Teatro Paraguayo

Ministerio de Educación y Cultura

Esc. Nac. De Comercio Dr. Raúl Peña

Teatro Paraguayo

1º Curso Científico

Teatro en la Colonia: Durante la colonia, fuera del ámbito jesuítico, las manifestaciones teatrales fueron escasas y pobres. Las profanas consistían principalmente en las "rúas", desfiles más o menos alegóricos de personajes disfrazados que pueden haber sido el origen de nuestros "cambara'anga!.- actos alegóricos, pantomimas, declamaciones y hasta diálogos dramáticos que se ofrecían en circunstancias especiales como cambio de gobernador, visita de virreyes etc. Sólo a fines del siglo XVIII comienzan a tener importancia las manifestaciones teatrales en  Asunción y elencos de jóvenes en los que actúaan hasta señoritas de buena sociedad representan obras de peso como "Las vida es sueño" de Calderón de la Barca, o "Trancedo" de Voltaire. Este florecimiento no llegó a dar frutos en la dramaturgia local y por otro lado la dictadura de Francia se encargó de liquidarlo después de la Independencia.

Teatro en las Misiones: El Teatro Misionero se dividía en dos categorías: *El ofrecido en fechas religiosas solemnes ( semana santa, corpus, navidad) , que se trataba de danzas alegóricas, procesiones y autos sacramentales *El representado en circunstancias especiales como la visita de un superior donde se daba cabida a las formas profanas: Comedia, entremeses y ópera. Los intérpretes eran en todos los casos indígenas. Las piezas originales se perdieron después de la expulsión de los jesuitas. El único texto que llegó a nosotros fué transmitido de forma oral y recogido de un campesino paraguayo por el doctor Manuel Gondra a principios de este siglo.

Creación del Teatro Nacional Después de largo paréntesis de la dictadura del doctor Francia, vino Carlos Lopez que sentó las bases del Teatro Paraguayo. López contrató en Europa a un profesor, dramaturgo y director teatral español, Ildefonso  Antonio Bermejo , quien llegó al país en marzo de 1855 para formar el primer elenco teatral nacional además de diseñar y construir el edificio del Teatro Nacional ( en la parte de atrás de lo que hoy es el Teatro Municipal) Enseñó actuación, tradujo obras del francés e inglés, montó obras y planificó las primeras temporadas. La primera presentación de la Compañía Nacional se realizó el 4 de noviembre de 1855. Entre las obras seleccionadas estaban "Muérete y verás" de Bretón de los Herreros, y otras piezas breves arregladas por Bermejo. El repertorio de esa compañía incluía dramas, comedias y hasta zarzuelas y operetas. La pieza paraguaya más antigua que se conserva es "Un paraguayo Leal" que en realidad ya había sido estrenada en Europa con el título de "El poder de un falso amigo" y Bermejo la adaptó poniendo nombres paraguayos a los personajes y colocando bocadillos y chistes en guaraní que algunos se atribuyen a Natalicio Talavera.

El teatro y la guerra Hasta el inicio de la guerra de la Triple Alianza ( 1864-1870), el teatro vivió en nuestro país gracias a las visitas de compañías extranjeras en su mayoría españolas provenientes del Río de la Plata.

Teatro en la Colonia: Durante la colonia, fuera del ámbito jesuítico, las manifestaciones teatrales fueron escasas y pobres. Las profanas consistían principalmente en las "rúas", desfiles más o menos alegóricos de personajes disfrazados que pueden haber sido el origen de nuestros "cambara'anga!.- actos alegóricos, pantomimas, declamaciones y hasta diálogos dramáticos que se ofrecían en circunstancias especiales como cambio de gobernador, visita de virreyes etc. Sólo a fines del siglo XVIII comienzan a tener importancia las manifestaciones teatrales en  Asunción y elencos de jóvenes en los que actúaan hasta señoritas de buena sociedad representan obras de peso como "Las vida es sueño" de Calderón de la Barca, o "Trancedo" de Voltaire. Este florecimiento no llegó a dar frutos en la dramaturgia local y por otro lado la dictadura de Francia se encargó de liquidarlo después de la Independencia.

Teatro en las Misiones: El Teatro Misionero se dividía en dos categorías: *El ofrecido en fechas religiosas solemnes ( semana santa, corpus, navidad) , que se trataba de danzas alegóricas, procesiones y autos sacramentales *El representado en circunstancias especiales como la visita de un superior donde se daba cabida a las formas profanas: Comedia, entremeses y ópera. Los intérpretes eran en todos los casos indígenas. Las piezas originales se perdieron después de la expulsión de los jesuitas. El único texto que llegó a nosotros fué transmitido de forma oral y recogido de un campesino paraguayo por el doctor Manuel Gondra a principios de este siglo.

Creación del Teatro Nacional Después de largo paréntesis de la dictadura del doctor Francia, vino Carlos Lopez que sentó las bases del Teatro Paraguayo. López contrató en Europa a un profesor, dramaturgo y director teatral español, Ildefonso  Antonio Bermejo , quien llegó al país en marzo de 1855 para formar el primer elenco teatral nacional además de diseñar y construir el edificio del Teatro Nacional ( en la parte de atrás de lo que hoy es el Teatro Municipal) Enseñó actuación, tradujo obras del francés e inglés, montó obras y planificó las primeras temporadas. La primera presentación de la Compañía Nacional se realizó el 4 de noviembre de 1855. Entre las obras seleccionadas estaban "Muérete y verás" de Bretón de los Herreros, y otras piezas breves arregladas por Bermejo. El repertorio de esa compañía incluía dramas, comedias y hasta zarzuelas y operetas. La pieza paraguaya más antigua que se conserva es "Un paraguayo Leal" que en realidad ya había sido estrenada en Europa con el título de "El poder de un falso amigo" y Bermejo la adaptó poniendo nombres paraguayos a los personajes y colocando bocadillos y chistes en guaraní que algunos se atribuyen a Natalicio Talavera.

El teatro y la guerra Hasta el inicio de la guerra de la Triple Alianza ( 1864-1870), el teatro vivió en nuestro país gracias a las visitas de compañías extranjeras en su mayoría españolas provenientes del Río de la Plata.

El 16 de octubre de 1866 se estrena una de las dos únicas piezas que vieron la luz durante la contienda: "La divertida historia de la Triple Alianza" escrita por el americano residente en el país Cornelio Porter Bliss y el 24 de mayo de 1867 "La conferencia de Don Pedro II" del boliviano también residente Dr. Tristán Roca. Lamentablemente no quedan rastros de ninguna de estas dos obras.

Postguerra y reconstrucción Con el fin de la guerra resurgió la actividad teatral con la vuelta de las compañias extranjeras que traían su repertorio de teatro español romántico, post romántico, costumbrista y naturalista, sus zarzuelas, óperas y operetas, a las que se sumaba algo de teatro europeo contemporáneo e incluso algo de Shakespeare y Moliere. En 1886 un empresario Catalán, Baudillo Alió, consigue la concesión del viejo teatro nacional para ampliarlo y convertirlo en lo que es hoy el Municipal. Se inaugura el 21 de julio de 1889. En esa època existían también en Asunción el teatro Olimpo, cuyo local se hallaba en la calle Palma entre Convención y Ayolas y fué inaugurado en febrero de 1887 y la sala de teatro del empresario italiano Antonio Andreuzzi en la Cancha Sociedad donde hoy funcionan el Hotel del Paraguay y la Biblioteca Nacional. En 1882 se estrena la primer obra de teatro escrita por un paraguayo: "Los polvos del Chirrimbinbin" de Angel Peña de la que lamentablemente tampoco hay rastros.

Los primeros 15 años del siglo XX  A partir de 1900 el teatro empieza a crecer y a tener peso en el Paraguay. Ignaci o A.Pane escribió a los 21 años una pequeña obrita "Diálogo entre madre e hija" presentada en 1901 en un acto del colegio de niñas. En 1906 Alejandro Guanes escribe "La cámara oscura". En 1909 Pane publica "Diálogo de los muertos". En 1915 Rafael Rodriguez Rojas publica "Flor del valle".

