Tesi IV: Il canto Gregoriano Dopo l’editto di Milano (313) si formano canti sacri locali, l’unificazione religiosa li fece riunire nel canto gregoriano (l’unificazione richiese molti secoli): liturgia (intro, lit. della parola, lit. sacrificale): - proprium missae - ordinarium missae (kyrie, gloria, credo, sanctus, agnus dei) uffici delle ore: - mattutino, laudi, prima, terza, sesta, nona, vespro, compieta stili di canto (omofono): - accentus (1 sola nota con inflessioni melodiche) - concentus (sillabico o semisillabico) - derivata da cantillazione ebraica salmodia: - responsoriale - allelujatica - antifonica inni: - sillabici - melodici - strofici sequenze: prima mnemonico poi simili agli inni tropi: sostituzione di testi sillabici ai melismi modi ecclesiastici (scale eptafoniche ascendenti in 8 modi con nomi greci): - autentico - plagale hanno in comune la finalis e la repercussio
Tesi V: Gli inizi della polifonia La polifonia nasce dall’esigenza di rinnovare il canto sacro senza modificare la melodia (IX sec – contrappunto) Periodi della polifonia: (inizi – ars antiqua – ars nova – età fiamminga – polifonia rinascimentale) Tipi di contrappunto: - organum (melodia gregoriana (principalis) accompagnata una quarta o una quinta sotto da un'altra melodia (organalis), a volte partenza all’unisono - discanto: vox organalis procede x moto contrario - organum melismatico: principalis al basso, organalis acuta e crea melismi Ars Antiqua: scuola di Notre Dame: - Leonin - Perotin Organa diversi: cantus firmus detto Tenor Clausola: sezione di organum costruita su frammento melismatico del tenor Conductus: sillabico x processioni Mottetto: - sostituisce organa e clausole, - sia sacro (latino) che profano (d’oil) - di solito a 3 voci - valori sempre + brevi verso l’acuto Hoquetus: interruzione di melodia e trasposizione ad altre voci.
Tesi VI: Scrittura musicale medioevale Riassunto: adiastematica con neumi in campo aperto (vira, punctum, scandicus) , poi 2 righe colorate, poi introdotte chiavi, poi lettere x note su monocordo (Boezio poi Oddone di Cluny), scrittura da nera a bianca, poi tetragramma e notazione diastematica. Notazione modale (modi ritmici): virga e punctum diventano longa e brevis aggregate in 6 modi ritmici ripetuti in base agli ordines Notazioni mensurali: - franconiana: definita da ars cantus mensurabilis di Francone di Colonia, longa e brevis divise in perfecta e imperfecta, determina il superamento dei modi - dell’ars nova francese: introdotta la minima (scritte così le composizioni di Guillaume de Machaut) - dell’ars nova italiana: sembra provenga dal nulla, definita da Marchetto da Padova, unità di base la brevis, divisio prima, secunda, terza
Tesi VII: Guido D’Arezzo e la solmisazione Boezio (De istitutione musica): musica mundana, humana, instrumentalis Guido D’Arezzo: (995) (Prologus in antiphonarium) nuovo metodo: - esacordo: successione di 6 suoni con semitono al centro e nomi derivati da inno a San Giovanni - solmisazione: esistevano anche altri semitoni (la-sib e si-do) risolse con successione di + esacordi(3 duri, 2 naturali e 2 molli) sol-mi erano le note x passare da un esacordo all’altro (mutazione) (mano guidoniana) - musica ficta: nacquero nuovi semitoni ed esacordi (musica falsa)
Tesi VIII: Teatro nel medioevo – trovatori e menestrelli Accanto al gregoriano si sviluppano monodie sacre in latino e canti profani in latino Monodie sacre e profane: - drammi liturgici: (Visitatio Sepulchri) scarso apparato scenico e rappresentati da religiosi - uffici drammatici: derivati dagli uffici delle ore la lauda tosco-umbra: - in volgare italico - nasce da movimenti spirituali collettivi (Flagellati e disciplinati) - simile a ballata (solista e risposta del coro) - raccolte in laudari (91 di Cortona) - preannuncia il madrigalismo - cantico di Frate Sole cantigas spagnole: 400 canti a Santa Maria scritte in gallego canti profani in latino: Carmina Burana dei Goliardi Trovatori, Trovieri e Minnesanger Nasce lo spirito cavalleresco cortese - Trovatori: lingua d’oc, Francia meridionale, Chansò (simile a inno con strofe), stili: trobar plan, ric e clus - Trovieri: lingua d’oil, Francia settentrionale, Chanson, (Chretien de Troyes) - Minnesanger: forme simili, Lied
Tesi IX: L’Ars Nova – strumenti in uso nel tempo La secolarizzazione della società portò alla distinzione tra sacro e profano, calò la produzione sacra e si criticò il contrappunto (intelliggibilità delle parole) Ars Nova Francese: - Philippe de Vitry: pari dignità fra divisione perfecta e imperfecta - + importante il mottetto (3 o 4 voci, isoritmico, molodia gregoriana detta color) - Guillaume de Machaut: Messa di Notre Dame (prima messa polifonica composta da 1 solo compositore, stile del mottetto) Ars Nova Italiana: - polifonia elementare e scarsa produzione - poesia x musica (Franco Sacchetti e Francesco Landino) o madrigale (2 o 3 voci, endecasillabi a rima baciata AAB) o caccia (canone a 2 voci all’unisono o ballata (forma + evoluta, ABBAA) Strumenti del medioevo: organo (portativo e positivo) Salterio, viella, tromba, arpe e percussioni
Tesi X: Scuola Fiamminga e sviluppo del contrappunto vocale Dopo la guerra dei cent’anni (1339-1453) si svilupparono le cappelle musicali (al posto delle scholae) riprese importanza la musica sacra, nacque il ruolo di musicista professionista. Stili e forme: - nascita del contrappunto imitato: basato sull’imitazione che contraddistingue un tema (anche canoni enigmatici) - musica sacra (messa e mottetti) e profana (Chanson) o messa (si afferma grazie a Dufay, = cantus firmus) o mottetto (successione di brani in latino ognuno dei quali sviluppava 1 frase del testo sacro) o chanson (3 voci accompagnate da strumenti) Scuola inglese: procedimenti x terze e seste, falso bordone (discanto con c.f. alla voce superiore), John Dunstable Scuola borgognona: promossa da Filippo il Buono, Dufay (supera asprezze gotiche, 9 messe), Binchois (stimato x chanson) Scuola fiamminga: centro di sviluppo del contrapp. Imitato, Ockeghem (13 messe, mottetti), Desprez (+ comp, 13 messe e parodie)
