Guia Didáctica - Arte y Cultura

E IC D N Í

S E R A N I M I L E R P

R E M I R P

E R T S E IM B

O D N U G E S

E R T S E M I B

O I R A N O I C U L O S

Modalidad Abierta y a Distancia

Arte y Cultura Guía didáctica 5 créditos

Titulación Ciclo

3

Ad m ini straci ón de Em presas Turíst

icas y Ho teleras

La Universidad Católica de Loja

Área Administrativa

E IC D N Í


MODALIDAD ABIERTA Y A DISTANCIA

Departamento de Arquitectura y Artes Sección Arte, Teoría y Conservación del Patrimonio

Arte y Cultura

R E M I R P

E R T S E IM B

O D N U G E S

E R T S E M I B

Guía didáctica 5 créditos

O I R A N O I

T i t u l ac i o n e s  Administración de Empresas Turísticas y Hoteleras

C U L O S

Ci c l o

III

Autora: Dra. Elena Malo Mar tínez, PhD.

La Universidad Católica de Loja

Asesoría virtual: www.utpl.edu.ec

E IC D N Í


R E M I R P

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O D N U G E S

E R T S E M I B


ARTE Y CULTURA Guía didáctica Elena Malo Martínez UNIVERSIDAD TÉCNICA PARTICULAR DE LOJA CC

Ecuador 3.0 By NC ND

Diagramación, diseño e impresión: EDILOJA Cía. Ltda. Telefax: 593-7-2611418 San Cayetano Alto s/n www.ediloja.com.ec [email protected] Loja-Ecuador

Tercera edición

ISBN DIGITAL- 978-9942-04-729-8

Esta versión digital, ha sido acreditada bajo la licencia Creative Commons Ecuador 3.0 de reconocimiento -no comercial- sin obras derivadas; la cual permite copiar, distribuir y comunicar públicamente la obra, mientras se reconozca la autoría srcinal, no se utilice con fines comerciales ni se realicen obras derivadas. http://www.creativecommons.org/licences/by-nc-nd/3.0/ec/ 13 de Agosto , 2015

2. Índice

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2. Índ................. ice ...........................................................................................................................................

4

3. Introducción............................................................................................................................................. 4. Bibliogra.................. fía ............................................................................................................................ 4.1.

6 7

Básica ............................... .................................... .................................... ...................................

7

.................................. .................................... .................................... ........... 4.2. Complementaria

7

5. Orientacionesgenerales para el estudio .............................................................................


9

6. Proceso de enseñanza-aprendizaje para el logro de competencias ................

10

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E R T S E M I B

PRIMER BIMESTRE

6.1.

Competencias genéricas de la UTPL .................................. .................................... ...........

10

6.2.

Planificación para el trabajo del alumno ............................... .................................... .....

11

6.3.

Sistema de evaluación de la asignatura (primero y segundo bimestr.............. e)

6.4.

Orientaciones específicas para el aprendizaje por competencias ...........................

13 14

UNIDAD 1: Época absrcen ................................... .................................... .................................... .....

14

1.1.

Reflexiones e implicaciones del término cultura ....................................................

14

1.2.

Comparación histórica con la Prehistoria .................................................................

17

Autoevaluación 1 ................................. .................................... .................................... ....................... 1.3.

Arte antiguo y culturas mesoamericanas.................................................................

Arte Clásico ....................................................................................................................

1.5.

Arte de la Edad Media ..................................................................................................

25 36

37 42

Autoevaluación 3 ................................. .................................... .................................... ....................... 1.6.

El Renacimiento ............................................................................................................

48

50

Autoevaluación 4 ................................. .................................... .................................... .......................

60

UNIDAD 2: Época Colonial.................................................................................................................. 2.1.

Arte en la Edad Moderna: Barroco y Rococó. ...........................................................

2.2.

Arte Colonial: Escuela Quiteña ...................................................................................

C U L O S

24

Autoevaluación 2 ................................. .................................... .................................... ....................... 1.4.

O I R A N O I

61

61 66

Autoevaluación ................................. 5 .................................... .................................... .......................

74

....................................................................................................... 76 2.3. Arte del Neoclásico Autoevaluación ................................. 6 .................................... .................................... .......................

82

SEGUNDO BIMESTRE

6.5.

Competencias genéricas de la UTPL .................................. .................................... ...........

84

6.6.

Planificación para el trabajo del alumno ............................... .................................... .....

84

6.7.

Orientaciones especificas del aprendizaje por competencias . .................................

UNIDAD 3: Independencia y Etapa colombiana ..........................................................................

87

87

3.1. Romanticismo ...............................................................................................................

87

3.2.

92

El Realismo ....................................................................................................................

Autoevaluación.................................... 7 .................................... ................................... .....................

95

UNIDAD 4: Época Republicana ............................... .................................... .................................... .. 4.1.

Inicios del arte republicano en Ecuador ................................................................... .

97 98

4.3. Neoimpresionismo .......................................................................................................

101

Autoevaluación.................................. 8 .................................... .................................... .....................

106

Arte del siglo XX: Fauvismo, Expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo y Pop art. .................................................................................................. 108

Autoevaluación.................................... 9 .................................... ................................... ..................... 4.5.

D N Í

97

4.2. Impresionismo ..............................................................................................................

4.4.

E IC

Arte revolucionario: Muralismo mexicano y su influencia en Latinoamérica ....

116

118

Autoevaluación 10 ................................. ..................................... ................................... .....................

122

Autoevaluación 11 ................................. ..................................... ................................... .....................

125

7. Conclusió.................................. n ...............................................................................................................

127

8. Solucionar.................. io ...........................................................................................................................

128

9. Anex.................................. os ........................................................................................................................

139


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Guía didáctica:Arte y Cultura

PRELIMINARES

3. Introducción

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El componente Arte y Cultura, se imparte en el tercer ciclo de la Titulación de Hotelería y Turismo, de la Universidad Técnica Particular de Loja, Modalidad Abierta y a Distancia. Es un componente educativo Troncal de Carrera y tiene una valoración de 5 créditos. Se ha considerado que es importante para los estudiantes el conocimiento y comprensión de la cultura y arte, desde el Ecuador, con paralelos en el Mundo. El desarrollo de esta destreza apoyará el manejo de la información que, como estudiantes de Hotelería y Turismo, necesitan para su interrelación con las temáticas que se desarrollan dentro del quehacer diario de un Administrador de empresas turísticas y hoteleras. En este proceso se ha utilizado como eje fundamental de este conocimiento, el proceso histórico dentro de nuestro país, con paralelismos en el mismo periodo de tiempo en otras zonas culturales, con el fin de establecer un conocimiento general. En el ámbito en el cual se desarrollarán como profesionales van a encontrarse con elementos culturales, que deben ser contextualizados en el espacio y el tiempo, con el fin de entender su importancia, por sí mismos y en su entorno. Este componente educativo, ha sido diseñado con el fin de que ustedes como profesionales tengan las capacidades, habilidades y conocimientos desde la historia ecuatoriana y del arte mundial, para desenvolverse en los aspectos relevantes en el conocimiento de la titulación de hotelería y turismo. Para ello se han planteado algunas estrategias y procedimientos específicos que apoyen la permanencia de dichos conocimientos, que serán valederos para todos aquellos que estén interesados en el saber de la historia y de sus aspectos más relevantes. Esta cátedra ha sido dividida en dos bimestres evaluando la profundización y contenidos que se revisarán. Inicialmente el primer bimestre abarca tres grandes unidades que reflejan los conocimientos desde la aparición del ser humano en la tierra, intercalando estos paralelamente, en sentido cronológico, con los hechos suscitados en el Ecuador o en América en general. Luego avanzamos a la denominada época Absrcen, donde mediante la utilización tanto del texto básico como de esta guía didáctica, iremos conociendo los procesos históricos en el “mundo conocido” y en nuestro territorio. Finalmente en el primer bimestre veremos la época Colonial, donde los dos mundos se encuentran por primera vez, e iniciamos una historia con elementos comunes. En el segundo bimestre tratara de ir entendiendo mediante una combinación, tal como en el periodo anterior, la correspondencia cronológica de los hechos vividos en nuestro país, con la historia del arte mundial, para ello trataremos los grandes temas denominados independencia y época colombiana, y la época republicana, viendo el desarrollo artístico desde el siglo XIX hasta avanzado el siglo XX. Le invito a iniciar este trabajo, como sugerencia sería importante que desde el primer momento se proponga desarrollar su trabajo a distancia. Es un reto, pero Usted está listo para esto, !Adelante!

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PRELIMINARES

4. Bibliografía

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4.1. Básica Ayala Mora, E. (2008). Resumen de historia del Ecuador. Quito: Corporación Editora Nacional. En este texto encontrará información sobre la historia de Ecuador, desde la aparición del ser humano en nuestro territorio, hasta los últimos acontecimientos vividos en el paísde enlos el aspectos siglo XXI. más El autor hace un resumen de cada momento, lo cual colabora a un aprendizaje puntual importantes de cada período histórico, así como de los personajes y hechos suscitados a lo largo del tiempo. Malo Martínez, S. E. (2014). Arte y Cultura. Guía didáctica. Loja: Editorial UTPL. Se trata del presente documento, diseñado como cuaderno de trabajo que se incluye en su matrícula con los textos básicos y en el que se plantean las orientaciones generales para el estudio de la asignatura, junto a una serie de actividades que la/el estudiante podrá desarrollar a medida que avanza en la lectura de los distintos temas, este está relacionado directamente con el texto de Ayala Mora, por ello en cada capítulo tratado en esta guía, se le solicitará que revise los contenidos de la propuesta concebida en el libro básico.

4.2. Complementaria Ceballos Córdoba, H. (2006). Del arte de las sociedades a las sociedades del arte. Medellín: Editorial de la Universidad Pontificia Bolivariana. Este libro es un ensayo que nos introduce al campo teórico de las artes, mediante varios enfoques, entre los que destaca una visión antropológica. De la mano de Leroi Gourhan, el autor nos acerca en una primera parte a los procesos que dieron lugar a la producción simbólica en la época de los cazadores recolectores. Se podrá comprender la inserción de la experiencia estética en el sistema social, lo cual dará lugar a que durante el Renacimiento aparezca el concepto de arte. En una segunda parte se revisará justamente ese proceso y su posterior desenlace hacia la institucionalidad del arte bajo el influjo grecolatino y judeo-cristiano. Adoum, J. E. (2000). Ecuador: señas particulares. Sexta edición. Quito: Eskeletra Editorial. Se trata de un agudo y crítico ensayo sobre diversos rasgos que configuran la forma de ser del ecuatoriano. Jaramillo Alvarado, P. (1982).Historia de Loja y su Provincia, Segunda edición. Guayaquil: Graba. Es un texto de referencia útil para los interesados en profundizar en la historia lojana. MURRA, J. (1980). La organización del estado Inca. México: Editorial Siglo XXI. La información de este texto le ayudará a comprender y analizar el nivel organizativo de la cultura inca. Varios Autores. (1977). Historia del arte ecuatoriano. Quito: Salvat Editores Ecuatorianos S.A. Se trata de una serie de textos editados entre 1977 y 1986 que en su conjunto permiten contar con una referencia de lo que ha sido la producción de imágenes en el Ecuador.

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PRELIMINARES

Vargas, J. M., (1960) El arte ecuatoriano, Biblioteca Ecuatoriana Mínima, Quito: E IC

Versión electrónica: Recuperado index.htm

de:

http://www.cervantesvirtual.com/servlet/SirveObras/05818318790503973089079/

En este texto encontrará información que le ayudará a profundizar la historia y el arte ecuatoriano. Arqueología Ecuatoriana. Recuperado de: http://www.arqueo-ecuatoriana.ec/es Es un portal en donde se exponen y discuten varios temas que tienen que ver con la investigación arqueológica en el Ecuador. Consta de numerosos recursos y enlaces que están en permanente actualización. Real Academia Española de la Lengua Diccionario Recuperado de: http://rae.es/rae.html Esta es la versión digital del Diccionario de la Real Academia Española de la Lengua, en donde se podrá consultar palabras, conjugaciones verbales y otros temas relacionados con la gramática del idioma español. Además adjunto algunas páginas donde existe información general de los aspectos históricos que hemos considerado para esta guía: http://www.artehistoria.jcyl.es/ , http://inesgracielabermeo.blogspot. com/2011/07/erte-y-literatura-ecuatoriana-del-siglo.html


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O I R A N O I

www.Clio.rediris.es www.mcnarte.com/app-arte/do/show?key=ecuador-arte-colonial

C U L O S

www.ficmaya.com www.iesmardearagon.es www.uclm.es www.portal.uah.es www.unesco.org.uy www.uaeh.edu.mx/ www.wordpress.com

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D N Í



PRELIMINARES

5. Orientaciones generales para el estudio

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Estimado estudiante, el estudio a distancia requiere organización, responsabilidad y persistencia, para ello le propongo algunas orientaciones que facilitaran el desarrollo de la asignatura. Dentro de la Ingeniería en administración de empresas turísticas y hoteleras, se ha considerado importante el estudio de la materia de arte y cultura. Esta guía didáctica les servirá de apoyo en el aprendizaje para la enseñanza dentro de esta temática, es por ello que para un mejor desempeño en el estudio y desarrollo de su conocimiento le sugerimos lo siguiente: •

•

•

•

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•

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•

•

•

Organice su tiempo de tal forma que no deje acumular los trabajos. Es importante dedicar al menos dos horas diarias al estudio de la asignatura. Es necesario adecuar un lugar de estudio que permita su concentración, este debe estar muy bien iluminado y tranquilo. Mantenga cerca de su zona de estudio el calendario académico de la universidad, para así evitar contratiempos con las fechas establecidas para la presentación de evaluaciones. En el presente ciclo vamos a utilizar el texto básico conjuntamente con la guía didáctica. Por ello le sugiero leer la guía y remitirse a los capítulos y temáticas que allí se sugieren, donde puede entender el proceso histórico artístico como se va incluyendo a lo largo del análisis del Dr. Enrique Ayala Mora, sobre la historia del Ecuador. La guía didáctica está desarrollada tomando en cuenta las unidades para el Primer Bimestre enfocado en las épocas absrcen y colonial y el Segundo Bimestre desde el surgimiento de la Independencia hasta la República. Lea comprensivamente todos los temas del texto y de la guía, subraye lo que considere importante para su estudio. Resuelva los ejercicios y actividades recomendadas para aseguran un mejor y concreto aprendizaje, esto le permitirá llevar mejor su estudio y el nivel de conocimiento. Su tutor está disponible para responder cualquier duda, utilice los canales que le ofrece la universidad, correo electrónico, por teléfono en el horario de tutorías, o a través del Entorno Virtual de Aprendizaje (EVA). No olvide ingresar periódicamente al EVA, allí encontrará recursos, anuncios, información que son importantes tanto en contenidos como en actividades de interés. Es importante que revise la bibliografía complementaria sugerida para esta cátedra, así como otras fuentes de consulta propuesta que le ayuden a ampliar el conocimiento y su interés. Para la realización de evaluaciones presenciales del primer y segundo bimestre, realice una lectura general tanto de la guía, como del texto; analice y reflexione cada uno de los temas. Recuerde, estas evaluaciones son obligatorias e irrecuperables, y deben presentarse en las fechas establecidas. Existe en esta guía un cuadro de planificación de trabajo del alumno, allí se presentan las competencias genéricas, especificas e indicadores de logro para cada bimestre, además de los contenidos, actividades de aprendizaje y tiempo estimado de estudio para cada unidad. Además le sugiero revisar el Sistema de Evaluación, en el se encuentran las actitudes, habilidades y conocimientos que se evaluarán. Este cuadro es para los dos bimestres. 9



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e d n fi l e n o c ”r, o d a u c E l e d ia r o t

s ia c n e t e p m o c e d o r g o l l e r a p e j a z i d n e r p a a z n a ñ e s n e e d o s e c o r P . 6

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E R T S E M I B R E M I R P

is H la e d n e m u s e R :“ ro b il u s n e a r o M a l a y A e u q ri n E .r D l e r o p o d a e t n a l p a m e u q s e l e ri u g se a a v ra d te á c la e d o id n te n o c l E

PRIMER BIMESTRE

E IC D N Í

. ís a p l e n e s o d i c u d ro p s e l a r u lt u c s o ll o rs a e d s lo e d n ó si n e r p m o c la tie li c a f e u q o c i g ó l o n o r c so e c o r p n u r e c le b a ts e

.s e sí a p s o tr o n e a ic r ó ts i h n ió c la e rr o c u s y r o d a u c E n e l ia n lo o c a c o p é a l y n e g ri o b a a c o p é a l e d s o m re a l b a h e rt s e m i b r e im r p te s e n e lo l e r o P


L P T U a l e d s a c ir

. a m o n tó u a a m r

s. e c a c fi e io d tu s e e d s a c i n c é t y s o ti

é n e g s ia c n e t e p m o C . 1 . 6

fo n e r a j a b a tr ra a p d a d i il b a H

b á h irr i u q d a a r a p d a id c a p a C

. tia r c s e y l ra o n ió c a ic n u m o c e d d a id c a p a C

s. a rs e iv d s te n e fu e d e t n e d e c o r p n ió c a m r o f in r a z il a n a y r sa e c ro p r, a sc u b a r a p s e d a d il i b a H

R E M I R P

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O D N U G E S

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. ra o d a v o n in e a v ti a e r c d a id c a p a C

. s le a n o rs e p r e t n i s e d a d i il b a H

l. a n o i c a n d a d ti n e d i la r e c e l ta r o f y r a r lo a v r, e c o n o c a r a p d a id c a p a C

d a d li ra u tl u c it l u m y d a id rs e iv d la r o p o t e sp re y n ó i c ra o l a V



e d o p m e i T

e d s re o d a ic d In

n ió c a ic d e d

1 a n a m e S

e j a z i d n re p a

a l r la lr o r a s e D

je a z i d n e r p a e d s e d a d i itv c A

s o id n te n o C

o n m lu a l e d jo a b rta l e ra a p n ió c a c fii n la P . 2 . 6

s e d a id n U

s ia c n e t e p m o C

o iv t a c u d e e t n e n o p m o c

l e d s a c fií c e p s e

s a ic íf c e sp e s ia c n te e p m o C

11

a r u t c le a n u r a z il a e R

n ió c la u itt e d

y

1 n ió c a lu a v e o t u A

o c ri tsó i h

s e l a i c n e t o p s o l r a lu a v e

n ió c la re n e o n ia r o t a u c e

n ó i is v n o c s o c tis rí tu

n ió c c a r te in

2 n ió c a lu a v e o t u A

s o l n o c o d n a n io c a l e ,r o c si á b

. ra tlu u c

•

so e c o o p C r

y r a n o tis e g r, a c itfi n e d I

o t x te l e d 1 1 a ts a h 8 a n i g á p

o in m r té l e sd e n o i c a c li p m i e s e n o i x e fl e R

. n e ig r o b A a c o p É : 1 D A ID N U

l e e d n e r p m o c y e c o n

a l r la lr o r a s e D

a l e sd e d a v is n e r p m o c

e d s ra o h 2 1

2 a n a m e S

e d 8 io d u st e o t u a

PRIMER BIMESTRE

s to n e v e s o l n o c e d jo e n a m u s e d a v ti c e p s o r p

la n e s o d a e t n a l p s o d i n te n o c

.s e r o d la b o p s o r e m ri p s o L

.s te n e i ip c in s la o c ír g a s e d a d e i c o S

. a ri to si h re p

.s a n a c ri e m a o s e m s ra u lt u c y o u g it n a e tr a

•

•

•

•

s o d la l o rr a s e d s e l a r u lt u c e d s io ip c n ir p s lo a o d r e u c a

a ri to is h la e d s sii l á n a n e e l

e t n ia d e m o d n u m l e

. d a d lii ib n tse so

e d s a r o h 6

a l r a l lr o r a s e D

3 n ió c a u l a v e o t u a

o c ti p ó isn o r d a u c n u r a iz l a e R

.s a v ti ra a p m o c s a ic t á m te

s la e r b so a c it c á id d ía u g

3 a n a m e S

. e rt a l e d

s. e rr io e p u s s la o íc r g a s e d a d e i c o S •

s o c ir ó sti h s to n e m o m s o l e d

e d 4 y o i d tu s e o t u a

e tr a l e n o c s lo o d n á r a p m o c

a n a m e s y 4 a n a m e S 5

. n ó i c c a r te n i

a l r a l lr o r a s e D


a l r a l lr o r a s e D o g e lu , ra u t c le a n u r a iz l a e R

. ira o t is h a l n e

o ic s á l c e tr a

.s e l a n u m o c a r p u s s la o íc r g a s e d a d e i c o S

a i d e M d a d E a l e d e tr a

. io r a c In l E

o t n ie m i c a n e R tre A

•

•

•

•

•

e d s a r o h 2 1

5 n ió c a u l a v e o t u a a 2 l 1 e sa d n a it má e p u la sq in e o n lo u c r ra so o e b c a l ro e p

. o t x e t l e d 1 2

.l a i n o l o c o h c e h l E

d a d e la n e te r a n o c a c ir ó sti h n ó i c ra a p m o C

•

•

l a i n lo o C a c o p É : 2 D A ID N U

r e d n re p m o c y r e c o n

o c ri tó si h so e c o r p o e C l

y r a n o tis e g r, a c fi it n e Id


s e l a i c n te o p s o l r a u l a v e

n ió c la re n e o n ia r o t a u c e

n ó is i v n o c s o c tis rí tu

s o t n e v e s o l n o c e d jo e n a m su e d a v ti c e p s o r p

E IC D N Í


. o c o rr a b : a n r e d o m

s o d a ll ro r a s e d s e l a r u tl u c e d s io ip c in r p s o l a o rd e u c a


. ta is u q n o c a L

. o t n e i m ir b u c s e d l e d n ó tis e u c a L

•

•

a ri to si h la e d s sii l á n a n e e l

e t n ia d e m o d n u m l e

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O I R A N O I

. o it u Q e d a t is u q n o C

. a ñ e it u Q a l e u c s E :l ia n lo o c te r A

s. o d i c n e v s o l e d n ió si v a L

•

•

•

. e rt a l e d

. d a d i il ib n e st so


C U L O S


e d o p m e i T

e d s re o d a ic d In

n ió c a ic d e d

e j a z i d n re p a

je a z i d n e r p a e d s e d a d i itv c A

s o d i n te n o C

s e d a id n U

s a i c n te e p m o C

o v ti a c u d e e t n e n o p m o c

l e d s a c fií c e p s e

s a ic íf c e sp e s ia c n te e p m o C

e d s ra o h 6

6 a n a m e S

a l r la lr o r sa e D

6 n ió c a u lv a e o t u a

a l e d s e d o c is á b to x e t l e r e e L

n u r a r o b la e y 1 2 a 4 1 a n i g á p

e d 4 y io d u st e o t u a

l e n o c o iv t a r a p m o c o r d a u c

PRIMER BIMESTRE

8 y 7 a n a m e S

. n ió c c a r te in

l e y a i d e m d a d e a l n e e rt a

: o d ío r e p r e irm P

.l ia n o l o c n e rd o l e d n ió c ta n a l p Im

s. e il v i c s ra r e u g s a L

•

•

•

n e m a x e l e ra a p n ió c ra a p re P

. o t n e i m i c a n re

l. a i c i n i n ió c a z i n lo o C

. a v ti ra ts i n i m d a n ió c a z i n a g r O

: o d o rí e p o d n u g e S

d a d e la n e te r a n o c a c ir ó sti h n ó i c ra a p m o C

•

•

•

•

e d s a r o h 2 1


E IC D N Í



l a trs e

m i b

E R T S E IM B

O D N U G E S

E R T S E M I B

O I R A N O I

. o ic s á l c o e :n a n r e d o m

C U L O S

l. ia n o l o c n e rd o l e d e g u A

.s je ra b o y s a ti M

•

•

n ió c la u itt e d

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PRIMER BIMESTRE

6.3. Sistema de evaluación de la asignatura (primero y segundo bimestre) E IC

2. Heteroevaluación Formas de evaluación

Evaluación a distancia **

* n ió c a lu a v e to u A . 1

Competencia: criterio

l e n e n ió c c a r te

o y a s n e e d e tr a P

a v ti e j b o te r a P

s e d a d il i b a H

n ó i c a u l a v e o C . 3

a iv t je b o a b e ru

* * * A V E

In

P

X

Comportamiento ético s e d u itt c A

D N Í

Evaluación presencial

Cumplimiento, puntualidad, responsabilidad

X

X

Esfuerzo e interés en los trabajos

X

X X

X

Creatividad e iniciativa

X

X

Contribución en el trabajo colaborativo y de equipo

X

X

X

Presentación, orden y ortografía

X

X

X

Emite juicios de valor argumentadamente

X

X

X

X X

X

X

X

X

X

X

X

X

desarrollo de temas PORCENTAJE

Puntaje

X X

X

X e d ia g te a rt s E

je a iz d n e r p a

10%

4

TOTAL

O D N U G E S

E R T S E M I B

C U L O S

6

s e d a d i iv t c A

3 : A V E l e n e

a d a c n e s o t n u p

70% e tr s e im b

14

s e d a d i iv t c A

20puntos

l e n e y s e l A V a i E c n e s re p

Para aprobar el componente se requiere obtener un puntaje mínimo de 28/40 puntos, que equivale al 70%. *

Son estrategias de aprendizaje, no tienen calificación; pero debe responderlas con el fin de autocomprobar su proceso de aprendizaje. ** Recuerde: que la evaluación a distancia del primero y segundo bimestre consta de dos partes: una objetiva y otra de ensayo, debe desarrollarla y enviarla a través del EVA según las fechas establecidas. *** Estrategias de aprendizaje opcionales y de tipo colaborativa: foro, chat y video colaboración con una valoración de un punto cada una.

Señor estudiante: Tenga presente que la finalidad de la valoración cualitativa es principalmente formativa.

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E R T S E IM B

O I R A N O I

X

20% 30%

2

R E M I R P

X

Respeto a las personas y a las normas de comunicación

s Dominio del contenido to Investigación (cita fuentes de n e i consulta) im c o Aporta con criterios y soluciones n o C Análisis y profundidad en el




PRIMER BIMESTRE

6.4. Orientaciones específicas para el aprendizaje por competencias

UNIDAD 1: ÉPOCA ABORIGEN Estimado estudiante, como sugerencia le avivo a iniciar la revisión y completar su trabajo a distancia, dado que el tiempo es corto y que todos estos procesos de aprendizaje necesitan tiempo, es bueno comenzar temprano. Iniciamos la exposición del primer bimestre con el estudio de la época absrcen en Ecuador, para dirigir esto trabajaremos el concepto de Cultura, dado que ello nos puede encaminar hacia los diversos aspectos que se analizarán mediante esta cátedra, donde se adentrará en diversos grupos culturales y su desarrollo sobre todo social y artístico. Para comprender mejor estas culturas revisará el término cultura y su implicación, mediante el análisis de algunos planteamientos de otros autores.

1.1. Reflexiones e implicaciones del término cultura

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Se comenzará el semestre tratando de comprender la expresión“cultura”, proponiéndole estimado(a) estudiante, que someta a discusión los significados que usted encuentre en el uso cotidiano con el que nos aporta la Antropología Cultural, disciplina que nos provee de una serie de herramientas

O I R A N O I

conceptuales para entender esta palabra de uso tan frecuente, pero tan poco interiorizada por individuos e instituciones.

C U L O S

Los temas involucrados en el tratamiento de esta unidad, deben ser estudiados con mayor detalle en el anexo Nº 1, ya que no encontrará material relacionado en el texto básico, la importancia de este se comprende en base a la conformación de una sociedad y sus elementos constitutivos.

Estrategia: Lea detenidamente el texto incluido en el anexo 1 de esta guía. Extraiga la definición de cultura que plantea el texto básico y escríbala a continuación. Cultura: ______________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________

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PRIMER BIMESTRE

Consulte al menos tres definiciones del término cultura en otras fuentes (diccionario, Internet, etc.) Recuerde mencionar las referencias. 1ª. Definición de cultura: ________________________________________________________________

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_____________________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ 2ª. Definición de cultura: _________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ 3ª. Definición de cultura: _________________________________________________________________


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_____________________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________

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Entreviste a diferentes personas de su entorno. Es necesario que dichas personas pertenezcan a diversos estratos sociales y diferente nivel de instrucción. Plantee a sus entrevistados la siguiente pregunta: ¿qué entiende usted por cultura? Registre sus respuestas por escrito. Puede ayudarse de una grabadora. ¿Qué entiende usted por cultura? ________________________________________ _________________ _____________________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ ¿Qué entiende usted por cultura? _________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ ¿Qué entiende usted por cultura? _________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________

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C U L O S


PRIMER BIMESTRE

Definiciones Confronte las diferentes respuestas de sus entrevistados con las que usted ha extraído de las fuentes de consulta. Con todo este material elabore una definición personal de cultura y establezca semejanzas y diferencias con las respuestas de sus entrevistados.

ENTREVISTADOS

FUENTESDECONSULTA

SEMEJANZAS

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DIFERENCIAS


Reflexione: ¿Existe alguna unidad en las respuestas? ¿A qué se deben los acuerdos o desacuerdos entre Usted, los entrevistados y las definiciones de los textos? Escriba sus reflexiones.

REFLEXIÓN: _____________________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ _____________________________________________________________________________________ A continuación, se va a ir introduciendo en el proceso de aprendizaje de esta materia, debido a lo complejo que resulta el estudio de la historia ecuatoriana, paralelizado desde la cronología, con el desarrollo histórico del arte en el mundo, se intentará dar una visión general de cada período, esto con el fin de que Usted, Señor Estudiante, tenga un conocimiento general de la temática aquí planteada. Época absrcen En la historia universal se denomina a este periodo como prehistoria, el tiempo que transcurre desde la aparición del hombre, hasta el desarrollo de las primeras civilizaciones y el surgimiento de la escritura.

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PRIMER BIMESTRE

Este período tiene diversas etapas, que corresponden a lo que en Ecuador se denomina época absrcen, para entender este proceso, tiene que revisar el texto básico “Resumen de Historia del Ecuador” del Dr. Enrique Ayala Mora, en sus primeros análisis hasta las sociedades agrícolas incipientes, que se encuentran en las páginas 8 y 9, además del glosario de términos que consta en el anexo 2 de esta guía didáctica, donde se establecen algunos términos relativos a culturas prehispánicas que se situaron en lo que es actualmente el Ecuador. Estimado estudiante, entendido este proceso local, se va a revisar lo que sucede en el Mundo, los cambios generados, sobre todo desde aspectos artísticos, considerando que el arte se envuelve dentro de las inicialmente conocidas como las “bellas artes” arquitectura, escultura y pintura. Lea despacio y vea las semejanzas que encontraremos con las culturas prehispánicas. Para ello se debe revisar: Los primeros pobladores, Sociedades agrícolas incipientes, de los cuales habla el Dr. Ayala Mora, en las páginas antes citadas.

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Debe tener presente, el estudio conjunto de la guía y el texto básico.

1.2. Comparación histórica con la Prehistoria Para entender el proceso mundial, vamos a ir paralelamente introduciendo los temas relacionados con la época cronológica y lo que se desarrolla en nuestro país y continente, eso servirá para generar una línea de tiempo que explique nuestra realidad. Iniciaremos entonces con la llamada Prehistoria, ¡adelante!

Recuerde siempre utilizar un cuaderno de apuntes y elaborar ideogramas y organizadores gráficos que apoyen a su proceso de aprendizaje, como por ejemplo mapas conceptuales, cuadros sinópticos, cuadros comparativos entre otros.

Edad de piedra •

Paleolítico

Comprende la etapa más larga de la presencia del hombre sobre la Tierra: desde que fue capaz de dar una forma tosca a los guijarros, hace 1,8 millones de años, hasta más acá del 10000 a.C. aproximadamente. Durante este tiempo, se alternaron períodos climáticos fríos (glaciaciones, iniciadas hace 1,5 millones de años) y cálidos, que condicionaron la vida del hombre. Este, en efecto, pudo agruparse en colectivos que fueron evolucionando a formas tribales. Llevaba una existencia nómada, persiguiendo la caza, recolectando y pescando, y refugiándose en cabañas, abrigos o cuevas. Entre los útiles de piedra que labró figuran puntas de flecha, hachas, punzones, etc. A partir de la transformación elemental de núcleos de piedra, la técnica fue refinándose. A continuación se le entrega un gráfico que tiene como fin entender las diversas etapas de la historia, con el fin de que para usted sea más comprensible el entendimiento de estos momentos.

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Gráfico 1. Línea de tiempo de la prehistoria. Imagen tomada de Daniel Gómez Valle en http://www.curriculumenlineamineduc. cl/

Su organización social estaba compuesta por pequeñas tribus familiares, cuya vida era nómada, su principal fuente de alimentos era la caza, la pesca y la recolección de frutos.

Mediante el siguiente cuadro, puede entender con detalle la división de la prehistoria con años aproximados y con la cronología establecida.

División de la Prehistoria

EDAD DE LA PIEDRA

PALEOLITICO

Especie humana al 10.000 a de C.

MESOLITICO

10.000 al 8.000 a de C.

NEOLITICO

8.000 al 3.000 a de C.

PREHISTORIA

EDAD DE LOS METALES

EDAD DEL COBRE

5.000 –1.800 a.de C.

EDAD DEL BRONCE

1.800 –800 a de C.

EDAD DEL HIERRO

800 –siglo I d.C.

Gráfico 2. División de la prehistoria. Elaborado por E. Malo

Se establecieron al aire libre y en cuevas, dentro de las cuales dejaron vestigios gráficos, los mismos que ahora denominamos pintura rupestre, las zonas más conocidas a nivel mundial de estas manifestaciones son Lascaux (Francia) y Altamira (España).

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PRIMER BIMESTRE

El arte rupestre tiene tres manifestaciones conocidas: la pictografía (del latín pictum: relativo a pintar, y del griego graphos o glyphein: trazar, tallar y grabar son grafismos realizados sobre las rocas mediante la aplicación de pigmentos. Los petroglifos: la palabra proviene de los términos griegos petros (piedra) y glyphein . Son diseños simbólicos grabados en rocas, realizados desbastando la capa superficial de la piedra, dicho de otro modo, es el dibujo tallado sobre la piedra.

Gráfico 3. Petroglifo de Santo Domingo de Guzmán. Fuente: González Ojeda, Diego. Un acercamiento al arte rupestre de Loja, Ecuador. En Rupestre/web, http://rupestreweb.tripod.com/loja.html

Finalmente La geoglífos proviene de los términos griegos Geo (Tierra) y glyphein (tallar o Esculpir). Es la Técnica de dibujo en tierra y que corresponde a un proceso de limpieza o raspado creando un mosaico de piedras o del material de la superficie de la ladera de cerros, valles o planos. Las figuras diseñadas en esta técnica contrastan en relación el fondo más oscuro del cerro, ladera o pampa. Los geoglifos conforman el más espectacular efecto con visual.

Gráfico 4. Nazca Colibrí. Licenciado Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0, via Wikimedia Commons - http://commons. wikimedia.org/wiki/File:Nazca_colibri.jpg#mediaviewer/Ficheiro:Nazca_colibri.jpg

Las figuras representadas abarcan desde diseños tan simples como líneas hasta complejas figuras zoomorfas, fitomorfas y geométricas que aparecen trazadas sobre la superficie terrestre. Estimado estudiante, una vez concluido el primer período de la edad de piedra, se presenta un intermedio, que para nuestro estudio no vamos a analizar, pero que es bueno que conozca, el mesolítico es el periodo que surge luego del paleolítico y previo al neolítico, donde se dan algunos cambios sociales que generan diversos momentos en el arte. ¡Sigamos entonces con este proceso histórico! 19


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PRIMER BIMESTRE

Neolítico E IC

Los temas involucrados en el tratamiento de esta unidad, deben ser vinculados al estudio de la historia ecuatoriana, lo cual le brindará un panorama completo del momento estudiado.

“Este período no solo se caracteriza por el perfeccionamiento en la talla de la piedra sino, sobre todo, por un cambio radical y decisivo en el género de vida de los humanos”(Wordpress, 2001). Esto llevó al arqueólogo británico Gordon Childe (a mediados del siglo XX) a acuñar la expresión «revolución neolítica». Sin embargo, la «revolución» tardó milenios en cuajar, lo hizo de manera desigual y se redujo a una limitada región del Viejo Mundo. Los arqueólogos consideran que culminó en torno al 3500 a.C. en la baja Mesopotamia. La humanidad que vivió este proceso abandonó paulatinamente la existencia nómada, tornándose sedentaria merced a adquisiciones tan importantes como la agricultura, la domesticación de animales y los intercambios entre unas comunidades y otras. Estas, de una estructura tribal o pre-estatal, acabaron agrupándose en núcleos de población. Las viviendas son construidas con materiales según la localización, se utilizaron muros de adobes, de piedras y de troncos; en los techos se usó la paja o ramaje; las plantas de las viviendas fueron diversas: rectangulares, circulares o elípticas; los tamaños también variaron, existen evidencias de algunas de gran tamaño, que se cree fueron para el ganado. Podríamos considerar a esto, como el germen de la formación de la arquitectura.

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Gráfico 5. Imagen tomada de Daniel Gómez Valle en http://www.curriculumenlineamineduc.cl/

En la elaboración de objetos sean herramientas y armas se aprecian formas precisas, perfección del tallado de piedra y filos cortantes de gran eficacia. La pintura y escultura presentan un retroceso con referencia a losyelementos pertenecientes al estatuillas período delasociados paleolítico superior; las esculturasrepresentando tienen formas esquemáticas rudimentarias, se producen al culto y generalmente a la mujer; la pintura se aplicó como decoración de cerámica o de estructuras arquitectónicas, ya sea cerca de la entrada a las cuevas o fuera de ellas, aquí la figura humana está más presente, se incluyen también elementos de la naturaleza (estrellas, símbolos solares). La cerámica tuvo gran importancia funcional, las vasijas son moldeadas a mano y como decoración presentan incisiones geométricas realizadas antes de ser cocidas, aunque algunas de ellas se secan sin usar la cocción. Constituyen la base técnica para la elaboración de recipientes actuales.

