HISTORIA DEL TRAJE Y DE LOS TEXTILES 2
03.
Los años 30
03. Los años 30
El espíritu que marcará la década del ‘ 30 se inicia el 29 de Abril de 1929, cuando la Bolsa de Nueva York cierra sus puertas iniciándose el periodo económico conocido como la Gran Depresión de 1929-1930; que hizo tambalear a todo el mundo como analiza Eric Hobsbawm. Estados Unidos y Europa, especialmente Reino Unido se ven involucrados en una profunda crisis económica que cuestiona el modelo político y social. Esta situación también influirá en el arte y la moda. El cine y las revistas se proponer difundir un estilo de vida bastante irreal, que hiciera olvidar , que facilitara un escapismo a la la situación de emergencia económica que se vivía. … El ingreso de la mujer a la fuerza de trabajo obligó a recurrir a la vestimentas más prácticas . El sistema vestimentario que brindaba toques lúdicos y efímeros con su toque de trasgresión que caracterizó a los años 20 ya no tenían cabida en una sociedad que se enfrentaba una gran crisis mundial.
Grandes Hitos que marcan el ritmo del paradigma de estos años: 1932-3: Crisis económica mundial. Hitler se convierte en Canciller del Reich. Auge de los nacionalismos.
1936: Guerra civil española.Arte: Picasso pinta el Guernica 1939: Alemania invade Polonia: Estalla la segunda Guerra Mundial 1939: Pio XII, es elegido Papa
01. Morfología y sistemas vestimentarios: Una aproximación Esta década marca la importancia del corte, del diseño. Del detalle que da un toque distinto a vestimentas que deben realizarse bajo estrictas normas de racionalización. La silueta responde a una silueta estilizada y lánguida, el talle se posiciona nuevamente en la cintura. El talle, estrecho, se realzó, sobre todo en el caso de la moda cotidiana, con cinturones angostos de cuero o de la misma tela que el vestido. Los hombros en su lugar apenas destacados, el largo modular de las faldas, de escaso vuelo, es unos centímetros por debajo la rodilla, casi a la mitad de la pantorrilla.. Se impuso la combinación falda y blusa, muy practica para el uso en la oficina. Casi siempre se combinaba con una chaqueta larga entallada de solapa rígida y cinturón. Una prenda icono fue “el bolero” o chaquetilla que impuso Elsa Shiaparelli.
Prendas deportivas: La figura femenina continuó siendo delgada como en los años 20, pero adquirió otros contornos mas estilizados. El corte al bies, los drapeados y los recortes eran muy importantes para conseguir esta forma.
Se abandonan, casi por completo, los carísimos bordados de pedrería de la década anterior por los cambios en la economía mundial, y se usan telas laminadas (lamé) o con brillo, como el raso y el satín.
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Dentro de las telas mas utilizadas podemos nombrar: crespón de china y punto de seda, que poseía suave caídas, primeras telas elásticas o de látex abrieron nuevas posibilidades a la confección, pieles teñidas, telas estampadas con flores, o de colores oscuros. Paulatinamente, fueron apareciendo las sedas artificiales, como el rayón. En 1934, surgieron las primeras telas elastizadas o de látex. Su empleo se reflejara en el cambio importante generado en el las prendas de primera piel (ropa interior) y la búsqueda estética de los ideales cinematográficos propuestos de curvas marcadas que conducen a la utilización de sostenes que dan forma al busto y el volumen deseado.
Traje de Noche y gran gala En las espaldas de los vestidos se puede utilizar quillas o una pequeña cola, y los escotes pronunciados. El cabello corto se ondula y de repente vuelve a ser largo para recogerse en elaborados tocados. Los sombreros se convierten en modelos de fantasía, que brindan un toque personal y audaz al conjunto. Siempre deben dejar la cara despejada y acompañar la expresión del rostro.
