grado de dureza. La luz dura es idónea para destacar la textura, la forma y el color; y proporciona el mayor grado de contraste. La iluminación semidifusa procede de fuentes más grandes y próximas al objeto y, aunque produce sombras definidas, ya no tienen los bordes nítidos. Este tipo de luz destaca el volumen y la textura, pero sin sombras negras y vacías y sin el elevado contraste de la luz dura. El color resulta más apagado. La luz suave es muy difusa y no proyecta apenas sombras. La fuente luminosa ha de ser muy extensa, como un cielo cubierto, o rebotar sobre una superficie muy grande y próxima, como el techo, pantallas, lienzos, etc. Esta iluminación es la menos espectacular de todas pero la más agradable y fácil de controlar. El control del contraste, uno de los principales problemas con que se enfrenta el profesional, queda perfectamente resuelto con este tipo de
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Iluminación en fotografía luz. La combinación de longitudes de onda en la luz natural varía con la hora del día debido a la diferente refracción de los rayos en la atmósfera. A mediodía todos los rayos refractan por igual y la luz aparece blanca. Las moléculas del aire dispersan parte de la luz, sobre todo las radiaciones más cortas y por ello vemos el cielo azul. Al atardecer, el sol debe atravesar un capa más gruesa de aire; El extremo rojo del espectro es el que sufre una mayor refracción, y, por tanto, los atardeceres son rojizos. La intensidad de la luz como factor determinante del color es únicamente una ilusión óptica debida a la peculiar fisiología de nuestra retina.
Receptores luminosos en la retina Los receptores luminosos de la retina son de dos tipos: conos y bastones. Los bastones son mucho más numerosos y más sensibles a la luz, aunque sólo son capaces de ver en blanco y negro. Por el contrario, los conos son más escasos y menos sensibles, pero distinguen perfectamente los colores. Este es el motivo por el que la imagen parece que va perdiendo color conforme el nivel de iluminación va descendiendo, pues los conos van dejando de actuar pero continúan los bastones. En días claros y soleados, si se fotografía al mediodía un objeto a la sombra, las fotografías salen ligeramente azuladas, esto es debido a la elevada temperatura de color del cielo azul, hasta 12000 K.
Película: día y noche La elección de la película a utilizar, queda a criterio-necesidad de cada uno. Si es necesario utilizar la iluminación natural, es mejor usar película de 400/27 ISO todo el tiempo (a pesar de lo que muchos fotógrafos opinan), ya que el grano que en la actualidad tiene esta película es el mismo que tenía una de 100/21 ISO, allá por los años 80. Una opción para ciertos tipos de trabajo es utilizar la luz diurna dentro de un estudio, y eso es lo que hacen algunos profesionales. Ventajas: la luz es natural; al contrario de lo que sucede con el flash se puede ver cuáles van a ser los resultados y su coste es nulo. Si se trabaja en exteriores es posible controlar la luz mediante grandes paneles blancos o negros situados alrededor del sujeto. En un interior es mejor elegir una habitación orientada al norte: así nunca entrará el sol directamente y la luz será uniforme y constante a lo largo de todo el día. Para trabajos en color puede resultar un tanto fría y producir una ligera dominante azul. Si pasa esto se soluciona utilizando un filtro cálido ligero (81A u 81B) sobre el objetivo para equilibrarla. La luz de las habitaciones con una orientación diferente sufre variaciones de color, intensidad y contraste a lo largo del día. Cuando el sol entra por una ventana la luz es abundante, contrastada y cálida; sin sol los niveles de iluminación bajan considerablemente, las sombras son más suaves y la temperatura de color más neutra. El tamaño de las ventanas también influye, para obtener una iluminación suave y uniforme es necesario contar, al menos, con una gran entrada de luz. El tamaño de cualquier ventana puede reducirse con cortinas o con hojas de cartulina negra para obtener una luz más dura y direccional. La luz que proviene de ventanas pequeñas puede suavizarse con cortinas de redecilla o papel vegetal. La habitación ideal debería contar con una claraboya, que añade luz cenital suave y difusa. Sea cual sea el sujeto que se vaya a fotografiar es necesario utilizar reflectores para sacar el máximo partido a la luz natural.
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Iluminación en fotografía
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Enlaces externos • 15 Consejos Indispensables para Aprender a Dominar la Iluminación en tus Fotos [1]
Referencias [1] http:/ / www.dzoom.org.es/ noticia-1632.html
Impresión a la albúmina 1. REDIRECCIÓN Copia a la albúmina
Microfilm La microficha es un sistema de archivo, gestión y difusión documental. Su producción está sometida a un alto grado de normalización, tanto en su metodología como en los materiales utilizados y un estricto control de productos resultantes. Su objetivo es obtener una reproducción exacta del documento original, representada a un grado de reducción determinado y conocido, sobre un soporte fotográfico normalizado y cuya posición dentro de una serie documental puede ser establecida.
Lector de microfichas.
Todo ello hace que cada una de sus imágenes tenga valor individual y que instituciones e incluso los gobiernos de algunos países acepten la microficha como documento con valor probatorio ante un tribunal.
Referencias • KEENE, J.A. y ROPER, M. (1984.). Planificación, equipamiento y dotación de personal de un servicio reprográfico de documentos. Un estudio RAMP con directrices. 92 p. (PGI/-84/WS/8). Paris : Unesco. ISBN.
Microficha.
• KÖRMENDY, LAJOS. (1989.). Manual of archival reprography. Edited by, Compiled by Ted. F. Powell, George Weill. Paris, etc.: ICA, 223 p.. Saur, ICA Handbooks series; vol. 5. 3598202776.
Microfilm
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Enlaces externos • www.iso.org [1] • webstore.ansi.org [2] [[zh:微 缩 胶
Referencias [1] http:/ / www.iso.org/ [2] http:/ / webstore.ansi.org/
Retoque fotográfico El retoque fotográfico es una técnica que permite obtener otra imagen modificada, ya sea para lograr una mejor calidad o más realismo, o para obtener una composición totalmente diferente que distorsione la realidad. Para llevar a cabo dicho proceso, se utilizan mayoritariamente programas informáticos. Utilizando distintas técnicas de retoque fotográfico es bastante simple mejorar la calidad de las imágenes originales procesadas, consiguiendo así un resultado notablemente superior en calidad con respecto a la imagen original. Además también pueden conseguirse efectos impactantes o simplemente corregir diversos errores en las imágenes originales. Antes de la existencia de la fotografía en color era muy frecuente emplear acuarelas líquidas u otros pigmentos para ofrecer la imagen coloreada. También se retocaban los negativos fotográficos para eliminar imperfecciones.
Comparación de una imagen de un rostro retocada digitalmente frente a su versión original.
Las técnicas de retoque fotográfico digital son hoy en día muy utilizadas como método Ejemplo de retoque digital y sus diferencias respecto a la imagen original de un de post-producción, sobre todo en ámbitos paisaje. donde la imagen es lo que vende. Se da mucho su utilización en las producciones de modelaje, ya que la perfección en las modelos debe ser alcanzada a toda costa.
Retoque fotográfico
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Filtros Los filtros mayormente son utilizados para hacer correcciones en los colores de las imágenes, aunque existe una variedad realmente amplia de ellos. Hay filtros de textura, de efectos como pintura, entre muchos otros. En esta sección solamente hablaremos sobre los filtros básicos que comparten la mayoría de los programas de retoque fotográfico. Los filtros básicos de retoque fotográfico
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Brillo y contraste. Ajuste de curvas de color. Tono, Saturación y luminosidad. Balance de color. Niveles de color. Colorización Umbral
La utilización de estos filtros presentes en la mayoría de los programas de retoque fotográfico representan el nivel básico de retoque que se puede dar a una imagen. Aunque puede variar el nombre del filtro dependiendo del editor usado (Adobe Photoshop, Gimp, Corel Photo-Paint, etc) normalmente están presentes en la mayoría de estos programas. También puede variar su funcionamiento y la calidad del trabajo final. Más abajo pueden verse ejemplos de estos filtros en el programa Gimp, así como una breve explicación sobre su uso.
Brillo y Contraste.
Curva Tonal.
Brillo y contraste. Este filtro permite corregir irregularidades en imágenes claras u obscuras, así como también realzar los colores de las mismas mediante el contraste. Es ideal para solventar problemas de iluminación. Además puede ser muy útil para crear efectos de gran dramatismo en algunas fotografías.
Tono, luminosidad y saturación.
Ajuste de curvas de colores Muy útil a la hora de solventar problemas de color en fotografías en las cuales un color predomina sobre el resto, normalmente por una iluminación inapropiada. Por ejemplo, la mayoría de las imágenes sacadas en interior donde hay luz incandescente tienden a ser amarillentas. Este filtro permite corregir la intensidad de los colores y de esta manera equilibrar la imagen.
Balance de Color.
Tono, saturación y luminosidad. Este filtro sirve para corregir las imágenes que por una u otra razón presentan exceso o falta de color, así como tintes de colores que no son correctos. Así mismo, también se puede utilizar para cambiar completamente el rango de color (como se ve en la imagen de ejemplo) y así generar un efecto llamativo. Niveles de Color.
Retoque fotográfico
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Balance de color. Esta herramienta es muy similar en funcionamiento y función a las curvas de color, pero su forma de uso difiere bastante. Es ideal para corregir rápidamente tintes de color tanto en la luz, tonos medios y sombra de manera independiente entre sí y entre cada uno de los canales ya que permite aumentar y disminuir o aumentar la presencia de cada color.
Niveles de Color.
Colorización.
Su funcionamiento aunque similar al balance de color, difiere de este último porque permite regular no solo la fuerza de cada color, sino su luminosidad y gama en la imagen en general o en cada uno de los canales que la conforman. Es ideal para corregir imágenes muy oscuras o muy claras que además tengan problemas con el tinte en general.
Umbral de color.
Colorización. Este filtro es ideal para dar un tinte general a toda la imagen. Ya sea para hacer una imagen sepiada o de cualquier otro color. Puede utilizarse, por ejemplo, si la imagen original es un campo de césped (casi en su totalidad de un color determinado), pero posee zonas donde hay colores no deseados como lo podría ser el pasto seco, etc.
Umbral Este filtro trabaja separando la imagen en 2 colores plenos (negro y blanco) y gracias a la utilización del punto medio se puede definir donde esta el umbral de separación de ambos con respecto a la luminosidad original de la imagen. Es muy útil a la hora de limpiar (por ejemplo) dibujos hechos a lápiz, ya que realza los bordes y genera una imagen de alto contraste. También puede utilizarse en unión a otros filtros para generar distintos efectos.De esta manera como se explica anteriormente se podra realizar una diferenciacion entre colores, la cual nos permite realizar una buena selección de diferencial.
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Capas Las capas o layers amplían las capacidades de un editor fotográfico enormemente. Estas pueden verse como recortes que pueden superponerse sobre un fondo o sobre otro recorte. Además cuentan con filtros propios para la mezcla de las imágenes, así como efectos de transparencia. De esta manera, gracias a esta herramienta, es posible unir dos imágenes o fragmentos de las mismas para conformar una nueva. Por ejemplo, podría tomarse la cara de una persona y colocarla en el cuerpo de otra. También es útil para representar texturas sobre diversos fondos. Podría tomarse el cuerpo de una persona y superponer una imagen de piel Aquí se puede apreciar el uso de capas combinado con diversos de leopardo y, utilizando el método de fundido filtros para unir a una persona con un fondo distinto del original. texturizado, permitir que sobre los colores de la imagen original, se superponga la luminosidad de la textura elegida. Luego aplicando una transparencia general se combinarían ambas sombras sin perder demasiado detalle de la imagen original. Después, con una transparencia lineal, podría hacer que desaparezca la textura de leopardo gradualmente a medida que sube por el fondo original. De esta manera se estarían utilizando casi completamente las capacidades de las capas. Normalmente al utilizar esta técnica se la debe complementar con los filtros de corrección de color para compensar la diferencia de atmósfera, luz e intensidad de color de las imágenes utilizadas. Esto se logra llevando a todas las mismas a un punto neutro y luego se aplica una atmósfera general (puede lograse simplemente haciendo que predomine más un color) que termine de unir todas las imágenes. Su uso puede ser muy variado y está limitado (más allá de las capacidades propias del programa utilizado) solo a la imaginación del usuario. De esta manera abre una puerta de posibilidades enormes a la hora de editar una imagen, desde efectos espectaculares y complejos, o tan sutiles que no pueden ser diferenciados de una imagen sin retocar.
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Retoque fotográfico
Herramientas Cada editor fotográfico cuenta con sus propios nombres para las herramientas, así como configuración particular. Igualmente la mayoría de los distintos programas comparten las mismas herramientas básicas. Entre ellas están las de pincel, que permiten hacer trazos simulando desde acuarelas hasta aerógrafos, pasando por lápices, tiza, marcadores, etc. En el ámbito del retoque fotográfico su uso está destinado casi exclusivamente a retoques en el color de la imagen. Con herramientas como el aerógrafo se pueden hacer desaparecer las ojeras en un rostro (así como también ponerlas), correcciones en los ojos destinadas a resaltar sus características, además de otros usos. Otra herramienta es la de clonación, que permite copiar segmentos de otra imagen, o de la misma imagen, con el añadido de poder utilizarlo como un pincel más. Esta herramienta es muy útil para quitar pequeñas o grandes imperfecciones en la piel, o por ejemplo quitar a una persona de una fotografía, entre otros. También existen herramientas de recorte que permiten seleccionar solo algunas partes de las imágenes. Esta se utiliza En esta imagen se puede ver como se ha quitado a una persona generalmente para aplicar filtros en zonas definidas. utilizando la herramienta de clonación. Por ejemplo, podría seleccionarse el cielo de un paisaje solamente y cambiarle el color. Esta herramienta está muy ligada a las capas o layers.
Programas de retoque fotográfico • • • •
Adobe Photoshop Paint.NET Gimp Corel Photo-Paint
Enlaces externos • • • • • • • • •
Los Secretos del Retoque Digital [1] Artículos y tutoriales sobre el retoque fotográfico digital Galería de ejemplos de retoque fotográfico con la técnica HDR [2] Videos Tutoriales de Photoshop [3] En castellano Tutoriales y video tutoriales de Photoshop [4] Tutoriales de alta calidad en castellano Tutoriales Photoshop y de retoque fotográfico [5] Probablemente una de las mayores colecciones de tutoriales photoshop publicados en lengua española Revista Tutoriales Photoshop Newsletter [6] Revista digital de tutoriales de Photoshop, en castellano Retocar fotografías con estilo Andy Warhol con photoshop [7] Ejemplo de retoque de fotografías a estilo Andy Warhol Página oficial proyecto PAINT.NET [8] Desde donde se puede descargar de forma gratuita la última versión de este programa de retoque fotográfico. Servicio online de aplicación de filtros fotográficos [9] - oleo, puntillado, refractorización,emboss, relieve, colorizacion...
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Retoque fotográfico • Tutorial De Photoshop. [10] • Retoque fotográfico publicitario [11] Galería de imágenes publicitarias retocadas por ordenador
Referencias [1] http:/ / www.dzoom.org.es/ cat-37-0.html [2] http:/ / www.hdrland.com/ [3] http:/ / psxtool.blogspot.com [4] http:/ / www.tutorialespro.com/ 8-herramientas-de-retoque [5] http:/ / www.photoshop-designs.com/ foro/ viewtopic.php?t=4212 [6] http:/ / www.photoshop-newsletter.com [7] http:/ / www.fotos-boda.com/ foro/ fotografia/ digital/ viewtopic.php?f=8&t=2#p3 [8] http:/ / www.getpaint.net [9] http:/ / www.fotoefectos.com/ cat-tratamiento [10] http:/ / tutorialdephotoshop.com [11] http:/ / www.fotolisis.com
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Típos de fotografía Fotografía academicista Bajo el nombre de Fotografía academicista, también conocida como fotografía artística o pictorialista -que no hay que confundir con el pictorialismo fotográfico de finales del siglo XIX y principios del siglo XX-, se conocen una serie de intentos de identificación artística de la fotografía que se desarrollaron en la segunda mitad del siglo XIX y que trataron de incorporar a esta disciplina elementos propios de la pintura. Este movimiento fotográfico surge como reacción a las críticas que negaban el valor artístico de la fotografía. Sus integrantes son fotógrafos que reivindican el papel artístico de la fotografía buscando inspiración en la pintura academicista, de la que toman sobre todo sus temas y géneros (temas mitológicos, hechos históricos, etc.). Junto a esto también defienden la artisticidad de la fotografía buscando que las fotos sean lo más laboriosas o complicadas de realizar y lo menos mecánica posible. Es por ello que primero se realiza un boceto previo, luego se utilizan decorados, disfraces,..., se recurre a la composición de negativos (fotomontaje) y el resultado fotográfico final viene a ser fruto de múltiples resultados. Los primeros fotógrafos adscritos a esta corriente trabajaban con el daguerrotipo, pasando después a emplear otros métodos fotográficos más actuales. Entre los artistas adscritos a esta corriente destacan André Adolphe Eugène Disdéri -quien fue incluso un teórico del movimiento con su obra El arte de la fotografía, 1862-, Fernando Navarro, Oscar Gustav Rejlander, Henry Peach Robinson y Julia Margaret Cameron.
Fotografía antropológica
Fotografía antropológica Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación acreditada, como revistas especializadas, monografías, prensa diaria o páginas de Internet fidedignas. [1] Puedes añadirlas así o avisar al autor principal del artículo en su página de discusión pegando: {{subst:Aviso referencias|Fotografía antropológica}} ~~~~
La fotografía antropológica es una disciplina cuya finalidad es fotografiar a las personas dentro del ámbito de la cultura y entorno social al que pertenecen, constituyendo una herramienta imprescindible para la descripción y el análisis de la diversidad cultural del ser humano. Tanto la fotografía como la antropología nacieron a mediados del siglo XIX y, tan pronto como la fotografía se popularizó, los antropólogos encontraron en esta actividad la metodología idónea para documentar sus trabajos etnográficos fusionando ambas disciplinas. Las imágenes que definen la fotografía antropológica son básicamente aquellas cuya importancia radica en la representación visual de las personas en un entorno socio-cultural concreto (http:/ / www.ujaen.es/ huesped/ rae/ articulos2005/ lara2005.pdf) (retrato, instantánea) bien sea para documentar un trabajo etnográfico o mostrar, a través de la imagen fija, las costumbres y/o los detalles de una cotidianidad cultural. En la actualidad, con el advenimiento del turismo y el creciente interés por conocer y compartir la diversidad cultural que nos rodea, la fotografía antropológica se ha convertido en una actividad muy popular. La mayoría de viajeros, interesados en inmortalizar las vivencias y experiencias que la visita a sociedades exóticas les ofrecen, se han acercado a la fotografía obligándonos a la reflexión y al estudio de la importancia de esta disciplina.
Referencias [1] http:/ / en.wikipedia.org/ wiki/ Fotograf%C3%ADa_antropol%C3%B3gica?action=history
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Fotografía artística
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Fotografía artística Bajo el nombre de Fotografía academicista, también conocida como fotografía artística o pictorialista -que no hay que confundir con el pictorialismo fotográfico de finales del siglo XIX y principios del siglo XX-, se conocen una serie de intentos de identificación artística de la fotografía que se desarrollaron en la segunda mitad del siglo XIX y que trataron de incorporar a esta disciplina elementos propios de la pintura. Este movimiento fotográfico surge como reacción a las críticas que negaban el valor artístico de la fotografía. Sus integrantes son fotógrafos que reivindican el papel artístico de la fotografía buscando inspiración en la pintura academicista, de la que toman sobre todo sus temas y géneros (temas mitológicos, hechos históricos, etc.). Junto a esto también defienden la artisticidad de la fotografía buscando que las fotos sean lo más laboriosas o complicadas de realizar y lo menos mecánica posible. Es por ello que primero se realiza un boceto previo, luego se utilizan decorados, disfraces,..., se recurre a la composición de negativos (fotomontaje) y el resultado fotográfico final viene a ser fruto de múltiples resultados. Los primeros fotógrafos adscritos a esta corriente trabajaban con el daguerrotipo, pasando después a emplear otros métodos fotográficos más actuales. Entre los artistas adscritos a esta corriente destacan André Adolphe Eugène Disdéri -quien fue incluso un teórico del movimiento con su obra El arte de la fotografía, 1862-, Fernando Navarro, Oscar Gustav Rejlander, Henry Peach Robinson y Julia Margaret Cameron.
Fotografía de difuntos Introducción La fotografía de difuntos fue una práctica que nace casi con la misma fotografía (un 19 de agosto de 1839) en París, Francia que luego se extiende rápidamente hacia otros países. Consistía en vestir a un cadáver recién difunto con sus ropas personales y participarlo de un último retrato grupal, con sus compañeros, familiares, amigos, o retratarlo individualmente. El motivo por el cual -en ese entonces- este tipo de imágenes no eran consideradas morbosas, puede deberse al ideal social que se gestara en la época del Romanticismo. En dicho período se tenía una visión nostálgica de los temas medievales, y se concebía la muerte con un aire mucho más sentimental, llegando algunos a verla como un privilegio.