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Gráfico 6. Venus de Willendorf imagen tomada de Daniel Gómez Valle en http://www.curriculumenlineamineduc.cl/

La escultura prehistórica es parte del Arte Mobiliary es un arte previo a la arquitectura prehistórica. Es una práctica artística que aparece en casi todas las tribus. La escultura prehistórica es realizada principalmente en piedra y hueso. Y de esta manera encontramos utensilios y plaquetas de marfil, y huesos grabados. Muchas de ellas demuestran el realismo a veces con formas muy toscas y otras mas elaboradas. “Destacan las estatuillas de mujeres llamadas “Venus paleolíticas” con bultos redondo o en relieves muy expresivos resaltando las zonas de la mujer (senos, caderas, glúteos, y vientre muy remarcado, en tanto que el rostro apenas está esbozado) todo esto como una manera de manifestar ritos de fertilidad”(Ramirez, 2011). Estimado estudiante, los siglos de desarrollo de las culturas no produce cortes exactos, sino que más bien, va a encontrar superposición de diversos procesos, cuando cambia a los denominados períodos de la vida en el mundo. Continúe entonces con la edad de los metales. ¡Adelante! Edad de los metales El momento en que el ser humano utiliza el fuego como forma de cocción tanto de sus alimentos, como para mantener la temperatura y fabricar nuevas herramientas con materiales que se funden, se inician cambios fundamentales en el proceso social, por ello, le sugiero estimado estudiante, que revise la bibliografía complementaria que le puede ayudar en la comprensión de estos transformaciones específicas. •

Edad de bronce

El bronce es el resultado de la aleación del cobre y el estaño, y como resultado es un metal más resistente. Inicialmente se trabajó el metal en frío, pero posteriormente se logró fundir y con ello la producción resultó mucho más fácil. En este período algunas personas inician las actividades de orfebrería. Durante la Edad del Bronce, la expansión de la revolucionaria técnica metalúrgica estimulará los contactos entre las poblaciones, surgiendo rutas comerciales estables. En la cerámica aparece una nueva forma característica en forma de campana: el “vaso campaniforme”. Al tener más comida durante todo el año podían alimentar a más personas y estas, al ser más fuertes, se enfermaron menos. De esta forma se produjo un aumento de la población. Cada año que pasaba había más gente, más casas y más trabajo para organizar. Para evitar problemas entre las personas 21


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se desarrollan organizaciones sociales nuevas como la familia y la división del trabajo (agricultores, artesanos, alfareros, ganaderos, guerreros, encargados del gobierno, etc.). Cada persona se adueña de lo que produce y ya no es todo de todos; aparece la propiedad privada. Lo que uno hace lo cambia por otra cosa que no produce, a través del comercio. Cuando hubo mucha gente y muchas casas juntas se formaron las primeras ciudades. El descubrimiento de la metalurgia del bronce en el Próximo Oriente, en torno al 4000 a.C., determinó hondas transformaciones sociopolíticas en esa región y en Europa. África, vastas zonas de Asia y, por supuesto, América quedaron al margen de estos avances. El cobre, que en aleación con el estaño da lugar al bronce, venía trabajándose desde las postrimerías del Neolítico (período llamado calcolítico), pero por su fragilidad tenía un uso limitado y no pudo servir de base tecnológica a una cultura importante. El bronce, en cambio, explica movimientos de pueblos y la expansión en Europa de gentes de lenguas indoeuropeas, conocedoras de esa técnica, y que irradiaron también al Cáucaso, Asia Menor y la India. La existencia de yacimientos de estaño en la zona atlántica produjo dinamismo en esta región, con el consiguiente florecimiento de relaciones comerciales. Fue la época de los monumentos megalíticos: los menhires, (del Celta Maen= Piedra y Hier= Largo). Son Grandes Piedras Clavadas Verticalmente en el suelo. Pueden estar alineados o anillo (crómlechs).

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Gráfico 7. «Stonehenge Wide Angle». Publicado bajo la licencia Public domain vía Wikimedia Commons - http://commons. wikimedia.org/wiki/File:Stonehenge_Wide_Angle.jpg#mediaviewer/Archivo:Stonehenge_Wide_Angle.jpg.

Los Dólmenes, (del Celta Daul= Mesa y Maen= Piedra), son grandes piedras clavadas verticalmente que sostienen una (01) o varias losas horizontalmente y algunas veces cubiertas de Tierra llamados “túmulos”, conmemorativos y funerarios, y del desarrollo de nuevas formas cerámicas y metálicas, así como de la difusión de la práctica de la incineración de los cadáveres. La metalurgia del hierro comenzó a propagarse por la cuenca mediterránea antes del año 1000 a.C., y sus yconsecuencias fuerondel decisivas. Las pesadas espadas de bronce fueron sustituidas por las más ligeras menos quebradizas nuevo metal, y ello otorgó superioridad a los pueblos que las poseían.

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Gráfico 8. Fuente: http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Construcci%C3%B3n_megalito.png#mediaviewer/ Archivo:Construcci%C3%B3n_megalito.png •

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Edad de hierro

El mundo Mediterráneo (invasiones dorias en Grecia y primeros pueblos itálicos) y Europa central y occidental (celtas) se vieron sacudidos por los choques étnicos subsiguientes. La presencia de los celtas ofrece una notable continuidad, y por eso se ha tomado como pauta para caracterizar la Edad del Hierro, dividiéndola en dos períodos, correspondientes a las culturas de Hallstatt y la Tène. La extensión de la influencia celta coincide también con una forma de enterramiento llamada de los campos de urnas, ya que se disponían en esos recipientes las cenizas de los muertos. Conviene precisar que, al igual que en la Edad de la Piedra, las culturas del metal no se atienen a una sucesión rígida y uniforme. En efecto, su penetración fue desigual y en ocasiones se solaparon. Así, en los inicios, el bronce coexistió durante largo tiempo con el uso de la piedra, y en el extremo cronológico opuesto, en plena era cristiana, los pueblos germanos a los que hubo de enfrentarse Roma aún se hallaban en una fase avanzada de la Edad del Hierro.

Actividades recomendadas

1.

Realice la lectura comprensiva de la prehistoria, así como de los apartados: la cuestión, los primeros pobladores y sociedades agrícolas incipientes, en el texto básico.

2.

Utilice el glosario de términos que consta el final de esta guía didáctica, con el fin de entender aun más ciertos vocablos utilizados en el texto.

3.

Realice un cuadro sinóptico donde establezca las características de cada etapa de la prehistoria, así como de la época absrcen.

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Autoevaluación 1

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Mediante este cuestionario usted podría iniciar su preparación del examen presencial, le recomiendo desarrollarlas y revisar posteriormente el cuadro Solucionario que encontrará al final de esta guía didáctica. Responda según corresponda con (V) sí es verdadero y con (F) sí es falso. 1.

(

)

La edad de los metales se dividió en dos etapas: edad del hierro y edad del bronce.

2.

(

)

En el Ecuador, la primera época de estudio se denomina “época absrcen”.

3.

(

)

El paleolítico es la etapa más corta de la presencia del hombre en la tierra

4.

(

)

Según E. Ayala Mora, la historia ecuatoriana se divide en cuatro períodos.

5.

(

)

El sitio denominado “El Inga” se encuentra en la provincia de Esmeraldas

6.

(

)

En el Ecuador prehispánico se divide en cuatro períodos por los arqueólogos.

Lea detenidamente cada una de las siguientes afirmaciones, y marque con una (X) la opción correcta, marque solamente una. 7.

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c. Edad de hierro…… edad de bronce Las “Venus” son pequeñas figurillas que representan: a. Dioses b. Animales c. Seres humanos El proceso histórico que se da en Ecuador previo a la invasión europea se denomina época a. Prehistórica b. Colonial c. Absrcen

10.

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b. Edad de bronce …… edad de cobre

9.

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En orden cronológico la Edad de los metales se dividió en : a. Edad de bronce…. edad de hierro

8.


En el Ecuador prehispánico se cultiva sistemáticamente, a. Ají, plátano y papas b. Yuca, maíz y papas c. Yuca, maíz y arroz

¡Usted ha concluido la Prehistoria, muy bien!, sigamos adelante con el periodo denominado edad antigua, que generará mayor conocimiento sobre el desarrollo humano.

El éxito en sus estudios depende de usted, mantenga el ritmo de trabajo y entusiasmo hasta el final.

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1.3. Arte antiguo y culturas mesoamericanas Estimado estudiante, en este apartado vamos a iniciar con las culturas del denominado “mundo conocido”, es decir Europa y algo de Asia y África, esto debido a que la historia del arte universal va a considerar a estos como espacios de desarrollo de donde surgirá el mundo occidental.

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Gráfico 8. Línea de tiempo de la Historia. Imagen tomada de http://www.curriculumenlineamineduc.cl

Posterior a esto, vamos a tratar temas más locales, la visión dentro de la América Latina que conocemos, las grandes civilizaciones americanas: Aztecas, Mayas e Incas, con el fin de establecer parámetros que nos acerquen más a un entendimiento de una cronología histórica que puede explicar ciertos desarrollos artísticos en los espacios ahora globalizados. Los invito entonces estimados estudiantes a continuar en este camino. “Hacia el año 3000 tiene lugar el descubrimiento de la escritura en zonas geográ-ficas como Egipto, Mesopotamia, India y China; todas ellas caracterizadas por la presencia de grandes ríos que favorecieron el desarrollo de una agricultura de regadío, cada vez más compleja y que implicaba mayores exigencias de índole social y administrativa. Debido a estas nuevas exigencias, surgen la monarquía, el orden funcionarial y las castas sacerdotales; la diversificación del trabajo, la tecnificación y el comercio; el estado, las primeras leyes y los ejércitos; las ciudades y la jerarquización de la sociedad. En definitiva, se definen las características de lo que hoy conocemos con el nombre de civilización. Algunas de estas primeras civilizaciones fluviales: Egipto y Mesopotamia, tienen una importancia extraordinaria para nosotros, debido a la influencia que ejercerán sobre aspectos religiosos (cristianismo) o culturales (civilización greco-latina) que constituyen elementos esenciales de nuestra propia sociedad. A pesar de sus características comunes, las dos constituyeron realidades muy diferentes: Egipto es, geográficamente una estrecha franja de terreno a ambos lados del Río Nilo, el Kemet o “tierra negra” (nombre con el que denominaban los egipcios a su país), que recibe periódicamente las

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aportaciones de las regulares inundaciones del río convirtiéndola en una tierra extraordinariamente fértil gracias también a la acción del sol, Ra. Se trata de un país aislado por desiertos y el mar, con dos regiones geográficas muy marcadas: el alto (valle) y el bajo (delta) Egipto, cuya unión o desunión marcará los periodos de esplendor o decadencia de la civilización egipcia. Este aislamiento condicionará el desarrollo de una civilización muy cerrada y homogénea a lo largo de tres mil años, dominada por la preocupación por la vida de ultratumba y por la necesidad de culto a unos dioses cuyo último descendiente es el faraón. Mesopotamia, por el contrario, es un valle con escasas defensas naturales, surcado por los ríos Tigris y Éufrates, y fácilmente accesible desde todas las direcciones. Por eso, su historia es una interminable sucesión de rivalidades locales e invasiones extranjeras, que determinaron el desarrollo de una civilización más heterogénea que la egipcia y preocupada por aspectos más pragmáticos y terrenales. En cualquier caso y por muy extraños que puedan parecernos ahora su religión, su organización política y su arte, Egipto y Mesopotamia tienen una importancia extraordinaria para nosotros, debido a la influencia que ambas tuvieron sobre Grecia y que ésta tendrá sobre Occidente” (Martínez, 2001). Estimados estudiantes, la primera cultura de análisis es la Egipcia, que tuvo un gran desarrollo en la zona norte de África, de ellos revisaremos sobre todo sus planteamientos artísticos como muestras de sus conocimientos así como de los elementos considerados importantes dentro de su vida social. •

Egipto

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Egipto es un país largo ocupado mayoritariamente por desiertos. El límite del país abarca desde el Mediterráneo en el norte hasta la zona de Asuán. El largo valle está presidido por el Nilo, la vía de comunicación por excelencia y cuyo curso determina la existencia de tres zonas: el Alto, Medio y Bajo

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Egipto alcanzando casi los dos mil kilómetros de amplitud pero con una extensión cultivable equivalente al territorio de Bélgica, su civilización tuvo una duración de tres mil años.

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Gracias a la fertilización natural provocada por la inundación del Río Nilo los egipcios conseguían varias cosechas al año. De los excedentes agrarios podían alimentarse grupos sociales que se pudieron dedicar a otras actividades que no fueron las agrarias. El conocimiento de la civilización egipcia ha sido posible tras el desciframiento de su escritura (escritura jeroglífica), compuesta por jeroglíficos, que evolucionaron desde lo pictográfico a lo silábico. Su dificultad hacía que estuviera reservada a unos funcionarios llamados escribas. Se empleaba como soporte escritorio el papiro, obtenido de la planta del mismo nombre. La religión se basaba en los dioses que simbolizaban fuerzas de la naturaleza y en los protectores de cada ciudad (así Ra, el dios Sol; Ptah, patrón de Menfis; Amón, de Tebas, etc.). A lo largo de la historia, estos dioses tuvieron momentos de predominio sobre los demás, con la consiguiente influencia de su respectivo clero. Uno de los cultos centrales y permanentes fue el de la tríada compuesta por Osiris, Isis, esposa del anterior, y Horus, hijo de ambos. Con estos mitos se relacionan las prácticas funerarias (momificación, tumbas con decoraciones y ofrendas).

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Gráfico 9. Jeroglífos Egipcios. Imagen tomada de http://recursostic.educacion.es/bancoimagenes/web/

La sociedad egipcia sufrió modificaciones y convulsiones a lo largo de su dilatada historia, pero puede trazarse un esquema general. La sociedad era piramidal, con el faraón y su familia en la cúspide, los altos funcionarios y el clero (que tendieron a hacer hereditarios sus cargos y a reunir vastas propiedades inmobiliarias) y los campesinos y artesanos en la base. No había esclavos propiamente dichos, aunque cabe imaginar que en las épocas de expansión imperialista se dispuso de prisioneros de guerra. En los campos se cultivaba trigo, lino, avena, mijo y hortalizas. La dieta se complementaba con la caza y la pesca. La ausencia de bosques obligaba a importar madera, lo que animaba los intercambios con el exterior, que constituían monopolio estatal. Los egipcios poseyeron sólidos aunque elementales conocimientos de cálculo, geometría y astronomía, que precisaron para prever las crecidas del Nilo, de las que dependía su prosperidad, y para levantar sus monumentos. En el terreno de las realizaciones materiales, destaca una arquitectura adintelada (esto es, que empleaba techumbres planas y desconocía el arco y la bóveda), una escultura que alcanzó un notable realismo, y una pintura (murales en templos y tumbas) que nos proporciona detalles preciosos sobre la vida del país. Las pirámides, templos funerarios construidos para los Faraones, se utilizaron entre las dinastías III y IV del Imperio Antiguo y recuperadas en la XII del I. Medio. Su construcción irá progresando hasta lograr la pirámide de muros lisos. La pirámide escalonada de Djeser fue fruto de un proceso de experimentación arquitectónica evolucionando en momentos diferentes de la obra en un período dilatado. Bajo la pirámide se excavaron las cámaras sepulcrales del faraón y otros miembros de la familia a las que se llegaban por medio de pozos verticales. Las mastabas presentan una planta rectangular con muros lisos y estructura maciza. Un pozo vertical conducía desde un patio superior abierto de la mastaba a la cámara funeraria de reducidas dimensiones con capacidad para un sarcófago; otra cámara de dimensiones más reducidas acogía las cabezas de sustitución. El culto funerario de estas mastabas estaba emplazado en el exterior y al aire libre con delante de una puerta ciega ante la cual se depositaban las ofrendas.

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Gráfico 10. Pirámide de Gizeh. Imagen tomada de http://recursostic.educacion.es/bancoimagenes/web/

A partir de la III dinastía empezamos a encontrar las primeras piezas de escultura monumental. La escultura nace con el objetivo de ser un objeto mágico y por tanto está condicionada a su función en los templos reales. A partir de las dinastías V y VI la escultura civil tendrá la misma importancia que la escultura real debido a la importancia del culto o siríaco.(Martínez, 2001).

Junto a la escultura funeraria como doble del difunto encerrada en una cámara funeraria, se instalan también retratos en otros ámbitos visibles a los visitantes del conjunto funerario. Estas esculturas las catalogamos como retratos pero, en toda probabilidad, no tenían ninguna semejanza fisionómica con el retratado. Para los egipcios el retrato no era una similitud sino la incorporación del nombre que era lo que daba categoría retratista; el físico era idealizado. Por ello hubo faraones que se apropiaron de esculturas de sus antecesores solo inscribiendo su nombre en ellas después de borrar el anterior. Esta vía idealizante se limita solo al ámbito real; los funcionarios tuvieron una voluntad retratista propiamente dicha. De este modo tenemos dos tipos de esculturas: la real y la de los funcionarios, todas ellas con inscripciones. Los materiales utilizados iban desde la piedra blanda (caliza, alabastro), dura, especialmente la diorita, hasta la madera y ciertos metales, todos ellos con acabado policromado. De todas las conservadas las que más destacan son las de piedra. Las formas se adaptan siempre a la función mágica otorgada a la figura. En el ámbito real aparecen entronizados o sentados con una de las manos situada en la pierna abierta y alargada en dirección a la mesa de las ofrendas. Las piezas se conciben para ser de vistas de frente, y se aplica la perspectiva de aspecto en las imágenes del monarca. Normalmente las esculturas son imágenes independientes y para unir dos miembros de una misma familia se juntan dos bloques independientes En la técnica pictórica egipcia los colores se aplican de una forma plana, sin crear ilusión de volumen aplicando directamente los colores sobre el muro. A principios de la IV dinastía en la mastaba de Itet/Nefermat levantada en la necrópolis de Meidum se conserva unos fragmentos decorativos realizados con una técnica mixta: relieve y pintura, donde se trabaja en el yeso la composición en hueco relieve rellenando posteriormente la zona previamente vaciada con pasta coloreada con diversos colores. Esta técnica mixta está catalogada como pictórica pero participa más de la técnica del relieve. También, se pintaba sobre una capa de barro mezclada con paja encima de la cual había una fina capa de estuco. Pero fragmentos de este tipo se han conservado pocos ya que las termitas devoran la paja con lo cual la

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placa de barro cae y se pierden las pinturas. El programa iconográfico se realizaba en registros divididos en franjas a modo de cómic y se representaban en un contexto funerario escenas de la vida cotidiana con el texto correspondiente con caracteres jeroglíficos. Los egipcios comercializaron con los materiales preciosos y valoraban especialmente la plata por su rareza. En esta manifestación artística egipcia confeccionados en talleres reales, se realizaron dos tipos de productos. Por un lado joyas y por otro producciones como tronos reales, barcas sagradas de las divinidades, capillas, láminas de oro trabajadas para cubrir puertas, paredes interiores de los templos, imágenes de la divinidad o carros sagrados. La base de las joyas era el oro y excepcionalmente la plata recubiertas con piedras semipreciosas. Los diversos materiales utilizados nocarne fueron materias primas que se les asimilaba piedra un valor de aesta forma, el oro se asimilaba a la desimples los dioses y la plata a susyahuesos, la cornalina, deañadido; color rojo, la sangre; el lapislázuli, piedra de color azul oscuro, a la pilosidad; la turquesa a la idea de resurrección. Sí no se disponía de piedras semipreciosas se optaba por sucedáneos como vidrios de colores. Las joyas se realizaban para la vida y posteriormente se depositaban junto al difunto, y su función prioritaria fue la protección de sus destinatarios: hombres, mujeres, niños y animales domésticos. (Martínez, 2001). •

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Mesopotamia

Estimado estudiante, la zona denominada Mesopotamia incluyó muchas culturas que fueron transformándose a lo largo de los siglos por medio de guerras de conquista, espacios de desarrollo que tuvieron características propias en cada periodo, le invito a adentrarse en una de las culturas más antiguas de la tierra. El arte mesopotámico se inserta como ningún otro en las características geográficas del territorio. El país entre los ríos Tigris y Éufrates, la denominación Mesopotamia viene del término griego “entre ríos”, es una llanura de gran riqueza que pronto conoció el desarrollo de importantes culturas desde el Neolítico que generaron el

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bullir de las primeras ciudades mundo enOriente tiempos muy remotos. la zonalasy su carácter de encrucijada endel el Próximo provocaron queLas se posibilidades sucedieran a económicas lo largo delde tiempo invasiones y colonizaciones de diferentes pueblos que dieron como resultado una cultura tan heterogénea como compleja. Además, la religión animista, más cercana al pueblo que los complicados dioses egipcios, contribuyó a la creación de un poso cultural mucho más pragmático y cercano a la realidad, en cuanto que los dioses podían garantizar la benignidad o no de las cosechas, pero en ningún caso de la vida de ultratumba de los individuos (Martínez, 2001).

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Mesopotamia tierra entre ríos, la cuna de la civilizaciones. Es más un área que fue habitada por los sumerios, los arkadios, los babilonios, los asirios y finalmente los persas.

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Gráfico 11. División de la cultura Mesopotámica. Elaboración E. Malo

Su arte natural, formas de animales, fue bastante realístico, sus figuras humanas, más estilizadas, se veían imágenes donde las formas eran esbeltas y con poco detalle en su estructura anatómica. Nace la primera forma de escritura llamada: Cuneiforme, inicialmente fueron unas formas más gráficas, pictográfico: Dibujo de cosas que quieren expresar, luego fueron evolucionando hacia una iconografía bastante estilizada, la escritura Cuneiforme, generada a través de cuñas de escritura en forma a stilettos entre 3200-2900 a.C.; se escribió en tablillas de arcilla fueron luego se hornea para preservar sus registros. El nacimiento de la escritura evidencia la diferenciación entre clases sociales, debido a la dominación de quienes tenían el conocimiento, generando desigualdades entre los hombres.


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Sus templos se llamaban Zigurat, tenían una forma de torre escalonada de varios pisos, normalmente de siete, a los cuales se accedía por una rampa y cada uno de los pisos se encontraba pintado de uno de los colores del arcoíris. Esta coronado por una capilla real y un observatorio. En la parte inferior del zigurat, se encontraban las habitaciones y almacenes de los sacerdotes y sacerdotisas. La planta siempre estaba orientada hacia los puntos cardinales. Otra de las obras arquitectónicas destacadas es el palacio de Persépolis, estaba rodeado de un parque con animales salvajes y abundante vegetación, donde se organizaban cacerías. La entrada se realizaba a través de una puerta monumental flanqueada por dos toros alados como en los edificios asirios. En el centro del parque se levantaba el edificio, que se encontraba estructurado en tres partes: Un gran pórtico que lleva a una explanada descubierta donde la escolta del monarca monta guardia. La sala de audiencias o zona oficial, que era un enorme salón en el centro del cual se elevan 8 columnas de 12m de alto. Luego esta la gran explanada o Apadana, y finalmente la parte privada del palacio, que era el lugar de residencia del rey y su familia; constaba de largos pórticos columnarios con una sala central flanqueada por habitaciones más pequeñas. Su cerámica presenta además de vasijas para diversos usos, dos elementos interesantes, los sellos cilíndricos, que eran piezas de barro cocido donde se grababa una firma, el sello se hacia rodar luego por la arcilla blanda dejando impresa la firma, se hicieron sellos donde se detallaban escenas religiosas, imágenes geométricas, de animales, etc. Las otras formas cerámicas eran las tablillas y estelas, generalmente relacionadas con exaltación de las victorias de los reyes y la intervención de los dioses en las batallas, estas podían ser de cerámica, aunque también existen en otros materiales, donde vemos el relato de historias importantes. Bajo el dominio sumerio, se produce la fundación del primer imperio babilónico, por el rey Hammurabi, quien genera una recopilación de las primeras leyes escritas en estelas, conocida en el mundo como el “código de Hammurabi”.


En base a lo leído establezcamos semejanzas y diferencias que ayuden a un entendimiento más profundo de las dos grandes civilizaciones del mundo antiguo. Genere un cuadro sinóptico con las características y obras principales de cada momento artístico de Egipto y Mesopotamia. •

Los Mayas


Señor estudiante, tal como hemos revisado existen diferencias y semejanzas en las culturas ubicadas en Asia y África, mientras tanto en América se desarrollaron tres grandes civilizaciones, estas comprendieron muchos aspectos científicos, como la astronomía, la matemática y con ello generaron sus propios

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calendarios que tenían relación con las estaciones de siembra, y cosecha, principalmente. Continúe este camino por la historia del arte, iniciando con los Mayas y luego los Aztecas. Los antiguos Mayas comprendían los actuales estados de Yucatán, Campeche, Tabasco, una parte de Chiapas y el territorio de Quintana Roo, en México; el departamento de el Petén y las altiplanicies de Guatemala; la sección occidental de Honduras y todo el territorio de Belice en total unos 325.000 km2 . La cultura Maya, fue evolucionando, de ser recolectores de frutos, cazadores, pescadores y agricultores, de ser temporal hasta lograr una economía sólida. La base de su desarrollo, fue el cultivo del maíz. En su proceso agrícola, levantaron terrazas en las montañas, construyeron canales de riego y aumentaron la superficie cultivable; lo cual generó una sociedad autosustentable. Esta civilización tenían muchos conocimientos de matemáticas y astronomía, también tenían un sistema de escritura jeroglífico, el único de la América precolombina. Sabían calcular los movimientos de los planetas y predecir eclipses con una exactitud que no volvió a repetirse hasta el siglo XX.

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Gráfico 13.”Monolito de la Piedra del Sol” de El Comandante - Trabajo propio. Disponible bajo la licencia Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 vía Wikimedia Commonshttp://commons.wikimedia.org/wiki/File:Monolito_de_la_Piedra_del_Sol. jpg#mediaviewer/File:Monolito_de_la_Piedra_del_Sol.jpg

“Desarrollan el sistema de escritura mas completo de todos los pueblos indígenas americanos. Con él escribieron todo tipo de textos: medicina, botánica, historia, matemáticas y de astronomía, estos fueron grabados sobre papel Amate hecho de corteza de árbol”(UNESCO.ORG, 2001). La temática de los códices mayas está siempre relacionada con el mundo superior: con la religión, la astronomía, los ciclos agrícolas, la historia o las profecías. Están elaborados mediante la utilización de ideogramas, algunos de los cuales todavía no han sido descifrados. Su soporte más habitual es el papel de amate, fabricado a partir de la corteza de la higuera. Formaban unas largas tira de papel de entre 15 y 25 cm. de ancho, que se doblaban como un biombo en porciones iguales que formaban las páginas. De la gran cantidad de códices que elaboraron los mayas, solo tres han llegado hasta nosotros y reciben el nombre de la ciudad en la que actualmente se hallan: Madrid, Dresden y Paris. Los mayas idearon diversos calendarios que trabajaban de modo coordinado. El más conocido es el Tzolkin o calendario ritual. Por necesidades de la agricultura, observaron los cuerpos celestes que afectaban la siembra. Mediante sus conocimientos astronómicos y su avanzada matemática, establecieron que el ciclo solar comprende 365.2420 días y el ciclo lunar, 29.53086 días. En la actualidad, los científicos han calculado que el año solar es de 365.2422 días, y el ciclo lunar es de 29.54059 días. El año gregoriano, de utilización en la actualidad, tiene 365.25 días (UNESCO.ORG, 2001).

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Surgieron los artesanos especializados. La población trabajaba en la construcción de templos, plazas y centros comerciales. Las diferentes edificaciones arquitectónicas tenían rasgos característicos, aquí algunas de ellas: Petén central: “De pirámides muy inclinadas, templos con cresterías huecas y altas sobre cuartos traseros” ejemplo: Tikal en Guatemala. Usumacinta: “Edificios tipo templos en elevaciones naturales anchos muros, cuartos angostos, altos falsos arcos mayas y cresterías de doble muro con nichos” ejemplo: Yaxchilán en México. Noroccidental: Edificios con elegantes esculturas en estuco y piedra labrada. Edificios pequeños con grandes cuartos y altos falsos arcos mayas. Los vanos (espacios huecos en los muros) son anchos, dando a los interiores luz y ventilación, ejemplo: Palenque, en México. En cuanto a las artes de pintura, escultura y cerámica, los Mayas se inspiraron en motivos geométricos e imágenes de animales, así se observan en algunos de sus trabajos cerámicos, cuyas formas se repetían simétricamente, se incluyen escritos y escenas de episodios militares y de seres sobrenaturales.

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Gráfico 14. «El hombre-pájaro» de El Comandante - Trabajo propio. Disponible bajo la licencia Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 vía Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:El_hombre-p%C3%A1jaro. JPG#mediaviewer/File:El_hombre-p%C3%A1jaro.JPG

En el caso de la escultura, utilizaron diversos materiales: madera, estuco y piedra calcárea, trabajando en altos y bajos relieves. En la pintura desarrollaron una pintura al fresco en colores intensos, destacando el rojo y el azul, cuya coloración generó un tono actualmente denominado azul maya. Las escenas pintadas mostraban la posición social, el sexo y escenas sobre sacrificios humanos y hostilidades entre vecinos. •

Los Aztecas

En Centroamérica se desarrollaron no solo los Mayas, sino también, más al norte, la cultura Azteca, de la cual le invito, Señor Estudiante, a revisar en este momento su trabajo artístico social y sus aspectos relevantes. El Estado “mexica” (en náhuatl (lengua nativa): ēxcān tlahtolōyān), llamado comúnmente Imperio Azteca, fue la formación política mexica derivada del proceso de expansión territorial del dominio económico de la ciudad-estado México-Tenochtitlán, que floreció en el siglo XIV en Mesoamérica.

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Gráfico 15. «Chacmool» de Adriel A. Macedo Arroyo - Trabajo propio. Disponible bajo la licencia Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 vía Wikimedia Commons- http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Chac_mool.jpg#mediaviewer/ Archivo:Chac_mool.jpg

Los aztecas fueron una de dos sociedades imperiales que existieron en mesoamérica durante la época precolombina, al inicio de la conquista y la colonización europea. Fueron una tribu nómada antes de colonizar el Valle de México y fundar Tenochtitlán, en tierra pantanosa en el Lago de Texcoco, actual ciudad de México. Su imperio, se extendía entre las costas mesoamericanas del Pacífico y el Atlántico (parte central de México).Sin embargo, en algunas áreas del Centro y del Sur de México, como Oaxaca, su dominio fue débil y confrontó resistencia de los Mixtecas, los Zapotecas y los Tarasco. La cultura de la guerra no era extraña en Mesoamérica y fue parte fundamental de la vida imperial de los aztecas, que la llevaron a niveles sin precedentes. Existían dos razones fundamentales: aumentar la cantidad de personas que pagaban impuestos y capturar personas para sacrificarlas en sus ceremonias religiosas. Tenían una familia real de la cual se escogia a al emperador, quien era la autoridad máxima en el gobierno; luego le seguían los sacerdotes, los oficiales militares y los lideres del gobierno, reconocibles por su vestidura suntuosa y sus lujosas residencias con sirvientes. Por otro lado, la mayoría de la sociedad estaba compuesta por agricultores, obreros, artesanos y sirvientes, quienes estaban organizados en barrios llamados calpullis. Su tierra pertenecía a la comunidad; se trabajaba en forma comunal. Cada calpulli tenía dioses comunes. Por ser un pueblo guerrero, una de sus principales funciones en cuanto a la artesanía radicaba en la elaboración de armas, una de las más utilizadas era el macuahuitl, un mazo de madera incrustado de afilados trozos de obsidiana. Establecieron una escritura jeroglífica, y sus astrónomos establecieron un calendario de 52 años que sería la base de la religión azteca. Su arquitectura muestra unas pirámides de techo plano, destacando en Teotihuacán las pirámides del Sol y de la Luna en el centro, la longitud de la ciudad de mas de 5 km de largo denominada Avenida de los muertos. Sus edificios estaban decorados con esculturas de piedra de dioses y diosas, donde también se veían pinturas murales que representan a la religión, relacionados con el aspecto bélico y de los sacrificios humanos. Incluyen muchos elementos simbólicos complejos, como la serpiente y el jaguar. Resulta interesante la repetición de imágenes en los templos, lo que nos da la idea de su importancia religiosa y de pensamiento. Ocho esculturas que conducen al templo de Huitzilopochtli que eran porta estandartes. 34


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El pueblo Azteca fue gobernado por Moctezuma, quien sucumbió ante los engaños de Hernán Cortés en 1519.

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Gráfico 16. «Teotihuacán – Maqueta de la pirámide del Sol» de Wolfgang Sauber - vía Wikimedia Commons - http://commons. wikimedia.org/wiki/File:Teotihuac%C3%A1n_-_Modell_Sonnenpyramide.jpg#mediaviewer/Archivo:Teotihuac%C3%A1n_-_ Modell_Sonnenpyramide.jpg


Para comprender estas culturas, le invito a adentrarse en el campo del arte en cada una de ellas, para ello sería bueno que revise en la web, videos sobre la propuesta artística elaborada en las dos culturas analizadas. Recomiendo para su entendimiento ver los siguientes links Aztecas: https://www.youtube.com/watch?v=Mxx-o918On4 Mayas: https://www.youtube.com/watch?v=l2YTIlrY6IE

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(

)

El arte egipcio se desarrolla en arquitectura con las mastabas y pirámides.

2.

(

)

La cultura Egipcia, logra una economía sólida en base al cultivo del maíz.

3.

(

)

Los Reyes en Mesopotamia eran denominados Faraones.

4.

(

)

La palabra Mesopotamia viene del latín “entre ríos”.

5.

(

)

El pueblo Azteca se desarrollo en donde actualmente se asienta la ciudad de México, en Tenochtitlan.


Los aztecas fueron una tribu que se organizo en los denominados a. nahual

c. chackmul La cultura Maya fue tan desarrollada en la astronomía que lograron generar a. Un calendario de 365 días b. Un conocimiento de las mareas y eso les ayudó a desarrollarse como navegantes c. El primer compás para entender la posición en la tierra.

8.

Egipto se dividió en alto, medio y bajo, y esto se debe a ¿qué elemento natural? a. El desierto del Sahara b. El Mar Mediterráneo c. El Río Nilo

9.

A la civilización Mesopotámica se le debe la primera manifestación de: a. Arquitectura monumental b. Escritura

10.

c. Navegación En América se desarrollaron tres culturas, cual de éstas no se desarrolló en Centroamérica a. Incas b. Mayas c. Aztecas

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b. capullis 7.



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Sociedades agrícolas superiores Estimado estudiante, revise su libro de texto en la pagina 9, donde se habla de las sociedades agrícolas superiores, luego de ello revise el planteamiento acerca del arte clásico.

1.4. Arte Clásico Estimado estudiante, para entender muchos aspectos de la actual cultura occidental, tiene que revisar las dos culturas que se desarrollan en el denominado arte clásico, en Grecia sobretodo, va a entender un manejo de conocimientos que son vigentes hasta la actualidad. Le invito entonces, a adentrarse en la propuesta del mundo clásico, en los primeros momentos de la cultura Griega y Romana.

Recuerde siempre utilizar un cuaderno de apuntes y elaborar ideogramas y organizadores gráficos que apoyen a su proceso de aprendizaje, como por ejemplo mapas conceptuales, cuadros sinópticos, cuadros comparativos entre otros. •

Grecia

La Antigua Grecia es el lugar de nacimiento de la civilización occidental. Hace unos 2500 años, los griegos crearon un estilo de vida que otros pueblos admiraron y copiaron, tanto en ese entonces como en épocas posteriores. Temporalmente la Antigua Grecia se dio durante un período de unos mil años, concluyendo en el 146 a.C. con la invasión y conquista por parte de la República Romana. Pese a su diversidad política, los griegos tuvieron conciencia de su pertenencia a un mismo ámbito cultural: la lengua, la religión y las instituciones panhelénicas, como los juegos deportivos, los santuarios y los oráculos, alimentaban ese sentimiento de comunidad. La religión no se traducía en una teocracia, como en Oriente, y no había clero ni casta sacerdotal, por lo que existía un amplio margen para la especulación libre e individual (sobre todo en las colonias, donde nació la filosofía), así como para la producción artística y literaria, encaminada a la creación de belleza y a reflejar inquietudes exclusivamente humanas. La religión tenía una función de cohesión social, y los dioses simbolizaban fuerzas de la naturaleza, aspectos de la vida y la experiencia inmediata o conceptos abstractos (Zeus, Hera, Hermes, Apolo, Poseidón, Ares, Afrodita, Palas Atenea, etc.), a los que además se atribuía el patronazgo de determinadas ciudades. La cultura literaria científica de Egipto, Grecia pudo conservarse en el período helenístico, muy particularmente enyAlejandría se llevó a cabo unaporque recopilación y sistematización deyaquel precioso legado, en parte gracias a la disponibilidad del papiro, que permitió la constitución de nutridas bibliotecas. Podemos hablar de cultura griega desde el siglo VII a.C. Aunque en comparación con los grandes estados orientales su potencia es limitada, sus creaciones intelectuales, literarias y artísticas serán de capital importancia: suponen un cambio considerable, cambio que radica en último término en su concepción del cosmos y del hombre.

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Es un pueblo de profunda religiosidad, pero que concibe a los dioses como parte de la naturaleza, de la que también forman parte los hombres. Cada vez más, se piensan los dioses a semejanza humana: son seres superiores, pero sometidos a idénticas pasiones que los hombres (amor, odio, avaricia, envidia, celos...). Es una cultura antropocéntrica, en la que el hombre es la medida de todas las cosas (Protágoras). Por ello la realidad es inteligible, la razón humana puede dar cuenta de ella. Tanto la realidad física, como la social y la divina, tienen medida humana. Una consecuencia de ello será la desaparición de la imagen colosal característico del arte egipcio y mesopotámico. Debemos contemplar un último aspecto: la preferencia por el orden y la armonía entre las partes de cualquier realidad, derivada del predominio de lo racional sobre cualquier otro valor. Lo físico y lo moral, el individuo y la sociedad, lo humano y lo divino, los propios elementos de un edificio, se ordenan (y se completan de forma equilibrada) del mismo modo que las notas musicales forman la composición. En este último aspecto radica la noción griega de la belleza: se persigue una belleza ideal, no por ser superior a lo humano, sino por ser más plenamente humana pero superior al individuo, sin los límites y el desorden que introduce este mundo imperfecto (Platón). Y esta belleza la encontraremos, naturalmente, en una más correcta proporción de las partes, ya sea del cuerpo humano o de un edificio o de una sociedad. La cultura y el arte griego se prolongarán hasta nuestros días en el mundo occidental a través de las culturas romana, bizantina y medieval. Desde el Renacimiento se revalorizará hasta tal punto que constituirá durante varios siglos un modelo ideal. Según J. Martinez (Martínez, 2001), “en sentido estricto, se desarrolla a lo largo de más de medio milenio de historia, y podemos distinguir estas tres etapas en su evolución:

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*Época arcaica *Época clásica *Época helenística”. Arquitectura Al igual que la egipcia es adintelada, es decir esta basada en líneas rectas horizontales y verticales. La fijación del srcen arquitectónico es el elemento más destacado en la arquitectura griega. Se trata de la unión fija de un elemento de soporte (columna) con el elemento soportado (cubierta/tejado). Orden arquitectónico = columna + entablamento. El mundo griego tiene tres órdenes que se forman durante los años oscuros (época arcaica) en Grecia. Estos ordenes son: Dórico, surge por influencia egipcia a fines del siglo VII a. C. Es el más sencillo de todos, genera una sensación de robustez y más esbelto y proporcionado, logrando así la armonía y belleza clásica; es visible en el Partenón, en Atenas.