El surgimiento del teatro paraguayo Según Josefina Plá, el año 1915 señala una verdadera iniciación de la literatura teatral paraguaya contemporánea. Ese año Rafael Rodriguez Rojas publicó en El Liberal de Asunción su comedia titiulada Flor del Valle y J. Demetrio Morínigo el 14 de mayo estrenó con la compañía Meca su drama "Martirios de una madre o venganza del coronel". Dos años más tarde la compañía Chico de la Peña puso en escena "El Intruso" de Leopoldo Centurión. Más tarde el mismo autor presentó "El Huracán" y "El final de un cuento" "La cena de los románticos. Eusebio A.Lugo llevó a las tab las "La chala", "Camino de la fuente" y " La epopeya del Mariscal". Otros dramaturgos surgidos en la época son Pedro Juan Caballero ( El pasado, El Imán, El Vencido, El cínico y Los buitres, todas ellas perdidas); José María de Nestosa ( Over-all asunceno, y Se rifa un marido), Leopoldo Ramos Gimenez, cultor del teatro social en la línea anarquista de Rafael Barret ( La inquisición del oro y La herencia); Francisco Martín Barrios ( La chispa robada y Mariscal López); Manuel Ortiz Guerrero ( Eireté, El crimen de Tintalila y la Conquista).  A partir del año 1924 surgen Luis Ruffinello, Miguel Pecci Saavedra, Facundo Recalde, Arturo  Alsina, Roque Centurión Miranda, Josefina Plá, Pedro Juan Caballero y Benigno Villa entre otros. Esta es la generación que introduce el teatro de ideas o de tesis y el simbolismo de manera orgánica en su obra. El modelo de la obra sigue siendo el drama o el melodrama en tres actos básicamente realista al que se introduce la discusión de ideas o tesis o la ejemplificación aleccionadora acerca del problema que se está planteando. En 1933 aparece por primera vez Julio Correa(*), quien toma el costumbrismo y sus moldes para escribir dramas y comedias en guaraní en los que parecen caber toda la fuerza y la emoción de la vida real que le rodeaba. Con un lenguaje realista y poderoso plantea los problemas más inmediatos y vitales del pueblo. Correa reavivó el interés en el teatro n un momento en el que el público y las autoridades tenían su atención puesta en la guerra del chaco ( 1932-1935). En 1933 estrenó Sandia

Yvyguy, Guerra aj, Tereho jevy frentepe y Péicha guarante. Julio Correa además de escribir  obras de teatro dirigía y actuaba. Formó un elenco de actores populares, sin trayectoria previa y los transformó en los máximos intérpretes de nuestras tablas. Para citar algunos nombres: su propia esposa,. Georgina de Corres, Ernesto Baez, Mirna Veneroso, Harmondio Soler Núñez, Carlos Gomez, Teodoro Mongelós, Espartaco Martínez, Aníbal Romero, Elizarda Cazal de Rodas, su sobrino Enrique Correa. En 1941 se crea el elenco teatral del Ateneo Paraguayo. Una serie de nombres van apareciendo y se van constituyendo en lo que hoy puede calificarse de "dramaturgia moderna paraguaya": Ezequiel Gonzalez Alsina, quien estrena La quijotesca rubia y El gran rival; Jaime Bestard, quien presente Arévalo y Los gorriones de la loma; Augusto Roa Bastos que con la colaboración de Fernando Oca del Valle estrena Mientras llega el día; y ya en los años 50 se suman las obras de Mario Halley Mora, Néstor Romero Valdovinos, José María Rivarola Matto, la propia Josefina Plá en otra etapa de su producción dramática ( el edificio, Alcestes, La cocina de las sombras, Las ocho sobre el mar) para citar los nombres más resaltantes. En 1956, se inica en el teatro el prolífico escritor Mario Halley Mora (1927) con la comedia dramática "En busca de María" . Algunas de sus obras son: " El Impala", "Un paraguayo en españa", "Un paraguayo en arabia", "El camaleón", "El último caudillo", "El poncho de Timoteo", "El billete de cien dólares", "El sacristán", "La madama", "La noticia", "Testigo falso", "Magdalena Servín", "Interrogante" y "La mano del hombre". También escribió obras en gauraní: "El comisario de Valle lorito", "El sargento de compañía", y"plata yvyguy rekavo.

TEATRO Durante la primera mitad del siglo XX, la historia del teatro paraguayo no cuenta con muchos nombres que hayan trascendido las fronteras nacionales, con la posible excepción de Josefina Plá quien, además de ser autora y co-autora (con Roque Centurión Miranda) de varias obras teatrales, está entre los críticos que más han estudiado el teatro paraguayo. Como en otros países de Latinoamérica, razones de orden histórico-político y económico-social explican parcialmente el hecho de que el teatro haya sido, y continúe siendo, el género menos fecundo de la literatura paraguaya. De enorme significación cultural para un país bilingüe como el Paraguay es la producción teatral de Julio Correa, autor de gran mérito e iniciador, en la década del 30, del teatro en guaraní en obras inspiradas en el contexto histórico-político de esos años, y en particular en la Guerra del Chaco. Otros representantes del teatro en guaraní de esa época son Francisco Barrios, Roque Centurión Miranda y Luis Ruffinelli. Durante las últimas cuatro décadas, entre los autores de obras más representadas, tanto dentro como fuera del país, se destacan en particular: Ernesto Báez, Mario Halley Mora, el más prolífico de este período y autor de varias piezas en "yopará" (voc. guaraní que significa "mezclado"), i.e., en español y guaraní; Alcibiades González Delvalle, tal vez el dramaturgo más polémico y controversial de los años ochenta; Ovidio Benítez Pereira, José María Rivarola Matto y Julio César Troche, para mencionar sólo a los más conocidos actualmente.

El teatro paraguayo contemporáneo, escasamente conocido y divulgado -como casi el total de la literatura de este país-, presenta creaciones singulares como las de Josefina Pla, Augusto Roa Bastos, Mario Halley Mora, Alcibiades González Delvalle, Roque Centurión Miranda, Ricardo Lago, Gloria Muñoz y Edda de los Ríos. Generalmente, la práctica escénica fue un medio de divulgación importante a lo largo de la historia del país. En épocas como la de la dictadura de Stroessner, era un instrumento de lucha contra las ideas institucionalizadas institucionalizadas por el poder. Producto de ello, la censura tenía sus ojos muy cerca de las representaciones, como lo prueba el caso de la prohibición en 1975 de la creación titulada San Fernando de Alcibiades González Delvalle, que, por  su talante impugnador de la historia oficial mitificada, fue censurada, y también al inicio de la transición democrática después del golpe del general Rodríguez, en 1989. De ahí que a lo largo de la historia, el poder viera al género teatral como un enemigo por su facilidad para divulgar ideas y hábitos en la población paraguaya, y lo condenara a una