Antecedentes Padres posando con su hija fallecida, simulando
El hecho de fotografiar muertos tiene antecedentes pre-fotográficos vida. en el Renacimiento, donde la técnica era el retrato por medio de la pintura en el llamado memento mori, frase que deriva del Latín, "recuerda que eres mortal" y era utilizado, en lo que a historia de arte se refiere, para la representación de los difuntos: otra técnica de la época medieval donde se concebía que el fin era inevitable y había que estar preparados. La contemplación de la muerte y sus diferentes miradas a través del tiempo:
Fotografía de difuntos • Uno de los primeros signos en los que se denota la estrecha relación entre arte y muerte lo vemos en la cultura Egipcia que momificaba a los faraones carentes ya de vida conservando así su apariencia hasta nuestros dias. • En la Edad Media se utiliza la Máscara mortuoria, originalmente para nobles y monarquía en la Antigua Roma y el Egipto de los Faraones, la práctica se extendió a la captura de rostros de ilustres artistas, científicos y pensadores, en Europa la práctica de mantener la memoria física y táctil de los rostros por medio de esta se intensificó en los siglos XVIII y XIX. • Los mayas por su parte inmortalizaban el rostro del difunto tallando mascaras de jade. • Fue en la epoca Renacentista y Barroca donde las representaciones mortuorias resultaban muy interesantes frutos de una mirada diferente; a través del retrato post mortem se dejaba en claro el abandono de la representación del hombre como ideal, concepto heredado de la Antigua Grecia, para mostrar ahora al individuo de manera crudo sin omitir defectos. Esta nueva visión llega con el nombre de Rembrandt, cuyos retratos reflejaban las características antes dadas incluyendo la enfermedad, ni bien entrado el Barroco. También aparece en esta época el molde de escayola a partir de la cara del difunto, que se seguiría realizando hasta el Siglo XIX.
Técnica de la fotografía mortuoria La mayoría de los retratos póstumos se caracterizan por los variados artilugios de los que se servían los fotógrafos para embellecer la imagen y despojarla de la crudeza de la muerte, intentaban algún tipo de arreglo para mejorar la estética del retrato. En algunos casos se maquillaba al difunto o se coloreaba luego la copia a mano. Los difuntos, por otra parte, eran sujetos ideales para el retrato fotográfico, por los largos tiempos de exposición que requerían las técnicas del siglo XIX. En la toma de daguerrotipo la exposición seguía siendo tan larga que se construían soportes disimulados para sostener la cabeza y el resto de los miembros de la persona que posaba evitando así que ésta se moviera. Las fotografías de difuntos los muestran "cenando" en la misma mesa con sus familiares vivos, o bebés difuntos en sus carros junto a sus padres, en su regazo, o con sus juguetes; abuelos fallecidos Simulando estar dormido. con sus trajes elegantes sostenidos por su bastón. A veces, agregaban elementos icónicos -como por ejemplo una rosa con el tallo corto dada vuelta hacia abajo, para señalar la muerte de una persona joven, relojes de mano que mostraban la hora de la muerte, etc.Los militares, los sacerdotes o las monjas eran, por ejemplo, usualmente retratados con sus uniformes o vestimentas características. Los niños en ocasiones eran fotografiados con sus juguetes o colocados en su cuna o coche. Con frecuencia se incluía en estas imágenes a los progenitores o hermanos, como una manera de dotar al niño de identidad. La edad del pariente que acompañaba al difunto era el hito temporal que permitía ubicarlo en la historia familiar. Los deudos que posaban junto al muerto lo hacían de manera solemne, sin demostración de dolor en su rostro. Los retratos mortuorios privados podían encuadrarse en tres posibles categorías según la manera en que se retrataba al sujeto:
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Fotografía de difuntos
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• Simular con vida: en un intento por simular la vida del difunto se los fotografiaba con los ojos abiertos y posando como si se tratara de una fotografía común, por lo general junto con sus familiares, es muy notorio cual es la persona sin vida ya que al no tener movimiento alguno sale muy nítida en la imagen y no así sus familiares, las tomas se solían retocar a mano usando coloretes o pintando los ojos sobre los parpados cerrados.
Sin simular.
• Simular dormido: por lo general se realiza con los niños se los toma como si estuvieran descansando, y en un dulce sueño del cual se supone que despertaran. en algunos casos los padres los sostienen como acunándolos para aportar naturalidad a la toma. • Sin simular nada: se los fotografía en su lecho de muerte, en este tipo de tomas se agregaban flores como elemento ornamental, que no existían en el resto de las fotografías post mortem. Por los años veinte o treinta del siglo pasado comenzaron a adoptarse nuevas tendencias que alcanzaron incluso la fotografía post mortem. De esta forma, los fotógrafos comenzaron a presentar a los muertos bajo nuevos ángulos y perspectivas: detalles de las manos o de otras partes del cuerpo, con desenfoques selectivos muy controlados y realizando primerísimos planos de ciertas zonas del fallecido, o bien imágenes muy cercanas al fotoperiodismo actual. Son tomas que en muchos casos resultan impresionantes por su dramatismo y cuidada iluminación.
De Europa a América Usos en América Látina En el siglo XIX, era una práctica muy común, de hecho en un extracto de "El Nacional", un diario argentino de 1861 fundado por Dalmacio Vélez Sársfield, se publicaba que el fotógrafo Francisco Rave y su socio José María Aguilar... "Retratan cadáveres a domicilio, a precios acomodados...". Este tipo de publicaciones era la forma en que habitualmente promocionaban sus servicios los fotógrafos en el siglo XIX. En 1848, Tomas Helsby ofrecía este tipo de retratos al igual que Bartola Luigi con su socio Aldanondo Antonio, que en 1856 instalaron su estudio especializándose en retratos post mortem. Daviette, de nacionalidad francesa, en conjunto con el profesor Furnier ofrecían en Perú entre los años 1844-46, los servicios de fotografías de difuntos en la cual recalcaban con avisos en el diario local la posibilidad de inmortalizar al ser querido. En dichos avisos él mismo se anunciaba como "artista fotogénico" recién llegado de Paris,el cual, se encargaba de "retratar los difuntos como cuadros al oleo". Otro fotógrafo importante que se destacó en este género fue el peruano Rafael Castillo, quien comenzó a trabajar en el estudio del norteamericano Villroy Richardson, uno de los cinco grandes estudios fotográficos de Lima; posteriormente se le cedió la dirección del estudio a Ignacio Lecca. Aún con el nuevo dueño, Castillo continuó dirigiéndolo como operador, mientras utilizaba con solvencia el mismo equipo y los recursos del norteamericano, aunque le cambió el nombre por el de Fotografía Nacional. Este estudio demostró ser el segundo en Lima, después del de Courret, en equipamiento, sofisticación y comodidades. Castillo desarrolló nuevas tretas comerciales dirigidas
Fotografía de difuntos a seducir clientes: gran variedad de servicios y nuevos productos, aparecieron las tarjetas de gabinete (mucho más grandes que las de visita), la imperiales, aún más grandes y las enormes ampliaciones de los negativos en las que las personas aparecían en tamaño natural. Introdujo también las copias al carbón y la producción de los barniztipos y la fotografía de fantasía, estas últimas hechas con accesorios y decorados extravagantes. La estética abordada en sus imágenes post mortem respondió a retratos frontales, de pie, en un espacio austero. Generalmente posaban ante su cámara personajes que no pertenecieron a la clase acomodada limeña. [1]
Angelitos Era la forma en que en el siglo XIX se conocía a las fotografías post mortem de niños, teniendo en cuenta la gran cantidad de estas por el alto índice de mortalidad infantil de dicha época, dado por los escasos recursos médicos en esos tiempos entre otras cosas. Una familia común sumaban entre 8 y 10 hijos de los cuales solían fallecer la mitad. Tomando en cuenta ese contexto, las fotografías del niño fallecido junto a sus padres y/o hermanos estaban comprensiblemente aceptadas. En la cultura religiosa católica de america los niños que morían sin pecado original por haber sido bautizados y sin ningún otro pecado en vida, iban directamente al cielo para convertirse en Angelitos, en cambio, los que no habían sido bautizados eran enterrados con los ojos abiertos para que pudiesen ver la gloria del señor, el fotógrafo mexicano más famoso en este tipo de fotografía es Juan de Dios Machain de Guadalajara.
En Argentina La impresión de fotografías en diarios y revistas no fue posible hasta 1890, año en que aparece la técnica del medio tono. Antes a esa fecha las fotografías eran utilizadas como base para grabados, litografías y dibujos. Ningún grabado podía reproducir un hecho noticioso con la fidelidad y exactitud de una fotografía, por lo que la comercialización de imágenes documentales en serie encontró un lugar en el mercado periodístico local. Con este propósito la compañía Bate toma la foto del Coronel Palleja, héroe de la Guerra de la Triple Alianza. Con el estallido de la Guerra del Paraguay, el fotógrafo Thomas Bate envió fotógrafos de su estudio a la zona de conflicto para vender luego esas imágenes en serie. En agosto de 1866 los corresponsales de la compañía envían la primera serie de imágenes del conflicto entre las que se encuentra una que documenta el traslado del Coronel Palleja, muerto durante la batalla de El Boquerón. Esta fotografía de Palleja se convertirá en la primera imagen mortuoria con repercusión periodística en la historia de la fotografía rioplatense. En abril de 1870 muere asesinado el General Justo José de Urquiza, herido de bala en la boca y acuchillado cinco veces en el pecho. El caso tuvo una amplia repercusión en los medios locales y pronto la noticia se extendió por las principales capitales del país. La Justicia intervino y se convocaron a dos fotógrafos, Augusto Manuel y Guillermo Aráoz Ormaechea, por entonces a cargo del estudio fotográfico Bernardo Victorica, para que registraran la imagen del cadáver. En la fotografía el General aparece con su torso desnudo y en el pueden verse las cinco cuchilladas que le provocaron la muerte. Otro ejemplo de imagen mortuoria en nuestro país durante el siglo XIX y quizás la más interesante es la de Domingo Faustino Sarmiento, tomada por el retratista Manuel San Martin en 1888. Sarmiento había fallecido en Asunción del Paraguay y sus imágenes póstumas fueron traídas con rapidez a Buenos Aires, donde los periódicos seguían desde hace días las noticias de la enfermedad de Sarmiento a través del telégrafo. Al igual que en el caso del retrato de Urquiza, la imagen siguió circulando por muchos años en la prensa gráfica. Los retratos mortuorios de personajes ilustres se encuentran entre las imágenes periodísticas pioneras de la historia de la fotografía. El objetivo de estas no es recordar a un ser querido sino el registro de un hecho histórico. Mientras la fotografía post mortem privada había sido creada para el consumo de un íntimo círculo de deudos, la fotografía post mortem publica estaba dirigida a un público masivo, que se iría acrecentando con la evolución de la prensa grafica. En algunos casos la cobertura de prensa empezaba con la agonía o enfermedad del personaje y se extendía hasta el funeral, como el caso de Bartolomé Mitre, su muerte en 1906 fue un gran suceso periodístico, la más sorprendente de sus fotografías es la que se le realiza a Mitre en su lecho de agonía, es una imagen muy retocada
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Fotografía de difuntos con témpera blanca (costumbre de los periódicos en esa época) y de un carácter absolutamente íntimo.
Conclusión La concepción del hombre acerca de múltiples fenómenos propios de la vida, va reformulándose a medida que evoluciona a la par del tiempo. La muerte no es una excepción: las tradiciones tr adiciones y ritos que la sobrellevaban s obrellevaban en el siglo pasado, hoy casi no se ven, creando una especie de tabú por lo que casi no se habla de ésta. El hombre del siglo XXI parece evadir (con ciertos límites claro), cuestiones que no tienen respuestas certeras, y a las cuales todavía la ciencia, la tecnología no ha podido “inmortalizar”. Para comprender este tipo de fotografías, debemos situarnos en una determinada época, en una ideología social, cultural y política. Si nos situamos en el siglo XIX, la fotografía no estaba al alcance de todos sino de unos pocos. Si bien la fotografía mortuoria se dio en todas las clases, la clase baja fue la que más la aprovechó, ya que en muchos casos la única foto que se tenía del ser querido era ésta. Otros aprovechaban esta fotografía como retrato familiar. No hay que olvidar que hasta el día de hoy, tenemos la presencia de la fotografía mortuoria en ámbitos públicos, que cuando fallece una persona importante, los medios nos colman de imágenes de su muerte y eso no nos parece morboso, es la única manera que tienen las personas de poder participar masivamente del hecho histórico.
Referencias [1] Garreaud, Garreaud, Fernando Fernando La recuperación recuperación de la Memoria: El primer siglo siglo de la fotografía. Perú 1842-1942. 1842-1942.
Enlaces externos • Wiki Wikime medi diaa Comm Common onss albe alberg rgaa cont conten enid idoo mult multim imed edia ia sob sobre re Fotografía de difuntos. Commons Fernando Garreaud (http:/ / www.fundaciontelefonica. www.fundaciontelefonica.org. org.pe/ pe/ notic74.htm) notic74.htm)
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Fotografía de guerra
Fotografía de guerra La fotografía de guerra captura imágenes de conflictos armados y de la vida en áreas en guerra. Describe además los terrores de la misma alternados con actos de sacrificio. A diferencia de pinturas y dibujos de la guerra, las imágenes basadas en hechos reales no son fácilmente alteradas en las fotografías.
Fotógrafos de guerra Los fotógrafos que trabajaron en este género son a veces heridos o asesinados al tratar de tomar imágenes en el campo de batalla. Periodistas y fotógrafos están protegidos por convenciones internacionales, pero la Vista típica del campo en Antietam durante la Guerra Civil Estadounidense. Extraída de la Library of Congress' American Memory collection. historia demuestra de que son a menudo blancos de grupos guerrilleros, a veces para mostrar su odio hacia sus oponentes y otras veces para prevenir ser reconocidos a través de las fotografías. La fotografía de guerra se ha convertido en una actividad aún más peligrosa con el estilo terrorista de conflictos armados debido a que algunos terroristas también toman a periodistas y fotógrafos como sus blancos. En la Segunda Guerra del Golfo, por ejemplo, muchos fotógrafos fueron capturados y ejecutados por terroristas; insurgentes armados también les disparaban. El primer fotoperiodista de guerra reconocido fue Robert Capa. Destaca especialmente su trabajo sobre la guerra civil española y por las únicas imágenes existentes sobre el desembarco de Normandía, en la playa de Omaha. Algunos de los carretes expuestos por Capa en aquella batalla decisiva de la II Guerra Mundial, fueron velados en el laboratorio perdiéndose así imágenes de incalculable valor. James Nachtwey es en la actualidad uno de los más importantes. Con decenas de conflictos a sus espaldas tiene una forma de expresar en imágenes el horror con un alto sentido estético sumado a un fuerte impacto visual que hace reflexionar al espectador. Al fin y al cabo esa es la auténtica tarea de un reportero de guerra, pero tan sólo un pequeño porcentaje lo consigue. Santiago Lyon, el director de fotografía de la Agencia Associated Press con base en Nueva York, fue durante años también una destacado fotógrafo de guerra llegando incluso a ser galardonado con el prestigioso World Press Photo. Destacan especialmente las series realizadas en Albania y Kósovo durante el conflicto en los Balcanes y la series sobre Afganistán durante la ocupación de los Talibán. Pese a su juventud, en la actualidad se encuentra retirado haciendo un trabajo de despacho, coordinando todas las oficinas de AP diseminadas por el planeta.
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Fotografía de guerra
Véase también • Periodismo fotográfico • Robert Capa • James Nachtwey
Enlaces externos • (en inglés) Giles Penfound British Army Photographer : Catagory Iraq War [1] • (en inglés) War photography [2] • (en inglés) PBS on war photography [3]
Referencias [1] http:/ / www.gilespenfound-gallery.co.uk [2] http:/ / www.warphotoltd.com [3] http:/ / www.pbs.org/ ktca/ americanphotography/ features/ war.html
Fotografía de naturaleza La fotografía de naturaleza es un amplio tema fotográfico que trata de enmarcar en el papel la grandiosidad de los paisajes, la fauna, la flora y los pequeños detalles. La fotografía de la naturaleza tiende a centrar su atención en la captación de aspectos estéticos, muy por encima de otros tipos de fotografía.
Fotografía de paisajes Se trata de un tipo de fotografía de naturaleza en la que se captan grandes escenarios de la naturaleza. Suelen utilizarse objetivos de gran angular y aperturas muy reducidas para poder trabajar a la mayor profundidad de campo posible.
Fotografía del mundo salvaje Las técnicas utilizadas en la fotografía del mundo salvaje difieren a las utilizadas en fotografía de paisajes. Suelen utilizarse altas velocidades de obturación para poder capturar el movimiento. Para conseguir un nivel adecuado de exposición se utilizan objetivos claros y de elevado angular. Los grandes fotógrafos de vida salvaje suelen ir equipados con objetivos de potente zoom para poder trabajar a distancia y evitar ser vistos.
Fotografía macro
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Fotografía de naturaleza
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Se trata de un tipo de fotografías de naturaleza que se toma a distancias muy cortas y en las que se buscan los pequeños detalles de la naturaleza. • Fotografía de aproximación: Pequeños teleobjetivos (hongos, mariposas, plantas…). • Micro fotografía: Fotos realizadas a través de un microscopio (protozoos, algas…..). • Caza fotográfica: Grandes teleobjetivos, Hide y camuflaje (mamíferos, aves, reptiles…). • Fotografía submarina: Cámaras estancas, equipos de inmersión (peces, algas, corales, moluscos..). • Astronomía: Fotografías a través de telescopio(Luna, Sol, estrellas, nebulosas…).
Enlaces externos • • • • • • •
FNA Fotografia de Naturaleza Argentina [1] Nature's Best Photography Magazine [2] 11 Consejos Fundamentales para Hacer Fotografías de Paisajes [3] Los 8 Consejos Clave para Fotografiar Insectos [4] Fotografia de naturaleza, Fauna y Flora [5] Urban wildlife, photos [6] Fotógrafo de naturaleza y paisaje de Canarias [7]
Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6] [7]
http:/ / www.fnaweb.org/ http:/ / www.naturesbestmagazine.com/ http:/ / www.dzoom.org.es/ noticia-1646.html http:/ / www.dzoom.org.es/ noticia-1685.html http:/ / estudiodefotografia-fotografoprofesional.es/ naturaleza-flora-fauna/ gmx-niv49.htm http:/ / www.urbanwildness.com http:/ / www.rinconesdecanarias.com/
Macrofotografía.
Fotografía de paisaje
Fotografía de paisaje Este artículo o sección sobre arte necesita ser wikificado con un formato acorde a las convenciones de estilo. Por favor, para que las cumpla. Mientras tanto, no elimines este aviso puesto el 25 de May de 2008. También puedes ayudar wikificando otros artículos. Atención: Por ahora no estamos clasificando los artículos para wikificar por arte. Por favor, elige una categoría de artículos por wikificar de esta lista.
El paisaje ha sido uno de los motores de la evolución de la Historia de la fotografía. No podemos olvidar que la mirada fotográfica más antigua de la que tenemos conocimiento resulta ser un paisaje rural que Nicéphore Niepce nos legó en su Punto de vista desde la ventana de Gras, 1826. Vista urbana o vista natural nuestros pioneros documentaron el desarrollo social de nuestras comunidades partiendo de aquellos paisajes muertos, donde nadie parecía habitar, daba cuenta de las limitaciones técnicas de la época. A estas propuestas fotográficas siguieron otras donde los polos del realismo y del idealismo, una y otra vez alternaron su influencia. Ello nos llevó hasta un paisaje tamizado a través de las experiencias formales de las vanguardias o de las demostraciones de dominio del medio de Ansel Adams. La visión moderna del espacio encuentra sus precedentes en la Historia de la fotografía, pero sobre todo en el cambio a la postmodernidad ofrecido por las aportaciones de William Eggleston, especialmente con su uso del color y su preocupación por trasladar la atención fotográfica a ese ningún-lugar-en-particular del que tanto han bebido las diversas hornadas de los artistas europeos de la Nueva Topografía, durante los años 1980 y 1990.
La fotografía de paisaje en sus inicios Tras los primeros avances científicos en el campo de la técnica fotográfica se desarrolla ampliamente este género fotográfico motivado por diferentes aspectos como sus valores memorísticos, por la curiosidad científica, por afanes puramente comerciales o por cuestiones relacionadas con la creatividad. Dada cuenta que los tiempos de exposición necesarios eran muy amplios los paisajes urbanos o rurales son fotografiados cuando no hay nada en movimiento a fin de evitar que salieran borrosos. A esto se debe esa impresión de espacios muertos que podemos observar en las primeras fotografías de paisaje. Meses después de que la fotografía se presentase públicamente un óptico llamado Lerebours envió a un equipo de fotógrafos por todo el mundo a fin de captar imágenes con destino a su comercialización posterior en la colección "Excursiones daguerrianas". Otra iniciativa similar pero de carácter más científico fue la del Barón Jean Baptise Louis Gros quien, diplomático de profesión, se dedicó a tomar imágenes de los lugares donde estuvo destinado. Los fotógrafos aficionados sacan vistas de sus ciudades, jardines, bosques, etc., lo que permite la documentación de los diferentes paisajes del mundo. De esta forma podemos comprobar que la fotografía se convierte en la gran aliada de diversas disciplinas artísticas como la arqueología, al documentar los prinicipales monumentos o entornos, la etnografía, antropología, biología, etc. Íntimamente ligada a la fotografía de paisaje se desarrolla en esta época la fotografía de viajes. Junto a las imágenes de paisajes de los pioneros de la fotografía, Niepce, Daguerre, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot, en este campo desarrollaron sus trabajos en los inicios de la fotografía, autores como Frederick Catherwood, Désiré Charnay, Théodore Tiffereau, Carl Ferdinand Stelzner, Joseph Philibert Girault de Prangey, los hermanos Langenhein, Friedrich von Martens, Gustave Le Gray, Nadar -con sus fotografías aéreas-, Louis Auguste y Auguste Rosalie Bisson, Adolphe Braun, Francis Frith, Timothy O`Sullivan, Carleton Watkins, Henry Jackson, Philip Henry Delamotte, John Thompson, Robert Mac Pherson o James Anderson.