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Gráfico 17. Templo Griego. Fuente: http://www.curriculumenlineamineduc.cl/605/articles-23422_recurso_jpg.jpg

Orden jónico, es más esbelto y airoso que el anterior, es tal vez el más utilizado hasta la modernidad, el ejemplo más claro es en el Templo de Atenea Niké en la Acrópolis de Atenas. Orden Corintio, es el más elegante y ornamentado de los ordenes arquitectónicos clásicos, es esencialmente (en proporciones) similar al orden jónico, pero con un cambio de tamaño y forma del capitel, se le atribuye la creación al escultor griego Calímaco.

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Gráfico 18. Ordenes griegos clásicos para arquitectura. Fuente: http://cienciashumanasysociales.blogspot.com/2013/07/elarte-griego.html

Escultura En Grecia, al valorar al hombre como algo importante, llevo a que sea considerado el tema por excelencia dentro de la escultura, pero se estableció la figura ideal, la perfección a la cual todos deben admirar. Los dioses de su mitología adquieren apariencia humana, y es difícil distinguirlos de los humanos. Inicialmente la escultura estaba poco desarrollada, las figuras eran estáticas y rendían culto a los héroes, atletas y mujeres dedicadas al culto de las deidades, estas estatuas se denominaron Kuroi y Korai

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Características de un Kuroi y Korai. Ø Ø Ø Ø Ø

Composición rígida, los brazos pegados al cuerpo Cuello grueso, pelo de trazado geométrico, sonrisa estereotipada y ojos almendrados. Anatomía esquematizada Vestimenta: tejidos geométricos esculpidos con poco detalle. Fueron esculpidos con puntero y martillo.

Durante el periodo clásico, se alcanza un dominio técnico, los escultores se preocupan porque la escultura tenga la belleza del canon griego. En este momento los artistas mantienen la misma temática, pero buscan el realismo en la composición.

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Características escultura clásica Ø Ø Ø Ø

•

Rostros bellos pero idealizados, belleza abstracta. Telas tratadas con naturalidad, paños naturales, paños mojados. Aparición del contraposto: colocación espacial perfecta. Fijación del canon: cálculo matemático avanzado para las medidas antropométricas perfectas.

Roma

Una vez que entra en el período de Decadencia del mundo Griego, es Roma quien inicia su proceso de crecimiento y establece el primer imperio, esto es lo que va a revisar a continuación, le invito a conocer los aspectos políticos y culturales de esta importante zona de desarrollo.

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Existe hoy en día una polémica historiográfica entre los que opinan que el arte romano es una imitación del griego y que no aporta nada nuevo, y los que opinan que sí existen diferencias. Éstos últimos aducen

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que en arquitectura las técnicas, los materiales, la finalidad y la concepción son nuevas. Que en escultura y pintura existe un arte oficial al servicio del Estado y que está dominado por patrones griegos pero que existe una corriente popular, otra línea artística para las clases medias.

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El arte romano es un producto de la sociedad que lo creó, condicionado por una estructura socioeconómica diferente a la griega y por otras necesidades que debía satisfacer.

Gráfico 19. Anfiteatro romano. Fuente: http://www.curriculumenlineamineduc.cl/605/articles-26796_recurso_jpg.jpg

Roma fue fundada en el 753 a.C. por un pueblo del Lacio llamados después romanos. Del 753 al 510 la ciudad de Roma es gobernada por siete reyes, el primero es Rómulo y es romano pero después los reyes son etruscos ya que Roma cayó bajo la dominación etrusca hasta el 510, cuando los romanos consiguieron expulsar a Tarquino Severo, último rey etrusco y entonces, cansados de reyes, los romanos fundan la República romana y comienzan su expansión.(Portal UAH, 2011)”

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La arquitectura romana se srcina a partir de influencias etruscas y helenísticas, pero debe dar solución a las nuevas necesidades derivadas de la condición de gran imperio: es necesario construir grandes espacios cubiertos (basílicas, termas), y se desarrollará mucho la ingeniería civil (calzadas, puentes, presas, acueductos...).(Martínez, 2001).

En escultura, la civilización romana trabajó el relieve, cuya ubicación en las edificaciones, generaba una relación con el uso de la obra arquitectónica. Pero cuando hablamos de la escultura romana, probablemente el tema más importante esta en la estatuaria, con influencia etrusca, fundamentalmente de tipo funerario, los retratos eran realistas y representaban normalmente a los gobernantes y héroes. Mientras la escultura presentaba diversos estilos y se consideraba, en cierto modo, ecléctica por su variedad de manifestaciones. En la pintura se pueden determinar estilos concretos. En general se trata de una pintura mural al fresco que es protegida al final con una capa de cera que aviva los colores. Se suelen establecer cuatro estilos pictóricos bien diferenciados y que llegan a coexistir, a pesar de que son sucesivos en el tiempo.

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Primer estilo (Incrustaciones). Su srcen es helénico y se extiende hasta el siglo I a.C. Imita a las placas de mármol de distintos colores o decoraciones con poco relieve. La forma más común se basa en dividir la pared en tres partes horizontales, las partes inferior y superior albergan zócalos decorados, mientras que en la parte central imita columnas o losas de mármol. Un ejemplo significativo es “la casa de los Grifos” en Roma. Segundo estilo (arquitectónico). Se mantiene hasta los comienzos del Imperio. La decoración imita espacios arquitectónicos, lo que crea la sensación de que el espacio se amplía. Esta decoración se completa con paisajes y figuras, a diferencia de lo que ocurría en el primer estilo. Ejemplo de este tipo de pinturas lo encontramos en “la casa de Augusto y Livia”. Tercer estilo (ornamental). Utiliza una decoración muy fina y lineal desarrollada sobre fondos oscuros. En ella no se utilizan los efectos espaciales del segundo estilo (arquitectónico), sin embargo, la decoración sigue estando enmarcada en cuadros con figuras o paisajes. Ejemplo de este tercer estilo es la casa de la Farnesina. Cuarto estilo (ilusionismo arquitectónico). Este estilo apareció en Pompeya tras el terremoto del año 62 d.C. Se trata de un estilo mucho más recargado, en el que volvían a aparecer las arquitecturas del segundo estilo. Se caracteriza porque se acentúa el espacio y las ilusiones ópticas, las figuras ocupan grandes espacios, comenzando a ocupar la pintura el lugar que hasta entonces había ocupado la escultura. El mejor ejemplo de este cuarto estilo lo encontramos en la Villa de los Misterios en Pompeya. Los romanos utilizaron también la técnica del mosaico para decorar los interiores de las casas, siguen utilizando el opus tesselatum de srcen griego pero introducen algunas novedades como el opus sectile. En general el mosaico era preferido para los suelos no será hasta más tarde, cuandoseñalar la Cultura Bizantina sustituya los de las paredes por los mosaicos. Comoy obra más importante podemos la Batalla de Alejandro confrescos Darío, que se encontró en la Casa del Fauno en Pompeya.(Baéz, 2010)”.

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Actividades recomendadas E IC D N Í

Para comprender la influencia de este arte, realice una observación a su alrededor, y corrobore cuantos elementos de srcen greco-latino existen en su entorno. Sería importante que complemente algo de la información leyendo algún texto sobre mitología griega o romana, dado que a partir de este momento histórico, ese tema será uno de los más utilizados en el arte occidental.

El éxito en sus estudios depende de usted, mantenga el ritmo de trabajo y entusiasmo hasta el final. Sociedades agrícolas supra-comunales Estimado estudiante, por favor revise su texto en la página 10 donde encontrará algunos detalles del quehacer de nuestro país durante la Era Cristiana en el denominado Viejo Mundo. Además debe revisar el glosario de términos que consta en esta guía didáctica que le proporcionará una información más clara sobre los diversos grupos étnicos de los cuales se habla en este apartado.

1.5. Arte de la Edad Media Señores Estudiantes, el arte durante el denominado período de la Edad Media, va a surgir en base a espacios generalmente relacionados con la nueva religión: El Cristianismo, y ello va a generar algunos aspectos interesantes en cuanto a los temas y las imágenes que nacen en este período. Cabe destacar que no todos los momentos históricos generan toda clase de obras artísticas, muchos de ellos se concentran en una manifestación, la misma que se convierte en el sello reconocible de este estilo. Le invito, entonces, en el tiempo del “oscurantismo” como luego lo denominarían los humanistas del renacimiento. •

Paleocristiano Entre la caída definitiva de Roma y la plena instalación de una cultura cristiano-germánica en Europa, transcurren tres siglos dominados por un arte espiritualmente en alza pero económicamente en decadencia: el arte paleocristiano. El arte paleocristiano nace con los orígenes del cristianismo dentro del Imperio Romano pero se manifiesta en su fase de esplendor a partir del 313, del Edicto de Milán, cuando la religión oficial del Imperio va a ser el cristianismo. Este arte se acaba con las invasiones germánicas aunque él va a transmitir todo el legado clásico en decadencia y va a influir en los artes toscos y primitivos de los invasores. Las primitivas comunidades cristianas se congregaban en casas particulares o en catacumbas: pasadizos secretos y subterráneos donde se celebraba la liturgia. No hay pues una arquitectura oficial que defina el nuevo espíritu. Pero en el año 313 se acaba la clandestinidad y los cristianos toman la basílica romana para sus fines religiosos porque era el edificio que mejor se adaptaba a sus necesidades y a las grandes concentraciones de fieles. Tiene planta de tres naves, la central más alta y separadas las tres por columnas, con el altar al fondo bajo el arco que da acceso al ábside único. De muy primera época son las basílicas de Santa María la Mayor y Santa Sabina en Roma. En ellas quedan definidas las características que conformarán los templos cristianos de Occidente

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hasta nuestros días (Valdearcos, 2007). En cuanto a la pintura, en el paleocristiano se dedican más al trabajo de mosaico, donde la temática era totalmente religiosa basada en el Viejo y Nuevo Testamento, aparece toda la simbología del cristianismo, el cordero, el pez, el Cristo Pantocrátor (Jesús en su majestad). Se dejan de lado los relieves, para dar paso al color plano y la línea gruesa, las formas compositivas jerarquizadas y simétricas, frontalismo en las figuras y rostros hieráticos e inexpresivos en señal de respeto hacia ellos. •

Bizantino

Bizancio, era una pequeña ciudad griega que por decisión de Constantino el Grande, pasa a ser la capital imperial, denominándola Constantinopla. Luego de medio siglo, el emperador Teodosio, toma la decisión de dividir el reino entre sus dos hijos, creándose así dos estados independientes en el 395 d.C.: el Imperio de Occidente, con Roma como capital, adjudicado a Honorio y el Imperio de Oriente, con el centro en Bizancio entregado a su hijo Arcadio. El imperio de Honorio, fue invadido múltiples veces por hordas barbaros, bandidos, generando la palabra “Vandalismo”, que viene de la palabravándalos: tribu germana. Que finalmente se fortaleció únicamente con la intervención y el manejo de la Iglesia Católica desde Roma. El imperio Bizantino a diferencia del imperio Romano, tuvo una duración de otros mil años mas. En 730 a.C., León III emperador Bizantino, inició un movimiento llamado Iconoclasta, basado en la estricta interpretación de los diez mandamientos, se prohibió la utilización y adoración de las imágenes, seguramente influyó también la creciente tendencia islámica. La iconoclastia generaba la destrucción de toda clase de pinturas y esculturas. Una vez terminada le época iconoclasta, los artistas Bizantinos se limitaron a copiar imágenes del pasado aprobadas. Mientras tanto, en Roma, el Papa Gregorio II rechazó el iconoclasmo, incluso envió una carta excomulgando a quienes lo hacían. Por ello en el occidente, los artistas tenían mayor libertad de creación, y dado que la iglesia católica era la que regia, la mayoría del arte medieval trabajo temáticas religiosas.

Gráfico 20. Poder espiritual y Poder terrenal. Imagen tomada de Daniel Gómez Valle en http://www. curriculumenlineamineduc.cl/

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Los artistas occidentales del periodo tardío del medievo, se inspiraron en generar propuestas creativas y visionarias, al tiempo su intención de un arte que sea más convincente y realista, convirtiéndose en una propuesta sobre la gente y el mundo natural. En cuanto a la arquitectura Bizantina, estuvo inspirada en las influencias recibidas por los pueblos predecesores, tomando elementos griegos, romanos, de Siria y de Persia, combinándolos junto con otros de su propia invención. Utilizaron cúpulas, trompas y pechinas, bóvedas, arco, los contrafuertes, las columnas y las torres, la construcción bizantina mas importante fue la Iglesia, ejemplo clásico de esto la Catedral de Santa Sofía en Estambul.(Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, 2008).”

La pintura presenta dos modalidades, el mural normalmente utilizado en el interior de los templos, se pintabacon al oleo o al temple (denominado también al ahuevo), eran grandes composiciones religioso, carácter simbólico que agradaba mucho la mentalidad abstracta del oriental.deEntema los grandes espacios formados por bóvedas y cúpulas se representaban escenas alegóricas en las que se encontraban la Virgen o el Cristo, en temas como la resurrección, el Juicio Final, la Gloria, etc. La segunda, la pintura de caballete que produce pequeñas piezas generalmente pintadas sobre madera, denominadas Iconos. En el arte bizantino se destacó el uso del mosaico, consiste en una composición de grandes escenas generalmente religiosas, elaboradas en base a pequeñas piezas de cerámica o de mármol de colores denominadas teselas, que se iban pegando a una base debidamente preparada, donde se dibujaba la imagen que se quería representar. La gran diversidad de colores y matices de estas teselas permitían dar a las figuras todos los efectos de la pintura, en lo que se refiere a tonalidades, sombres, formas, etc. Finalmente en la escultura, como expresión tridimensional, se producen retratos de gran vigor, como prolongación de la influencia del arte helenístico. Luego de la revolución iconoclasta, se acabaron todas las imágenes de bulto, perdiendo la importancia el trabajo de escultura, quedando reducida a artes menores del marfil, el esmalte, el bronce y el oro, materiales que se trabajó el bajo relieve con gran maestría. •

Arte Románico

El románico fue un estilo artístico predominante en Europa en los siglos XI, XII y parte del XIII. El románico supone el arte cristiano, al cual exalta, agrupando las diferentes opciones que se habían utilizado en la temprana Edad Media (romana, prerrománica, bizantina, germánica y árabe) y consiguiendo formular un lenguaje específico y coherente aplicado a todas las manifestaciones artísticas. La expresión de las características del arte románico se realiza mediante simbología, que en muchos casos tiene una cierta ironía y en otros solo pretende avivar la mente humana y hacerla pensar sobre el significado de estas manifestaciones artísticas.

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El románico no busca la copia de la naturaleza ni la expresión de lo real, se infiltra para demostrar la belleza de una forma abstracta. Es por ello una arquitectura de figuras sencillas que utiliza como elementos artísticos los cuadrados, los círculos, los cubos y los cilindros, que se sitúan dando un ritmo perfecto a la obra. Dicha perfección y armonía de los elementos no es un hecho aislado en la intención del autor sino que está calculado con todo lujo de detalles. Sus elementos característicos son cuatro en arquitectura, la planta de cruz latina en las iglesias, arco de medio punto, la bóveda de cañón y el contrafuerte. •

Gótico

El movimiento cultural y artístico que se ha denominado gótico se desarrollo desde la segunda mitad del siglo XII hasta el primer tercio del siglo XVI, y surge en el territorio Francés. Durante la segunda mitad del siglo XII, determinados conceptos y formas del incipiente gótico coinciden en el tiempo y se superponen con el románico. Habitualmente, este arte y arquitectura donde se yuxtaponen elementos románicos y góticos se denomina gótico de transición o protogótico. Ya a finales del siglo XV, el gótico convive con los estilos renacentistas. Los siglos de mayor esplendor de este arte son el XIII, y en menos medida el XIV y el XV. Estos siglos coinciden con la Baja Edad Media de la Europa occidental.

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Desde el punto de vista social, la transformación que propicia el nacimiento del gótico es el auge de la burguesía en el contexto del renacimiento urbano. En las ciudades viven gremios de artesanos y comerciantes (burgueses) que pertenece al tercer estado. Con la burguesía se implanta una mentalidad más laica y secularizante. En el plano filosófico e intelectual emerge con gran fuerza la del griego Aristóteles. También es una época marcada por la difusión del pensamiento de Santo Tomás de Aquino. Por otro lado van calando en la sociedad las enseñanzas de San Francisco de Asís, creador de la orden franciscana. San Francisco exaltaba la naturaleza y todo lo natural, incluyendo a sus seres vivos (animales y plantas), lo que influyó en un progresivo retorno al naturalismo en las formas del arte (naturalismo gótico). Las instituciones eclesiásticas se vuelven más abiertas con el surgimiento de dominicos y franciscanos (órdenes mendicantes que construyen conventos en las ciudades). Los apartados y rurales monasterios cistercienses, protagonistas durante el siglo XII, dejan paso a los conventos de las citadas órdenes mendicantes, construidos en las ciudades y que influyen activamente en la propia vida urbana. Otra causa que influye en el gran cambio de mentalidad es el surgimiento de las Universidades. En España, en el siglo XIII, por ejemplo, se crea la Universidad de Salamanca.

Gráfico 23. Monge copista. Imagen tomada de Daniel Gómez Valle en http://www.curriculumenlineamineduc.cl/

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El gótico, por tanto, es un arte urbano (la mayoría de las construcciones se realizan en las ciudades) y burgués (la burguesía financia parte de las obras). Dado que en el románico existe una arquitectura de paredes gruesas y bajas, imposibilitan la aplicación de grandes vitrales, fue entonces que los arquitectos góticos, desarrollaron soluciones que tenían una utilidad física pero también una función estética: por un lado, el arco ojivado capaz de repartir mejor el peso del techo y al mismo tiempo generar la sensación de altura; por otro lado, el arco botante, cuya función es la de alivianar los muros, y la de generar la sensación de volumen. Además, este permitió la construcción de grandes ventanales que dieron lugar a los bellísimos vitrales góticos, que no solo servían para dar un poco de luz al interior sino que también debían crear una atmósfera única dentro de la iglesia.

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Gráfico 24. Ciudad medieval. Imagen tomada de Daniel Gómez Valle en http://www.curriculumenlineamineduc.cl/

En las iglesias y castillos, obras arquitectónicas de gran importancia en el gótico, la luz tuvo un papel protagonista, relacionada con la religión y Dios, dado que dentro de la época los aspectos religiosos y sus significados son importantes, por ello se establece para la arquitectura la simbología que considera a la luz, como el elemento más noble de los fenómenos naturales, el elemento menos material, por lo tanto la aproximación más cercana a la forma pura. El hecho de que se genera un humanismo incipiente en este período, que liberaba al hombre de las oscuras tinieblas y le invitaba a la luz, relacionado además con las corrientes filosóficas neoplatónicas que establecen una vinculación entre Dios y el ámbito de la luz. Se independizan las artes plásticas de la estructura arquitectónica que en cierta manera las subordinaba.

Reflexione: este tema como se relaciona con nuestra historia. ¿Qué elementos encuentra que vinculen a la época estudiada con aquello que usted revisó en el texto básico? Escriba sus reflexiones.

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Autoevaluación 3

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(

)

En el Ecuador, durante los años 1300 y 550 a.C. se desarrollaron las sociedades agrícolas incipientes.

2.

(

)

Paralelas a las últimas fases de la cultura Valdivia, se desarrollo la cultura Chorrera en la costa.

3.

(

)

El denominado arte antiguo inicia con Grecia y Roma.

4.

(

)

El arte clásico analiza las culturas Griega, Egipcia y Mesopotámica.

5.

(

)

En Grecia las estatuas rendían culto a los héroes, atletas y mujeres dedicadas al culto de las deidades se denominaron Kuroi y Korai.

6.

(

)

En el Bizancio, la temática principal en el arte fue el Héroe.


El arte antiguo viene desde la terminación de la edad de hierro hasta b. Inicio del imperio Romano c. Inicio del imperio Griego ¿Cual de los órdenes griegos (en las columnas) es el que más se utiliza hasta la modernidad, es esbelto y airoso? a. Dórico b. Corintio c. Jónico

9.

En la pintura romana la técnica más utilizada es: a. Oleo sobre tabla b. Mosaico cerámico c. Mural al fresco

10.

El nacimiento del período gótico como transformación social se da debido a. Al nacimiento de la iglesia católica b. Al surgimiento de un movimiento revolucionario en Europa medieval c. Al auge de la burguesía en el contexto del renacimiento urbano.

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a. Finalización del imperio Romano

8.




11.

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En el arte paleocristiano, no se genera inicialmente una arquitectura oficial, debido a a. Sus importantes generadores estaban interesados en la repetición iconográfica de las imágenes Cristianas b. Que no se dio un cambio del estilo renacentista c. Que se reunían en casas particulares o catacumbas para realizar sus cultos.

¡Felicitaciones! Ha terminado la Edad Media, ahora necesitamos comprender el proceso en nuestro Ecuador, por ello continuamos con el denominado Incario.

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El Incario. En el texto de Enrique Ayala Mora, en la página 11, vamos a encontrar la explicación sobre el Incario, allí también como en algunos de los capítulos anteriores existen términos que han sido considerados para una explicación más detallada en el glosario que encontramos en el anexo 2 de esta guía. El periodo de los Incas en tierras ecuatorianas, va a ser paralelo en Europa al denominado Renacimiento, que es del tema que hablaremos a continuación. Les invito a adentrarse en el primer momento de la historia humana en el cual se trabaja bajo una perspectiva específica con el término “arte”.

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1.6. El Renacimiento Con los avances del nacimiento de la imprenta, de las teorías de Copérnico y de los Humanistas, la filosofía en la zona norte de Italia comienza a cambiar al mundo, nacen los comerciantes como nuevos acaudalados, son ellos quienes tienen acceso al dinero y por ello a gran parte del poder. Es en este periodo, Señor estudiante, que el mundo retoma los valores filosóficos, artísticos y hasta temáticos de las culturas Griega y Romana (greco-latinos) y de donde surge el denominado “Renacimiento”, le sugiero ahora continuar con la lectura, donde entenderá con mayor profundidad estos cambios en el arte. Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. Italia fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento. El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El nombre «renacimiento» se utilizó porque este movimiento retomaba ciertos elementos de la cultura clásica. El término se aplicó srcinariamente como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes, la política y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por cierto antropocentrismo. La vuelta a la Antigüedad. Resurgirán tanto las antiguas formas arquitectónicas, como el orden clásico, la utilización de motivos formales y plásticos antiguos, la incorporación de antiguas creencias, los temas de mitología, de historia, así como la adopción de antiguos elementos simbólicos. Con ello el objetivo no va a ser una copia servil, sino la penetración y el conocimiento de las leyes que sustentan el arte clásico. Surgimiento de una nueva relación con la naturaleza, que va unida a una concepción ideal y realista de la ciencia. La matemática se va a convertir en la principal ayuda de un arte que se preocupa incesantemente en fundamentar racionalmente su ideal de belleza. La aspiración de acceder a la verdad de la naturaleza, como en la antigüedad, no se orienta hacía el conocimiento de fenómeno casual, sino hacía la penetración de la idea.

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De forma genérica se pueden establecer las características del Renacimiento en: El Renacimiento haceliberarse al hombre medida de todas las ycosas. Presupone enrango el artista una formación científica, que le hace de actitudes medievales elevarse al más alto social. Los supuestos históricos que permitieron desarrollar el nuevo movimiento se remontan al siglo XIV cuando, con el Humanismo, progresa un ideal individualista de la cultura y un profundo interés por la literatura clásica, que acabaría dirigiendo la atención sobre los restos monumentales y las obras literarias y tratados clásicos. Italia en ese momento está integrada por una serie de estados entre los que destacan Venecia, Florencia, Milán, los Estados Pontificios y Nápoles. La presión que se ejercía desde el exterior impidió que, como en otras naciones, se desarrollara la unión de los reinos o estados; sin embargo, sí se produjo el fortalecimiento de la conciencia cultural de los italianos. Desde estos supuestos fueron las ciudades las que se convierten en centros de renovación artística, científica, y, en último término, de las costumbres e ideas de toda la sociedad. En Florencia, el desarrollo de una rica burguesía ayudó al despliegue de las fuerzas del Renacimiento; la ciudad se convirtió en punto de partida del movimiento, y surgen, bajo la protección de los Medici, las primeras obras de arte del nuevo estilo que desde aquí se va a extender al resto de Italia, primero, y después a toda Europa. •

Quattrocento

Se denomina Quattrocento al periodo del arte italiano correspondiente al sigloXV comprendido dentro de la corriente renacentista, encontrándose de esta manera también la aplicación de las denominaciones de Primer Renacimiento o Bajo Renacimiento para la designación de dicho momento.

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Va a ser éste un siglo de descubrimiento por parte de la comunidad artística durante el que la república de Florencia se constituirá en sede central de la misma, gracias al apoyo del mecenazgo realizado por parte de grandes familias como los Medici y por el extraordinario desarrollo económico del que será protagonista.

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Arquitectura El retorno a las formas clásicas características del arte renacentista se dejará sentir en la arquitectura del momento en toda la serie de motivos decorativos provenientes de la Antigüedad, tales como guirnaldas, grutescos, capiteles corintios, etc. Sin embargo la principal novedad no radicará tanto en la forma como en el diseño estructural; el cambio apreciable a lo largo del paso de la Edad Media a la Edad Moderna, es concretado en la sustitución del pensamiento religioso por el espíritu crítico y empirista; este hecho tendrá consecuencias en la forma de percibir el espacio y el tiempo (la cual repercutirá a su vez en la arquitectura del momento). Frente a la verticalidad propia de las catedrales góticas (símbolo del intento de unión del hombre con Dios), en el Renacimiento será la tendente horizontal la gran protagonista, junto con la perspectiva, que concreta la mirada en un punto de fuga, y la proporcionalidad entre las partes. Además, se plantean ahora planes centrales en la construcción, no solo por la influencia de la herencia clásica sino también porque son mucho más adecuados a la “medida” de la percepción humana que los longitudinales. Los espacios interiores se diseñan para que el hombre pueda abarcarlos de un golpe de vista, rompiendo con la tradición fragmentaria y secuencial de la Edad Media (el arte medieval necesitaba de varios “tiempos” para poder ser apreciado en su totalidad, frente a lo que sucede con el renacentista, en el que se intenta que toda la composición puede ser entendida de una vez). Éstos van a ser unitarios, ligeros y diáfanos, además de que, en la búsqueda de la coherencia estructural, se recurrirá al uso de las matemáticas a la hora de proyectar el edificio, por lo que se genera la perspectiva, de gran uso sobre todo en la pintura. Junto con esto, la aparición de una clase media profana con influencia y dinero va a favorecer el desarrollo de la arquitectura civil, dando como resultado la realización de bellos ejemplos de palacio, desligándose así la casi totalidad de la arquitectura del poder religioso. Principales arquitectos del momento van a ser Filippo Brunelleschi, a quien se le atribuye el descubrimiento de la perspectiva, fue artífice de la audaz y grandiosa cúpula de la Catedral de Florencia, la Capilla Pazzi o el famosísimo Palacio Pitti, Michelozzo (autor del Palacio Médicis-Riccardi), Leo Battista Alberti o Giuliano da Sangallo. Escultura Las características de la escultura italiana del quattrocento son: el naturalismo, que busca la semejanza entre la obra y el modelo, oponiéndose así al misticismo y simbolismo medievales. Renace así el sentido de la proporcionalidad, cuyo canon establece la medida del cuerpo en 9 – 10 cabezas su tamaño. El tema principal será la figura humana, adquiriendo importancia el desnudo y, por tanto, el estudio de la anatomía. El cuerpo humano desnudo es el ejemplo máximo de la belleza perfecta, siguiendo así las ideas antropocéntricas, representándose de una manera realista, con estudio de la anatomía, el movimiento y la proporción, según el canon clásico.

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Se busca la belleza formal capaz de producir un placer estético. La independencia de la escultura con respecto a la arquitectura, le permite a la primera, el desarrollo de las figuras de bulto redondo. Al contrario que en la Edad Media, la arquitectura renacentista rechaza la ornamentación escultórica. La aplicación de la perspectiva, gracias a la cual el realismo de las obras es mayor al estar proporcionadas. La diversificación de los temas representados: religiosos y profanos, pudiendo los últimos ser alegóricos, mitológicos e históricos. Los materiales utilizados son variadísimos. Grandes artistas que trabajarán la escultura serán Lorenzo Ghiberti (Puertas del Baptisterio de Florencia) y Donatello (del que serán obras especialmente representativas su San Jorge, el David y la estatua ecuestre del Condottiero Erasmo de Narni, más conocido como el Gattamelata), junto con el “antecesor” de Miguel Ángel en el empleo de las formas monumentales Jacopo Della Quercia, Lucca Della Robbia (que trabajará en la Cantoría de la Catedral de Florencia asimismo) y Verrochio. Pintura La pintura del s.XV va a experimentar una enorme evolución, desde el empleo de las formas aún ligeramente decorativas y el uso de dorados y vistosos colores de Fra Angélico en la primera mitad del siglo

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hasta la consecución, por ejemplo, de los magníficos sistemas compositivos empleados por Mantegna van a sucederse toda una serie de aportaciones pictóricas que depurarán el lenguaje renacentista. Sin embargo, puede apreciarse en general un interés por la representación volumétrica de las figuras, la comunión narrativa de las partes y la representación verista de la naturaleza, las dimensiones y la profundidad.

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Gráfico 27. La Primavera. Botticelli. Imagen tomada de Daniel Gómez Valle en http://www.curriculumenlineamineduc.cl/

Recuerde siempre utilizar un cuaderno de apuntes, subrayar las ideas principales y secundarias además de elaborar ideogramas y organizadores gráficos que apoyen a su proceso de aprendizaje, como por ejemplo síntesis, resumen y planteamientos comparativos. •

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Cinquecento

El Renacimiento iniciado durante el Quattrocento se desarrolló en un siglo de madurez inigualable, el siglo XVI o Cinquecento. Dentro de este largo período convivieron dos tendencias fundamentales: la clasicista y la manierista. Al mismo tiempo, Venecia re aprovechó los logros cuatrocentistas y los mezcló con su particular tradición e influencias, con lo cual constituía una Escuela, sí no aparte del resto de Italia, sí claramente diferenciada en su estilo. El siglo XVI fue además el siglo de la renovación romana, culminante con la Contrarreforma (planteamiento desde la Iglesia católica a la propuesta de Reforma, planteada por Lutero). Durante el siglo XVI nacieron las prédicas de Lutero, el humanismo de Erasmo de Rotterdam y el principio de la disidencia en el seno del Catolicismo. También se produjo el avance imparable de los turcos, la gran fuerza islámica que no puede menos que ser tenida en cuenta al tratar de explicar el arte, la ciencia y el estado del conocimiento en la época. El Cinquecento italiano continuó en paralelo a la expansión de la pintura flamenca. En Italia se atravesaba una época de crisis interna que provocó una serie de luchas políticas y militares, lo cual contribuyó al debilitamiento de unas repúblicas en favor de otras. El arte, a pesar de la inestabilidad política, alcanzó unas cotas geniales, especialmente en Roma y durante el gobierno del Papa Julio II. Éste actuó como mecenas (personajes que auspiciaban el trabajo artístico con dinero y respaldo social) de los grandes: los mejores arquitectos trabajaron para levantar San Pedro del Vaticano y remodelar los Apartamentos Vaticanos.

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Arquitectura E IC

Clasicismo La arquitectura del Cinquecento romano se inspira directamente en los modelos clásicos sin olvidar la estética de Alberti y su búsqueda de la armonía, el orden y la proporción. Hay una tendencia hacia el Purismo: ausencia de ornamentación, se opta por las plantas centralizadas con cúpula. Manierismo Los arquitectos del la segunda mitad del siglo XV, dentro de la tendencia clasicista, se preocuparon más por los efectos visuales con lo que anticiparían el Barroco. Rechazan las normas a favor de la libertad individual y de un concepto subjetivo de la belleza. Los conceptos de orden, armonía y proporción cedieron paso a la libre yuxtaposición de los elementos arquitectónicos. Se siguen empleando elementos clásicos (arco de medio punto, cúpulas, frontones, columnas clásicas, etc.) pero se combinan de forma caprichosa buscando la novedad. Escultura El siglo XVI supone el momento clásico por excelencia del Renacimiento. El primer tercio del Cinquecento supone el triunfo de la armonía y el equilibrio que se había avanzado durante el Quattrocento. La capital artística de Italia se traslada desde Florencia a la Roma de los papas, que se convierten en los nuevos mecenas y protectores de los artistas. Principalmente Julio II y León X que utilizarán el arte como instrumento de prestigio personal y difusión del poderío de la Iglesia. La escultura del Cinquecento buscará la grandiosidad y la monumentalidad inspiradas directamente en las esculturas clásicas descubiertas en Roma gracias a una ferviente actividad arqueológica (1506. Descubrimiento del Laooconte). Lo que supone la recuperación del desnudo y las representaciones heroicas y gigantescas realizadas en bronce y, sobre todo en mármol. Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) es el más grande escultor del siglo XVI. Aunque su principal interés fue la escultura también destacó como arquitecto y pintor siendo considerado uno de los grandes artistas de la historia. Realizó su labor artística durante más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, los Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos. Muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino, fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida. Características Sus esculturas revelan un perfecto conocimiento de la anatomía, lo que le permite representar fielmente todos los detalles del cuerpo humano, sobre todo de músculos, venas y articulaciones. Sus figuras encierran un movimiento en potencia que se convertirá en acto al llegar la generación del barroco.

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Gráfico 28. Moisés. Miguel Ángel. Imagen tomada de Daniel Gómez Valle en http://www.curriculumenlineamineduc.cl/

Es característica de algunas de sus esculturas la expresión de la cara en la que destaca mirada terrible que sus contemporáneos denominaron terribilitá. Pintura Entre 1500 y 1520 la pintura renacentista alcanzó su período de mayor equilibrio y armonía, de la mano de Leonardo daIIVinci, Rafael y Miguel . Lase capitalidad delelarte se trasladó a Roma, pues bajo el mecenazgo de Julio y de León X. Más tarde,Ángel Venecia convirtió en centro del arte italiano, en ella trabajaron pintores tan relevantes como Giorgione, Tiziano y Tintoretto. A partir de 1525 se empezaron a abandonar el equilibrio y la armonía de tendencia clásica, dando paso al Manierismo. Leonardo da Vinci (1452-1519) fue el primer pintor destacado del Cinquecento. Prototipo de humanista renacentista, se interesó por las matemáticas, la astronomía, la hidrodinámica, la óptica y la anatomía humana, siendo además, tratadista de la pintura. Su trayectoria comenzó en Milán, trabajando para la familia Sforza ciudad en la que creó la Virgen de las Rocas. En ella aplicó el sfumato (esfumado, diluido), técnica inventada por él que consistía en mezclar progresivamente las tonalidades sin una transición perceptible en la que no se definen los contornos. En 1499 realizó la Última Cena en el refectorio de Santa María delle Grazie de Milán, obra en la que combina el orden simétrico y la perspectiva espacial con un rico estudio psicológico de los distintos apóstoles, que muestran toda su expresividad a través de los rostros y del movimiento de las manos. Entre 1503 y 1505, durante su estancia en Florencia, Leonardo pintó el retrato más conocido de la historia del arte: La Gioconda, retrato de ambigua identificación que, según Vasari, se corresponde con la esposa del comerciante florentino Francesco del Giocondo, Mona Lisa. El personajes aparece ligeramente inclinado y con las manos cruzadas, con una sonrisa irónica muy propia de las figuras de Leonardo.

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Gráfico 29. Mona Lisa. Leonardo da Vinci. Imagen tomada de Daniel Gómez Valle en http://www.curriculumenlineamineduc.cl/

Al fondo se deja entrever un paisaje húmedo, brumoso y misterioso gracias al uso de la perspectiva aérea (consecución de la profundidad espacial mediante la representación de las alteraciones de color introducidas en la realidad por la atmósfera, usando una degradación de las tonalidades), y en el retrato se incluye un sabio uso del sfumato. Leonardo marchó en los últimos años de su vida a Francia, a la corte de Francisco I. Rafael Sanzio (1483-1520), nació en Urbino y se formó en Perugia de la mano del maestro Perugino. Su obra ha sido interpretada generalmente como la cumbre del clasicismo renacentista.

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Fue un autor que supo asimilar la herencia de los maestros del Quattrocento como Masaccio y Botticelli, a la vez que incorporó las innovaciones aportadas por otros genios coetáneos a él, sobre todo Leonardo y Miguel Ángel. Su estilo se basa en el naturalismo idealizado, basado en la búsqueda del concepto de belleza mediante el equilibrio, la proporción y la armonía. Rafael concibió composiciones de gran solemnidad y ritmo majestuoso, basadas en el equilibrio y en la simetría. Buena parte de sus obras, sobre todo sus Madonnas (advocaciones de la Virgen), transmiten un sentimentalismo delicado inspirado en la dulzura de la pintura de Botticelli. Rafael dotó a sus figuras de volumen, presentando un tratamiento escultórico de las mismas. En su pintura existió un predominio de la línea sobre el color y trabajó la

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perspectiva lineal además de la aérea, asimilada del arte de Leonardo. De igual modo, incorporó el uso del sfumato del lenguaje del genial artista de Vinci.

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Algunas de sus obras más emblemáticas fueron Los desposorios de la Virgen (1504), La Madonna del jilguero (1507) y la decoración al fresco de la Stanzadella Signatura del Vaticano, entre 1508 y 1512.

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Mediante composiciones de exquisita monumentalidad clásica, creó la “Escuela de Atenas”, “El Parnaso” y la “Disputa del Sacramento”, que representan al mundo de la filosofía, la poesía y la religión. En la “Escuela de Atenas” se representa la escuela de filosofía griega en un marco arquitectónica de reminiscencias bramentescas (del arquitecto Bramante). En una composición rigurosamente geométrica, los dos personajes son Platón y Aristóteles. Algunos de los personajes se identifican con artistas del período renaciente, como Leonardo, Bramente, Miguel Ángel y el propio Rafael, por lo que el artista identifica al esplendor del pasado clásico con el desarrollo cultural de la Roma de comienzos del Quinientos.


Miguel Ángel Buonarotti también realizó importantes obras como pintor ubicadas principalmente en Roma. Su pintura busca la consecución de una belleza ideal clasicista pero enriquecida mediante valores como la monumentalidad colosal de las figuras, el empleo de fondos neutros sobre los que resaltan unos personajes rebosantes de tensión, expresividad y dramatismo que se retuercen en composiciones abigarradas y que recurren generalmente el escorzo. Su obra más importante es la decoración pictórica de la Capilla Sixtina en Roma, un encargo hecho por el Papa Julio II y que se convirtió en su realización más sublime, tras un intenso y frenético trabajo. La capilla es un conjunto colosal en el que se narra la totalidad de la Historia de la Salvación: en la bóveda pasajes del Génesis y del Antiguo Testamento, en los muros escenas de la vida de Cristo (realizadas por maestros del Quattrocento) y en frontal del presbiterio el Juicio Final. En la bóveda el artista dispuso las distintas composiciones enmarcadas por arquitecturas fingidas. En la parte central representó las escenas del Génesis rodeadas de desnudos jóvenes (ignudi), sibilas, profetas y otros personajes bíblicos, todo ello con una clara exaltación de la belleza del cuerpo humano.