Tesi XI: Le scuole polifoniche italiane nel secolo XVI Il rinascimento si sviluppa nei secoli XV e XVI e si rifà all’arte classica (Firenze, epoca di Petrarca Boccaccio, inneggia virtù umane e fortuna), la musica è presente in tutte le attività e diventa pratica anche dei non professionisti. La stampa musicale: Petrucci stampò una raccota di 96 chanson a 3-4 voci, le musiche vennero stampate a fascicoli (1 x ogni voce) La tradizione fiamminga: compositori fiamminghi composero forme profane nazionali: - Willaert: messe, 350 mottetti, chansons, maestro di cappella a Venezia (diventa centro della musica sacra cattolica) - Orlando di Lasso: 58 messe, 550 mottetti Musica nelle chiese protestanti (nacquero movimenti di riforma non cristiani): - luterana: Martin Lutero (traduzione scritture in tedesco), messa con corali sillabici (Praetorius e Schutz) - calvinista: Calvino (ugonotti), celebrazioni austere quindi poca musica, solo salmi - anglicana: Enrico VIII Tudor, Anthem (“antifona” simile al mottetto) La controriforma cattolica: - abolizione sequenze tranne le 5 dell’ordinario - abolizione di testi profani - parole più intelliggibili (la semplificazione del contrappunto da origine al quartetto classico a cappella) La lauda polifonica: S. Filippo Neri fondò l’ordine dell’oratorio deve prima delle preghere si cantavano laude polifoniche a 3-4 voci o travestimenti spirituali (testo profano sostituito da sacro) La scuola romana (a roma i papi si prendono cura delle cappelle) fra i compositori spunta: - Palestrina (1525-1594) opera quasi totamente sacra, opera a Roma, o 102 messe (quasi tutte “parodia”): forte intelligibilità e omoritmiche o Musica pura con triadi, ritardi preparati e gradi congiunti La scuola veneziana (a differenza di Roma si preferivano musiche policorali sostenute da strumenti) - Andrea Gabrieli: I° organista a S. Marco, semplifica contrappunto x valorizzare il testo, madrigali simili a Willaert (imitazione e qualche cromatismo), mottetti e madrigali - Giovanni Gabrieli: nipote di Andrea, proseguì sulla stessa linea, mottetti e musica strumentale x ogni strumento Forme popolaresche italiane (struttura stofica omofona a 3-4 voci, favorite da Lorenzo il magnifico e Isabella d’Este) - canti carnascialeschi: accompagnavano le mascherate (Heinrich Isaac) - frottole: diffusa da Mantova, strofica e deriva dalla ballata - villanelle: Napoli, strofiche e omofoniche Il madrigale (modello petrarchesco proposto da Bembo): - diverso da quello del ‘300 (strofico a 2-3 voci), nel ‘500 e’ la forma profana più apprezzata (4-5-6 voci e non strofico) - simile alle frottole ma di forma aperta e senza ripetizioni - maggiori madrigalisti: o Marenzio: poca produzione sacra, 16 libri di madrigali e “Intermezzi Fiorentini” o Gesualdo di Venosa: non usò madrigalismi o Monteverdi - madrigali drammatici (rappresentativo): non in stile petrarchesco, “Anphiparnaso” di Vecchi, Adriano Banchieri Forme popolaresche europee: - Francia: chanson (diversa da quella fiamminga, simile a frottola italiana) - Spagna: villancico (simile a frottola, strofico con ritornelli a 3-4 voci) - Germania: meistersinger (Hans Sachs) lieder a 3-4 voci + complessi
Tesi XII: Forme polifoniche cinquecentesche Sacra: - stile a cappella tranne Venezia - mottetto: deriva da quello del ‘200 (Perotin), è polifonico solo vocale su testo latino non profano, usa l’imitazione - messa: a 5 voci, musicate solo le parti dell’ordinario con = cantus firmus gregoriano (messa Papa Marcello) - salmi: forma a cori battenti e non più responsoriale - responsori: composizioni di risposta ai salmi Profana: - madrigale: quello del ‘500 è senza ritornelli e di polifonia semplice, con forma abbastanza libera, i madrigali drammatici (rappresentativi) furono i precursori del melodramma.
Tesi XIII: Conquista della tonalità moderna e strumenti Tra XVI e XVII secolo la musica subisce forti trasformazioni: - ancora polifonia (sacra) ma si afferma la monodia - perde importanza il contrappunto e nasce l’armonia - modi ecclesiastici vengono assorbiti dal maggiore e minore - musica strumentale + importante
Trattati: - Heinrich Loris (Dodekachordon) - Zarlino (Istituzioni Armoniche) - Artusi (critica a Monteverdi) Origine dela tonalità e dell’armonia: - il passaggio ai toni moderni avvenne tramite l’alterazione di un semitono (si b) - vengono introdotti l’eolio (minore) e ionico (maggiore) (Dodekachordon) - l’armonia nasce dalla pratica strumentale (Zarlino con la scala zarliniana che sostituisce quella pitagorica enuncia i principi dell’armonia in base alle leggi acustiche degli armonici) Origine del basso continuo: - la melodia acuta cominciò ad essere sostenuta da un basso generatore di accordi detto “continuo” (non interrotto), fatto da 2 strumenti, 1 melodico e 1 capace di creare accordi. Strumenti: - Liuto: 11 corde (poi chitarrone, tiorba) intavolature - Viella ad arco - Trombe, flauti, fagotti - Organo con + registri e pedaliera
Tesi XIV: L’origine del melodramma Il barocco si colloca fra rinascimento e classicismo: - 1 fase: Monteverdi, Frescobaldi e Schutz - 2 fase: Carissimi, Lulli, Purcell - 3 fase: Couperin, Bach, Handel, Vivaldi, 2 Scarlatti - Il barocco rifiuta i canoni del rinascimento e tende a stupire (feste) - Adotta sia stile polifonico (Palestrina sacra) sia stile omofono (opera) - Molta musica strumentale e affermazione monodia - Nuove forme (opera, oratori, suites, fughe) La Camerata Fiorentina (affermazione monodia) - alcuni musicisti riuniti in casa del conte Bardi vollero far rivivere gli stili della tragedia greca (“le nuove musiche” di Caccini e “dialogo della musica antica e moderna” di Galilei) - da rivalutazione della commedia greca nasce: o teatro italiano (drammatico) o favola pastorale (Aminta) o commedia dell’arte (basata sulle maschere) o Intermedi (composizioni autonome tra un atto e l’altro) o Primi Melodrammi (eseguiti con il nascente “recitar cantando” il 1° dramma x musica: “Dafne” di Jacopo Peri)