concepción de arte declamatorio por encima de su carácter de catalizador de ideas y conciencias. El teatro paraguayo sufrió una renovación importantísima a partir de los años treinta del siglo XX, con la aparición de Julio Correa. En el ambiente paraguayo de los años cuarenta, había dos grupos claramente distinguidos. Por un lado estaba la corriente de José Arturo Alsina, partidario de un teatro universal, que sin huir de lo particular no cayera en el folclorismo, y cuyo drama de resonancias pirandellianas, al decir de Teresa Méndez-Faith, El derecho de nacer (1925) es el mejor ejemplo de su creación; por otro, la del teatro en guaraní, cuyos antecedentes se remontan a 1926, aproximadamente, con Francisco Martín Barrios, Rigoberto Fontao Meza y F élix F. Fernández, cuya expansión y el éxito llegaría en la década de los treinta con Julio Correa, considerado por los críticos como el impulsor del teatro marcadamente popular, que tendía a la oralidad, a la técnica intuitiva y a los condicionamientos lingüísticos. Este autor impulsó una suerte de t eatro que llegaba mayoritariamente al público por el simple motivo de que reproducía la situación oral bilingüe del país. Los asistentes a las representaciones entendían sus obras, por el componente decisivo de la lengua guaraní, y participaba en ellas en mayor grado que en las puestas en escena de obras de otras vertientes, ya que, generalmente, el conjunto del teatro paraguayo de esa época se encontraba bastante anquilosado en un posromanticismo vacuo y en procedimientos con olor a naftalina, a pesar de los intentos de Alsina. Es importante, además, porque se percibía un fondo social al que atendía el público con interés. En los años cuarenta del siglo pasado, Roque Centurión Miranda y otros nombres emprendieron la renovación definitiva del teatro paraguayo y se acercaron a las instituciones con el fin de asentarlo. En esta renovación participaron dos españoles: Josefina Pla (1903-1999) y Fernando Oca del Valle (1893-1972). Josefina Pla, cuya labor teatral no ha sido excesivamente estudiada, marchó al Paraguay en 1928 con quien fue su marido, el escultor y ceramista Julián de la Herrería, a quien conoció en España, probablemente en Villajoyosa (Alicante) mientras él disfrutaba de una beca para ampliación de conocimientos artísticos. Parte importante de sus peripecias durante finales de los años veinte y hasta ya bien entrada la guerra civil de 1936 discurrió en Valencia, donde Josefina conectó por medio del prelado Guerra-Galvany, seguramente tío suyo, con algunos poetas. Entre ellos, se encontraba José María Bayarri, tan recordado hoy en día por su obra El perill català como por su poesía. Julián de la Herrería moldeó algunas piezas y esculturas de cerámica que figuran en los fondos del Museo de Cerámica «González Martí» de Valencia. Durante esta estancia, y dada la presencia de Josefina Pla como participante y espectadora en actos culturales, pudo impregnarse de la experiencia teatral del grupo «El Búho», aunque no tan concienzudamente como en el ámbito poético. La actividad de «El Búho», junto a otras experiencias, le permitiría desarrollar sus conocimientos dramáticos años más tarde en el Paraguay, una vez estableciera su residencia definitiva en Asunción, en 1938. El segundo nombre español a destacar en la renovación del teatro paraguayo contemporáneo es el del exiliado Fernando Oca del Valle. Éste, a diferencia de Josefina Pla, comenzó su destierro posterior a la guerra civil española en la capital paraguaya en 1940. Fue uno más de la diáspora que concluyó su periplo en las acogedoras tierras americanas. Nunca fue un creador y no se conoce ninguna obra escrita por él, aunque sí presenta alguna atribución como coautor. Sin embargo, fue un director reconocido y, sobre todo, uno de los pedagogos teatrales más recordados en Paraguay, aunque tampoco se conserven tratados suyos. Dentro de la escena española anterior al exilio del 39, desarrolló su labor teatral más importante como actor  y director en el colectivo teatral «La Farándula», además de su conocimiento de la actividad teatral española de los años treinta adquirido como espectador de la escena madrileña. Ello se demuestra en que aplicó los conocimientos que había puesto en práctica los teatros de vanguardia e itinerantes, y en concreto, los grupos «La Barraca», «El Búho» y las «Misiones Pedagógicas» de Alejandro Casona, además del suyo, «La Farándula». Esta afirmación se fundamenta en el carácter de su pedagogía, que desarrolló a partir de su llegada al país guaraní, donde impulsó la Compañía de Comedias del Ateneo Paraguayo.

 A diferencia de otras autores teatrales exiliados en América, no llegó al país donde se establecería con creaciones propias escritas, representadas o con fama en el mundo escénico. Tampoco había desarrollado actividades de renombre, aunque conociera a fondo la labor del director por su experiencia. Es la antítesis de José Ricardo Morales, por citar un nombre del teatro del exilio en América, en el campo creativo. Sin embargo, comparte con Morales la experiencia en el teatro de vanguardia, y el aspecto pedagógico y de creación de escuelas dramáticas, lo que se traduce en una influencia decisiva en el desarrollo y en la evolución del panorama dramático de las naciones que les acogieron. No olvidemos que José Ricardo Morales fue impulsor del crucial Teatro Universitario Chileno, con Pedro de la Barra. De la misma forma, Fernando Oca del Valle tuvo una aventura teatral en Paraguay digna de subrayar, como pretendemos en este trabajo. Sin embargo, dada la carencia de archivos y materiales extensos sobre el teatro paraguayo de esta época, y al no haber transcurrido un amplio lapso temporal, hemos partido de testimonios orales preferentemente para reconstruir la figura de Oca del Valle. Entre ellos, destacan los que nos han facilitado el intelectual Raúl Amaral y la estudiosa del teatro Edda de los Ríos. Partamos de lo establecido en los manuales y trabajos del país guaraní, en el momento en que Oca de Valle llega tras la derrota republicana, a un país que precisamente no destacó por acoger a demasiados exiliados españoles, posiblemente porque los regímenes políticos de la época eran marcadamente progermánicos hasta que el rumbo de la Segunda Guerra Mundial varió. Junto a Oca del Valle, en 1940, como figuras mínimamente relevantes, solamente llegaron al Paraguay el jurista Guillermo Cabanellas de Torres, quien se instaló en Buenos Aires tres años después, y el ingeniero José Marcos, padre del escritor, crítico y profesor de Literatura, Juan Manuel Marcos, quien fue empresario del Teatro Municipal y apoyó a Oca del Valle, además conseguir la presencia de Margarita Xirgu en Paraguay. Fernando Oca del Valle fue profesor de la Facultad de Filosofía de la Universidad Nacional de Asunción, y participó activamente en la reestructuración y en las tertulias del Ateneo Paraguayo, donde, a decir de Amaral en carta personal, «comandaba, diz que no muy democráticamente, el área teatral». Entró en el ambiente teatral asunceño como director, y renovó el anquilosado repertorio posromántico. Hasta su renovación, en Asunción se representaban con el calificativo de «últimas» producciones, obras como Flor de un día de Camprodón y Don Juan Tenorio de José Zorrilla. Sustituyó esta producción por otros trabajos más «modernos», que, aunque no se correspondieran con todas las tendencias teatrales que surgían en otros países, incluso vecinos, sí que en Paraguay suponían un paso adelante para lograr un mayor  grado de actualización del teatro. Esos más «modernos» eran los autores de la escena madrileña -Benavente- y los que él había representado -Casona- fundamentalmente. Eran los autores que él había representado y dirigido en «La Farándula»; populares en la España anterior a la Guerra Civil. El que desconozcamos la mayor parte de las actividades de Fernando Oca del Valle antes de su exilio en Paraguay, se debe, en buena medida, a que él nunca alardeó de grandes conocimientos dramáticos, al contrario de lo que solía ocurrir entre la intelectualidad del país guaraní. Se limitó a aplicar sus conocimientos y a favorecer la llegada de nuevos cuadros de actores, actrices, técnicos y directores, que traían nuevos puntos de vista que ya no se fundamentaban exclusivamente en aspectos como la importancia exclusiva de la declamación o la búsqueda de escenarios realistas. Por ello, sus enemigos le combatieron con el argumento de que solamente había integrado cuadros filodramáticos en Madrid o conjuntos de cómicos ambulantes o de la legua, sin tener en cuenta la realidad y vigencia de las «Misiones Pedagógicas», por ejemplo. Estos problemas profesionales acabaron por disolver la compañía del Ateneo Paraguayo en 1947, aunque cinco años después, en 1952, Oca del Valle regresó a la dirección del conjunto cuando se refundó.