Gráfico 31. La creación de Adán. Miguel Ángel. Imagen tomada de Daniel Gómez Valle en http://www. curriculumenlineamineduc.cl/

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Miguel Ángel pintó entre 1537 y 1541 el muro del presbiterio con el Juicio Final, concebido como un torbellino de cuerpos entrelazados que se mueven dinámicamente alrededor de la figura autoritaria de Cristo Juez, en un espacio misterioso y oscuro.

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Proponga una revisión de las diferencias generadas entre la Edad Media y sus manifestaciones artísticas y el Renacimiento. Genere un cuadro sinóptico de los dos momentos del Renacimiento, donde incluya a los principales protagonistas del arte en el Quattrocento y Cinquecento. ¡Usted ha concluido la Unidad 1! Siga adelante, su proceso de conocimiento sobre la cultura y el arte esta avanzando correctamente, continuemos con la Unidad 2.


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Autoevaluación 4

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(

)

En el siglo XV el territorio que actualmente conocemos como Ecuador, fue conquistado por unos guerreros que llegaron desde el este, los Incas.

2.

(

)

En el incario, se mantuvieron las formas de organización social y los rasgos culturales o religiosos.

3.

(

)

En el periodo paralelo a la conquista Inca, en Europa se desarrolla el denominado período Barroco.

4.

(

)

En el primer siglo el XV, denominado el Cinccuecento, aparecen artistas como Piero de la Francesca, Fra Angélico y el arquitecto Brunellesci.

5.

(

)

El cuadro denominado “la Primavera” pertenece a Botticcelli.

6.

(

)

En el renacimiento, se desarrollan pinturas al fresco en espacios religiosos como la “Capilla Sixtina” en el Vaticano.


b. Huayna Capac c. Manco Capac Se denomina Quattroccento al arte italiano desarrollado en el siglo a. XV b. XVI c. XIV 9.

Uno de los mayores aportes del periodo Renacentista fue la aparición de la perspectiva, adjudicada a a. Alberti b. Ghilberti c. Brunellesci

10.

El renacimiento es un nombre, que recuerda el renacer de la cultura a. Egipcia b. Greco-latina c. Etrusca

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El primer inca nacido en territorio ecuatoriano fue a. Atahualpa

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UNIDAD 2: ÉPOCA COLONIAL E IC D N Í

El hecho colonial. En el libro básico de esta cátedra, usted señor Estudiante, encontrará el análisis de la época colonial en la página 12, donde se revisará el proceso histórico relacionado con la llegada de Colón a América. Este mismo momento, en el arte Europeo se desarrolla el período barroco, el cual se traslada luego a nuestro continente y se refleja en las expresiones denominadas barroco americano. Les invito a comprender la influencia que ejerce España en el Ecuador mediante el análisis de estos períodos históricos.

Debe tener presente, el estudio conjunto de la guía y el texto básico

2.1. Arte en la Edad Moderna: Barroco y Rococó. •

Barroco

Estimado estudiante, luego del periodo Renacentista, el poder de la Iglesia católica se comienza a ver amenazado, las teorías “reformistas” de Lutero generan dificultades en el manejo dogmático; de allí surge la denominada “contrarreforma”, el planteamiento formal desde la Iglesia católica de discusión sobre la temática puesta en duda. Bajo este movimiento, y con la intención de fortalecer la fe y establecerla con énfasis en el nuevo mundo, América, surge el movimiento denominado “Barroco”. Este nombre se le atribuye al estilo, aparecido en Italia, que ocupa el período histórico comprendido entre 1600 y 1750, aproximadamente. Política y socialmente ésta época está dominada por el absolutismo, tanto de la iglesia como del Estado. Su representante más importante es el “Rey Sol”, Rey de Francia Luis XVI (1638-1715). El poder encarnado en una sola persona, encuentra su identificación en la idea de la monarquía instituida por Dios: El rey es el representante de Dios sobre la tierra. En este período la curva aparece por doquier, en todas partes se manifiesta este elemento, así como la doble curva en forma de serpentina. Existe una visión anti clasicismo: De nuevo la sensación viene a suplir la razón. La palabra tiene tres acepciones: Etimológica (barrueco),de es la forma de unaabsurdo, perla ovalada, irregular. Metafórica, despectiva, estrambótico, sobrecargado. Estilística, con menosprecio (igual a “gótico” en el sentido de bárbaro; hasta Benedetto Croce dice que” arte jamás es barroco, el barroco jamás es arte”...).

Los acontecimientos del siglo XVI provocan notables cambios en el ámbito del arte: el manierismo y las secuelas del renacimiento dejan lugar al barroco, un arte dinámico que, a pesar de presentar características constantes, evoluciona y adquiere srcinalidad en cada país.

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Con el desarrollo de la imprenta, las ideas religiosas de Lutero, los razonamientos científicos de Copérnico y Galileo y los estilos artísticos germinados en Venecia se difunden por toda Europa. La fe vacila hasta el momento en que la reforma divide Europa en: norte protestante y sur católico. El poder de España se impone hasta en Italia y en el Vaticano, sustituyendo el modo de vivir de los italianos por otro más austero. La libertad del artista disminuye y de nuevo, entra al servicio de la nobleza y de la iglesia: crea obras lujosas e impresionantes que se amoldan a las nuevas normas de pudor y espiritualidad y demuestran la grandeza de ambas instituciones. De nuevo se pintan temas religiosos y las figuras van vestidas. “ARTE BARROCO: INSTRUMENTO DE CONVENCIMIENTO”, con el más amplio y sensual despliegue de recursos artísticos, en los países católicos es propaganda y celebración del triunfo de la fe. En los protestantes, expresión del gusto burgués por lo sensible y lo cotidiano; mientras que para los monarcas absolutos, elemento afianzador y demostración de su poder.

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Gráfico 32. «Portal barroco del Museo de Historia de Madrid» de Tamorlan - Trabajo propio. Disponible bajo la licencia Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 vía Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Portal_barroco_del_ Museo_de_Historia_de_Madrid.jpg#mediaviewer/Archivo:Portal_barroco_del_Museo_de_Historia_de_Madrid.jpg

Arquitectura Determinada por la necesidad persuasiva, los edificios más representativos (templos, palacios,...) y la propia ciudad, adoptan el carácter de teatros, escenarios abiertos donde se desarrollan todos los recursos para extender pública y eficazmente los valores y las conductas de los nuevos gobernantes. La ciudad barroca y, más concretamente, la capital, es la imagen del poder del gobernante, la estructura urbana intenta ostentosamente propagar y asentar los valores de las clases dirigentes. Se olvida el proyecto renacentista de la “proporción” y la “ciudad humana”. Durante el barroco, las transformaciones que en ellas se realizan atienden solo a las necesidades del poder absoluto de los gobernantes. La ciudad se organiza en torno a un centro. Atención a las vías de comunicación, calles anchas y rectas que desembocan en plazas. Permiten desfiles militares y civiles y masivas manifestaciones religiosas, se enfoca en un reflejo del poder.

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Elipses, parábolas, hipérbolas, sinuosidades, hélices, sustituyen el perfecto equilibrio del medio punto romano. Ahora las columnas se retuercen en forma helicoidal perdiendo su rígida estructura rectilínea. Los muros pierden el sentido plano y se curvan buscando efectos luminosos. La tradicional planta rectangular es sustituida por plantas elípticas, circulares y mixtas. En los interiores se procura evitar las superficies lisas; las paredes y techos son decorados con profusión de dorados, pinturas, relieves, espejos, etc., a fin de que produzcan la impresión de gran suntuosidad. Ahora la arquitectura se impondrá sobre las demás artes, la pintura y la escultura estarán -en la mayoría de los casos- al servicio de ésta. Sus tareas son, en forma igual, palacio y castillo, por un lado, e iglesia, por el otro. También el urbanismo (se abren las plazas hacia grandiosas perspectivas con efectos escénicos) y la arquitectura del jardín: después de Italia, Francia asume la hegemonía. El “jardín francés”es arquitectónico (simétrico con eje central); es la naturaleza modelada como obra de arte, con efectos teatrales (terrazas, alamedas, juegos acuáticos y perspectivas cambiantes).Ejemplos: Jardines de Luxemburgo, París; Parque de Versalles, cerca de París.

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Escultura La religión determinó muchas de las características del arte barroco. La iglesia católica se convirtió en uno de los mecenas más influyentes y la Contrarreforma, que quería combatir la difusión del protestantismo, contribuyó a la formación de un arte emocional, dramático y naturalista, con un claro sentido de propaganda de la fe. La temática tratada, por tanto, será casi exclusivamente religiosa. Entre los trabajos más destacados están los retablos para altares de iglesias donde aparecen figuras exentas y en bajorrelieve. Los temas mitológicos y profanos están ausentes y solo en el ámbito de la corte se da escultura monumental. Las características generales son: sentido de movimiento, energía, tensión, composición asimétrica con predominio de las diagonales y los escorzos, fuertes contrastes de luces y sombras que realzan los efectos escenográficos y el naturalismo. Las figuras no son simples estereotipos, sino que se presentan de forma individualizada, con personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones reflejadas en los rostros de los personajes. Gian Lorenzo Bernini es a la escultura del siglo XVII lo que fue Miguel Ángela la del siglo XVI. Su sello marca toda la época. Sus principales características son el movimiento exaltado, la búsqueda de nuevas texturas y el naturalismo. El tratamiento de las figuras es casi puramente pictórico, trata de dar una ligereza casi inmaterial a sus obras. Es importante, también, la faceta de retratista de Bernini, el naturalismo del Barroco favorece el uso del retrato en la escultura. Entre los temas más desarrollados en la escultura barroca están los religiosos, los mitológicos y los de mausoleos, todos ellos forman con la arquitectura un solo conjunto.

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Gráfico 33.”El éxtasis de Santa Teresa de Bernini 03” bysailko - Ownwork (my camera). Licensed under Creative Commons Attribution 2.5 via Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Santa_teresa_di_bernini_03. JPG#mediaviewer/File:Santa_teresa_di_bernini_03.JPG

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Pintura La pintura barroca se distingue por varios caracteres: Predominio del color sobre el dibujo, en los grandes maestros las manchas de color son las que definen las figuras. Se da una profundidad continua, se acentúa la selección adelante-detrás y la pintura parece tener tres dimensiones, se utiliza mucho la perspectiva y el escorzo (dibujo). Hegemonía de la luz, mientras en el Renacimiento la luz se subordina a la forma en el Barroco sucede todo lo contrario. En el Barroco es muy importante el rol que juega la sobra, especialmente en las primeras manifestaciones de este estilo ( Tenebrismo). Composición asimétrica y atectónica (corta imágenes en el cuadro). Se pierde la tendencia de colocar la figura principal al medio y a pintar dos mitades de tela semejante (simetría), también se desecha la malla horizontal y vertical del arte clásico (composición tectónica). Se prefiere lo que demuestra desequilibrio o que sugiera que la obra va más allá del marco. El Barroco no presenta formas estáticas; la turbulencia se antepone a la tranquilidad. La composición atectónica sugiere por sí sola movimiento, por el uso de diagonales

Gráfico 34. «Negación de San Pedro. Caravaggio». Publicado bajo la licencia Public domain vía Wikimedia Commons - http:// commons.wikimedia.org/wiki/File:Caravaggio_denial.jpg#mediaviewer/Archivo:Caravaggio_denial.jpg.

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Los artistas más destacados son en Italia, Michelangelo Caravaggio principal representante del tenebrismo, fue un artista muy controversial, por su vida y por sus obras. En España, los artistas fueron muchos, pero el más importante Diego Velázquez en la corte de Felipe IV. Son célebres retratos del rey y de su familia. Su obra más conocida de este período es “Las Meninas” obra llena de elementos que destacan la vida de la monarquía; posee grandes composiciones históricas “La Rendición de Breda”, se encuentra en el museo del Prado y otras “Las Hilanderas”, basado en el "mito de Arache", trabajo costumbrista en donde se visualiza el proceso artesanal. El primer desnudo en la pintura española “Venus con el Espejo”. Fue un gran realista, costumbrista y un fino colorista. En la zona de los países bajos (Holanda, Bélgica, Luxemburgo) se desarrollan dos artistas con tendencias opuestas, Pedro Pablo Rubens, nacido en Flandes, católico que dedica sus obras a la exaltación religiosa con un enfoque de belleza relacionado con su visión estética de la voluptuosidad de las mujeres y de la fortaleza en los hombres, fue mas que un artista, un diplomático ante las cortes de España, Inglaterra e Italia, cargo que le seria otorgrado por su conocimiento y el manejo de los idiomas.

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Gráfico 35. «Rembrandt Harmensz. van Rijn 144» de Rembrandt - The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVDROM, 2002. ISBN 3936122202. Distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. Disponible bajo la licencia Public domain vía Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Rembrandt_Harmensz._van_Rijn_144.jpg#mediaviewer/ Archivo:Rembrandt_Harmensz._van_Rijn_144.jpg

Por otro lado el artista Holandés, Rembrandt, fue uno de los más importantes artistas, sobre todo por su detallado trabajo de sus plumillas, que dieron la imagen real de la campiña, lo que hizo conocer los lugares lejanos, gente interesante y distinta. Pero su trabajo se fundamentó sobre todo en apuntes, de todo aquello que va estaba su 30 alcance. Sus pinturas tuvieron fortaleza, su obra pictórica a seralos o 40 autorretratos que hizo gran a lo largo de supero vida.lo más representativo de


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La conquista. Desde la página 12 a la 14 del texto básico, el autor, Ayala Mora, nos explica el proceso que se desarrolla en el país durante los primeros años de la colonia, y detalla algunos aspectos, sobre todo políticos, que suceden en este entorno: La cuestión del descubrimiento, Conquista de Quito, La visión de los vencidos.

2.2. Arte Colonial: Escuela Quiteña Estimado estudiante, en nuestras tierras americanas, la corona española fundó algunos espacios para desarrollo artístico, con el fin de elaborar obras pictóricas y escultóricas sobre todo, que ayuden a la difusión de la nueva religión, estas iniciaron en México con la llamada Academia de “San Carlos”, luego en Sudamérica, se establecieron la Escuela Cuzqueña y la Escuela Quiteña. La Escuela Quiteña es como se ha llamado al conjunto de manifestaciones artísticas y de artistas que se desarrolló en el territorio de la Real Audiencia de Quito, desde Pasto y Popayán por el norte hasta Piura y Cajamarca por el sur, durante el período colonial (segunda mitad del S. XVI, XVII, XVIII y primer cuarto del S. XIX); es decir durante la dominación española (1542-1824). El arte hispanoamericano en principio fue repetitivo y no creativo, en vista de que la producción artística fue para cubrir las necesidades del “catecismo por imagen” en este inmenso proyecto de expansión religiosa decretada y auspiciada por el Concilio de Trento. Como fruto del sincretismo cultural y del mestizaje las obras de la Escuela Quiteña se caracterizan por la combinación y adaptación de rasgos europeos e indigenistas y en sus etapas refleja todos los estilos imperantes en cada época en España y así tiene elementos renacentistas y manieristas; durante su apogeo es eminentemente barroca concluyendo con una corta etapa rococó que desemboca en un incipiente neoclasicismo hacia la fase de transición a la etapa republicana. Además de los aportes españoles, recibe múltiples influencias flamencas, italianas y moriscas, las cuales íntimamente enraizadas en la tradición indo-americana, le dan una particularidad especial, diversa de sus fuentes, pues su resultado es mestizo. Una de sus características comunes de la Escuela es su «técnica de encarnado» (como se llama en pintura y escultura a la simulación del color de la carne del cuerpo humano) que da una apariencia más natural a la piel del rostro de las esculturas. Una vez que la pieza estaba tallada y perfectamente lijada, el oficial del taller procedía a recubrir la madera con varias capas de yeso con cola; luego de cada capa, se pulía perfectamente hasta conseguir un acabado perfectamente liso; luego de lo cual se daba el color en varias capas sumamente fluidas que se transparentaban permitiendo la mezcla óptica de los colores superpuestos, para las heridas y moretones de los cristos o para las sombras de la barba incipiente de personajes imberbes. Finalmente se golpeaba la escultura con la vejiga de un cordero y saliva, para darle un brillo desconocido en Europa. Arquitectura Fue la primera manifestación artística llegada al Nuevo Mundo e inició con la construcción de las casas de los conquistadores, hechas al modo europeo, con ladrillo, adobe, piedra, madera y tejas. Luego surgió la arquitectura religiosa de templos y conventos construidos por arquitectos ibéricos, con aporte anónimo de los indígenas. En el siglo XVI se construyó la Iglesia de La Veracruz o Belén; en el siglo XVII se construyeron los templos de La Merced, el Arco de Santo Domingo, San Francisco, San Diego y San Agustín. Lo que llama la

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atención de propios y extraños son sus hermosas fachadas, verdaderas joyas de piedra, de estilo clásico, con columnas de capiteles jónicos, dóricos y corintios. Impera en ellas el estilo barroco.

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Desde inicios del período colonial los misioneros y predicadores establecieron la importancia de las imágenes religiosas en la evangelización de los pueblos indígenas.

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“La actividad sísmica condicionó la arquitectura en la sierra quiteña; para poder resistir los terremotos y temblores se buscaron estructuras menos esbeltas que en Europa, con grandes masas dispuestas simétricamente, se idearon nuevas formas de bóvedas y cúpulas con mayor elasticidad, y se utilizaron materiales locales de gran ligereza, como la piedra pómez. En general, las iglesias más grandes presentan estructuras arquitectónicas con caracteres mudéjares (de influencia árabe): naves alargadas, estrechas y compartimentadas, con arcos apuntados y armaduras de lazo en las cubiertas. La llegada de reputados arquitectos jesuitas en el siglo XVII supuso la introducción de nuevas formas en los templos, con planta de cruz latina, arcos de medio punto, bóvedas de cañón corrido en la nave, cúpulas de media naranja sobre tambor en el crucero y una rica decoración en el interior.


La Catedral de Quito, fue construida entre 1562 y 1565 sobre la primera iglesia de adobe (1534), restaurada en 1660 y reconstruida en 1797 tras sendos terremotos. El interior es gótico-mudéjar, con tres naves, una de ellas con capillas, cubiertas por alfarjes y con soportes de sección cuadrada que sostienen arcos apuntados. La capilla mayor es ochavada y tras ella se construyó en el siglo XVII una nave transversal que comunica con las laterales mediante arcos apuntados. En el exterior, mientras la portada del Evangelio es de estilo plateresco, el domo y la escalinata en forma de abanico, construidos por el español Antonio García en 1797, fueron el primer ejemplo de estilo neoclásico en Quito. El 1807 la obra se completó con un pretil longitudinal que une el templo con la plaza, adornado con esferas y pirámides de piedra. En el interior se conservan obras de los más famosos artistas quiteños: en la reconstrucción de 1660, Miguel de Santiago pintó el lienzo de la “Muerte de la Virgen” para el retablo del coro y, en la reconstrucción de 1797 selas encomendó a ManuelBernardo Chilli, “Caspicara”, retablo delpintaron coro (Conjunto de la Santa y de Virtudes), mientras Rodríguez yrehacer ManuelelSamaniego los cuadros delSabana coro y los muros de las naves laterales. Destacan asimismo las custodias y el púlpito tallado en madera.

Gráfico 36. «Iglesia y Plaza de San Francisco, Quito (1920)» de Desconocido - Archivo Histórico de la Ciudad de Quito. Disponible bajo la licencia Public domain vía Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Iglesia_y_Plaza_ de_San_Francisco,_Quito_(1920).jpg#mediaviewer/Archivo:Iglesia_y_Plaza_de_San_Francisco,_Quito_(1920).jpg

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El convento de San Francisco (1534-1605, con posteriores reconstrucciones) fue el más importante de toda la Audiencia por su extensión y calidad artística. El conjunto monumental comprende un área pública (la plaza, el atrio con la famosa escalinata), un área de culto (con la iglesia mayor y capillas independientes de San Buenaventura y Cantuña), un área educativa (colegio de San Carlos y Escuela de Artes y Oficios de San Andrés) y un área conventual con siete patios, incluyendo el claustro principal y dos huertas. Las obras del convento se iniciaron en 1534; los indígenas Jorge de la Cruz Mitima y su hijo Francisco Morocho los primeros “maestros de obra”, que actuaron bajo la dirección del flamenco Fray Jodocko Ricke. Desde el punto de vista estilístico, la iglesia es un ejemplo de eclecticismo (mescla de estilos) e innovación. La fachada (1581), de dos cuerpos y tres calles, recoge influencias españolas e italianas, especialmente del manierismo; las influencias de Serlio y Vignola. La fachada combina una disposición de cuerpos y calles en cuadradas,almohadillado produciendo un efectode dediamante, fuerza y solidez, con el empleo de motivos decorativos de masas tipo geométrico, y puntas consiguiendo efectos de claroscuro y contrastes de luces y sobras. El interior presenta tres naves; la central sobresale por sus dimensiones y por el extraordinario artesonado mudéjar en el que se combinan elementos decorativos árabes (lacerías, etc.) con soles de posible tradición andina. En la decoración del espacio interior, el característico “horror vacui” del barroco americano es llevado hasta sus últimas consecuencias. A mediados del siglo XVI comenzaron a construirse los conventos de Santo Domingo y San Agustín. Las iglesias de ambos fueron proyectadas en 1581 por al arquitecto español Francisco Becerra; la de Santo Domingo terminada en 1623 sufrió varias reconstrucciones y remodelaciones. La planta srcinal debió ser de una nave flanqueada por capillas sin comunicación entre sí, otra transversal de crucero tan ancha como la central y presbiterio con testero semicircular u ochavado. A principios del siglo XVII la iglesia se amplió hacia el lado de la Epístola, construyéndose la capilla de la Virgen del Rosario (ampliada entre 1730 y 1750) que destaca por su exuberante decoración tanto en escultura como en pintura. La iglesia de San Agustín, en cuya construcción intervino el español Juan del Corral en 1606. El convento contiene un claustro de dos pisos (el bajo bellamente decorado), sacristía, enfermería, refectorio y demás oficinas. La iglesia del convento de La Merced se levantó en 1596, pero la actual fue construida entre 1701 y 1737 según planos y dirección de José Jaime Ortiz. En el interior, la iglesia reproduce el modelo de La Compañía y, en el exterior las portadas (posiblemente rescatadas de otros edificios) son de estilo plateresco, con pilastras adosadas, arco de medio punto y los típicos florones en las enjutas que contrastan con la sobriedad del blanco paramento. Al llegar los jesuitas en 1586 propiciaron una reorientación del arte en Quito, adoptando para sus edificios y retablos las formas propias del barroco. La iglesia de la Compañía de Jesús (1605-1668) fue construida por los padres Francisco Ayerdi y Marcos Guerra (éste a partir de 1636). Se levantó sobre el modelo desarrollado por Jacopo da Vignola para la iglesia del Gesú en Roma (1568); Como dice Ortiz Crespo en “Arte de la Real Audiencia de Quito, siglos XVII-XIX”, tiene planta de cruz latina, la nave cubierta con bóveda de cañón corrido con lunetos [utilizada por primera vez en Quito], con arcos fajones dobles resaltados, cúpula de media naranja sobre el tambor en el crucero y seis capillas laterales comunicadas entre sí. El crucero, amplio y luminoso, se remata con una cúpula de media naranja sobre tambor, con su intradós pintado íntegramente. En el interior, el acento se pone en la cubierta de cañón corrido y en la abigarrada decoración con yesería en relieve recubierta con pan de oro y fondo bermellón, que desemboca en el presbiterio y en el retablo mayor, también recubierto con pan de oro.(Ortiz Crespo, 2002).

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Gráfico 37. Iglesia de la Compañía de Jesús. Fuente: http://www.globeholidays.net/South_America/Ecuador/Quito/quito_La_ Compania_de_Jesus1.htm

La fachada de la iglesia diseñada por el padre tirolés Leonardo Deubler, la fachada se terminó en 1765, un año antes de que concluyeran las obras completas del templo y dos antes de la expulsión de la orden. La fachada tiene la estructura de un retablo, con dos cuerpos, tres columnas salomónicas a cada lado del arco central y entablamento partido por un arco de medio punto. Originariamente estuvo recubierta con un tratamiento especial, resistente al aire y a la lluvia, que le daba apariencia de mármol; pintada en azul celeste y blanco, la fachada se convirtió en una manifestación pública del culto a la Inmaculada Concepción, cuya imagen ocupa el lugar principal en el conjunto. La iglesia de los jesuitas de Quito se convirtió en una referencia artística y conceptual para muchos templos posteriores, siendo considerada la obra cumbre del barroco quiteño”(Leiva, 2007).

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Escultura La escultura colonial fue predominantemente religiosa, se distingue por las numerosas y bellas imágenes de Cristo, la Virgen María, santos, ángeles y escenas bíblicas, hábilmente talladas en madera multicolor. La escultura adquirió gran prestigio en todo el continente americano con magníficas obras de los más destacados escultores de la Escuela Quiteña. Las obras de escultura fueron hechas en piedra, yeso y madera. Entre los escultores están: Manuel Chili, conocido como Caspicara. Su obra tiene arraigos en la sensibilidad y en las creencias de los quiteños. No solo se dedicó a la escultura de retablos o imágenes, como la Virgen del Carmen de la Iglesia San Francisco de Quito, sino que también realizó grupos escultóricos, que era algo muy poco frecuente en la escuela quiteña, como: la Asunción de la Virgen (San Francisco) y el célebre Descendimiento (en la Catedral) Entre otros escultores de la época están: José Olmos, conocido como Pampite, en sus esculturas representaba el sufrimiento indígena bajo la regla española, tiene una amplia producción de gran realismo, fue un mestizo que aportó inmensamente a la escultura quiteña con sus crucifijos sangrientos, descarnados de fuerza y cargados de musculatura; Diego de Robles, autor de La Virgen del Quinche, del Cisne en Loja; Hermano Marcos Guerra, Bernardo de Legarda, Autor de la Virgen de Quito, La Inmaculada; Gaspar de Sangurima y otros.

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Diego de Robles Durante la época colonial la escultura se caracterizaba por una fusión entre la producción de la imagen y el terminado como complemento de la misma la llamada policromía o pintura de la obra. Esta práctica la inician los escultores españoles Juan Martínez Montañés y Gregorio Hernández que tuvieron como colaboradores para la policromía de sus obras a los pintores Francisco Pacheco el primero y Diego Valentín Díaz el segundo, de forma similar a las escuelas imagineras de Sevilla y Valladolid. Lo más sobresaliente de las obras de Diego de Robles es que sus obras en poco tiempo se convirtieron en obras de culto religioso con características milagrosas. Cuatro son las imágenes de culto que representan a Nuestra Señora de Guadalupe de Guápulo, del Quinche, de Cicalpa y del Cisne; todas tienen igual tamaño y hechura, inmediatamente al ponerlas al servicio de culto se tornaron en imágenes de devoción en especial para los indígenas.

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Gráfico 38. Imagen de la Virgen de El Cisne. Loja. Fuente: http://www.elmercurio.com.ec/369537-loja-proyecto-de-santuario-ala-virgen-del-cisne/#.U9AmJoB5ODQ

Toda la obra de Diego de Robles estuvo al servicio de la iglesia con tonos populares reforzando la decisión de que el culto se lo lleve a través de las imágenes, buscando eliminar prácticas de superstición y abuso. De las imágenes elaboradas por Diego de Robles, la del Santuario de Guápulo desapareció en un incendio a inicios de este siglo. Se conservan tan solo la de Nuestra Señora de Guadalupe que recibe culto en el Quinche, así como la Virgen de El Cisne en la parroquia del mismo nombre en la provincia de Loja. Posiblemente del taller de Robles sean los relieves del antiguo coro de Sto. Domingo que se exhiben el museo Dominico. El artista fue miembro de varias cofradías, de la Vera Cruz de San Francisco, del Rosario de Sto. Domingo y de la Inmaculada Concepción de la Catedral. Bernardo de Legarda El taller de este artista fue el más concurrido y solicitado, marcando con su estilo buena parte de la producción escultórica de la época. En el taller, que compartía con su hermano Juan Manuel, se construían órganos, se labraban retablos, marcos, imágenes, muebles, se hacían espejos y se pintaban lienzos. 70



PRIMER BIMESTRE

Además de los retablos que labró y doró, Legarda fue el autor de la Inmaculada de Quito (conocida como la Virgen del Panecillo) para el altar mayor de San Francisco; la imagen presenta a la Inmaculada alada, triunfante, con un pie alzado sobre la cabeza de la serpiente, los pliegues del manto acentúan el movimiento de la figura, mientras que los del vestido marcan la verticalidad, a la que se oponen los brazos y manos que se desplazan hacia un lado. Todo ello explica el nombre de “Virgen Danzante” o “Virgen Bailarina” con el que es conocida. Esta representación de la Inmaculada Apocalíptica tenía antecedentes en España durante el siglo XVII, pero Legarda supo darle un aire nuevo, con influencias orientales que acentúan el movimiento, muy popular y, por tanto, reproducida una y otra vez, como puede comprobarse en las diversas imágenes conservadas tanto en Quito como en Popayán. Legarda fue también el autor del conjunto escultórico llamado “El Tránsito de la Virgen” ubicado en el Carmen Alto, en elalque se representa la Virgen rodeada los 12una apóstoles, dos ángeles y dos figuras femeninas cercanas tamaño natural. aEntre sus obras se por incluyen Divina Pastora hilando, una imagen de la Asunción y otra del arcángel San Gabriel (c.1734) en San Francisco. En el siglo XVIII realiza un trabajo incansable y es calificado por el Padre Juan de Velazco como “el monstruo del talento”, repitiéndose la calidad de Miguel de Santiago.

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Caspicara Prácticamente nada se conoce de la vida de Manuel Chili, conocido como Caspicara. Fue el más claro exponente local del rococó y, junto a Legarda (de quien fue uno de los mejores sucesores), representa el cenit de la escultura quiteña. Maestro del patetismo y del sentimiento, sus figuras presentan formas suaves, lánguidas y sensuales, con textura de brillante porcelana y minuciosos detalles. Entre sus múltiples obras, de las cuales solo está firmada una, se encuentran Las Virtudes y el conjunto de cuatro imágenes de tamaño natural llamado “La Sábana Santa” en la Catedral de Quito, el Tránsito de la Virgenen la iglesia de San Francisco, el Calvario de la iglesia del Belén, la Virgen del Carmen, San José y Coronación de María San Juan de Dios conservados en elsantos museoy de San Francisco, (1790) Santo Domingo, así como varios calvarios, Cristos, figuras del Niño Dios, algunas de las cualesenson meras atribuciones.

Gráfico 39. Sabana Santa. Caspicara. Fotografía de Micaela Ayala/Agencia Andes. Fuente: http://andes.info.ec/fotos/ELESPLENDOR-DEL-BARROCO-QUITENO/ARTE-BARROCO-22

El patrimonio escultórico quiteño se completa con multitud de obras anónimas conservadas en templos, conventos, museos y colecciones privadas. Aunque en el repertorio dominan claramente las imágenes religiosas, como vírgenes, santos, Cristo, calvarios, Niños, seres alados, etc., también se conservan figuras del rococó que representan muñecas articuladas e imágenes paganas, que trazan un puente entre el arte consagrado hecho por profesionales, y el rico y variado arte popular”(Leiva, 2007).

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Pintura Fue el arte más difundido de la colonia, todas las obras tienen temas totalmente religiosos y están dotados de una hermosa policromía y de profundos conocimientos anatómicos. Entre los pintores más destacados están: Miguel de Santiago, quien se perfeccionó en la elaboración de pigmentos y telas, tuvo influencia de pintores alemanes y flamencos. Entre sus obras está “El Cristo de la Agonía”, en la que se dice que Miguel de Santiago crucificó a uno de sus alumnos para obtener un acabado perfecto. Se refugió en el convento de los Agustinos, ya que fue perseguido, donde pintó la serie de la vida de San Agustín, la cual culmina con el lienzo titulado “La Regla”. Los doce lienzos de “Los Milagros de la Virgen” demuestran la influencia del modelo físico local. Cerca de los 50 años pintó la serie que interpreta “Los Milagros de Nuestra Señora de Guápulo”. También elaboró varias obras que representan a la Inmaculada Concepción. Algunos lienzos de su autoría se encuentran en la Iglesia de San Francisco de Quito y en la Catedral de Bogotá. Otro pintor destacado fue Nicolás de Gorívar, sobrino y discípulo de Miguel de Santiago, todas sus obras descansan en las naves laterales de la Iglesia de la Compañía y se titulan “Los Profetas”. En la obra la Inmaculada con Adán y Eva se da énfasis a la figura de María como vencedora del mal. En el siglo XVI, sobresalieron otros pintores quiteños, generalmente indios y mestizos: Adrián Sánchez, Francisco Quishpe, Antonio Salas, Samaniego, la miniaturista riobambeña Magdalena Dávalos. Otro pintor extraordinario fue el religioso Padre Pedro Bedón, domínico que pintó “La Virgen de la Escalera” que es la obra más antigua de América, se encuentra en la Capilla del Rosario del convento de Santo Domingo en Quito.

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Gráfico 40. «Virgen Guápulo» de Miguel de Santiago - Propia. Disponible bajo la licencia Public domain vía Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Virgen_Gu%C3%A1pulo.jpg#mediaviewer/Archivo:Virgen_ Gu%C3%A1pulo.jpg


Rococó Señor estudiante, luego del auge del Barroco, surge un arte más cortesano, con exagerados motivos de una cotidianidad única de la Corte de Francia, le invito a conocerlo.

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Es un corto período en el arte, que se basa en trabajos realizados por la aristocracia y para la aristocracia, celebraba las actividades y fiestas de la clase alta. Tiene como centro Francia, a donde se traslada el centro del mundo desde Roma, es Paris ahora la ciudad del arte y de la moda. El Rococó muere con el surgimiento de la Revolución Francesa de 1780, dando paso en estética al periodo llamado Neoclásico.

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Gráfico 41. «Fragonard, El columpio» de Jean-Honoré Fragonard - wartburg.edu. Disponible bajo la licencia Public domain vía Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Fragonard,_The_Swing.jpg#mediaviewer/ Archivo:Fragonard,_The_Swing.jpg

¡Señor Estudiante, ha terminado con los periodos Barroco, Colonial y Rococó, Felicitaciones! Ahora debemos desarrollar un cuestionario que nos ayude a recordar aquellos aspectos aquí analizados. ¡Suerte!

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Autoevaluación 5

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(

)

El Ecuador estuvo bajo la dominación Española aproximadamente tres siglos.

2.

(

)

En el mismo año que se da el descubrimiento de América, llegan los conquistadores a tierras ecuatorianas.

3.

(

)

En el Ecuador incaico, el Tahuantinsuyo, Huáscar gobernó sobre su hermano por su derecho de ser el primogénito.

4.

(

)

El primer período colonial según Ayala Mora, se da desde el fin de la conquista hasta fines del siglo XVI.

5.

(

)

En el barroco americano, se destaca la Escuela Quiteña, que demuestra en escultura la simulación del color de la piel, mediante el método denominado encarnado.

6.

(

)

El artista barroco más importante en escultura, fue el italiano Miguelangelo de Caravaggio.


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7.

(

)

En los países bajos, se destacan artistas que desarrollan una forma de arte costumbrista, entre los más representativos tenemos a Rembrandt y Vermeer.

O I R A N O I

8.

(

)

El artista ecuatoriano conocido bajo el seudónimo de Caspicara, tenían como nombre de pila Manuel Chili.

C U L O S


El grupo de colonizadores que llegan por primera vez a Quito, estaba dirigido por: a. Sebastián de Benalcazar b. Hernán Cortez c. Francisco Pizarro

10.

Al Inca Atahualpa se lo toma preso, para luego ejecutarlo, en la ciudad de: a. Cajamarca b. Quito

11.

c. Tomebamba Desde el punto de vista etimológico, la palabra barroco significa: a. Con menosprecio (igual a “gótico” en el sentido de bárbaro; hasta Benedetto Croce dice que” arte jamás es barroco, el barroco jamás es arte”...). b. (Barrueco), es la forma de una perla ovalada, irregular. c. Despectiva, de estrambótico, absurdo, sobrecargado.

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12.

PRIMER BIMESTRE

En el Ecuador de la Real Audiencia de Quito, los productos más importantes producidos allí, y llevados a los centros de explotación minera de Potosí fueron. a. Tejidos

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b. Cacao y banano c. Oro y plata 13.

En el Barroco, la iglesia católica se convirtió en uno de los mecenas más influyentes a través de la ___________, quería combatir la difusión del protestantismo a. Reforma b. Consigna c. Contrarreforma

14.

E IC

¿Qué iglesia quiteña fue construida reproduciendo el interior de la Iglesia de la Compañía de Jesús? a. San Agustín


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b. La Merced c. San Francisco


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Primer período La colonia se caracterizó por procesos de fortalecimiento del orden establecido, los mismos que podemos entender mediante la lectura del texto básico desde las páginas 14 a la 16. Los temas a revisar serán: Implantación del orden colonial, Las guerras civiles, Colonización inicial, Organización administrativa. Esto nos va a demostrar los diversos aspectos en que se desenvuelve el nuevo mundo, con la influencia europea y será visible también a través del arte. Recuerde siempre utilizar un cuaderno de apuntes y elaborar ideogramas y organizadores gráficos que apoyen a su proceso de aprendizaje, como por ejemplo mapas conceptuales, cuadros sinópticos, cuadros comparativos entre otros.

2.3. Arte del Neoclásico Estimado estudiante, luego de los procesos políticos y religiosos vividos en Europa durante los periodos Barroco y Rococó, la tendencia social cambia, se retoman otros planteamientos, el poder de la Iglesia disminuye e inicia un nuevo análisis filosófico basado en la razón. En el arte por su parte, se retoman los conceptos, y sobre todo la estética y temática de las culturas greco-latinas, y a ello se denomina el Neoclásico, neo=nuevo, el volver al principio, a Grecia y Roma; ahora le explico con detalle el proceso. Entre 1750 y 1830 se desarrollo en Europa el neoclásico, estilo que tuvo epicentro en Francia, fue conocido como el siglo de las luces, donde el hombre rechaza lo que sea impuesto y admite lo que llega a través de la razón. Además de Europa, también fue importante su difusión en Estados Unidos; es un período que supuso decisivos cambios en la cultura europea, el paso decisivo del barroco tardío y rococó a una nueva mentalidad ilustrada. Baste decir como ejemplo que los dos grandes genios musicales del barroco: Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel murieron en 1750 y 1759, respectivamente y que en 1756 nace el genial Wolfgang Amadeus Mozart, que con solo 4 años ya componía e interpretaba como los más geniales virtuosos de la época, y cuyas obras nos muestran a la perfección el gigantesco contraste existente entre estas dos épocas separadas por la crucial década. Desde el punto de vista histórico, es un periodo de profundos cambios políticos, ya que comienza en pleno siglo de la Ilustración y del Despotismo ilustrado, y continua durante la llamada revolución francesa y la época napoleónica. Coincide con la crisis de las estructuras del antiguo régimen y las primeras experiencias de la sociedad burguesa. El neoclasicismo es un estilo artístico íntimamente ligado al racionalismo impuesto por la ilustración. Propugna un nuevo concepto de la estética, difundido por las academias de arte, que defendían a ultranza la superioridad del arte antiguo. Su surgimiento y auge están relacionados con la intensificación de las prospecciones arqueológicas en Herculano y Pompeya, por Winckelmann, quien publica en 1764 “Sobre la imitación de las obras griegas”, donde pregonizaba el ideal griego como punto de partida de todo concepto de belleza, un modelo en cuanto a virtudes cívicas, heroicas, republicanas. El nuevo orden internacional, acabó con la hegemonía francesa en el continente e inauguró un nuevo orden internacional basado en el equilibrio de poder entre tres grandes potencias: Inglaterra, Francia y Austria, lo que hizo posible la disminución de las guerras y de sus efectos devastadores. En este nuevo marco afloró la nueva corriente intelectual denominada Ilustración. Los ilustrados defendían la razón humana como medio para descifrar las leyes de la naturaleza y perfeccionar al hombre y la sociedad.