Tesi XV: Fiorire dell’oratorio – Carissimi – Cantata e duetto da camera Coesistono contemporaneamente + stili: - antico polifonico (Palestrina) - moderno monodico (100 concerti ecclesiastici) - stile concertato (deriva da stile policorale di G. Gabrieli ma definito da Monteverdi, si alternano brani solistici al coro) Oratorio: - Latino: (Carissimi 35 oratori, coro trattato omofonicamente) senza elementi scenici + Historicus, deriva da mottetti concertanti - Italiano: nasce dalle Laudi, abolito l’Historicus ma con arie, duetti e recitativi (tipo opera) - In Francia: Grand Motet x voci soliste, introdotto da Charpentier (Delalande) Musica sacra protestante: - uso del corale: o armonizzazione delle 4 voci o usarlo come Cantus Firmus o Concerti sacri (stile concertato + b.c.) - compositori protestanti: o Praetorius o Scheidt o Schutz Monodie profane da camera: il passaggio da madrigale polifonico a monodia da camera fu graduale e determinato dalle “Nuove Musiche” del Caccini (arie e madrigali monodici non strofici) Cantata profana: fatta da recitativo e aria (tipo opera) (Stradella, Carissimi, A. Scarlatti) Duetto da camera: simile a cantata, con 2 voci omoritmiche che procedono per terze
Tesi XVI: Scuola d’opera Romana – Monteverdi e scuola d’opera Veneziana Nasce l’opera impresariale: - teatri fissi - architettura teatrale e scenografia - figura del cantante (anche donna) stile del “belcanto” Opera: - Roma (Luigi Rossi) attecchisce bene il dramma per musica, tralasciato il recitar cantando ma differenziazione stilistica fra recitativo e aria, vicende di episodi cavallereschi - Venezia: o Teatri gestiti da impresario o Nascono compagnie mobili che dopo il carnevale portano in giro le rappresentazioni o Costi maggiori x cast vocale e scene, poca orchestra e poco coro o Operisti: Cavalli: prende spunto da Monteverdi Cesti Stradella: tra i primi a ripartire l’orchestra in concerto grosso e concertino Monteverdi: (1567-1643) • determina nelle sue opere il passaggio da polifonia a monodia • evidente adesione di poesia alla musica (dissonanze giustificate all’Artusi) • “Tancredi e Clorinda” “Orfeo” “Incoronazione di Poppea” • Il rapporto parola-musica è il fulcro del suo pensiero estetico
Tesi XVII: L’opera Napoletana (e Venezia) L’opera internazionale del ‘700 nacque a Venezia grazie soprattutto a operisti Napoletani Librettistica: - Zeno: riporta logica nel melodramma (senza più scene comiche) - Metastasio: definisce il modello internazionale dell’opera: o Pochi personaggi o In 3 atti o Recitatici e corte arie finali - Goldoni: personaggi ben caratterizzati e unità d’azione Prima di Scarlatti: - venivano rappresentate solo opere veneziane - 1° operista napoletano fu Provenzale (stile veneziano monteverdiano) - Nascono i primi conservatori (inizialmente orfanotrofi) Alessandro Scarlatti: (1660 – 1725) - equilibria rapporto fra recitativi e arie con l’aria con il “da capo” - maggior ruolo dell’orchestra (sinfonia introduttiva e accompagnamento delle arie) Dopo di Scarlatti: - nasce l’opera buffa che diventa genere a sè e determina la distinzione fra opera seria e comica, deriva dalla commedia dell’arte - operisti dopo Scarlatti: o Vinci o Porpora o Pergolesi o Jommelli o Traetta o Piccinni o Paisiello o Cimarosa (“il matrimonio segreto” è l’opera comica più elevata del ‘700 A Venezia: - l’opera veneziana progredì più che nel secolo precedente - Compositori: o Vivaldi (alcune arie trasportate da un opera all’altra) (“La Griselda”) o Galuppi (+ di 100 opere, buffe Goldoni, serie Metastasio) Compositori d’oltralpe sulla stile italiano: - Handel - Gluck (prima dell’Orfeo o Euridice) - Adof Hasse (musicò quasi tutti i libretti di Metastasio)
Tesi XVIII: Stile e sviluppo del melodramma Opera Seria: - rispecchia vaori della società del ‘700 (eroismo) - cosmopolita e internazionale - eseguita in teatri importanti - sempre in 3 atti e a lieto fine - libretti scritti da importanti letterati - tipi particolari di opera seria: o pasticcio (con arie di vari autori “Tito Manlio”) o azione (opera di ridotte proporzioni) Opera Comica: - comprende tutte le opere non serie (tipo gli intermezzi “La serva padrona”) - tipicamente italiana (nata a Napoli) - eseguita in piccoli teatri - 2 o 3 atti, vicende di vita quotidiana - Maggior librettista fu Goldoni Struttura del melodramma (serio e buffo) del ‘700: - serio e buffo erano simili nella forma e nella struttura: o Sinfonia: in 3 parti (diffusa da Scarlatti) o Recitativi: derivati dal recitar cantando Secchi: solo con accordi del cembalo Accompagnati: sostenuto dagli archi o Arie: espansione del recitativo e con il “da capo” o Pezzi d’insieme: di solito alla fine dell’atto e dell’opera
Tesi XIX: Riforma di Gluck e Calzabigi – Satire e parodie Ragioni dei letterati, satire e parodie: - l’opera italiana era troppo sbilanciata in favore della musica - la poesia si rivolge alla ragione, la musica ai sensi - nascono anche in Francia delle querelles: o lullisti contro ramisti o buffonisti contro antibuffonisti o gluckisti contro piccinnisti - l’opera non era criticata solo da letterati, nascono o satire (“Il teatro alla moda” di B. Marcello o parodie (di solito intermezzi, “prima la musica poi le parole” di Cesti) Cristoph Willibald Gluck: - Baviera 1714, a Londra conobbe Handel, insieme al librettista Calzabigi maturò le linee di riforma dell’opera seria italiana, il primo componimento riformato fu Orfeo ed Euridice. - La sua opera è quasi completamente teatrale - La prima metà delle composizioni di Gluck (fino a Orfeo ed Euridice) sono nello stile metastasiano (contrapposizione Recitativo-aria) - Affronta l’opera comica francese - La confluenza di opera seria italiana, comica francese e balletto fu la riforma operata (Orfeo ed Euridice, Alceste, Paride ed Elena), le linee principali della riforma furono: o Azione semplificata: Meno divario fra recitativi e arie (tramite l’uso di recitativi accompagnati, aboliti i da capo Versi sciolti e largo spazio ai cori Aggiunti balli in armonia con l’azione L’orchestra partecipava all’azione o Segnò il superamento dell’Arcadia e del rococò nel teatro o L’eredità di gluck: Piccinni (prima avversario poi a favore) Salieri Sacchini