Pero se enfrentó a la tendencia del teatro popular de Correa, cuyo problema era el de sus elementales recursos técnicos. La expresión era eficaz, por ser en guaraní, pero el cuidado de estos aspectos lingüísticos hacía olvidar el tratamiento de los recursos escénicos y de los mismos argumentos. Fernando Oca del Valle reaccionó contra este tipo de teatro y su localismo, también, y apostó por la introducción de aspectos más universales. Ello le costó rencillas y el desprecio de una parte importante del ambiente teatral paraguayo. Pero creó escuela y su ejemplo fue continuado por un buen grupo de alumnos, sobre todo actores: Amanda Castaing de Cooper, María Elena Sachero,  Adolfo Cuéllar y Mario Prono, que defendieron la notoriedad de este teatro más universalizado. Es en 1941 cuando se creó el elenco teatral del Ateneo Paraguayo, que puso punto final a un estado de ataraxia en el campo escénico, como manifiestan Carlos R. Centurión y de modo más explícito Edda de los Ríos. Gracias a la labor del Ateneo Paraguayo estrenaron de nuevo Josefina Pla y Roque Centurión Miranda, Luis Rufinelli, también presidente de la subcomisión de teatro de la institución, apareció Jaime Bestard en el panorama dramático y comenzaron sus prácticas escénicas autores noveles renovadores como Ezequiel González Alsina, Mario Halley Mora, Néstor Romero Valdovinos, Rogelio Silvero, e incluso el, más tarde, conocido novelista  Augusto Roa Bastos. Al margen del teatro costumbrista, en los años cincuenta,  jóvenes como Manuel E. B. Argüello y Julio César Troche aprendieron en él y prosiguieron la labor expansiva en el teatro del país. Ocupó la dirección de la Compañía de Comedias del Ateneo Paraguayo desde el primer momento, y en abril de 1942 estrenó la comedia Arévalo de Jaime Bestard en el Teatro Municipal. En los locales de esta institución se dictaban conferencias y seminarios, muchos impulsados por él. Su única incursión en el campo de la creación es ciertamente confusa, porque Centurión anota que escribió una comedia junto a Augusto Roa Bastos, en tres actos, titulada Mientras llega el día. Sin embargo, según los datos obtenidos que figuran en la bibliografía de Augusto Roa Bastos de Milda Rivarola, que hemos podido confirmar, Mientras llega el día fue representada por la Compañía del Ateneo Paraguayo, bajo la dirección de Fernando Oca del Valle, en 1946, y que la obra fue escrita por el gran autor paraguayo, pero perfeccionada por Oca para llevarla a las tablas. Josefina Pla, como directora con Roque Centurión Miranda, y secretaria, de la Escuela Municipal de Arte Escénico de Asunción, nunca actuó en su favor, aunque le apoyó en algunos momentos difíciles. Pero la Escuela Municipal, a diferencia del Ateneo, adoptó una actitud ecléctica y caminó entre los presupuestos de Arturo Alsina y Oca del Valle y el populismo de Correa, sin superar esta dicotomía. Sin embargo, Josefina Pla y Roque Centurión Miranda, en colaboración, obtuvieron el primer premio del Ateneo Paraguayo, en 1942, con la obra Aquí no ha pasado nada, cuando Oca del Valle había congeniado con los rectores de esta entidad poco tiempo después de su llegada a la capital del país guaraní. La Escuela Municipal de Arte Escénico llevó a las tablas algunas obras que enlazaban con las pautas de los susodichos grupos teatrales españoles anteriores a la guerra civil y con las creaciones de los autores exiliados que estrenaban en las otras capitales del Cono Sur. Y para comprobarlo es suficiente con contemplar algunos de sus estrenos y recuperaciones de clásicos: La barca sin pescador, La dama del alba y El mancebo que casó con mujer brava de Alejandro Casona -la segunda es una de las primeras obras que representó el Teatro Universitario chileno con José Ricardo Morales-, El retablo de las maravillas de Cervantes, El avaro de Molière y La verdad sospechosa de Juan Ruiz de Alarcón. Si a ello añadimos que se estrenó Llama un inspector de J. B. Priestley, a Pirandello, Arthur Miller, Albert Camus, Ugo Betti y Shaw, entre otros, además de a numerosos autores paraguayos, no cabe añadir otra palabra más a lo que significó esta institución y la labor de Fernando Oca del Valle en el teatro paraguayo de alrededor de mediados del siglo XX, y como cimentador de las bases para un teatro futuro. Y esta labor se fundamentó en la elección de un repertorio lo más actualizado posible, una dirección escénica innovadora para el Paraguay de la época, aunque muy marcada por la escena española de los treinta y por la bonaerense de los cuarenta, y, quizá el aspecto más importante, la labor de formación de actores. Su trabajo incluyó también las representaciones de teatro leído en el

Rotary Club asunceño, donde se recuerda la sesión de La cena de los cardenales de Dantas en 1953. Oca del Valle cuidó el trabajo formativo de los actores, de tal manera que de su enseñanza aprendieron las primeras grandes figuras de la interpretación en el teatro paraguayo. Algunos como Jacinto Herrera y Nelly Prono hicieron carrera en Buenos  Aires, con lo que el logro significaba. En el decir oral de Edda de los Ríos, el primero hizo cine y teatro en la capital argentina, y regresó a Paraguay en los 60, en plena decadencia por su alcoholismo. No obstante, cumplimentó algunas temporadas teatrales y fue un pionero presentador de la televisión paraguaya hasta su fallecimiento en 1969. La segunda cumplió en Buenos Aires con una excelente labor  en teatro, cine y televisión. Sólo retornó al Paraguay en contadas ocasiones con compañías teatrales porteñas o de visita a sus familiares. Murió en la capital argentina.

Del elenco del Ateneo Paraguayo de la época de Oca del Valle, surgió una compañía importante en el desarrollo del teatro popular posterior. Es la compañía Báez-ReisoferGómez. Ernesto Báez, Emigdia Reisofer, Sara Giménez y Carlos G ómez, después de haberse iniciado con Fernando Oca del Valle y tras un periodo no muy extenso de temporadas en Asunción, dejaron la Compañía del Ateneo y fundaron la propia que hemos citado. Su línea abandonó presupuestos que difundió Oca del Valle y optó por  el teatro popular en jopará y castellano. Báez era el director, que siguió con la vena de Julio Correa hasta su fallecimiento. Realizaron algunas representaciones esporádicas en Buenos Aires, donde no tuvieron demasiado repercusión, dado el carácter localista de este teatro popular. Interesa subrayar la figura de Ernesto Báez, porque fue quien se enfrentó a Fernando Oca del Valle, después de haber sido su alumno, en los cincuenta, dada la diferente concepción teatral de ambos. Báez optó definitivamente por el teatro popular, lo que era sinónimo de discordancia con su maestro. La polémica llegó a los diarios y revistas de la época, aunque, unos años después, las desavenencias, que llegaron al plano personal, desaparecerían. En 1959, Ernesto Báez y su esposa Emigdia volvieron a trabajar como artistas invitados con la Compañía del Ateneo para el estreno de la primera zarzuela paraguaya «La Tejedora de Ñandutí» de Moreno González y Frutos Pane, que tuvo un gran éxito. Después del fallecimiento de Emigdia de Báez, su esposo Ernesto, Sara Giménez y Carlos Gómez prosiguieron la labor de la compañía. Salvo Carlos Gómez, quien sigue representando teatro popular a sus más de ochenta años, todos han fallecido hace poco. Entre las actrices destacó Mercedes Jané. Fue la protagonista del montaje de La barca sin pescador, el más recordado, a juzgar por los testimonios orales de testigos, de los que dirigió nuestro personaje. Jané trabajó en el Ateneo durante muchos años, y más tarde fundó una compañía propia. Aún trabaja en la escena esporádicamente, a pesar de su avanzada edad. Como «actores de carácter» del Ateneo Paraguayo destacaron Leandro Cacavelos y Azucena Zelaya (ambos murieron a finales de los años ochenta), quienes representaron los títulos más importantes que dirigió Oca del Valle en los años cincuenta, cuando Ernesto Báez abandonó la compañía. Zelaya estrenó La dama del alba en Asunción. Entre los actores más jóvenes que ingresaron en la compañía en los cincuenta, hay que destacar a María Sachero, hoy en día una de las grandes actrices paraguayas, y Mario Prono. El traspaso de la dirección de la compañía a ambos fue uno de los legados de Fernando Oca del Valle, una vez se retiró por motivos oscuros y posiblemente surgidos por las eternas disputas entre los literatos y artistas paraguayos, que subsisten desde siempre y hasta nuestros días. Sachero y Prono continuaron la labor de la compañía y los nuevos montajes hasta los ochenta aproximadamente, década en que desapareció definitivamente el elenco del  Ateneo Paraguayo.

Otros nombres de actores de la compañía merecen ser destacados, aunque no figuraran en primer plano: Amador García, Ethel Stark, los hermanos Torres, Ninica Segura, etc. En realidad, Fernando Oca del Valle puede considerarse un maestrodirector más que un director escénico exclusivamente, dado que todos los que integraron la compañía fueron actores noveles. Fernando Oca del Valle no es una figura excesivamente recordada en el ámbito del teatro paraguayo actual. Sus reminiscencias quedan como muy lejanas y extrañas. Sin embargo, fue quien puso los cimientos para que el teatro paraguayo contemporáneo presente figuras como Manuel E. B. Argüello, Edda de los Ríos y Gloria Muñoz. Los autores, actores y docentes le recuerdan, pero no con la importancia que merece. Posiblemente, no logró culminar el proceso de actualización del teatro paraguayo, que no evolucionó a las nuevas corrientes neovanguardistas que surgieron en Europa o en los países vecinos en los sesenta y setenta, Pero aportó los cauces pedagógicos necesarios para una renovación teatral y, sobre todo, para la formación de actores y directores. La carencia de tratados escénicos suyos y de obras didácticas escritas, es el motivo que impide que reconozcamos su labor; una labor destacable de otro exiliado más de la fratricida guerra civil española en tierras americanas.