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Los planteamientos críticos de la Ilustración con al Antiguo Régimen contribuyeron a socavar las estructuras sociales, políticas y económicas de éste, dando lugar a dos nuevos acontecimientos: •

•

D N Í

Las Revoluciones Americana y Francesa, de 1776 y 1789, respectivamente, que acabaron con las monarquía absoluta y la sociedad estamental.


Estos acontecimientos determinarán toda la evolución de la centuria siguiente. El siglo XIX se inició con el Imperio Napoleónico (1799-1815), que consolidó las realizaciones de la Revolución Francesa y propagó sus ideas e instituciones por toda Europa. Tras la derrota definitiva de Napoleón, la Europa de la Restauración se propuso un retorno al Antiguo Régimen y al Absolutismo. Sin embargo, en el terreno económico, la Revolución Industrial seguía su avance imparable y, con ella, el ascenso de la burguesía, que protagonizó tres oleadas revolucionarias de 1820, 1830 y 1848, para recuperar el poder político que correspondía a su fuerza social y económica. Arquitectura Los arquitectos, en las academias, se educaban proyectando edificios según la preceptiva de los teóricos italianos, sobre todo, Paladio. La devoción que los académicos neoclásicos mostraron hacia sus libros, dio srcen al “neo-paladianismo”, enriqueciéndose las principales capitales europeas y estadounidenses con monumentos inspirados en la visión que este arquitecto tuvo de la antigüedad grecorromana. La arquitectura neoclásica la ornamentación rococó se inspira enreligiosa los artesygriego, etrusco, romano e incluso egipcio.desecha Desaparece progresivamente la yarquitectura se construyen edificios públicos con finalidad civil: bibliotecas, mercados, museos, pórticos, etc. Napoleón, con ánimo propagandístico, emula la arquitectura romana (Arco de la Estrella en París). También en los territorios germánicos triunfa el neoclasicismo arquitectónico. En Inglaterra el clasicismo renacentista no se había olvidado y en el dieciocho se exporta a las colonias norteamericanas (El Capitolio, La Casa Blanca). Las características más destacables en la construcción son: •

Cornisas y frisos con metopas y triglifos

•

Grecas

•

Guirnaldas vegetales: flores, frutas...

•

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La Revolución Industrial británica, que supuso un cambio económico y social sin precedentes, teniendo como base la aparición de la fábrica.

Palmas y laureles

Y las edificaciones más dadas: •

Columnas conmemorativas

•

Templos

•

Arcos del triunfo

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•

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Propileos E IC D N Í


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Gráfico 42. La Casa Blanca. Visto en http://guiastercerplaneta.com/destinos/wp-content/uploads/2012/12/casablanca.jpg

Características de la Arquitectura neoclásica Función cívica de la arquitectura y el urbanismo o finalidad social del programa constructivo. Los nuevos edificios son públicos como escuelas, hospitales, museos, aduanas, bolsas, academias. El poder económico- político pasa a manos de la burguesía. En 1733, Claude-Nicolás Ledoux proyecta la primera ciudad industrial al estudiar las instalaciones y servicios de las salinas Chaux. Junto a Etienne- Louis Boullée son los grandes teóricos de la arquitectura del momento aunque la mayoría de sus ideas no pasaron de proyectos. Su purismo geométrico y las enormes masas compactas escapan a lo que fue el lenguaje neoclásico. Adopción del orden dórico, más macizo que el romano, ya que las ruinas dóricas que más se conocían eran las del sur de Italia, Pestum. El templo griego, único edificio público, es el tipo de arquitectura adoptada para infinidad de construcciones, lo que muestra la pérdida del protagonismo romano. Museo Británico de Londres, Neue Bache de Berlín. Predomina lo horizontal por sobre lo vertical, la solidez, el uso del frontón, las columnas y los atrios. Esto es orden, proporción y armonía. Ascetismo en la decoración arquitectónica. Ausencia de colorido, minimización de molduras, ornamentos escultóricos. En la época del Imperio aparecen en Francia unas formas más elaboradas con mármoles polícromos ordenes aplicados, la Iglesia de la Madeleine, convertida por Bonaparte en el Templo de la Gloria, tiene un orden corintio, inspirada en la Maison Carrée de Niemes, es un templo corintio peristilo. Escultura Lo mismo que en arquitectura, los modelos "anti-barrocos" los va a suministrar la antigüedad clásica, más Grecia que Roma. (Aunque hay que tener en cuenta que la idea que se tiene en el siglo XVIII de los modelos griegos se basa en la ignorancia de que dichos modelos son, en la mayoría de los casos, copias romanas). No surgirá, sin embargo, una escultura tan llena de vida como la renacentista, debido al prejuicio de considerar lo clásico como un ideal insuperable que había de copiarse al pie de la letra. Y, en efecto, apenas hubo otra cosa que copia mecánica de la antigüedad. En realidad, en aquella escultura no interesaba sino la belleza puramente formal; el espíritu está ausente.

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Desde el punto de vista de los temas, hay novedades. Decae la temática religiosa, casi sustituida por la mitológica. Más que religiosidad, lo que se procura es una moral pública, de ahí que las figuras aparezcan recatadas, edificantes. Nos transmiten un bello ideal, una clara propensión a lo sublime. Se acude con frecuencia al desnudo, pero evitando el erotismo. También abunda el retrato, como consecuencia del afán de exaltar el espíritu de ciudadanía; los personajes dan ejemplo con su virtud. También son notables los sepulcros. Así, los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearán obras en la que prevalecerá una sencillez y una pureza de líneas que los apartará del gusto curvilíneo del Barroco. En todos ellos el desnudo tiene una notable presencia, como deseo de rodear las obras de una cierta intemporalidad. Los modelos griegos y romanos, los temas tomados de la mitología clásica y las alegorías sobre las virtudes cívicas llenaron los relieves de los edificios, los frontones de los pórticos y los monumentos, como arco de triunfo o columnas conmemorativas. El italiano Antonio Cánova es uno de los grandes escultores y el mayor representante del movimiento neoclásico. Hijo y nieto de cantero, rechaza ya en sus primeros trabajos la idea del artesano gremial en favor del artista creador. Tomó por modelo las obras griegas conservadas en Italia, fundamentalmente del período helenístico, y solo ya tardíamente pudo contemplar con sus ojos los mármoles griegos, las esculturas del Partenón que instaló en Londres Lord Elgin. Entonces cayó en la cuenta de su gran error: Grecia surgía ante su vista como una realidad imprevista, llena de vida. (“He visto los mármoles de Fidias. No tenían nada de afectado, de exagerado, nada de duro (...) son verdadera carne...”).

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Gráfico 43. El amor y Psique. Antonio Cánova. Fuente: http://tarte.blogcindario.com/2007/01/index.html

Pintura En la pintura resalta el carácter escultórico: se juega con volúmenes y estructuras, y se imprime cierto aire de heroísmo dentro de las formas frías. Se impone la línea sobre el color, por lo que acrecienta sus cualidades plásticas pero decrecen las pictóricas. Se imponen los temas de carácter clásico, histórico y mitológico, empleándose también temas con influencia de la Edad Media. En los temas históricos predominan elementos romanos, griegos y egipcios. Los gestos son heroicos, con predominio de un ambiente patético. Las composiciones son simples, con un escenario de poca profundidad y agrupación de figuras paralelas al fondo.

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PRIMER BIMESTRE

Es en la pintura donde hubo más dificultad para llegar a una estética neoclásica. Una de las razones fue la escasez de modelos antiguos, pues eran pocos los ejemplos de pintura que sacaban a la luz las excavaciones en Pompeya, los aspectos morales. Por ello fueron las decoraciones de los vasos de cerámica y los bajorrelieves casi las únicas referencias al alcance de los artistas.

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La filosofía fue el centro de este movimiento en la pintura, los valores y la moral guiaban a la propuesta. El artista más destacado es Jacques Louis David, en pintura, al mismo tiempo del período llamado Imperio en Francia (1800-15). Pintor de la Corte de Napoleón I. También retratista como vemos en su obra Marat asesinado, que se encuentra en el Museo de Bruselas. Obras como “Belisario recibiendo limosnas” y el fundamental “Juramento de los Horacios” plantean un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer plano; el predomina del dibujo, la ausencia de ornamentación, la luz fría y los detalles arqueológicos completan un conjunto que define el gusto neoclásico. Los temas de los cuadros hacen alusión a hechos heroicos y aleccionadores, aunque no forzosamente debían ser antiguos. A partir de 1790, David se convierte en propagandista de la Revolución y en activista entusiasta cuando es elegido miembro de la Convención en 1792. Con su obra “La coronación de Napoleón” en 18051807, nos muestra toda la pompa en la que las ideas revolucionarias se han disipado. Los personajes representados se han apropiado de los rasgos distintivos de los que derrocaron. Es el reflejo admirable del esplendor y lujo que Napoleón hizo inherente a su imperio. El retrato constituye uno de los mayores atractivos de David, pues ha de pintar sinceramente, aunque sin omitir las vanidades del modelo. La más fina elegancia la posee el “Retrato de Madame Récamier” (1800), cuya silueta se recorta sobre un diván de estilo imperio.


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Gráfico 44. “Juramento de los Horacios-1784” de Jacques-Louis David - Web Gallery of Art: Image Infoaboutartwork. Licensed under Public domain via Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:David-Oath_of_the_Horatii-1784. jpg#mediaviewer/File:David-Oath_of_the_Horatii-1784.jpg.

Otro de los genios de la pintura neoclásica, fue Jean Dominique Ingres, francés, músico en un principio, luego se transformó en importante pintor neoclásico-romántico de la primera mitad del siglo XIX. Su estilo de línea pura y la fidelidad que guarda respecto al modelo real que retrata, son sus características más relevantes.

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Gráfico 45. La bañista de Valpinçon. Ingres. Visto en http://www.devoir-de-philosophie.com/dissertation-jean-dominiqueingres-grande-baigneuse-189499.html

Pintó en Roma y Florencia donde recogió aspectos importantes de la técnica, sin embargo, se despegó de todo lo clásico antiguo, para retratar la figura humana de una forma muy personal. Es clásico en su ideal del cuerpo humano. Retratos y desnudos femeninos idealizados, donde vemos una gran influjo de los nuevos espacios de cultura, el oriente como muestra de la nueva tendencia en el mundo conocido, sus obras utilizan imágenes de influencia oriental que son visibles en cuadros como “El baño turco” (1862) o “La gran Odalisca” (1814). Segundo período Estimado estudiante, el denominado auge del periodo colonial explica el manejo de los diversos espacios políticos y religiosos en la Colonia. Para entender todo este proceso, les invito a leer el texto de Ayala Mora desde la página 16 hasta la 18 donde se explica cada uno de los siguientes aspectos: Auge del orden colonial, Mitas y obrajes, La sociedad colonial, Estado, iglesia y cultura, Recuento del período. Es importante tomar en que estos aspectos que enriquecen la comprensión de la historia ecuatoriana en el periodo colonial, así como de su correlación con los periodos de la historia artística, que se analizan en esta guía. Los procesos coloniales van transformándose a lo largo del tiempo, y es por ello, que se desarrolla un cambio ya a este orden antes establecido, para comprender este período, deben leer el texto básico desde la página 19 hasta la 21 donde termina el aspecto colonial dentro de nuestro país, el mismo que comprende: Rendición del orden colonial, La “crisis” de los 1700, Consolidación del Latifundio y Recuento del período Fin de la época colonial.

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(

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En el primer periodo, se establecen las Leyes Nuevas, que centralizaban el manejo político y económico en la Corona y generaban mecanismo de protección de los indígenas.


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2.

(

)

En el Neoclásico, se conoce como el siglo de las Luces, pues el hombre rechaza lo impuesto y admite lo que le llega a través de la razón.

3.

(

)

Sí bien el Neoclásico considera como ideal el parámetro greco-latino, en la pintura y escultura, más bien son las virtudes heroicas, cívicas y republicanas.

4.

(

)

La denominada Rebelión de las Alcabalas se establece contra los indios y su intención de igualdad de derechos en la Colonia.

5.

(

)

En el Neoclásico, el artista más destacado en pintura fue Jacques Louis David, que se convierte en el pintor de la corte de Napoleón I.

6.

(

)

Una de las obras más conocidas de David, fue el denominado “Amor y Psique”, que es una escultura de mármol.

O I R A N O I

7.

(

)

La escultura neoclásica se caracteriza por sus temas mitológicos, el más representativo de sus artistas fue Nicolas Ledoux.

C U L O S

8.

(

)

En el tercer período colonial, se establece como la principal mano de obra para la producción textil a los mestizos.

9.

(

)

Los mestizos no tenían los mismos privilegios que los blancos, debido a que debían demostrar su pureza de sangre.

10.

(

)

El centro de mayor importancia del arte colonial en la Real Audiencia de Quito, fue la denominada Escuela Quiteña.


Cuales fueron las ciudades hispánicas que se fundaron primero en el Reino de Quito a. Zaruma, Zamora y Cuenca b. Quito, Portoviejo y Guayaquil c. Quito, Guayaquil y Cuenca

12.

La denominada _________________ mantuvo división entre lo que se llamo republica de blancos y republica de indos. a. Legislación de la Real Audiencia b. Concilio de Trento c. Legislación de Indias

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13.

PRIMER BIMESTRE

En el Neoclásico, los países donde triunfa con fuerza la arquitectura clasicista fueron a. Alemania, Francia e Inglaterra

E IC

b. Inglaterra, Francia y España

D N Í

c. Italia, Alemania y Países Bajos 14.

Al proceso que se produce por el impuesto establecido que afectaba al comercio local en la Colonia se conoce como: a. Legislación de Indias b. Rebelión de las Alcabalas

15.

c. Concilio de Trento La ausencia de colorido, minimización de molduras y ornamentos escultóricos que se visualizan en el Neoclásico, sobre todo francés, se conoce como a. Ascetismo b. Acromía


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c. Orden dórico 16.

La lengua principal de la Real Audiencia de Quito, fue el castellano, que _______ sin problemas al Quichua. a. Abolió b. Ignoró c. Se compenetró

¡Muy bien, concluimos el Primer Bimestre! Ahora a revisar todo lo estudiado y prepararnos para nuestro examen. Siga así, estimado estudiante, la constancia logra que los éxitos sean duraderos.

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SEGUNDO BIMESTRE

e d o p m ie T

n ó i c a c i d e d

e d s e r o d a ic d In

je a z i d n re p a

D O N U G E S

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L P T U a l e d s a c ir

. a m o n tó u a a m r

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SEGUNDO BIMESTRE

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E IC D N Í

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R E M I R P



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SEGUNDO BIMESTRE

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SEGUNDO BIMESTRE

6.7. Orientaciones especificas del aprendizaje por competencias.

UNIDAD 3: INDEPENDENCIA Y ETAPA COLOMBIANA

Estimado como le avivo iniciar lade revisión y completar su trabajo distancia, dado que estudiante, el tiempo es cortosugerencia y que todos estosaproceso aprendizaje necesitan tiempo,a es bueno comenzar temprano. Para este bimestre, el autor del texto básico nos hace un acercamiento a lo que se denomina la etapa post-colonia o independencia, el Ecuador sufre algunas transformaciones, se produce un giro completo en el proceso político nacional, así que los detalles deben revisar en las paginas 22 a la 23. En el texto se revisarán los temas: Periodización de la independencia y la etapa Colombiana, La independencia y Perspectiva general.

3.1. Romanticismo Señor estudiante, la historia del arte toma diversos nombres para denominar momentos específicos con cambios fundamentales en la estética y la filosofía, es por ello que tenemos una cronología que no siempre responde a un proceso lineal. A continuación le invito a revisar el romanticismo, que es una revolución artística, política, social e ideológica tan importante que, todavía hoy viven, muchos de sus principios: libertad, individualismo, democracia, nacionalismo, etc. Entre 1770 y 1800 “Europa se acostó absolutista y neoclásica y se levantó demócrata y romántica”. Gracias a la revolución industrial inglesa (1760-1840), que desarrolla una clase burguesa y sienta las bases del liberalismo; gracias a la revolución francesa (1789), que proclama los principios de libertad, igualdad y fraternidad; gracias igualmente a la revolución americana con su Declaración de Independencia(1776), que hace de los derechos del hombre su centro y establece la república como forma de gobierno y al pueblo como fuente exclusiva del poder; gracias a todos estos hechos la Libertad reemplaza a la tiranía, el poder absoluto se ve limitado y la democracia se erige en ideal de gobierno. Pero el siglo XVIII no es solo despotismo ilustrado, racionalismo y neoclasicismo. Conviven con estas tendencias dominantes las corrientes deístas y místicas, y se reivindica también el valor de los sentimientos y de la pasión. Tradicionalmente la valoración de lo irracional y sentimental se otorga al siglo XIX, pero la centuria anterior también asumirá la importancia de estas zonas de la psique humana, como se aprecia en la importancia que el siglo XVIII da a la sublimidad. Para los clasicistas la belleza depende de las cualidades materiales de los objetos (unidad, variedad, regularidad, orden, proporción, etc.) más que de la sensación que producen éstos en quien los contempla. La belleza, en consecuencia, ha de proporcionar un estado de placer sereno, fruto del orden y la proporción, como ocurre con el arte griego. Pero también se tuvo en cuenta en el siglo XVIII junto a lo bello lo sublime, que desde la Antigüedad tenía que ver con la emoción. Dice el griego Pseudo-Longino: “lo sublime es lo que nos emociona por su magnitud y energía superior a las facultades humanas; la Naturaleza, el cosmos, la grandeza y profundidad de pensamiento...”

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Es difícil definir qué sea el romanticismo. Su carácter revolucionario es incuestionable. Supone una ruptura con una tradición, con un orden anterior y con una jerarquía de valores culturales y sociales, en nombre de una libertad auténtica. Se proyecta en todas las artes y constituye la esencia de la modernidad. Aunque la unanimidad del movimiento romántico reside en una manera de sentir y de concebir al hombre, la naturaleza y la vida, cada país produce un movimiento romántico particular, distinto; incluso cada romanticismo nacional desarrolla distintas tendencias. En Francia o en España se suelen distinguir un romanticismo de apariencia católica y nacional de otro más liberal y materialista. En Alemania o Inglaterra se diferencia un primer romanticismo de un segundo movimiento, más maduro y menos teórico. La importancia de los sentimientos, las emociones y las pasiones (amor, sufrimiento, odio); se exaltan los sentimientos religiosos, patrióticos y los inspirados en la naturaleza (el paisaje alcanza gran interés). La excelencia de la imaginación y la fantasía frente al racionalismo clasicista de los ilustrados, recreando mundo pasados (fundamentalmente la Edad Media) o exóticos (Norte de África y Oriente). No hay una filosofía del romanticismo definida, ni tampoco cronología exacta. Es una consecuencia de una nueva sensibilidad y una nueva forma de ver la sociedad donde se aspira a nuevas formas de expresión y ya se han liberado las estructuras sociales en la que ese nuevo hombre que surge se asienta. Además, hay una exaltación épica de las grandes victorias napoleónicas (ya que las derrotas finales no logran empañarlo). Como consecuencia surge el mito del hombre.

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Los artistas y poetas se emocionan con la posibilidad de representar lo subjetivo, que puede ser la exaltación del héroe, o luego, con las derrotas, la exaltación del combatiente.

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Por tanto, el arte romántico surge a consecuencia del giro y del cambio. Nace como un arte revolucionario, que aspira a conseguir cambios sociales, culturales, políticos…

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Arquitectura Se caracterizó en buena parte por la evocación de los estilos propios de la Edad Media, especialmente el gótico. Así surgieron el neogótico, el neorromántico, o el neo bizantino. Sin embargo rechazo el estilo renacentista que inspiro a los arquitectos neoclásicos. Durante el periodo romántico se terminaron edificios medievales inconclusos, por ejemplo la catedral de Barcelona, España y se restauraron otros. Uno de los más emblemáticos fue el Palacio de Westminster, sede de las dos cámaras delParlamento Británico en Londres. Escultura A diferencia de la arquitectura, los escultores románticos no volvieron sus ojos hacia la Edad Media, manteniendo en cierta medida las pautas del neoclásico al que sin embargo dotaron de un mayor movimiento y fuerza expresiva. Los temas más utilizados fueron de carácter contemporáneo más que mitológico. Sobresalieron las figuras de Rudé y Carpeaux. Jean-Baptiste Carpeaux es un artista tardo-romántico, en él encontramos el paso al Realismo. Busca captar el movimiento e introducir la acción. Rehúye del modelado liso del neoclasicismo y propone las superficies ásperas y el gesto grandilocuente.

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SEGUNDO BIMESTRE

Pintura El Romanticismo como movimiento estético se srcinó en Alemania a fines del siglo XVIII como una reacción al racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo. Se desarrolló fundamentalmente en la primera mitad del siglo XIX, extendiéndose desde Alemania a Inglaterra, Francia, Italia, España, Rusia, Polonia, Estados Unidos y las recién nacidas repúblicas hispanoamericanas. Posteriormente, se fragmentó o transformó en diversas corrientes, como el Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo o el Prerrafaelismo, subsumidas en la denominación general de Posromanticismo, una derivación del cual fue el llamado Modernismo hispanoamericano y español. Frente al predominio de la línea y el dibujo neoclásicos, el color y la luz adquirieron protagonismo. Se concedió especial relevancia a los temas históricos representados mediante escenas celebres, pero también fueron tratados profusamente los coetáneos. Frente al inmovilismo neoclasicista, los cuadros románticos estaban impregnados de un gran dinamismo. La naturaleza adquirió un particular significado siendo captada en sus facetas más violetas y salvajes.

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Destacaron pintores como Blake en Inglaterra, Gericault y Delacroix en Francia, Friederich en Alemania y Goya en España. William Blake Pintor, poeta y grabador ingles. La pintura de Blake, basada en visiones fantásticas de rico simbolismo, tiene cierta influencia de Miguel Ángel, por la musculatura de sus figuras y los escorzos a los que las somete. Aplicó su arte pictórico para ilustrar tanto composiciones propias como ajenas: el Paraíso perdido de Milton (una de sus obras favoritas), o Las noches, de Edward Young. La relación que hay entre los poemas y las ilustraciones es compleja y exige imaginación por parte del lector, ya que se basa no tanto en el tema del poema en sí como en la sensación que este transmite. En Inglaterra, el romanticismo incluye a los Prerrafaellstas que se inspiran en los pintores italianos anteriores a Rafael: Rossetti, Hunt, Millais. Se oponen al academismo oficial, precursores del “Modern Style” o “Art Nouveau”. Teodoro Gericaultatesora las características típicas del pintor romántico: Es un artista disconforme con su entorno. Tiene una personalidad melancólica. Se encierra en la incomprensión, cayendo a veces en la locura, tiende a la crítica de lo que le rodea. Gericault tuvo una infancia difícil, el hecho de la revolución acrecentó este malestar, lo que despertó en él un carácter sensible. Marchó a París a corta edad y allí asistió al taller de un pintor enteramente clasicista, con el que no se identificó. Acudió a diferentes sesiones de París, donde descubrió a Goya, cuya técnica le fascinó y también admiró el tenebrismo de Caravaggio. Su obra más famosa es “La Balsa de la Medusa”.

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Gráfico 46. La balsa de Medusa. Théodore Gericault. Imagen tomada de www.en.academic.ru

Eugene Delacroix es el pintor romántico por excelencia. Es la personalidad de un artista extraordinariamente culto, con buena fama en el ambiente artístico. Fue el prototipo de artista inquieto cuyo valor se le fue reconocida en vida. Se esforzó por mejorar los procedimientos pictóricos, la técnica de mezcla, etc., lo que mejor expresa es el intento de perfección con que Dante expresó el sentimiento profundo del dolor, del sentimiento exaltado. Delacroix es el único pintor que representa en su época las pasiones de la época: liberalismo revolucionario, pesimismo byroniano, filohelenismo (pasión por Grecia) y orientalismo contemporáneo. En su trabajo “La libertad liderando al pueblo” Delacroix se convierte en el intérprete del liberalismo revolucionario. Quiere expresar la exaltación popular, que puso fin al régimen de la monarquía restaurada. El autor tiene hacia este tema un sentimiento importante: libertad como independencia nacional.

Gráfico 47. Libertad liderando al pueblo. Eugene Delacroix. Imagen tomada de Daniel Gómez Valle en http://www. curriculumenlineamineduc.cl/

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La mujer que representa la libertad hondea la bandera tricolor, que es símbolo de libertad y de Francia. Además, sella la unión de los descamisados y de los burgueses. Este cuadro no es una alegoría porque solo es alegoría la figura de la libertad. Podríamos decir que es puramente realista. No hay símbolos ya que la libertad va vestida con ropajes corrientes, sin la espada simbólica. Caspar David Friederich es uno de los grandes exponentes del Romanticismo pictórico alemán. En él se observa un profundo sentimiento hacia la naturaleza. Esta es una característica común en el Romanticismo alemán, no solo en el ámbito pictórico, sino también en el literario o filosófico. Es un gran observador de la naturaleza, pero no por ello deja de lado otros temas como son la figura humana o el sentimiento religioso. Sus paisajes son maravillosos y de ellos emana una luz clara y diáfana. Los árboles, colinas y montañas se envuelven en una mágica bruma. Sus ambientes destilan gran misticismo religioso. A ello remite una de sus más conocidas pinturas “Cruz en la Montaña”, la cual presentó en 1808. El simbolismo espiritual es una constante en su producción. Sus figuras suelen aparecer de espaldas al espectador. Así consigue el que nos identifiquemos con estos personajes ya que nos hacen partícipes de la composición. Las figuras son representadas a una escala mucho menor que el paisaje. Sus personajes son mínimos ante la inmensidad de la Naturaleza y la omnipotencia de sus fuerzas.

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Gráfico 48. “Caspar David Friedrich- Caminante sobre mar de nubes” de Caspar David Friedrich - The photographic reproduction was done by Cybershot800i. (Diff). Licensed under Public domain via Wikimedia Commons - http://commons. wikimedia.org/wiki/File:Caspar_David_Friedrich_-_Wanderer_above_the_sea_of_fog.jpg#mediaviewer/File:Caspar_David_ Friedrich_-_Wanderer_above_the_sea_of_fog.jpg.

Francisco de Goya y Lucientes (Goya), pintor, grabador y diseñador de tapices, artista de la Corte española1. Después de su estilo inicial, se torna romántico con temas fantásticos y visionarios, con una pincelada que es precursora de impresionismo y expresionismo.

1

http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/1890/Francisco%20de%20Goya%20y%20Lucientes. Visto el 17 de junio de 2014.

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El Rey español, Carlos IV, le nombró pintor de cámara y al año siguiente pasó a ser primer pintor de cámara, convirtiéndose así en el pintor oficial de Palacio. Tuvo una posición especial en la corte, lo que hizo que el Museo del Prado de Madrid heredara una parte muy importante de sus obras. Las célebres “Pinturas negras” (que se encuentran en el Museo del Prado, Madrid) son las obras más destacadas de los últimos años. En un principio fueron pintadas al fresco en los muros de la casa que Goya poseía en las afueras de Madrid y luego se trasladaron a lienzo. Hay que destacar: “Saturno devorando a un hijo”. Predominan los tonos negros, marrones y grises y demuestran que su carácter era cada vez más sombrío.

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Gráfico 49. “El Tres de Mayo, por Francisco de Goya, from Prado thin black margin” by Francisco Goya - The Prado in Google Earth: Home - 7 thlevel of zoom, JPEG compressionquality: Photoshop 8.. Licensed under Public domain via Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:El_Tres_de_Mayo,_by_Francisco_de_Goya,_from_Prado_thin_black_ margin.jpg#mediaviewer/File:El_Tres_de_Mayo,_by_Francisco_de_Goya,_from_Prado_thin_black_margin.jpg.


La revolución de Quito (1808-1812). Señores, ahora nos vemos trasladados a uno de los momentos más importantes en nuestra etapa inicial como nación, la revolución de Quito. Para comprender los aspectos políticos y sociales, es importante que se lea “Resumen de la Historia del Ecuador” desde la página 23 hasta la 24, donde se analizará: El triunfo realista (1812-1820) y La campaña definitiva (1820-1822).

3.2. El Realismo Estimado Estudiante, luego de la vivencia de momentos bélicos fuertes en Europa, muchos de los artistas deciden volver a lo simple, a lo cotidiano, a las figuras desconocidas, a esos personajes del día a día, de allí surge el denominado Realismo, a continuación entenderá como surge.

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Es un movimiento estilístico, que nace en la segunda mitad del siglo XIX, después de la revolución francesa de 1848. El Romanticismo había abierto las puertas hacia una pintura más libre y abierta a nuevos temas. Los cambios sociales derivados de la Revolución Industrial influyen poderosamente en los artistas, que se cuestionan su papel dentro de este proceso de transformaciones. Los artistas toman conciencia de los problemas sociales como el trabajo de niños y mujeres, los horarios excesivos, las viviendas insalubres y consideran que deben denunciarlo. A nivel político es el siglo de las revoluciones burguesas. Durante todos estos años la burguesía controla la política y también el gusto artístico; frente a esta burguesía estarán el socialismo y buena parte de la intelectualidad y de los artistas, que claman por una mayor libertad, tanto política como artística. Los temas principales tratados por los pintores realistas, van a ser el paisaje y el realismo social, desde el punto de vista de los aspectos formales, las técnicas utilizadas en pintura son tradicionales, su significado reside, sobre todo en los temas, y en la manera en que éstos son tratados. Como todo movimiento estético, rechaza a su predecesor, por ello se opone a la posición del romanticismo, su ideología va más hacia el fin social, ya no al arte por el arte. Este nuevo arte representa la vida cotidiana, el campo, el trabajo y el paisaje. Los principales artistas pintores del realismo son: Gustavo Courbet, Jean Francois Millet y Honoré Daumier. Courbet, al principio pinta el paisaje, especialmente los bosques de Fontainbleau y retratos, con algunos rasgos románticos. Luego sus pinturas generaron polémica por su selección de temas, escandaliza su forma de tratar a la sociedad de la época, no su técnica. “El arte y la vida deben estar unidas” por eso pintaba temas sociales. Considera que la función de la pintura es reproducir la realidad tal como es, libre de todo prejuicio filosófico, moral, político o religioso. Representa en sus obras paisajes rurales y campesinos. Millet fue pintor y escultor. Fue uno de los fundadores de la escuela de Barbizon en la Francia rural. Se destaca por sus escenas de granjeros campesinos, donde quiere expresar la inocencia del hombre campesino en contraposición a la degradación que acompaña al ciudadano inmerso en la sociedad industrial. Polémico frente al gusto burgués, acostumbrado a las escenas heroicas, mitológicas o religiosas. Huye de la pasión y emoción románticas, mostrando la realidad con toda su crudeza y frialdad, es “tildado” de socialista por la crítica burguesa; el responde a esto diciendo que el pinta solo lo que ha visto y ha vivido, pues el proviene de una familia campesina. Destaca a los personajes, los que aparecen aislados y sus paisajes tienen amplios horizontes. Le da mucha importancia a la luz.

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Gráfico 50. Las Segadoras. Francois Millet. http://pt.wikipedia.org/wiki/Realismo#mediaviewer/Ficheiro:Jean-Fran%C3%A7ois_ Millet_-_Gleaners_-_Google_Art_Project.jpg

Daumier caricaturista, pintor, ilustrador, grabador, dibujante y escultor. Crítico y satírico. Se fija en determinados grupos sociales, poniéndose al lado de los desfavorecidos. Algunos de sus temas evocan el mundo de la marginación como los presos y los mendigos. Fue un gran difusor de la caricatura, mediante la que hacía críticas mordaces a la sociedad y al gobierno de Luis Felipe de Orleáns, lo que le costaría la cárcel. Inició su labor como caricaturista en la revista humorística “La Caricature” en donde adquirió merecido renombre por sus grabados y dibujos llenos de sátira y crítica social. También son muy esculturas, bustos de yeso y bronce que realizaba principalmente para que le sirvieran de valoradas modelos alsus realizar sus ilustraciones. Debe tener presente, el estudio conjunto de la guía y el texto básico El Ecuador en Colombia. Estimados Estudiantes en el Ecuador se desarrollaron muchos cambios a lo largo de nuestra historia, el momento independentista es uno de los más importantes, e inicia nuestra denominación como Republica del Ecuador, aunque en los inicios estábamos adscritos a la Gran Colombia. Para comprender esto, debemos leer el texto básico de Enrique Ayala Mora en las páginas 24 y 25. Los temas que se revisaran son: El proyecto bolivariano y Hacia la separación del Sur.

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El proceso independentista tuvo su principal raíz en el agotamiento del propio proceso colonial y las contradicciones que se dieron en su interior.

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En el proceso independentista, los grupos populares urbanos, básicamente artesanales fueron los principales protagonistas e impulsores del levantamiento.

3.

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El Romanticismo es una revolución artística, política, social e ideológica, donde se establecen los principios de libertad, individualismo, democracia y nacionalismo.

4.

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Los países más destacados en la época romántica son: Alemania, Italia, Francia e Inglaterra.

5.

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El artista representativo del realismo fue, Caspar de Friederich.

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Las obras de Courbet, del realismo, pretendían reproducir la realidad tal como es, libre de todo prejuicio.


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El pintor caricaturista de la época realista, que le costó la cárcel por un trabajo de crítica mordaz contra el gobierno de Felipe de Orleáns fue Daumier.

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8.

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En el proceso de independencia, el actual territorio ecuatoriano, se adhiere al proyecto Bolivariano, denominándose Distrito de Quito.

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9.

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Por el apoyo a la independencia peruana, el Ecuador, tuvo que absorber el presupuesto de esa guerra, en mayor porcentaje que el resto de la Gran Colombia.


La independencia de ____________ se levantó desde guerras establecidas en Venezuela, Nueva Granada, Buenos Aires y Chile. a. Quito b. Guayaquil c. Perú

11.

En los territorios de la Audiencia de Quito, desde el periodo de la primera década del siglo XIX, hasta la fundación de la republica del Ecuador, se distingue _____________ que refleja los momentos vividos por los patriotas y sus guerras internas. a. Dos períodos b. Tres períodos c. Un periodo

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12.

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El más destacado artista del romanticismo español es: a. Francisco de Goya

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b. Diego Velázquez

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c. Miguel de Santiago 13.

En arquitectura romántica, el edificio más emblemático fue a. La catedral de Notre Dame de Paris, Francia b. El capitolio de Washington, Estados Unidos c. El palacio de Westminister de Londres, Inglaterra

14.

¿Qué movimiento artístico nace después de la revolución francesa de 1848? a. Romanticismo b. Realismo c. Prerrafaelismo

15.


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La república de Colombia, estaba ideada para que la constituyeran los países: a. Venezuela, Panamá, Nueva Granada y Quito b. Venezuela, Panamá, Quito y Lima c. Venezuela, Nueva Granada y Quito Recuerde siempre utilizar un cuaderno de apuntes y elaborar ideogramas y organizadores gráficos que apoyen a su proceso de aprendizaje, como por ejemplo mapas conceptuales, cuadros sinópticos, cuadros comparativos entre otros.


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UNIDAD 4: ÉPOCA REPUBLICANA E IC

Estimado estudiante, en este proceso histórico, nos encontramos con el nacimiento de la Republica del Ecuador, para comprenderlo hay que leer el libro “Resumen de la Historia del Ecuador” de Ayala Mora, que en sus páginas 26 a 27 trata los siguientes temas: Periodización de la época republicana, Caracterización de la República, El naciente Ecuador, Periodización de la República.

4.1. Inicios del arte republicano en Ecuador. La republica recién fundada, tiene como primer desarrollo artístico a la pintura. La fundación más importante fue, ya en 1852, la Escuela Democrática Miguel de Santiago, en Quito, con la misión de «cultivar el arte del dibujo».

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Gráfico 51. El Cotopaxi. Rafael Troya. Fuente: http://www.reprodart.com/a/troya-rafael/the-cotopaxi-Ecuador.html

El artista más importante, que representa en el s. XIX el nexo con la tradición barroca, fue Antonio Salas, muerto en 1860, y al que se puede considerar como padre del movimiento artístico novecentista. Los impulsos renovadores empezaron a cobrar mayor fuerza a mediados de siglo. Precisamente en 1854 el Gobierno ecuatoriano envió a Europa a Rafael Salas y a Luis Cadena. El mayor fruto de la Escuela Miguel de Santiago fue la figura de Juan Manosalvas, al que se considera como un genio del arte nacional ecuatoriano; estudió en Roma y se dejó influir por el arte de M. Fortuny como acuarelista. Seguidor de Manosalvas fue Joaquín Pinto, cuya obra más conocida es el “DiesIrae”, y el último exponente de la pintura en Quito fue Antonio Salguero. Fuera de la capital hay que mencionar al guayaquileño Alfonso Medina, que trabajó buena parte de su vida en Roma, especializándose en paisaje; otro paisajista fue Rafael Troya, fundador de la Escuela de Pintura en Ibarra. La escultura del s. XIX tuvo menos representantes, pero hay que recordar a Ignacio Benalcázar, Severo Carrión (autor de la famosa estatua de la justicia en la escalera principal del Palacio de Gobierno), Manuel Vaca Ribas y el cuencano Miguel Vélez, considerado como el mejor escultor ecuatoriano después de Caspicara.