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Fotografía glamour
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Fotografía glamour La fotografía glamour es un tipo de fotografía en el que se intenta combinar el erotismo y la elegancia. Los fotógrafos usan una combinación de cosméticos, iluminación y maquillaje con la finalidad de producir la imagen lo más físicamente atractiva de la modelo [1] [2] .
Magazines y estrella de cine Las normas de fotografía glamour han cambiado con el tiempo, reflejando los cambios de la aceptación social. En los años 1920, los fotógrafos de Estados Unidos -como Ruth Harriet Louise y Jorge Hurrell- fueron famosos por este tipo de fotografía y por su destreza utilizando técnicas de iluminación para desarrollar efectos dramáticos. Durante la Segunda Guerra Mundial, las fotografías tipo pin-up fueron muy populares entre los militares estadounidenses. Sin embargo, hasta los años 1950, el empleo de fotografías glamour en la publicidad o revistas masculinas era algo sumamente polémico e incluso ilegal. [3] Las revistas que destacan la fotografía glamour eran a veces catalogadas como " revistas de arte" o "magazines de salud ".
Retratos populares La fotografía glamour, desde los años 1990, ha aumentado su Desnudo artístico. popularidad entre el público. Los estudios fotográficos de glamour abrieron, ofreciendo peluqueros, maquilladores y retocadores profesionales para permitir al público tener la experiencia como "modelo". Éstos a veces incluyen retratos de "tocador", pero comúnmente son más usados por profesionales y los directores de instituto como quieren su mejor look en sus retratos.
Revistas La revista Playboy contribuyó decisivamente al cambio del mundo de la fotografía glamour como la primera revista que enfocó a modelos desnudos y tuvo como objetivo al consumidor general. En diciembre de 1953, Hugh Hefner publicó la primera edición de Playboy con Marilyn Monroe en la portada y sus fotos desnudas en las páginas interiores. El estatus de estrella de Monroe y su personalidad encantadora ayudó a disminuir la protesta pública. Cuando se le preguntó a ella qué tenía puesto durante la sesión de fotos, ella contestó: " La radio". Después de Playboy, muchas revistas siguieron su camino. Esto contribuyó decisivamente a la apertura del mercado para la introducción de la fotografía de glamour en la sociedad moderna. Hoy, fotografías softcore de modelos desnudas aparecen en publicaciones como [4] Perfeccionan 10 ó el tabloide británico The Sun . Handbra (técnica de cubrir los pechos con las manos).
Fotografía glamour
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Referencias [1] Thomas," Mike " Glamour shots take writer from bland to Bond (http:/ / proquest.umi.com/ pqdweb?did=517981631&sid=1&Fmt=3& clientId=53018&RQT=309&VName=PQD)" Toronto Star, Sec. B. pg. J.3, May 12, 1994 (as cited by ProQuest) [2] Peterson," Maggie Wolff " The glamour side of photography (http:/ / proquest.umi.com/ pqdweb?did=6019403&sid=1&Fmt=3& clientId=53018&RQT=309&VName=PQD)" North Valley Business Journal, Vol.5, Issue. 11; Sec. 1. pg. 1, September 1994. (as cited by ProQuest) [3] Mick" LaSalle " Lights Up on Hollywood's Hurrell / Special focuses on the inventor of the glamour-shot style (http:/ / proquest.umi.com/ pqdweb?index=43&did=18027615&SrchMode=1&sid=1&Fmt=3&VInst=PROD&VType=PQD&RQT=309&VName=PQD& TS=1183019649&clientId=53018)" San Francisco Chronicle, January 16, 1995 [4] « Nuts sexiest pictures (http:/ / www.nuts.co.uk/ covergirls/ issue-49-nuts-sexiest-pictures/ 123)». Nuts (magazine). Consultado el 2007-04-26.
Véase también • • • • •
Desnudo Erotismo Glamour Fotografía artística Calendario Pirelli
Fotografía publicitaria Existen desacuerdos sobre la neutralidad en el punto de vista de la versión actual de este artículo o sección. En la página de discusión puedes consultar el debate al respecto.
Fotografía Tecnología y técnica
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La cámara fotográfica Fotografía química Fotografía digital Composición fotográfica Iluminación en fotografía Fotografía en blanco y negro Fotografía en color Revelado de la fotografía en blanco y negro Revelado de la fotografía en color Acutancia Conversión a blanco y negro de fotografías digitales
Aplicaciones científicas
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fotografía ultrarrápida y estroboscópica la fotografía estereoscópica fotografía infrarroja y ultravioleta fotografía aérea y orbital microfilm fotografía astronómica.
Fotografía publicitaria
102 Conceptos y principios
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Diafragma Efecto de ojos rojos Profundidad de campo Regla de los tercios Tiempo de exposición Velocidad de obturación
Géneros fotográficos
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Fotografía artística Periodismo fotográfico Fotografía de naturaleza Fotografía de modas Fotografía de paisaje El retrato fotográfico Fotografía de difuntos El pictorialismo El realismo en fotografía Fotografía academicista Fotografía de guerra Fotografía documental Fotografía publicitaria
El Día Internacional de la fotografía se celebra el 19 de agosto.
En la fotografía publicitaria, se utiliza una amplia gama de técnicas especiales con el fin de que las imágenes sean atractivas para el consumidor, y así ser un elemento de mayor influencia sobre el vidente. Generalmente la fotografía publicitaria es presentada en forma que provoque o promueva una decisión. La fotografía sirve como inspiración e influye en las ideas políticas y sociales de la gente. Por ellos alrededor de 1920 se empezó a utilizar como un componente más de la publicidad. La creación publicitaria se vio apoyada por nuevos software y entró con fuerza la post producción, de hecho antiguamente las fotos "publicitarias" eran las llamadas de " arte final", ya que eran realizadas de una vez o retocadas con aerógrafo sobre la emulsión, trabajo de por sí para expertos. La fotografía también sigue las nuevas tendencias que impone la moda y el cine, el uso de lentes o tendencias de "color". Con la llegada de las cámaras digitales, se empieza a perder lo que en esencia es la foto profesional (formato medio, cámara técnica) tomas realizadas con película tradicional (negativo, diapositiva), aunque los grandes fotógrafos siempre usan formatos grandes, por la calidad final y si además son digitalizadas en scaner de alta resolución, los resultados son fabulosos.
Fotografía subacuática
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Fotografía subacuática La fotografía subacuática es la especialidad fotográfica desarrollada para poder realizar fotografías en inmersión. La fotografía subacuática es una modalidad muy practicada en el buceo deportivo. Se incluso una especialidad competitiva de la Federación Española de Actividades Subacuáticas (FEDAS), así como de organizaciones internacionales de buceo como la Confederación Mundial de Actividades Subacuáticas (CMAS). En España, la FEDAS puso en marcha en 1999 un plan de enseñanza de la Fotografía subacuática con la formación en primer lugar de más de cuarenta instructores, repartidos por toda la geografía española. Estos instructores a su vez, junto a un equipo de personas pertenecientes al comité de imagen de FEDAS, han contribuido al desarrollo y creación de los diferentes niveles de enseñanza. [1] Además, la fotografía subacuática en apnea se ha planteado por la FEDAS y otras organizaciones inetrnacionales de buceo deportivo como una alternativa competiva y medioambientalmente sostenible a la tradicional pesca subacuática.
Macrofotografia subacuática de un pez payaso rosa protegiéndose entre los tentáculos de una anémona.
Pero más allá de su valor estético la fotografía subacuática es la mejor o incluso la única opción que tienen los científicos de documentar algunos de sus descubrimientos en ese medio. Se trata, pues, de una especialidad fotográfica muy utilizada por diferentes ciencias entre las que cabe mencionar: arqueología subacuática, biología marina o de aguas continentales, ecología u oceanografía.
Peculiaridades técnicas Tres son las dificultades fotográficas que plantea el medio subacuático a los fotografos: [2] -la alta presión del medio que hace que los equipos fotograficos deban ser no sólo estancos sino resistentes a la presión, o bien protegidos en el interior de cajas estancas especiales. Así, para la obtención de esas imágenes se precisan unas cámaras fotográficas que deberán tener unas características especiales, o bien, a las cámaras fotográficas convencionales, habrá que protegerlas en unas “cajas” especiales que nos permitan manejarlas sin que se mojen. -la falta de luz del entorno subacuático conforme aumenta la profundidad y el efecto de filtrado selectivo de los colores al descender en la columna de agua, lo que hace que habitualmente se deban emplear sofisticados equipos de flash para restaurar la coloración original de los sujetos fotografiados;
Disminución de la intensidad luminosa por efecto del aumento de profundidad.
-la difracción del agua que hace que los objetivos fotograficos aumenten su longitud focal con respecto a la que tienen en la fotografía subaerea.
Fotografía subacuática
Historia Siguiendo un orden cronológico, las primeras cámaras fotográficas para uso subacuático, y comercializadas para la venta, aparecieron hacia el año 1960. Se trataba de una pequeña cámara, que tenía como nombre Calypsophot y en cuyo desarrollo y comercialización tuvo una participación imprescindible un hombre cuya vida ha estado siempre relacionada con el mundo submarino, Jacques Yves Cousteau. Era una cámara anfibia de construcción muy resistente, resistente a la inmersión en agua hasta 40 m, de visor independiente no réflex y que producía error de paralaje (i.e.,no se ve exactamente lo que se fotografía). Esto se conseguía gracias a unas juntas tóricas de estanqueidad, que impedían la penetración del agua por las zonas móviles y articuladas del cuerpo de la cámara y de los objetivos. Estas cámaras se mantuvieron a la venta, con distintas versiones modernizadas y bajo el nombre de serie “Nikonos” -que abarcó desde la serie I hasta la V- hasta el año 2002, en que dejó de fabricarse el último modelo de la saga, la Nikonos V. [2] Aún actualmente se pueden encontrar estas cámaras en el mercado de segunda mano. Aunque la Nikonos ha sido el emblema de las cámaras anfibias, no ha sido la única, y otras empresas también han fabricado cámaras de este tipo, como la Motormarine de SEA & SEA, Canon, Minolta entre otras. Con la aparición de la cámara réflex, se optó por una nueva solución. Construir cajas estancas (mediante juntas tóricas de estanqueidad) para introducir en ellas algunos modelos de cámaras réflex y poner en la superficie de la caja unos mandos que la atravesasen y nos permitiesen accionar los de la propia cámara fotográfica. [2] Con esto se conseguían importantes avances en la realización de las fotografías, ya que además de la visión réflex (a través del propio objetivo de la cámara), se podían usar todos los automatismos que poseen estas cámaras y de los que carecían las cámaras anfibias. Esta es la forma en que se han venido realizando la mayoría de las fotografías subacuáticas, y aún se siguen haciendo actualmente, que se pueden ver publicadas en las revistas especializadas en temas submarinos. Sin embargo, en los últimos años, la popularización de la fotografía digital y el submarinismo ha propiciado la aparición de una enorme cantidad de cámaras fotográficas digitales de formato compacto, para muchas de las cuales se vende como accesorio una pequeña caja estanca que permite su uso bajo el agua hasta las profundidades en que se suele practicar el buceo deportivo. La popularización de este sistema fotográfico nadie la pone en duda, debido en gran parte a las ventajas que presenta sobre la fotografía analógica. Entre ellas cabe citar: - la capacidad de tarjeta de memoria frente a los 36 fotogramas, - la visualización inmediata de la fotofgrafía realizada en la pantalla TFT que poseen estas cámaras, - su mejor respuestas en condiciones fotográficas de baja luminosidad, algo habitual bajo el agua, lo que permite realizar fotografías sin flash o "de ambiente".
Motivos fotográficos En general, bajo el agua vamos a hacer tres tipos principales de fotografías: [2] - Fotografía de ambiente, en la que se intenta reflejar el aspecto general que ofrecen los distintos tipos de fondos marinos (e.g.,arrecifes coralinos, barcos hundidos, restos de construcciones humanas, praderas de algas, fondos arenosos). En este tipo de fotografía, se suele colocar una figura humana, para que ofrezca una idea de las proporciones de los distintos elementos que se pueden ver en la fotografía. - Fotografía de fauna, principalmente peces, aunque no exclusivamente, ya que en este tipo se pueden incluir desde multitud de especies de invertebrados hasta los grandes mamíferos marinos, reptiles como las tortugas y serpientes de mar o aves como los pingüinos, gaviotas, cormoranes,... - Macrofotografía o fotografía de los pequeños animales que viven en el agua, o detalles de estos o de la vegetación marina es lo que se denomina fotografía de aproximación. Este es uno de los tipos más agradecidos de fotografía subacuática, ya que aún en malas condiciones fotográficas, con agua turbia, suele ser posible hacer estas fotografías, debido a que la distancia existente entre el objetivo de nuestra cámara y el objeto fotografiado es mínima, con lo que
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Fotografía subacuática
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la turbidez del agua, si no es extrema, no es un impedimento insalvable.
Referencias [1] http:/ / www.fedas.es/ comite_imagen.htm [2] CRUZ, J. M. y PARDO, A. (2004): El ojo de las profundidades. Heraldo de Aragón (23/08/2004), Planeta 21 nº 21, pp.4-5.
Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Fotografía subacuática.Commons • ZCO-1999. « Fotografía subacuática: el ojo de las profundidades (http:/ / zco1999.wordpress.com/ 2010/ 05/ 23/ fotografia-subacuatica-el-ojo-de-las-profundidades/ )». Consultado el 23 de mayoo de 2010.
Fotografía tradicional Se ha sugerido que este artículo o sección sea fusionado con fotografía química (ver la discusión al respecto). Una vez que hayas realizado la fusión de artículos, pide la fusión de historiales en WP:TAB/F.
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La fotografía tradicional, por oposición a la fotografía digital, es aquella que utiliza técnicas no-digitales para producir imágenes. Adicionalmente, este término sirve para separar la fotografía que utiliza rollos de película, sustancias químicas y cuartos oscuros, de la fotografía que usa técnicas correspondientes al siglo XIX y primera mitad del XX que se puede identificar como fotografía alternativa. La fotografía tradicional, también llamada fotografía química, pretende utilizar película fotográfica, procesos químicos estandarizados para revelar la película y papel sensible a la luz, especialmente preparado para mostrar la imagen.
Máquinas y herramientas de la fotografía tradicional.
La fotografía tradicional ha formado un importante cuerpo de conocimiento que incluye el correcto manejo de grados de sensibilidad de películas y papeles, el manejo de gran variedad de lentes, filtros y fuentes de luz, y la habilidad o cuidado de temperaturas, concentraciones y tiempos de uso con líquidos reveladores y fijadores. De todo esto existen tablas, fórmulas y recetas con números, volúmenes, temperaturas, tiempos y escalas.
Fotografía tradicional
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Conseguir una imagen correcta con película A una película dada, de una determinada sensibilidad (100, 200, 400 ISO), le corresponde un cierta cantidad de luz para conseguir la exposición correcta. Esta cantidad es lo que se llama EV (del inglés, Exposure Value). Cuanto mayor es la sensibilidad, menor cantidad de luz necesita. Así, por ejemplo, con películas de 6.400 ISO, forzándolas a 60.000 ISO permiten fotografiar a una persona negra dentro de un saco en el interior de un túnel mal iluminado. Mientras que películas de 25 ISO permiten sacar fotos de la superficie del sol sin quemar por ello la película. Para conseguir la correcta EV, las cámaras de fotos constan de diafragma y obturador. Por hacer una analogía entre el ojo y una cámara de fotos: • Diafragma: es el iris del ojo. Abriéndose más o menos, conseguimos que entre una determinada cantidad de luz. • Obturador: es el párpado del ojo. Teniéndolo más o menos tiempo abierto, obtenemos una mayor o menor incidencia de la luz en la película. • Objetivo: es el cristalino. Se encarga de enfocar la vista, de forma que los objetos salgan nítidos en la película • Película: es la retina. Donde se forman las imágenes que quedan en forma latente hasta que se revela la película. Mediante un exposimetro se mide la EV necesaria para esa película. Pongamos por caso que da una velocidad de 1/500 y diafragma 4. Ese EV es equivalente a subir la velocidad y bajar el diafragma, ó bajar la velocidad y subir el diafragma. La velocidad suele ser expresada en 1/s; y el diafragma en "f" o fracciones de diámetro. Velocidad Diafragma 1/500
4
1/250
5'6
1/1000
2'8
Todos estos valores son el mismo EV para una determinada cantidad de luz. Por lo tanto, podemos elegir cualquier combinación de estas para obtener una exposición correcta. Dependiendo de lo que queramos obtener. Si queremos que el campo nitido sea mayor, pondremos un diafragma más grande (5'6 f da mayor profundidad de campo nitido que 2'8) o si queremos paralizar el momento, pondremos una velocidad más alta (1/1000 de s paraliza la imagen más que 1/250 de s) Hemos hablado por encima de "forzar" la película. Forzar la película es un procedimiento por el cual, usamos una película de sensibilidad determinada a una sensibilidad muy superior. Para ello ponemos de sensibilidad en la cámara la sensibilidad que queremos usar, y disparamos la cámara tranquilamente. A la hora de revelar, habrá que compensar esta sensibilidad aumentando la temperatura del revelador. Para ello, tendremos que ser nosotros mismos los que revelemos los carretes, ya que en las tiendas de revelado, todo el proceso va mecanizado y no se forzará la película.
Fotomosaico
Fotomosaico En el campo de las imágenes y la fotografía, un fotomosaico es una imagen usualmente una fotografía que ha sido dividida en secciones rectangulares (usualmente del mismo tamaño), tal como es compuesto un mosaico tradicional, con la característica de que cada elemento del mosaico es reemplazado por otra fotografía con colores promedios apropiados al elemento de la imagen original. Cuando es vista en detalle, los píxeles individuales se ven como la imagen principal, sin embargo al verla como un todo, es posible apreciar que la imagen está compuesta por cientos de miles de imágenes. Los fotomosaicos son un tipo de montaje típicamente realizados con programas computacionales.
Historia Relacionado con la Micrografía, arte manual del siglo IX, el cual utiliza letras y símbolos para crear imágenes más grandes. Leon Harmon de los Laboratorios Bell creó imágenes a partir de símbolos y letras en 1972, lo cual llevó a la popularidad del arte ASCII en los años 1970 y 1980. Robert Silvers: Demostrando un gran ingenio y brincando la brecha entre el arte y ciencia, Robert Silvers es el pionero de los fotomosaicos a nivel mundial, los cuales retratan ideas que abarcan en si historias familiares y forman parte de la cultura contemporánea; ha realizado diversas clases de retratos de personalidades conocidas, monedas del mundo o ejecuciones fascinantes de pinturas clasicas convertidas en obras maestras. Silvers invento su arte mientras todavía era un estudiante en el MIT (1995). Sus obras intrincadas brindan una perspectiva óptica única y han ganado en el mundo gran aceptacion y aclamación, a creado grandes obras que ya forman parte de famosas colecciones como lo son: Courtage de Axa, Coca Cola, CNN, Disney, Fortune Magazine, IBM, Lucasfilm Ltd.., MasterCard International, National Geographic, y Newsweek. Uno de sus últimos proyectos fue en el 2007 con la muestra retrospectiva en Washington , D.C. en la Biblioteca del Congreso. Asi mismo ha realizado diversas exposiciones en diversos paises del mundo.
Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Fotomosaico. Commons • Robert Silvers, Pionero del Fotomosaico [1]
Referencias [1] http:/ / www.photomosaic.com/
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Heliografía
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Heliografía La heliografía es un procedimiento fotográfico creado por Joseph-Nicéphore Niépce, quien distinguía entre las imágenes que habiendo sido obtenidas con este método suponían reproducciones de grabados ya existentes, llamadas «heliograbados», y las imágenes captadas directamente del natural por la cámara, a las que llamaba «puntos de vista». El procedimiento suponía la utilización de la cámara oscura y el empleo de diferentes materiales como soporte sensibilizado, entre ellos el papel, el cristal o diversos metales como el estaño, el cobre, el peltre, entre otros. Para la obtención de las imágenes se precisaba un tiempo de exposición de la placa a la luz durante ocho horas.
Comparación entre el grabado de 1650 y el heliograbado de 1826 hecho por Niepce.
