Revista Cinerama - Logan

CINERAMA Revista Revista dedicada al cine de aventura, aventu ra, acción, ciencia ficción, fantasía y humor.

Logan .........................................................4 Cincuenta Sombras Más Oscuras ......22 Animales Animales Nocturnos ......... ............. ......... ......... ......... ....... 50 La La Land .................................... ..............................................68 ..........68

Sigue las novedades de la revista y el mundo del cine c ine en:

WWW.FACEBOOK.COM/REVISTACINERAMA Consigue los numeros anteriores en:

WWW.CINE-RAMA.CO.NR

La naturaleza me hizo monstruo. El hombre me hizo arma. Y Dios hizo que eso durara demasiado tiempo. De la mano del guionista y director James Mangold llega el capítulo definitivo de la saga cinematográfica de uno de los mayore mayores s héroes de la historia de las historietas. En LOGAN, vemos al actor nominado al Premio de la Academia Hugh Jackman repitiendo su emblemático rol de Wolverine, Wolverine, por última vez como protagonista principal de un filme, en una cruda y poderosamente dramática historia de sacrifico y redención. LOGAN está protagonizada por Hugh

Jackman en el papel principal, acompañado de Patrick Stewart (X-Men: Días del Futuro Pasado), Stephen Merchant, Richard E. Grant y una nueva incorporación, la actriz Dafne Keen. El filme está dirigido por James Mangold (Wolverine Inmortal); producido por Hutch Parker, Parker, Simon Kinberg  y Lauren Shuler Donner. Donner.

4

La Definitiva Historia de Wolverine La primera vez que Hugh Jackman aportó su electrizante energía al mutante conocido como Wolverine fue allá por el año 2000, en el filme que dio origen al contemporáneo éxito de las adaptaciones cinematográficas cinematográficas de historietas: la primera película  X-Men, del director director Bryan Singer. Singer. Desde entonces, entonces, el aclamado aclamado actor australiano australiano se ha metido en la piel del mutante más famoso del mundo hasta un total de diez veces, un récord en la gran pantalla. Pero en esta ocasión, con LOGAN, Jackman ha  tenido la oportunidad de crear crear algo verdade verdaderamente ramente especial, una forma forma de enterrar definitivamente a su álter ego en la gran pantalla desde hace tanto tiempo. “Queríamos transmitir algo muy diferente, muy fresco y, en definitiva, muy humano”, dice Jackson, “porque creo que la fuerza de los X-Men, y concretamente la de Wolverine, radica más en su humanidad que en sus super-poderes. Al explorar este personaje por última vez, me interesaba llegar al corazón del humano que realmente era, más que mostrar todo lo que sus garras son capaces de hacer”. Desde el principio, Jackson siempre ha tenido un don especial para insertar humanidad bajo el brusco y muy desfigurado aspecto exterior de LOGAN. Sin embargo, en esta profundamente matizada y conmovedora interpretación, el actor vuelve al punto de partida con su personaje; el misántropo y agresivo fumador de puros es ahora un incondicional y leal compañero de lucha, dispuesto a sacrificarse por todo aquello en lo que cree. Desde luego, Jackson y James Mangold, coguionista y director de LOGAN, ya habían llevado a Wolverine a nuevos y remotos lugares en las anteriores andanzas en solitario del personaje: la película de 2013 Wolverine Inmortal. En ese anterior film

5

–adaptación de la emblemática miniserie de cómics creada por Chris Claremont y Frank Miller en 1980 e impregnado del espíritu del cine negro nipón y las películas de samuráis, así como del género western– vimos cómo LOGAN  es arrancado de su au toimpuesto  toimpuest o exilio exilio para, para, finalmente, finalmente, verse verse mezclado mezclado en una violenta violenta  trama que acontece acontece en Japón. Japón. La película obtuvo obtuvo grandes elogios de la crítica por su meticuloso análisis del conflicto que se desarrolla en el interior de LOGAN, en vez de confiar estrictamente en las escenas de acción desmesurada para suscitar emoción. Mangold señala que, tras su experiencia en Wolverine Inmortal, ni Jackson ni él habían planeado colaborar necesariamente en otro proyecto centrado en el personaje de LOGAN. “Tanto Hugh como yo nos situábamos al filo de la navaja a la hora de hacer otra entrega”, dice el director, que trabajó con Jackman por primera  vez en la película de 2001 2001 Kate Kate & Leopold. “Si finalmente finalmente íbamos a hacer otra película, yo quería llevarla hasta donde me interesaba, un lugar profundamente íntimo y primario: una historia basada sobre todo en los personajes donde pudiera explorar los miedos y debilidades de estos legendarios héroes, un filme que les hiciera más humanos”.

6

Antes incluso de embarcarse en el proyecto, Jackman y Mangold  fueron conscientes de que la historia necesitaba existir al margen de la densa y embriagadora mitología de la mítica franquicia  X-Men. “Los dos queríamos hacer hacer una película independiente de la saga”, afirma Jackman. “Esta película es mucho más realista que las que hicimos anteriorme anteriormente nte para la franquicia, quizás más que cualquier otra adaptación cinematográfica de un cómic. Es mucho más humana”. Concretamente, Mangold, que escribió el guión de LOGAN junto Concretamente, a Scott Frank, coguionista de Wolverine Inmortal (Wolverine In-

7

8

mortal) y Michael Green (Alien: Covenant), propuso crear una obra basada en personajes que se centraría en LOGAN, Xavier y Laura, mientras se iban abriendo camino a través de un yermo paisaje. “En mi cabeza surgió la extraña idea de que quería hacer una road movie con estos personajes, lo cual, de alguna manera, casi complicaba más mi trabajo como realizador”,, dice Mangold. “Colocar a los personajes en un coche y mantenerlos atrapados realizador” atrapados en la carretera me ataría las manos. No podríamos hacer nada respecto a otros mundos que colisionan o una invasión alienígena; la película estaría básicamente forzada a funcionar a un nivel mucho más íntimo”.  También era impor tante para Mangold, que desde hace tiempo considera a LOGAN des También cendiente espiritual espiritual de los grandes héroes de westerns como El Forajido de Clint Eastwood, o Shane de Alan Ladd, privó a Wolverine de su invencibilidad para hacer al personaje más  vulnerable, más expuesto. expuesto. “En este filme, la idea era encontrar a Wolve Wolverine rine en unas condiciocondiciones en las que su capacidad de curarse a sí mismo ha disminuido considerablemente”, dice Mangold. “Su fuerza ha mermado. Su propia salud y estado mental se hallan en declive”. Aunque la acción de LOGAN tiene lugar más de 50 años después de los eventos descri tos en X-Men: Días del futuro pasado (2014), (2014), este particular relato independiente funciona más como un privado viaje familiar –aunque abarrotado de determinantes escenas de acción– que como una convencional aventura de ciencia-ficción propulsada por explosivos elementos visuales. “Queríamos aparecer con un gran estruendo”, afirma Mangold. “Pero la cuestión es que, una vez que ciudades y planetas han sido destruidos, tienes que saber ganar el estruendo sin acudir al recurso simple de hacer más ruido”. Cuando comienza el filme, el estado de LOGAN es muy frágil y vulnerable; la maldición de su inmortalidad es una pesada carga que le ha deteriorado mucho, mientras cuida de un debilitado Charles Xavier (Patrick Stewart) en el seno de una desvencijada planta de fundición situada en los límites de un campo petrolífero abandonado. A ellos se une un tercer mutante, Caliban (Stephen Merchant, co-creador de la serie The Office), refugiándose todos en la oscuridad en un momento en el que el mundo cree que los mutantes ya han pasado a la historia.

9

10

Sin embargo, LOGAN ve interrumpidos sus días de beber en relativa soledad cuando se convierte, muy a su pesar, en el guardián de una chica muy joven, Laura (la primeriza Dafne Keen), que tiene poderes sorprendentemente parecidos parecidos a los suyos: tanto de sus manos como de sus pies brotan unas garras de adamantio similares a las de Wolverine. Y no es que precisamente le entusiasme aceptar esa nueva responsabilidad; LOGAN  está demasiado agotado como para interpretar de nuevo al héroe. “LOGAN  no quiere ayudar. Para nada”, dice Jackman. “No quiere tener nada que ver con el asunto. Hace tiempo que dejó atrás la época de su vida en la que reaccionaba a las súplicas y a los gritos de socorro de la gente.

Básicamente, ha llegado a la conclusión de que, generalmente, cuando ayuda, las cosas empeoran. La gente que quiere termina herida; si se acerca demasiado, o si se esfuerza demasiado, acaba habiendo dolor, pérdida  y destrucción”. Encomendados con la tarea de proteger a la chica del delincuente cibernético y asesino Donald Pierce (Boyd Holbrook), LOGAN y el Profesor X se disponen a cruzar  territorio hostil para llevar a Laura hasta un lugar llamado Edén, donde se rumora que los jóvenes mutantes disfrutan de un refugio seguro. Pero Pierce y su temible ejército de cyborgs, los Reavers, están decididos a de volver a la chica a la custodia custodia del del doctor doctor Zander Zander Rice (Richard E. Grant), el siniestro genetista que, en las instala-

11

ciones del lago Alkali, desencadenó las mutaciones de Laura a través de una serie de inhumanos experimentos con la esperanza de crear niños súper soldados. “Es un sociópata que carece de empatía emocional y de cualquier tipo de sentimiento hacia los mutantes que crea”, afirma Grant. “El doctor Zander Rice ve a los seres humanos como objetos para ser clonados. Su men te es muy científica e intelectual a todos los niveles. No se implica emocionalme emocionalmente nte en absoluto”. Al verse comprometidas las extraordinarias capacidades físicas de Wolverine por la edad y el paso del tiempo, la implacable persecución a la que son sometidos los viajeros se cobra un enorme y sangriento precio.

Se dice frecuentemente que una película, a veces, es  tan grande como su villano, y Jackman se apresuró a alabar el estilo de Holbrook dando vida al desquiciado Pierce. “Boyd es un actor de extraordinario talento, un artista verdaderamente dotado”, afirma. “Cuando leí el guion, le dije que pensaba que Pierce era uno de los papeles más difíciles de sacar adelante. Los mejores villanos parecen divertirse más que cualquier otro personaje del filme, y Holbrook supo interpretar eso y lo hizo de manera brillante, porque en un instante era capaz de cambiar y ser de repente muy amenazador, además de divertido”. Pero a quien especialmente el actor dirigió amables palabras fue a su joven compañera de reparto, Dafne

12

Keen, que debuta en la gran pantalla con LOGAN, en una actuación que raya el virtuosisvir tuosismo. “Dafne es una actriz extraordinaria, extraordinaria, y ha sido un honor compartir la película con ella”, dice Jackman. “Laura, genéticamente, tiene el ADN de Wolverine, así que hay elementos de él en su personalidad y en su aspecto físico, y eso no es fácil de conseguir conseguir.. A mí me pareció difícil de lograr cuando tenía 30 años, no digamos en una chica de tan t an sólo once, además, ella no es así en absoluto. Dafne es muy jovial, vital y enérgica. Interpretar Interpretar a esta mutante, constantemente constantemente irritada y llena de rabia, y que te cort ará la cabeza si miras a su costado, no tiene absolutamente nada que ver con cómo es ella, pero lo logró”. A Stewart también le impresionó mucho su profesionalidad: “Es una niña que actúa con el peso, la gravedad, la intensidad y la diversidad de una actriz muy experimentada y cosmopolita”, afirma Stewart. “Al principio, Laura es una chica muy silenciosa”, señala Keen. “No es capaz de expresar la tristeza como cualquier niña normal, por lo que se enfada mucho y empieza a matar a gente. Resulta divertido hacer eso y que al mismo tiempo te encanten las camisetas rosas, los unicornios, el arco iris y ese tipo de cosas”. Debido a los atributos que comparten, LOGAN se halla en una posición única para poder ayudar a Laura a aceptar sus sentimientos y canalizar esa apabullante rabia. “Si en el interior de LOGAN no hubiera habido bondad, se habría convertido en la perfecta máquina de matar puesto que puede perder completamente los estribos”, dice Jackman. “LOGAN podía acabar con la vida de cualquiera, pero también tenía un gran corazón.  Tenía  T enía conciencia. conciencia. Tenía Tenía cabeza, cabeza, y no seguía ciegamente cualquier orden que se le daba”. daba”. Si LOGAN ejerce como una especie de padre sustituto para Laura, él es como el hijo pródigo de Charles Xavier, quien está luchando contra una debilitante enfermedad que amenaza con perjudicar también a los demás. “Charles es viejo, está enfermo, pero, sobre todo, es peligroso”, dice Stewart sobre su personaje. “Sus poderes están fuera de control y necesitan ser controlados. Está en peligro. Y la persona que se ocupa de él, quien le cuida, le asiste, le vigila, quien discute con él y le ayuda a levantarse cuando se cae es LOGAN”. Stewart prosigue: “El aspecto de superhéroe y los poderes mutantes no son aquí el centro de atención tanto como lo eran en las otras películas. El sentido de la gente, de los individuos, de las relaciones, yo creo que todo eso es más fuerte en LOGAN de lo que ha sido antes. James ha creado un mundo que resulta reconocible, familiar y, a su manera, cotidiano, pero envuelto en esa vorágine de miedo, emoción, peligro y necesidad de escapar”.