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4.2. Impresionismo Estimado estudiante, en un mundo cambiante, con diversos aspectos sociales que influyen, se transforma el mundo conocido, así como la visión estética establecida como valida. Ahora iniciará el recorrido del momento más vertiginoso en cambios y en propuestas, le estimulo a conocerlo y comprenderlo. El arte del siglo XX se caracteriza por configurarse de múltiples corrientes que se denominan ismos. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre ellas. Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico. Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del XIX. El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la pintura moderna. Es el año en que Manet pinta Almuerzo sobre la hierba, que se expuso en el Salón de los Rechazados. La obra poseía antecedentes del Renacimiento italiano en cuanto a temática, pero el modo de plantearlo causó escándalos. El Impresionismo y luego el Postimpresionismo constituyen el punto de partida para las corrientes del siglo XX. El impresionismo se da a conocer en 1874 en una exposición celebrada en París en el estudio del fotógrafo Nadar. En esa muestra, celebrada de modo paralelo al Salón oficial, un grupo de pintores (Bazille, Cézanne, Monet, Pisarro, Degas, Morisot, Renoir y Sisley) ponen de manifiesto su voluntad colectiva de hacer un arte nuevo que rompa con el academicismo y la tivialidad artística imperante en la época. Los trabajos expuestos motivaron el rechazo generalizado de la crítica y del público. Un cuadro de Monet titulado “Sole il levant, Impression” (Sol naciente, Impresión) sirvió al crítico Leroy para bautizar al nuevo movimiento con el nombre despectivo de “impresionismo”. La palabra impresión se utilizaba para definir la calidad abocetada e inacabada de la obra de un artista y también para definir el impacto visual que recibía el artista cuando comentaba el tema de una pintura. Características Rechazo del realismo academicista: la línea, el volumen, el dibujo y el claroscuro no tienen ninguna importancia. Figuración con eliminación del detalle y de todo carácter descriptivo. Búsqueda de la claridad y la luminosidad. Indiferencia por el las tema, la única preocupación es la y el color fugaces. yBúsqueda la belleza de la sensación directa: formas se plasman de modo noluz acabado, impreciso vaporoso,de llegando incluso a desmaterializarse. Preocupación por fijar las impresiones momentáneas de la naturaleza: el pintor sale al campo con su caballete en busca de la luz fugaz y el rápido cambio de los colores. Representación plástica de la vibración óptica de la luz. Rechazo de los colores oscuros, el negro queda proscrito. Interés por plasmar los efectos cambiantes de la luz (Ejemplo: Monet. catedral de Ruán).

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William Turner,Inglés, acuarelista y pintor al óleo interesado por la luz y el paisaje. Es un pintor romántico que interesa por la filosofía de los sublime: el poder terrorífico de la naturaleza sobre el hombre. Fuegos, naufragios, tempestades, grandes abismos y montañas son sus temas sacados de sus numerosos viajes a los Alpes, Escocia e Italia. Sus fuentes de inspiración estarán en Rembrandt, Poussin y Claudio de Lorena. En sus lienzos, constata que la humanidad no es más que un conjunto de peones de la Naturaleza. Como otros románticos, considera el paisaje natural como un reflejo de su humor. En sus últimos años, empleó cada vez menos óleos, y se centró en la luz pura, en los colores del reflejo. Ejemplos de este estilo tardío son visibles en lluvia, vapor y velocidad pintado en 1844, donde los objetos son vagamente reconocibles. Tuvo influencia en el impresionismo y en la abstracción. Eduard Manet, el precursor,miembro de la burguesía acomodada francesa. Viajó a Madrid donde le influyeron Velázquez y Goya. Sus pinturas fueron criticadas por falta de acabado y por la pobre base de dibujo. Influyó en los impresionistas pero no se consideró uno de ellos. Su obra presenta una ambigua lealtad a la tradición académica y a su propia concepción realista. Por esta característica, fue alejado de los círculos de los salones académicos. • • • • •

Se puede considerar impresionista por: Carácter subjetivo de su pintura. Realismo sin crítica social. Pincelada suelta y ausencia de dibujo. Pintura en el exterior e instantánea (sin bocetos ni retoques)

Almuerzo en la hierba presentado al salón de 1863 que rechazó la obra “salon des refusés”. Influencia de la fiesta campestre de Tiziano (en la obra Giorgione) Hombres vestidos y mujeres desnudas que escandalizó a los contemporáneos. Son retratos: su modelo, su hermano, un escultor y una venus indefinida. Composición en un triángulo. Estudio de la luz. Significación erótica. Insinuación del paisaje y efecto de inacabado.

Gráfico 52. «Édouard Manet–Almuerzo sobre la Hierba» de Édouard Manet - wartburg.edu. Disponible bajo la licencia Public domain vía Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:%C3%89douard_Manet_-_Le_D%C3%A9jeuner_ sur_l%27herbe.jpg#mediaviewer/Archivo:%C3%89douard_Manet_-_Le_D%C3%A9jeuner_sur_l%27herbe.jpg.

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Claude Monet, francés el más destacado de los impresionistas, su obra es fiel a la impresión visual. Realiza series de obras de un mismo tema para captar los efectos cambiantes de luz y color en horas y estaciones diferentes. Le interesa el paisaje más que la representación de personas. Sus pinceladas son manchas de color, anticipándose a la abstracción. En 1867 ya es rechazado en el salón. Vive una temporada en Londres donde le influyen las obras de Turner. En 1872 pinta la impresión del amanecer que dará nombre al movimiento impresionista. 1893 comienza el jardín de nenúfares de Giverny, tema que se verá fortalecido en muchas de sus obras.

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Gráfico 53. “Nenúfares y puente japonés-(1897-1899)-Monet” por Claude Monet - the-athenaeum.org [1]. Licensed under Public domain via Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Water-Lilies-and-Japanese-Bridge-(18971899)-Monet.jpg#mediaviewer/File:Water-Lilies-and-Japanese-Bridge-(1897-1899)-Monet.jpg

August Renoir, francés, desde los 13 años ya trabajaba como pintor de porcelanas en París, actividad que le influyó en su pintura posterior, dándole la luminosidad propia del Rococó. En 1861 conoció a Monet y Sisley, con lo que expone en todas las exposiciones impresionistas. Le interesa la figura humana, la reproducción de calidades y texturas de los ropajes y objetos. Tonos pastel, calidades y texturas influidas por su oficio de decorador de porcelanas. Tras visitar Italia se deja influir por los grandes maestros y le alejaron de la corriente principal del impresionismo. Al final de sus días se acercó al fauvismo y a Henry Matisse. Edgar Degas francésde familia rica, se unió pronto a los impresionistas. Como no estaba obligado a vender sus obras para subsistir hizo retratos sin que le fueran encargados y tuvo libertad para representar temas de sus grandes pasiones: la danza y los caballos. Dominaba muchas técnicas, incluyendo el pastel y la escultura. Le interesó más la luz artificial de los locales de la noche que la luz solar. También se interesó por el movimiento y las posturas extrañas y composiciones inestables y diagonales. No pintaba de un modo inmediato, sino que observaba intensamente y los transportaba a las obras en el estudio. En esto difería de sus compañeros de estilo.

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Gráfico 54. «La Estrella. Edgar Germain Hilaire Degas 069» de Edgar Degas - The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. Disponible bajo la licencia Publicdomain vía WikimediaCommons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Edgar_Germain_Hilaire_Degas_069. jpg#mediaviewer/Archivo:Edgar_Germain_Hilaire_Degas_069.jpg

Los hipódromos estaban de moda en aquellos momentos entre los burgueses de París, por lo que Degas busca en ellos su inspiración. Bien es cierto que su atracción por los caballos le llevó a copiar estampas inglesas de hípica, así como los equinos que aparecían en los cuadros de Delacroix. Una de las mayores atracciones del artista serán los colores de las camisas de los jinetes, empleando en este caso unas tonalidades brillantes para conseguir un efecto más atrayente para el espectador.


Primer período. Estimado estudiante, vamos a continuar con el estudio del Ecuador Republicano, y para ello se debe leer el texto básico desde la página 28 a la 32. Donde la temática esta enfocada en el primer periodo de nuestra Nación como tal, el denominado Proyecto nacional Criollo, que incluye las temáticas de: La sociedad y el poder, Fundación del Estado (1830 – 1859), Consolidación del Estado, Oligárquico terrateniente (18601875), Auge y caída del Estado, Oligárquico terrateniente (1875-1895) y La cultura decimonónica.

Los temas involucrados en el tratamiento de esta unidad, deben ser vinculados al estudio de la historia ecuatoriana, lo cual le brindará un panorama completo del momento estudiado.

4.3. Neoimpresionismo Dado que el arte siguió transformándose, estimado estudiante, a continuación encontrará otros movimientos artísticos que se producen como una adaptación personal de estas propuestas iniciales de los impresionistas, continúe entonces con la lectura.

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Fueron los pintores de la década de 1880 los que vieron en estas obras grandes descubrimientos aptos para renovar el arte: se apuesta por la recuperación del dibujo y del trazo a diferencia de lo que ocurría en el Impresionismo. El color se aplica en grandes superficies planas sin matización y sin perder intensidad en la lejanía. Por medio del dibujo se dan las calidades de materia, forma e incluso volumen. Se transmite una visión cósmica a partir de lo mínimo. Se capta el gesto detenido y fijado, coincidiendo con la idea de instantánea. Cobra importancia el dejar sin cubrir. Hay una nueva organización de espacio: se usa la diagonal y la línea de horizonte se coloca bastante alta, así, las figuras se van escalonando. Se usan diferentes puntos de vista, así, las composiciones pueden resultar asimétricas y descentradas. Se usan encuadres srcinales. Se prefieren los formatos alargados. Hay un gusto por los detalles. Se transmite una visión hedonista de la vida, la misma que reclamaban los impresionistas. Gusto por situaciones insólitas. Se usan las siluetas. En definitiva se prescinde de todo convencionalismo anterior. Son novedades que influyen en artistas como Gauguin, Lautrec, Van Gogh e incluso en Matisse. Dentro de esta tendencia se genera una técnica que marca el estilo de Georges Seurat, pintor francés del periodo Neoimpresionista, denominado por sus características formales: puntillismo. El Puntillismo Como su propio nombre indica, esta técnica consiste en pintar a base de pequeños puntos de color puro. En la octava exposición del impresionista de 1886, se dio la primera alternativa a la crisis de los lenguajes. El cambio de Impresionismo a Puntillismo se debió a las aportaciones científicas y teóricas. Félix Feneon ya habló de “Impresionismo Científico” yChevreul aportó su obra escrita Libro sobre la

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complementariedad de los colores.

Gráfico 55. «Torre Eifel. Georges Seurat 043» de Georges Pierre Seurat - The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. Disponible bajo la licencia Publicdomain vía WikimediaCommons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Georges_Seurat_043.jpg#mediaviewer/Archivo:Georges_ Seurat_043.jpg

Ahora la Naturaleza hay que verla con los ojos de la mente. Hay que superar la concepción retiniana para incidir en una más conceptual. Este es el punto de partida para el arte abstracto posterior. Reacción desde para acabar con la pura intuición del impresionismo. Integración entre la intuición y la disciplina científica y racional para recuperar la forma y conseguir una pintura sometida al orden y la armonía. Fragmentación consciente de la pincelada, que adquiere un mayor protagonismo como elemento artístico, para llegar al punteado. 102

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Estructuración de la composición, con formas geometrizantes; se produce un alejamiento del naturalismo impresionista.

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Postimpresionismo Estimado estudiante, si bien los impresionistas fueron los iniciadores de este movimiento revolucionario en arte, quienes surgen a raíz del mismo van a tener su propio protagonismo, van a ser en muchos casos los nombres que más recuerde el publico en general. El momento que a continuación se desarrolla marcará muchas pautas que luego se verán como inspiración para otros artistas. El postimpresionismo, cubre el periodo entre la última exposición impresionista en 1886 y el nacimiento del cubismo en la primera década del siglo XX. El nombre fue acuñado por Roger Fry en su exposición de 1910 “Manet y los post-impresionistas” en la que piensa que: “la nueva pintura no aspira a representar objetos como hacía el impresionismo...sino que pretende expresar ideas transfiriéndolas a otro lenguaje”.


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Gráfico 56. «Gauguin. Cristo amarillo» de Paul Gauguin - http://pintura.aut.org/BU04?Autnum=11164&Empnum=0&I nicio=121. Disponible bajo la licencia Public domain vía Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/ File:Gauguin_Il_Cristo_giallo.jpg#mediaviewer/Archivo:Gauguin_Il_Cristo_giallo.jpg.

De este grupo los más destacados pintores van a ser Paul Gauguin, Paul Cezanne, Vincent Van Gogh y Toulouse Lautrec. Gauguin, pintor francés. Sus pinturas se caracterizan por la utilización del dibujo, la ausencia de modelado, colores brillantes contorneados por colores oscuros o negros que combinan su interés por el arte primitivo y el arte japonés y por las artes decorativas y el cloissoné (compartimentos estancos). Se define la pintura como una superficie plana cubierta con colores que siguen un diseño, creándose el concepto de pintura contemporánea. SIMBOLISMO: búsqueda del significado de la vida a través de la espiritualidad. Las pinturas simbolistas expresan su preocupación por la muerte, el sexo, la maldad y el espíritu, además de la unión con la naturaleza. Paul Cezanne,hijo de un rico banquero, abandonó el derecho por la pintura. Conoció a los impresionistas y expuso con ellos, pero continuó estando aislado de ellos. Su estilo es más analítico y geométrico, influyendo en los pintores cubistas. Le interesa más la estructura y composición muy ordenada y armónica de la obra y contar con tiempo ilimitado para su plasmación en el lienzo.

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La observación de la naturaleza, el pigmento como material, la aplicación del color y la pincelada son sus preocupaciones. Solo pintaba del natural en su estudio y en sus constantes paseos por Aix. En su trabajo se dedicó mucho a los bodegones. Para Cézanne la obra de arte es un producto creado en contacto con la realidad a base de percepción visual, teoría y segura mano artesana. Es difícil fechar sus cuadros porque el resultado nunca le satisfacía, firmaba muy pocos cuadros y sí lo hacía era por complacer al comprador. En Los bodegones podía ordenar los objetos según sus propios criterios formales y observarlos por más tiempo que al retratar a las personas.

Gráfico 57. «Paul Cézanne 185» de Paul Cézanne - The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. Disponible bajo la licencia Publicdomain vía WikimediaCommons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Paul_C%C3%A9zanne_185.jpg#mediaviewer/ Archivo:Paul_C%C3%A9zanne_185.jpg.

No trazaba contornos: las pinceladas de colores distintos van diferenciando a cada uno de los objetos y a la vez van ligando al conjunto en un continuo. En esta obra se inclinó por una composición exuberante, dinámica, casi barroca, pero lejos de la pura reproducción naturalista. Vincent Van Gogh,Hijo de un pastor protestante, estudió para sacerdote y fue misionero de mineros en Bélgica, dedicándose a la pintura en 1880. Sus primeras obras eran naturalistas con mensaje social. Son obras oscuras y retratan la vida campesina, tiene influencias de Daumier y de Millet. Con su hermano Theo en París, descubrió a los impresionistas, pero tuvo además influencias de Rubens, del grabado japonés y de Gauguin. En este momento empieza a iluminar su paleta.

Gráfico 58. «Van Gogh-Noche estrellada» de Vincent van Gogh - Transferred from the English Wikipedia. Disponible bajo la licencia Public domain vía Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:VanGogh-starry_night_ballance1. jpg#mediaviewer/Archivo:VanGogh-starry_night_ballance1.jpg.

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En1888 se instaló en Arlés, y Gauguin compartió con él un tiempo hasta que se enemistaron (donde se genera el incidente donde Van Gogh se mutila la oreja). Pero le influyó en el perfilado de las figuras y en los tonos vibrantes. Pasó por crisis emocionales y estancias en el manicomio, durante esa época pinta paisajes, cuadros de flores y autorretratos de colores intensos, con una gran luminosidad que refleja sus sentimientos (19 meses 255 cuadros). Luego se instaló en una pensión de Auvers donde tuvo un periodo de calma y optimismo. En 1890 se suicidó por una recaída en su enfermedad. Fue un pintor de grandes contrastes, no vendió en vida más que una obra, denominada “Viñedo rojo”. Toulouse-Lautrec Hijo de un conde de la aristocracia del sur de Francia. De pequeño se rompe el fémur en ambas piernas quedando tullido y enano. Completa en París su formación pictórica con clases privadas. Conoce a Van Gogh. Su primer cliente fue Theo Van Gogh. Comienza a frecuentar los locales de diversión nocturna donde también expone sus cuadros. Los veranos los pasa en la playa. Es un gran viajero por España, Inglaterra, Portugal, Bélgica y Francia. Le ingresan en una clínica mental porque es alcohólico y en 1901 queda paralizado por una apoplejía muriendo en el castillo de su madre en Albi. Pinta con estilo crítico-realista que deriva hacia lo caricaturesco. La tipología de sus personajes es expresiva y deformante de la realidad, que es una superación técnica y formal de los planteamientos impresionistas. Tiene influencias de las propuestas decorativas del modernismo, pero en lo temático mantiene el realismo testimonial del París de fin de siglo. Es también cartelistas de los locales que frecuenta (cabarets, editoriales, galerías de arte) a base de grandes superficies de color. Estimados estudiantes, la etapa del impresionismo, neo y post impresionismo son vitales para el surgimiento del movimiento denominado “ismos”, aquí vamos a entender el como el arte se transforma a una velocidad increíble y surgen nuevas tendencias. ¡Adelante!


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El 13 de mayo de 1830 las corporaciones y padres de familia de Quito resolvieron “Constituir un Estado Libre e Independiente, con los pueblos comprendidos en el Distrito del Sur y los más que quieran incorporarse, mediante las relaciones de naturaleza y de recíproca conveniencia”

2.

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Luego de la ruptura colonial, el comercio internacional fue orientándose cada vez más hacia las potencias capitalistas, especialmente Gran Bretaña.

3.

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En la presidencia de Vicente Rocafuerte se incorporó oficialmente al Ecuador las Islas Galápagos.

4.

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El padre del movimiento novecentista en el Ecuador republicano fue Luis Cadena.

5.

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El arte del siglo XX se caracteriza por generar muchas tendencias, a las que se les denomina como “Ismos”.

6.

(

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La temática favorita del pintor Edgar Degas era la naturaleza, sobre todo su jardín con nenúfares.

7. 8.

( (

) )

El rechazo academicista, sobre todo al dibujo es una característica del impresionismo. El artista postimpresionista Paul Gauguin pintó un cuadro denominado “Cristo Amarillo”.


En 1820 el 9 de octubre se proclama la independencia de Guayaquil liderada por a. José Joaquín de Olmedo b. Vicente Rocafuerte c. José de Villamil

10.

El proyecto nacional criollo, que se establece dentro de la época republicana ecuatoriana pertenece al período que va a. Desde el inicio de la revolución liberal hasta los sesenta del siglo XX b. Desde los años 1960 hasta nuestros días c. Desde la fundación hasta fines del siglo XIX

11.

Después de Caspicara, el escultor ecuatoriano de mayor importancia en el arte republicano es: a. Miguel Vélez b. Juan Manosalvas c. Rafael Troya

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El cuadro denominado “impresión del Sol naciente” pertenece al artista impresionista. a. August Renoir

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b. Claude Monet

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c. Eduard Manet 13.

El puntillismo, la técnica que utiliza pequeños puntos de colores para formar la imagen, es característico de la obra del artista a. August Renoir b. Vincent Van Gogh

14.

c. Georges Seurat El artista postimpresionista Cezanne, por su trabajo analítico, ejerció influencia en a. Los neo impresionistas b. Los cubistas


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c. Los fauvistas 15.

El único cuadro vendido en vida por el artista holandés Vincent Van Gogh se llamaba a. Noche estrellada b. Mi habitación c. Viñedo rojo


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4.4. Arte del siglo XX: Fauvismo, Expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo y Pop art.

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Estimado estudiante, una serie de movimientos se da muy pronto, contemporáneos y consecutivos al impresionismo, los “Ismos”. El términoismos hace referencia a las diversas tendencias o escuelas artísticas que surgieron a partir de la primera década de 1900, contra una corriente envejecida y propusieron innovaciones radicales de contenido, lenguaje y actitud vital, le invito a conocerlos. Fauvismo,la copia de los maestros antiguos era una de las tareas esenciales de los alumnos en las Escuelas de Bellas Artes de París. De la oposición a este método surge una de las propuestas más radicales que aportó el nuevo movimiento fauvista (proviene de fauve, en francés fiera): la no imitación. La revolución comenzaba por acabar con la imitación de la realidad. El color será su campo de batalla. Los colores se aplicarán con una fuerza que expresan extrema violencia en su ejecución. El color tiene una vida propia que no debe ser mediatizada por nada. Herederos del neoimpresionismo y postimpresionismo, los fauvistas rompen con esta tradición para desprenderse del intento de reproducir la realidad. Sus colores se aplican de una manera pura. Es un gusto por los colores primarios y complementarios que les lleva nuevas soluciones cromáticas. De la relación subjetiva del color con la forma, resulta un sentido vitalista y dinámico de la obra. El color representa por sí mismo un sentimiento y esta nueva valoración Realza el significado emotivo del color.

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El rechazo a la representación fiel de la realidad les conduce al principio de autonomía de la obra de arte, nada puede mediatizarla, ni tan siquiera por la naturaleza exterior.

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Disocian dibujo y color y con ello abrían las puertas a nuevas experiencias plásticas para romper el tradicional espacio renacentista, con sus perspectivas matemáticas.

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El movimiento se fraguo en torno a Henri Matisse, quien fue pintor francés conocido por el uso del color y por su uso srcinal y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero sobre todo como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años veintes, ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó con una inmensa producción que se extendió por mas de medio siglo, la cual consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno.

Gráfico 59. Retrato de la señora Matisse. Henri Matisse. Visto en http://www.postcrossing.com/postcards/NL-968994

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Expresionismo, surge en Alemania en la primera década del siglo XX, como oposición al positivismo materialista imperante en la época, en un intento de ofrecer una nueva visión de la sociedad basada en la filosofía de Nietzsche (llena de nihilismo) y la renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva de lo esencial, atendiendo exclusivamente al sentimiento vital y sin someterse a ninguna regla. El expresionismo es un movimiento que no solo atañe a las artes plásticas sino también a la música, el cine y las demás artes. La pintura es concebida como una manifestación directa, espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del artista basada en una necesidad interior. Liberación del contenido naturalista de la forma mediante la libre interpretación de la realidad (las imágenes son creadas, no copiadas), para así expresar el mundo interior, subjetivo, del artista.

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Gráfico 60. El Grito. Edvard Munch. Visto en http://nyceducator.com/2013_03_01_archive.html

Utilización de diversos recursos en la interpretación subjetiva de la realidad: desproporción y distorsión de las formas según un impulso interior; esquematización o reducción de las formas a lo esencial atendiendo a un sentimiento vital de depuración de lo objetivo (por este camino Kandinsky llegará a la abstracción total).Utilización del color y el trazo para expresar simbólicamente estados de ánimo. Destrucción del espacio tridimensional. Aglomeración de formas y figuras; y finalmente ausencia de carácter decorativo. El más representativo de esta forma de expresión fue el noruego Edvard Munch Pintor y grabador noruego. La estilización de la figura, la prolongación de las líneas y, en ocasiones, el intenso dramatismo y la intensidad cromática, hicieron del estilo pictórico de Munch uno de los modelos estéticos del expresionismo de las primeras décadas del siglo XX. La obra de Munch se caracteriza por un sentido trágico de la vida y de la muerte, propio de toda la literatura escandinava de Ibsen a Strindberg. A pesar de que sus primeras pinturas recibieron la influencia de los impresionistas, pues conoció bien la obra de Gauguin y Van Gogh, en seguida se inclinó por la idea de plasmar los sentimientos, por exteriorizar las sensaciones de angustia y soledad del ser humano.

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Cubismo Término creado por un crítico de arte (el crítico francés Louis Vauxcelles), que al ver las obras de este movimiento de principios del siglo XX, afirmó que “desprecian la forma y lo reducen todo, paisajes, figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos”. El cubismo tiene sus bases en Cézanne. La pintura cubista quedó formalmente fundada en 1907 con la obra de Pablo Picasso, “Las Señoritas de Aviñón”.

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Gráfico 61. Guernica. Pablo Picasso. «Araia 05» de Zarateman - Trabajo propio. Disponible bajo la licencia Creative Commons Zero, Public Domain Dedication vía Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Araia_05. jpg#mediaviewer/Archivo:Araia_05.jpg.

Picasso y Georges Braque, junto a Juan Gris, llevaron a cabo un análisis objetivo de la realidad de la pintura, que para ellos, necesariamente debía fundarse en la realidad bidimensional del lienzo. Por eso, junto con eliminar la perspectiva y la ilusión de profundidad, limitaron los colores a los tonos grises, verdes y marrones, para que el análisis temático de la estructura corpórea fijada en el espacio, se expresara con mayor énfasis. Con el collage, buscaron la liberación formal del color de su tradicional carácter descriptivo. En su planteamiento, no existe nada teórico, sino que todo son descubrimientos así tenemos Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por eso se compara el resultado de este proceso con el reflejo en un espejo roto o con la visión a través de un caleidoscopio. Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana (del arquitecto Alberti, renacimiento italiano). La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo. Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto viene dado por la descomposición del volumen. Color “Tono Local”: El color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de ellos. Geometrismo: Los formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las simplifica. 110


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Base filosófica: Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del mundo visual externo. Los pintores cubistas vuelcan esta experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista. Futurismo Es un movimiento eminentemente italiano. Comienza en 1909 con la publicación Manifiesto futurista del poeta Marinetti. Su centro es Turín, Italia. La pintura surge un año más tarde. Se interesan por la velocidad, por los movimientos de los cuerpos, como la expresión suprema de la sociedad industrial.

Gráfico 62. “’Formas únicas de continuidad en el espacio”, 1913 bronce de Umberto Boccioni” by Wmpearl - Ownwork. Licensed under Public domain via Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:%27Unique_Forms_of_ Continuity_in_Space%27,_1913_bronze_by_Umberto_Boccioni.jpg#mediaviewer/File:%27Unique_Forms_of_Continuity_in_ Space%27,_1913_bronze_by_Umberto_Boccioni.jpg.

Su ideal es la belleza del maquinismo. Idealiza al nuevo hombre como alguien invencible, capaz de dominar al mundo. Se aleja de la sensualidad y el sentimentalismo, los cuales considera mojigatos. Su antecedente es el cubismo y es paralelo al rayonismo ruso y al orfismo francés. Son cuatro los principales pintores futuristas: Giacomo Balla (1871-1958), Umberto Boccioni (1992-1916), Carlo Carra (1881-1966) y Gino Severini (1883-1966). El futurismo influye en Marcel Duchamp, Jacques Villon y Fernand Lèger. Dadaísmo El movimiento dada nace en Zúrich, Suiza en 1916 y dura hasta 1922. La denominación “Dada” (caballito) corresponde al primer término que apareció en un diccionario de alemán-francés abierto al azar y fue adoptado por un movimiento literario y artístico que pretendía cambiar la sociedad, la cultura y el arte a través del desconcierto, el inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la racionalidad y de todos los valores establecidos hasta entonces. Sus fundadores fueron el pintor Hans Arp y el poeta rumano Tristán Tzara. Este movimiento se extendió a Berlín, Colonia, París y Nueva York, donde se constituyó el núcleo más progresista en torno a Marcel Duchamp. La actividad de este artista se caracterizó por la atribución de un nuevo valor a objetos descontextualizados (los llamados ready-mades, soluciones ya preparadas, listos).

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Gráfico 63. “Duchamp. La fuente” by Marcel Duchamp - src Original picture by Stieglitz. Licensed under Public domain via Wikimedia Commons - http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Duchamp_Fountaine.jpg#mediaviewer/File:Duchamp_ Fountaine.jpg.

A partir de 1920, muchos de los artistas plásticos de este movimiento evolucionaron hacia el surrealismo. Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico, el pintor y escultor francés Marcel Duchamp crea sus ready-mades: Término utilizado por Duchamp para designar los objetos del entorno como un botellero metálico, un urinario, una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina, etc., carentes de valor artístico en sí mismos, pero que al ser presentados fuera de su contexto habitual adquieren un sentido distinto, cuestionando el concepto tradicional del arte y recabando para ellos el sentido de objetos artísticos. Temática en la que predominan los mecanismos absurdos “anti-mecanismos”, que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época.


Surrealismo El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera guerra mundial. Surge en el ámbito literario, pero pronto lo abarca todo, pensamiento, artes plásticas, cine y teatro. El término fue inventado por Apollinaire en 1917, y se popularizó en la revista Littérature. En esa revista publicaban sus planteamientos vanguardistas André Breton, Paul Eluard, Francis Picabia y ManRay, entre otros muchos autores. En 1924 se produce el primer manifiesto surrealista de Breton, que da cuerpo al movimiento. Su ideal era sobrepasar la realidad y llegar a una renovación de todos los valores culturales, morales y científicos por medio del automatismo psíquico. La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de los procesos oníricos, el humor corrosivo y el erotismo, concebido todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la cultura burguesa.

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En el campo de las artes plásticas, los pintores surrealistas se manifiestan de dos maneras diferentes, los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica (Rene Magritte, Delvaux y Salvador Dalí, entre otros) y que se sirven del realismo y de las técnicas y recursos pictóricos tradicionales; y los surrealistas abstractos, que practican el automatismo psíquico puro (Masson, Joan Miró) e inventan universos grafico-plásticos propios.

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Gráfico 64. El hijo del hombre. Rene Magritte. By Shimon D. Yanowitz - Shimon D. Yanowitz. Vía Wikipedia - http://en.wikipedia. org/wiki/File:Magritte_TheSonOfMan.jpg#mediaviewer/File:Magritte_TheSonOfMan.jpg

Salvador Dalí, es probablemente el más universal de los surrealistas, de familia burguesa española. Su precocidad es sorprendente: a los doce años descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista, a los catorce ya ha trabado conocimiento con el arte de Picasso y se ha hecho cubista y a los quince se ha convertido en editor de la revista Studium, donde dibuja brillantes pastiches para la sección titulada “Los grandes maestros de la Pintura”. A los quince, abandona su Cataluña natal y se traslada a Madrid, ingresa en la Academia de Bellas Artes y se hace amigo del gran poeta granadino Federico García Lorca y del futuro cineasta surrealista Luis Buñuel, a los 26 años de edad el artista realiza lo mejor de su obra, como el célebre cuadro Persistencia de la memoria(1931), donde blandos relojes cuelgan de la rama de un árbol, del borde de un pedestal y sobre una misteriosa forma tendida en la vasta extensión de la playa.

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Gráfico 65. Crucifixión. Salvador Dalí. Visto en http://www.show-your-own-art-gallery.com/paintings-by-salvador-dali.html

Pop Art Surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955 y se convierte en el estilo característico de los años sesenta. El término de “Pop art” (abreviación de “popular art”) fue utilizado por primera vez en 1954 por el crítico Lawrence Alloway para denominar al arte popular que estaba creando la publicidad, el diseño industrial, el cartelismo y las revistas ilustradas. La artística de mediados de los se inspira en este arte que popular de laaccesibles sociedad de vanguardia consumo para crear obras figurativas conaños una cincuenta temática absolutamente directa las haga al público en general. Surge como reacción contra el expresionismo abstracto tan alejado de la realidad y de la comprensión del público.

Gráfico 66. Mao, 1972 by Andy Warhol. Fuente: http://es.fotopedia.com/items/flickr-4019533361 foto de Micah & Erin on Flickr

En Europa, una tendencia relacionada con el pop norteamericano recibe el nombre de “nouveau realismo” (nuevo realismo).

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Características Rechazo del expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual.

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Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo. Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas, periódicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.). Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples “motivos” que justifican el hecho de la pintura. Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que combina estas con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles. Representación de carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitivo. La combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra (las combine paintings de Rauschemberg): flores de plástico, botellas, etc., en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (neo-dadaísmo). Preferencia por las referencias al “status” social, la fama, la violencia y los desastres (Andy Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton, etc.). Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes del comic de Liechtenstein).

Gráfico 67. Cabeza con sombra azul. Roy Liechtenstein. Visto en http://voxultra.blogspot.com/2014/04/roy-lichtenstein-y-elpop-art.html

Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los objetos de consumo.

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(

)

El fauvismo es un movimiento que propone la imitación de los parámetros establecidos para el gótico, paleocristiano y bizantino.

2.

(

)

El rechazo de la representación fiel de la realidad les conduce a los artistas del fauvismo al principio de la autonomía de la obra de arte.

3.

(

)

El movimiento expresionista en el arte, surge en Francia, en la primera década del siglo XX.

4.

(

)

Según un critico de arte, el cubismo “desprecian la forma y lo reducen todo, paisajes, figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos”.

5.

(

)

En la perspectiva múltiple del cubismo, se mantiene la perspectiva monofocal de Alberti.

6.

(

)

En el año 1916 nace un movimiento artístico y literario que pretendía cambiar la sociedad, la cultura y el arte, se denomino DADA.

7.

(

)

El movimiento surrealista, nace en Zurich, Suiza.

8.

(

)

El artista norteamericano Andy Warhol pertenece a la tendencia del ready-made.

9.

(

)

El Pop art es una expresión que tiene lenguaje figurativo y realista, referente a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.


El artista más reconocido de la época fauvista fue a. Marcel Duchamps b. Salvador Dalí c. Henry Matisse

11.

La utilización de diversos recursos en la interpretación de la realidad: desproporción y distorsión de las formas según un impulso interior, es una de las características de: a. Surrealismo b. Expresionismo c. Cubismo

12.

La obra más importante y conocida del artista Noruego Edvard Munch se denomina a. Las señoritas de Avignon b. La fuente c. El grito

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13.

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Uno de los principios de el ___________________ es el movimiento de la máquina y se produce como expresión suprema de la sociedad industrial a. Expresionismo

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b. Cubismo c. Futurismo 14.

Los llamados “ready-mades” son productos que ejecuta el artista a. Juan Gris b. Marcel Duchamps

15.

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c. Umberto Boccioni La obra más celebre del artista catalán Salvador Dalí fue: a. Persistencia de la Memoria b. Crucifixión


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c. El perro andaluz 16.

Las obras más destacadas en el denominado pop art, son las de los autores a. Rene Magritte y Delvaux b. Masson y Joan Miró c. Andy Warhol y Liechtenstein


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Segundo período. Estimado estudiante, el proyecto nacional mestizo en nuestro país corresponde al periodo de fin del siglo XIX e inicios del XX, y se refleja en la intencionalidad de considerarnos un grupo humano homogéneo desde todos los aspectos sociales. Su inicio se genera desde la denominada Revolución liberal, y para ello debemos leer el texto básico en las páginas 32 y 33 para comprender el proceso. Revisará en su libro: Proyecto nacional mestizo y La revolución liberal (1895-1912).

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Por estas connotaciones, iniciaremos el estudio del arte mexicano que se da en los inicios del siglo, que tiene connotaciones políticas. Este movimiento denominado Muralismo por la expresión artística sobre los muros de edificaciones públicas de México, genera influencias en otros espacios latinoamericanos, lo que se observa como productos semejantes desde la ideología de la reivindicación del indio como en el caso ecuatoriano con el denominado “Indigenismo”.

4.5. Arte revolucionario: Muralismo mexicano y su influencia en Latinoamérica Estimado estudiante, para comprender lo que sucede en América en el mismo momento que se dan los cambios antes revisados en Europa. Como sociedad estamos muy alejados de ese vertiginoso cambio, somos pueblos “nuevos” por la misma razón de nuestra formación como estados independientes, cuyos valores ancestrales fueron borrados. Entonces, surgen otras problemáticas, son situaciones particulares, que en algunos aspectos tienen como influencia a Europa, dado que algunos de los artistas fueron allí en búsqueda de conocimiento y de fama. Pero lo que sucede en los países Latinoamericanos es otro proyecto, uno más complejo que tiene que ver mucho con la reivindicación de estas como naciones independientes, con una alta población indígena, con problemáticas particulares, por ello, le sugiero que lea otros textos que le ayuden a tener una idea más clara sobre este periodo en particular en nuestra América. La propuesta que surgen en México, denominada Muralismo, tiene diversas razones sobre todo políticas para su nacimiento, hecho del cual no nos encargaremos en esta guía, pero si es importante Señor Estudiante, que usted comprenda, que no es un hecho aislado, sino que se genera por el interés de motivar hacia un “arte para todos”, una reivindicación de la cultura mexicana donde los rasgos fisonómicos de sus personajes acerquen al pueblo a su nuevo régimen político. La secretaria de educación y cultura, promueve luego de la revolución mexicana una serie de obras murales en los exteriores de edificios públicos a lo largo de la República, y de allí surge la fama e influencia hacia otros países. Muchos de los muralistas del siglo XX han buscado inspiración en México, dado que fue allí en 1910, que la política inspira al arte para el uso del mural como propaganda política, cambiando el concepto de que el mural no podía ser una seria y útil forma de arte. La década del 30, marca la irrupción del movimiento muralista mexicano, desde las enseñanzas y postulados de José Clemente Orozco (1883 – 1949), Diego Rivera (1886 - 1957) y David Alfaro Siqueiros (1890 - 1974). Sisqueiros ansiaba trasladar la experiencia mexicana a otros países sudamericanos, con

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pinturas que exaltaran las luchas sociales, combatiendo los privilegios de clase, reivindicando las culturas precolombinas, defendiendo la revolución contra el capitalismo y sobre todo, siguiendo la consigna: “¡Abajo la pintura de caballete!” (Palabras pronunciadas por David Alfaro Siqueiros cuando se bajó del avión en su visita a Buenos Aires en el año de 1933). Los pintores mexicanos Rivera, Orozco y Siqueiros, reconocidos actualmente como “los tres grandes de México”, inician la pintura de denuncia social; el expresionismo, adentrándose en el estudio de nuestras raíces precolombinas, se convierte en la manera, sistema, medio plástico, más adecuado para dar a conocer el deseo de igualdad y de justicia. México, es un país que cuenta con una larga e histórica trayectoria en materia de política indigenista, pero hay que ver el indigenismo mexicano en su contexto latinoamericano, y es interesante que “el problema del indio en México y en el resto del continente poco difieren en sus premisas, todas ellas fincadas (fundamentadas, basadas en una tendencia colonial de latifundios, esclavitud, castas sociales, etc.) en la dependencia colonial”(Aguirre., 1973).

Esta tendencia, promociona al indio como un símbolo de la unidad panamericana, ya que sugiere que los nativos americanos representan lo que es “único” en América, haciendo referencia al legado español que en su momento por los elementos culturales en el mestizaje, produjeron mayor confianza desde Europa hacia la población americana. La diseminación de estas ideas en los países latinoamericanos con un gran número de población nativa, demuestra que el Indigenismo comienza a conformarse como una ideología política y cultural, siendo los países que inician esta tendencia Brasil y Ecuador. Fue durante fines del siglo XIX y los inicios del siglo XX, donde las teorías sobre el indigenismo se fortalecen y tienen mayor impacto en la producción cultural ecuatoriana.