Como evento social en 1936, el traje de novia de la Duquesa de Windsor consagró mundialmente al joven norteamericano Crédito fotografico: Revista Vogue/ España Link: http://www.vogue.es/galerias/bodas-reales-anteriores-kate-middleton-yguillermo-de-inglaterra/5761/image/464683
Mientras, en el taller de Lucien Lelong se formaban dos futuras estrellas del mundo de la moda: Christian Dior y Pierre Balmain.
02. Diseñadores. Diálogo entre el arte y la moda. SONIA DELAUNEY (1885 -1979)
Artista francesa de origen ruso que, junto a su marido Robert creó la pintura simultánea, cuyos elementos geométricos y colores luminosos transformó en una formas rectas en la ropa de los años veinte. Fusionó moda y poesía mediante letras impresas cosidas sobre tela en los años ’30.
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ELSA SCHIAPARELLI (1890 - 1973)
Elsa Schiaparelli (Roma, 1890-1973). Nació en un rígido contexto social y religioso en el que recibió una educación muy conservadora; pero a ella le pertenece la decisión de romper con aquel vanguardismo individualista de la época de entreguerras . La diseñadora dio sus primeros pasos con un práctico jersey negro con un gran lazo blanco tricotado con apariencia de mariposa. Los almacenes americanos Strauss, al ver aquellas elegantes prendas encargaron 40 unidades. Elsa nació en Roma en 1890 en el seno de una familia culta y bien situada. La carrera de la diseñadora comenzó al conocer a Poiret. Su primer encuentro ha pasado ya a la historia: Elsa asistió a un desfile del creador y, tras el pase fue sorprendida por Poiret probándose un abrigo de terciopelo negro y forro de seda azul. “¿Por qué no se lo compra?”, preguntó el maestro. Ella le respondió que no podía permitírselo y, además, que no tendría oportunidad de lucirlo. Poiret le dijo: “Una mujer como usted puede llevar cualquier cosa en cualquier ocasión. Y deje de preocuparse por el dinero”. Aquel fue el primer regalo que el generoso Poiret le hizo. Schiaparelli, en su primera tienda en la Rue de la Paix, escribió “Pour le Sport”. Quería vestir a la mujer moderna con prendas sueltas y funcionales combinables entre sí. La creadora compartía su dinero con una familia armenia que convertía sus diseños originales en ropa de punto perfectamente confeccionada. En 1933 diseñó su primer vestido largo en crespón de China blanco combinado con una chaqueta de frac. Un éxito clamoroso que fue copiado en todo el mundo. La prensa se deshacía en elogios sobre su originalidad y los artistas se dejaban cautivar por su magia y por su uso de los principios surrealistas: el zapato sombrero, los guantes con uñas doradas incorporadas, el vestido “andrajoso” o el bolso de terciopelo negro con forma de teléfono. (Tanto en el vestido “andrajoso” como en el bolso-teléfono colaboró con Dalí). Elsa, se superaba siempre a sí misma, en sus diseños y presentaciones y desfiles, que se convertían en verdaderos espectáculos teatrales. Su máxima aspiración era causar sensación, por lo que su última colección se llamó precisamente Shocking Elegance (Sorprendente Elegancia) y su perfume más apreciado, cuyo frasco tenía la forma de un torso femenino, fue bautizado con el nombre de Shocking. Durante la guerra, la diseñadora se hundió en serios problemas económicos, sus modelos no eran los más adecuados para aquellos tiempos de postguerra. Hasta su muerte, en 1973, vivió de los ingresos derivados de sus perfumes.
Para Yves Saint Laurent Schiaparelli es mujer, intuitiva, provocadora, empresaria, diseñadora de moda y artista, comprometida socialmente y trasmisora y difusora de todo ello. Elsa fue el gran fenómeno de diseñadora. Se atrevió a provocar y lo consiguió hasta el extremo de la admiración insoportable y de causar verdaderos estragos en lo que había sido tradicionalmente establecido, no sólo en modas sino en estilos, actitudes y comportamientos.