Tesi XX: Melodramma in Francia (Lulli a Rameau), Germania (Schutz a Mozart), Inghilterra FRANCIA Prima di Lulli: - verso l’opera nazionale o l’opera italiana rimase estranea alla francia o l’opera italiana era più tendente alla vocalità o l’opera francese del ‘600-‘700 era più equilibrata nello spettacolo - le airs de cour, srofiche e omofone segnarono il passaggio alla monodia - nel teatro francese primeggiava il ballo (Baldassarre da Belgioioso) (Ballet de cour) o con ouverture, arie e recitativi, danze, terminava con un gran ballet o dal ballet de cour nascono ballet mascarade ballet melodramatique ballet a entrees (la base dell’opera-ballet) o il balletto aprì la strada alla tragedia in musica di Lulli Lulli (La Tragedie-Lirique): - il rifiuto dell’opera italiana stimolò poeti e musicisti alla creazione dell’opera francese - Giovan Battista Lulli: (Firenze 1632), a servizio di Luigi XIV, dominò la musica francese fino a Gluck o Mise a punto la tragedie-lirique (ne compose 13 “Alceste” “Roland”) Divise in 5 atti e con verso “alessandrino” Poca differenza fra recitativi e arie Coro usato spesso Orchestra + fornita Dopo Lulli: - L’opera ballet o Si rompe l’equilibrio della tragedie-lirique o Prevalgono danze e arie o Rotta l’unità d’azione (3 vicende, una x atto) o “Les Indes Galantes” o Rameau: Fu criticato di allontanarsi troppo dalle linee di Lulli (querelles des bouffons) Fu tuttavia continuatore di Lulli, continuando la drammaticità della tragedia-lirique - L’opera comique o Nacque nel ‘700 o Fatta di dialoghi, brevi canzoni prima popolari e poi arie o Aprì la strada ai “Bouffons” italiani che riscossero successi e polemiche o Modeste Gretry: inaugurò un filone ispirato alla storia medievale GERMANIA E AUSTRIA La prima opera composta in Germania fu “Dafne” influenzata dall’opera italiana - il Singspiel o nato a Vienna nel ‘700 e affine all’opera comique o misto di recitazione e musica o Hiller, Karl Ditters o È’ la matrice storica dell’operetta viennese dell’800 INGHILTERRA Il termine Masque (livello basso della musica e affine al ballet de cour, influenzato dal recitativo italiano) fu sostituito dal termine “opera” e furono su testi di Shakespear (“Macbeth”) su musica di Locke - Henry Purcell: la sua opera fu il riassunto dell’opera vocale italiana e strumentale francese (“Dido e Enea”)
Tesi XXI: Trapianto dell’opera italiana in Francia e Germania – Opera Italiana in Russia FRANCIA - L’opera italiana fu limitata ad alcuni periodi: o Durante il governo di Mazarino Apprezzate principalmente x le scenografie Introdotti balletti di Lulli x il gusto dei francesi o Il gusto italiano dopo di Lulli Lulli era sfavorevole all’opera italiana (anche se ne assorbì i caratteri), dopo la sua morte gli estimatori dell’opera italiana ebbero più libertà o L’opera comica italiana a Parigi Arrivò una compagnia comica italiana (“Serva padrona” di Pergolesi) che suscitò la querelles de bouffons Fu trampolino di lancio dell’opera comique
AUSTRIA E GERMANIA - l’opera italiana era apprezzata per fattori: o culturali: era spettacolo completo e appagante o politici: segno di potenza - prima su modello veneziano e poi napoletano - Nelle corti imperiali: o Vienna: lingua italiana più adatta x opere e cantate sacre o Monaco: stile veneziano o Dresda: presenza di Hasse o Prussia INGHILTERRA - Londra, arriva Handel con “Il Rinaldo”, viene fondata la Royal Academy Of Music RUSSIA - Col regno di Caterina II arriva l’impresario Araja, poi operisti napoletani (Paisiello, Galuppi, Cimarosa, Cavois) che aprono la strada a Glinka e compongono su melodie russe
Tesi XXII: L’opera italiana nel secolo XIX – Il melodramma contemporaneo Nel XIX secolo è protagonista il melodramma (teatro luogo di incontro dove si poteva anche mangiare) Elementi del melodramma: - compositori e librettisti o Rossini, Donizetti, Bellini, Verdi, Puccini o Mayr, Pacini, Mercadante o Ponchielli, Boito, Catalani o Mascagni, Leoncavallo, Giordano, Cilea o Librettisti: Romani, Boito, Giacosa, Illica - Gli artisti di canto: o Sono cantori-attori con timbro della voce coerente col carattere del personaggio - Fattori della produzione: o Impresari: gestivano i teatri (non il proprietario) sia pubblici che privati o Pubblico: eterogeneo, teatri divisi in ordini gerarchici o Editoria musicale e pirateria: Legge sul diritto d’autore e S.I.A.E. (1882), pubblicati e noleggiati fondi degli archivi dei teatri - Struttura formale del melodramma dell’800: o Erede di quello del ‘700 o Recitativi, arie e pezzi d’insieme sono ancora le colonne pertanti o Sinfonia o preludio introduttivo o Recitativo secco più avanti sostituito dalla “scena” svolta dall’orchestra o Arie: Abolito il da capo Nella foma di: • Cavatina (primo atto, a carattere lirico) • Cabaletta Più avanti sostituite da ariosi o romanze o Pezzi d’insieme numerosi e coro partecipe o Da Wagner in avanti la struttura a pezzi chiusi viene abbandonata Gli Operisti: - all’inizio venivano ancora rappresentate opere napoletane o in stile napoletano (Mayr) - poi nuovi operisti: o Rossini: delinea i tratti del melodramma italiano e del grand-operà francese, accetta incarico di Barbaja x teatri napoletani “Viaggio a Reims”, “Barbiere di Siviglia”, opere buffe Crescendo Rossiniano (brevi formule ossessive) o Bellini: “Il Pirata”, “La Sonnambula”, “Norma”, “I Puritani” Poche opere (nessuna comica) Melodie purissime, il più grande lirico dell’800 o Donizetti: Studiò con Mayr Toccò tutti i generi “Don Pasquale” “Lucia di Lammermoor” Amore-morte con donne-eroine protagoniste, anticipatore dell’opera di Verdi