Según el contrato de asociación suscrito con Daguerre, el día 14 de diciembre de 1829, para el desarrollo y comercialización del invento, el método se encontraba compuesto de los siguientes pasos: « en una piedra, un papel o una placa de metal
—
de cobre plateado, por
ejemplo— se extendía un barniz realizado con betún de Judea disuelto en aceite esencial de lavanda, posteriormente se exponía la placa a la luz en la cámara oscura, para pasar después a bañar la misma en un disolvente compuesto de aceite de lavanda y de aceite de petróleo blanco y, posteriormente, lavarlo con agua templada, pudiéndose
Heliograbado, Constant Puyo, 1899.
entonces apreciar la imagen obtenida».
Este método no resolvió del todo la cuestión de la fijación de las imágenes, motivo por el cual se acababan perdiendo.
Véase también • • • • •
Daguerrotipo Calotipo Dibujos fotogénicos Colodión Húmedo Fotografía
Documentación
Documentación En sentido restringido, la documentación como ciencia documental se podría definir (a grandes rasgos) como la ciencia del procesamiento de la información. Integradora y globalizadora, se trata de una ciencia enriquecedora y generalista, de ámbito multidisciplinar o interdisciplinar. La ciencias de la documentación engloban, según la mayoría de los autores: la biblioteconomía, la archivística, la documentación y la museología. A falta de un consenso, hay diversos autores, como Juan Ros García o José López Yepes, que la consideran una ciencia (documental), a la vez que una disciplina, no sólo una técnica. También pueden considerarse, en sentido general, las ciencias de la documentación y la documentación como sinónimos, si el contexto no perturba la intención del emisor, es decir, si no se distorsiona el mensaje del interlocutor porque no se dé ambigüedad semántica.
Historia Cada ciencia documental tiene una larga historia, pero la más antigua es sin duda la archivística. Según el país, se trata de unos estudios universitarios con titulación superior (existente en dos ciclos antes de la Convergencia Europea, por ejemplo en Japón), con un nombre u otro, pero que también se imparte en centros de enseñanza privados desde hace años. En América Latina, la carrera profesional suele denominarse "Bibliotecología y Ciencias de la Información".
Algoritmo científico Tiene que ver con la gestión del conocimiento, que es como utilizar cualquier clase de información y hacerla productiva o que dé el máximo beneficio, como si se tratara de otro bien económico. Asimismo, tiene que ver con arquitectura de la información o como se construyen los modelos para los soportes: Internet o encuestas, datos numéricos, fotografías, mapas, diarios, artículos de revistas, etc., es decir, un número ilimitado de soportes. También tiene el modelo la connotación de un método científico, mediante un algoritmo, que valida los resultados de búsqueda mediante la utilización de bases de datos relacionales (tablas de datos).
Biblioteconomía En biblioteconomía es la recuperación y presentación clasificada, ordenada y valorada de documentos impresos y de vídeo y audio sobre un tema preciso, que puede ser un artículo o un sistema o un producto o un descriptor. En una obra científica es la bibliografía de un informe final, tanto la que ha sido utilizada como la sugerida de ampliación. En cinematografía, es la recopilación de fuentes escritas o audiovisuales sobre una película (documentación de un tema). En la obra científica o de no ficción formará parte de los créditos de la calidad del trabajo o bibliografía utilizada, y es parte del trabajo desarrollado, donde deberán figurar listas de fuentes; también son técnicas de documentación los glosarios, los índices temáticos y de autores citados, tablas auxiliares, etc. Como funciones de un bibliotecario-documentalista profesional, como autor o como colaborador, el especialista en documentación conoce todas las variantes descritas y utiliza programas de cómputo específicamente desarrollados por programadores y que él mismo puede adaptar a cada tarea, como por ejemplo construir de forma instantánea un índice de materias por el método de palabras utilizadas y sus frecuencias o hacer un análisis de contenido o construir algún tipo de indicador de medida de la información o investigar sobre algoritmos de búsqueda o sobre motores de búsqueda en el ámbito de la informática. El modelo de un sistema de información será con un modelo sistémico aplicado a un sistema complejo. Incluirá la captación de fuentes y su adecuación al problema a documentar; esto será la primordial tarea. El propósito es hacer máxima la cantidad de información captada y mínima la básica utilizable.
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Documentación
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En el proceso de un trabajo sobre cualquier tema se comienza con documentarse sobre lo que se va a trabajar, y la forma más simple es consultar enciclopedias temáticas o bases de datos en Internet, como Wikipedia.org, monografías.com, geocities.com, Dialnet, Diccionario Crítico de Ciencias Sociales, enciclopedia.com, etc. De una forma progresiva se encuentran fuentes nuevas y mucha información precisa.
Véase también • • • • • • •
Bibliotecario Encarta Extracción de la información Información Larousse Metodología en las ciencias sociales Sistema complejo
Lomografía Lomografía es la marca registrada comercial del fabricante Lomographische AG, Austria, para productos y servicios relacionados con la fotografía. Su nombre se inspira en el del fabricante de ópticas LOMO PLC de San Petersburgo, Rusia. LOMO PLC creó y produjo la LOMO LC-A, cámara de 35 mm compacta y automática, que llegó a ser el producto fundamental de las actividades comerciales y de marketing de la marca. Basada en la cámara japonesa Cosina CX-1, la LOMO LC-A fue introducida a principios de los años 80. Cámara LOMO LC-A.
Características de la cámara (LC-A) El modelo que sentó las bases de la lomografía fue la LC-A, que actualmente aún goza de una buena representación en el movimiento. Esta cámara presenta unas características muy particulares (extrapolables a los posteriores modelos) que condicionan ostensiblemente el resultado final de la fotografía. - Lente La lente de que dispone la cámara fue expresamente diseñada por el profesor Radionov. Se trata de una lente de gran angular llamada Minitar 1. Esta lente se caracteriza por imprimir una importante intensificación
Lomografía.
Lomografía de los colores en el objeto fotografiado. Como los colores tienen mayor presencia en el centro de la foto se da un efecto túnel y, además, tenemos otro efecto de oscurecimiento en las esquinas de la imagen, produciendo un efecto parecido a un halo. - Ajuste de exposición La cámara dispone de una palanca que permite ajustar el modo en automático o manual. En el modo automático la exposición se calcula automáticamente al detectar la cantidad de luz presente en el exterior. En condiciones de poca iluminación la exposición puede llegar a ser mayor de un minuto. Con la lomo se pueden conseguir efectos de velocidad o movimiento capturando deliberadamente con mucho movimiento. - Foco El enfoque en esta cámara era muy rudimentario. Disponía tan sólo de 4 modos: 0,8 metros, 1,5 metros, 3 metros e infinito. Esto provoca que muchas fotos salgan desenfocadas pero con un cierto toque artístico.
Características de las fotografías resultantes Las características que hacen especial esta cámara son básicamente tres: • Produce un error de gamma. • Saturación de los colores. • Aparición de viñeteado.
Historia de la lomografía 1982: Nacimiento de la Lomo Kompakt
Los inicios nos sitúan en San Petersburgo, Rusia. El general Igor Petroviwitsch Kornitzky y el camarada Michael Panfilowitsch Panfiloff deciden copiar el diseño de una mini cámara japonesa, una Minox, con el fin de producirla en gran cantidad para distribuirla para todo el pueblo soviético. Panfiloff era el director de una factoría soviética de armamento y óptica LOMO. Debe su nombre a la Unión de Ópticos y Mecánicos de Leningrado (Leningrádskoje Optiko Mechanitschéskoje Objedinénie) Las características particulares de esta cámara fotográfica compacta se encuentran en el objetivo, de una distancia focal de 32 mm, lo que se supone un gran angular medio. El objetivo, proyectado por un ingeniero óptico soviético es copia del Minotar 32, montado sobre la Minox. La particularidad del objetivo consiste sobre todo en su relativa diafragmaluminosidad (f:2,8), que unida a las pequeñas dimensiones de la lente ofrece imágenes características. Así nació la LC-A. Se produjeron y vendieron millones de cámaras. Durante los años 80 esta fue la típica cámara del pueblo soviético, de los vietnamitas, cubanos y habitantes de la República Democrática Alemana. Según el mito, la utilizaban los espías de la KGB para fotografiar planos secretos y armas; y según este mismo mito estas cámaras fueron copiadas de un modelo japonés que tenía la propiedad de fotografiar a oscuras, por lo que era ideal para el espionaje. Mientras que otros afirman que fue inventada por un par de amigos, un ingeniero y un profesor, quienes tuvieron la idea de fabricar una cámara pequeña y simple para entretener a lo soviéticos y que luego fue fabricada en masa por la Unión de Ópticos de Leningrado.
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Lomografía 1991: El descubrimiento
El descubrimiento lo protagonizaron Matthias Fiegl y Wolfgang Stranzinger, unos estudiantes vieneses que aprovechaban las vacaciones para visitar Checoslovaquia (en proceso de democratización). En ese momento la LC-A empezaba su declive. En el mercado ya se encontraban cámaras baratas de origen asiático que le quitaban el mercado. La LC-A sólo se encontraba en cooperativas de viejas escuelas. Los estudiantes vieneses compraron un par como diversión en un mercadillo. Por las calles de Praga fue donde dispararon los primeros carretes, y en raras ocasiones miraban por el visor. Tras revelar los carretes, ya en Viena, empezaron las sorpresas: fotos enfocadas y desenfocadas, luminosas, saturadas y frescas, que transmitían una sensación de excitación explosiva. Entonces ambos estudiantes montaron un negocio con estas cámaras. 1992-93: La Sociedad Lomográfica
Después de este primer contacto, amigos, parientes, conocidos y desconocidos querían poseer una LOMO, por lo que se empezaron a importar del antiguo bloque soviético de forma clandestina. Fiegl y Stranzinger fundaron en Viena la Sociedad Lomográfica (Lomographische Gesellschaft), con el fin de transmitir el mensaje de la lomografía a todo el mundo. 1994-95: Lanzamiento al mundo
La primera exposición lomográfica internacional fue en 1994 en Moscú y Nueva York simultáneamente. Se podían ver miles de fotografías sobre Nueva York en Moscú y viceversa. Por aquellos tiempos se fundó la primera Embajada Lomográfica en Berlín. Esto dio lugar a las lomoembajadas, punto de encuentro donde se realizaban actos lomográficos locales, tours lomográficos... Actualmente hay más de 70 distribuidas por 30 países. También tiene esta fecha el nacimiento de lomo.com [1], central desde donde se coordinaba la comunicación lomográfica. 1996: Recesión
El consorcio ruso había parado la fabricación de la LC-A. Esto obligó a la Sociedad Lomográfica a movilizarse para convencer a los responsables de la fábrica LOMO y a Vladímir Putin, entonces alcalde de San Petersburgo, quien también era fanático de las cámaras LOMO, para volver a retomar la producción de este modelo. 1997: El salto a Internet
A partir de aquí el fenómeno crece a nivel acelerado. Se crea lomography.com [2], nacen lomoembajadas, se realizan encuentros internacionales, se producen nuevos modelos ( Action Sampler, la SuperSampler, la Pop9), campeonatos a nivel mundial, lomoolimpiadas, publicación de libros, tiendas “Lomography Shop” y otros eventos.
1998-99: Nacimiento de la ActionSampler Presentación de la nueva cámara Action Sampler, equipada con cuatro lentes, en la feria Photokina.
2000: Nacimiento de la SuperSampler La Sociedad Lomográfica Internacional presenta la primera cámara desarrollada, diseñada y patentada en exclusiva por un equipo lomográfico, la SuperSampler.
2001: Un año de éxitos La Sociedad Lomográfica publica diversos libros: “Moscow-NewYork 1995”, “Lomo On 1997”, “The Big Lomo 1997”, “Ferrari-Lomoproyecto 98”, ”Guia Lomo Vienna 1999 ”. Colaboración entre Mauritius, famosa empresa alemana de bancos de imágenes, y la Sociedad Lomográfica para la
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Lomografía creación de un banco de imágenes lomográficas. Apertura de la primera tienda lomográfica en Viena, en el Museo de Arte Contemporáneo de Viena. Se celebra el evento lomográfico más ambicioso hasta el momento, los Lomographic Sampling Games, donde participan más de 500 lomógrafos. Consiste en plasmar en 116 imágenes la vida cotidiana y las pasiones de los participantes.
2002: La Pop 9 En junio de este año nace la Pop 9, que consta de nueve lentes. Edición del libro “Just Shoot”, una recopilación de más de 2000 imágenes seleccionadas entre las mejores del ”LomOlympics 2000” y el “Lomographic Sampling Games 2001 ”.
2005: El ocaso En abril de 2005 el consorcio Lomo PLC anunció que las cámaras LC-A se dejarán de producir porque resultaba muy caro fabricarlas.
2006: Lomo LC-A+ En reemplazo de la Lomo LC-A, la cámara Lomo LC-A+ fue lanzada al mercado durante el otoño del 2006. Ésta cámara, a diferencia de la original, es fabricada en China. Contó con la lente original fabricada por LOMO PLC hasta mediados de 2007. Actualmente la cámara y el objetivo son fabricados en China.
Curiosidades • La lomografía ha entrado en el ámbito artístico. La Sociedad Lomográfica expuso un mural gigante con miles de lomografías en la Photokina Alemania 1996. En 1997 se realizó en Madrid el primer Congreso Mundial LOMO. Museos como el Centro Georges Pompidou de París reciben a miles de visitantes para ver exposiciones de estas fotografías. • Personajes famosos han confesado ser lomógrafos como Robert Redford, Moby y Michael Schumacher. • Las cámaras siguen llegando a las tiendas de fotografía, aunque no a precios soviéticos, existiendo nuevas variaciones sobre la original producidas en diferentes países como Rusia o China. La filosofía de la Lomografía se puede condensar en la frase "¡No pienses, dispara!"
Véase también • Fotografía • Historia de la Fotografía
Enlaces externos • • • • • • • • •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Lomografía. Commons LomoSpain [3] Sociedad Lomográfica Internacional [2] (en inglés) Sitio web de la actual compañía LOMO [4] (en inglés) LomoEmbajada Chilena [5] Lomo.mx [6] Efecto LOMO en Photoshop [7] Lomolomo [8] Dutch Lomography Site Guión de la Lomo [9] para GIMP (en inglés)
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Lomografía • • • • • •
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Convierte tu Cámara Digital en una LOMO [10] Tutorial en castellano Lomografía en Qualid [11] [12] Embajada Lomográfica en México. [13] Colectivo Lomográfico en México. Lomoleku (Sitio Lomográfico del País Vasco) [14] Lomografía en Lomography.es [15]
Referencias [1] http:/ / www.lomo.com/ [2] http:/ / www.lomography.com/ [3] http:/ / www.lomospain.com/ lomografia/ index.php [4] http:/ / www.lomo.ru [5] http:/ / www.lomo.cl [6] http:/ / www.lomo.mx [7] http:/ / www.dzoom.org.es/ noticia-1959.html [8] http:/ / www.lomolomo.nl [9] http:/ / registry.gimp.org/ node/ 7870 [10] http:/ / www.dzoom.org.es/ noticia-1413.html [11] http:/ / www.qualid.es/ ?id_pre=65 [12] http:/ / www.lomographymexico.com [13] http:/ / www.lomohouse.org [14] http:/ / www.rder.es [15] http:/ / qualid.es/ ?id_pre=65
Ortofotografía La ortofotografía (del griego Orthós: correcto, exacto) es una presentación fotográfica de una zona de la superficie terrestre, en la que todos los elementos presentan la misma escala, libre de errores y deformaciones, con la misma validez de un plano cartográfico. Una ortofotografía se consigue mediante un conjunto de imágenes aéreas (tomadas desde un avión o satélite) que han sido corregidas digitalmente para representar una proyección ortogonal sin efectos de perspectiva, y en la que por lo tanto es posible realizar mediciones exactas, al contrario que sobre una fotografía aérea simple, que siempre presentará deformaciones causadas por la perspectiva desde la cámara, la altura o la velocidad a la que se mueve la
Ortofoto de la ciudad de Salamanca. Vuelo SIGPAC 2001.
Ortofotografía
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cámara. A este proceso de corrección digital se le llama ortorectificación. Por lo tanto, una ortofotografía (u ortofoto) combina las características de detalle de una fotografía aérea con las propiedades geométricas de un plano. Se emplea esta técnica en cartografía, urbanismo, arquitectura y arqueología entre otras ciencias.
Véase también Existe la creación de Ortofotografrías a partir de otros métodos, como levantamientos fotográficos, refeferencias entre fotos a partir de puntos de concordancia. Esto se hace mediante la calibración de cámara y el uso de software especializado como por ejemplo Photomodeler. • SIGPAC • Aplicaciones científicas de la fotografía • TopoFlight
Enlace externo • Servicio Descarga de Ortofotografías de Andalucía [1]
Referencias [1] http:/ / www. juntadeandalucia.es/ medioambiente/ site/ web/ menuitem.318ffa00719ddb10e849d04650525ea0/ ?vgnextoid=31fa91167e03d110VgnVCM1000001325e50aRCRD&vgnextchannel=3259b19c7acf2010VgnVCM1000001625e50aRCRD& lr=lang_es&vgnExtIsComponentReset=true&lr=lang_es/
Periodismo fotográfico Fotografía
Tecnología y técnica
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La cámara fotográfica Fotografía química Fotografía digital Composición fotográfica Iluminación en fotografía Fotografía en blanco y negro Fotografía en color Revelado de la fotografía en blanco y negro Revelado de la fotografía en color Acutancia Conversión a blanco y negro de fotografías digitales
Periodismo fotográfico
116 Aplicaciones científicas
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fotografía ultrarrápida y estroboscópica la fotografía estereoscópica fotografía infrarroja y ultravioleta fotografía aérea y orbital microfilm fotografía astronómica.
Conceptos y principios
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Diafragma Efecto de ojos rojos Profundidad de campo Regla de los tercios Tiempo de exposición Velocidad de obturación
Géneros fotográficos
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Fotografía artística Periodismo fotográfico Fotografía de naturaleza Fotografía de paisaje El retrato fotográfico Fotografía de difuntos El pictorialismo El realismo en fotografía Fotografía academicista Fotografía de guerra Fotografía documental Fotografía publicitaria
19 de agosto, día internacional de la fotografía
Periodismo fotográfico, periodismo gráfico, fotoperiodismo o reportaje gráfico[1] es un género del periodismo que tiene que ver directamente con la fotografía, el diseño gráfico y el vídeo. Los periodistas que se dedican a este género son conocidos por lo general como reporteros gráficos o fotoperiodistas y en su mayoría son fotógrafos versados en el arte. El desarrollo del periodismo gráfico puede rastrearse desde los mismos inicios del desarrollo de la fotografía y tiene una notable relación con la fotografía artística. La primera vez que un periódico utilizó una fotografía lo hizo en 1880 el Daily Graphic de Nueva York [2] y desde entonces el periodismo ha integrado la imagen como medio objetivo y representativo de un hecho.
Paradójicamente el desarrollo de la fotografía periodística se ha presentado especialmente en los conflictos políticos de los diferentes países o en las confrontaciones bélicas. El papel de los fotoperiodistas ha sido vital para registrar la historia de acontecimientos como la Guerra Civil Española, la Guerra de la Triple Alianza, la Guerra Hispano-Estadounidense, la Guerra de Vietnam y las dos guerras mundiales, entre muchas otras confrontaciones bélicas. Precisamente la denominada edad dorada del fotoperiodismo (1930 - 1950) coincide con la II Guerra Mundial, tiempo en el cual se dio un notable avance tecnológico de la fotografía de guerra. Con el desarrollo de las técnicas de impresión gracias a la invención de la impresora Offset, la fotografía periodística alcanzó mejores niveles de calidad en las publicaciones impresas. Por su parte, la incursión de las nuevas tecnologías como el Internet causó una nueva etapa del periodismo a nivel global con lo que se conoce como periodismo digital el cual afectaría muy especialmente al fotoperiodismo. Grandes acontecimientos que inauguraron el siglo XXI como los atentados del 11 de septiembre de 2001, la invasión de Iraq de 2003 y el Tsunamí del Océano Índico de 2004, entre otros, generaron una notable cantidad de información visual en la que tuvieron que ver las nuevas tecnologías en manos de aficionados, lo que ha llevado a algunos observadores a hablar de "crisis del periodismo" y a otros a señalar el inicio de una nueva era en el oficio de la información.