13

Al igual que en el caso de Jackman, la interpretación del aclamado actor británico en LOGAN representa la culminación de años de trabajo en pantalla. “Ha disfrutado haciendo este personaje, y eso se nota”, dice Jackman sobre Stewart. Stewart. “Su interpretació interpretación n es desgarradora, hermosa, compleja, repleta de ricos matices; a veces, increíblemente increíblemente lúcida y clara. Se advierte advier te el tipo de relación padre-hijo que hay entre LOGAN y él con una amplia gama de colores: orgullo, decepción, enfado, frustración. Todo eso tiene lugar en la pantalla”. Incluso Caliban pertenece también a esta poco convencional familia, y hasta comparte cierto grado de camaradería con el –como es bien sabido– antisocial LOGAN. “Creí que para mi personaje era importante no ser constantemente el antagonista de LOGAN”, dice Merchant, “que entre ambos pudiera haber momentos de cierta cordialidad, para, de nuevo, incidir en esa idea de familia sustituta”. “LOGAN es una película sobre la familia”, señala Mangold. “Es un filme sobre la lealtad  y el amor, amor, y concretamente concretamente sobre sobre un personaje, LOGAN, que obstinadamente y duran te toda su larga vida ha evitado entregarse íntimamente a otros, pero que finalmente lo hace”. En LOGAN vemos cómo el desgastado héroe descubre una sorprendente conexión humana, pero, además, la película también t ambién ofrece la representación más auténtica de Wolverine, sin ningún filtro, y muestra a Jackman desatando su rabia más frenéticamente que nunca. El filme está clasificado para adultos, algo sin precedentes en la  franquicia X-Men. “Puede que Wolve Wolverine rine sea uno de los personajes más oscuros y complejos del universo de las historietas; sin embargo, a Jim y a mí únicamente nos preocupaba quitarnos el cinturón de seguridad”, afirma Jackman.

14

Desde el punto de vista de la realización, Mangold dice que la calificación del filme le dio vía libre para conducir LOGAN en una dirección más madura, explorar la fragilidad humana, la mortalidad y los complejos vínculos que mantienen unidas a las familias. “No quería hacer una película más violenta, más atractiva sexualmente, más explícita o más obscena”, señala Mangold. “Lo que quería era hacer una película para adultos. Esto no es un filme para chavales de nueve años. Cuando tu película ha sido clasificada para adultos, de repente te encuentras haciendo un filme sobre temas mucho más serios. No tienes la presión de hacer una película para todo el mundo”.

15

No obstante, es indiscutible que el filme está fundamentalmente dirigido a los fans que tiene Wolverine desde hace mucho tiempo, esos que han seguido todas y cada una de las interpretaciones de Jackman a lo largo de los últimos 17 años. De hecho, para Jackman era esencial –puesto que se despedía definitivamente de su dilatado pasado como X-Man– que la pantalla reflejara absolutamente todo en esta aventura mutante, la última suya. “Hubo un momento en el que asumí el hecho de que ésta era mi última aventura como Wolverine”, dice Jackman. “Me encanta el personaje, y para mí ha sido algo increíble. Mentiría si dijera que estaba conforme con ello si no creyera firmemente que ya se había puesto todo sobre la mesa.  Y quiero decir “todo”. Cada día, cada escena era una especie de lucha por obtener lo mejor del personaje, por conseguir lo mejor de mí”. Jackman concluye: “Había un elemento de vida y muerte en la historia; y sé que suena muy dramático, pero ese era el sentimiento”.

 Acerca de la Producción LOGAN  fue

principalmente rodada en escenarios reales de Nueva Orleans y Nuevo México durante el despiadadamente caluroso verano de 2016. El veterano diseñador de producción François Auduoy, que también dirigió al equipo de diseño en Wolverine Inmortal, tuvo la tarea de crear ambientes convincentes y llenos de matices, así como capturar el sentimiento de película definitiva y el espíritu road movie.

16

“Queríamos producir una auténtica sensación de que en la película es tábamos haciendo un largo viaje”, explica Auduoy Auduoy.. “Desde el principio, Jim quería incorporar muchos y diferentes aspectos visuales en el filme: desde el árido desierto en El Paso y México a través de los estados de Nuevo México, Texas y Oklahoma, en Kansas, hasta más allá de las tierras  yermas de Dakota Dakota del Sur. El verdadero verdadero reto era descubrir descubrir cómo cómo crear crear esa  variedad en dos dos estados con tan sólo un puñado puñado de localizaciones”. localizaciones”.

17

Auduoy y su equipo utilizaron cuatro de los Big Easy Stages, estudios ubicados en Nueva Orleans, en las instalaciones de la MAF (Michoud Assembly Facility), propiedad de la NASA, para construir unos enormes sets, incluyendo el escondite en la fundición y un casino de hotel situado en la ciudad de Oklahoma. En algunos casos, la aportación de los actores contribuyó a dar forma a sets concretos; un buen ejemplo, algunas de las ideas de Stephen Merchant sobre la vida doméstica de Caliban fueron incorporadas al diseño del set de la fundición. “Caliban es el que más cocina y es el único miembro del trío que se dedica a tareas domésticas y vive en la fundición, así que Stephen pidió que añadiéramos algunos pequeños estallidos de color al oscuro, apagado y deteriorado set”, señala Audouy. “Conectamos con alguien que vivía cerca de Juárez, de modo que fuimos a la ciudad y compramos algunas ollas y piezas de cerámica con coloridos diseños mexicanos que incorporamos a la cocina”.

18

19

El director de fotografía John Mathieson señala: “Los sets que François construyó eran descarnadamente realistas y muy sucios. Por supuesto, la planta de la fundición tenía que parecer vieja, inutilizada e inhóspita, y como estábamos trabajando en su interior durante todo el día, cuando regresábamos a casa por la noche nos sentíamos realmente asquerosos y mugrientos. Así de reales parecían los sets. Sus diseños no son precisamente simétricos simétricos o bonitos”. Por supuesto, cuando haces una road movie, los vehículos son esenciales, como es el caso de la limosina que LOGAN conduce, que estaba basada en el modelo Chrysler 300. El coche es la única  fuente de ingresos de LOGAN, su medio para poder cuidar de Charles, así como una pieza clave para que los mutantes puedan escapar. “El auto se convirtió en un personaje más”, explica Audouy. Nick Pugh, técnico responsable de los vehículos en LOGAN, añade: “Era complicado diseñar un  vehículo creado en el futuro pero sólo con unos diez años de antigüedad. Hay tres limosinas, dos están completamente completamente fabricadas y luego hay un coche trucado que tiene la misma apariencia pero en realidad es un coche de carreras Baja, con un recorrido de suspensión de unos 40 centímetros,  ya que tiene que poder dar saltos, meterse en zanjas y cruzar el desierto aproxim aproximadamente adamente a 80 kilómetros por hora”

20

Dirección: James Mangold Elenco: Hough Jackman, Patrick Stewart, Richard E. Grant, Boyd Holbrook, Stephen Merchant y Dafne Keen Calificación: Mayores de 16 años

Además de las acrobacias de conducción, la película está llena de brutales y sangrientas escenas de lucha que representaron una oportunidad única para Keen en su papel de Laura; la joven actriz se había entrenado en España, cerca de su casa, antes de llegar a Estados Unidos para el rodaje. “Cuando llegó Dafne, estuvimos aproximadamente un mes trabajando con ella”, dice el coordinador de especialistas Garrett Warren. “Teníamos “Teníamos unas garras que le sujetaba a las manos para que viera cómo era la sensación. Le hacía practicar con papel, rasgarlo y romperlo en pedazos. De esa forma, Dafne sabía cómo era realmente llevar las garras puestas a diferencia de, simplemente, blandirlas en el aire”. La experiencia que Keen tenía en gimnasia y acrobacia aérea la ayudó a dominar la coreografía de las escenas de lucha, y Jackman se quedó absolutamente absolutamente sorprendido por su joven coprotagonista. “Dafne realizó la mayoría de sus escenas de acción en la película”, señala el actor. “Trabajó muy duro. Y lo que yo llamo  trabajo, para para ella era pasión. pasión. No quería quería dejar de entrenar entrenar en ningún momento. momento. Un día, eché una ojeada y vi que Dafne se había puesto mis garras y estaba rebosante de alegría”. “Tanto los actores como el equipo fueron como una familia para mí”, dice Keen. “Me sentía muy segura. Siempre estaba más centrada en lo que era mi personaje y su deseo de tener una vida familiar normal, que es por lo que lucha tan desesperadamente”. Aunque Laura puede que sea una asesina, sigue siendo una niña, un hecho que es más que evidente en su vestuario. “En el caso de Laura, su aspecto al principio es muy sencillo y monótono”, explica el diseñador de vestuario Daniel Orlandi, ganador de un Emmy. “Parece una reclusa que se ha escapado de la cárcel. Después, cuando ya puede escoger su ropa, vemos cómo esta despiadada asesina, que adora la violencia, elige una camiseta con el dibujo de un unicornio y complementos complement os de color rosa. Eso le añade a su personaje una dulce ironía”. En el caso de los demás personajes principales, las fuentes de inspiración de Orlandi fueron sobre todo los westerns clásicos y el cine negro: “Desde el principio, Jim dijo que no quería que nuestros personajes tuvieran el típico aspecto de superhéroe ni nada muy recargado. En el filme vemos a un indolente LOGAN llevando una barata chaqueta negra y un par de viejos Levis, lo que conforma su uniforme de conductor. Pero cuando emprende la fuga, el atuendo de LOGAN cambia a una chaqueta de cuero como las del lejano oeste y una camisa de vaquero, todo en colores oscuros y muy sencillo. LOGAN está huyendo y no quiere llamar la atención”. Manteniendo el ambiente general del filme, el vestuario se ajusta a los tonos oscuros y apagados. “Hay muy poco color en la película, así que apenas lo utilizamos en los personajes principales”, explica Orlandi. “El único momento en el que vemos color en la película es en los personajes que no pertenecen a su mundo –como los pasajeros que LOGAN transporta–, donde utilizamos tonos más intensos y cálidos”. Pero Orlandi también se aseguró de usar el vestuario para subrayar el vínculo que hay entre LOGAN y Laura, una relación que es el eje fundamental del filme. “Queríamos que Laura optara por llevar algo que a una niña de su edad le gustaría, de ahí la camiseta con unicornio, pero también queríamos que quisiera ponerse una chaqueta vaquera, que es la misma elección de LOGAN”.