COMENTARIO DEL DOCENTE
Manteau cage, Schiaparelli 1937. Foto de la Exposición CHRISTIAN LACROIX, HISTOIRES DE MODE, Les Arts Décoratifs, musée de la Mode et du Textile, París, coll. UFAC
Como lectura complementaria se adjunta el siguiente documento del Museo
de Traje de España que analiza un traje de Elsa Schiaparelli de su colección. El
Informe lo realizó Coco Cardona.
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CRISTÓBAL BALENCIAGA
(Sitio del museo: http://cristobalbalenciagamuseoa.com/Bibliografia.html) Hijo de una costurera del País Vasco, Balenciaga comenzó pronto a ayudar a su madre. Tras una buena formación, abrió su primera casa de moda en San Sebastián, donde contaría entre su clientela con la familia real. No tardó en abrir salones en Madrid y Barcelona, aunque con la llegada de la guerra civil tubo que cerrar sus tres tiendas. En 1937 se establece en París con un éxito inmediato. Gracias a su clientela el modisto pudo superar la guerra sin grandes pérdidas e incluso pudo reabrir sus sedes españolas. Los trajes de Balenciaga eran perfectos para grandes ocasiones. Sus piezas, únicas y elaboradas con maestría artesanal, hicieron que se le considerara el arquitecto de la alta costura. Sus vestidos de noche estaban influidos por el flamenco y el genio diseñó vestidos globo, vestidos saco, vestidos túnica y vestidos camiseros con una técnica que se refinaba año tras año. En 1968 Balenciaga cerró su negocio, decepcionado con el camino que tomaba la moda.
MADELEIN VIONNET (1876 - 1975)
Vestido,1933. Vestido de boda en gasa de seda estampada con motivos florales policromos. Colección del Museo. Detalle de la espalda.
Abrió su primer salón en 1912 y con algunas interrupciones lo mantuvo hasta el año 1940.
http://cristobalbalenciagamuseoa.com/
Desarrolló una silueta que vivió su época de esplendor durante los 30, momento en donde las técnicas de corte al bies y las telas que la diseñadora utilizaba pusieron de relieve su gran talento.
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Su método de trabajo consistía en elaborar con telas de algodón prototipos de sus diseños en pequeños maniquíes que una vez finalizados serian traspasado a modelos de carne y hueso y finalmente serian arreglados para la clienta. No utilizaba bocetos o dibujos trabajaba directamente con el genero lo que le permitía crear diseños donde las diferentes caídas pliegues drapeados etc, eran el centro de la creación. La inspiración en el mundo griego era evidente y explicita en su trabajo, pero era realizada desde la admiración a un ideal de belleza y no como simple copia. Para utilizar estos diseños se requería un cuerpo esbelto y delgado que no necesitara de corsé, de hecho la diseñadora deseaba establecer un dialogo directo entre el cuerpo y el vestido. Su enfoque del diseño centrado en el cuerpo natural. Ella quería que cada prenda de vestir para adaptarse a cada usuario de forma única. La capacidad de estos diseños para deslizarse sobre la cabeza del usuario y calzar como “una segunda piel” es un hecho singular en una época de numerosos botones y ganchos como sistemas de cerramientos.
La geometrización de sus modelos y su impecable moldería con el perfecto empleo de los cortes al bies la caracterizan.
En cada década supo responder la las premisas que imponía la moda, sin perder su técnica y estilo propio Cuando finaliza la primera guerra mundial sus primeros trajes se componen de un tubo holgado con las aberturas para la cabeza y brazos . Luego comenzó a profundizar en la combinación de las formas geométricas de recortes y de crear asimismo costuras decorativas. Gran parte de este trabajo fue inspirado por el cubismo Vionnet prefería colores claros para la mayoría de sus prendas, siendo el blanco y sus matices marfiles en la seda natural el más empleado y decidió que el estampado, si lo tuviere, con mucho cuidado prefiriendo temas de la naturaleza en la decoración. Los detalles “ornamentales” se centraba en lazos o nudos o algún pequeño bordado. Vionnet estudió el cuerpo femenino con la rigurosidad y dedicación de una anatomista, para de ese modo preservar su belleza natural y obligar al vestido a adaptarse a la silueta en un encuentro dialógico. Hizo uso de los drapeados y del célebre corte al bies, hasta entonces solo utilizado en cuellos, nunca en un vestido entero.