EL "TEATRO INDEPENDIENTE" EN EL PARAGUAY Existe una vasta información para hablar sobre el teatro en el Paraguay, teniendo en cuenta la trayectoria que éste ha tenido en el ámbito cultural de nuestra sociedad. Sin embargo, por razones de espacio me limitaré a describir sólo lo que fue el movimiento del "teatro independiente", movimiento que realmente se adentra en un teatro que refleja de forma más directa y con un lenguaje actual la situación socio-política-cultural del Paraguay. Dada la cantidad de grupos que surgieron, aquí se mencionará a aquellos destacados por sus aportes especiales a la escena nacional.

EL INICIO En la década del cincuenta, cuando irrumpió en el ambiente teatral paraguayo una nueva corriente, con el nombre de "teatro independiente", se presenta una alternativa diferente para los trabajadores del teatro.  Al igual que en otras áreas del arte, este pensamiento teatral llegó al Paraguay como reflejo de los movimientos artísticos en los países vecinos, influenciado principalmente por virtuosos argentinos, chilenos y brasileños. En sus respectivos países, estos artistas integraron a los antiguos y reconocidos talentos la escena con los nuevos valores. Los elencos, así conformados orientaron su trabajo hacia la experimentación de un teatro que planteó formas innovadoras para nuevos contenidos. Esto en Paraguay se inicio con factores provenientes, muchas veces, del poco desarrollado teatro universitario. Este naciente movimiento, integrado por trabajadores del teatro (actores, directores, dramaturgos, escenógrafos…) centro su interes interesado en observar un repertorio diferente al costumbrista latinoamericano y al teatro tradicional español que se venía haciendo durante décadas. Buscaban también, de esta manera, salir del público habituado solamente a asistir a nuestro primer Coliseo, el Teatro Municipal, para llegar  al de parroquias y barriadas, por lo general olvidados. Surgen así los llamados "grupos de teatro" que diferían de las "compañías", cuyos componentes eran contratados de acuerdo a la necesidad de cada obra y tenían un carácter más comercial. Los primeros en cambio, lo constituían personas de mentalidad joven y por lo general, eran más estables en los grupos.

Exploraban combinar la expresión artística con contenidos acordes a las necesidades más cercanas e inmediatas. Por encima del lucro económico deseaban expresarse recorriendo para ello, nuevos caminos y formas. Respecto a la organización interna, ellos mismos generaban sus propios recursos, conllevando por lo general el trabajo teatral (nocturno) con otro alternativo (diurno) Estas agrupaciones se iniciaron durante la época de la dictadura del General Stroessner y el teatro que hacían tenía un carácter contestatario, por lo que en su mayoría fueron perseguidos, atacados y varios de ellos hasta desaparecieron en manos de la maquinaria gubernamental (Caso del "Teatro Cero", clausurado por  "orden superior" antes de su estreno) Varios de estos grupos trascendieron las fronteras y lograron ganar un espacio interesante dentro del panorama latinoamericano. Así podemos citar la primera obra enmarcada en el teatro independiente en el año 1958, a cargo del Teatro Experimental  Asunceño, dirigido por el actor y director Tito Jara Román. Este movimiento sigue vigente y cobró especial fuerza hasta la realización del Tercer  Festival del Nuevo Teatro (1976), en que la represión por motivos políticos llegó a un grado extremo y logró desatar una verdadera crisis en el interior de los grupos e integrantes. Luego, las compañías más antiguas resurgieron y dieron cabida en ellas a numerosos actores y actrices formados dentro del teatro independiente. Con el desarrollo de la hidroeléctrica Itaipú, emerge una nueva clase económica, con gustos más conservadores y frívolos en temas culturales. Entre los más importantes grupos surgidos dentro del teatro independiente se encuentran el Teatro Experimental Asunceno, Teatro Popular de Vanguardia, Teatro Estudio Libre, Tiempo ovillo, Teatro Laboratorio, Aty Ñe’e, Pirirí Teatro y la Muestra Paraguay de Teatro, que aglutina a todos ellos y a otros, en las llamadas Muestras Nacionales de Teatro. No obstante, las grandes dificultades, los grupos más perseverantes continúan trabajando hasta hoy día; y gran parte de nuestro movimiento teatral profesional está integrado por actores formados dentro del movimiento teatral independiente.

EL "TEATRO EXPERIMENTAL ASUNCENO" El director de teatro, Tito Jara Román, después de algunos estudios realizados en Buenos Aires, Argentina, retornó al país e inició el experimento al reunir a un grupo de actores jóvenes, cuyas edades oscilaban entre los dieciocho y veinte años, y decidió conformar con ellos lo que sería el "Teatro Experimental Asunceno". Después de ocho meses de ensayos, el 23 de agosto de 1958, se estrena en el auditorio del Colegio Goethe la obra de teatro, "Demanda contra desconocidos" del autor francés Georges Neveux, a ésta se la considera como la primera obra del teatro independiente paraguayo. El director de la misma, Tito Jara Román, tenía para entonces veintidós años, y acababa de egresar de la Escuela Municipal de Arte Escénico, en ese entonces dirigida por el maestro Roque Centurión Miranda. Varios de los integrantes del T.E.A. eran egresados de la misma Escuela y tenían como objetivo común incursionar en un teatro diferente al teatro español que se realizaba en el Teatro Municipal, bajo la dirección de Don Fernando Oca Delvalle, lo mismo que del teatro costumbrista. Desde sus inicios, este grupo tomó la orientación del teatro independiente argentino, difundido en Paraguay mediante el libro publicado por el maestro Castagníno y

obsequiado a Jara Román por el actor chileno, Fernando Jouseau quien se encontraba en ese tiempo de gira por Asunción. La propuesta, algo confusa en principio, fue cobrando claridad con la asesoría de Julio César Troche, quien se encargó de dar las pautas hacia nuevas formas de trabajar en el teatro, desconocidas en ese entonces por los integrantes. Con el estreno de su primera obra, el T.E.A. declara: “Buscamos un t eatro independiente de todo compromiso restrictivo en lo crematístico, político o religioso, responsables de sumir al quehacer teatral en viciosas interacciones. Querernos llegar  a un público popular, y a la vez promocionar todos los valores que por una y otra causa están ausentes en la escena nacional".

El primer grupo estaba compuesto por: Elena Visokolán, Gustavo Calderini, Ramón del Río, William Becker, Carlos Federico Gómez, Chunga Schuartzman, José Antonio Pratt, Julio Álvarez, Natalia Zeman, Guillermo Schaerer, Julio Alver, Ángel Rubén Flor, Mary Erma Fleitas, Etelvina Acosta, Liv Goetting, Miguel Ángel D'Angelo, Julio César  Troche y posteriormente las hermanas Norma y Nanny Barret. Este grupo habilitó nuevos espacios teatrales, como fueron La Societé La France, el Centre Catalá, la Misión Cultural Brasileña y el Auditorio de Radio Cáritas. El repertorio de obras presentadas abarca títulos corno: "Demanda contra desconocidos", de Neveux, "La versión de Browning", de Rattigan, "El zoológico de cristal", de T. Williams, "El prestamista", Josseu; "Milagro en el mercado viejo", de Dragún, "Los sobrevivientes", de Adler. "El niño y la estrella", J. Plá; "Un t al Judas", de Boh, "Británico", de Racine, "El santo y la chancha", Suassuna. "Ha llegado un inspector", de Presley, "Espectros", de Ibsen, "Nerón", de Racine y "Calígula", de Camus. Estos trabajos, en principio desconcertaron a la crítica, tanto por el repertorio como por  el uso de determinados elementos escénicos innovadores, surgidos muchas veces como efecto de la carencia de medios económicos (eliminaron el telón de boca, economía de elementos escenográficos, utilización de objetos imaginarios, reflectores a la vista del espectador). La estructura de sus obras montadas, era reelaborada de tal forma, que las escenas tenían una perfecta medida, establecidas de acuerdo a las necesidades del ritmo total (por lo general eran cortadas en el momento "pico"). Este grupo fue fuertemente atacado por el gobierno stronista. Algunos de sus integrantes fueron llevados presos y otros tuvieron que exiliarse del país. Uno de los principales aportes del T.E.A. al teatro paraguayo fue la iniciación de los  jóvenes en el campo teatral, proyectando sus semillas a elencos que surgieron posteriormente como el T.P.V, Tiempoovillo, T.E.L., Aty Ne'é entre otros.