21

22

JAMIE DORNAN DORNA N y DAKOT DAKOTA JOHNSON vuelven vu elven a encarnar encar nar a Christian Grey y Anastasia Steele en CINCUENTA SOMBRAS SOMBRAS MÁS OSCURAS, el segundo capítulo basado en la exitosa novela nov ela Cincuenta Sombras de Grey que ha sido best-seller a nivel mundial. Retomando la historia que empezó con la taquillera película de 2015, cuya recaudación global superó los 560 millones de dólares, esta nueva entrega llega a la gran pantalla justo antes de San Valentín e invita al espectador a adentrarse en un mundo mun do algo más oscuro. El tráiler de CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS, la segunda adaptación que llega a la pantalla basada en los libros escritos por E.L. JAMES que sacudieron la cultura moderna, fue lanzado en septiembre de 2016 batiendo récords en línea. Con 114 millones de reproducciones en 24 horas superó al tráiler de Star Wars: El Despertar de la Fuerza, que hasta la fecha ocupaba la cabeza de la lista, conduciéndonos al lado más peligroso del oculto y acaudalado mundo de una pareja y dejándonos entrever lo que ocurre si un cuento de hadas no respeta las reglas. JAMES FOLEY (la serie “House of Cards”) dirige CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS, y vuelven como productores MICHAEL DE LUCA (Capitán Phillips, La Red Social), DANA BRUNETTI (Capitán Phillips, La Red Social) y MARCUS VISCIDI (Quienes son los Miller?) con E.L. James, la creadora de la innovadora serie. NIALL LEONARD es el autor del guion basado en la novela de E.L. James. Para plasmar en la gran pantalla el thriller dramático, James Foley se ha rodeado de un equipo de gran calidad encabezado por el director de fotografía JOHN SCHWARTZMAN SCHWARTZMAN (Mundo Jurásico), el diseñador de producción NELSON COATES, el editor RICHARD FRANCIS-BRUCE (Oblivion), la diseñadora de vestuario SHAY SHAY CUNLIFFE (Bourne El Ultimátum), la supervisora musical DANA SANO (Cincuenta Sombras de Grey, Quiero Matar a mi Jefe) y el compositor composito r DANNY ELFMAN (Cincuenta Sombras de Grey, La Chica del Tren).

24

El Lado Oscuro del Cuento de Hadas: Empieza la Producción Los seguidores de las novelas de E.L. James y de la exitosa adaptación cinematográfica de Cincuenta Sombras de Grey se entusiasmaron al saber que las dos siguientes entregas de la colección también serían llevadas a la gran pantalla... incluso antes de lo esperado. Se decidió rodar CINCUENTA CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS y Cincuenta Sombras Liberadas si-

multáneamente para poder estrenarlas el Día de San Valentín de 2017 y de 2018, reduciendo un año el tiempo de espera entre película y película. Era obvio que las dos siguientes entregas seguirían explorando el absorbente tango romántico de Christian Grey y Anastasia Steele,

25

pero todos los que estaban involucrados en el proyecto querían que cada película fuese una experiencia única. El equipo sabía que era vital colmar a los fans, pero también atraer a un público nuevo a estos acontecimientos eróticos propios de la cultura pop actual. Dana Brunetti confirma que el trío de productores siempre tuvo la intención de explorar el viaje mucho más peligroso que emprende la

segunda novela de E.L. James: “CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS se acerca más a un thriller. Hay suspenso, amenazas, la caída de un helicóptero... además de la pareja y su romance tan especial. De pronto, la relación debe enfrentarse a obstáculos inesperados que, en su mayoría, surgen surgen del pasado de Christian”. Michael De Luca reconoce que le cuesta creer que han pasado tan pocos años desde que se

puso a trabajar con Dana Brunetti, Marcus Viscidi y E.L. James para llevar la primera novela novela a la gran pantalla. “Este viaje en compañía de Erika y de mis otros dos colegas adquirió tintes surrealistas en ocasiones”, dice. “Conseguimos hacernos con un auténtico fenómeno literario y estrenarlo a nivel mundial el fin de semana de San Valentín de 2015, y aquí estamos de nuevo. Todos hemos madurado gracias a esta experiencia; nos consideramos los guardianes de la historia de Anastasia y de Christian. No nos lo tomamos a la ligera. Añadiré que q ue me quito el sombrero ante Erika, la única capaz de mantenernos en el buen camino mientras construíamos un mundo cinematográfico para sus personajes. Me siento muy orgulloso de ver hasta dónde hemos llegado juntos”. E.L. James, que vuelve a unirse u nirse a los productores de Cincuenta Sombras de Grey, Grey, añade: “Para la segunda novela, siempre supe que quería conservar las palabras ‘Cincuenta sombras’, funcionaban muy bien. Pero me pregunté adónde iría la segunda entrega. En este libro se descubre el porqué de la oscuridad de Christian; por lo tanto, ‘más oscuras’”.

“Christian Grey no es un personaje que cae bien a todo el  mundo. Es dominante,  peligroso, representa todo un reto”.

Para adaptar el guion, los productores recurrieron a la propia E.L. James, que trabajó con el guionista que había vivido y vive con los personajes y su creadora desde el principio, Niall Leonard, el marido de la escritora y encargado de trasladar el contenido de las atrevidas y populares novelas, con su encarnación de la sensualidad, a guiones para la gran pantalla.

El recorrido del libro desde su impresión bajo demanda hasta el nacimiento de una de las sensaciones literarias más memorables y sorprendentes en décadas sorprendió a todos, familia y editores. “Fui la primera persona en leerlo, y Cincuenta sombras se apoderó de mí”, recuerda Niall Leonard. “Erika estaba empeñada en publicarlo, era interesante y oscuro. Sabía que los seguidores se multiplicaban en línea, pero incluso así, cuando se lanzó en el mundo real, no me esperaba semejante fenómeno”. Los miembros de la familia se fueron acostumbrando a la creciente fama de E.L. James y a la tremenda recepción que tuvo la primera película, Cincuenta Sombras de Grey, Grey, y se centraron en asegurarse de que las adaptaciones de los dos siguientes libros fueran lo más fieles posible. Niall Leonard sigue diciendo: “Erika James quería que Cincuenta sombras más oscuras y Cincuenta sombras liberadas se rodaran lo antes posible y que las adaptaciones cinematográficas respetaran las novelas. Conozco bien la obra, pero también conozco a los fans, por eso sé qué partes son las que deben incluirse porque significan mucho para Erika y sus seguidores. Tengo experiencia como guionista y adaptador, y me sentí calificado para encargarme del proyecto. proyecto. El estudio e studio estaba de acuerdo en que condensara estas dos enormes novelas en una duración adaptada a la gran pantalla... sin perder perp ersonajes ni las partes importantes que tanto gustan a los fans”. E.L. James es la primera en reconoc reconocer er que colaborar con su marido para que Christian y Ana cobraran vida en otro medio era algo tan inesperado como poco ha-

27

28

bitual. “Fue una época interesante”, recuerda. “Niall se encerraba para escribir antes de presentarme un borrador y dar mi opinión. A partir de este momento era cosa de los dos, hasta que nos parecía adecuado para presentarlo al estudio”. Y con su habitual tono cáustico, cáustico, la escritora añade: “Él defendía su adaptación, pero seguimos hablándonos, o sea que todo salió bien”.

Niall Leonard dice que puede ser extraño que la propia cónyuge sea también la editora: “Cuando le daba algo a leer, me ponía nervioso. Pero al poco tiempo la oía reírse en la otra habitación y pensaba: ‘Bien, funciona, le gusta’. Debimos superar algunos obstáculos antes de trabajar juntos para revisar las primeras versiones. En ocasiones no estábamos de acuerdo en una escena y yo insistía: ‘Me gusta mucho

29

que sea así’. Y siempre contestaba: ‘No es fiel a la historia’”. Pero el guionista tuvo que hacerle una promesa a la autora antes de empezar a trabajar. “Si llegaba la hora de la verdad, ella tendría la última palabra”, dice Niall Leonard. “Christian Grey no es un personaje que cae bien a todo el mundo. Es dominante, peligroso, representa todo un reto. No es fácil para él dejarse resca-

tar por Ana, y la única persona que le conoce realmente es Erika. Lo sabe todo de él, es su brújula, es imposible equivocarse con ella”. El sinfín de razones para filmar ambos capítulos seguidos estaba claro para todos. En primer lugar, tratándose de la misma historia, los personajes y los ambientes son muy parecidos. En este caso, los actores y los decorados. Desde el punto de vista financiero tenía sen-

tido rodar las dos entregas seguidas. El productor Marcus Viscidi dice, “Una razón aún más importante que la económica era que los actores y el director James Foley dispusieran de los dos guiones para entender en qué dirección iban los personajes, cómo empezaba y acababa todo. El proceso de filmación fue mucho más fluido”. Cuando James Foley decidió aceptar el reto de rodar ambas películas seguidas, se unió a lista de los contadísimos realizadores que han hecho algo semejante. El productor Dana Brunetti recuerda cómo ocurrió todo: “Aún “Aún no habíamos decidido quién sería el nuevo director, director, pero ya hablábamos de la posibilidad de rodar a la vez CINCUENTA CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS y Cincuenta Sombras Liberadas. Conocía a James por la serie “House of Cards”. Era el director de la mayoría de capítulos de la primera temporada y había liderado la serie”. No solo el productor era un fan del trabajo de James Foley para la cadena Netflix, también había visto muchos de los largometra jes del realizador realizador.. “Nos reunimos con él y vimos que sus ideas para la película eran fantásticas”, explica Dana Brunetti. “Después hablamos con otros muchos directores para CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS y confeccionamos una lista. Luego empezamos a hablar de rodar las dos películas a la vez. Habíamos rodado así gran parte de “House of Cards”; o sea, dos episodios seguidos, y convencí a todos de que debía ser James, no solo por su experiencia en la serie, sino por la enorme comprensión que demostró tener de las novelas y de cómo debían plasmarse en la pantalla”.

“Hablábamos de la  posibilidad de rodar a la vez CINCUENTA  SOMBRAS MÁS OSCURAS y Cincuenta Sombras  Liberadas”.

Marcus Viscidi llegó a la misma conclusión que Michael De Luca, E.L. James y Dana Brunetti: “Necesitábamos a alguien que imprimiera un estilo fuerte, seguro y elegante a la dirección de actores. Durante nuestra primera conversación con James Foley, nos dijo que quería abrir la película. Le gustaba la primera, le había parecido buena, sexy y provocadora, pero pensaba que los personajes debían estar

31

32

más claramente en el mundo real y Seattle debía verse más para que los personajes interactuasen con el mundo que les rodea”. El realizador explica por qué le interesaba participar en la franquicia: “Cincuenta sombras es un desafío a las películas de género. Es una mezcla rebosante de elementos dramáticos, románticos, románticos, de fantasía para obtener un u n brebaje muy especial, con un toque muy particular”. No es la primera vez que el cineasta se enfrenta a la adaptación de una obra famosa, pero en esta ocasión sentía una conexión especial con los personajes creados por E.L. James. “Siempre me ha interesado el realismo psicológico, las películas y dramas con una complejidad psicológica”, explica. “Al leer los tres libros, me di cuenta de que era un espléndido estudio en esa especialidad, sobre todo de Christian, pero también de Ana. Su recorrido me interesó, sobre todo la forma en que interactúan sus personalidades y acaban fundiéndose en el transcurso de las tres novelas. Para mí, la evolución de los personajes es lo más importante”.