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Pacini e Mercadante G. Verdi (1813-1901) Non ammesso al conservatorio x limiti d’età Nominato senatore del regno Avverte l’arrivo degli Scapigliati ma resta fuori dalle polemiche “Nabucco”, “Macbeth”, “Rigoletto”, “Trovatore”, “Traviata”, “Aida”, “Otello”, “Falstaff” Le sue opere non erano creazioni originali (tranne l’Aida) Crea continuità rompendo gli schemi a pezzi chiusi Crea la Parola Scenica (recitativo-arioso) che in Otello e Falstaff diventa Declamato Melodico Ponchielli, Boito, Catalani Antiverdiani aderenti alla scapigliatura Desiderio di rinnovamento del melodramma Mascagni, Leoncavallo, Giordano, Cilea Appartenenti alla Giovane Scuola con ideali del Verismo Si basano sul declamato melodico verdiano Puccini: Anch’esso appartenente alla Giovane Scuola “Edgar”, “Madama Butterfly”, “Tosca”, “Boheme”, “Turandot Tema amore-morte + di Donizetti Poche opere frutto di intensa ricerca musicale Concluse il felice secolo del melodramma italiano
Tesi XXIII: Wagner – post Wangeriani FRANCIA XIX SECOLO - Tra gli operisti francesi di ricordano Gounod, Bizet, Berlioz - Le sedi principali erano l’Operà, L’Opèra Comique, il Thèatre Italien e il Thèatre Lyrique (teatri) - Il passaggio al Grand-Opèra fu graduale: o I maggiori operisti del periodo furono italiani: Cherubini e Spontini (entrambi influenzati da Gluck) - Il Grand-Opèra o Si afferma nel 1830 o Grandiosità e colpi di scena o Mayerbeer diede veste musicale a tale genere o Berlioz (tesi XXIX) - Il Dramma Lirico o Il pubblico francese aveva nuove esigenze (oltre a Grand-Opèra e Opera-Comique) o Così Gounod, Bizet e Massnet sono i maggiori esponenti del dramma lirico (vincono tutti e 3 il Prix de Rome) o Era rivolto al ceto medio che amava la drammatizzazione di opere celebri - Alla fine del secolo il teatro francese subì gli influssi di Wagner o Operisti: Cesar Frank, D’Indy, Charpentier, Debussy GERMANIA XIX SECOLO - il genere preferito era l’opera italiana, pochi erano i singspiele - il nazionalismo germanico alimentò il desiderio di create un’opera tedesca unitaria sulla scia di Gluck - il creatore dell’opera tedesca fu o Carl Maria Von Weber: Approda all’opera romantica (nuove melodie, soggetti, orchestrazione “Freischutz” è l’opera romantica che precorre l’opera di Wagner - Richard Wagner: o (Lipsia 1813-1883) o Rivoluzionario, fuggì in Svizzera per fuggire agli arresti o Fu fatto costruie un teatro per rappresentare unicamente le sue opere (inaugurato con la tetralogia “L’Anello dei Nibelunghi” L’oro del reno – la valchiria – sigfrido – il crepuscolo degli dei) o I primi lavori sono grand-opèra, poi con “Olandese volante”, “Tannhauser” e “Lohengrin” approda all’opera romantica: Superata struttura a pezzi chiusi (non più brani ma scene) Inventa il “leitmotive” (pochi temi associati agli elementi del dramma che potevano combinarsi fra loro) Il “leitmotive” legava tutto il dramma in una sorta di “melodia infinita” o Orchestra con nuovi strumenti: ottavino, tuba wagneriana, corno inglese o Numerose dissonanze (già in “Tristano e Isotta” che sarà la base dell’atonalità di Schoenberg e Berg)
Tesi XXIV: Musica strumentale moderna: origini e forme -
nasce nel rinascimento ma deriva dal medioevo (sostituzione delle voci - coloriture, diminuzioni, passaggi) le prime erano trascrizioni dalla musica vocale, poi autonome (improvvisazioni e danze) non ci fù il passaggio alla monodia
Forme (rinascimento e primo barocco): - da modelli vocali (contrappunto imitato) o ricercare: pochi brani in rigido contrappunto o canzona strumentale: nasce dalla trascrizione della chanson francese, vivace o fuga: la più elaborata, erede della canzona e ricercare, ma più estesa e fa uso di modulazioni o fantasia: in stile imitato e libero - improvvisazioni o toccata: per tastiere, nasce come introduzione a un canto liturgico (accordi e ripide scale), deriva dai recercari x liuto, Bach la affiancò alla fuga - da ballo o danze a gruppi contrastanti di 2 o 3 (pavana-gagliarda passamezzo-saltarello) - variazioni o su basso: basso ostinato ripetuto e variazioni nella voce superiore) o variazioni melodiche (standard) o diferencias spagnole (variazioni su canti popolari) o in italia le variazioni su melodie note erano dette “partite” o su cantus firmus o corali (darà origine alla messa d’organo) o preludi ai corali luterani COMPOSITORI: - scrivevano ed erano interpreti del loro strumento - pochi scrivevano sia musica strumentale che corale Liutisti (13 corde): - suono dolce - intavolature - facilmente trasportabile - usato anche solista - Italia: Spinacino, Canova - Influenzò la scuola clavicembalistica - Germania: Weiss, Telemann e Bach - Inghilterra: Dowland - Spagna: (Vihuela poi sostituita da chitarra espagnola a 5 corde) De Milan, Narvaez Organisti e clavicembalisti: - la distinzione fra le musiche dei 2 strumenti non era forte - italia: o Andrea e Giovanni Gabrieli (organi di S. Marco) o Claudio Merulo o Scuola cembalo-organistica napoletana (deriva da madrigale di Gesualdo da Venosa) Valente, de Macque, Trebaci o Frescobaldi: si trasferisce a Roma dove conosce l’oratorio di Carissimi Compone ricercari, fantasie, toccate, variazioni prevalentemente x tastiere Padrone del contrappunto, maggior compositore strumentale del ‘600 Opera la sintesi della scuola veneziana e napoletana - Virginalisti: o Da “virginals”, strumenti a corde pizzicate e cassa rettangolare (spinetta) o Di patria inglese, non ha antecedenti né un seguito Byrd (maggior compositore prima di Purcell) Bull Gibbons - Paesi bassi: o Poche composizioni che si rifanno ai virginalisti, a Merulo e ai Gabrieli (Sweelinck) - Germania: o 3 scuole: Meridionale Centrale Settentrionale o Hassler, Scheidt (“Tabulatura Nova”, con partitura italiana e pentagrammi separati x ogni voce)