Periodismo fotográfico
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Precisión El periodismo fotográfico es una forma del periodismo para la adquisición, edición y presentación del material noticioso en los medios de comunicación social, especialmente escritos, digitales y audiovisuales. Este incluye además todo lo que tiene que ver con la imagen que cuenta una historia y en tal caso se refiere también al vídeo y al cine utilizado para fines periodísticos. El periodismo fotográfico se distingue de otras ramas de la fotografía como la documental, la fotografía callejera y la de estudio utilizada por ejemplo para el modelaje. El fotoperiodismo incluye todas las áreas de interés de la actualidad informativa como el periodismo Desembarco de la primera divisón de las tropas de guerra,[3] el periodismo deportivo, el seguimiento del mundo estadounidenses en la mañana del 6 de junio de 1944 del espectáculo, la política, los problemas sociales y todo aquello en la playa Omaha, Normandía durante la II Guerra en donde sea posible la creación de una imagen. De igual manera Mundial. el fotoperiodismo repasa los géneros de la profesión informativa como la entrevista, la crónica, el reportaje y el documental en todas sus facetas. Se divide además en fotonoticia, fotoreportaje, gran reportaje fotográfico, ensayo fotoperiodístico, retrato fotoperiodístico y columna fotoperiodística.[4] Las características esenciales para conocer que una fotografía pertenece al género periodístico son las siguientes: • Actualidad: la imagen debe estar dentro del contexto de un hecho reciente y noticioso y debe ser suficientemente ilustrativa del mismo • Objetividad: la situación representada en la fotografía es una imagen confiable y cuidadosa que representa los eventos que indica tanto en contenido como en tono • Narrativa: la imagen debe combinarse con otros elementos noticiosos que la haga suficientemente comprensible para los espectadores, lectores o televidentes de todos los niveles culturales • Estética: la imagen debe conservar el rigor de la estética fotográfica (luz, encuadre, relación fondo y forma, perspectiva, manejo de sombras, etc.) La fotografía debe además cumplir con todos los rigores de la ética periodística en cuanto a veracidad, precisión y objetividad.[5] [6] Como en la redacción de la noticia, el periodista fotográfico es un reportero y su oficio suele ser por lo general riesgoso y obstaculizado por múltiples factores. [7]
Historia Inicios La práctica de ilustrar historias noticiosas con fotografías fue posible gracias al desarrollo de la imprenta [8] y a las innovaciones de la fotografía que ocurrieron entre 1880 y 1897. Mientras eventos relevantes fueron fotografiados ya desde los años 50 del siglo XIX,[9] la imprenta pudo hacerlos públicos en un medio escrito sólo hasta los años 80 de ese siglo. Las fotos más primitivas eran daguerrotipos que tenían que ser reelaborados para ser impresos.
Un daguerrotipo anónimo de la ciudad de San Francisco que corresponde al año 1851.
Si bien los daguerrotipos se expandieron bien pronto en Europa, Canadá, Estados Unidos y Latinoamérica tan temprano como 1838, se considera que los pioneros de la fotografía periodística se presentaron en la Guerra de
Periodismo fotográfico Crimea (1853 - 1856) por parte de reporteros británicos como William Simpson del Illustrated London News y Roger Fenton cuyas obras fueron publicadas en grabados. De la misma manera, la Guerra de Secesión de los Estados Unidos tuvo periodistas gráficos como Mathew Brady que publicó sus obras en el Harper's Weekly. Debido a que los lectores clamaban por representaciones más realistas, fue necesario que dichas primeras fotografías fueran exhibidas en galerías de arte o copiadas fotográficamente en números limitados. Los principales eventos mundiales de la segunda mitad del siglo XIX, especialmente aquellos que tuvieron que ver con confrontamientos armados, eventos políticos y personajes históricos, quedaron bien documentados en material fotográfico de la época. El 4 de marzo de 1880 el Daily Graphic de Nueva York hizo la primera publicación de noticias en fotografía real de la historia. Innovaciones posteriores siguieron a esta y en 1887 se inventó el flash, lo que permitió que los periodistas pudieran hacer tomas en exteriores y en condiciones pobres de luz. El primer documental fotográfico de la historia fue el del emigrante danés en Estados Unidos Jacob Riis quien lideró el reportaje de lo que llamó " Cómo [10] Para vive la otra mitad " ( How the Other Half Lives, 1888). 1897 fue posible hacer publicaciones de fotografías impresas en imprentas sin mayores dificultades. A pesar de las innovaciones, los límites persistieron y muchos de los periódicos sensacionalistas y revistas de historias fueron ilustradas con fotografía grabadas entre los años 1897 y 1927. En 1921 la wirephoto o telefoto permitió transmitir imágenes por teléfono tan rápido como noticias, aunque ya se había hecho "Cómo vive la otra mitad ", un clásico de la fotografía telegráficamente desde la Exposición Universal de Londres de periodística de Jacob Riis. 1851 y comercialmente desde 1863 ( véase fax). Sin embargo, no fue hasta el desarrollo de la cámara comercial Leica de 35mm en 1925 y el primer foco de flash entre 1927 y 1930 que se llegó la edad dorada del periodismo gráfico.
Edad dorada El siglo XX significó un gran desarrollo del fotoperiodismo, [11] pero es conocida como la edad dorada del mismo al periodo comprendido entre 1930 y 1950 debido a avances muy significativos para la fotografía y una mayor amplitud en el oficio periodístico. Paradójicamente el desarrollo del fotoperiodismo se da muy especialmente entre las dos guerras mundiales en donde los periodistas y sus instrumentos de información se ponen a máxima prueba. Muchos de ellos incluso participaron como combatientes en dichas guerras. Algunas revistas como la Picture Post de Londres, la Paris Match de Francia, la Arbeiter-Illustrierte-Zeitung de Berlín, la Life Magazine y la Sports Illustrated de EE.UU, así como los periódicos The Daily Mirror de Inglaterra, el New York Times y otros, obtuvieron una gran lecturabilidad y reputación gracias al uso de amplio material fotográfico de la mano de célebres reporteros gráficos como Robert Capa, Alfred Eisenstaedt, Erich Salomon, Margaret Bourke-White y W. Eugene Smith. En particular Henri Cartier-Bresson es generalmente considerado el padre del periodismo fotográfico. Las tomas de acciones congeladas en el tiempo son célebres, como la de un hombre que salta y que fue considerada una de las más expléndidas tomas del siglo XX. Su cámara Leica (introducida en 1925), es considerada versátil, la que le permitió capturar momentos decisivos en el tiempo justo. Esta cámara fue también la que utilizó otra gran figura del periodismo gráfico del siglo XX: Robert Capa.
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Periodismo fotográfico
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El soldado Tony Vaccaro es también reconocido como uno de los más prominentes fotógrafos de la II Guerra Mundial. Sus imágenes, tomadas con una sencilla cámara Argus C3, capturaron los horrorosos momentos de la guerra como la muerte en batalla del soldado Capa, quien estuvo también en el desembarco de la playa de Omaha en el Día D y quien también dejó importantes tomas de ese momento decisivo de la II Guerra Mundial. Vaccaro también es conocido por haber desarrollado sus propias imágenes en cascos de soldados y utilizar químicos que encontró en las ruinas de un laboratorio fotográfico en 1944. Hasta la década de los 80 del siglo XX la mayoría de las publicaciones utilizaban la tecnología de imprenta basada en una baja calidad de papel periódico, base de tinta y superficie rugosa. Mientras las letras resultaban de En " Madre emigrante" la periodista alta definición y legibilidad, los grabados eran formados por puntos Dorothea Lange reprodujo la imagen de fotográficos que en muchas ocasiones distorsionaban la imagen y producían lo que significó la gran depresión. efectos secundarios. De este modo, aunque la publicación utilizaba bien la fotografía - un tamaño respetable, bien enmarcada -, reproducciones opacas obligaban al lector a poner cuidadosa atención en la fotografía para entender su significado. El Wall Street Journal adoptó puntos de alta resolución en 1979 para publicar retratos y evitar las limitaciones de la impresión de letras. Sólo hasta los 80 la mayoría de los periódicos cambiaron a las impresoras offset que reproducen fotos con una alta fidelidad en papel blanco. Por su parte, la revista Life de los EE.UU, uno de los semanarios más populares desde 1936 y a través de la década de los 70 en cuanto a fotografía se refiere, comenzó a reproducir las mejores fotografías en tamaños 11 veces más grandes, páginas de 35,16 cm de dimensión, alta cualidad de tinta y papeles suaves. Life publica con frecuencia las mejores fotos de UPI o de la AP que se publiquen con anterioridad en otros medios, pero que al ser presentada por la revista estadounidense aparecen como versiones completamente diferente gracias a la cuidadosa atención que la revista le da.
La invención de la impresora Offset permitió una mejor cualidad de la imagen en el tipo de papel de los medios impresos.
Periodismo fotográfico
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Aceptación por el mundo del arte La fotografía comparte dos mundos: por uno el de la tecnología y por otro el del arte. [12] Sin embargo, las artes plásticas no aceptaron esto de manera inicial y vieron a la fotografía hasta la década de los 70 del siglo XIX con distancia. De la misma manera, el fotoperiodismo se divide entre la función de la información por un lado y la tendencia al arte. Lógicamente en la información lo más importante es aquello que es anunciado como generador de noticia, sin embargo, el profesional es aquel que sabe tener en cuenta las dimensiones estéticas en combinación con la información. Por lo general, los grandes fotoperiodistas son aquellos que dejaron obras en las que ambas dimensiones se entrelazan perfectamente.
La última foto de Mate Rober F. Read minutos antes de morir bajo el bombardeo japonés al Enterprise CV-6 durante la II Guerra Mundial el 24 de agosto de 1942.
En gran medida porque sus fotos son lo suficientemente claras para ser apreciadas o porque sus nombres aparecen siempre con sus obras, los fotógrafos de las revistas alcanzan el estatus de celebridad. Life llegó a ser, por ejemplo, un modelo en el cual la crítica fotográfica se hace un juicio acerca del fotoperiodismo y muchos periodistas actuales se han hecho un nombre. En una selección de las mejores fotografías de Life realizada en 1973 se presentaron 39 fotógrafos famosos, pero los puntajes revelaron en dicha selección que los mejores fotografías fueron de anónimos de UPI y AP. Debido a la edad dorada de la fotografía, las limitaciones de la impresión y los sistemas organizativos de las agencias noticias como UPI y AP, numerosos y excelentes fotógrafos trabajan en una relativa anonimidad. Sin embargo, el desarrollo de la fotografía digital y del Internet abriría nuevos espacios para conocer a muchos fotoperiodistas anónimos cuyos trabajos superan en numerosas ocasiones a los de los profesionales mimados de la crítica internacional. En la actualidad, muchos periodistas exponen sus obras con frecuencia en los salones de arte.
Organizaciones profesionales La primera organización nacional de reporteros gráficos del mundo se fundó en 1912 en Dinamarca con la "Unión de Fotógrafos de Prensa" ( Pressefotografforbundet ) constituida inicialmente por seis fotógrafos de Copenague. [13] En la actualidad tiene 800 miembros. En 1946 se fundó en Estados Unidos la "Asociación Nacional de Fotógrafos de Prensa" y en la actualidad cuenta con cerca de 10 mil miembros. En Gran Bretaña se fundó en 1984 la "Asociación Británica de Fotógrafos de Prensa" y fue relanzada en 2003; cuenta actualmente con 450 miembros. En 1989 comenzó la "Asociación de Fotógrafos de Prensa" en Hong Kong; en 2000 una similar en Irlanda del Norte, en 1930 la " Pressfotografernas Klubb" de Suecia y la " Pressefotografenes Klubb" de Noruega.[14] [15] [16] [17] Organizaciones noticiosas y escuelas de periodismo en muchos países del mundo son dirigidos por fotoperiodistas que han recibido un notable reconocimiento público. Entre los reconocimientos más célebres del mundo se encuentran la " Fotografía Destacada" ( Feature Photography) y la " Fotografía Noticiosa en el Punto'" (Spot News Photography). Otro premio es el de " Foto Noticiosa Mundial" ( World Press Photo), lo " Mejor en Fotoperiodismo" [18] (Best of Photojournalism) y la " Foto del Año ", así como la " Foto Noticiosa del Año " entregado en Gran Bretaña. [19] [20]
Todos los países hispanoamericanos cuentan con numerosas asociaciones de fotoperiodistas.
Periodismo fotográfico
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Fotoperiodismo en Hispanoamérica La historia de la fotografía y del periodismo en España y Latinoamérica ha sido tan intensa como en el mundo anglosajón y ha dejado grandes maestros en ambos campos. España
El 10 de noviembre de 1839 se realizó el primer daguerrotipo en la ciudad de Barcelona [21] y desde ese momento este se hizo popular en el resto de la Península Ibérica. Entre lo que se podría considerar como el primer documental fotográfico en España se encuentra el cubrimiento de acontecimientos que llevó a cabo el británico Charles Clifford, que se radicó en Madrid desde 1850. [22] Clifford registró las visitas a diferentes ciudades españolas que la reina Isabel II realizó a partir de 1858 con el ánimo de afianzar la monarquía y de paso el fotógrafo británico dejó un precioso material no sólo de la reina, sino de las ciudades de la época. Pascual Pérez Rodríguez ilustraba el Diario Mercantil de Valencia con daguerrotipos que utilizaba con negativo de papel, lo que le permitía hacer numerosas reproducciones. [23] De otro extranjero, esta vez el francés Jean Laurent, quien llegó a España como corresponsal de La Crónica de París en 1857, queda un amplio trabajo de registro de la cultura y la arquitectura de la época.
Un muchacho con el uniforme de la Federación Anarquista Ibérica, una de las fotografías clásicas de Gerda Taro en sus reportajes de la Guerra Civil Española.
La popularización de la fotografía en España, sobre todo a partir de la década de los 80 del siglo XIX, permitió que muchas personas se dedicaran a retratar los paisajes urbanos de la época, así como los cuadros de costumbres y tradiciones, entre los cuales destaca el toreo. Sin embargo, el apogeo de la fotografía en España, ampliamente favorecida por el avance tecnológico, se convertiría bien pronto en un entretenimiento de las clases media y alta que tenderían a registrar sólo aquello que estuviera dentro del interés de clase para dejar de lado lo que no interesaba o se consideraba carente de estética, especialmente hacia finales del siglo. [22] Otros personaje que hacen parte de la historia del fotoperiodismo español es Juan Comba cuyo trabajo más destacados tiene que ver con el incendio de Toledo (1887) y la visita de la reina Victoria de Inglaterra. Pero la prueba de la gran popularidad que la fotografía fue adquiriendo para la prensa en Es paña es la buena lista de publicaciones que ya desde finales del siglo XIX se presentan, pero más que de publicaciones, la abundancia de nombres asociados a la fotografía, muchos de ellos anónimos y espontáneos. Entre las publicaciones más destacadas que dieron un puesto primordial a la fotografía figuran ABC (1903), El Gráfico, La Vanguardia (1881) y El Imparcial. Un ejemplo de la presteza que la sociedad española de principios de siglo tenía ya por el periodismo gráfico lo constituye el atentado contra el rey Alfonso XIII el 31 de mayo de 1906 durante el día de su boda por parte del anarquista Mateo Morral. El fotoperiodista, que por ello quedó en la historia, fue Eugenio Mesonero Romanos quien sentó un precedente de la pronteza del periodismo en los momentos más sorpresivos. Una de las grandes figuras del fotoperiodismo del siglo XX tuvo también a España como su principal escenario y en donde dio su vida. Se trata de la periodista alemana Gerda Taro la cual hizo un intenso cubrimiento de la Guerra Civil Española en la cual perdió la vida el 26 de julio de 1937 a tan sólo 27 años de edad, pero con una brillante carrera en esta profesión registrada para la historia en sus fotografías de periodismo de guerra. Pero la Guerra Civil atraería a muchos otros célebres reporteros extranjeros como John Dos Passos, Ernest Hemingway, George Orwell, Antoine de Saint Exupéry, André Malraux, G. L. Steer, Herbert Matthews, Indro Montanelli y otros. [24]
Periodismo fotográfico
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Latinoamérica
De la misma forma la experiencia del periodismo gráfico en los países hispanoamericanos hunde sus raíces desde los inicios de la fotografía ya a mediados del siglo XIX. De la experiencia fotográfica latinoamerica, dice la estudiosa Liliana Martínez: Dada la complejidad existente en las relaciones culturales, de ambientes, componentes étnicos, situaciones políticas y condiciones sociales en general, el fotógrafo en Latinoamérica se ve llamado a estudiar la situación que lo rodea, antes de tomar siquiera la cámara en sus manos. [25] Y cita a Zamora que dice:
Prisioneros paraguayos en la Guerra de la Triple Alianza, fotografía del periodista uruguayo Esteban García.
…los fotógrafos latinoamericanos se encuentran en la necesidad de ser también etnógrafos, sociólogos y antropólogos culturales más a menudo que los fotógrafos europeos o norteamericanos, los cuales trabajan en ambientes culturales aparentemente más homogéneos. ” (Zamora, p. 298).[26] Sin embargo, para muchos autores como Boris Kossoy [27] la fotografía latinoamericana del siglo XIX es en realidad una etapa "europea", es decir, fue realizada desde una perspectiva de la experiencia europea y estadounidense y fue categorizada por los mismos como exótica, lo que creó un estereotipo de lo que es el ser y la imagen del pueblo latinoamericano ante sus ojos. Esta situación, que desconocía incluso la enorme diversidad de la América hispánica y portuguesa, sería primordial para el desarrollo de una fotografía que buscaría su propia autenticidad a lo largo del siglo XX y sería contestataria de la etiqueta exoticista europea y estadounidense. Gracias a la enorme diversidad cultural que conforman los países hispanoamericanos, al Brasil y a las Antillas, la fotografía latinoamérica se presenta en realidad como un inmenso universo de propuestas y personajes que deben ser revisados por países, más que de manera masificada. La primera cámara fotográfica que llegó a un país latinoamericano lo hizo en 1840 de manos de un religioso francés, el Abad Louis Compte, en Brasil. Es de destacar que incluso la fotografía como invento tiene que ver con Brasil como uno de los países del mundo en donde se vivió el experimento de manera independiente a Estados Unidos y Francia con dicho religioso. [28] La fotografía llega entonces al continente en una época en la cual ella misma está en proceso de desarrollo y en que los países latinoaméricanos viven su génesis nacional como repúblicas independientes del colonialismo europeo. Su fotografía entonces tendría que ver mucho con las aspiraciones de la imagen política y social de lo que dichas naciones esperaban de sí mismas y se dedican a retratar personajes, la diversidad de paisajes y acontecimientos que son hoy una gran riqueza histórica. En general, y como sucedió en España, la fotografía latinoamericana del siglo XIX fue vista como un medio ideal para el retratismo. Numerosos personajes relacionados con la fotografía en Latinoamérica demuestran la gran actividad del género en el continente como John A. Bennet, Charles de Forest Friedricks, Thomas Helsby, Benito Panunzi, Eugenio Courret, Juan José de Jesús Yas, Federico Lessmann, Melitón Rodríguez y Esteban García, entre muchos otros.
Periodismo fotográfico Entre los acontecimientos históricos de mayor importancia que en Latinoamérica quedaron registrados en imágenes, figura la Guerra de la Triple Alianza vista por el lente del periodista uruguayo Esteban García. El periódico El Comercio, fundado en Lima en 1839, utilizó el primer fotograbado el 31 de julio de 1898 [29] y abre la experiencia del fotoperiodismo en la sede de la civilidad Inca testimoniado por el activo número de publicaciones que se presentarían a lo largo del siglo como el semanario ilustrado Actualidades, la revista Prisma y el tabloide La Crónica que marcan los inicios de la historia del fotoperiodismo en Perú. Se destacan además El Correo (1871), El Perú Ilustrado (1889), Actualidades (1903), Variedades (1908), el diario La Crónica (1912), Mundial (1920), La Prensa, Caretas (1950), La nueva Crónica (1970) y La República (1980).
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Foto anónima de la Guerra de los Mil Días en Colombia.
En Colombia los inicios de la fotografía pueden ser rastreados desde la década de los 40 del siglo XIX y como en muchos lugares del continente, esta se entretuvo inicialmente en el retratismo de las clases media y alta. Sin embargo, los inicios de la reportería fotográfica en el país cafetero se presentaron precisamente en el registro de las guerras civiles que lo azotaron hasta la consolidación de una república centralista hacia finales del siglo. Mención especial tiene Melitón Rodríguez de Medellín cuyo trabajo rompe con el patrón clásico retratista y pone en fotografía todos los aspectos de la vida cotidiana de su región. Rodríguez llegó a ser no sólo un observador cuidadoso de su entorno, sino que es considerado un auténtico artista cuyas fotografías compiten con las más cuidadosas composiciones de las artes plásticas. [30] El siglo XX se vería dominado por el talento internacional de Leo Matiz cuyo principal trabajo sería el cubrimiento fotográfico de El Bogotazo el 9 de abril de 1948 para la revista Life y en donde resultó herido. Otros fotoreporteros colombianos que harían historia de esta profesión serían Ignacio Gaitán, Sady González, Carlos Caicedo y Luis B. Gaitán. En México el primer daguerrotipo se realizó ya en 1839 [31] pero también aquí los primeros fotógrafos se entretienen en el retratismo de las clases privilegiadas, hasta que hacia finales del siglo comienzan las primeras obras sobre las clases populares y una auténtica competencia por la originalidad, para dar lugar al fotógrafo como autor de un estilo reconocible, lo que jugaría un papel vital en el desarrollo del periodismo. El estallido de la Revolución mexicana en 1910 revelaría a otro gran personaje del fotoperiodismo, el alemán Hugo Brehme quien se radicó en Veracruz y después en Ciudad de México para hacer parte de la "Agencia Fotográfica Mexicana". De su cámara quedan imágenes Rebeldes mexicanos en una fotografía anónima de 1911. de personajes de la talla de Emiliano Zapata. México, como España con la Taro, tendría que ver con uno de los grandes maestros del fotoperiodismo del siglo XX: Robert Capa y su cubrimiento de la Guerra Civil Española. Numerosos negativos del maestro de la reportería gráfica se dieron por perdidos, pero sería precisamente en el país azteca en donde volverían a la luz después de más de 70 años desaparecidos. [32] De alguna manera el general mexicano Francisco Javier Aguilar recibió tres cajas que contenían 127 rollos y que fueron confiadas a él en Francia. Las cajas fueron heredadas por la familia del general en México, hasta que fueron descubierto y puestas por primera vez a la luz pública después de más de medio de siglo.