“Hablábamos de la  posibilidad de rodar a la vez CINCUENTA  SOMBRAS MÁS OSCURAS y Cincuenta  Sombras Liberadas”.

El realizador y la autora-productora autora-productora no tardaron en entablar una armoniosa relación. “Erika nos explicó claramente el arco dramático y cómo deseaba que se desarrollaran los personaje de Ana y Christian en las dos películas”, dice Marcus Viscidi. “James se ciñó a la información dada por E.L. James, le dio la vuelta e imprimió su propia visión a la historia. Fue una gran relación profesional, y Erika confió plenamente en él desde el principio”. James Foley se refiere a uno de los elementos clave a la hora de trabajar con E.L. James; es más, uno de los elementos clave para que cualquier rodaje funcione: “Ha sido genial, nos hicimos amigos desde el primer momento. Los dos transigimos, tanto Erika como yo, pero la película no transigió. Sacamos lo mejor del talento de ambos. Siento un profundo respeto por las tres novelas; su magia ha funcionado con muchísima gente. Mi intención era trasladar dicha magia a la pantalla, y fue maravilloso contar con la presencia de Erika. Siempre me apoyó y respetó mis decisiones”.

34

Sin Reglas ni Castigos: El Regreso de la Inusual Pareja En Cincuenta Sombras de Grey, el público conoce al multimillonario empresario Christian Grey y a la joven universitaria Anastasia Steele, pero el contenido de las dos en tregas siguientes es totalmente inesperado. Marcus Viscidi compara compara el primer capítulo a un despertar, despe rtar, mientras que los otros dos estudian en profundidad las motivaciones que animan a los dos protagonistas y al mundo en que viven: “El personaje de Dakota en CINCUENTA CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS debe entender qué le hace desear a Christian más allá de que sea un hombre apuesto. De hecho, empieza a sentir ganas de estar con él en la Sala Roja y experimentar con una sexualidad de la que aún dudaba en la primera película. Ahora le toca reflexionar acerca de qué la motiva y si quiere participar al nivel que le pide Christian”. Después de superar el torbellino que representó el lanzamiento de Cincuenta Sombras de Grey, Jamie Dornan y Dakota Johnson se sumergieron en el reto que representaba el rodaje de dos películas de la talla de CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS y Cincuenta Sombras Liberadas. “Hemos sido testigos de una evolución extraordinaria por parte de Jamie y Dakota”, dice Michael De Luca con admiración. “Aterrizaron en el ambiente exclusivo de una pareja icónica en el que debían comportarse con mucha intimidad... mientras todo el mundo les observaba y comentaba su comunicación gestual. Encarnar a Christian y Anastasia representaba una tarea difícil que habría superado a muchos actores, pero se enfrentaron a ella y superaron todas las dificultades. Me sigue deslumbrando el esfuerzo que han realizado así como la capacidad de ambos para plasmar pequeños matices y comunicar pasión”.

“Hay sombras muy oscuras. En ningún  momento se endulzan las  duras realidades de la relación entre ellos dos”.

El actor se alegró mucho cuando supo que James Foley iba a dirigir la película: “Siempre es duro incorporarse a una maquinaria que ya está en marcha, honrar el trabajo anterior, hacerse con el timón y la dirección”. Jamie Dornan reconoce que le gustó la franqueza del realizador: “La primera vez que hablé con Foley fue por Skype y dejó muy claro que quería llegar al fondo de los personajes. Le interesaba darles más cuerpo y no limitarlo al sexo. Sabía que no se trataba de eso, pero muchos otros sí podían pensarlo. Le importaban sus sentimientos. No es fácil para un actor encarnar a un personaje al que se describe d escribe como ‘impenetrable’ en la novela. Pero Foley estaba empeñado en mostrar a un personaje de verdad, para lo que debimos construir a Christian y explicar su comportamiento”.

36

Lo mismo pasó con Dakota Johnson, que decidió volver a leer la segunda y tercera entregas antes de empezar a rodar. “CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS profundiza mucho más en quiénes son realmente estas dos personas”, dice. “Nos muestra que recorren un camino tortuoso y tumultuoso, que no son personajes sencillos. No todo es color de rosa, ni mucho menos. Hay sombras muy oscuras. En ningún momento se endulzan las duras realidades de la relación entre ellos dos. Creo que sea cual sea la relación, hay algo de universal en los momentos difíciles de una pareja, y en este caso no importa que los de Anastasia y Christian sean tan peculiares”. La actriz estaba emocionada con la idea de volver a encarnar el personaje de Anastasia: “Nunca había participado en un proyecto tan largo ni me habían dado un papel tan importante. Me parece un gran honor tener la oportunidad de contar la historia de esta joven en la gran pantalla. Ha sido toda una experiencia; en ocasiones reveladora, en otras emotiva, dura, oscura y difícil. Pero también ha habido momentos de mucha alegría, de risa y de afecto. Una experiencia envolvente que me ha hecho madurar como persona. Por muy duro que haya sido rodar estas películas, nunca me he arrepentido de haber aceptado el papel y no cambiaría nada de la experiencia”.

“Mucha gente cree que estos libros  solo tratan de sexo  porque no los han leído a fondo o  porque se basan en lo que se dijo de la publicación del  primero”.

Contar con la presencia de la autora en el set ayudaba a todo el equipo a conocer a los personajes. Dakota Johnson dice que se perdió pocas veces durante el largo proceso y que sabía “dónde” estaba su personaje en todo momento. Y añade que E.L. James describió “la evolución de Anastasia a la perfección en los tres libros. Me facilitó mucho la tarea de interpretar a mi personaje”. Dakota Johnson también reconoce que tuvo mucha ayuda de la única persona que sabe realmente por lo que pasó durante el rodaje. “Confío plena-

38

mente en Jamie”, dice. “Es honrado, maravilloso, maravilloso, divertido y lleno de talento. t alento. Nuestra amistad se basa en la confianza mutua y empezó porque vio que yo necesitaba que me protegiera. Me ayudó mucho cuando me sentía incómoda. Si las cosas llegaban a un nivel emocional que no podía controlar, lo leía en mi rostro y conseguía protegerme. Aprendimos mucho el uno del otro y confío en él ciegamente”. Jamie Dornan no se queda atrás y añade que algo les une de por vida: “Después de la primera película, la presión y las expectativas que

generó, hemos alcanzado un punto donde somos muy espontáneos en nuestra relación. Lo genial de la relación con Dakota es que solo ella entiende lo mal que lo paso y solo yo entiendo lo mal que lo pasa ella. Nos necesitábamos mutuamente durante todo este proceso. Hubo momentos en los que realmente no fue fácil, se nos pedía mucho en e n cuanto a lo físico, sobre todo a ella, y llevaba mucha menos ropa que yo. Para estas escenas hace falta actuar con alguien que lo entienda y que haya estado desde el principio”.

Ambos intérpretes disfrutaron con la posibilidad que se les ofreció para profundizar en sus personajes y aportarles una dimensión más allá del sexo. Hablando de la progresión de la historia, Jamie Dornan dice, “Mucha gente cree que estos libros solo tratan de sexo porque no los han leído a fondo o porque se basan en lo que se dijo con la publicación del primero. Incluso si aceptamos que el sexo ocupa un lugar importante en la historia, CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS va por otra tangente muy satisfactoria para un actor. Es agradable saber que dispones de dos películas para de-

sarrollar otros aspectos de la historia y sacar a la luz lo que no pudo mostrarse en la primera. Es verdad que se nos exigió mucho más, pero también fue muy gratificante”. Christian es cada vez más abierto con Anastasia y descubrimos que no ha superado los traumas de la infancia que le impiden sentir empatía hacia los demás. No es fácil f ácil acercarse a él y no sabe tener una relación “normal” con los demás, aunque quizá es lo que más desee.

40

Acepta cambiar por Anastasia. Quiere ser el hombre que ella ha descubierto en él, pero es terriblemente difícil debido a los horrores por los que pasó siendo niño. Y tal como nos revela revela E.L. James al presentarnos a la oscura Elena, no todo es lo que parece. El mayor secreto de Christian es que su perentoria necesidad de dominar y controlar a sus compañeras procede de las heridas psicológicas que le han estigmatizado con la etiqueta de “sádico”. “En un momento dado se sugiere que quizá sea un sádico”, explica Jamie Dornan. “Hay una escena en la Sala Roja donde dice que no lo es, o quizá no quiera reconocerlo. Pero entonces dice que algo le paso y que ese algo va más allá de los límites normales. Estar con un hombre dominante es una cosa, pero Ana no está dispuesta a salir con un sádico. Christian debe descubrir si realmente lo es para poder cambiar”.

“Hablábamos de la  posibilidad de rodar a la vez CINCUENTA  SOMBRAS MÁS OSCURAS y Cincuenta  Sombras Liberadas”.

El hombre que lideraba el rodaje agradeció trabajar con dos actores que se preocupaban el uno del otro tanto como de su interpretación. “Soy el director director con más suerte del mundo”, dice James Foley. “Desde el primer día de rodaje hasta el último en París, no hubo un solo momento de fricción entre Jamie y Dakota. Es algo muy poco habitual entre dos actores que están juntos en casi todas las escenas de la película. Siempre hay un momento en que uno está e stá de mal humor o que no le gusta lo que hace el otro. Pero no hubo nada así en este rodaje. Tienen una relación muy cómoda, llena de humor y risas”.

Alrededor de Christian y Ana: Viejos Conocidos Conocid os y Nuevos Nuevos por Conocer Uno de los personajes de más importancia en Cincuenta Sombras de Grey es una mujer a la que nunca vemos, pero la marca que ha dejado en Christian irradia y afecta a todos los que se acercan a él. Ana suele referirse a ella con cierto sarcasmo y la llama “Sra. Robinson”, en referencia al personaje de Anne An ne Bancroft en la famosa película El graduado, que seduce a un hombre mucho más joven que ella, interpretado por Dustin Hoffman. Esta amiga de la madre de Christian le atrae a su cama y a su mundo cuando solo tiene quince años. El personaje, llamado Elena Lincoln, también es parte de CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS, y quién mejor para dar vida a esta enigmática mujer que la distinguida y actriz ganadora del Oscar protagonista de otro oscuro romance que sorprendió y causó sensación en su época, Nueve Semanas y Media. Marcus Viscidi habla de la brillante intérprete, “Kim aportó una visión muy específica después de hablar con James Foley, Foley, y fue absolutamente increíble. Los espectadores se quedarán atónitos ante los matices que imprime a su papel y la tensión creciente que consigue hacer palpable. Nunca se sabe hasta dónde es capaz de llegar en lo que se refiere a Christian. Hay un momento tremendo”.