Traje de Noche, Saten rosa, 1932-34. Nº de Inventario: T.203&A-1973 Museo Victor & Albert. http://collections.vam.ac.uk/item/O75088/ evening-dress/
Utilizó el satén. En 1918, su proveedor, creó especialmente para ella un tejido único compuesto por seda y acetato, una de las primeras fibras sintéticas.
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Abrió una escuela en 1927 para enseñar a nuevos aprendices cómo utilizar el corte al bies, con un programa de entrenamiento de tres años de duración. Cuando se construyó una nueva edificio para las operaciones de la casa, que incluye una clínica médica y un gimnasio. Ella se ofreció a sus empleados almuerzo gratis, vacaciones pagadas, la asistencia médica y cuidado dental. Además, ella personalmente da la licencia por maternidad para sus trabajadores. Su vestido de noche color marfil (1935) se considera una obra maestra, cuya caída perfecta se debe a una única costura, lo que para su creadora constituía el objetivo más elevado. Es posible que la habilidad de Madeleine Vionnet para crear estos cortes a partir de formas simples como cuadrados o triángulos, se debiera a su pasión por la geometría.
MADAME GRÈS
Amante del arte y con un deseo de ser escultura, que vuelca en sus intemporales vestidos. Creaba sobre las clientas sus propias “esculturas” de tela que algunos llamaron vestidos y la historia del traje los denomina arte en estado puro. Su búsqueda por la perfección escultórica le llevó a antiguas civilizaciones, aunque la más recurrente en sus creaciones fue la helenística. Sus vestidos, estudiados chitones griegos, investigaban las formas del cuerpo a través del tejido y de los pliegues. Alix abrió su primer salón en 1931 firmando su ropa con su nombre “Alix” (aunque en realidad se llamaba Germaine Krebs). Ya en 1942, abre un nuevo salón con el nombre con el que pasará a la historia, Madame Grès. Diseñadora infatigable, con 81 años de edad se atrevió a abrir una nueva línea de negocio de prêt-à-porter.
Madame Grès por Crespi. 1949 ( Blog Museo del Traje – España) Exposición: http://www.parismusees.com/ Paris-Musees/Expositions/Fiches-expositions/ p-676-Madame-Gres.htm
Madame Gres. Fotografía de Boris Lipnitzki – Blog Museo del Traje, España. Link Exposición. Video y detalles de las prendas: http:// www.parismusees.com/madame-gres/
Información exposición: http://www.paris.fr/loisirs/musees-expos/musee-bourdelle/madame-gresla-couture-a-loeuvre-au-museebourdelle/rub_6408_actu_93538_port_15833) agosto 2011-08-23 1933. Robe du soir fourreau. Jersey de viscose noir. Galliera, musée de la Mode de la
MAINBOCHER
Main Rousseau Bocher (1890- 1976) Estudió en el Instituto de Lewis y de la Academia de Bellas Artes de Chicago hasta 1909. Después de mudarse a Nueva York, estudió en la Art Students Liga y trabajó como litógrafo a tiempo parcial.Él regresó a Chicago para asistir a la Universidad de Chicago en 1911, pero la muerte de su padre la obligó a trabajar.
Ville de Paris. © Stéphane Piera / Galliera / Roger-Viollet. http://www.parismusees.com/madamegres/
Tomó un trabajo como ilustrador para el bazar de Harper. Él sostuvo que trabajo hasta 1922 cuando fue contratado como corresponsal de moda y más adelante como el editor de la revista Vogue francesa.