Periodismo fotográfico La historia de la fotografía en Cuba comienza con los primeros daguerrotipos en 1840 y el país se enorgullece de ser uno de los primeros en inaugurar los estudios fotográficos del mundo, aún antes que en París. [33] Pero la gran prueba para el fotoperiodismo cubano sería precisamente la Guerra de la Independencia del mando español hacia finales del siglo XIX. La Revolución Cubana en particular sería el principal motor que llevaría al género del reporterismo gráfico del país a elaborar sus propios esquemas originales y sensibles a las realidades sociales para ubicar su producción periodística fotográfica en una de las más destacadas de Latinoamérica.
El impacto de las nuevas tecnologías
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El 15 de febrero de 1898 el Acorazado Maine de la Marina de los Estados Unidos se hundió en La Habana a causa de una explosión que precipitó los acontecimientos de la Guerra Hispano-Estadounidense.
En la historia de la fotografía se puede evidenciar el avance de la tecnología desde mediados del siglo XIX a principios del siglo XXI y cómo cada paso afecta directamente los contenidos, formas y maneras del periodismo fotográfico. En dicho proceso la forma física de las cámaras fotográficas ha cambiado desde tamaños paquidérmicos que hacía de la fotografía un oficio de pocos y casi un privilegio de las clases altas a tamaños cada vez más pequeños y livianos que facilitaron la labor del fotoperiodismo. Sin embargo, hacia finales del siglo XX comienza un proceso aún más extraordinario: la existencia misma de la cámara fotográfica como único medio físico para obtener las imágenes se pone en un plano de completa relatividad al ser desarrollados otros medios que eran inimaginales hace cincuenta años. En la actualidad una foto puede ser hecha con un teléfono móvil o la videocámara de un ordenador portátil más centenares de artefactos que hacen que cualquier persona pueda realizar una fotografía. El desarrollo de cámaras fotográficas más pequeñas y livianas ha facilitado la tarea de los fotoperiodistas. Desde la década de los 60 artefactos electrónicos como flashes, una gran variedad de tipos de lentes y otros aditamentos han sido incorporados para hacer cada vez más fácil la función de tomar fotografías. Las nuevas cámaras digitales liberan a los periodistas de los largos rollos de películas porque pueden almacenar cientos de imágenes en diminutos artefactos electrónicos y tarjetas digitales. El contenido, en cambio, permanece el elemento más importante en la fotografía periodística, pero la habilidad de adquirir el material fotográfico y editarlo en un tiempo mucho más inferior que antes ha producido cambios significativos. Tan sólo en 1980 se necesitaban 30 min para escanear y transmitir una sola fotografía en color desde una locación remota a una sala de prensa para ser impresa. Ahora, equipados con una cámara digital, un teléfono móvil y un ordenador portátil, un fotoperiodista puede enviar una imagen de alta calidad en minutos e incluso en segundos casi de manera contemporánea a la sucesión del evento noticioso. Los video teléfonos y los satélites portátiles permiten en la actualidad la transmisión de imágenes desde casi todos los puntos de la tierra. Existen sin embargo preocupaciones por parte de los reporteros gráficos de que su profesión puede cambiar de tal manera que llegue a ser irreconocible debido al desarrollo natural de la tecnología en la captación de imágenes. Por otra parte, los sistemas de almacenaje electrónico de imágenes como aquellas de dominio público, han permitido que personas aficionadas a la fotografía incursionen en el campo del reporterismo gráfico con todo lo que ello significa para una profesión que, como el periodismo, se desarrolló de todas maneras a partir de la afición por la información.[34]
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Eventos que han influenciado el fotoperiodismo del siglo XXI Tres eventos han marcado una nueva era de lo que se conoce como el fotoperiodismo del siglo XXI: Los atentados del 11 de septiembre de 2001, [35] [36] la invasión de Iraq entre el 18 de marzo y el 1 de mayo de 2003 [37] y el Tsunamí del Océano Índico[38] [39] del 26 de diciembre de 2004. Estos tres eventos tuvieron una gran repercusión en lo que era el fotoperiodismo y su desarrollo desde el siglo XIX y a lo largo del siglo XX. [40] Los tres eventos tuvieron un cubrimiento informativo total y se conserva una gran cantidad de material visual en fotografía, videos, esquemas, gráficos, mapas animados, análisis gráficas de la Imagen de la devastación del Tsunamí del Océano Índico en Sumatra, 2004. situación y otros que los hacen un modelo de estudio de lo que significa el fotoperiodismo. Además de la cantidad descomunal de material de primera mano que se produjo en el mismo momento en que sucedían los eventos, la nota que marca el inicio de una nueva era para esta disciplina es que quienes produjeron dicho material de manera inmediata no fueron las grandes estrellas del periodismo internacional, sino aficionados. Cuando los grandes y medianos medios de comunicación gráfica y visual publicaron las primeras imágenes, al menos en lo que respecta a los atentados del 11 de septiembre de 2001 y el tsunamí de 2004, publicaban imágenes que no fueron hechas por profesionales de la información sino por personas que estaban en ese momento en el lugar e hicieron las tomas con cámaras digitales, videocámaras y teléfonos móviles. Las consecuencias de este fenómeno inciden en las maneras que se habían establecido como norma de la comunicación social. En primer lugar, los eventuales reporteros no siguen el estricto proceso de edición de la imagen, sino que la presentan de la manera en que esta fue tomada o, como señala D. Perlmutter, en muchas ocasiones retocadas.[41] La imagen adquiere entonces un valor total en su significado que sobrepasa incluso a la preocupación por su calidad. Si la foto de las gigantescas olas que devastaron las playas meridionales de Asia tiene o no tiene calidad en la luz, eso no importa, puesto que se hace única, ya que fue tomada por un testigo ocular que, con suerte, tenía su liviana cámara digital con la cual tomaba fotos de sus paseos de verano. Posteriormente los aficionados suben sus fotos a las redes de Internet diseñadas para ello y estas pueden ser accedidas por millones de usuarios en todo el planeta. De la misma manera en que la producción fotográfica se convirtió en oficio accesible a todos, el nuevo control de edición de la fotografía y el video queda en manos de las cada vez más ámplias comunidades que se forman alrededor de las redes de información libre como Wikimedia Commons, Flickr, Fotolog.com y muchos otros. Sin embargo, dichos sistemas comunitarios virtuales se preocupan más por las licencias de publicación que por la calidad misma de los archivos que los usuarios suben al sistema. Si bien estos tres eventos de gran significado internacional se marcan como el inicio de una nueva era para el fotoreporterismo, es cierto que otros eventos previos ya eran el preludio de lo que venía con el desarrollo y la popularización de las nuevas tecnologías y especialmente del Internet.
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Crisis de la fotografía documental o muerte del fotorreporterismo Para algunos observadores este nuevo fenómeno de la popularización del f otoperiodismo significa su muerte desde el punto de vista que este puede ser desarrollado ya no de manera exclusiva por profesionales de la información, sino por cualquiera que tenga un teléfono móvil. Ante ello dice La Tecla, la asociación de periodistas cubanos: Producto de esta instantaneidad, en la actualidad, la mayoría de las personas son productoras de imágenes de los hechos, lo que definitivamente tiene que tenerse en cuenta, porque lo que antes se reservaba para una elite (los profesionales de la fotografía) ahora es accesible a todos. En este sentido, Pedro Meyer, periodista mexicano destaca que "armados con una cámara digital de vídeo o de fotos, o un teléfono portátil con la tecnología de imagen fija o móvil, cualquiera está ahora en condiciones de producir y difundir por Internet los documentos que ha registrado o captado. Se terminó el poder absoluto -incluso la arrogancia- de los profesionales". [42] Para otros se trata de una crisis de la fotografía documental, [43] así como se habla de una crisis de los medios. [44] Mientras Jacob Riis hacia finales del siglo XIX elaboró todo un trabajo en los bajos fondos de Nueva York para sacar la realidad social marginal a la luz pública, en la actualidad las cámaras de los aficionados están prácticamente en todo el planeta y basta digitar en los motores de búsqueda cualquier término sobre cualquier problema o situación en cualquier parte del mundo para obtener fotografías. De ello La Tecla de Cuba analiza que dicha crisis implica que ningún acontecimiento puede escapar al reflejo de la imagen " lo cual es beneficioso para el día a día que implica el [45] Es decir, los profesionales de la información deben ver esta nueva época como una periodismo convencional". oportunidad, más que como una amenaza a la profesión y el cambio en lo que significa la imagen para los habitantes del siglo XXI, así como lo fue durante el siglo XIX cuando a la pintura le surgió la fotografía misma. Por el contrario, el fotógrafo Clemente Bernad [46] dice que no hay tal crisis desde que el fotoperiodismo siempre lo ha estado: Desde hace unos años se oye hablar intensamente de la crisis del fotoperiodismo. Sin embargo, parece claro que no ha habido un solo momento en su devenir que no haya estado marcado por la inestabilidad, la oscuridad o la incertidumbre. El fotoperiodismo ha estado en crisis desde el mismo momento de su nacimiento, entre otras razones porque la utilización de fotografías en los medios de comunicación se hizo con la intención espuria de mostrarlas como evidencia, como prueba irrefutable de lo que aparentemente muestran. Y ahí quizás radique su gran mentira, la marca de origen que lo ha contaminado de sospecha y de descrédito. El gran problema radica en la propia identidad de las imágenes fotográficas. Aunque se lo pueda parecer al no avisado, las fotografías no explican, no demuestran ni verifican nada. Las fotografías son elocuentes y eficaces porque juegan hábilmente con la apariencia, con el tiempo, con la ambigüedad y con la confianza del lector, pero en realidad confunden y no prueban nada: no se puede confiar en ellas.[47]
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Límites de la fotografía aficionada Sin embargo, la fotografía aficionada tiene sus límites y si muchas obras adquieren celebridad es por la inmediatez de la noticia y porque no existen versiones cualificadas mejores. De esta manera, una gran parte del material que circula en los medios de comunicación ha perdido la cualidad requerida y ha dado lugar a una cierta laxitud en la presentación de la imagen a la vista de algunos observadores.[48] Sin embargo, en este punto, el profesional de la información encuentra de nuevo su espacio de autoridad, porque sus obras adquieren el dato distintivo de la cualidad que la inmediatez de la cámara digital de un turista no posee, aunque muchos aficionados en realidad tienen una perspectiva más que profesional. El rigor de la fotografía periodística tiene en cuenta los mismos elementos que la fotografía artística y muy especialmente se cuida de los elementos semánticos, es decir, de significado que esta posee. En muchos casos, la fotografía aficionada no tiene en cuenta el elemento más básico de la fotografía que es la luz ambiental y el manejo del flash, lo que causa que muchas de las fotos tengan un encuentro caótico de sombras, personajes con los ojos cerrados por la molestia de la luz de un flash automático y, muy especialmente, carencia de encuadres y estilos apropiados que Una fotografía de un aficionado ocasional, hacen fotos repetitivas y monótonas. El fotógrafo profesional, es posiblemente un turista, hecha al Rey de Camboya, consciente de cosas como la relación de figura y fondo y la Norodom Sihamoní en Angkor Wat. El fotógrafo está importancia de la armonía entre ambos. Para el aficionado interesado en obtener la imagen de la celebridad y olvida los rigores del contexto y la luz. ocasional lo que importa es el objeto a fotografiar y no se cuida de lo que se refleje en el contexto. Abundan fotos ausentes de la figura humana, malos encuadres, malos poses de personajes entrevistados que ignoran el cuadro psicológico y en muchas ocasiones una gran pobreza de imaginación. Para el estudioso del tema, André Bazin, como para otros intelectuales de la fotografía, esta, a diferencia del arte, no crea, sino que embalsama el tiempo.[49] Dicha característica le da una grave responsabilidad al fotográfo como asegura Mariela Cantú en su estudio " Fotografía, video, digital: sobre los modos de repensar un medio": Seguimos insistiendo, entonces, en que los caminos del arte no han sido nunca (y no debieran ser) los de afanarse en perpetuas carreras detrás de un imaginario progreso, sino tal vez colocarse en un lugar algo más solapado, tal vez menos visible, pero que se constituya como el del cuestionamiento, el de la revisión, el de la propuesta de miradas divergentes y el de la interrogación al presente, al pasado y al futuro. [50]
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Otros campos del fotoperiodismo Fotoperiodismo deportivo Uno de los campos en el cual la fotografía periodística se ha destacado es en el deporte. La misma agilidad deportiva ocasiona que el fotoperiodista deportivo demuestre sus habilidades artísticas e informativas tanto como el jugador lo hace en el campo de juego. Si alguien lee la historia del deporte o la historia de un deporte en particular, la imagen, sea fotográfica que de video, hace parte vital de dicha lectura. En la fotografía deportiva, es posible apreciar la habilidad de mostrar la velocidad, la fuerza, la grandeza del equipo o del deportista, el fuerte sentido psicológico de la derrota o el triunfo, el ambiente festivo de los aficionados o su sensación de desilusión. La importancia del fotoperiodismo deportivo ha sido un proceso paulatino que viene desde la mera redacción de los eventos deportivos, a la presencia obligada de la imagen para el relato.[51]
Una fotografía deportiva del fútbol argentino: penal de Delem de River Plate a Antonio Roma de Boca Juniors el 9 de diciembre de 1962. Esta fotografía fue tomada por un reportero del Diario Clarín de Buenos Aires, pero su nombre no fue conservado.
Fotoperiodismo en la farándula Aunque sea visto con desdén por muchos, [52] en realidad el fotoperiodismo dedicado a seguir los pasos del espectáculo, la farándula y los famosos tiene su importancia y ha contribuido de alguna manera al desarrollo del mismo periodismo. Lógicamente este tipo de periodismo tiene que ver también con el exceso de los paparazzi que han contribuido a demeritar el papel del fotoperiodista en este campo, confundiéndose con frecuencia con este tipo de persecutores empecinados de las estrellas del espectáculo hasta el punto de invadir su intimidad.
Ética y consideraciones legales El periodismo fotográfico trabaja dentro de las mismas aproximaciones objetivas que se aplican a otros campos del periodismo. Cómo obturar, encuadrar las tomas y editar son consideraciones constantes. Por lo general, conflictos éticos pueden ser mitigados o asumidos por las acciones de un subdirector o el editor gráfico quien toma control de las imágenes una vez que estas han sido consignadas a la organización noticiosa. El fotoperiodista pierde el dominio de su obra una vez esta es publicada. El surgimiento de la fotografía digital ha creado nuevas oportunidades para la manipulación, reproducción y transmisión de imágenes. Este hecho ha complicado todos los aspectos técnicos y legales que ello envuelve. Las asociaciones nacionales de periodismo fotográfico en los diferentes países y otras organizaciones profesionales y de los derechos humanos, mantienen códigos de ética a este respecto. [53] Los problemas mayores acerca de asuntos éticos concernientes al periodismo se inscriben en menor o en mayor grado en las materias legislativas de los diferentes países. Sin embargo, la materia legal se complica por el hecho de que los medios de comunicación, especialmente en los tiempos de la revolución tecnológica y digital, rompen las fronteras internacionales y las imágenes publicadas en un país bajo el respeto de las normas legales del mismo, llegan a otras naciones con diferentes leyes. El desarrollo de las nuevas tecnologías y el inicio de una nueva era del fotoperiodismo como se menciona arriba, afecta también las normas éticas tradicionales. El aficionado ocasional o profesional que hace una fotografía o toma un video de una situación noticiosa, apurado por la inmediatés, pocas veces se detiene a hacer consideraciones éticas o a pensar en otro tipo de consecuencias de lo que la publicación de imágenes puede acarrear. Incluso si ciertos
Periodismo fotográfico estados autoritarios que suelen censurar a la prens a de sus países, tratan de poner el límite a la sensación de libertad de expresión que en muchas ocasiones garantiza la tecnología y el Internet, la circulación de imágenes entre los diferentes puntos del planeta a través de medios digitales se volvió tan sútil que ningún sistema político puede controlar de manera eficaz. Un ejemplo lo constituyó las protestas populares en contra del régimen militar birmano en agosto de 2007. A pesar de que la Junta Militar intentó censurar totalmente la emisión de fotografías y videos de las marchas y de los actos represivos hacia el exterior por parte de afisionados extranjeros, esto no fue posible en su totalidad y, por el contrario, el mundo fue testigo de uno de los actos de represión de la libertad de prensa frente a las mismas cámaras con la muerte de Kenji Nagai, un fotoreportero japonés de la APF News que fue asesinado el 28 de agosto de 2007 por militares cuando fotografiaba las marchas. [54]
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www.latecla.cu/ bd/ foto/ apuntes_hector.htm)", Periódico Invasor. Ciego de Ávila, Cuba, 27 de marzo de 2008, enlace revisado 20 abril 2008. [9] Cfr. " Colección de fotografías del siglo XIX (http:/ / www.lablaa.org/ blaavirtual/ historia/ mfotosigloxix/ indice.htm)", Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá, 2004, enlace revisado 20 abril 2008. [10] How the Other Half Lives: Studies Among the Tenements of New York (1890) (http:/ / www.authentichistory.com/ postcivilwar/ riis/ contents.html), enlace revisado 20 abril 2008. [11] Según " Photojournalism Exhibition (http:/ / www.vam.ac.uk/ collections/ photography/ past_exhns/ photojournalism/ ), la fotografía se volvió una auténtica obsesión durante el siglo XX. Cfr. "Victoria and Albert Museum", enlace revisado 20 abril 2008. [12] " El fotoperiodista es también un artista (http:/ / www.revista.unam.mx/ vol.5/ num9/ ent1/ ent1.htm)", entrevista al fotógrafo Enrique Villaseñor, coordinador de la Bienal de Fotoperiodismo, México, 10 de octubre de 2004. El reconocimiento del fotoperiodismo, Revista Unam, enlace revisado 20 abril 2010. [13] Pressefotografforbundet history. (http:/ / www.pressefotografforbundet.dk/ forbundet/ historie.php), enlace revisado 20 abril 2008. [14] « About the BPPA (http:/ / www.thebppa.com/ )». The British Press Photographers' Association. Consultado el 20 de marzo de 2008. [15] « Welcome to the NIPPA website (http:/ / www.n-ippa.org/ )». Consultado el 20 de marzo de 2008. [16] « SVEMO backar om bildkrav (http:/ / www.pfk.se/ pfk/ )». Consultado el 20 de marzo de 2008. [17] « Ken Opprann med bok om operaen (http:/ / www.fotojournalisten.com/ )». Consultado el 20 de marzo de 2008. [18] « The Contest Designed by Photojournalists for Photojournalists (http:/ / bop.nppa.org/ 2008/ )». Consultado el 20 de marzo de 2008. [19] « POYi Program in D.C. is Almost Here! (http:/ / www.poyi.org/ )». Consultado el 20 de marzo de 2008. [20] « The Press Photographer's year 2008 (http:/ / www.theppy.com/ )». Consultado el 20 de marzo de 2008. [21] LARA LÓPEZ, Emilio Luis: Historia de la fotografía en España (http:/ / clio.rediris.es/ n30/ emiclio.htm), Universidad de Jaén, enlace revisado 20 abril 2008. [22] LARA LÓPEZ, Idem.