42

El guionista Niall Leonard se enfrentó a un personaje depredador con bastante regocijo: “Lo pasé muy bien con el personaje de Elena porque está inmensamente segura de sí misma. Es sexy, experimentada, inteligente y exitosa, todo lo que Ana siente que no es, y por eso le intimida. Ana se siente empequeñecida y amenazada por su presencia. Tener a Kim Basinger para el papel es un sueño hecho realidad porque aporta un nivel de sofisticación único”. El director habla de cómo fue trabajar con la actriz: “Nos reunimos con Kim y vimos que es la mujer más agradable del mundo. Sentía una gran curiosidad por el personaje y estaba im-

paciente por empezar. Es genial trabajar con ella. Decía cosas como, ‘Puedes cambiar cosas en medio de la toma. Si se te ocurre algo, grítamelo y cambiaré de rumbo’. Solo una intérprete genial se abre tanto a un director. Llegó a Seattle y trajo el glamur de Hollywood al plató. Es una auténtica estrella, pero también es automáticamente creíble en el momento que pisa un plató. Parte de la desconfianza que Ana siente por Elena proviene del hecho de que no entiende, al principio, que Christian la necesite. Christian es un solitario por naturaleza y no tiene un círculo de amigos habituales; se apoya en

43

la gente que conoce desde hace años y en la que cree poder confiar. Elena es una de esas personas. De hecho, es copropietaria con Christian de un negocio, la lujosa peluquería Esclava. Sin embargo, Christian quizá se equivoca creyendo creyendo que Elena sigue siendo su amiga cuando ve que su relación con Anastasia es más profunda de lo que pensaba. Solo una persona conoce las motivaciones de Elena, y es la propia Elena. Christian tiene un pasado doloroso lleno de fantasmas. El guionista Niall Leonard habla de otro personaje que regresa del pasado: “Leila simboliza lo que Ana podría llegar a ser en un

futuro, y verlo le asusta. Si no consigue ‘rescatar’ a Christian, si lo pierde, quizá se convierta también en una mujer sin rumbo con un pasado roto y sin futuro. Leila regresa convencida de que puede reconciliarse con con Christian, pero se da cuenta de que todo lo que creía saber de él ya no existe porque Ana ha cambiado las reglas. Considera que Ana es un obstáculo entre ella y sus sueños”. “Leila es todo lo que Ana no es, no puede ser y no quiere ser para Christian”, puntualiza E.L. James. “No le gustan las mismas cosas que a Leila. Pero en un giro inesperado, Christian no desea estar con Leila, sino con Ana”.

44

La actriz australiana Bella Heathcote encarna al complejo personaje y habla con refrescante candor de la razón por la que aceptó el papel: “Quería participar. Es un fenómeno mundial y me fascinaba. Además, no suelen darme este tipo de papeles, pero estaba convencida de que podría hacer algo interesante. Sentía curiosidad por explorar el personaje dentro del mundo de la película, era un auténtico reto. Y me encantaba la vertiente de thriller de la historia. El peligro no es solo sexual, Leila también es una un a amenaza en la vida de Anastasia”. Bella Heathcote reconoce que al principio se sintió algo estresada al tener que encarnar a un personaje delante de su creadora, pero que no tardó en superarlo, “Me encantó que Erika estuviera en el plató y aceptara que yo fuese Leila. Al fin y al cabo, el personaje es suyo. Pero también me lo pasé muy bien con ella en el plató. No hablamos antes de empezar.. Pensé que si me equivocaba, pezar ya me lo diría. Después de una de las primeras escenas, se acercó a mí y solo tuvo palabras amables. Me sentí muy bien y pensé: ‘Genial, ¡vo ¡voy y por el buen camino!’”

“Mucha gente cree que estos libros  solo tratan de sexo  porque no los han leído a fondo o  porque se basan en lo que se dijo de la publicación del  primero”.

Antes de que Christian vuelva a entrar en la vida de Ana, esta conoce a alguien que quizá, a primera vista, pueda ser una alternativa aceptable al Sr. Grey. Grey. Se trata de su jefe, el editor Jack Hyde. Niall Leonard explica el papel de Jack en e n esta entrega, “Hyde es el Sr. Guapo, el Sr. Sr. Elegante. Es apuesto, inteligente y ocupa el puesto con el que Ana sueña. A todas luces, podría ser el hombre perfecto. Ahora bien, superar a Christian Grey no es sencillo y nunca llega a su altura. Durante la preproducción, mientras trabajábamos en el guion, se habló mucho de un triángulo amoroso entre Ana, Christian y Jack. Efectivamente, hay un triángulo amoroso amoroso,, pero solo existe en la cabeza de Jack. Cree que puede aspirar al título, aunque nunca ha tenido la más mínima oportunidad”. Para este papel clave, los productores productores y el director recurrieron a Eric Johnson, conocido por el papel del Dr. Everett Gallinger en la serie “The Knick”. Hablando del trabajo del actor canadiense, E.L. James dice, “Jack Hyde anuncia la tormenta por llegar, y tuvimos mucha suerte de que el maravilloso Eric le encarnara con una interpretación fantástica. Es alto y guapo, pero también saca una vertiente incómoda que deja entender que podría hacer mucho daño. Es absolutamente inimaginable que Eric haga algo siniestro porque es una bellísima persona, pero puede hacernos creer lo contrario. Es un poco demasiado alto para mi gusto, es lo único que puedo reprocharle”. Dakota Johnson habla del personaje de Jack Hyde, “Una de las peores trampas al encarnar al malo es olvidarse de que es un ser humano. Lo difícil es encontrar el lado humano en una persona que dice y hace cosas que te re-

46

pelen moralmente. Me parece divertido explorar esos caminos, se simpatiza con las personas que se equivocan de camino, en general debido a sus circunstancias. Tampoco voy a decir que esto excuse su comportamiento, pero debo esforzarme en entender a la gente. Forma parte de mi trabajo. Es fácil entender y admirar a las personas justas, pero cómo se humaniza a alguien que hace cosas horribles?” Durante su primera reunión, el director y el actor no tardaron en descubrir que coincidían en su enfoque. “Cuando hablamos del personaje, comprendí enseguida que íbamos en la misma dirección”, dice Eric Johnson. “Hyde es un tipo manipulador, un controlador que lo quiere saber todo de los que le rodean. Cuando no lo consigue, se enfurece, reacciona violentamente o fastidia a la persona que se le resiste, como un niño malcriado. Hablamos de esta faceta muy al principio y me ayudó a construir el papel”. En CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS también regresan las mujeres que sirven de ancla a las vidas de Anastasia y de Christian. Nos referimos a Marcia Gay Harden, como la madre de Christian, a Rita Ora, su hermana, y a Eloise Mumford, la mejor amiga de Ana. Marcia Gay Harden dice que aceptar un papel en la primera película significó ser parte de un auténtico acontecimiento. “No se trata de una pequeña película independiente; en cierto modo, es una especie de corporación. Me interesa llegar hasta la parte más pequeña de la historia, lo más personal dentro del evento. En la primera entrega, mi trabajo era presentar a una mujer elegante y maravillosa incapaz de ver algunas de las facetas de su hijo. No sospechaba la existencia de las vertientes más oscuras de Christian. Pero ya es hora de que abra los ojos y tenga el valor de aceptar a Ana en su vida”. La actriz no oculta que disfruta disfru ta mucho siendo parte del fenómeno. “Me encantó que en las redes sociales me llamaran ‘mamá Grey’ casi inmediatamente”. Rita Ora se sintió atraída por el parecido del papel con su vida: “Soy muy parecida a Mia. Ninguna de las dos nos callamos. Mia tiene tendencia a incomodar a su familia y Christian siempre le pide que se calle. Mia suele salirse con la suya. Lo que más me gusta esta vez es que me han cambiado de look. A esa edad se pasa por diferentes fases, y ahora viste más como yo en la vida real”. Eloise Mumford reconoce, reconoce, riendo, que su personaje se ha metido en su vida, “Mucha gente me para en la calle y me pregunta, ‘No la he visto en alguna parte?’ Sé inmediatamente que han visto la primera película y sienten que me conocen porque me han visto en la pantalla con Dakota. Me parece un tremendo cumplido. Sobre todo porque muchas veces me sorprende que

48

hayan visto la película, pero les parece que somos amigos porque me han visto en la pantalla”.

darios que amplían la historia y la hacen más atractiva para los espectadores que aún no hayan visto Cincuenta Sombras de Grey.

Christian no tiene tantos amigos como Ana, ni mucho menos, pero cuenta con un par de personas, entre las que está Taylor, su fiel y algo misterioso guardaespaldas y conductor, al que vuelve a encarnar Max Martini.

Están convencidos de que incorporar a más personajes les permite llegar a un mayor abanico de público, tanto femenino como masculino. “Los espectadores fieles han leído las novelas, pero mucha gente no las conoce”, explica Marcus Viscidi. “Intentamos atraerlos a las salas incorporando más acción, peligro y trama

Esta vez, los productores estaban encantados de dar la bienvenida a más personajes secun-

49

Dirección: James Foley  Elenco: Jamie Dornan, Dakota Johnson, Kim Basinger, Bella Heathcote, Eric Johnson, Marcia Gay Harden, Rita Ora, Eloise Mumford, Max Martini Calificación: Mayores de 16 años a la historia. CINCUENTA CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS es una película en torno a una pareja cuya relación progresa a pesar de los obstáculos - algunos del pasado, otros del presente - que deben superar. Es una historia dramática con una dirección. Y no es necesario haber visto la primera entrega para disfrutar de esta”. Marcia Gay Harden cree que otro de los grandes atractivos de la película está en el elenco. “Dakota es un genio convirtiéndose en lo

que llamamos ‘la chica de al lado’. Además de una belleza, es única, verdad? En un segundo puede transformarse en una chica normal que entra en este maravilloso mundo de fantasía. Jamie no es para nada el chico de al lado. Se le da muy bien ser algo especial, pero basta con que estén juntos para que las mujeres piensen: ‘Podría ser yo’. Y funciona”.

50

ANIMALES NOCTURNOS es un relato que advierte sobre la necesidad de adaptarnos a nuestras elecciones y a las consecuencias que puedan tener las decisiones que tomamos. En una cultura que es cada vez más desechable, donde todo, incluso las relaciones, es descartable, ANIMALES NOCTURNOS es una historia de lealtad, dedicación y amor. Habla del aislamiento que todos sentimos y de la importancia de valorar las conexiones personales que nos apoyan en la vida.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN ANIMALES NOCTURNOS, la segunda película del director y guionista Tom Ford, después de la aclamada Un Hombre Soltero (2009), explora los enormes cambios psicológicos y emocionales de hombres y mujeres que viven - o intentan vivir - con su propia verdad. ANIMALES NOCTURNOS  es la historia de una mujer atrapada entre el pasado y el presente, a la vez que devora y es devorada por una historia. El cineasta, al adaptar a la gran pantalla la novela Tres Noches, publicada en 1993 por el escritor Austin Wright, ha tenido que conseguir el mismo nivel de concentración en la palabra escrita que en la imagen en movimiento. “La escritura del guión es la parte que más me gusta de hacer cine”, reconoce Tom Ford. “En la fase de escritura, la película es completamente mía, solo existe en mi cabeza y en su forma más perfecta. Para mí, lo primero es recoger imágenes que tengan que ver con los personajes y sus mundos. Busco imágenes de interiores, decorados, personas reales que comparten los mundos de los personajes que estoy creando. Solo entonces me siento a escribir e incorporo en el guión los detalles que he encontrado durante mi periodo de documentación fotográfica. fotográfica. Los personajes de ANIMALES NOCTURNOS se mueven en dos mundos, y estoy muy familiarizado con ambos. Crecí en Texas y en Nuevo México, por lo

51

que me fue fácil escribir la parte de la historia que transcurre en la parte oeste de Texas, y desafortunadamente también conozco el ambiente algo enrarecido en el que habita Susan en Los Ángeles”.