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Gráfico 68. Portador de flores. Diego Rivera. Visto en http://www.insht.es/InshtWeb/Contenidos/Documentacion/ TextosOnline/Erga_online/Galeria/Imagenes/SXX/flower_carrier.jpg •

Indigenismo

Estimado estudiante, en el Ecuador, la propuesta mexicana se transforma hacia otra visión, no son los grandes formatos de México, el mural, sino más bien es la expresividad del dolor y sufrimiento del indígena, oprimido y olvidado, quien surge en este país como la temática de mayor importancia. Con este tema concluiremos la historia del arte, ya que posteriormente se desarrolla el arte contemporáneo, cuyos cambios y propuestas, a más de complejas, van a ser muy cambiantes y globalizadas, y no constituyen parte de esta materia. 119



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Hay que referirse de una forma particular al aporte que prestaron los artistas de esta época en la vida futura del arte ecuatoriano; se sirvieron para ello, por una parte, de un problema planteado y visto por algunos literatos en obras, como“Huasipungo”de Jorge Icaza (Icaza, 1963),clásico de la literatura ecuatoriana, que inició una tendencia literaria donde se utilizó al indio como tema fundamental, que impulsó el indigenismo tal como “El indio ecuatoriano” dePio Jaramillo Alvarado, donde la existencia de los indios y el derecho a la tierra y la necesidad de liberarse de la clase latifundista, fructificaría resultados en obras cuyo contenido será la denuncia social, o lo que ha dado en llamarse “Realismo Social” o también “Indigenismo”. Por otro lado, lo que sucedió con la cultura mexicana por el efecto de la revolución, genera que los artistas de México generaran una clara influencia en Latinoamérica, de formas inimaginables, siendo notorio este efecto después en el arte especialmente en los murales. A pesar de que desde 1920 los artistas latinoamericanos inician este camino hacia un indigenismo, es a partir de 1933 que la generación de artistas ecuatorianos se inscribe dentro de este movimiento. Dentro del grupo de artistas más destacados de la propuesta reivindicatoria del indio en Ecuador, están Camilo Egas, Diógenes Paredes, Leonardo Tejada, Eduardo Kingman y Oswaldo Guayasamín. Camilo Egas, pintor quiteño, fue el primero en introducir la temática en el arte ecuatoriano, no obstante en aspectos más exóticos, pero se convirtió en pionero del indigenismo a inicios de 1930.

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Gráfico 69. Indígenas en reposo. Camilo Egas. Visto en http://historiaartemundial.blogspot.com/2012/03/camilo-egas-la-edadde-oro-del-arte.html

Eduardo Kingman, pintor lojano, su obra toma fuerza desde 1936, su obra esta cargada de indigenismo y de vivencias personales, ha marcado un hito en la plástica ecuatoriana. Sus grandes influencias fueron Orozco y Siqueiros. En sus obras se destaca un manejo profundo de la figura humana, destacando las manos de fuertes nudillos que tenían el artista, las mismas que se convirtieron en una de sus marcas personales.

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Gráfico 70. Terruño. Eduardo Kingman. Visto en http://pce50.tripod.com/pictures/kingman.jpg

Oswaldo Guayasamín, pintor y escultor quiteño, de srcen mestizo y humilde, inicia su trabajo pintando retratos indígenas, así como de otros rostros en sus años de adolescencia. Ya en el año de 1938 adopta su estilo dramático con trabajos indígenas de influencia de Egas y Kingman. Lo mas importante de su trabajo artístico puede dividirse en tres grandes periodos, la edad de la ira, donde se destacan obras de dolor de las razas ecuatorianas, así como de los horrores de la Guerra, la edad de la ternura, es una etapa donde se vincula a la relación humana entre madre e hijos, trabaja retratos, paisajes y murales importantes; y finalmente la edad de la esperanza a la que el artista consideraba un momento maduro de su obra y del uso de sus técnicas.

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Gráfico 71. Oswaldo Guayasamín. Fotos. Verónica Ortiz. Fuente: http://www.capital.cl/cultura/2013/09/09/070936-el-guardiande-guayasamin

Recuerde siempre utilizar un cuaderno de apuntes, subrayar las ideas principales y secundarias además de elaborar ideogramas y organizadores gráficos que apoyen a su proceso de aprendizaje, como por ejemplo síntesis, resumen y planteamientos comparativos.

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(

)

En el Gobierno de Eloy Alfaro, se entrega a la Iglesia Católica el manejo de la educación, los registros de nacimientos, matrimonios y muertes.

2.

(

)

En el período de 1895-1912 se produce la consolidación del Estado nacional del Ecuador, e inicio de la vigencia del denominado “proyecto nacional mestizo”.

3.

(

)

El proyecto nacional mestizo tuvo entre otros una unión entre las regiones naturales, lo cual se concretó con obras como el ferrocarril Quito-Guayaquil.

4.

(

)

Luego de la fase revolucionaria, en la etapa de 1912-1925 se da un predominio de la oligarquía liberal.

5.

(

)

La obra Portador de flores, corresponde al artista mexicano, Siqueiros.

6.

(

)

En el indigenismo se pretende dar a los países latinoamericanos una identidad relacionada con los primeros habitantes de estas tierras.


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7.

(

)

En México surge una consigna desde la voz de David Alfaro Siqueiros que dice ¡Abajo la pintura de caballete!

O I R A N O I

8.

(

)

Entre el primer grupo de artistas de propuesta indigenista se encuentra Gonzalo Endara Crow.

C U L O S


La revuelta de los trabajadores organizados en Guayaquil de 1922, cuando se reprime a la protesta popular por la crisis económica – monetaria, se denominó a. La revuelta de los trabajadores b. La revolución Juliana c. Bautismo de Sangre

10.

En México surge una expresión artística ligada con la política, y se conoce como a. Muralística b. Muralismo c. Indigenismo

11.

Entre que siglos se genera la teoría de indigenismo o indianismo en los países latinoamericanos a. Fines del XIX y principios del XX b. Inicios del XX hasta mediados del XX c. Mediados del XVIII hasta fines del XIX

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12.

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La obra literaria sobre indigenismo llamada “Huasipungo” fue escrita por a. Pio Jaramillo Alvarado

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b. Jorge Icaza

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c. Luis A. Martínez 13.

En la obra de Oswaldo Guayasamín hay tres momentos, la edad de _________ corresponde a las obras de su momento maduro, y de sus técnicas más trabajadas. a. Edad de la Ira b. Edad de la ternura c. Edad de la esperanza


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Predominio plutocrático (1913-1924). El conocimiento de nuestro país a lo largo de su historia, nos ha llevado al siglo XX, donde los cambios políticos han sido la tónica más importante que se desarrolla en esta joven nación. El texto de Ayala Mora nos va a narrar con detalle, para ello debemos leer desde la página 33 hasta la 37 donde inicia el ultimo período de la propuesta nacional, el denominado proyecto nacional de la diversidad, que consta de análisis como: Un nuevo escenario, Crisis e irrupción de las masas (1925-1947), Una etapa de estabilidad (1948-1960) y La cultura en medio siglo. Tercer período. El último periodo de nuestro estudio, va a ser el denominado de la diversidad, lo cual constituye la propuesta de un país plurinacional y multicultural, pero para que esto se establezca, el Ecuador tuvo que pasar por algunos procesos político – económicos que generaron deudas, bonanza y transformaciones sociales que nos llevan a nuestra realidad actual. En el libro “Resumen de la historia del Ecuador” desde la página 37 a la 42 podemos hacer ese recorrido, y nos vamos a encontrar a lo largo de diversos escenarios de la vida nacional que han generado la situación política y social que vivimos ahora, que se ha denominado el Proyecto nacional de la diversidad, donde se analiza: Asenso del reformismo, De la crisis al auge (1960-1979), Del auge a la crisis (1979-2000), Los últimos años y Conciencia de la crisis.


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Autoevaluación 11

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(

)

El modelo agroexportador no pudo ser superado al iniciar la década de los sesenta, y se diversificó la producción.

2.

(

)

En el año de 1942 se firma el famoso protocolo de Rio de Janeiro, que sello la discordia entre Ecuador y Perú.

3.

(

)

La estabilidad económica que se produce entre 1948 y 1960 en el país se genera por el nuevo producto de exportación: el Petróleo.

4.

(

)

La casa de la cultura Ecuatoriana fue fundada por el ensayista, crítico y biógrafo lojano, Benjamín Carrión.

5.

(

)

En el año de 1969 el país se une a una serie de naciones de Latinoamérica y forman el denominado ALALC.

6.

(

)

En el siglo XX, el Ecuador hace tres intentos de guerra con el Ecuador, correspondiendo a los años 1941, 1981 y 1995.

7.

(

)

El sistema monetario se transforma en el país en el año 2001 con la denominada Dolarización.


En el año ________ se crean en el Ecuador, la confederación de trabajadores del Ecuador y la Casa de la Cultura Ecuatoriana a. 1947 b. 1944 c. 1939

9.

El grupo de poetas modernistas en el país tuvo como denominación a. La generación moderna b. Los románticos c. La generación decapitada

10.

El Ecuador en la década de 1980, luego de un largo proceso de dictaduras, vuelve a la democracia con el binomio a. Roldos Aguilera – Hurtado Larrea b. Duran Ballén– Dahik c. Hurtado Larrea – Roldos Aguilera

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11.

SEGUNDO BIMESTRE

La exportación del Ecuador tiene como más importante producto en la balanza comercial a a. Banano

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b. Flores

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c. Petróleo 12.

El último presidente elegido constitucionalmente, que terminó su período, antes del Eco. Rafael Correa Delgado fue a. Sixto Duran Ballén b. León Febres Cordero c. Abdala Bucaram Ortiz


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CONCLUSIONES

7. Conclusión

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Finalmente el libro básico desde la página 42 hasta la 44, el autor genera un resumen a manera de conclusión de la situación de el Ecuador en los actuales momentos, es importante considerar que esta es la visión de un historiador, y que los procesos políticos, económicos y sociales han tenido diversas interpretaciones. Les sugiero que complementen su conocimiento buscando fuentes que ayuden a manejar otras visiones, como los textos escritos por el presidente Gabriel García Moreno, por el presidente Rodrigo Borja Cevallos e incluso por otros historiadores y literatos como Juan Montalvo.


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ANEXOS

9. Anexos

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El presente material ha sido reproducido con fines netamente didácticos, cuyo objetivo es brindar al estudiante mayores elementos de juicio para la comprensión de la materia, por lo tanto no tiene fin comercial.

Para comprender el concepto de Cultura Tomás R. Austin Millán, Sociólogo, Antropólogo Social. UNAP Educación y Desarrollo, Año 1, Nº 1, Marzo 2000, De la Universidad Arturo Prat, Sede Victoria, Chile El concepto de cultura, fundamental en la Antropología Cultural, no es un concepto corriente para un Antropólogo Social, por lo que hace algunos años inicié un profundo estudio del tema, para evitar confusiones conceptuales, especialmente porque para algunos autores cultura y organización social son conceptos intercambiables, aumentando la confusión. Parte de esos estudios están reflejados en este artículo, que ya apareció en versión más reducida en otro más amplio referido a la Interculturalidad 2, pero estaba en deuda con un mayor esclarecimiento del concepto semiótico del sentido en la cultura al intentar seguir su interpretación al estilo de Clifford Geertz. Que es lo que aquí se intenta. Etimología del concepto de “Cultura” La palabra cultura proviene de la palabra cultüra, latín (L), cuya última palabra trazable es colere, L. Colere tenía un amplio rango de significados: habitar, cultivar, proteger, honrar con adoración. Eventualmente, algunos de estos significados se separaron, aunque sobreponiéndose ocasionalmente en los sustantivos derivados. Así, ‘habitar’ se convirtió en colonus, L. de colonia. ‘Honrar con adoración’ se desarrolló en cultus, L. De culto. Cultura tomó el significado principal de cultivo o tendencia a (cultivarse), aunque con el significado subsidiario medieval de honor y adoración. Por ejemplo, en inglés cultura como ‘adoración’ en Caxton (1483) -La forma francesa de cultura fue couture francés antiguo- la que se ha desarrollado en su propio significado especializado y más tarde culture, la que para el siglo XV temprano pasó al inglés. Por lo tanto, el significadoprimario fue labranza: la tendencia al crecimiento natural. En castellano la palabra cultura estuvo largamente asociada a las labores de lalabranza de la tierra, significando cultivo (1515); por extensión, cuando se reconocíaque una persona sabía mucho se decía que era “cultivada”. Según una fuente3, es soloen el siglo XX que el idioma castellano comenzó a usar la palabra cultura con el sentido que a nosotros nos preocupa y habría sido tomada del alemán kulturrell. Sí bien esposible pensar que nuestra preocupación por conocer el concepto “cultura” desde lasciencias sociales proviene más bien de la fuerte influencia que el saber norteamericanoha tenido sobre nuestra propia cultura hacia las décadas de los 50 y 60. 2

3

Tomás Austin M., “Conceptos Fundamentales para el Estudio de la Interculturalidad”, en SERIE CUADERNOS DE DISCUSIÓN Y ESTUDIOS Nº 2, de la Dirección de Investigaciones de la Universidad de Temuco, Abril 1999a. Breve Diccionario Etimológico de la Lengua Castellana.

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ANEXOS

En resumen: “Honrar con adoración” se convirtió en culto (hacer crecer la fe interior, lo que brota del alma); habitar un lugar” se convirtió en colono (el surgir de la gente en un lugar no habitado antes); “cultivar la tierra” se convirtió en cultivar (hacer brotar al reino vegetal, como en “agricultura”, agrícola, etc.); mientras que, “lo que brota del ser humano” se convirtió en cultura4.

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Usos, acepciones y concepciones del término “Cultura”. Parte de la confusión con el concepto de cultura surge cuando se le usa como expresión y manifestación de las bellas artes, especialmente en diarios y revistas; de donde se interpreta que las personas instruidas y conocedoras de las artes y de otras gentes son muy instruidas, asumiéndose que hay toda una gradación hasta los”incultos” (carentes de cultura); por otro lado es sabido que también se usa para denominar a grupos humanos no conocidos, como la cultura Diaguita o Mapuche, pero muchas personas quedan confundidas con esta doble significación. Los profesores parecen tener una marcada preferencia por la primera acepción, a la vez que se reconocen ellos mismo y son reconocidos por los demás como personas “cultas”, pero usualmente transmiten en el aula una acepción que -con algunas variaciones de contenidos- se acerca más a la segunda: que cultura es el conjunto de costumbres, mores y folkways5, de un pueblo, heredados y transmitidos de generación en generación. Para las ciencias sociales, el concepto de “cultura” es comúnmente precisado en varias definiciones particulares que expresan lo que se entiende por cultura desde las necesidades y elaboraciones de disciplinas específicas. Raymond Williams las clasifica como la acepción sociológica, la antropológica y la estética, también llamada humanista por G. N. Fischer, agregando una cuarta acepción, la psicoanalítica6. Todas estasacepciones -o concepciones al decir de Fischer- son comúnmente usadas, aunque susignificado exacto es confuso para muchas personas. Estas cuatro formas de usar el concepto se explica así: El concepto de la estética (o concepción humanista). Es el sustantivo común y abstracto “que describe trabajos y práctica de actividadesintelectuales y específicamente artísticas, como en cultura musical, literatura, pintura yescultura, teatro y cine”7, es decir, se trata de un concepto de cultura que considera queesta se acrecienta en la medida que se eleva hacia las manifestaciones más altas delespíritu y la creatividad humana en las bellas artes. A lo anterior habría que agregar quelos viajes también aportarían al permitir conocimiento de otros pueblos y costumbres. En palabras de Fischer, “se dirá así de un individuo que tiene cultura cuando se trata dedesignar a una persona que ha desarrollado sus facultades intelectuales y su nivel deinstrucción. En este sentido la noción de cultura se refiere a la cultura del alma (cultura animi, Cicerón) para retomar el sentido srcinal del término latino cultura, que designabael cultivo de la tierra” 8. Por extensión se asume que un individuo que conoce de las másaltas manifestaciones del espíritu humano tiene que ser diferente a la gente común, demostrando su alto nivel de cultura mediante maneras refinadas de trato con losdemás, asignándole la calificación de “culto”; por contraposición, una persona con unescaso nivel de educación y refinamiento pasa a ser “inculto” o de “poca cultura”. Estaforma de conceptualizar la cultura pertenece definitivamente a la Europa refinada delsiglo XIX, y se acerca mucho al concepto usual, tradicional de la calle o el común de lagente.

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Al respecto, ver: Raymond Williams, 1976, KEYWORDS, Fontana, Londres, entrada “Cultura” Págs. 76-82; Traducido por Tomás Austin. Fotocopia. Resulta curioso, pero mores es el plural de costumbre en latín (mos) y folkways del inglés, es correctamente traducida como costumbre, igualmente. Raymond Williams, citado; G. N. Fischer, 1992, CAMPOS DE INTERVENCION EN PSICOLOGIA SOCIAL, Narcea, Págs. 16 y ss. Raymond Williams, citado. G. N. Fischer, op. cit.

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ANEXOS

La razón por la que Fischer lo llama la concepción humanista del término, se debe a que el pensamiento humanista decimonónico partía de la base de que el progreso humano era continuo y ascendente, sumando cada vez más conocimientos del hombre y la naturaleza, que se traducían en el crecimiento de la filosofía, la ciencia y la estética. Esta forma de progreso en el refinamiento del espíritu era capaz de producir obras de extraordinario refinamiento estético, pero que solo podían comprender aquellos a los que la fortuna les permitía un gran acervo de conocimiento y desarrollo intelectual, de manera que este crecimiento y sus manifestaciones más altas de significado y refinamiento era la cultura humana en ascenso permanente. El concepto antropológico de cultura Para la Antropología, la cultura es el sustantivo común “que indica una forma particular de vida, de gente, de un período, o de un grupo humano”; está ligado a la apreciación y análisis de elementos tales como valores, costumbres, normas, estilos de vida, formas o implementos materiales, la organización social, etc. Se podría decir que a diferencia del concepto sociológico, aprecia el presente mirando hacia el pasado que le dio forma, porque cualquiera de los elementos de la cultura nombrados, provienen de las tradiciones del pasado, con sus mitos y leyendas y sus costumbres de tiempos lejanos. De manera que el concepto antropológico de cultura nos permite apreciar variedades de culturas particulares: como la cultura de una región particular, la cultura del poblador, del campesino; cultura de crianza, de la mujer, de los jóvenes, cultura universitaria, culturas étnicas, etc.

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El concepto sociológico Mucho menos conocido y apreciado, el concepto sociológico se entiende como “el concepto abstracto que describe procesos de desarrollo intelectual, espiritual y estéticos” del acontecer humano, incluyendo la ciencia y la tecnología, como cuando se habla del desarrollo cultural de un pueblo o país; Fischer dice que para la concepción sociológica la cultura se define como “el progreso intelectual y social del hombre en general, de las colectividades, de la humanidad”. En general se usa el concepto de cultura en su acepción sociológica, cuando el hablante se refiere a la suma de conocimientos compartidos por una sociedad y que utiliza en forma práctica o guarda en la mente de sus intelectuales. Es decir, al total de conocimientos que posee acerca del mundo o del universo, incluyendo todas las artes, las ciencias exactas (matemáticas, física, química, etc.) las ciencias humanas (economía, psicología, sociología, antropología, etc.) y filosofía. Teniendo presente que por mucho que ese pueblo o sociedad sepa del universo, siempre hay áreas de conocimiento que no posee o desconoce. Por ellos es justamente el sentido sociológico el que usa los agentes del gobierno, la planificación o la política cuando proponen planes “para desarrollar la cultura nacional”. El concepto sociológico de cultura tiene una fuerte connotación con la apreciación del presente pensando en el desarrollo o progreso futuro de la sociedad para alcanzar aquello que llamamos el patrimonio cultural de la humanidad o simplemente “la cultura universal”. Es en este sentido que debe entenderse la expresión “desarrollar la cultura de un país”, implicando desarrollar y ampliar el conocimiento nacional de lo que el hombre (universal) ha sido capaz de desarrollar hasta hoy9. En este sentido sociológico se entienden, por ejemplo, las expresiones de Umberto Eco:”Una prudente política de los hombres de cultura como corresponsables de la operaciónde la televisión será la de educar a través de la televisión a los ciudadanos del mundofuturo, para que sepan compensar las recepción de imágenes con una rica recepción deinformación escrita”10. 9

10

Uso sociológico típico de la palabra cultura lo encuentra en José Joaquín Brunner, 1994, BIENVENIDOS A LA MODERNIDAD, especialmente la Quinta Parte “Encrucijadas de la cultura moderna” p. 217 y ss. Umberto Eco según EL MERCURIO 8.12.96. pág. E3.

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ANEXOS

El concepto del psicoanálisis Fischer lo toma del conocido libro de Freud, “El Malestar en la Cultura”, y nos dice que la definición freudiana se emparienta con el superego y dice: “La cultura humana (...)comprende, por una parte, todo saber y el poder adquirido por los hombres para dominar las fuerzas de la naturaleza; y por otra, todas las organizaciones necesarias para fijar las relaciones entre ellos”11, en otras palabras, para el psicoanálisis, la cultura esta constituida por todas aquellas presiones intra-psíquicas, de srcen social o colectiva, que constriñen la libre expresión del ego y repercutiendo en la personalidad y hasta posiblemente en traumas psíquicos. A ello agregamos que uno se da cuenta que hay un punto en que la cultura se enraíza con la psiquis al presenciar la forma enconada en que se defienden posiciones personales que no son otra cosacultural que posiciones lo mismo que situaciones deva depresiones debidas choque que se le culturales, produce inicialmente a lalas persona que se a vivir a unaprofundas cultura que no es al la propia12. El problema de definir la cultura: Los cambios de significados de la culturaantropológica desde la Antropología Social hasta Clifford Geertz.

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2.1 La visión positivista de la cultura: primera mitad del siglo XX Originalmente la cultura fue entendida y explicada como un conjunto de constricciones, presiones y acondicionamientos externos al ser humano, (las formas decomportamiento y otros aprendizajes durante la socialización del niño) que fijaban odeterminaban pautas de conductas como adulto, donde se destacaban las costumbrescomo el concepto amplio que representaba casi todo lo que el hombre hacía, es decir, la cultura era vista como un determinante del comportamiento13. Según esta forma dever a la cultura, el control social se ejercía a través de las normas, y estas serviríancomo medios de presión y obligación impuesta sobre los hombres para adaptarse a lascostumbres y tradiciones sin resistir ni darse cuenta; mientras que los mitos y lascreencias representaban a esas mismas imposiciones desde la religión, a las que losseres humanos se sometían dócilmente; las acusaciones de brujería estarían entre laspresiones más subjetivas. A lo anterior se le agrega que el paso del tiempo, convertidoen tradiciones, y a veces, en historia, explicaba el srcen de estas formas decostumbres e imposiciones culturales en tiempos pasados y remotos. La universalidadde estos fenómenos era estudiada comparando culturas de diversas partes del mundopor lo que también algunos antropólogos la llaman la tradición o paradigma comparativo comparativista de la Antropología sociocultural. Esta forma de entender la cultura era la dominante hasta la década de los cincuenta enlos centros de estudio de Antropología, contribuyendo con un amplio entendimiento delo que nos une y nos hace comunes como seres humanos, a la vez que proporcionandoun gran caudal de información sobre las sociedades pequeñas y medianas del mundo,fundamentalmente comunidades humanas minoritarias. “Organización social” versus “cultura” La historia de esta forma de conceptualizar la cultura es larga pero podría ser extendidadesde Sir Edward Taylor en su libro Cultura Primitiva (1872) a Kroeber y Cluckhoholmen USA –años de la década de los cincuenta- y a los antropólogos sociales británicoshasta la década de los 70s. Este modelo de entendimiento del concepto de culturapuede leerse en “Otras Culturas” de John Beattie14; “Introducción a la Antropología Social” de Lucy Mair15, “Introducción a la Antropología Social” de Geodfrey Liendhart16, 11 12 13

14 15 16

Fischer, citado. Son innumerables los estudios de depresiones y suicidios en grupos de inmigrantes, exiliados y despatriados. Buxó i Rey, “La cultura en el ámbito de la cognición”, en Mercedes Fernández M. (Coord.) SOBRE EL CONCEPTO DE CULTURA, Ed. Mitre, 1984 Pág. 13 Fondo de Cultura Económica. México. Alianza Universitaria. Fondo de Cultura Económica. México.

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ANEXOS

entre otros. Para estos autores Antropología (social) es algo así como una Sociología de las culturas tribales o de pequeña escala (o primitiva, como se decía a comienzos de siglo) -es decir, no modernasmientras que la Sociología estudiaría los mismos fenómenos, pero al nivel macro-social de la sociedad moderna. Habría que agregar que en la Antropología Cultural (norteamericana) el concepto de cultura ocupa un lugar central en sus teorías, mientras que en la Antropología Social (británica) se emplea el concepto de organización social17; los franceses no participan en esta discusión deanglosajones y simplemente llaman a su Antropología: Etnología. Algunos hanconsiderado que ambos conceptos en realidad son intercambiables: cultura en laAntropología Cultural norteamericana y organización social en la Antropología Socialbritánica18. Por su parte el español Juan Maestre Alonso prefiere zanjar el problema delnombre del concepto y su disciplina hablando de Antropología Socio-cultural y porextensión los 19

fenómenos en estudio se llaman socioculturales , una palabra que se hahecho popular últimamente. La primera definición antropológica de relevancia, fue la de Edward Taylor, quien en unsimple párrafo, el primero de su libro, legó una definición que aún hoy algunos usan yde paso, funda por escrito a la Antropología británica, al decir que: “Cultura ocivilización, tomada en su amplio sentido etnográfico, es ese complejo de conocimientos, creencias, arte, moral, derecho, costumbres y cualesquiera otrasaptitudes y hábitos que el hombre adquiere como miembro de la sociedad” agregando acontinuación la idea fundadora de la Antropología: “La condición de la cultura en lasdiversas sociedades de la humanidad, en la medida en que puede ser investigadasegún principios generales, constituye un tema apto para el estudio de la leyes delpensamiento y la acción humanas”20. Como se dijo, toda definición debe ser precisa, con una clara delimitación de lo que es ono parte del término definido. La definición de Taylor hoy es considerada comoimprecisa y poco clara, porque es enumerativa y abierta, es decir, hace una cortaenumeración de lo que Taylor estima que es parte de la cultura (“conocimientos, creencias, arte, moral, derecho, costumbres...”) dejando abierta la posibilidad para cualquier otra cosa que uno quiera incluir, cuando dice “...y cualquier otras aptitudes yhábitos...” El problema es que aún con eldel paso de todos estospara añoslosantropólogos desde que Taylorpublicó hay una definición común término cultura de todo su el célebre mundo,definición, poniendo no de manifiesto que cultura es uno de lostérminos más difíciles de definir del vocabulario antropológico21. Tratando de resolver el problema de la falta de una definición común, en 1952, Kroebery Cluckhoholm, revisaron todas las definiciones de cultura que se habían escrito hastasu tiempo (en inglés, por supuesto); encontraron nada menos que 160 definiciones22. Finalmente formularon una definición que aunque extensa, toma en cuenta todas lasparticularidades y cualidades de la cultura, que a su juicio satisfacían las necesidadesconceptuales de la antropología cultural norteamericana de su época: “La culturaconsiste en pautas de comportamiento, explícitas o implícitas, adquiridas y transmitidasmediante símbolos y constituye el patrimonio singularizador de los grupos humanos,incluida su plasmación en objetos; el núcleo esencial de la cultura son las ideastradicionales (es decir, históricamente generadas y seleccionadas) y, especialmente, losvalores vinculados a ellas; los 17

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Aquí también se revela el problema de los nombres de la disciplina: Antropología Social para los británicos y Antropología Cultural para los norteamericanos. Además habría que agregar que cada corriente nacional engloba a las otras antropologías como parte de la propia: como la Antropología norteamericana que dice que la Antropología Social y la Etnología son subdivisiones de la Antropología Cultural, lo que es negado por franceses e ingleses que creen lo contrario. Véase la entrada CULTURA en la ENCICLOPEDIA INTERNACIONAL DE CIENCIAS SOCIALES, McMillan-Aguilar, para cuyo autor ambos conceptos son justamente intercambiables, sin más. Juan Maestre Alonso, INTRODUCCIÓN A LA ANTROPOLOGÍA SOCIAL, Akal, 1983. Sir Edward B. Taylor: PRIMITIVE CULTURE, 1871, Pág. 1. Jeorge R. Mead, entrada “Cultura” de la ENCYCLOPEDIA OF ANTHROPOLOGY, de Hunter y Whiten, Harper and Row, New York, 1976, Pág. 102-3. CULTURA: UNA REVISIÓN CRITICA DE CONCEPTOS Y DEFINICIONES, Papers of the Peabody Museum of American Archeology and Ethnology, Vol. 47, Nº1, 1952, p.283 y ss. Las definiciones encontradas las catalogaron como: (1)descripciones enumerativas, (2)históricas, (3)normativas, (4) psicológicas, (5) estructurales y (6) genéticas.

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ANEXOS

sistemas de culturas, pueden ser considerados, por una parte, como productos de la acción, y por otra, como elementos condicionantes de la acción futura”23. Importante y completa como es esta forma de definición, y a pesar de que encierra todauna época paradigmática del estudio de la cultura en Antropología, durante la décadade los años 50 algunos antropólogos comenzaron a destacar que siguiendo esta líneateórica, producto del positivismo de comienzos de siglo, la cultura era consideradafundamentalmente un fenómeno externo a los seres humanos que la viven –másprecisamente, externa a la mente humana- de tal forma que el ser humano aparecemás como objeto de la cultura, que como el sujeto que la crea, recrea y vivenciacotidianamente. Esto ocurriría porque, como ya se dijo, la cultura es vista como unconjunto de presiones y acondicionamientos externos al serlohumano que fijaban pautasde conductas, a través las costumbres, creencias, modos de vida, etc., con que la cultura era vista como un determinante delde comportamiento, pero no naciendo del serinterior del individuo. Finalmente esta forma de conceptualizar la cultura resulta en un “molde (o patrón) cultural” muy rígido en el que los seres humanos, una vez que son formados, difícilmente podrían escaparse o cambiar readecuando su cultura a nuevos momentos, situaciones o eventos del diario vivir. La rigidez teórica para aceptar el cambio y la”externalidad” a la mente, fueron las principales críticas que se le hicieron al paradigmasrcinal del concepto de cultura y que motivaron la búsqueda de una teoría alternativa 24. Este concepto de cultura aun es usado por algunos antropólogos, especialmentelatinoamericanos. Por ejemplo, Valiente (1993) dice que “la cultura comprende losartefactos heredados, los bienes, los procesos técnicos, la organización social, lasideas, los hábitos y los valores” citándola de Audrey Richards y Raymond Firth, dos Antropólogos Sociales británicos25. 2.2 El concepto lingüístico de cultura: Goodenough y la cultura “en la mente” Un segundo momento en la búsqueda de una definición que supera a las críticasanteriores esta representado por Ward Goodenough26, cuando dice que cultura “es lo que uno debe conocer (saber o creer) para comportarse aceptablemente de acuerdo alas normas de los demás”. Lo que traslada la cultura al interior de la mente27. Estadefinición interpreta a la cultura más bien como la construcción o representaciónsimbólica aprendida por los individuos, durante su periodo de enculturación28, obligandoa los antropólogos que buscan describir una forma cultural en particular a realizar unadescripción de los fenómenos culturales que sean congruentes tanto con el fenómenoanalizado como con las conceptualizaciones de los nativos, poniendo en primera líneametodológica al conocimiento del informante y al enfoque emic29. Esta posición teóricafue frecuentemente criticada y acusada de psicologista, como “psicología social carentede base estadística” 30 y descontextualizada. Dio un fuerte impulso a los estudioslingüistas y de esquemas mentales (squemata), buscando conocer 23 24

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Kroeber y Cluckhoholm, citado. Esto puede apreciarse sí se considera que el término usado desde Ruth Benedict en su libro PATTERN OF CULTURES es el de “pattern” cuya principal acepción es la de molde o patrón (modelo), solo recientemente se ha traducido por pauta, que es una significación más flexible, pero también una acepción secundaria, casi connotativa. Teresa Valiente C. “Precisiones conceptuales”, (datos incompletos), Abya-Yala, Quito, 1993, pág. 15. Carlos Reynoso (TEORIA, HISTORIA Y CRITICA DE LA ANTROPOLOGIA COGNITIVA, Edición Búsqueda, 1986, Bs. As.) ve varias etapas o fases en el desarrollo de la Antropología Cognitiva, en donde Goodenough aparece en la Segunda fase, cuando ya el paradigma, los métodos y las técnicas habían sido formulados y ya perfectamente delimitada como escuela opuesta a la tradición comparativista. “Pasaje que ha llegado a convertirse en el locus clássicus de todo el movimiento”. Clifford Geertz, LA INTERPRETACIÓN DE LAS CULTURAS, Gedisa, 1987, Pág. 25. También Reynoso, citado, Pág. 31. Conviene recordar que Enculturación es el mismo fenómeno que en Sociología se llama Socialización. Reynoso, citado, Pág. 24. El enfoque emic implica recoger fielmente las explicaciones tal como las entregan los miembros de la cultura en estudio. Por contraposición el enfoque etic se refiere a los fenómenos tal como los explica el cientista social. (Proviene de la lingüística y los conceptos de fonema y fonética) Marvin Harris, ANTROPOLOGIA CULTURAL, Alianza Editorial, 1979, Pág. 506

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los principiosorganizativos subyacentes y/o los códigos cognoscitivos. Esta corriente ha continuado existiendo y evolucionando en algunas universidades de Estados Unidos de Norteamérica. Un ejemplo de este paradigma de la Antropología lo podemos encontrar en los trabajos de la antropóloga española María Jesús Buxó i Rey para quien “la cultura es el sistema de conocimiento a partir de cuyos significados el ser humano tamiza y selecciona de la realidad en sentido amplio, así como interpreta y regula los hechos y los datos de comportamiento social”31. En un trabajo posterior de la misma antropólogapodemos leer que “lo que importa es aprender lo que es relevante en el conjunto deideas, creencias y suposiciones que los individuos son capaces de representarmentalmente...”32. El mismo artículo agrega más adelante que “Toda identidad (cultural) es una construcción mental...”33

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2.3 El concepto actual de cultura: Clifford Geertz y la hermenéutica antropológica En el tercer momento la cultura es entendida como un proceso (o red, malla oentramado) de significados en un acto de comunicación, objetivos y subjetivos, entre losprocesos mentales que crean los significados (la cultura en el interior de la mente) y un medio ambiente o contexto significativo (el ambiente cultural exterior de la mente, quese convierte en significativo para la cultura interior). Desde este punto de vista es posible comprender a Clifford Geertz cuando dice que: “El concepto de cultura quepropugno... es esencialmente un concepto semiótico. Creyendo con Max Weber que el hombre es un animal inserto en tramas de significación que él mismo ha tejido, considero que la cultura es esa urdimbre y que el análisis de la cultura ha de ser por lotanto, no una ciencia experimental en busca de leyes, sino una ciencia interpretativa enbusca de significaciones.34” Lo que queda más claramente entendido más adelante, cuando aclara que: “...la culturase comprende mejor no como complejos de esquemas concretos de conducta -costumbres, usanzas, tradiciones, conjuntos de hábitos- como ha ocurrido en generalhasta ahora, sino como una serie de mecanismos de control -planes, recetas, fórmulas,reglas, instrucciones (lo que los ingenieros de computación llaman “programas”- quegobiernan la conducta”)35 . En otras palabras la cultura es la red o trama de sentidoscon que le damos significados a los fenómenos o eventos de la vida cotidiana. Lo importante es comprender a la cultura como producción de sentidos, de manera quetambién podemos entender a la cultura como el sentido que tienen los fenómenos yeventos de la vida cotidiana para un grupo humano determinado. Sí queremos conocerla cultura de los jóvenes universitarios, por ejemplo, en realidad nos estamos preguntando qué sentido tiene la vida universitaria para estos jóvenes. Sí nos preocupala “cultura escolar”, nos estaríamos preguntando qué sentido tiene la vida escolar paraquienes la viven36. El siguiente problema que enfrentamos es cómo averiguar el”sentido de la vida” en la práctica vivida por sus actores. Siguiendo esta vena srcinada en Weber y continuada en Geertz, el sentido lo entendemos como un entramado de significados vividos y actuados dentro de unacomunidad determinada. Al entender el 31 32

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Ma. Buxó i Rey, citado, 1984, Pág. 33. Mi énfasis. Ma. Buxó i Rey, “Vitrinas, cristales y espejos: Dos modelos de identidad en la cultura urbana de las mujeres Quiche de Quetzaltenango”, en José Alcina Franch (compilador), INDIANISMO E INDIGENISMO EN AMERICA. Alianza (500 años) 1990, Pág. 134. Mi énfasis. Ma. Buxó i Rey, 1990, Pág. 139. Mi énfasis. Geertz, citado, Pág. 20. Mi énfasis. Hay que agregar que algunos autores traducen “tramas de sentidos”, en vez de “tramas de significación”, lo que es muy importante porque permite dar un mayor acento hermenéutico o fenomenológico a la definición. Geertz, citado, Pág. 51, Mi énfasis. Que en otra parte hemos denominado las tres culturas: de los padres y apoderados, docentes y paradocentes y del alumnado: Tomás Austin M., FUNDAMENTOS SOCIOCULTURALES DE LA EDUCACIÓN, Editorial Pillán, 1999b Temuco.