PROLIFERAN LOS GRUPOS INDEPENDIENTES  Al poco tiempo de la aparición del T.E.A. (Teatro Experimental Asunceno, 1958) surgieron una serie de grupos, que coincidieron con el deseo de búsqueda de un teatro diferente y entraron a engrosar la lista del teatro independiente. Los más afortunados lograron estrenar sus obras. Otros quedaron en el camino, dado que ese tiempo fue particularmente difícil para la cultura; en parte por la acción represiva directa del gobierno del general Stroessner, y en otra por la falta de auxilios económicos provenientes de las empresas públicas o privadas. Todos estos grupos realizaron su trabajo de forma colectiva (rechazaron el teatro de estrellas, se autofinanciaban y la temática de sus obras abarcaba fundamentalmente facetas sociales). Entre ellos se pueden citar:

TEATRO EL GALPÓN Nació bajo la iniciativa y dirección de Josefina Plá, mujer de gran solvencia intelectual, oriunda de las Islas Canarias, (España). Se radicó en Paraguay desde muy joven, y se insertó definitivamente en el movimiento intelectual de este país. Llevada por el deseo de un teatro de arte, acondicionó el patio de su casa (situada en la calle Estados Unidos esquina República de Colombia), a modo de un pequeño auditorio, con la inclusión de un escenario, siendo entonces éste uno de los proyectos teatrales más ambiciosos. La obra que empezaron a ensayar era "Momento para tres", de la autoría del artista plástico y poeta paraguayo, Carlos Colombino. En ese elenco se encontraban las hijas del famoso ceramista, Laterza Parodi. Lastimosamente este grupo se acabó sin estrenar su primera obra. No obstante, dejó gente entrenada en las artes escénicas.

TEATRO EXPERIMENTAL CATÓLICO Impulsado por el director del Colegio San José, Padre Alonso de las Heras. Congregó a alumnos del ciclo secundario (fundamentalmente del colegio "Las Teresas" y "San José"), buscando así el acercamiento de los jóvenes a la actuación. La dirección del mismo estaba a cargo de José Antonio Pratt Mayans (novel valor que en ese entonces comenzaba a incursionar como escritor) que venía con la experiencia de haber  conformado el elenco "Jóvenes Católicos". Para iniciar actividades eligieron la obra "Jaque Mate" de Pablo Rey. La obra no corrió con suerte ya que sólo pudieron hacer una función de estreno, presentada a un círculo cerrado de espectadores, en una casa de familia,

TEATRO EXPERIMENTAL MBURICAÓ La obra que consolidó a este grupo fue "La Pasión de Cristo", cuya idea emergió buscando hacer una representación para las celebridades de Semana Santa en el barrio Tembetary, a la que parte del elenco del futuro T.E.M. asistió accidentalmente como público. La actriz y directora, Teresita Pesoa, movida con la idea de continuar con estas puestas, reúne a un grupo de actores, entre los que se encontraba en ese entonces Rudy Torga, Emilio Barreto y Arturo Fleitas; quienes continuaron trabajando el tema de una manera más elaborada. "Nuestro Cristo - comenta Arturo Fleitas - fue concebido desde un punto de vista bastante terrenal. No era un ser apartado de la condición humana, sino muy comprometido con ella. Un Cristo que luchaba por la justicia y la libertad, ya en este mundo". Durante las Semanas Santas este grupo siguió presentando "La Pasión", al punto que al elenco se lo identificó con ese nombre. Como consecuencia de todo esto, posteriormente deciden fundar el Teatro Experimental Mburicaó (T.E.M.). "Durante seis años teatralizamos esa obra - comenta Barreto - llevando el mismo por  diversas ciudades y pueblos del interior, pero sólo en épocas de Semana Santa.

Después continuamos con las obras de Correa. La velada fue nuestro género preferido, tomábamos elementos populares y los t rabajábamos con los mínimos recursos en cualquier sitio que la gente necesitaba diversión. Inclusive nuestras luces eran improvisadas lámparas de kerosene". Como elemento resaltante de este grupo es importante destacar la unidad ideológica que tuvo el mismo.

TEATRO EXPERIMENTAL ANAHÍ Coincidiendo con el mismo tiempo, surge en Villeta (ciudad cercana a la capital) el Teatro Experimental Anahí, cuyo repertorio preferentemente eran las obras en guaraní de Julio Correa. Estos grupos, si bien de corta vida, lograron despertar inquietudes y dar bases firmes a sus integrantes, muchos de los cuales pasaron a formar parte de elencos posteriores más estables, como el Teatro Popular de Vanguardia y el Teatro Estudio Libre.

TEATRO POPULAR DE VANGUARDIA Con la aparición del Teatro Popular de Vanguardia se comenzó a hablar de un teatro de imágenes, en el cual la mímica y los sonidos adquieren un valor destacado. Se formulan así nuevas propuestas estéticas en la escena, El responsable de la creación de T.P.V. fue Oscar Wespel, argentino de origen y de notables facetas artísticas (mimo, músico y dramaturgo), apoyado por Natalia Zeman, un valor joven que entonces se iniciaba en el teatro. En principio, este grupo trabajaba fundamentalmente con el lenguaje del cuerpo, presentó en 1964 su primer espectáculo de pantomimas, basado en imágenes cotidianas con una gran carga de humor y reflexión, ensartadas entre sí por el delicado hilo de un imprevisible Arlequín. El público, en principio, no comprendió totalmente a este grupo, pero si pudo darle el apoyo necesario para que continuaran con otras obras, como el Recital de farsas, "El retablillo de Don Cristóbal", de F. García Lorca; "Píramo y Tisbe", fragmento de Sueño de una noche de verano de Shakespeare y "Juan Ene", creación del propio Wespel, entre otras. De la misma manera que crecía el repertorio de obras, aumentó el número de integrantes, pudiéndose citar entre los cofundadores a Rufo Medina y Humberto Gulino (éste último continuó su carrera de forma ininterrumpida, en la actualidad se ubica entre los mejores actores nacionales). Debido a la finalización del contrato de trabajo que W espel tenía en Paraguay, en 1965 vuelve a la Argentina, delegando la dirección del grupo a Rudy Torga, el cual incorpora al repertorio obras de autores nacionales (Julio Correa y Rivarola Matto) buscando así un teatro de mayor contenido social y llegar a un público más amplio. No obstante, el T.P.V, siguió representando obras de Dragún, Jorge Díaz y Rice, "La máquina de sumar", en la cual se destacaron Antonio Pecci y Sonia Irrazábal construyendo personajes de delicados matices, con un buen nivel estético. Con "La máquina de sumar" se inauguró el teatro en castellano en la sala del Centro Paraguayo Americano, usada anteriormente sólo para representaciones de teatro en inglés (The Cosmopolitan Players). Bajo la dirección de Rudy Torga y la asistencia de dirección de Antonio Pecci este grupo estrenó la primera obra de Federico García Lorca en Paraguay, "Doña Rosita la soltera", con escenografía de Héctor Benítez Torres, protagonizada magistralmente por Stella Lamarc.