52

“Visualizo cada sonido, cada imagen; escribo el guion casi toma a toma”, sigue diciendo el realizador. “Cuando llega el momento de rodar, todos los detalles de lo que quiero grabar están muy claros en mi cabeza. Pero lo mejor de trabajar con buenos técnicos y magníficos actores es que, en muchas ocasiones, durante el rodaje ocurren cosas espontáneas que no había imaginado. Es lo que aporta riqueza y matices al producto final. Es importante mantenerse abierto a cualquier cambio durante un rodaje e intentar verlo todo como si fuese nuevo. A pesar de acabar siendo diferente de lo que imaginé cuando estaba solo en mi escritora, la sorpresa del momento y la interpretación hacen más compleja la película”. Para plasmar en la pantalla un relato dentro de otro, además de la exploración del deseo, la ambición y la indulgencia, Tom Ford agudizó aún más sus dotes de guionista y realizador que en su primera película. La película Un Hombre Soltero transcurría en 1962, estaba basada en gran parte en flashbacks

de años anteriores y se movía principalmente en torno a un solo hombre. Sin embargo, ANIMALES NOCTURNOS trata de tres personajes, de sus odiseas y de cómo se van cerrando las conexiones entre ellos. Al transformar la novela Tres Noches al guion de ANIMALES NOCTURNOS, el estilo de vida de la sociedad contemporánea le permitió a Tom Ford imaginar lo aislada y perdida que se encuentra Susan Morrow, la protagonista de la película. “El estilo no es mi objetivo cuando hago cine”, dice el director. “El estilo sin sustancia es vacío, hueco. Pero sí cuido mucho el estilo de los personajes de la historia. Los decorados y el vestuario no solo sirven para dar pistas al público, sino para ayudar a los actores a meterse completamente en el papel. Es muy importante que el tono sea consistente; el estilo de grabación debe funcionar estilísticamente con la banda sonora y el diseño de sonido, con el fin de formar un mundo coherente. Soy de la opinión de que una imagen vale más que

mil palabras y de que el cine es realmente un medio visual. Creo que las películas deben ser silenciosas, que el idioma y las palabras solo deben usarse usar se cuando sea necesario para impulsar la narración”. “Me dicen que escribo escenas muy largas”, añade Tom Ford. “No es algo consciente. Creo más bien que nace de mi deseo de formar conexiones entre los personajes. En la vida real, nada me gusta más que una buena conversación, por lo que sospecho que tiendo a crear escenas con bastante diálogo, cortadas por otras donde los personajes hacen algo significativo sin hablar”. La adaptación cinematográfica no fue fácil y acabó alejándose de la novela. “La novela Tres Noches está muy bien escrita”, explica el cineasta. “Es una historia genial. El concepto de una historia moral contada a través de una ficción, la novela dentro de la novela,

53

54

es fresco y original. En cuanto la leí, pensé que podría ser una gran película. Pero no era un libro fácil de adaptar y me llevó cierto tiempo decidir cómo enfocarlo. Una novela y una película son muy diferentes, y una interpretación literal de un libro no suele funcionar en la pantalla. Me gusta apoderarme de los temas que me atraen de un libro para luego exagerarlos y explorarlos en la pantalla. En ese sentido, ANIMALES NOCTURNOS es fiel a la novela, aunque parte de los elementos de la historia son completamente míos y el telón de fondo es totalmente diferente”. “La novela Tres Noches es, en gran medida, un monólogo dentro de la cabeza de Susan, por lo que debí crear escenas de su vida que comunicaran los sentimientos que expresa mentalmente en el libro”, explica Tom Ford. “Y hacerlo además de forma visual sin recurrir a una voz en off que hubiera ocupado gran parte de la película. Asimismo, el tema base de la novela de Edward nunca se define claramente en el libro y sentí que debía exagerarlo para que quedara claro en la pantalla”. pantalla” . “En cuanto a los aspectos prácticos, cambié de lugar en parte porque la novela fue escrita a principios de los noventa, antes de que los teléfonos móviles fueran tan habituales”, explica. “El método que usa el delincuente, tal como está descrito en la novela, no funcionaría hoy en día si no hubiera situado la historia en una zona con muy poca o nula cobertura. Decidí escoger el oeste de Texas - la historia original origina l transcurre en el noreste de Estados Unidos - porque no es difícil imaginar que allí no haya cobertura. También es una zona con la que estoy familiarizado, y ya se sabe: ‘Escribe de lo que conoces’”.

“En Tres Noches, el personaje de Edward Sheffield dice que ‘nadie escribe acerca de nada excepto de sí mismo’. Me pareció adecuado mantener esa frase en la película porque estoy profundamente de acuerdo con ella”, sigue diciendo Tom Ford. “Todos vemos el mundo a través del filtro de nuestro yo. La novela ANIMALES NOCTURNOS, escrita por Edward, está plagada de detalles y emociones procedentes del pasado que compartió con Susan. Obviamente, inventé la gran mayoría, pero quería hacer hincapié en que Edward escribía una historia personal, la historia de su vida con Susan y su explicación de lo que ella le había hecho. Por ejemplo, en uno de los flashbacks, vemos a Susan leer un relato escrito por Edward, pero le aburre y él acaba profundamente herido por la reacción de su esposa. En la escena, ella está recostada en un sofá rojo. Es un detalle que se quedó grabado en la mente de Edward y cuando decide matar al personaje que representa a Susan en su novela, coloca el cuerpo en un sofá de terciopelo rojo. El asesino en la novela conduce un Pontiac GTO verde de los años setenta; el mismo coche aparece en otro flashback en el momento en que Susan deja a Edward. El libro de Edward está lleno de detalles de su vida juntos porque se han quedado grabados en su cabeza, del mismo modo que detalles de mi vida personal están incluidos en el guion”. “Uno de los temas que más me interesó personalmente es la exploración de la masculinidad en nuestra cultura”, reconoce el guionista y director. “Los personajes de Tony y Edward no son los típicos estereotipos masculinos que se espera en nuestra sociedad, pero ambos triunfan. Crecí en Texas, y de niño no era nada masculino, por lo que

55

lo pasé muy mal. Simpatizo con los personajes de Tony y Edward, entiendo su perseverancia”. El impulso de la narración, el relato dentro del relato, es apasionante. Parece haber sido diseñado para crear una experiencia cinematográfica envolvente. Todos los personajes de la historia sienten la necesidad de pasar página. Algunos ya han empezado a hacerlo antes de que los veamos por primera vez, otros lo hacen por necesidad. Aunque en ANIMALES NOCTURNOS hay tres protagonistas, solo dos actores encarnan los papeles. Se trata de actores conocidos que han demostrado con creces su capacidad interpretativa.

56

Tom Ford escogió a Amy Adams, nominada por la Academia, “por su increíble don para comunicar emociones sin necesidad de hablar, le basta con la expresión y la mirada”, dice el director. “Amy es una gran actriz. Hay algo en su mirada, algo honrado, auténtico. Quería que el público simpatizara con el personaje de Susan. No sería nada difícil odiar a Susan porque, ya lo dice ella en la película, ‘lo tiene todo’, y sin embargo no es feliz. Ha escogido un camino que no

coincide con su verdadera naturaleza. En cierto sentido, es víctima de su educación y de lo que se espera de las mujeres en nuestra cultura”. “Durante gran parte de la película, el personaje se limita a leer y a reaccionar en silencio a lo que lee”, comenta Tom Ford. “Y aquí es donde veo sus enormes dotes interpretativas. Su actuación es tremendamente honesta. Accedió al dolor de Susan de forma que podemos empatizar con ella sin odiarla. Interpreta a Susan con gran sutilidad, de forma muy matizada. El papel de Susan es, en muchos aspectos, el más complicado, ya que no puede apoyarse en grandes gestos, demostraciones, ni siquiera en las palabras para comunicar lo que siente su personaje”. Tal como demostró en películas como The Master y Escandalo Americano, la actriz sabe cómo añadir capas claras y oscuras a sus personajes sin impedir que el público se identifique con ellos. Según el director, “los sentimientos de Susan son complejos, aunque aparente tranquilidad y serenidad”.

57

A pesar de que nunca nun ca habían trabajado juntos, Tom Ford estaba convencido de que Jake Gyllenhaal, también nominado por la Academia de Hollywood, encajaría muy bien con la actriz. “Siendo realista, no fue fácil encontrar a dos actores conocidos y buenos que pudieran dar vida a dos personajes a los que vemos de jóvenes, a los veintitantos años, y ya cumplidos los cuarenta. Jack y Amy son de los pocos actores capaces de hacerlo”, dice Tom Ford. “Los pequeños cambios en sus gestos y en su forma de hablar en plena juventud y veinte años después son increíbles. Ambos lo consiguieron maravillosamente bien”. El director estaba convencido de que Jake Gyllenhaal lo daría todo en las dolorosas escenas del relato dentro del relato, “Quería a Jake en el papel de Edward/Tony porque siempre lo he admirado por arriesgarse tanto en sus interpretaciones. Era un

papel duro y muy exigente. Sabía que Jake estaría brillante y, desde luego, no me equivoqué”. Los dos papeles secundarios, pero de crucial importancia, el teniente Bobby Andes y Ray Marcus, cada uno en un extremo de la ley, recayeron en Michael Shannon, nominado por la Academia, y en el actor británico Aaron Taylor-Johnson, respectivamente. El realizador los escogió por su versatilidad, una cualidad que les ha permitido encarnar personajes de periodos históricos y nacionalidades muy diferentes, hasta el punto de llegar a desaparecer en el papel que asumen. Según Tom Ford, esa adaptabilidad era vital “para que los dos hombres cobraran vida. Efecti-

59

60

vamente, los personajes solo existen en el manuscrito que lee Susan, pero debían hacerse con su imaginación imaginación y cautivar al espectador”. El resto del reparto recayó en consumados intérpretes. A pesar de que algunos de ellos solo estuvieron en el set un par de días, Tom Ford disfrutó trabajando con ellos. “Fue una suerte increíble contar con actores tan tremendos para los papeles secundarios. Me parece que Armie Hammer estuvo brillante y supo captar el personaje de Hutton Morrow con asombrosa precisión. Tanto Andrea Riseborough como Michael Sheen encarnaron a la moderna pareja formada por Alessia y Carlos exactamente como los había imaginado cuando escribía el Guion. Aunque aparecen en pocas escenas, consiguen hacernos ver exactamente quiénes son y crear una intimidad con el personaje de Susan que nos ayuda a entender el contexto de su mundo y de su vida personal”. “Pienso que la interpretación de Laura Linney es espléndida, y cuando veo a Amy y a Laura en la escena del restaurante, me parecen increíbles”, sigue diciendo el realizador, hablando del reparto. “Y no digamos Isla Fisher en una notable actuación dramática que sorprenderá al público.