Tesi XXV: Musica strumentale del XVII secolo Molte forme del primo barocco si estinsero ma ne nascono di nuove: Suite e Sonata Barocca Dalle danze rinascimentali alla suite: - balli di società (intrattenimento), balletti (teatrali) e suite erano tutti basati su ritmi di danza - la suite: o attribuita alla creatività di Lulli o genere d’ascolto formato da 2-3 danze a carattere diverso o suite x cembalo invece 4 danze (ordine stabilito da Froberger) (chiamati pieces declavecin) - elaborazioni x organo del corale luterano o si deve a Buxtehude e Bohm o forme del corale x organo: partita corale (variazioni contrappuntistiche su un tema) fantasia corale (frasi del corale rielaborate liberamente) preludio al corale (inizialmente servivano per introdurre il corale) Organisti e clavicembalisti: - Italia: dopo Frescobaldi la produzione si inaridì, si ricorda solo A. Scarlatti e Pasquini - Germania Meridionale e Austria: Maggior centro della produzione x tastiere (Froberger) - Germania Settentrionale: o Buxtehude: padronanaza del contrappunto e fantasia o Bohm: lasciò preludi e fughe, suites e elaborazioni su corale - Germania Centrale: o Dove operò Bach (molte chiese) o Pachelbel (Exacordum Apollinis, molte fughe) o Kuhnau - Francia e Inghilterra: o La musica x organo era bel separata da quella per clavicembalo (Couperin) Dalla canzona strumentale alla sonata barocca per archi: - come la canzona le prime sonate erano in un solo tempo - poi si formarono più tempi, poi ancora diminuirono ma diventarono più lunghi - scritte x violino e sviluppate in linea con la liuteria padana - sonata: o da chiesa: in 4 tempi, sostituiva l’organo o da camera: eseguite nelle case nobili, di solito con violino e b.c. Violinisti compositori: italiani violino e sonata, italiani furono anche i violinisti compositori, fra tutti spicca: - Arcangelo Corelli: opera incentrata unicamente sul violino (variazioni, anche 24 sulla Follia, sonate), immerso nel clima dell’Arcadia
Tesi XXVI: Musica strumentale italiana del XVIII secolo (Concerto grosso, Sonata, Sinfonia) Il concerto barocco: - lo stile concertante si Monteverdi, Gabrieli, Viadana significava l’unione fra voci e strumenti - il concerto barocco invece è genere strumentale x archi e b.c. con il contrasto soli-tutti o il tutti di solito fa i ritornelli o sono usate progressioni e ripetizioni in eco - le origini: o l’inventore fu Alessandro Stradella, poi Corelli (origini romane) o diviso in 4-6 tempi o il concerto solista ha origini bolognesi (Torelli) o nel concerto grosso il concertino tende ad integrarsi nel tutti, nel concerto solista il solo si oppone al tutti - il concerto grosso: o copiosa la produzione italiana nel ‘700 (6 concerti brandeburghesi di Bach) - concerto solistico in italia: o in 3 tempi con contrasto soli-tutti solo nei tempi veloci o su modello delineato da Vivaldi: lirismo del solo - concerto solistico in Europa: o il concerto solistico è diffuso in germania (crescente interesse x il virtuosismo) o Telemann (in Germania, più famoso di Bach, scriveva basandosi sul contrappunto, opera ad Amburgo) o In Francia il concerto solistico fu portato da Somis, il suo allievo Leclair è considerato il fondatore della scuola strumentale francese o In Inghilterra comparve tardi coi concerti per organo di Handel
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La sonata barocca per violino: o Altro genere coltivato dai violinisti (sulla scia di Corelli) oltre al concerto o Svanisce la distinzione da camera - da chiesa o 3-4 tempi con struttura bipartita Violinisti Compositori: - Allievi di Corelli: o Somis o Geminiani (musicò la “foresta incantata” dala Gerusalemme Liberata, trascrisse sonate di Corelli) o Locatelli (prima legato al contrappunto, definisce poi il suo stile nei 12 concerti con 24 capricci) - A. Vivaldi: o 1678-1741 o Ordinato sacerdote ma x motivi d’asma smesse subito di celebrare o Passa tutta la vita in italia tranne il viaggio a vienna dove morì o 46 opere (“Griselda”, “La Farnace”), musica sacra, musica strumentale (Estro Armonico) o Tensione fra solo-tutti, allegri brillanti, adagi sereni - G. Tartini: o Primo violinista nella basilica di PD o Si interessò di acustica e tecnica violinistica o Scrisse quasi interamente x violino Musica x strumenti a tastiera - suites e sonate: dopo Frescobaldi accrebbe l’importanza del clavicembalo a scapito dell’organo, la sonata dopo la suite era la forma più apprezzata, nasce il rondeau (ABACA) Compositori x cembalo e ogano - in Italia: o Marcello, Durante, Alberti (basso albertino) (Clavicembalisti) o Domenico Scarlatti: (1685-1757) 555 sonate x clavicembalo, influenzato da melodie popolari spagnole di tradizione chitarristica, stile unico - Germania: o Organo: Bach e Handel, Bohm o Clavicembalo: Telemann - Francia: o Couperin: Inventa l’ordre (serie di brani fino a 24 che creano un “quadretto” Ricca ornamentazione Unisce stile italiano e francese o Rameau: Continuatore dell’opera di Lulli 4 raccolte x clavicembalo Principali strumenti del barocco: - organo: o introdotti nuovi registri o organari: Antegnati, Callido, Serassi - Clavicembalo e clavicordo (corde percosse da tangenti) - Violino: o Primo famoso costruttore: Bertolotti da Salò, poi o Guarnieri, Stradivari, Amati - Pianoforte: inventato da Bartolomeo Cristofori, all’inizio trascurato dai compositori
Tesi XXVII: Bach e Handel J. S. Bach - (Eisenach 1685 – Lipsia 1750) - Violinista a Weimar, scrisse molto x organo e clavicembalo, sposò Anna Magdalena da cui ebbe 13 figli, diventa kantor a Lipsia e direttore del Collegium Musicum di Telemann, muore di apoplessia - Trattò tutti i generi esclusa l’opera - Musica sacra: o 300 cantate da chiesa e 371 corali o Oratorio di Natale o Passione secondo Giovanni e Matteo, messa in si- Musica profana: o Cantate profane o Goldberg Variations e Concerti Brandeburghesi, l’Arte della fuga - Bach fu apprezzato come esecutore ma non come compositore, nel 1829 comincia la “Bach Renaissance”
G. F. Handel - (1685 – 1759 Londra) - Ad Amburgo fece rappresentare “Almira”, la sua prima opera, soggiornò in Italia poi andò a londra dove rappresentò con successo “Il Rinaldo” e si dedicò all’opera italiana, poi cominciò e proseguì a scrivere oratori - Opere: o 42, tutte serie su libretto italiano (“Orlando”, “Giulio Cesare”) (esempio più alto del genere, pochi cori e duetti) o Oratori: “Messiah” “Israel in Egypt”, rispondevano alle esigenze dei ceti medi, simili all’opera ma con o Coro con funzione di narratore e personaggio (negli oratori) - Salmi e mottetti, anthems (anglicana) - Concerti grossi e concerti x organo La sua opera è agli antipodi di quella di Bach, è più immerso nella realtà, il suo stile tende al grandioso, alla nettezza della linea melodica, assimilò caratteristiche di varie scuole europee.