Tratando de ganar nuevos sectores de público, el grupo hizo funciones en colegios y universidades, teniendo que improvisarse la mayoría de las veces el escenario en patios, aulas, y canchas deportivas. Posteriormente, Pecci asumió la dirección e inició la formación de actores, así dio origen al desarrollo de talleres teórico-prácticos de actuación, expresión corporal, expresión oral, literatura de t eatro, maquillaje y puesta en escena. La farsa, género predilecto de Wespel, fue retomada por el grupo, montando "Bonome y el queso", de Aurelio Ferretti, "El hombre que se convirtió en perro" y "Panchito González", de Osvaldo Dragún y "El amor de Perlimplín y Belisa en su jardín" de F. García Lorca. En este tiempo se vincularon al grupo Antonio Ayala, Silvio Rodas, Alejo Pesoa, Ramón del Río, Ñeco Rabito y Erenia López, con la que comparten la dirección del espectáculo poético-musical, "Un puñado de tierra". Con el mismo se presentaron en el Festival de Teatro de Manizalez (Colombia 1971), siendo ésta la primera obra paraguaya que participó en un festival latinoamericano. De esta manera, se abrió camino a otros trabajadores del teatro que más tarde repetirán su itinerario.  Al regreso de Colombia (1972) el T.P.V. hizo una experiencia de montaje conjunto con el "Teatro Parroquial Virgen de la Merced" perteneciente a Areguá (pueblo cercano de  Asunción). La obra seleccionada para ser representada fue Ñandeyara recové, creación colectiva sobre la vida de Cristo, tomando como base fragmentos bíblicos con parlamentos de Juan Manuel Marcos, sonorización de Mito Sequera y dirección de Antonio Pecci. Este espectáculo se exhibió aproximadamente en diez pueblos en época de Semana Santa y tenía como particularidad el uso del idioma: el pueblo hablaba en guaraní (uno de los idiomas oficiales del Paraguay, de origen indígena) y los soldados en castellano. Posteriormente ponen en escena "El Montecalvo", de Jairo Aníbal Niño (Colombiano), tragicomedia de alto contenido antibelicista. Este grupo también incursionó en el teatro para niños con "Los grillos sordos", de Jaime Silva y `El queso y el salchichón`, de Jorge Lillo. En el año 1978 el grupo se disuelve debido a la difícil situación política reinante en el país (dictadura del general Stroessner), continuando Antonio Pecci su labor como actor invitado en otros elencos y haciendo hasta hoy sus aportes al movimiento teatral nacional desde su lugar como periodista cultural.

TEATRO ESTUDIO LIBRE El elenco Teatro Estudio Libre (T.E.L.) fue fundado en 1970 por Rudy Torga (19382002), quien además, se desempeñó como director del mismo. Comenzó a funcionar  en la fonoplatea de Radio Cáritas y tuvo una actividad escénica ininterrumpida por  más de 30 años. La primera obra presentada por el grupo fue "Barranca Abajo" de Florencio Sánchez, con la cual realizó una exitosa temporada en el Centro Cultural Paraguayo Americano. Desde 1971 formó parte de la Misión de Amistad donde se presentaron, preferentemente, obras del repertorio nacional y latinoamericano, en castellano o guaraní. Las mismas se caracterizan por su profundo contenido social y por la búsqueda de una propuesta estética con perfil propio, que pueda conciliar lo universal del arte con las raíces de nuestra cultura. Entre las obras que caracterizan esta etapa mencionamos algunas:

• 1971. Teatro breve latinoamericano: "Cantata heroica a Pedro Juan Caballero", de Ramiro Domínguez (Paraguayo), "La maestra y La autopista" de Enrique Buenaventura, (Colombiano). • 1972. "Azúcar impalpable", de Roberto Cañ ete (Pyo.) "Estimado Prócer", de Humberto Constantini. • 1973. "El centroforward murió al amanecer", de Agustín Cuzzani (Argentino). • 1974. "Encrucijada del Espíritu Santo", de José María Rivaro la Matto (Paraguayo). • 1975. "Morituri: los que van a morir ", de Ovidio Benítez Pereira (Paraguayo) • 1976. "Mbokaja ha'eño", de Néstor Romero Valdovinos (Paraguayo). • 1976. "Hermano Francisco", de Josefina Plá (Hispano -Paraguaya). • 1977. "La agonía del héroe", de Efraín Enríquez Gamón (Paraguayo). • 1978. "En la diestra de Dios Padre" de Enrique Buenaventura (Colombiano),

homenaje al compatriota, Carlos Miguel Jiménez. • 1979. "Ñandejara resa'yi", adaptación al ambiente campesino y traducción al guaraní

de "En la diestra...", de E. Buenaventura, de Rudy Torga. Desde 1980 el Teatro Estudio Libre orientó sus presentaciones hacia el interior del país y articuló su labor con organizaciones urbanas y campesinas. Incorporó de manera continua talleres de formación actoral y de animación sociocultural. También realizaron investigaciones sobre las raíces y "nuestra compleja manera de ser (Nande rekove)".  Al respecto, dijo el mismo Rudy Torga: "El Teatro Estudio Libre siempre ha intentado ser fiel a la propuesta de un teatro comprometido con la vida y los ideales de un art e emancipado de préstamos e imitaciones. El camino del teatro es tortuoso. Para dar un paso hay que luchar. Y para el elenco, la lucha constructiva es aquella que se plantea en el trabajo cotidiano, con la atención concentrada en el movimiento social del país. Un teatro que participa en la lucha con la ciudadanía, y al mismo tiempo, deja participar en el teatro a la ciudadanía con su crítica, con su verdad, con su inagotable creatividad".

TEATRO CERO En el año 1969, los argentinos Ángel Moglia, su esposa Hebe Milli y el paraguayo  Adolfo Ferreiro, desde el principio un excelente grupo de amigos, emprendieron la primera aventura de conformar un grupo de teatro que trabaje de manera continua, un repertorio de teatro universal, contando para eso con una sala propia. El objetivo del mismo era hacer un buen teatro que le guste a la gente, que sintonice con lo que había en el mundo y que pudiera sustentarse económicamente. Estos tres jóvenes se conocieron, mediante un amigo en común, José Carlos Rodríguez, quien fue compañero de faculta de Hebe. Ángel y Hebe venían de la experiencia del Teatro Independiente argentino y entre charla y charla, un día decidieron hacer en Paraguay, la primera sala de teatro independiente con un formato diferente al que había en ese entonces, como era el Teatro Popular de Vanguardia (TPV).

De esta amistad en común, se asociaron Ángel Moglia y Adolfo Ferreiro, alquilaron para sede un galpón que había sido ante un taller mecánico, situado en la calle Paraguayo Independiente casi 14 de mayo, al lado del actual edificio "Zodiac", frente a la Escuela Militar. Lo equiparon prolijamente con butacas criollas (silletas de lona), camarines, boletería, luces, y todo tipo de requerimiento de una sala de esta categoría. También, allí mismo estaba previsto albergar un cine club, al frente del cual estaba uno de los mayores conocedores de cine de la época, Jesús Ruíz Nestosa. Y así, trabajando, empujando con gran entusiasmo, se armó la sala. El nombre de "Teatro Cero" se debe a Ferreiro, que en una de esas tardes, entre el trajín de la conformación del nuevo grupo, recuerda haber dicho a Moglia "esto sí que es empezar de cero". Conformaron el primer elenco el mismo Ángel Moglia, Edgardo Morel (Carmuega), Rudy Torga, Osvaldo Otazú, Hebe Milli, Ricardo Aldao, Rafael Arriola, Carla Fabri, Silvio Beltrán. El asistente de Moglia fue Luís Alberto Frutos. No obstante, habían otros simpatizantes que constantemente prestaban al grupo su colaboración y ayuda. La tarea de abrir una sala privada, en un país que carecía de esta modalidad les llevó a grandes esfuerzos, desde el poner en juego sus propios ahorros y perderlos. Aparte de esto, por supuesto, todas las innumerables vueltas que conlleva la autorización del funcionamiento de la sala en la Municipalidad de Asunción, Policía, Escuela Militar (por  razones de vecindad) entre otras. En ése entonces, la oferta de actores era mínima, por lo que algunos fueron invitados por el director a la experiencia de actuación, aún recurriendo a gente común, en la calle, como fue el caso de Osvaldo Otazú. La primera obra que decidieron poner en escena fue "Rómulo Magno" de Fredierich Durremant. Anteriormente Moglia ya la había dirigido en Buenos Aires, donde tuvo gran suceso. La propuesta surgió porque consideraba que era toda una reflexión sobre el poder, muy sutil y que por estar ubicada dentro de un contexto histórico diferente al paraguayo, podría zafarse de la represión. Infelizmente la obra no pudo llegar a estrenarse. Sólo se realizó una función de preestreno, a la cual asistió el presidente de la Junta Municipal, el Dr. Honorio Campuzano, periodistas y amigos, mezclados con espías del régimen. El estreno tenía que ser al día siguiente a las 20 horas. No se realizó, esa mañana apresaron a  Ángel Moglia y su esposa dándole cuarenta y ocho horas de tiempo para abandonar el país. La amistad entre Moglia, su esposa y Ferreiro, no obstante, continúa a la distancia, y se mantiene firme por varias décadas, hasta el fallecimiento del primero en la ciudad de Corrientes, recordando a Paraguay como sus mejores años, pese a todo. Se realizó todo tipo de gestión para reabrir el teatro, pero no hubo más que silencio, murallas y cobardías de todo tipo. Finalmente se devolvió el local y el equipamiento se desperdigó por todas partes. Así, concluyó el primer gran sueño de una sala propia para espectadores especiales, sensibles e inteligentes. Infelizmente, puesto que esto atentaba contra los interese del régimen stronista.