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[38] Como viene resaltado por el círculo de periodistas de Cuba, La Tecla, en " Impacto de la digitalización en el fotoperiodismo (http:/ / www. latecla.cu/ bd/ foto/ 03digitalizacion_karek.htm)", La Habana, marzo de 2008, enlace revisado 20 abril 2008. [39] Deborah Mitchell: " Photojournalists: use photojournalism to help charities tell their story (http:/ / www.charityguide.org/ volunteer/ vacation/ photojournalists-photojournalism.htm)", Charity Guide: " El fotoperiodismo ha sido por mucho tiempo un poderoso segmento de los medios, pero aún más en tiempos recientes. Durante el tsunamí en Asia, el terremoto en Paquistán y los huracanes Katrina y Rita en Estados Unidos, foto periodistas hecho fotografías que no solo informan al público y muestran la gravedad de los eventos para llamar su atención, sino que también sirven para promover la caridad en otros en el auxilio de las víctimas". [40] Iván Sánchez, " El siglo XXI a través del objetivo de Reuters (http:/ / www.quesabesde.com/ noticias/ reuters-mira-el-mundo-sonimagfoto-2007,1_3693)", que sabes de, 4 de octubre de 2007, enlace revisado 20 abril 2008. [41] David D. Perlmutter, " Photojournalism in Crisis", Lightroom News, 21 de agosto de 2006. Dice Permutter: "...y los resultados han sido devastadores: fotonoticias y videos desencuadrados, radicalmente alterados o escenificados" (" And the results have been devastating: news photos and video shown to be miscaptioned, radically altered, or staged ") [42] La Tecla, " Impacto de la fotografía digital (http:/ / www.latecla.cu/ bd/ foto/ 03digitalizacion_karek.htm)", enlace revisado 20 abril 2008 [43] Pepe Baeza: " Cultura documental y acción política (http:/ / www.redmagazine.net/ rnet/ art13.html)", Redmagazine.net, 9 de mayo de 2003, enlace revisado 20 abril 2008. [44] Juan Freire: Crisis y reinvención (http:/ / www.soitu.es/ soitu/ 2008/ 04/ 04/ pieldigital/ 1207323227_841407.html), en "Vida digital", La Coruña, enlace revisado 20 abril 2008. [45] Idem. [46] Clement Bernad, " portal (http:/ / www.clementebernad.com/ )", enlace revisado 20 abril 2008. [47] Clement Bernad, " La trampa del fotoperiodismo (http:/ / www.clementebernad.com/ wp-content/ LATRAMPADELFOTOPERIODI. doc)", enlace revisado 20 abril 2008. [48] Franklin Reyes Marrero, " Un clic no hace al fotógrafo (http:/ / www.latecla.cu/ bd/ foto/ clic_franklin.htm)", La Tecla, La Habana, marzo de 2008, enlace revisado 20 abril 2008. [49] Mariela Cantú: Fotografía, Video, Digital. Sobre los modos de repensar un medio (http:/ / magazines.documenta.de/ frontend/ article. php?IdLanguage=13&NrArticle=150), en "Documenta Magazine Online Journal", Santiago de Chile, 12 de julio de 2006, revisado 20 abril 2008. [50] Mariela Cantú, Idem. [51] Según el análisis de Jesús Castañón Rodríguez en " Generaciones estilísticas del periodismo deportivo sobre fútbol (http:/ / www. idiomaydeporte.com/ generaciones2.htm)", Idioma y Deporte, enlace revisado 20 abril 2008. [52] Como se expresa en la crítica a "vende tus fotos" en ¿Periodismo ciudadano o papparazzis improvisados? (http:/ / mangasverdes.es/ 2007/ 01/ 31/ vendetusfotoscom-periodismo-ciudadano-o-paparazzi-improvisado/ ) Mangas verdes, enlace revisado 20 abril 2008
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Periodismo fotográfico [53] Por ejemplo el USNPPA, "Code of Ethics" (http:/ / www.nppa.org/ professional_development/ business_practices/ ethics.html), "Código de Etica del gremio profesional de los Estados Unidos, enlace revisado 20 abril 2008. [54] Tokio-Efe: " Un fotógrafo japonés muerto en Birmania (http:/ / www.ipcdigital.com/ ver_noticiaA.asp?descrIdioma=es& codNoticia=10183&codPagina=10616&codSecao=319)", ipcdigital.com, Madrid, enlace revisado 20 abril 2008.
Bibliografía • NEUBAUER, Hendrik (1997). 60 Years of Photojournalism, Black Star Picture Collection,. sl Könemann Colonia, Alemania. ISBN 3-89508-250-3. • FREUND, Giséle (1993). La fotografía como documento social,. Editorial Gustavo Gili, GG Mass Media, México. ISBN 968-887-208-3. • M. ALONSO ERAUSQUÍN (1995). Fotoperiodismo: formas y códigos. Ed. Síntesis, Madrid.
Véase también • • • •
World Press Photo Teleperiodismo Cine documental Periodismo electrónico (ENG)
Enlaces externos • El deber de mirar la realidad fotoperiodística (http:/ / www.magazinedigital.com/ fotografia/ reportajes/ reportaje/ cnt_id/ 921), Magazin Digital. • Antonio Pandoja Chávez, Universidad de Extremadura, Prensa y Fotografía: Historia del fotoperiodismo en España (http:/ / argonauta.imageson.org/ document98.html)
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Pictorialismo
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Pictorialismo El pictorialismo es una corriente fotográfica de pretensiones artísticas que se desarrolla a nivel mundial (aunque principalmente en Europa, Estados Unidos y Japón) entre finales de los años 1880 y el final de la primera guerra mundial. El nombre del movimiento deriva del término inglés picture (imagen, cuadro, pintura, fotografía) y no de paint (pintura), razón por la cual resulta erróneo hablar de fotografía pictórica o pictoricista, términos que vendrían a referirse a la fotografía academicista, corriente que sí que se encuentra muy relacionada con la pintura.
Planteamientos Para el grupo de fotógrafos que lo conformaron, el pictorialismo supone hablar de una imagen más dentro de lo existente, de una imagen simple captada/separada de un mero registro de la realidad. Surge como reacción a la fotografía de aficionados, considerada vulgar y nacida con la comercialización de la cámara fotográfica instantánea de Kodak, y se extiende rápidamente por todo el mundo. También se contrapone a la Fotografía academicista reivindicando los valores propios de la fotografía para la realización de obras de arte en plena igualdad con otras disciplinas artísticas (pintura, escultura, arquitectura,...). Es por ello que se renuncia a la imitación de la pintura.
Struggle, fotografía de estilo pictorialista de
Robert Demachy a la goma bicromatada, c. 1904.
Los fotógrafos del pictorialismo se definen como fotógrafos y artistas en la línea de las teorías del romanticismo propias del siglo XIX, destacando la sensibilidad e inspiración de los autores y otorgando un papel secundario a los conocimientos técnicos (tal y como hacía Julia Margaret Cameron). Se distancian de la realidad para que sus fotografías sean sólo imágenes y no una mera reproducción de la realidad, motivo por el cual buscan deliberadamente el desenfoque o efecto floue. Formalmente, la resolución plástica derivada de la imagen borrosa y los temas que eligen los pictorialistas, señalan una fuerte influencia del Impresionismo.
The Pond--Moonlight , fotografía de Edward
Steichen realizada en Mamaroneck en 1904.
Ideas y Técnicas El pictorialismo supone una selección de los temas (Paisaje - Días nublados, de lluvia, de niebla,.... y todos aquellos en los que los agentes atmosféricos no permiten que las imágenes sean nítidas / Retrato - Se eligen principalmente figuras femeninas, e igualmente se busca esa borrosidad / Alegorías / Etc.).
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Entre el tema seleccionado y la cámara se colocan filtros, pantallas y demás utensilios que impiden ver claramente. Igualmente recurren a la utilización de juegos de luces y sombras. No se enfoca de forma deliberada para provocar un efecto similar a la pintura impresionista (es por eso que el pictorialismo es también conocido como fotografía impresionista).
Se utilizaban los conocidos como objetivos de artistas que suponía la colocación de elementos que no correspondían a las cámaras fotográficas empleadas, llegando a recurrir a objetivos antiguos muy imperfectos o, incluso, a la cámara oscura sin objetivo. También se actuaba en la fase de revelado y en la de positivado de la imagen. Se emplea papel especialmente adecuado para sus manipulaciones. Se añade carbón, bromóleo, goma bicromatada, u otros pigmentos a las emulsiones buscando hacer las fotografías similares al dibujo, grabado, etc. Surge así el concepto de impresiones nobles.
The White Sail, fotografía de Alvin Langdon
Coburn.
La idea principal era la intención de buscar un resultado diferente al de las imágenes tradicionales y que además esto salte a la vista, lo cual resulta ser un valor añadido. Por su manipulación, las conocidas como impresiones nobles, nunca resultaban iguales pese a que se partiera de un mismo negativo inicial. Estas técnicas impedían la multiplicidad de copias, por cuanto que las obras eran únicas. Se llegó incluso a destruir el negativo para impedir copias de las imágenes, en un intento de regular la creación fotográfica bajo las limitaciones propias de las artes plásticas tradicionales. Para su presentación al público las imágenes (o impresiones nobles) son enmarcadas recurriendo a la utilización de marcos propios de pinturas antiguas y muy rimbombantes.
Desarrollo histórico Antecedentes
The Manger , fotografía de Gertrude Kasebier
realizada en 1899.
Los precedentes del pictorialismo vienen constituidos por las figuras de Julia Margaret Cameron y Henry Peach Robinson. En la fotógrafa inglesa encontraron los adeptos al pictorialismo una actitud decidida, además de una serie de comportamientos (o técnicas) ante la fotografía de gran aceptación para ellos, como es el uso de objetivos inadecuados y la búsqueda del efecto floue. Por otro lado, Henry Peach Robinson vino a ser el apoyo teórico del movimiento, gracias a su obra Efecto Pictorial en Fotografía, 1869, así como el inspirador del nacimiento de los grupos adeptos al pictorialismo.
Pictorialismo
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El nacimiento del pictorialismo El punto de partida del movimiento viene determinado por la publicación en 1889 del libro Naturalistic Photography de Peter Henry Emerson, donde su autor defiende que la imagen floue correspondía a la visión normal y superaba todas las formas artísticas, por influencia de los pintores impresionistas. A partir de este momento surgen nuevos grupos y asociaciones dedicadas a la búsqueda de una fotografía artística construida sobre los valores propios de la fotografía. Es ésta una postura estética claramente diferenciada de las inquietudes de las primeras asociaciones dedicadas a la investigación técnica. El primer impulso para la creación fotográfica del pictorialismo lo dio el Camera Club de Viena al organizar en 1891 una exposición de fotógrafos adheridos al pictorialismo. Un año más tarde, en 1892, se crea en Londres el Linked Ring con el objetivo de la organización de una exposición bajo el lema Liberty-Loyalty, a la que fueron invitados fotógrafos extranjeros de la Europa Continental y de los Estados Unidos. A partir de este momento los grupos se multiplicaron por toda Europa, llegando el pictorialismo a los Estados Unidos y a otros continentes, animados por jóvenes fotógrafos deseosos de demostrar los valores artísticos de la fotografía.
Gotas de lluvia (1903), publicada en Camera Work en
1908.
Sus principales autores Sus representantes más destacados fueron Peter Henry Emerson y Robert Demachy. Otros serían Alvin Langdon Coburn, Heinrich Kühn, Léonard Misonne, Comandante Puyo, James Craig Annan, Richard Polak, George Davison, Lionel Clark, Hugo Henneberg, Fred Holland Day, Gertrude Käsebier, Edward Steichen, Clarence Hudson White y Frederick Henry Evans. En España destaca la obra de José Ortiz Echagüe, Josep Massana, Josep Maria Casals Ariet y Joaquim Pla Janini. Winter - Fifth Avenue, fotografía de Alfred
Los grupos más destacados
Stieglitz realizada en 1892.
Entre las asociaciones de fotógrafos que se adhirieron al movimiento destacan los fundadores: The Linked Ring BrotherHood y el Camera Club de Viena; así como el Camera Club de Londres, Camera Club de Nueva York, Photo-Secession, Photo-Club de París, la Real Sociedad Fotográfica, Sociedade Portuguesa de Fotografía, la Sociedad Fotográfica Argentina de Aficionados o la Japanese Camera Pictorialist of America. Eran colectivos elitistas que limitan el acceso de miembros y de fotografías para sus exposiciones.
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Estos grupos organizaron exposiciones, publicaron revistas, manifiestos y textos teóricos y técnicos acerca de la fotografía como forma artística. Buscaban que las instituciones del arte (la Academia, los Salones, etc.) reconocieran "sus" fotografías como obras de arte al mismo nivel que la pintura u otras formas de las artes plásticas. Su estrategia para conseguir este reconocimiento fue el recurso a la manipulación posterior de la fotografía como justificación de artisticidad; para los pictorialistas, el negativo era equivalente al lienzo en blanco del pintor: el proceso creativo se desarrollaba en el positivado. La toma carecía prácticamente de interés para los pictorialistas, aunque en general se inclinaban por temas clásicos de la pintura especialmente la impresionista: paisaje rural, retrato, desnudo e incluso escenas de ballet (Demachy).
La decadencia Hacia el año 1910 alcanza el movimiento su punto álgido entrando en un proceso de decadencia por el agotamiento de sus propuestas y los cambios sociales habidos, donde su reivindicación artística carece de sentido. Tras el final de la primera guerra mundial sus principales autores abandonan el movimiento ante el empuje del Nuevo realismo fotográfico.
Black Bowl, fotografía de George Seeley
realizada en 1907.
No obstante lo anterior, en situaciones aisladas como la de España continúa su desarrollo hasta bien concluida la Guerra civil española.
Valoración Los teóricos de la fotografía no muestran un juicio uniforme a la hora de realizar una valoración crítica sobre este movimiento artístico-fotográfico. - Unos defienden la trascendencia histórica del mismo hablando del primer movimiento verdaderamente artístico en fotografía. - Otros, si bien reconocen sus excesos, sostienen que los Motivo en Pomerania, fotografía de Hugo avances en investigación fotográfica obtenidos (en Henneberg positivada en 1902. materias como el tratamiento de la luz, trabajo en positivado, etc.) quedaron en la experiencia para los fotógrafos posteriores que pudieron recurrir a dichas técnicas sin caer en los excesos de este movimiento. - Por el contrario, algunos niegan el valor fotográfico del movimiento llegando a calificarlo como la no fotografía, ya que sus obras ni constituyen una huella de la realidad, ni tampoco se puede obtener una multiplicidad de copias y, además, no favorece la popularización del acceso y disfrute de la fotografía (tres cualidades básicas que se hallan en el concepto de fotografía).
Pictorialismo
136 - Según otros, el pictorialismo fue una estrategia y un momento de transición necesario para iniciar la discusión sobre la "artisticidad de la fotografía" con la institución arte dominada por las artes plásticas antes de la renovación que supusieron las vanguardias históricas. Esta discusión se abrió a partir del énfasis puesto por los pictorialistas en la "manipulación" por sobre la toma, reinvidicando el valor de la destreza manual necesaria para llegar a Group on a Hill Road - Granada, fotografía de resultados "artísticos" incluso en fotografía, y reforzando James Craig Annan realizada en 1914. la concepción clásica de autor-artista, ahuyentando la idea de que la cámara es la que realiza la imagen (independientemente de su operador), una simplificación del acto fotográfico muy frecuente en el siglo XIX. Obviamente, estos procedimientos representan la negación de lo fotográfico en su especificidad, y una contradicción que no tardó en ser insostenible por los mismos autores fotógrafos.
Esta discusión no ha quedado resuelta en modo alguno. Es más, hoy día tiene plena vigencia por cuanto que algunos autores defienden los valores estéticos de la imagen, mientras que otros fotógrafos sostienen el valor de las imágenes como testimonio social de la realidad. En galerías de arte, salas de exposiciones, revistas,... podemos observar cómo la fotografía es utilizada por algunos como medio de reflexión artística y por otros como medio de reflexión social.
Realismo en fotografía Para otros usos de este término, véase Realismo.
El realismo en fotografía ha tenido su desarrollo en la Historia de la fotografía a través de diferentes movimientos conocidos como realismos fotográficos que han prestado mayor atención a la documentación fotográfica de la realidad en defecto de los valores estéticos de la fotografía.
Retrato creativo
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Retrato creativo Véase Retrato pictórico para saber más sobre el tema de los retratos.
Un retrato (del latín retractus) es una pintura o efigie principalmente de una persona. También se entiende por retrato la descripción de la figura o carácter, o sea, de las cualidades físicas o morales de una persona.[1] Por lo tanto, la primera definición de retrato es aquella que se refiere a la expresión plástica de una persona a imitación de la misma, lo que ocurre en la pintura, la escultura y la fotografía. En un retrato predomina la cara y su expresión. Se pretende mostrar la semejanza, personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona. Por esta razón, en fotografía un retrato no es generalmente una simple foto, sino una imagen compuesta de la persona en una posición quieta. Los retratos cumplen diferentes funciones. Los retratos de dirigentes, en política se suelen usar como símbolo del Estado. En la mayoría de los países es habitual en el protocolo que haya un retrato del jefe de Estado en todos los edificios públicos. Si se abusa de este tipo de retratos puede ser un síntoma de culto a la personalidad. Existe también la voluntad de perpetuar el recuerdo de una persona y de crear una imagen histórica del comitente. El retrato aparece en el siglo V a. C. sobre las monedas de los reyes persas. El uso se expandió sobre todo desde la muerte de Alejandro Magno. Conoció un desarrollo considerable en la época romana. En la Edad Media se siguió realizando retratos en las monedas. Durante el Quattrocento italiano se hicieron efigies en medallones como monedas. La costumbre de la efigie en medallón fue inaugurada por Pisanello en 1439.
Retrato funerario Romano-Egipcio de un joven
En cierto sentido, limita las posibilidades creativas del artista, al mantener el parecido con el sujeto del natural: quizá por esto algunos artistas no se adaptaron a practicar el retrato como, por ejemplo, Miguel Ángel. En realidad, el retrato no es una mera reproducción mecánica de los rasgos (como una máscara de cera modelada sobre el rostro o una impresión fotográfica, sino que entra en juego, para definirse como tal, la sensibilidad del artista, que interpreta los rasgos según su gusto y las características del arte del tiempo en que opera. Existieron artistas que practicaron ampliamente y de manera casi exclusiva el retrato y civilizaciones enteras que rechazaron el retrato como «figura tomada del natural» [2] (como el arte griego arcaico y clásico). La presencia o ausencia del retrato fisonómico en determinadas civilizaciones (aun contando con medios artísticos suficientes para producirlos) no es una simple cuestión de gusto hacia una u otra forma artística, sino que intervinieron condiciones mentales e ideológicas particulares que se reflejaban en el desarrollo y las condiciones de la sociedad en la que operaron los artistas. La segunda acepción sería esa descripción que se hace de las cualidades de una persona, en particular dentro de una obra literaria.
Retrato creativo
Evolución del retrato El impulso de retratar y fijar a una determinada persona, es un rasgo espontáneo y primordial y se manifiesta de la manera más ingenua atribuyendo un nombre a una imagen genérica, como ocurre con los dibujos de los niños. Se puede hablar en este caso de retrato «intencional». Cuando a este tipo de retrato se le conectan una serie de valores que unen la imagen al individuo, a menudo en el ámbito religioso, se habla de retrato «simbólico». Un segundo estadio del retrato es el que, si bien la representación aún no se parece al sujeto individual, están presentes una serie de elementos que Retrato «intencional» infantil. La individualización viene circunscriben la representación genérica a una cierta proporcionada sólo por el nombre, Mom, esto es, «mamá». categoría de individuos, facilitando la identificación (por ejemplo, atributos particulares, descripción del vestuario, objetos relacionados con el sujeto o su clase social, etc.): el retrato « tipológico», a menudo acompañado de la inscripción del nombre. Para hablar de un auténtico retrato debe existir una individualización del personaje a partir de la imitación de los rasgos individuales, sin otro artificio. Se trata del retrato « fisonómico», que se compone a su vez de dos estratos relacionados: la representación de los rasgos somáticos y la búsqueda de la expresión psicológica del individuo. El último paso fue de hecho el de fijar en la efigie un juicio moral sobre la persona retratada, eligiendo una actitud particular que fijar, un gesto, una expresión. Existe luego el retrato «de reconstrucción», en que el artista no ha visto al sujeto e intenta, sobre la base de las informaciones que posee y su sensibilidad, recrearlo, sea en la fisonomía, sea en la psicología, según el concepto que se ha formado sobre esa personalidad determinada. Es el caso típico de los retratos de grandes personajes del pasado de los cuales no se ha transmitido la imagen (de Homero a los Apóstoles). Puesto que tales imágenes son fruto de la invención y las circunstancias del tiempo en que se realizaron, es frecuente que por la misma personalidad histórica se tengan retratos reconstruidos muy diferentes.
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Retrato creativo
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El retrato escultórico Los primeros retratos de la historia fueron esculturas. Las mismas fases que acompañan la evolución de la producción de un retrato desde la producción infantil a la edad adulta se encuentran también en la historia del arte. Los cráneos humanos encontrados en Jericó, donde los rasgos se recrean con yeso y los ojos con conchitas, manifiestan la voluntad de reconstruir la persona del difunto, pero son retratos plenamente intencionales, en cuanto que están ligados a esquemas del todo genéricos, a pesar del auxilio de la estructura ósea subyacente. Seguramente las primeras representaciones humanas tenían las implicaciones mágicas y sagradas hacia las que se representaban. La creencia de que la imagen se une indisolublemente con aquello que retrata y que permanece por ejemplo en el ámbito negativo, como en aquellos ritos que se reservan a las imágenes de los adversarios tratamientos funestos, según supersticiones aún vivas en los retazos de civilización campesina y pastoral. [3] Retrato de la reina Nefertiti, Berlín.
El Antiguo Egipto es un ejemplo típico de cultura que, teniendo plenos medios técnicos, evitó la producción de retratos fisonómicos, al menos durante la mayor parte de su historia artística. Muchas figuras indicaban, a través de la aposición de diversos nombres, personajes diversos, comprendidos los retratos de los soberanos, en los cuales el nombre tenía un valor significativo que valía por los rasgos fisonómicos, mientras que no faltan ejemplos de soberanos representados como toros o leones. El realismo se veía como algo bajo y contingente, adaptado a las escenas de la vida cotidiana de las clases inferiores. El retrato «tipológico» permenece en auge, aunque con algunos acentos de diferenciación fisonómica debida al particular procedimiento de los escultores de elaborar a partir de máscaras en yeso modeladas con relieve en creta con los rasgos del difunto. [4] Sólo en el Imperio Nuevo, tras la reforma religiosa de Amenofis IV, se produjeron en Egipto auténticos retratos fisonómicos, con acentos psicológicos, como los numerosos retratos de Akenatón y Nefertiti. Este paréntesis se cierra de repente con la vuelta a la tradición y a los retratos por «tipología». Durante la tardía dinastía saíta (663-525 a. C.) se produce una nueva vuelta al retrato verídico, pero es una adecuación fisonómica superficial, ligada más al virtuosismo técnico que a la presencia de valores que expresar. Tras la conquista griega el retrato egipcio perdió las características propias para entrar en la corriente helenística. También dentro de la escultura cabe el autorretrato. El primer artista del que se conoce el nombre es el escultor del faraón egipcio Akhenatón Bac (hacia el 1365 a. C.), si bien se cree que los autorretratos son tan antiguos como el arte rupestre.