Estamos acostumbrados a verla en papeles cómicos, pero su potencial dramático es tremendo. Karl Glusman, en el papel de Lou, interpreta de una forma tan matizada que da escalofríos. Como persona, no puede ser más diferente de su papel en la película, lo que a mi entender demuestra su calidad como actor. Ellie Bamber no solo es guapísima, sino una joven actriz con mucho futuro que encarnó a India con una conmovedora autenticidad. Su inocencia hace que el crimen sea aún más visceral. Rob Aramayo es otro actor con un brillante porvenir y creo que su encarnación de Turk es formidable”. Al situar a los personajes en lugares muy específicos, los decorados cobraron aún mayor importancia por las pistas que dan sobre la vida de los personajes. Las secuencias tejanas se rodaron en los alrededores de Mojave, California. Entre las localizaciones en Los Ángeles destacaremos Bel Air, Holmby Hills, Malibú, Pasadena y Beverly Hills. La emotiva escena invernal en una calle de Nueva York se recreó de forma sorprendente en el Wilshire Boulevard. En las secuencias contemporáneas de Los Ángeles, los interiores definen el mundo de Susan. El director trabajó con el diseñador Shane Valentino para recrear lo que había imaginado en el Guion. El diseñador, que ya había explorado mundos muy diferentes en películas como Beginners y

61

Straight Outta Compton, comparte numerosas referencias culturales y visuales con Tom Ford. Este último dice, “Me hace gracia la forma en que Shane y yo conectamos. Una agencia me había pasado una lista de diseñadores de producción y decidí entrar en la web de cada uno. Caí en una página donde había varias imágenes promocionales mías e incluso una foto que yo había hecho. También me di cuenta de que la letra era casi idéntica a la que uso para la publicidad de la marca TOM FORD, y pensé: ‘¿Quién es este hombre? Tengo que conocerlo’”. “Llamé a Shane y me encontré con él en mi despacho de Los Ángeles”, sigue diciendo. “La conexión fue inmediata, casi podíamos comunicarnos sin hablar. Compartíamos las mismas referencias. Tenía la impresión de estar ante un amigo de toda la vida y no entendía por qué no nos habíamos conocido antes. Ha hecho

62

un trabajo increíble en la película, tengo muchas ganas de volver a trabajar con él”. El director de fotografía Seamus McGarvey se encargó de captar todos los vaivenes psicológicos y físicos de la historia. Acostumbrado a rodar películas épicas e intimistas, diseñó las tomas con Tom Ford, que estaba convencido convencid o de que Seamus Se amus McGarvey sabría intuitivamente cuándo mantener la intimidad o abrir una secuencia. “Nadie duda de que Seamus tiene un enorme talento”, alaba

el realizador. “Es rápido, sabe ver. Hace mucho que admiro su trabajo y creo sinceramente que es uno de los grandes directores de fotografía del momento. Tenemos amigos mutuos, pero no nos conocíamos. Nos vimos por primera vez en mi despacho de Londres y pasamos varias horas hablando. Nunca dudé de que debíamos trabajar juntos”. Y añade: “Además de tener mucho talento, Seamus es la persona más tranquila y amable que jamás he visto en un plató. Es profundamente respetuoso y se ganó el afecto y la confianza de todos los intérpretes. Es un honor que haya sido el director de fotografía de ANIMALES NOCTURNOS”. Otros miembros clave del equipo técnico volvieron a colaborar con el director después de Un Hombre Soltero. La diseñadora de vestuario Arianne Phillips, el compositor Abel Korzeniowski y la montadora Joan Sobel se esforzaron para es-

63

64

tar disponibles y trabajar en ANIMALES NOCTURNOS. “Esta película demuestra que se debe cuidar a las personas que te rodean y en las que confías”, explica el director. “Para mí, es una regla de oro. Cuando se trabaja con gente talentosa con la que es un placer codearse cada día, por qué no seguir haciéndolo una y otra vez? Espero sinceramente rodar muchas más películas con Joan, Arianne y Abel porque hacen su trabajo muy bien y son personas maravillosas”.  La diseñadora de vestuario Arianne Phillips fue nominada a un BAFTA por su trabajo en Un Hombre Soltero, y Tom Ford dice que “tiene un gusto impecable. A menudo le hago preguntas en el set acerca de las interpretaciones, la posición de la cámara y muchas otras cosas que no tienen nada que ver con su profesión. No solo es una talentosa diseñadora de vestuario, - en mi opinión, una de las mejores - lo ve todo y no suele equivocarse. Su opinión no tiene precio”. El compositor Abel Korzeniowski fue nominado a un Globo de Oro por Un Hombre Soltero, además de ser el compositor de las tres temporadas de la serie “Penny Dreadful”. El director dice: “Tanto a Abel como a mí nos gustan las partituras ricas, exuberantes, sensuales, al estilo de Bernard Herrmann,

pero también compartimos una inclinación por el minimalismo de Philip Glass. Nuestros gustos musicales son idénticos, y Abel, mejor que cualquier otro compositor actual, sabe crear partituras tan atrevidas como dramáticas que captan las emociones a la perfección. No se debe menospreciar la importancia de la música en una película, ya que puede aumentar la tensión o la emoción en una escena, incluso puede llegar a transformarla. Abel es un genio de la composición”. Después de reconocer en Un Hombre Soltero que su “mayor descubrimiento fue el montaje”, Tom Ford ya sabía de antemano ante mano que ANIMALES NOCTURNOS  solo podría cobrar forma con la ayuda de Joan Sobel: “Joan es mi mayor colaboradora y estoy totalmente de acuerdo en que una película se hace en la sala de montaje. Pasamos siete meses en una sala a oscuras, uno al lado del otro, montando la película. Joan es maravillosa”.

“Compartimos nuestro amor por el cine. A menudo acabamos hablando de películas que nos apasionan. Sin Joan, ANIMALES NOCTURNOS no habría llegado a la gran pantalla, y ya tengo ganas de pasarme otros siete meses con ella montando otra película”.

66

El cineasta cree que ANIMALES NOCTURNOS es un recorrido absorbente, lleno de suspense, así como un viaje interior, y espera que el espectador “esté dispuesto a identificarse con más de un personaje”.

67

Dirección: Tom Ford Elenco: Amy Adams, A dams, Jake Gyllenhaal, Michael Shannon, Aaron Taylor-Johnson, Isla Fischer, Karl Glusman, Armie Hammer, Laura Linney, Andrea Riseborough y Michael Sheen Calificación: Mayores de 18 años

“Quería hacer una película acerca de dos soñadores, dos personas impulsadas por unos sueños tremendos, sueños que les unirán y que también los separarán”, dice Damien Chazelle. “LA LA LAND es muy diferente de Whiplash”, continúa diciendo el director, “pero las dos películas tratan un tema que me interesa mucho personalmente: la manera de equilibrar la vida personal con el arte, los sueños con la realidad y, más específicamente, cómo equilibra el artista sus relaciones con el arte y otras personas. En esta ocasión he querido contarlo a través de la música, de canciones, de bailes. Creo que el género musical es un gran vehículo para expresar el juego de malabarismos que representan los sueños y la realidad”.

68

69

70

 Aunque los componentes de la película sean atemporales, el productor Marc Platt, un experto del género musical en cine y en teatro, recalca que el enfoque es totalmente innovador. Se unió a otros dos productores, Fred Berger y Jordan Horowitz, para desarrollar el proyecto con Damien Chazelle desde un principio. “Damien ha infundido nueva vida al género apoyándose en los elementos clásicos e incorporándolos a la vida contemporánea de Los Án-

geles”, dice Marc Platt. “Ha trasladado los cimientos de las grandes películas de antes a una historia para las nuevas generaciones”. Para conseguir un híbrido de ideas innovadoras con formas clásicas, Damien Chazelle se rodeó de un grupo de colaboradores que ayudó con sus ideas.  Además de los productores productores Fred Berger, Berger, Jordan Horowitz y Marc Platt, contó con el apoyo del compositor Justin Hurwitz, con el que ya empezó una asocia-

71

ción creativa en las películas Whiplash y Guy and Madeline on a Park Bench, y entre ambos crearon un universo musical totalmente nuevo; los letristas Benj Pasek y Justin Paul, especializados en musicales de Broadway nominados a los Tony Tony y a los Emmy, y a los que suele llamarse los Rogers y Hammerstein del siglo XXI; el productor ejecutivo musical Marius de Vries, que se ocupó de la dirección musical de Moulin Rouge y co-compuso la música de Romeo

+ Julieta de William Shakespeare, ambas de Baz Luhrmann, y la coreógrafa Mandy Moore, que ha acercado la danza contemporánea al gran público a través del programa “So You Think You Can Dance” y ahora ha tenido la ocasión de demostrar su talento creando por primera vez números para la gran pantalla. El músico Justin Hurwitz dice que Damien Chazelle y él compartían la intención de proporcionar un idio-

ma contemporáneo - musical, visual y emocional - a un género que tiende a despertar la nostalgia. “No debíamos limitarnos solo a hacer un musical, sino un musical sobre la realidad del amor y los sueños en Los Ángeles de hoy en día. Eso es lo que nos dio más energía”, explica. “Los musicales siempre son muy exagerados; es algo que nos encanta, pero también nos gustaba la idea de captar una sensación real de la vida actual dentro de ese mundo intensificado”. Mandy Moore considera que LA LA LAND tiene un lugar propio entre la realidad actual  y la atemporalidad: “La película muestra muestra la relevancia cultural de la maravillosa fusión entre música, movimiento, interpretación, canto y narración”.

72

73

Dentro del mundo de LA LA LAND Todo empezó como un sueño loco. Damien Chazelle quería hacer una película que canalizara la magia y la energía de los mejores dramas románticos musicales franceses y estadounidenses de la era dorada... y trasladarlas a la época más complicada e insensible en la que vivimos. Por mucho que haya cambiado nuestro mundo en los últimos cincuenta años, ¿somos realmente menos proclives a dejarnos llevar por los caprichos de los encuentros inesperados, las oportunidades perdidas, los sueños hechos realidad, el amor puro  y desmedido o a que la presión presión del mundo mundo cambie nuestras nuestras intenciones intenciones más puras? Damien Chazelle se planteó la posibilidad de contar una historia a través del canto  y la danza para ofrecer al público un bonito bonito y creíble cuento de hadas en un mundo donde las películas son cada vez más oscuras y digitalizadas.

74

“Quería que LA LA LAND fuese una historia de amor y también un musical como los que me cautivaban de niño, pero puesto al día, moderno. Me interesaba explorar el uso del color, de los decorados, del vestuario, todos los elementos expresivos de la  vieja escuela cinematográfica cinematográfica para contar una una historia actual”. El productor Marc Platt añade: “La estética de la película es muy moderna. El movimiento de la cámara fluye constantemente para que el espectador esté al lado de los actores, pero al mismo tiempo la historia nos lleva a la gran época de Hollywood”. La estética de la película surge del amor que el director siente desde muy joven por el cine, pero el largometraje nació en una cafetería durante una reunión con dos productores, Fred Berger, Berger, que empezó trabajando con Sofia Coppola y que produjo la premiada El Regreso de un Soldado, así como el próximo estreno de ciencia-ficción The Titan, y Jordan Horowitz, conocido por el nada tradicional drama familiar Los Chicos Están Bien, nominado a un Oscar. Fue entonces cuando Damien Chazelle les habló de una película musical romántica con Los Ángeles de telón de fondo. Ninguno de los dos productores sabía cómo podía hacerse, pero la idea les intrigó. “Cuando lo conocimos, Damien nos dejó atónitos por su conocimiento cinematográfico, a pesar de que solo había hecho una pequeña película en la universidad. Pero lo mejor ha sido ver a aquel chico tímido transformarse en un prometedor cineasta que ha hecho realidad lo que nos propuso el primer día que tomamos un café juntos”, dice Fred Berger.