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Cansado de la presentación de informes acerca de la moda, en 1929 se compró las formas de vestir y, utilizando una gasa, aprendió por sí mismo para cortar y cubrir la ropa. Cuando Mainbocher abrió su casa de alta costura en París en 1930, creó una imagen de un diseño exclusivo que produce las más elegantes moda caro. Sus diseños eran simples, conservador, e hizo siempre con los mejores materiales con excelente mano de obra. Su experiencia en Vogue le enseñó a predecir lo que sería la moda. Él utilizó esta habilidad para crear diseños más populares, convirtiéndose en el primer estadounidense en realizar una financieramente exitosa casa de alta costura en París. Para preservar su reputación de élite, sólo las principales revistas y periódicos se les permitió asistir a sus colecciones. En un esfuerzo por minimizar las copias de sus diseños, que requieren los compradores y los fabricantes a pagar una cuota de admisión. Su colección 1932 de vestidos de algodón noche sorprendió en París. En lugar de raso y terciopelo, eligió comprobado guinga, ropa de cama toallas, y piqué de algodón para crear espectaculares, la longitud del piso-vestidos con escotes halter moda. Esta colección solidificó su reputación para los ajuar de gran gala. En 1939, en auge el conflicto bélico, Mainbocher salió de París y estableció su casa de alta costura en Nueva York. En ese momento se hace popular los vestidos cortos para el día y la innovación para la noche del suéter de cachemira. Estos lujosos suéteres de la noche, se llevaban sobre vestidos o largas faldas y estaban adornados con cuentas, botones de pedrería y detalles de seda.
Chaqueta para cena,1937. Colección Museo Victoria & Albert http://collections.vam.ac.uk/name/ mainbocher/4514/
Fue uno de los diseñadores que modificó la silueta usando un modelo propio de corsé de cintura diseñado por la firma Warner para producir una cintura de avispa. Esta moda se lanzó en plena Segunda Guerra Mundial.
Estamos ya en 1940...
03. Moda y Cine
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“A diferencia de la prensa, que en la mayor parte del mundo interesaba sólo a una pequeña elite, el cine fue, casi desde el principio, un medio internacional de masas. El abandono del lenguaje universal del cine mudo, con sus códigos para la comunicación transcultural, favoreció probablemente la difusión del inglés hablado (…). En la era dorada de Hollywood el cine era un fenómeno esencialmente norteamericano(…)” Hobsbawm, Eric. Historia del siglo XX p, 198.
Con la aparición del cine sonoro, este medio se convirtió en el trasmisor de la moda más importante. El nuevo cine, con sus decorados vestuarios y efectos especiales permitía escapar a otros mundos y olvidar las penurias que se vivían.
2 Las actrices de estos años, representaban un nuevo tipo de ícono. Dentro del espectro europeo Lil Dagover1 (Que ya hemos visto su actuación el
Con respecto a la moda, mientras las actrices de los 20 utilizaban la misma ropa para las películas que para la vida diaria, a partir de esta década se confeccionaron vestidos únicamente para las películas y que constituían parte esencial de la trama, contribuyendo a forjar los personajes, el comportamiento y las emociones. Los actores y las actrices, convertidos en “íconos” del cine proponían estilos mas osados y construían una atmósfera de “glamour y ensueño” que las convertían en “estrellas”. Ya se marca la distancia desde el mundo del cine y la realidad cotidiana.
la película Metrópolis) representaba los caracteres de la mujer virtuosa , “decente”, mientras que actrices como Zarah Leander2 (http://www. zarahleander.de/) es modelo del cine alemán y personificaba a la femme fatale, con sus rulos rojos y vestidos de noche que realzaban las curvas, un estereotipo que seria muy popular durante al guerra.
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En Estados Unidos la actrices presentaban un aspecto mucho más elegante, las imágenes ideales estaban encarnadas por:
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Greta Garbo3 Con la película Mata Hari, 1931, da inicio a este modelo de mujer fatal, de mirada penetrante. Katharine Hepburn4 Siempre aparecía perfectamente vestida, con trajes que realzaban el cuerpo.
En el ámbito masculino Cary Grant ejemplificaba el prototipo masculino de la moda en los años ‘30, al igual que Fred Astair, su vestimenta incluía saco deportivo, trajes de ciudad, pantalones anchos y remeras cuello polo.