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sentido como un conjunto de significados (como conjunto semiótico), es posible seguir el hilo geertziano y comprender que la cultura universitaria de nuestro ejemplo, al ser examinado como sentido se refiere a un conjunto de significados que cobran vida como tales en sus vivencias y relaciones con las demás personas y con su ambiente (la pragmática semiótica). Al mismo tiempo este conjunto de significados involucra un orden o jerarquía de significados (la sintaxis semiótica): el Rector esta a la cabeza, luego los Vicerrectores, los Directores de Carreras, profesores, etc. Este orden de significados, no siempre es el que aparece explícitamente, por ejemplo, en nuestro esquema universitario. Las secretarias de carreras pueden estar más arriba que muchos jefes en los significados mentales, porque son más importantes para el estudiante que muchos Vicerrectores que nunca se ven. Este orden de los significados es el orden que cada pueblo o grupo humano le da a sus significantes. Finalmente y del mismo modo, cada grupo humano un significado para cada cosaconnotaciones del hacer y delque quehacer (la semántica de manera quetienen esos significados tienen solo las ese grupo humanosemiótica), particular les da, pudiendo ser parecidos a los de otro grupo, pero nunca todos los significados iguales en su completa totalidad. De manera que finalmente la cultura de cada grupo humano es como su huella digital cultural, tal como dijimos en otra parte más extensamente, no existen dos grupos humanos con la misma cultura37. Comoestos conjuntos de significados no se dan en el vacío ni espontáneamente, al mismotiempo, surge la importancia del contexto de la cultura, como un elemento muyimportante en el estudio de una cultura en particular. 2.4 Cultura y Contexto cultural CON, +TEXTO. (CON: Junto a. TEXTO: Viene de la palabra latina texere luego text, que significa paño y/o entramado, trama, tejido.) De esta forma la palabra contexto serefiere al entramado o tejido de significados provenientes del medioambiente o entorno,que impresionan el intelecto o campo de conocimientos (¿sistema cognitivo?) de ungrupo humano, como parte integrante de su cultura y su visión de mundo ocosmovisión38. En otras palabras el contexto cultural es todo aquello que forma partedel medioambiente o entorno y resulta significativo en la formación y desarrollo de la cultura de un grupo humano específico. Por lo que: “Contexto es el entorno ambiental, social y humano que condiciona el hecho de la comunicación”39 “El contexto no es un molde estático de representaciones culturales sino que es una”arena” activa en la cual el individuo construye su comprensión del mundo y que estáconformada tanto por los contenidos culturales tradicionales, como por las necesidadesy expectativas individuales y colectivas que surgen del contacto con la sociedadamplia.”40 En otras palabras, el contexto en que viven y nos desenvolvemos los sereshumanos nos proporciona conjuntos de significados que usamos constante ycotidianamente, pero asociándolos de la forma en que 37

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Ver Tomás Austin, citado, 1999b. Allí también se agregaron seis tipos de significados que pueden ser usados para interpretar una cultura, desde lo más objetivo a los más subjetivos: cultura material, normativa, de costumbres, lenguaje verbal, sistemas simbólicos y valores. Como se explicó, en todo fenómeno cultural estos elementos universales se encuentran entremezclados y con distintas intensidades, dependiendo de la ocasión y la situación. Entorno El entorno es todo aquello que envuelve a un individuo o a un grupo humano, por el solo hecho de estar allí, pero sin examinar el grado de significado que sus componentes o elementos tengan para esos individuos o grupos humanos. El entorno es simplemente lo que rodea, --esta allí, pero no dice nada-- mientras que el contexto es el entorno más la significación cognitiva para el grupo social, por ello es que la palabra contexto es usada para referirse al medioambiente pero con un sentido comunicacional. El entorno carece de “alma” o “espíritu” cultural en forma de elementos y sistemas simbólicos compartidos, mientras que el contexto incorpora todo lo simbólico o que “representa algo para alguien bajo cualquier circunstancia”, y ese alguien es capaz de interpretarlo y exteriorizar sus significados a través de su cultura de una manera completamente desapercibida para él o para ellos. Se suele usar la palabra medioambiente, cuando se hace referencia solo a los elementos naturales, interrelacionados, del medio, incluyendo fauna, flora y geografía; cuando se incluye al grupo humano que lo habita es preferible hablar ya de contexto, porque incluye la cultura y la comunicación humanas. J. L. Fuentes, GRAMATICA MODERNA DE LA LENGUA ESPAÑOLA, 1991, pág. 49. Ministerio de Educación Programa MECE Rural, 1992, DESARROLLO CURRICULAR, ESCUELAS UNI, BI Y TRI-DOCENTES. Santiago p. 22.

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nos permita comunicarnos mejor,de esa manera y como compartimos los mismos contextos significantes podemos entender lo que nos dicen los demás; contrariamente, cuando intentamos comunicarnos o interactuar con personas con quienes no compartimos los mismos contextos significantes, se crean malentendidos, confusiones y hasta conflictos. También puede decirse que cuanto más lejano o desconocido se hace el contexto del “otro” con quien me comunico, más aumentan las posibilidades de no entender exactamente lo que se comunican mutuamente. La Identidad Cultural es la cultura “contextuada” La extrema variabilidad del fenómeno cultural, es uno de los aspectos que más confunden a los estudiantes y estudiosos de la cultura. Los párrafos anteriores justifican que no se pueda decir que un grupo humano es “idéntico” a otro, por similar, próximo o parecido que sea. En realidad, la cultura de un grupo humano es como su huella dactilar: no hay dos grupos humanos que tengan la misma cultura41. Para Kottak, la identidad cultural son “todos aquellos rasgos culturales que hacen que las personas pertenecientes a un grupo humano y a un nivel cultural (...) se sientan iguales culturalmente”. Las diferencias entre formas culturales se explican a partir de lo que hemos llamado el Contexto Cultural. Sí la cultura es la red de significados (la malla de sentido de MaxWeber y repetida por Geertz), este entramado humano de sentidos tiene existencia en el medio de una geografía, un clima, su historia y el conjunto de procesos productivos en que se da la existencia de esa cultura. La geografía y el clima establecen el aquí –el”lugar”42- dándole ciertas características propias al grupo humano, el que debeadaptarse y acomodarse a los accidentes de la geografía: desierto, zona montañosa, devalles, pampas, etc., y a las características particulares del clima: húmedo, lluvioso,seco, frío, cálido, etc. pasando éstos a convertirse en importantísimos proveedores designificados para el diario vivir, aportando elementos para crear los sentidos del diariovivir, es decir, a la cultura del lugar. Parece apropiado llamarlo el sustrato geográfico delo humano. El otro elemento es la historia, la que proporciona el marco temporal de la vidacotidiana, ligando los hechos pasados y sus significados, a las cosas y fenómenos del presente, dándole un nuevo sentido cargado de significados y valores, oproyectándonos al futuro imaginario. Muchísimas cosas de nuestro quehacer cotidianotienen un significado histórico, desde el idioma que hablamos, que no existía en estatierra hace cinco siglos atrás, pasando por los nombres de la gente, de los lugares, etc., o bien, cobran importancia (es decir, adquieren más significado) cuando se redescubresu pasado histórico. Por su parte, los procesos productivos proporcionan los substratos restantes. Representan las transformaciones que la gente hace para vivir y desarrollarse: encualquiera de las actividades primarias (extraer de la naturaleza para uso directo omaterias primas), secundaria (la actividad fabril de transformación de la materia primaen bienes de uso y de consumo) o terciaria (los servicios de unos para otros). Estasactividades que llamamos procesos productivos son parte del contexto cultural, porqueestablecen también su parte de los significados de los ambientes en que se producenlas relaciones entre los hombres –formando sociedades- con sus divisiones, uniones, estratificaciones, objetivas y subjetivas, proveyendo también su parte de significacióndel diario vivir. Los elementos del contexto cultural entregan cada uno su aporte connotativo alsignificado común de las cosas en la vida cotidiana, estableciendo lo que se valora ycon ello las normas de convivencia, es 41

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De manera que la condición natural de la cultura es que ésta varía --se diferencia, cambia en poco o en mucho-- en lo que se refiere sus contenidos entre grupos humanos; por esta razón, no es posible encontrar dos comunas que sean idénticas, dos poblaciones de una ciudad, o dos regiones en el país que no muestres diferencias en los elementos que componen su cultura. Es decir, costumbres, valores, normas, lenguajes y simbolismos van a cambiar de grupo en grupo humano haciendo que cada uno de ellos exprese su propia identidad cultural. Hago notar que en nuestra cultura regional la palabra “lugar” tiene mucho más significado que su equivalente “espacio geográfico”, porque implica espacio habitado, humanizado y culturalizado.

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decir, lo que se debe y no debe hacer, de manera que cada lugar tiene una identidad cultural que no es similar a ninguna otra, aunque pueda haber similitud entre ellas. A esto se refiere Cardoso de Oliveira cuando dice que “la identidad pasa a desempeñar el papel de una brújula que posiciona al grupo y sus miembros en mapas cognitivos (u horizontes) colectivamente construidos”43 De manera que al tener en cuenta los elementos nombrados: geografía y clima, historiay procesos productivos, se explica que el concepto de identidad cultural sea a menudodefinido o descrito a partir de la existencia de elementos que nacen de ellos, tales comoterritorio común, una lengua, un conjunto de tradiciones o costumbres y sistema de valores y normas comunes al grupo étnico o cultural en estudio.44 En suma, la cultura es un entramado de significados compartidos, significados queobtienen su connotación del contexto (geografía, clima historia y proceso productivos), pero que habita en la mente de los individuos dándoles una identidad culturalespecífica; justificándose el argumento teórico que nos dice que la cultura está tanto enla mente de los individuos como en el ambiente en que ellos viven. Finalmente, los contextos son muy variados. Puede ser el contexto de un lugar detrabajo, de una familia, de un barrio o lugar poblacional, de una localidad, de una regióno nacional, algunos de estos contextos culturales son más amplios que los otros y loscontienen a los demás recursivamente, como las capas de una cebolla45.

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Roberto Cardoso de Oliveira,“La politización de la identidad y el movimiento indígena”, en José Alcina Franch (compilador), INDIANISMO E INDIGENISMO ENAMERICA. Alianza (500 años) 1990, pág. 146. Desde esta perspectiva, el concepto de identidad cultural es claramente positivista, puesto que se trata de un concepto de un fenómeno observado por los sentidos, un aspecto epistemológico que cobra relevancia al momento de evaluar las teorías y conceptos envueltos en el estudio de la interculturalidad. Esta reflexión lleva a pensar que la profusión de términos y conceptos involucrados en la teoría de la interculturalidad necesita de un estudio epistemológico que clarifique los conceptos según las perspectivas de filosofía de la ciencia que los guía. Tomás Austin, citado, 1999b

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GLOSARIO DE TÉRMINOS

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Época absrcen: Se denomina así al periodo de la Historia Ecuatoriana, que se desarrolla desde la llegada del ser humano en el 12000 a. C. Hasta la conquista española en el siglo XVI d. C. Y estudia todas las culturas desarrolladas en el territorio actual del Ecuador, dentro de los períodos: precerámico, formativo, desarrollo regional e integración. http://www.eruditos.net/mediawiki/index.php?title=%C3%89poca_Absrcen_del_ Ecuador


Periodos Aborígenes Ecuatorianos: Precerámico: El Precerámico (o Paleoindio) y el Formativo son fases que equivalen al Paleolítico y Neolítico del viejo mundo, tal vez se preguntarán ¿Porqué no utilizar la misma denominación del viejo mundo?, la razón muy fácil, en Europa, Asia y África el Paleolítico fue una fase (sumamente larga) en la que existió una evolución física del ser humano (desde el Australopitecos hasta el Homo Sapiens u hombre moderno), como en el nuevo mundo no hubo una evolución de este tipo para evitar confusiones no se denomina a esta fase Paleolítico sino Precerámico o Paleoindio. Sin embargo a final de cuentas, la última fase del Paleolítico del viejo mundo (llamada Paleolítico Superior) es similar en prácticamente todo al Precerámico (Ecuador). http://ecuadorprehispanico.blogspot.com/2011/05/Ecuador-antiguo_15.html

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Formativo:

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En este contexto Formativo equivale a Neolítico, el Formativo ocurre entre el 3,600 a.C. y el 500 a.C., en esta fase se pueden apreciar tres partes: Temprano, Intermedio y Tardío. Las culturas más importantes de este periodo son: Valdivia, Mayo-Chinchipe, Machalilla, Chorrera y Upano.

C U L O S

Durante el Formativo Temprano (3,600 a.C.-2,600 a.C.) el invento más importante es la cerámica, la cual parte de algo simple y rudimentario hasta algo complejo, la cerámica más antigua de América está en la Cultura Valdivia (3,600 a.C.) y es mucho más antigua que la cerámica de Colombia (3,200 a.C.), México (2,600 a.C.) y Perú (1,800 a.C.). Del Formativo Temprano los únicos vestigios conocidos hasta la fecha (en el Ecuador) son los de la cultura Valdivia. http://ecuadorprehispanico.blogspot.com/2011/05/Ecuador-antiguo-parte-iii.html Desarrollo Regional: El Periodo de tiempo que abarca el de “Desarrollo Regional” es muy discutido, dependiendo del autor las fechas cambian por varios siglos. Esta falta de consenso sobre este periodo corresponde a dos puntos de vista diferenciados: el Costeño y el Serrano. Para el Costeño este periodo comprende el 300 a.C. - 800 d.C., mientras que el para el Serrano va desde el 500 a.C. al 500 d.C. La principal razón para estos dos puntos de vista corresponden a dos realidades diferentes, el Ecuador Antiguo no fue homogéneo, las culturas de la Sierra eran menos desarrolladas que las de la Costa. Básicamente ese es el problema, durante esta época tanto en la costa como en la sierra surgen señoríos, sin embargo los de la costa son bastante más desarrollados y complejos que los de la Sierra.

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Entre las Culturas más destacadas durante este periodo podemos mencionar a: La Tolita, Guangala, Bahía, Jama-Coaque, Cerro Narrío (Chaullabamba) y Tuncahuán, entre las más destacadas. http:// ecuadorprehispanico.blogspot.com/2011/07/periodo-de-desarrollo-regional.html Integración: El periodo de integración es una fase caracterizada por la formación de grandes señoríos y confederaciones, y en algunos casos Ciudades y Estados. Este periodo abarca desde el 500 d.C. hasta el 1532 d.C. Lo destacable de las sociedades de esta era es que existen rutas comerciales a gran distancia, tanto por tierra como por mar, también es destacable el uso de la moneda (hachas pequeñas) en las sociedades manteñas-huancavilcas. En el Ecuador se desarrollarán muchas culturas entre las más destacadas, la cultura Manteña-Huancavilca, la Cañari, la Caranqui-Cayambe (Caranquis-Cayambis/Yumbos) y la Inca, esta última srcinaria del Perú empezó la conquista de nuestro territorio a finales del siglo XV y terminó a comienzos del siglo XVI. http://ecuadorprehispanico.blogspot.com/2011/08/periodo-de-integracion.html

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Culturas Ecuatorianas: El Inga: Este sitio debe su nombre de a una hacienda y a un río ubicados en el flanco noreste del volcán Ilaló, al sureste de Quito, donde se descubrieron abundantes vestigios de talla de obsidiana y basalto que fueron la razón de intensas investigaciones arqueológicas. Este lugar fue habitado aproximadamente por el año 10.000 a.C. http://www.enciclopediadelecuador.com/temasOpt.php?Ind=766&Let Chobsi: Pertenece a la parroquia Sigsig en la provincia del Azuay. Se encuentra ubicada a 62 Km. de la ciudad de cuenca y a 7 Km. de Sigsig. El sitio arqueológico se halla ubicado en las estribaciones del cerro Huallil. Sobre una amplia meseta que cae bruscamente sobre el rio Santa Bárbara, esta integrado por diferentes espacios y elementos arquitectónicos en una amplia superficie aproximada a 50 hectáreas. http:// misdeberes.es/tarea/176462 Cubilan: Constituyen un importante escenario, donde hace milenios el ser humano desplegó actos trascendentales para su convivir histórico. El sordo ruido del bramido volcánico y los torbellinos de fuego de la intensa actividad volcánica de esa época, eso llamo la atención de los seres humanos. Que como huéspedes deambulaban por entre la enmarañada selva amazónica, quienes pretendieron matar la oscuridad, presuntos se lanzaron hasta cerca del lugar donde se daban estos acontecimientos y llegaron a las estribaciones de los colosos donde recibieron manifestaciones nada halagadoras. http://www.diariocentinela.com.ec/cubilan-patrimonio-arqueologico/ Las Vegas: La cultura “Las Vegas” fue la primera cultura que se asentó en los actuales territorios del Ecuador en el holoceno y pleistoceno tardío en la costa entre 8000 AC y 4600 AC. Existen 31 asentamientos de esta cultura en la península de Santa Elena, provincia homónima.1 El pueblo de Las Vegas se dedicó a la caza

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y recolección, y además desarrolló técnicas primitivas de agricultura. Aparentemente utilizaron huesos y espátulas para a fin de producir redes y textiles junto a varias herramientas y envases hechos de conchas. Adicionalmente, se especula que usaron madera, corteza de árbol, bambú, y caña como herramientas de su agricultura. La cultura Las Vegas representa una adaptación pre-Valdivia, y ofrece observar un antecedente cultural del Período Formativo en el sureste ecuatoriano. La cultura Las Vegas habitó la costa ecuatoriana hace 10,000 años (8,000 a.C.) ellos se caracterizaron por ser grupos nómadas que basaban su economía en la caza, pesca y la recolección. http://es.wikipedia.org/wiki/Cultura_Las_Vegas

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Valdivia: Desde su descubrimiento en 1956 por Víctor Emilio Estrada esta cultura ha creado más dudas que respuestas sobre el pasado del mundo precolombino. Su gran reconocimiento mundial se basa en su bella y antigua cerámica, destacando sus “Venus de Valdivia” y el hecho de que la antigüedad de esta cerámica sea muy anterior que la de Colombia (3,200 a.C.), México (2,600 a.C.) y Perú (1,800 a.C.). http://ecuadorprehispanico.blogspot.com/2011/01/la-cultura-valdivia.html Machalilla: Se ubica en el tiempo entre el 1800 a. C. y 1200 a. C. Los objetos de cerámica mejoraron notablemente y se caracterizaron por la presencia de asa o agarradera en forma de estribo. Las figuras humanas son planas y tienen ojos en forma de granos de café. Entre las innovaciones de esta cultura se cuenta la confección de recipientes esféricos o semiesféricos de paredes sumamente delgadas, que a través de un proceso evolutivo largo se convirtieron en las “compoteras”, tan generalizadas en el territorio ecuatoriano. La mayor aportación fue, la introducción del asa de estribo con doble vertedero. Las figurillas antropomorfas son planas y anchas, con orejeras múltiples. Esta tradición continuó profusamente en otras culturas de la costa. Elaboraron adornos para la cara y adoptaron la costumbre de deformarse el cráneo. http://www.salango.com.ec/museo-arqueologico-salango-cultura-machalilla.php Chorrera: La cultura Chorrera ocupó la costa sur del Ecuador, extendiéndose a lo largo de la cuenca del río Guayas. Esto les sirvieron de lugar de aprovisionamiento y vía de circulación. El territorio comprende las actuales provincias de Guayas, Manabí y Esmeraldas. Se extiende aproximadamente entre los años 1.200 y 500 a.C., la cultura Chorrera tuvo su núcleo srcinal geográfico en la actual provincia de Los Ríos, en el sitio La Chorrera, ubicado en la ribera oriental del río Babahoyo. http://www.guayageek.com/2011/03/cultura-chorrera-1200-ac-500-ac.html

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Cerro Narrío: Desarrollado desde 2000 a 600 a. C., conocida también como Chaullabamba, floreció en las hoyas meridionales de las actuales provincias de Cañar y Azuay. Sus poblados ocupaban generalmente las colinas o las altas terrazas fluviales desde donde dominaban importantes rutas de comunicación que recorrían los extensos valles agrícolas andinos. Su subsistencia se basaba en la agricultura y ganadería de camélidos. Un alto complemento alimenticio se obtenía de la caza de venados y otros animales menores, de cuyas osamentas elaboran exquisitos adornos y artefactos. El sitio Cerro-Narrío, es considerado como un importante centro comercial en las conexiones CostaSierra – Amazonia, por sus contactos con Valdivia terminal, Machalilla, Chorrera y con tradición Upano de las faldas del Sanagy, desde donde obtenían productos propios de los pisos ecológicos de clima caliente. http://ecuatur.wordpress.com/2008/08/15/cultura-cerro-narrio/ Cueva de los Tayos: Ubicada en la provincia de Morona Santiago, en el cantón Limón Indanza, en una zona montañosa irregular denominada Cordillera del Cóndor. El arqueólogo sacerdote Pedro Porras, encontró lo que aparenta un enterramiento de algún cacique absrcen con sus correspondientes ornamentos fúnebres (como vasijas) hoy atesorados por el Museo Weilbauer. En la época del neolítico (Edad de piedra reciente) la cueva vuelve a ser habitada a partir de los 3000 años A.C. por una civilización Pre-Shuar, esta ya usaba artefactos de cerámica lo que comprueba la Universidad de Munchen en una prueba de Carbono 14. Aproximadamente alrededor de 1500 A.C. empiezan los primeros Shuar a situarse en la zona y se mezclan con los aborígenes de la Cueva. Se tiene registro que hasta 500 D.C. la cueva es habitada. Desde ahí hasta 1900 se practican cazas de los Tayos una vez al Año. Los Shuar ven la cueva con mucho respeto y creen que ahí descansan los espíritus de sus ancestros. http://es.wikipedia.org/wiki/Cueva_de_los_Tayos Alausí: Fase comprendida entre los años 1.500 a 1.000 a. C. Se situó al sur de la actual provincia de Chimborazo y mantuvo estrechas relaciones con las fases Chaullabamba, Chorrera y Cerro Narrio. http://www.enciclopediadelecuador.com/temasOpt.php?Ind=38&Let Cotocollao: Esta fase cultural indígena habitó -entre los años 1.500 y 500 a.C.- en los declives nororientales del volcán Pichincha, a 2.250 m sobre el nivel del mar. Fue descubierta en el año 1974 por el profesor Oscar Efrén Reyes y sus alumnos de Arqueología, y sus estudios, a cargo del Museo del Banco Central del Ecuador, se iniciaron en 1976. Sus hombres basaron su alimentación principalmente en la agricultura, aprovechando para el caso los fértiles valles de la serranía.

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Desarrollaron variadas técnicas para trabajar la cerámica, en cuyos rasgos decorativos demostraron una gran variedad y sensibilidad artística, nada inferior a la de la Fase Valdivia de la costa ecuatoriana. Desafortunadamente sus muestras son escasas y muy raras. http://www.enciclopediadelecuador.com/temasOpt.php?Ind=621&Let Jambelí: La Sociedad Jambelí estuvo asentada desde la zona de Tumbes hasta el sur de la península de Santa Elena, en el estuario del río Guayas y en los alrededores de Guayaquil, es decir ocupó los territorios de las actuales provincias de El Oro, Guayas y Santa Elena. Su cronología aproximada es de 500 AC al 500 DC, formando parte del Período de Desarrollo Regional. http://www.eruditos.net/mediawiki/index.php?title=Cultura_Jambel%C3%AD Guangala: La cultura Guangala se asentó en lo que hoy se conoce como las provincias de Manabí, Guayas y Santa Elena. Se ubicaron cerca de las riveras de los ríos para tener más acceso al agua y de por ende a la pesca que fue uno de los medios de subsistencia importantes de la época. Los Guangala también ejercieron la caza y la agricultura siendo así el maíz el producto de mayor consumo de la población. No se ha podido determinar sí la sociedad Guangala era igualitaria o con diferencias sociales desde sus inicios pero se sabe que posteriormente surgieron sectores de élite y autoridades que dirigían los aspectos fundamentales de la economía local. Esta cultura realizó intercambios con el exterior de metales, piedras exóticas e inclusive la tan conocida obsidiana. Los asentamientos de esta cultura fueron creciendo paulatinamente, generándose así centros semiurbanos; se cree que las casas posiblemente fueron construidas con muros de cañas y techo de paja. http://www.guayageek.com/2011/03/cultura-guangala-500-ac-500-dc.html Bahía: Su ubicación geográfica comprendía la costa de Ecuador entre Bahía de Caraquez y la Isla del Plata, esta cultura ocupó esos amplios territorios de clima trópico-lluvioso que se extendían desde las Codilleras de los Andes, hasta el Océano Pacífico. Comparten con otras culturas como Guangala, Jama – Coaque y La Tolita aspectos tecnológicos y decorativos en la cerámica tales como. Según estudios realizados en los restos humanos se determina que sus hombres fueron muy cuidadosos en su arreglo personal y llevaban hasta cuatro pares de aretes en cada oreja además de collares de cuentas, brazaletes, ajorcas en los tobillos y arriba de las rodillas, etc. http://www.enciclopediadelecuador.com/temasOpt.php?Ind=188&Let La Tolita: En La Tolita (Pampa de Oro) se encontraron los restos arqueológicos de la cultura La Tolita, que habitó estas zonas entre los años 500 a.C. y 500 d.C. Gracias a los hallazgos de esta cultura se ha podido determinar su profundo conocimiento en el trabajo con cerámica y metales como el oro y el platino. En el Ecuador, la palabra “tola” significa una pequeña elevación creada por el hombre y utilizada para entierros. A lo largo de todo el país se han hallado varias tolas, y al momento de excavarlas para su estudio, se han encontrado ajuares ceremoniales, que comúnmente consisten en piezas de cerámica

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y joyería, y en algunos objetos que “acompañarían” al difunto en su otra vida. http://es.wikipedia.org/ wiki/Cultura_Tumaco-La_Tolita

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El elemento de joyería más conocido de esta cultura, es el utilizado por el Banco Central del Ecuador como su escudo, que corresponde a una figura que representa un “Sol” elaborada en oro.

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Tuncahuán:


Se llama así porque fue descubierta en el sitio Tuncahuán, provincia de Chimborazo. Se supone que esta cultura se extendió en gran parte de la Región Interandina. Los objetos que corresponden a esta cultura son: compoteras, botijas, caracoles marinos, finos, bordados, adornos con borlas y mullos. Los hombres que pertenecieron a esta cultura fueron agricultores, cazadores, tejedores y ceramistas. http://www.efemerides.ec/1/dic/i_6.htm

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Piartal: La cultura Piartal-Tuza ocupó el Valle del Chota y gran parte de la provincia del Carchi en El Ecuador, hasta el altiplano de Ipiales y partes de los valles del Guáitara y de Pasto en Colombia. La sociedad Piartal estaba organizada en pequeños poblados, muy distantes unos de otros y en jerarquías. Esta organización se deduce por la forma en que estaban colocadas las tumbas: en el centro del poblado yacían restos de los caciques acompañados de objetos de cerámica, de metal, caracoles de mar, textiles de pelo de llama y de algodón; objetos tallados en madera de chonta como bancos, lanzadardos e implementos de tela”. http://www.piartal.gob.ec/index.php?option=com_content&view=article&id=61&Itemid=185 Fase Consaga: Esta fase cultural indígena se ubicó entre los años 400 a.C. y 948 d.C. Ocupó las regiones comprendidas entre los ríos Quijos y Cosanga, al oeste de la provincia de Napo, especialmente junto a los actuales sitios de Papallacta, Cuyuja, Baeza, Cosanga, Borja, El Chaco, Huila y Chalpi. Vivían en poblados de hasta quince o veinte casas alrededor de una plaza, y llevaron una vida religiosa y ceremonial muy intensa. http://www.enciclopediadelecuador.com/temasOpt.php?Ind=616&Let Cacicazgos o Curacazgos: Conocidos también como señoríos étnicos. Son sociedades formadas por aldeas o linajes jerarquizados con base en el prestigio de una autoridad central. El poder de la autoridad central se extendiera alas esferas religiosas y políticas. En estas sociedades existe una división del trabajo marcada y se establecen especialistas como: artesanos, sacerdotes, agricultores, etc. Tienen acceso a un territorio pequeño y pertenecen a una sola etnia. BENITEZ, Lilyan, GARCES, Alicia. Culturas Ecuatorianas de Ayer y Hoy. Ediciones ABY-YALA. Séptima edición. 1986. Pág. 20.

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ANEXOS

Llactajuna o Llactacuna: Organización socio poblacional con que se conocían a los pueblos aborígenes, los “Llactus” eran indígenas srcinarios de las zonas donde se establecía la reducción. BENITEZ, Lilyan, GARCES, Alicia. Culturas Ecuatorianas de Ayer y Hoy. Ediciones ABY-YALA. Séptima edición. 1986. Pág. 65. Aillu o Ayllu: Es una forma de comunidad familiar extensa srcinaria de la región andina con una descendencia común –real o supuesta– que trabaja en forma colectiva El curaca era el jefe del aillu y quien se encargaba de distribuir las tierras, organizar los trabajos colectivos y actuar como juez de la comunidad. El cargo de curaca o jefe no se heredaba, sino que era seleccionado a través de un ritual especial; en algunas ocasiones eran nombrados directamente desde el Cuzco.http:// es.wikipedia.org/wiki/Aillu

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Quillacingas y los Pastos: Los pastos, son un pueblo absrcen que los españoles encontraron habitando junto con los Quillacingas, en la franja andina de lo que actualmente es el departamento de Nariño, al sur de Colombia, y la provincia del Carchi, al norte de Ecuador. http://es.wikipedia.org/wiki/Pastos Los pastos tenían especialistas en el comercio denominados “mindalaes” quienes les pagaban a los caciques su tributo, mediante una cuota especial, proveyéndoles de los productos de otros lugares.

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Caranqui, Cochasqui, Otavalo y Cayambe: Señorío étnico que se ubicaban al sureste del lago Yahuarcocha, Los Cayambes habitaban el sector de Guayllabamba al Sur, y limitaba al norte con el señorío Caranquis, dentro de su jurisdicción se encontraba Otavalo y Cochasqui, así como Guayllabamba, Tabacundo, Perucho y Perugachi. Tanto los Caranquis como los Cayambes, son conocidos porque formaron una confederación para enfrentar la invasión inca. Recuerdo de esta resistencia son las construcciones defensivas que se encuentran hasta la actualidad en la región e Cayambe, al norte de Pichincha. BENITEZ, Lilyan, GARCES, Alicia. Culturas Ecuatorianas de Ayer y Hoy. Ediciones ABY-YALA. Séptima edición. 1986. Pág. 98-99. Panzaleo: Según estudios, se sugiere que el cacicazgo Panzaleo estría ubicado dentro del triángulo formado por: Machachi, Alausí y Aloag. BENITEZ, Lilyan, GARCES, Alicia. Culturas Ecuatorianas de Ayer y Hoy. Ediciones ABY-YALA. Séptima edición. 1986. Pág. 102.

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ANEXOS

Puruhá: Los puruhaes habitaron en la hoya de Riobamba, en la actual provincia de Chimborazo. Los mandatarios puruhaes, al igual que los de la región de Quito, situaron los centros políticos, donde se concentraban la mayor parte de la población, en los valles de menor altitud adecuados para la producción del maíz y de tubérculos. BENITEZ, Lilyan, GARCES, Alicia. Culturas Ecuatorianas de Ayer y Hoy. Ediciones ABY-YALA. Séptima edición. 1986. Pág. 103. Yumbos: La región de los yumbos abarcaba el territorio que se extendía al oeste de Quito desde las estribaciones de la cordillera occidental hasta el Pacífico. Se supone que hubo dos asentamientos yumbos en torno a dos sistemas fluviales: uno septentrional en torno al curso del Río Guayllabamba después de que abandona la región interandina; y otro, al sur de la cuenca del río Blanco. Los principales pueblos yumbos eran Gualea y Cansacoto, los mismos que existieron hasta el siglo XVII. BENITEZ, Lilyan, GARCES, Alicia. Culturas Ecuatorianas de Ayer y Hoy. Ediciones ABY-YALA. Séptima edición. 1986. Pág. 102. Cañari: Los Cañaris (en kichwa: Kañari) eran los antiguos pobladores del territorio de las provincias de Azuay y de Cañar en el territorio del Ecuador, aunque también se han encontrado pruebas de la presencia de esta etnia en otras provincias como Chimborazo, El Oro, Loja y Morona Santiago. Los Caciques practicaban la eran poligamia el poder primery hijo varónpor sucedía padre en el gobierno del cacicazgo. Todos los jefes no igualesy en riquezas; lo cualalentre todos ellos se aliaban, protegiéndose los unos contra la opresión de los otros. Por la presencia de la cerámica se puede afirmar que durante el período de Desarrollo Regional (500 a. C.500) las migraciones o intercambios étnicos continúan, antecedentes de Tacalshapacañari, mientras en el norte del Ecuador florecía la cultura Tuncahuán. En el último período de la Prehistoria ecuatoriana, el de Integración (500-1534) con sus dos fases conocidas como Cashaloma y Tacalshapa, los movimientos migratorios entre norte y sur se reducen y los Cañaris ingresan en una intensa actividad comercial especialmente con la costa, aunque también sus diferentes pueblos se enfrascan en continúas guerras por la búsqueda de un poder hegemónico. http://es.wikipedia.org/wiki/Ca%C3%B1ari Paltas: Son un grupo que se ubicó en lo que ahora conocemos como provincia de Loja, estaba conformado por diversas etnias, conocidas como Paltas, a cuya integración se reúnen los Chaparra al norte, Garrochabambas al oeste, al sur y centro los Calvas; a orillas del Catamayo los Malacates y una ocupación de Pacamoros. BENITEZ, Lilyan, GARCES, Alicia. Culturas Ecuatorianas de Ayer y Hoy. Ediciones ABY-YALA. Séptima edición. 1986. Pág. 105.

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ANEXOS

Atacames: La Cultura Atacames es la expresión más septentrional del Período de Integración en Ecuador. Se ubica en la provincia de Esmeraldas, y ha sido definida fundamentalmente por las excavaciones arqueológicas de los sitios de Atacames, Balao y Tonsupa, todos en la línea de costa. El asentamiento, tal y como fue visto por los españoles en 1527, era un gran poblado con 1000 ó 1500 casas, calles, plazas. Como manifestación expresa, aunque seguramente sobrevalorada, de esta copiosa población, les “salieron a recibir más de diez mil indios de guerra”. http://www.eruditos.net/mediawiki/index.php?title=Cultura_Atacames

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Manteño: Las crónicas de las conquistas españolas describen a la cultura manteña como una tribu principalmente de pescadores, con viviendas pequeñas hechas de madera. También destacaban por su construcción de balsas y su artesanía en oro y plata. Su religión se basaba en un culto a la serpiente, el jaguar o puma, y a la diosa Umiña, que estaba representada por una gran esmeralda. En el Cerro de Hojas se encontraron además una serie de sillas o tronos de fines religiosos, alineados de tal forma para que los que se sentaran en ellos pudieran ver tanto el mar como el centro de su tribu en Manta. http://es.wikipedia.org/wiki/Cultura_mante%C3%B1a Huancavilcas: Los huancavilcas o guancavilcas indígenas de la época precolombina de la región litoral del Ecuador, se extendieron desde la Isla Puná cerca a Guayaquil, parte de la Provincia del Guayas y toda la actual provincia de Santa Elena. Algunos investigadores la llaman manteño-huancavilca pese que arqueológicamente, “los Guancavilcas son más antiguos que los Manteños, lo cual fue manifestado por Carlos Zevallos (1995: 252) y esto se puede comprobar cuando analizamos las evidencias culturales que existe en la provincia de Santa Elena, donde tenemos una secuencia que va de la cultura Guangala (500 A. C. – 500 D. C.) A la cultura Guancavilca (500 D. C. – 1530), lo que no sucede en la provincia de Manabí, cuando tenemos evidencia de la cultura Bahía (500 A. C – 500 D. C.), pero no tenemos prueba de una transición a la cultura llamada Manteña, lo que nos lleva a pensar que fueron los Guancavilcas quienes se dirigieron al norte actual provincia de Santa Elena”(Javier Véliz). La cultura llamada Guancavilca, es la única en Ecuador cuyo nombre obedece al grupo étnico que encontraron los españoles, según lo mencionan los cronistas de la época. http://es.wikipedia.org/wiki/Cultura_huancavilca En otra fuente, de la Enciclopedia del Ecuador, por Efrén Avilés Pino se sugiere otra teoría. La cultura Manteño-Huancavilca es la última cultura precolombina en la región litoral, y fueron ellos quienes -desde sus poblados costaneros- contemplaron las extrañas naves o carabelas españolas que por primera vez surcaron las aguas ecuatoriales del Mar del Sur. Aunque no ha sido posible establecer límites precisos o rígidos a los espacios territoriales ocupados por las diversas culturas del Ecuador absrcen, se ha podido establecer que la Cultura Manteño-Huancavilca habitó los territorios comprendidos desde un poco más al norte de Bahía de Caráquez, hasta la isla Puná; y tierra adentro, incluyendo la cordillera costanera.

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ANEXOS

La cronología determinada para esta cultura comprende un período de tiempo que se extiende desde el año 800 de nuestra era hasta el 1531, año en que Francisco Pizarro desembarcó en la desembocadura del río Santiago, en Esmeraldas, para iniciar la conquista. http://www.enciclopediadelecuador.com/temasOpt.php?Ind=1357&Let Punaes: Importante población indígena del siglo XV que habitó la isla Puná, en el golfo de Guayaquil. Durante el gobierno de su régulo Tumbalá o Tomalá la isla llegó a tener 20.000 habitantes aproximadamente, y en su época fue el más importante y poderoso centro fluvial y marítimo de la costa del Pacífico. http://www.enciclopediadelecuador.com/temasOpt.php?Ind=1859&Let Chonos: El reino de los Chonos o nación Chono abarcaba en el siglo XVI una gran extensión de la región litoral ecuatoriana que iba desde el rio Perdomo y las poblaciones de Yengue, Gata y Balao hacia el sur, hasta Chone, Canuto, Calceta, Quevedo al norte; pasando por Zapotal, Ventana, Catarama, Caracol, Telimbela, Balzapamba, Lavan, Garaycoa, Bucay, Jesús María y Naranjal al este; y Ayacucho, Alagua, Olmedo, Pedro Carbo y Soledad al oeste, englobando una buena parte de las actuales provincias del Oro, Guayas, Manabí y Bolívar y la totalidad de los ríos. Su influencia alcanzaba por el sur hasta la región de Parimas en la costa peruana, como lo indican recientes hallazgos arqueológicos. Los Chonos, fueron de srcen netamente amazónico, lo que está probado no solamente por numerosos documentos sino también por la lengua que hablaban, igual a la de los indios del Aparia. Los Chonos que significa perro en lengua Yunga, fueron mencionados así por los Incas, que en tiempos de Tupac Yupanqui y de su hijo Huayna Capac quisieron conquistarlos, pero no pudieron, pues la bravura chona unida a la espesura de las selvas tropicales, hizo imposible tal labor. http://www.ecuadorprofundo.com/tomos/tomo1/l6.htm Quijos: Max Uhle, Pedro Porras Garcés y Jacinto Jijón y Caamaño coinciden en establecer que los Quijos, luego de consolidar su presencia en Napo durante mil años, iniciaron un proceso de expansión hacia la sierra y la costa ecuatorianas, el mismo que tendría lugar a partir del año 600 de nuestra era. Esta cultura es destacable pues aquí se refugió Rumiñahui por un tiempo durante la colonia temprana, hasta que finalmente fue capturado y ejecutado. http://www.uchutican.com/quijos/expansion1.html Jíbaros: Los shuar (también conocidos como jíbaros, nombre asignado por los españoles durante la época de la conquista) son el pueblo amazónico más numeroso (aproximadamente de 80 000 individuos). Los Shuar habitan entre las selvas del Ecuador y Perú. Los conquistadores españoles les dieron el nombre de jíbaros.

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ANEXOS

http://es.wikipedia.org/wiki/Shuar Nombre que se da a varias agrupaciones tribales que habitan en la cuenca del alto Amazonas, al sureste del Ecuador y al norte del Perú. Se cree que llegaron al Ecuador siguiendo aguas arriba las corrientes de los ríos Zamora, Santiago, Pastaza, Aguarico y Napo. En la actualidad constituyen comunidades y pueblos indígenas que se encuentran diseminados en las provincias de Morona-Santiago y Zamora-Chinchipe, aunque existen también algunas jibarías en las orillas de los ríos Napo y Pastaza. Sus hombres son de elevada estatura, de fuerte contextura y de inteligencia muy despierta; su piel es de color ocre amarillento, sus cabellos largos y sus labios gruesos. http://www.enciclopediadelecuador.com/temasOpt.php?Ind=1122&Let

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EMM/mvlp/11-09-2014


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Guia Didáctica - Arte y Cultura

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