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Moneda persa con el rostro de Tisafernes, siglo IV a. C.
Cabeza real sumeria del Louvre
En Mesopotamia hasta la época sumeria hay una producción genérica de retratos «intencionales» (distinguibles sólo por el nombre impreso), «tipológicos» (en los que se distinguen algunos atributos de una clase de individuo), parecidos a los egipcios pero dotados de mayor libertad ideológica que caracterizaba a la sociedad de la época. Entre las mejores obras que han sobrevivido se encuentran algunso retratos de soberanos, impregnados de un esquematismo que pretendía evidenciar ante todo la majestad del soberano y su refinamiento, por ejemplo el de Hammurabi (1728 - 1686 a. C.) de la que queda su cabeza en el Louvre, en bulto redondo, caracterizada por una excepcional plasticidad del rostro, con las mejillas hinchadas, la boca pequeña y otros elementos que revelan una intención fisonómica. Durante la posterior dominación asiria, particularmente dura, la tendencia a la fisonomía desaparece completamente, volviendo a modelos fijos distintos solos por la inscripción del nombre, carentes incluso de los atributos tipológicos. Sólo en el período aqueménida (558-480 a. C.) se produce una nueva humanización de las efigies reales, pero el verdadero paso adelante se da en la producción de monedas, quizá obra de artistas griegos, que desde finales del siglo V a. C. presentan retratos fisonómicos que parecen manifestarse precozmente respecto a la propia Grecia (muy caracterizada es la de Tisafernes o la de los statere de Cízico). No esta claro aún si las diferencias entre una y otra cabeza, junto con algunos atributos del poder (gorro, bigote, barba) se deben a reales divergencias fisonómicas a menudo a las diversas manos que se ocuparon de la acuñación, en cualquier caso.
Retrato creativo
141 La creación de un auténtico retrato fisonómico es obra de la civilización griega. Se conoce la retratística griega sobre todo por las copias romanas. el retrato griego tiene como punto de partida el ámbito religioso, pero a diferencia de las civilizaciones orientales, los griegos no tenían intermediarios con la divinidad, sino una relación directa y humana. Las primeras estatuas humanas como el kurós y la kore sirvieron para representar a los oferentes de un santuario o a un difunto sobre su tumba de manera impersonal, simbólica, como la de las estelas funerarias del período arcaico (hasta el 480 a. C.). En las inscripciones emergió progresivamente el concepto de representación individual como obra de arte: de los nombres de las personas que representan o de sus palabras en primera persona, se pasó a añadir los nombres de los escultores para llegar a la dicción más destacada de «estatua de, imagen de» o «mnena (recuerdo) de.»
Las representaciones eran genéricas, como se ve en la de los estrategas y para los atletas existían las estatuas «icónicas», donde se especificaban algunas características físicas como la altura o la edad, pero la representación personal estaba ausente. El único retrato de la época que se puede llamar fisonómico, si bien no aún realista a causa de la idealización, es el de Platón de Silanion, conocido gracias a copias de la época romana. El retrato de Platón de Silanio, Louvre
Para llegar al verdadero retrato fisonómico se debe acudir a mediados del siglo IV a. C., aunque no se sabe cual es el ejemplo más antiguo: un herma de Temístocles que ha llegado a través de una copia de Ostia, realizada en vida hacia el 480-460 a. C., o la imagen de Pausanias rey de Esparta (464-460 a. C.) o las obras en gran parte desconocidas de Demetrio de Alopece. La tradición tardía narra que Fidias fue criticado por haber insertado su autorretrato en la decoración escultórica del Partenón, individualizado por los estudiosos en la figura de Dédalo, de marcada individualidad, aunque cercano al centauro de la metopa 9. La gran personalidad de Lisipo y las cambiantes condiciones sociales y culturales hicieron que se superaran las últimas reticencias hacia el retrato fisonómico y se llegase a representaciones fieles a los rasgos somáticos y del contenido espiritual de los individuos en época helenística, como puede verse en los retratos de Alejandro Magno. A Lisipo o sus seguidores se atribuyen los retratos de Aristóteles, el reconstruido de Sócrates del tipo II, el de Eurípides de tipo «Farnesio» en los que está presente una fuerte connotación psicológica coherente con los méritos de la vida real de los personajes. Entre los siglos II y I a. C. se desarrolló ampliamente el retrato fisonómico, no reservado sólo a soberanos y hombres destacados, sino también a simples particulares. Se difundieron el retrato honorífico y el funerario. El arte del retrato floreció en las esculturas romanas, en las que los retratados demandaban retratos realistas, incluso si no les favorecían. El origen de estos retratos está probablemente en la época helenística. en el arte romano se distingue entre el retrato honorífico público y el privado, ligado al culto de los antepasados.
Lisipo: Retrato de Alejandro Magno.
El uso de las efigies de los antepasados se remonta al inicio de la república. Pero tales imágenes no eran aún del estilo realista típico de la época de Sila, verdadero momento de separación con el retrato helenístico. La exasperación de la realidad en el retrato romano, el llamado «retrato romano republicano» comenzó a principios del siglo I a. C. y duró hasta el segundo triunvirato (432-32 a. C.), período que coincide con una fuerte exaltación de las tradiciones y
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la virtud de los patricios, contra el movimiento de los Gracos y el avance de la fuerza de la plebe hasta la guerra social (91 - 88 a. C.). Se asiste en definitiva a una toma de conviencia del valor de la gens, que se refleja en los retratos. El estilo de estas obras es seco y minucioso, reflejando la piel estragada por el paso del tiempo y las duras condiciones de la vida tradicional campesina. El arte de la época de Augusto se caracterizó por el auge del clasicismo. En el retrato se produjo una fusión del tipo oficial y del tipo privado, a través de la concepción neoática que veía en la representación una sobria idealización que fuese superior a la esfera de la contingente cotidianidad del realismo. La dualidad de los tipos de retrato se reflejan en el ejemplo de dos retratos de Vespasiano, uno expresivamente vulgar (Ny Carlsberg Glyptotek) y otro de aristocrática intelectualidad (Museo Nacional Romano, n.º 330). Con Trajano se consumó la fusión entre el retrato privado y el público. En la expresión del soberano se acentúa la actitud del hombre de mando militar, la energía, la resolución, pero el retrato sigue siendo humano, real. Durante el siglo IV, el retrato cedió terreno en favor de la idealización del aspecto del retratado. Basta comparar los retratos de Constantino I el Grande y Teodosio I. Augusto de via Labicana
Durante la Edad Media, el cambio en los intereses de las representaciones hicieron desaparecer nuevamente el arte del retrato. La mentalidad cristiana tendía a negar la importancia de la individualidad de las personas, prefiriendo el ´símbolo, por lo que se daba el retrato «tipológico». Al estar ausente un elemento «burgués» que infundiera valores laicos de afirmación del hombre en cuanto a tal, en la sencillez de su existencia terrenal, la necesidad de fijar las auténticas fisonomías se desvaneció inexorablemente. Debe esperarse a la Baja Edad Media, cuando reapareció en la escena europea una especia de burguesía, para ver el regreso de los fundamentos humanísticos y racionales que permitieron la producción de retratos. Probablemente tales condiciones se habían verificado ya en la corte de Federico II Hohenstaufen, [5] pero no se han conservado testimonios seguros de retratos. El más antiguo retrato fisonómico realista de un personaje viviente tras la época clásica fue el Retrato de Carlos I de Anjou de Arnolfo di Cambio (1277). Los retratos realistas reaparecieron en Borgoña y Francia. El Renacimiento fue un punto significativo en la evolución del arte del retrato por el renovado interés hacia el mundo natural, el hombre y la expresión clásica del arte romano. El retrato tuvo así una importante función social, tanto esculpido, a través de bustos o cabezas, como pintado. Tuvo notable difusión el retrato de busto hasta las espaldas, sobre todo en Florencia (Mino da Fiesole, Andrea del Verrocchio) y en Nápoles (Francesco Laurana).
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El retrato pictórico Entre los retratos más antiguos de gente particular, que no fueran reyes ni emperadores, son los retratos funerarios que han sobrevivido en el clima seco del distrito de Fayum en Egipto ( véase la ilustración de la derecha ) Son los únicos retratos de la era Romana que han sobrevivido hasta nuestros días, aparte de los frescos. En la Edad Media, como ocurre con la escultura, no hubo auténticos retratos hasta el surgimiento de una cierta clase burguesa en la Baja Edad Media. El más antiguo retrato fisonómico de la Edad Media se cree que fue el retablo de San Luis de Tolosa que corona al hermano Roberto de Anjou de Simone Martini (1317). Por lo que se refiere a la clase «media» en ciudades como Venecia, Florencia, Nápoles o Barcelona, frecuentemente financió obras de arte por parte de particulares, a menudo ricos banqueros que de esta manera expiaban el pecado de la usura. Así nace la costumbre de representar a los comitentes en el acto de donar la obra de arte, dentro de la misma obra, como ocurre con Enrico degli Scrovegni retratado en el acto de donar la famosa capilla a los ángeles, pintado por Giotto, o arrodillados a los pies de la figura sagrada, a menudo en proporciones menores como símbolo de su humildad frente a la divinidad. Los donantes además están presentados a la figura divina (la Virgen, Jesucristo) por el santo patrón de su nombre como intermediario. Giotto, Enrico Scrovegni dona a los ángeles una reproducción de la Capilla de los Scrovegni, Capilla de los Scrovegni, Padua.
El Renacimiento supuso una renovación del retrato pintado, renaciendo en este período el retrato privado como tema independiente. Los retratos sobre medallas o medallones se hicieron populares recuperando modelos antiguos desde principios del siglo XIV, como los de Pisanello. En esta época circularon con frecuencia pequeños retratos miniados o pintados, que difundían las imágenes entre las cortes, a menudo con intereses matrimoniales. En la Trinidad de Masaccio se encuentra un primer ejemplo de reetrato realista de los comitentes de una obra de arte, representados a tamaño natural respecto a la divinidad. También se difundió el uso de insertar retratos de personajes contemporáneos en las escenas pintadas, sean sacras o profanas, como ocurre con Simonetta Vespucci que aparece en varios cuadros de Botticelli, como en el célebre Nacimiento de Venus.
Retrato creativo
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Casi todos los grandes maestros se dedicaron al retrato (Piero della Francesca, Antonello da Messina, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Ticiano, Rafael...) con la notable excepción de Miguel Ángel que no reprodujo efigies realistas de personajes, salvo, quizá, y con intenciones denigratorias, en el Juicio Final. En Occidente uno de los retratos más famosos es La Gioconda de Leonardo da Vinci, a la que se ha identificado como Lisa Gherardini. En él se alcanzó un extraordinario efecto psicológico, como en las mejores obras de Ticiano. En este mismo período se difunde la práctica del autorretrato, primero como elemento en un cuadro de grupo (a este respecto, Leon Battista Alberti aconsejó a los artistas retratarse mirando al espectador), luego también como sujeto independiente (desde la segunda mitad del siglo XVI). El autorretrato en miniatura más antiguo que se tenga constancia es el de Nicholas Hilliard de 1575, Tiziano, Retrato de hombre con sombrero rojo aunque no fue el primero que creó una imagen de sí mismo. Los primeros autorretratos del arte occidental aparecieron durante el Renacimiento, cuando los artistas pintaban su propia cara entre la muchedumbre, en origen en escenas narrativas. El género del autorretrato fue tomando una importancia creciente después del período clásico. Durante los períodos barroco y rococó, en los siglos XVII y XVIII, los retratos adquirieron una importancia crucial. Dentro de una sociedad cada vez más dominada por la burguesía, las representaciones de individuos lujosamente vestidos al lado de símbolos de pujanza y de riqueza temporal contribuyeron de manera eficaz a la afirmación de su autoridad. Van Dyck y Rubens destacaron en este género.
Nicholas Hilliard, 1575, el autorretrato en miniatura más antiguo conocido.
En la misma época, el interés creciente por la comprensión de los sentimientos humanos engendra en los artistas el interés por la fisionomía de las emociones. Los impresionistas como Monet, Degas o Renoir, que utiliza principalmente como modelos a sus familiares y amigos, pintados en pequeños grupos o individuos solos, al aire libre o en taller. Caracteriza por su superficie luminosa y la riqueza de sus colores, estos retratos presentan a menudo un carácter intimista, alejado del retrato oficial.
Los artistas de principios de siglo ampliaron los campos de exploración del retrato, liberándolo de las dificultades de la semejanza visual. Henri Matisse simplificó la línea y los colores para darles toda su fuerza expresiva. Pablo Picasso realizó numerosos retratos, de estilo cubista en las que el modelo es apenas reconocible. El arte del retrato en pintura entró en declive a mediados de siglo, seguramente debido al interés creciente por la abstracción y el arte no figurativo. Más recientemente, sin embargo, el retrato ha conocido un renacimiento. El retrato es un apasionante objeto de estudio porque concentra en sí la mayoría de las funciones de la pintura.
Retrato creativo
La fotografía de retratos Desde el albor de la fotografía la gente ha hecho retratos. La popularidad alcanzada por los daguerrotipos a mediados del siglo XIX le vino en gran parte de la demanda de retratos baratos. Los estudios de fotografía se multiplicaron en las ciudades del mundo, y algunos tiraban más de 500 placas al día. El estilo de esto trabajos tempranos reflejaba las dificultades técnicas asociadas a tiempos de exposición de 30 segundos, así como la estética del los tiempos. Los sujetos se solían sentar delante de fondos de color liso, y se iluminaban con la tenue luz de una ventana, o como mucho con lo que se pudiera conseguir a través de espejos. Los retratos fotográficos son una actividad comercial que florece por todo el mundo. Hay muchas personas que están dispuestos a pagar a un profesional para que le haga un retrato de familia que poder colgar en sus salones, así como las fotos de los grandes sucesos familiares: bodas, graduaciones, o los ritos religiosos de cada cultura como bautizos, primeras comuniones, etc. Según se desarrollaron las técnicas fotográficas, algunos intrépidos llevaron su talento fuera de los estudios: en los campos de batalla, en la espesura de los bosques o en los océanos. Willian Shew con su Salón de Daguerrotipos, Roger Fenton con su caravana fotográfica, o Mathes Brady con su carromato What-is-it? (¿esto qué es?) sentaron las bases de los retratos y otras fotografías de exterior.
Tipos de retrato Con la utilización del lenguaje cinematográfico se puede hablar de tipos de retrato según el tipo de plano. • Plano entero (PE): también conocido como Plano Figura, encuadra la figura entera del personaje a fotografiar, desde los pies a la cabeza. • Tres cuartos o Plano americano (PA): también denominado 3/4 (tres cuartos) o plano medio largo, recorta la figura por la rodilla aproximadamente. Es ideal para encuadrar en la fotografía a varias personas interactuando. • Plano medio (PM): recorta el cuerpo en la fotografía a la altura de la cintura. Es la distancia adecuada para mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de las entrevistas. • Busto o Plano medio corto (PMC): captaría el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho. Este plano nos permite aislar en la fotografía una sola figura dentro de un recuadro, descontextualizándola de su entorno para concentrar en ella la máxima atención. • Primer plano (PP): recogería el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el Plano detalle y el Primerísimo primer plano, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje. • Primerísimo primer plano (PPP): capta el rostro desde la base del mentón hasta la punta de su cabeza. También dota de gran significado a la imagen. • Plano detalle (PD): recoge una pequeña parte de un cuerpo u objeto. En esta parte se concentra la máxima capacidad expresiva, y los gestos se intensifican por la distancia tan mínima entre cámara y sujeto/objeto. Sirve para enfatizar algún elemento de esa realidad.
En literatura En términos literarios, se conoce como retrato la descripción minuciosa y extensa de un personaje, presentando sus cualidades físicas y morales en un mismo enfoque pictórico: una fusión de la prosopografía y la etopeya. Un retrato escrito a menudo da una visión profunda y ofrece una análisis que excede lo superficial. Por ejemplo la escritora estadounidense Patricia Cornwell escribió un libro llamando Retrato de un asesino sobre la personalidad, antecedentes y posible motivación de Jack el Destripador, así como de la cobertura que los medios de comunicación dieron a sus asesinatos, y de la subsiguiente investigación policial de sus crímenes. Un retrato da una visión, a veces caricaturesca o satírica, que no es sólo una descripción física sino también una descripción psíquica o simbólica. El retrato (o el autorretrato) puede aparecer en forma de una escena fija divagadora
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Retrato creativo que ocupa un corto espacio de tiempo, como se ve en los Caractères de La Bruyère, o construirse en momentos de divagación sucesivos que se extienden a lo largo de toda la obra, como ocurre en Le Sopha de Crébillon hijo. En este caso, los retratos y autorretratos pueden construirse a través de tiempos diferentes. Son posibles otras formas de construir los retratos y autorretratos, puesto que el autor puede elegir el alcance u objetivo de esta descripción identificadora. De esta manera, pueden ignorarse los rasgos físicos de una persona o los materiales de un objeto para no describir más que su aspecto psíquico o simbólico. Ejemplo de retrato: "En verdad, el aspecto externo de Momo era un poco extraño y tal vez podía asustar algo a la gente que da mucha importancia al aseo y al orden. Era pequeña y bastante flaca, de modo que ni con la mejor voluntad se podía decir si tenía ocho años o ya doce. Tenía el pelo muy ensortijado, negro como la pez, y parecía no haberse enfrentado nunca a un peine o unas tijeras. Tenía unos ojos muy grandes, muy hermosos y también negros como la pez y unos pies del mismo color, pues casi siempre iba descalza".[Retrato físico de Momo (Michael Ende)].
Referencias [1] [2] [3] [4] [5]
Diccionario R.A.E. (http:/ / buscon.rae.es/ draeI/ SrvltConsulta?TIPO_BUS=3&LEMA=retrato) La definición es de Filippo Baldinucci, Vocabolario toscano dell'Arte e del Disegno, Florencia, 1681. Por este motivo, por ejemplo, en algunos contextos existe una reluctancia de las personas a ser representadas fotográficamente. No se modelaban directamente sobre el rostro del difunto. Todos los emperadores precedentes fueron retratados de manera convencional, con la única excepción, quizá, de un retrato hoy perdido de Carlomagno a caballo.
• Ranuccio Bianchi Bandinelli, Il problema del ritratto, en L'arte classica, Editori Riuniti, Roma 1984. • Este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo Ritratto de la Wikipedia en italiano, bajo licencia Creative Commons Compartir Igual 3.0 y GFDL.
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Retratos.Commons
• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Autorretratos.Commons • National Portrait Gallery de la Smithsonian Institution (http:/ / www.npg.si.edu/ ) (en inglés) • National Portrait Gallery de Londres (http:/ / www.npg.org.uk/ ) (en inglés) • Jeanne Ivy's Self-Portrait Page (http:/ / www.research.umbc.edu/ ~ivy/ selfportrait/ ) - What Artists Find When They Search in the Mirror . • Portrait Detectives (http:/ / www.liverpoolmuseums.org.uk/ nof/ portraits/ ) - Fun interactive introduction to the analysis of portraiture. • Algunas reflexiones filosóficas sobre el retrato (http:/ / www.revistadefilosofia.com/ 17-05.pdf)
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Fuentes y contribuyentes del artículo
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Aguiar, Perlaes, Petronas, Prowlercoy, Qwertyytrewqqwerty, Racso, Riguperto, Rosarinagazo, Simeón el Loco, Trango, Txo, Txuspe, Wikisilki, Wolverine26, Ángel Luis Alfaro, 33 ediciones anónimas Pictorialismo Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=43168479 Contribuyentes: Alexan, Antur, Cookie, Ensada, Er Komandante, Escarlati, Ezkibela, Jorgebarrios, Juanpgarcia, Lpagola, Lucas R, Matdrodes, Nioger, PODA, Prv, Superzerocool, Velivoloaugural, 15 ediciones anónimas Realismo en fotografía Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=35644698 Contribuyentes: Alexan, Antur, Ascánder, Boja, Crishu85, Dianai, Ensada, HUB, Jorgebarrios, Juanpgarcia, Petronas, 4 ediciones anónimas Retrato creativo Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=9667315 Contribuyentes: Daniquen, Desatonao, Diegusjaimes, Dodo, Eldelgas, Eligna, Ensada, Gustronico, Ignacio Icke, Isha, Joane, Jose Artetxe, Juanmak, Kordas, Kved, Laura Fiorucci, Levimak9, Lourdes Cardenal, Macarrones, Mafores, Mel 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