GILBERT ADRIAN
El vestuarista mas emblemático de esta década dorada es Gilbert Adrian. Fue descubierto por Natasha Rambove, la esposa de Rodolfo Valentino, quien le encargó el diseño de vestuario de Valentino. Así comenzó la carrera que lo llevó en el MGM, donde ejerció su oficio desde 1928 hasta 1942. Después de haber estudiado en París y Nueva York, Adrián fue inspirado en gran medida por la ropa y la decoración histórica. Vistió a Greta Garbo, a quien se vestía para una serie de películas históricas como Queen Christina (1933), Anna Karenina (1935), y Camille (1936). El sombrero de terciopelo con plumas de avestruz que él creó para llevar a Garbo, se convirtió en moda casi inmediatamente. En 1932 Adrian diseñó un vestido de novia de Joan Crawford representación de Letty Lynton, en la película del mismo nombre. Los volantes blancos vestido de organza era tan angelical que el vestido se ha copiado en todos los niveles de costo (ver fotografia en párrofos anteriores). La tienda “Macy” supuestamente vendió 50.000 de ellos. En sus partidas de diseño Adrian demostró que él no se preocupaba por el verismo historicista, pero sí por los en efectos dramáticos jugando muchísimo con la luz de las cámaras y la opulencia extrema. Hay una anécdota del mundo de la moda que dice que para el vestuario de la película María Antonieta, por ejemplo, MGM contrató cincuenta mujeres de Hollywood para poder coser las miles de lentejuelas en 2.500 trajes.
Con los trajes traje creados para Joan Crawford Impone el uso de vestidos blancos de satén,
Muchos de los tejidos utilizados jugaban con las texturas y brillos para remarcar el efecto dramático necesario para cada personaje. Para la decada de 1940 el vestuario cinematográfico ya había irrumpido en el mercado de la moda, traducido en múltiples niveles de calidades para facilitar su consumo.
con corte al bies. Créditos fotográficos: http://www.legendaryjoancrawford.com/ clotheshorse.html
En 1942 abrió su propio salón en Beverly Hills, donde difundió muchas de sus propuestas realizadas en las películas que él vistió y popularizó por medio de la pantalla grande.
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BIBLIOGRAFÍA OBLIGATORIA
COMENTARIO DEL DOCENTE
Película a recomendada para Analizar: Roberta Vestuario a cargo de: Bernard Newman En esta comedia musical característica de esta
391/L522 Lehnert, Gertrud. Historia de la moda del siglo XX. Editorial Köneman. Alemania. 2000.
década, el vestuario cobra un lugar muy importante, ya que la película se desarrolla dentro de una casa de moda reconocida de Paris
BIBLIOGRAFÍA COMPLEMENTARIA
Además de los quince equipos de vestuarios emblemáticos diseñados para la película de
Hobsbawm, Eric. Historia del siglo XX.
1935, Roberta se permitió la reproducción y
CRITICA (Grijalbo Mondadori, S.A.),
comercialización por la Oficina de merchandising.
Argentina.1998
Bernard Newman comenzó a trabajar como diseñador de vestuario en la industria del cine a
MODA: Una historia desde el siglo XVIII al
partir de 1933, trabajando durante los primero tres
siglo XX. La colección del Instituto de la
años principalmente para la RKO Pictures. Newman
Indumentaria de Kioto. Taschen. 2003
es recordado por los trajes que diseñó para Ginger Rogers en películas como Sombrero de copa y Alas
Lipovetsky, Gilles. El Imperio de lo efímero.
de la danza.
España. Editorial Anagrama, 5ª edición, 1996. Lurie, Alison. El lenguaje de la moda. Una interpretación de las formas de vestir. 1ª edición. Ediciones Paidòs. Enciclopedia sobre moda y diseñadores en línea: “Voguepedia” http://www.vogue.com/ voguepedia/Designers
COLABORARON EN ESTA EDICIÓN Autor: Lic. Patricia Raffellini Asesoramiento didáctico: Lic. Paola Dellepiane Diseñador gráfico: D.G. Marcela Frias
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