El productor cuenta cómo les vendió la idea el realizador, “Fue una presentación totalmente diferente y muy atrevida. Creímos que tal como está la industria ahora, era muy posible que jamás se rodara, y decidimos que valía la pena dedicarle unos años y conseguirlo. Damien quería revolucionar el típico género musical romántico y convertirlo en algo fresco y visceral. Dado su conocimiento enciclopédico sobre producción cinematográfica, nos pareció que si había alguien capaz de hacer esta película, era él”. “La energía y la creatividad de Damien son contagiosas. Cuando nos describió lo que quería hacer hacer,, no dudamos en unirnos al viaje, por mucho esfuerzo que requiriese”, explica Jordan Horowitz. “Nuestra misión era encontrar la mejor manera de ayudarle a contar la historia. El concepto nos conquistó de inmediato, pero tardamos mucho en desarrollar el guión, los personajes y las canciones”. Los dos productores eran conscientes del inmenso reto que representaba el proyecto. “Tiramos la prudencia por la borda”, dice  Jordan Horowitz. “Nos inclinamos por seguir un proceso más orgánico porque no nos impusimos una fecha límite. Nos bastó con saber que encontraríamos la forma de rodar la película”. En cuanto a influencias más clásicas, Damien Chazelle reconoce que una de sus grandes inspiraciones son las películas de  Jacques Demy, que se atrevió a romper los moldes de los años

75

76

sesenta con deliciosos musicales de tonos pasteles como Los Paraguas de Cherburgo, Las Señoritas de Rochefort y Una Habitación en la Ciudad. “Es muy probable que Demy sea mi mayor influencia, no solo en esta película, sino en todo lo que he hecho y he querido hacer hasta la fecha”, reconoce el realizador. realizador. “Ninguna otra película me ha enseñado tanto como Los Paraguas de Cherburgo; es mi amor más profundo”. Damien Chazelle decidió mezclar algunos de los elementos que más le gustan del género musical de los años cuarenta, cincuenta y sesenta, la omnipresente música, los sorprendentes colores, la energía de los personajes, con otro gran amor suyo: la ciudad de Los Ángeles, que ocupa un lugar tan importante en la película como los dos protagonistas. Los Ángeles ha interpretado muchos papeles en la historia del cine y ha

77

78

sido cosas muy diferentes, desde peligrosa y lúgubre, a paraíso surfero con bikinis, pasando por un nido de ambiciones. Pero el realizador decidió d ecidió que exploraría Los Ángeles como una musa, como un lienzo en movimiento de encuentros inesperados, eterno tráfico y lugar donde todos corren detrás de sus sueños. “LA LA LAND transcurre en una ciudad épica, una ciudad de pantalla panorámica”, añade el director. “Por eso pensé que debíamos rodar en panorámico, para que fuera tan espectacular como un musical clásico de Hollywood”. La primera escena de la película tiene lugar en un atasco en la autopista por una razón muy concreta. “En Los Ángeles, la mayoría de coches van ocupados por una o dos personas”, dice el director. director. “Por eso uno se siente solo en la ciudad, entre otras cosas. Pero también muestra que es un refugio para los soñadores. Cuando uno está en el coche, qué hace? Pone música o sue-

79

ña. Cada soñador tiene un sueño, cada persona vive su propia canción. Estás en tu burbuja, en tu musical. Es el sitio perfecto para que dos soñadores como Sebastian y Mia se conozcan. Las radios de los coches crean un fondo f ondo musical, y todos los que están en la autopista se unen poco a poco al momento”. Damien Chazelle también considera Los Ángeles como una ciudad de anhelos, mostrando los pequeños clubes de jazz, las melancólicas salas de espera antes de las pruebas, los apartamentos de paso, las cafeterías de los grandes estudios donde se cruzan los famosos y los que aspiran a serlo, pero también plasma la otra cara de la metrópoli con sus fiestas, planetarios e

80

incluso aparcamientos que pueden convertirse en un paisaje onírico sostenido por la música. “LA LA LAND es una carta de amor a la ciudad”, dice el productor Marc Platt. “La película fusiona de forma única a dos personas que llevan una vida totalmente moderna y actual con lugares icónicos del viejo Hollywood. La sensación es de fantasía romántica y, y, a la  vez, de absoluta realidad”. realidad”. El director había estudiado el concepto a fondo, pero un musical a gran escala no parecía ser el paso lógico para alguien con solo dos películas en su haber. Se dio a conocer con Whiplash, estrenada en 2014, que cuenta la historia de un joven baterista de jazz y de su implacable profesor. La película asombró gracias al ritmo hipnótico con el que se explora la obsesión, los abusos y

81

la búsqueda de la grandeza. Fue nominada a cinco Oscar, Mejor Película entre ellos, y ganó tres.  Antes de Whiplash había experimentado con el género musical en su primera película, Guy and Madeline on a Park Bench, un romance en blanco y negro contado con canciones y bailes, realizada en 2009 como proyecto de fin de carrera en la Universidad de Harvard, con un presupuesto mínimo. “Empecé tarde a interesarme por los musicales, casi cuando terminaba el instituto, al mismo tiempo que descubrí el cine vanguardista”, explica Damien Chazelle. “El cine de los años treinta era muy experimental y fue así como empecé a ver las películas de ‘Fred y Ginger’”. Su primera película dejó claro que el director tenía talento e ideas innovadoras. “Guy and Madeline fue mi primer intento y solo rascó

la superficie de lo que me apetecía hacer con el género”, explica. “Seguí escribiendo guiones para ver cómo podía desarrollar una idea mayor para un musical partiendo de los mismos principios; es decir, un musical anclado en la realidad, pero en la espectacular tradición del Cinemascope y del Technicolor Technicolor de los años cincuenta”. Este empeño lo llevó a LA LA LAND, aunque el recorrido no fue lineal, ni mucho menos. Damien Chazelle había empezado a trabajar en la historia con el compositor Justin Hurwitz, al que conoció estudiando en Harvard antes de su colaboración profesional en Guy and Madeline on a Park Bench y Whiplash. Parece ser que el compositor y el director siempre se han comunicado mediante ritmos y melodías. “Nuestra relación gira en torno a la música”, dice Justin Hurwitz, “y pep elículas que consideramos importantes, como Los Paraguas de Cherburgo o Cantando Bajo la Lluvia”. “Justin y yo hablamos el mismo idioma”, recalca el realizador. “Compuso la música de Whiplash, y ahora de LA LA LAND, y espero que se ocupe de la música de todas mis futuras películas”.

83

84

85

El músico siente mucho cariño por Sebastian y Mia, dos soñadores modernos que reúnen sus dos pasiones, la música y el cine. Cree que la enorme atracción que sienten los protagonistas el uno por el otro y, al mismo tiempo, su creciente alejamiento debido a sus diferentes intereses artísticos son los motores de todos los elementos creativos de la película, incluso de la partitura. par titura. “Es una película muy romántica a la que acompaña una sensación melancólica”, explica Justin Hurwitz. “Está la euforia del amor amor,, pero también el desgarro de la separación, y ha sido necesario tejer todos esos matices en la partitura”. La sinergia creativa entre Damien Chazelle y Justin Hurwitz se hizo patente desde el principio. “Justin ha estado conmigo en cada paso del proceso”, dice el realizador realizador.. “Antes de que empezara a escribir los diá-

86

logos, cuando aún estábamos en la etapa de construir la historia, Justin  ya había empezado a buscar temas musicales para la película. Durante el montaje, yo estaba en una sala, y él trabajaba al otro lado del pasillo”. El productor Fred Berger añade, “Justin ha sido un miembro crucial de nuestra familia cinematográfica desde el primer momento. Una de las cosas que más me gustó fue ver que componía la música a medida que desarrollábamos la película. Justin y Damien se conocen desde que tenían 18 años y trabajan como si fueran hermanos, alentándose mutuamente.  Justin vive y respira por la música. Para él, la calidad merece cualquier sacrificio. Mandó cientos de demos de piano a Damien, que se quedó con unas veinte. Jordan y yo lo redujimos aún más, y las canciones se desarrollaron a partir de estos pequeños hilos, un poco como se desarrolla un guión”.

87

El productor Marc Platt concuerda con Fred Berger: “Justin Hurwitz tiene un talento muy especial, es un hombre tranquilo con un alma de verdad que invade su música. Le pedimos melodías que reuniesen diversos sentimientos actuales, pero que dieran la sensación del mundo atemporal del jazz. Ha compuesto cada una de las notas que se oyen en la película, es una voz musical que acompaña a la perfección el estilo de Damien, además de aportar algo suyo”. El productor ejecutivo musical Marius de Vries, que trabajó con el compositor y el resto del equipo creativo desde el principio de la preproducción, añade: “Fue increíble contar con un entramado tan rico y orgánicamente coherente, en el que incluyo el meticuloso trabajo de Damien  y las preciosas melodías y sofisticadas orquestacione orquestacioness de Justin J ustin desde el primer momento de la preproducción musical. LA LA LAND tuvo un estilo propio desde sus inicios. Sabíamos en qué mundo sonoro nos movíamos, lo que nos facilitó el camino para protegerlo y apoyarlo”. El éxito de Whiplash demostró que Damien Chazelle tiene mucho talento, lo que hizo aumentar el interés por LA LA LAND. El realizador presentó el proyecto a Lionsgate, que apoyó la idea de

88

hacer la película tal como se había concebido desde un principio. “Nos dejaron hacer la película exactamente como la imaginamos Justin y yo en 2006”, dice el director. director. “La película que hemos rodado es tal como la concebimos entonces. Reconozco que todos creíamos que deberíamos hacer alguna concesión, desde cuándo la vida concuerda con los sueños? Pero en este sentido, el sueño se ha hecho realidad”. Marc Platt, que empezó produciendo obras de teatro antes de dedicarse a musicales cinematográficos tan famosos como En el Bosque (Into the Woods) y Nine, se unió al proyecto. El productor reconoce que no pudo resistir la tentación de trabajar con Damien Chazelle: “Soy un gran admirador del género musical, pero también admiro a los jóvenes cineastas que tienen algo que decir y lo dicen de una forma diferente. Me atrajo la visión de Damien, su deseo de dar vida al pasado a través del

89

presente. Estaba dispuesto a rodar secuencias como se hacía antes, sin cortes. Le interesaba la rica paleta del realizador Jacques Demy, así como la coreografía de Jerome Robbins y Bob Fosse. Pero la gran fuerza del guión proviene del realismo emocional de dos personajes tan encantadores como modernos”. Dicho eso, el productor sabe lo difícil que es sacar adelante una producción musical en la industria actual. “En un musical hay muchas más variables que en un drama”, explica. “En primer lugar está la música, la melodía, las letras, la orquestación y los arreglos. Luego, los actores deben aprenderse las canciones y los números de baile. A esto debemos añadir los elementos visuales, el diseño artístico, el  vestuario, el movimiento de la cámara, la iluminación, para para crear un mundo no del todo real que tiene que ver con el real. La pregunta que nos planteamos fue, ‘Seríamos capaces de unificar lo anterior en un solo estilo contemporáneo?’”

Parte de la respuesta dependía de la pareja protagonista. “Queríamos seguir el antiguo modelo hollywoodiense de una pareja icónica que ya se ha visto en la gran pantalla. Antes estaban Fred y Ginger, Humphrey Bogart y Lauren Bacall, Myrna Loy y Dick Powell, parejas conocidas que interpretaban a personajes diferentes, pero cuya personalidad salía de la pantalla. Es algo que me parece tremendamente romántico, y creo que Ryan Gosling y Emma Stone son el mejor ejemplo contemporáneo de este tipo de pareja cinematográfica. También También estaba convencido de que podrían sorprender e ir más allá de las expectativas del público. La película elimina parte del brillo y del lustre que solemos asociar a Ryan  y a Emma cuando están juntos”. juntos”.

90

91

92

No cabe duda que LA LA LAND es un apasionante a pasionante romance, pero también muestra que estamos dispuestos a sacrificar mucho con tal de alcanzar nuestros sueños. “Es irónico; para que se cumplan los sueños de Mia y de Sebastian, deberán separarse”, explica Damien Chazelle. “Me conmueve la idea de que se pueda conocer a alguien que te ayude ay ude a transformarte y te guíe hacia el camino que te permitirá ser la persona que siempre has querido, pero que al final debas recorrer el camino solo. Esa relación probablemente moldee el resto de tu vida, pero no durará el resto de tu vida. Me parece algo maravilloso, desgarrador y extraño. Quería que el alma de la película fuese exactamente eso”.

93

Dirección: Damien Chazelle Elenco: Ryan Gosling, Emma Stone,  John Legend Legend Calificación: Mayores de 13 años

Revista Cinerama es una creación de JP Diseños 2006 - 2017  Revista distribuida gratuitamente por la web  www.facebook.com/revistaciner  www.facebook.com/ revistacinerama ama