Tesi XXVIII: Haydn, Mozart, Beethoven Tra barocco e classicismo: il rococò - detto anche periodo dello “stile galante” ha musiche ornate e gradevoli (1740-1770) - al primato della ragione (illuminismo) si contrappone la spontaneità e il sentimento - la musica si adatta: o sparisce il contrappunto e il b.c a favore dell’armonia e della melodia o la forma sonata passa da bipartita (barocco) a tripartita e bitematica o la sinfonia deriva da quella scarlattiana in 3 tempi e sostituisce il concerto grosso (Sammartini, poi nei paesi tedeschi, Mannheim dove nasce una scuola in cui opera Richter che definisce il quartetto) o il clavicembalo fu sostituito dal forte-piano o il quartetto prende il posto della sonata a 3, il primo a scriverne fu A. Scarlatti, mentre Haydn e Boccherini crearono la “conversazione musicale” che lo contraddistingue - i figli di Bach: o non scrissero x organo e musiche sacre, scrissero tutti e 3 x clavicembalo o Wilhelm Friedeman: organista ad Halle o Carl Philipp Emanuel: sonate e concerti per clavicembalo o Johann Christian: molte opere e sinfonie Il classicismo: - (1770-1820) segue il rococò e precede il romanticismo - Si rifà ai valori dei greci e romani (poesia dell’arcadia, Tasso) - Maggior interesse x musica strumentale, vengono costruite le prime sale da concerto, musicisti anche dilettanti - Il musicista era stipendiato da una congregazione religiosa o da principi o dal teatro (nasce conservatorio nazionale a Parigi) - Grazie all’enciclopedia e all’editoria (litografica) la musica è + accessibile a tutti Franz Joseph Haydn (1732-1809) - assunto come maestro di cappella dagli Esterhàzy, poi diventa libero professionista perche sciolsero la cappella musicale, compone poi musiche sacre x la ricostituita cappella Esterhàzy, muore a Vienna durante le occupazioni napoleoniche - toccò tutti i generi: o 108 sinfonie: parigine e londinesi o Concerti solistici o Quartetti (conversazione musicale dove ogni strumento ha pari dignità) o 13 opere buffe (il mondo della luna) o Oratori: (“La creazione”, “Le stagioni”) - il suo equilibrio e gli spunti a volte anche da melodie popolari furono la causa del suo successo, influenzò anche Mozart Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - 24 opere: o Serie italiane: “La clemenza di Tito”, “Idomeneo re di Creta”, influenzato da Gluck o Buffe: “Le nozze di Figaro”, “Così fan tutte”, “Don Giovanni” o Singspiele: “Il ratto del serraglio”, “Il flauto magico” - Messe, mottetti, Requiem - 49 sinfonie (Praga, Jupiter) - Concerti solistici, quartetti e quintetti - Non ebbe la fama di Haydn perché la sua musica era più difficile e la concatenazione era varia Ludwig Van Beethoven (1770-1827) - ricevette lezioni da Haydn e Salieri, a causa della sordità devette smettere l’attività di concertista e si dedicò completamente alla composizione, non scrisse mai su commissione, si individuano 3 periodi stilistici: o periodo dell’imitazione o periodo dell’estrinsecazione o periodo della riflessione (9° sinfonia e missa solemnis
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9 sinfonie (ogniuna delle quali sviluppa una tematica), con la 9° si supera il confine fra generi musicali e vocali (inno alla gioia si Schiller) 32 sonate per pianoforte Quatetti (“russi” con dei temi popolari russi) L’unica opera è “Il Fidelio” nella forma del singspiel, inizialmente non ebbe molto successo Missa Solemnis (dedicata al’arciduca Rodolfo qiuando fu ordinato arcivescovo)
Altri compositori: - Viotti: compose per violino e fu il fondatore della moderna scuola violinistica - Paganini: (1782-1840) violinista e composizioni per chitarra - Boccherini: Violoncellista, 11 concerti, quartetti e Stabat Mater - Clementi: 100 sonate, didatta (Gradus ad Parnassum) e fabbricante di pianoforti
Tesi XXIX: Il Romanticismo Nel periodo romantico c’è il rifiuto dell’arte classica e del primato della ragione, a questi si opposero ispirazioni medioevali e i sentimenti, i supremi valori dell’esistenza sono le forze della natura (poeti Manzoni, Hugo). Va dal 1820 al 1914, alcuni pensano al classicismo-romanticismo come unico movimento. - La musica: o Affermazione della musica strumentale ma grande interesse per l’opera (contrasto, anche nelle composizioni di uno stesso autore) o Riconoscimento delle culture nazionali o Forme più libere e asimmetriche al posto della forma-sonata o Creazioni musicali: Nuovi strumenti nelle orchestre sinfoniche classiche (dette “da camera”) (ottavino,trombone,arpa,percuss.) Il pianoforte è lo strumento maggiore (determina intimismo e virtuosismo) Nascono componimenti basati sul lied • Strofico • O con sempre nuovo materiale melodico PRIMA GENERAZIONE ROMANTICA -
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Schubert: affidato a Salieri, non gradiva i salotti, “Schubertiadi” ascoltate dalla media borghesia, muore a Vienna per tifo o Più di 600 lieder su testi di Schiller e Goethe o 12 opere (singspiele e commedie) o 8 messe e 22 sonate x piano (improvvisi, danze) o Quartetti e 10 sinfonie Berlioz: entra al conservatorio di Parigi, vinse il Prix de Rome e si occupò di giornalismo o Opere: “Benvenuto Cellini” e “Les Troyens” o Requiem e “L’enfance de Christ” o “Symphonie fantastique” in 5 parti, ogni una la vita di un artista o Scritti letterari e teorici o nel clima parigino ancora affine al grand-operà si sentì escluso Mendelsshon: virtuoso del pianoforte, fondò a Lipsia un conservatorio o 11 sinfonie in stile classico “Italiana” e “scozzese” o 48 romanze per pianoforte o Nella sua opera prevale equilibrio e armonia, a volte un po’ malinconica Schumann: autodidatta che imparò dalle opere del passato (Bach), perse 2 dita e si dedicò alla composizione, morì in una casa di salute a causa di una malattia mentale o Per pianoforte (album della gioventù) o Lieder, quartetti o 4 sinfonie o Anche opera (“Genoveva”) o Polemista, fa uso anche di pseudonimi o La sua musica rispecchia le idee politiche ed è frutto del suo fantasticare Chopin: venne a contatto con la musica popolare polacca, poi andò a Vienna dove iniziò l’attivita di compositore, poi si recò in Inghilterra e poi ancora a Parigi dove morì o La sua produzione è essenzialmente pianistica (sonate, polacche, mazurke, valzer, bolero, tarantella o Definito “poeta del pianoforte” per la sua identificazione con lo strumento Liszt: studiò composizione con Salieri, viaggio in Svizzera e Italia, concerti a Vienna , è l’inventore del moderno recital, prese gli ordini minori a Roma e compone messe, oratori e salmi o Per pianoforte (4 tipi): opere originali, studi, trascrizioni (contestate), parafrasi o 12 poemi sinfonici (spesso con colori contrastanti) o Sacra (fu il maggior religioso dei romantici) Missa Solemnis, Requiem, salmi o Influenzato dalla musica ungherese, fu un virtuoso o I suoi principi compositivi erano: trasformazione di un tema in altri temi e il “principio ciclico” dei temi
Tesi XXX: La musica strumentale del XIX e XX secolo: poema sinfonico e musica a programma Musica assoluta e musica a programma: - la musica a programma cerca in elementi extramusicali la sua composizione (idee politiche, Liszt) - non segue più le regole formali della musica assoluta - si realizza nal Poema Sinfonico, nella musica descrittiva e nella sinfonia a programma o descrittiva: risale alle composizioni vocali (enigmatiche o madrigalismi) o sinfonia a programma: sinfonie del primo ‘800 con caratteri classici e romantici (“pastorale” di Beethoven) o Poema Sinfonico: termine adottato da Liszt, esprimono un programma, un’idea politica In un unico tempo ma con + brani a carattere contrastante Fu usato dai compositori delle scuole nazionali per meglio valorizzare la propria terra Fu cotestato da Hanslick perché pensava che la musica scaturisse dalla musica stessa, quindi per un periodo musica a programma e musica assoluta convissero Compositori in Austria e Germania: Quasi tutti rifiutarono la musica a programma (recupero del classicismo musicale) - Brahms: maggiore compositore tedesco dopo Wagner, opera a Vienna, o Opera: “Gradualità” alla Schumann o Per pianoforte: sonate, variazioni o 4 sinfonie o Accusato di essere restauratore, fu continuatore dell’opera di Schumann, anche nella forma (Lied e principio classico dell’”elaborazione del tema”) - Bruckner: organista e professore di conservatorio a Vienna o 9 sinfonie o Messe e mottetti - Wolf: ammiratore di Wagner o Molti lieder sullo stile Wagneriano (poesia e musica sullo stesso piano) - Strauss: compositore e direttore d’orchestra a Waimar o Molti lieder e poemi sinfonici o Opere con leitmotive Wagneriano o Non composizioni sacre perché non credente - Mahler: ebreo, studiò, diresse e compose a Vienna o Compose solo per orchestra: 9 sinfonie (riassumono la tradizione classico-romantica, utilizza mezzi sonori grandiosi, anche popolari) Fu compositore di musica programmatica (dava i titoli alle composizioni) IL RINNOVAMENTO STRUMENTALE IN FRANCIA Venne fondata la Società Nazionale Per La Musica Francese, venne recuperata la musica strumentale e la tradizione classica - Saint Seans: fondatore della Società Nazionale - Cesar Frank: organista, 3 poemi sinfonici - Vincent D’Indy: allievo di Frank, anch’egli presidente della Società Nazionale - Gabriel Faurè: influenzato da Wagner e Chopin, requiem - Claude Debussy: studiò al conservatorio di Parigi e vinse il Prix De Rome, fu il leader del rinnovamento musicale o Per il teatro: proponeva un nuovo stile di canto (declamato su piccoli intervalli con soffice orchestrazione) o Opere vocali, per piano, e scitti su importanti giornali o Fu un lirico utilizzatore di scale modali, odiava le cadenze obbligate (spesso non metteva sensibili) o La novità fu il concepire ogni singolo accordo come unità a sé stante LA RIPRESA DELLA MUSICA STRUMENTALE IN ITALIA Il melodramma non bloccò la musica strumentale, la tradizione di Paganini era viva e presente, si ricordano anche: - Sgambati: pianista allievo di Liszt - Martucci: napoletano, pianista e direttore - Enrico Bossi: influenzato da Brahms - Busoni: celebre pianista-compositore, scrisse opere teatrali e rielaborazioni (su musiche di Bach) In Italia ebbero fortuna le romanze, simili al lied (Francesco Paolo Tosti)
Tesi XXXI: Le giovani scuole nazionali Dopo il 1830 sbocciò il concetto di nazionalità, c’era esigenza sia di una lingua che di musica nazionale, dal ‘600 all’800 tutti i paesi furono “colonizzati” dall’opera Italiana, Francese e Tedesca, le nascenti Scuole Nazionali si proposero il recupero della musica nazionale, alcuni compositori aderirono solo parzialmente al nazionalismo, altri erano di origine germanica, solo in russia si affermò una vera e propria scuola col “Gruppo dei 5”. IN RUSSIA: - i primi compositori in direzione dell’autonomia furono: o Glinka e Dargomizski
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Il gruppo dei cinque: guidato da Balakirev (l’unico professionista) non rinnovarono le forme ma inserirono elementi nazionali originali, i cinque sono: o Cui, Balakirev (minori) o Borodin: scienziato, musicista autodidatta influenzato da Mendelsshon, non usò motivi popolari o Rimsi-Korsakov: ufficiale di marina, lasciò 15 opere e riarmonizzò melodie popolari, maestro dell’orchestrazione, usava scale modali e intervalli diminuiti e eccedenti o Mussorgski: militare, studiò composizione e pianoforte, scrisse i “Quadri di un’esposizione”, indifferente nei confronti delle regole della composizione I filo accidentali: o Non aderirono al gruppo dei cinque perché si sentivano parte integrante dell’europa, si ricordano: Rubinstein Grecianinov Scriabin (pianista sullo stile di Liszt e Chopin e compositore) P. I. Ciaikovski: ottenne la cattedra di armonia a S. Pietroburgo, • Compone 10 opere e balletti (“Lo Schiaccianoci”) • Esprime la fase finale del romanticismo europeo
COMPOSITORI NAZIONALI IN NORVEGIA, BOEMIA, FINANDIA E SPAGNA Boemia: - Smetana: influenzato dalle danze popolari compone “la mia Patria” - Dvorak: 10 opere e 9 sinfonie, danze slave e requiem Europa settentrionale: - Grieg: studiò a Lipsia e influenzò Debussy, compose per pianoforte e musiche sinfoniche - Sibelius: compose lieder e una decina di poemi sinfonici Spagna: - Petrell: iniziatore della rinascita musicale spagnola - Albeniz: pianista (iberia, suite espagnola) - Granados: pianista-compositore, stile semplice e meno efficace di Albeniz (17 danze espagnole) LE SCUOLE NAZIONALI: SECONDA FASE I compositori non usarono solo materiale sonoro etnico ma riuscirono a farlo proprio, si ricordano: - H. Villa Lobos - De Falla (canciones populare espagnolas) - Kodaly: si ispira alla musica contadina ungherese - B. Bartok: musicologo, dalla Transilvania si trasferisce in U.S.A., ha scritto l’importante opera didattica “Mikrokosmos”
Tesi XXXII: Forme musicali dal ‘500 in poi Vocale sacra: - restano le forme del culto (messe, salmi, ecc…) - assumono stile concertante - nascono l’oratorio e cantata luterana da chiesa Vocale profana: - al madrigale polifonico succede il duetto da camera Opera Italiana: - nasce a firenze nel ‘500 - nel ‘600 ci sono scuola romana veneziana e napoletana - nel ‘700 l’opera napoletana diventa europea (seria e buffa) - nell ’800 il grande melodramma Opera fuori dall’italia: - Francia: o ‘600 e ‘700 : ballet de cour, tragedie lirique, opera-ballet, opera comique o ‘800 : Grand Opèra - Germania: o ‘700 : Singspiel o ‘800 : Dramma romantico di Wagner - Inghilterra: o Masque La musica strumentale: - ‘500 e primo ‘600: trascrizioni di musiche polifoniche corali e composizioni x cembalo e organo - ‘600: suite e sonate da chiesa e da camera - ‘700: sonata solistica, concerto barocco, concerto e quartetto - ‘800: ancora coltivate forme classiche ma si afferma il poema sinfonico e tutte le forme derivate dal Lied per pianoforte.