TIEMPOOVILLO Este grupo nace en 1969 ideado por Ricardo Migliorisi y Agustín Núñez, éste último acababa de llegar de tomar clases en el Conservatorio de Teatro de Río de Janeiro, en donde se aproximó al método de J. Grotowsky. Para la conformación del grupo vincularon a compañeros de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de  Asunción con los que anteriormente habían intentado formar otros elencos abocados a la búsqueda de una expresión de un lenguaje estético más acorde con esos años. Ellos fueron Nucky Walder, Teresa González Meyer, Teresa Bolla, María Helena Gill, Gloria Muñoz, Carlos Pompa, Sidney de Mello, Cristina Machaín, Julio Saldaña y Julio González.

Más tarde se hizo necesaria la incorporación de nuevos integrantes ajenos a esa Facultad, razón por la cual pasó a constituirse en un grupo independiente. Es así que se produce la integración de Pelusa Brítez, Raquel Rojas, Tony Carmona; Elisa Godoy, Lourdes Zaracho, Robert Leigth, Graciela Amarilla, Eugenio Fernández, Raúl Reissner, Tilly Schulz, Carlos Troche y Chino Ferreira. En esa época se presentó el desafío de hallar un lenguaje propio y una definición como grupo. Comenzó así un periodo de búsqueda en las distintas formas teatrales. El joven director de teatro brasileño Marcio Sgreccia dio en ese momento pautas, creó inquietudes y facilitó técnicas para que el grupo pudiera iniciar su trayectoria. La "Declaración de Principios" de Jerzy Grotowsky dio el impulso inicial para abrirse a nuevas fuentes expresivas (danza, mímica, mundo sonoro, acrobacia, artes marciales) tomando de cada una lo que consideraban podría servir para elaborar un lenguaje estético teatral. La primera obra de este grupo fue Curriculum vitae, una adaptación de "El extraño  jinete", de Michel de Ghelderode. La obra estaba enmarcada dentro del teatro de la crueldad, y por primera vez, con la ruptura del espacio escénico, se da una propuesta de integrar activamente al público dentro del espectáculo. La segunda puesta que presentaron estuvo armado en base a dos obras breves; "La mujer del condenado", de Henry Monnier, y "Oración", de Fernando Arrabal, para lo cual recurrieron como fuente al expresionismo. El deseo de departir con el mundo infantil se da con la obra "La isla mágica del contador de historias", creación del grupo en la cual el público participa activamente con acciones y opiniones en el desarrollo de la misma. En plena dictadura militar sintieron el compromiso de desenmascarar elementos represivos del régimen, surgió así "El boceto del infierno", conformada por fr agmentos de El balcón, de Jean Genet, "La orgástula", del autor chileno Jorge Díaz y "La tortura como una de las bellas artes", de José Antonio Pratt Mayans (paraguayo). Estas obras fueron adaptadas y recreadas, conservando la línea y el espíritu de los autores. En ese tiempo surgió en Latinoamérica el fenómeno de la creación colectiva. El grupo incursionó en la misma buscando plasmar el mundo de rituales, costumbres, cantos, música y danzas indígenas del país, lo mismo que su problemática. Se reveló así "Historia de una muerte más"; resultado de un trabajo científico y de campo dentro de la cosmogonía indígena, mostrando la destrucción y el exterminio de una cultura sobre la otra. Partiendo de esta pieza, se la reelaboró y dio como resultado "De lo que se avergüenzan las víboras". Ambos trabajos fueron coordinados por Tony Carmona. La Muestra Paraguay de Teatro se realizó en el año 1973, y se seleccionó esta obra para que representara a Paraguay en el Festival Internacional de Teatro de Manizales, Colombia. Posterior al mismo, el grupo realizó una gira por gran parte de América, participando en otros seis festivales, dictando cursos, tomando clases y capacitándose. Estando en gira estrenó la obra para niños "Alicia en un país de reyes y de reinas"; adaptación de las obras Alicia en el país de las maravillas, y Alicia a través del espejo, de Lewis Caroll, hecha por Tony Carmona. En Medellín, Colombia, el grupo entrenó una adaptación de "El Principito", de A. De Saint-Exupery.  A raíz de la gira surgió entre los integrantes intereses específicos en las distintas formas de hacer teatro. Unos desean seguir con la investigación del lenguaje escénico, otros la especialización en teatro para niños, en teatro campesino, en docencia, en la actuación y en la dirección de espectáculos. Es así que toman la decisión de separarse en un tiempo y en un lugar. Ese tiempo es noviembre de 1974,

y el lugar, Panamá. Así sus integrantes se separan en gran armonía, y desarrollaron por un tiempo actividades en América y Europa. Actualmente la mayoría de sus integrantes se encuentran radicados en Paraguay, y mantienen hasta hoy estrechos lazos laborales y de amistad. Entre otros premios, este grupo ha sido destacado como la "Mejor puesta en escena" (1970 - Críticos de Asunción - Paraguay) y con la "Mola de oro" (Festival de Teatro de Panamá -1974). Tiempoovillo legó al teatro nacional un inmenso aporte en lo que a la recreación y uso del espacio escénico se refiere, lo mismo que las notables modificaciones que se dan en el entrenamiento actoral a partir de sus propuestas.

TEATRO LABORATORIO Cuando los integrantes del grupo Tiempoovillo salieron de gira Internacional, en 1973, tres de sus miembros (Gloria Muñoz, Robert Leigth y Carlos Troche), por distintas razones, permanecieron en Paraguay. Ellos decidieron formar un nuevo grupo, que de alguna manera continuó investigando el lenguaje escénico. Esto dio como resultado el Teatro Laboratorio, que puso principal énfasis en desarrollar un tipo de expresión que refleje la sociedad y la realidad que se vivía en el país (Dictadura stronista). Conformaban el grupo Adolfo Escobar, Carlos Cristaldo, May Obregón, Santiago Leguizamón, Ernesto Heisecke, Mirtha García, Carmen Muñoz y Darío Elías. Ellos no tenían un director fijo. Es decir, cada miembro del grupo, en un momento determinado dirigía alguna parte de la obra, después de haber discutido y definido cada escena. La primera pieza que pusieron en escena estuvo conformada por fragmentos de obras de Moliére y fue auspiciado por la Embajada de Francia en Paraguay. Se llamó "Esta noche se improvisa improvisando", y fue representada en forma circular en los jardines de la Alianza Francesa. La segunda obra que estrenaron fue "Fuenteovejuna" en un versión muy libre y adaptándola a las circunstancias política por las que estaba pasando el país. Para la iluminación se recurrió a la luz de velas y el vestuario era sumamente sencillo y uniformado, de tal manera que cada personaje, el actor o la actriz, iba incorporando elementos superpuestos de acuerdo a las situaciones y a los personajes. Muy pronto, el momento político se volvió crítico y afectó enormemente en la vida del grupo. Sólo quedaron unos pocos integrantes que continuaron con ahínco la labor. Montaron así "La orgía", del colombiano Enrique Buenaventura. Las obras presentadas, en principio en espacios teatrales, luego pasaban a ser representadas en distintos lugares de Asunción y del interior del país. La característica principal de Teatro Laboratorio fue combinar un lenguaje teatral innovador con un profundo contenido político.

ATY ÑE"E  Aty Ñe’e se formó a fines de 1974 con el retorno de Raquel Rojas a Paraguay, luego de una gira latinoamericana con Tiempoovillo y una estadía en Buenos Aires, en donde realizó una pasantía de estudios y autoexilio en los duros años de la dictadura militar en ambos países.

Los principales miembros procedían del teatro independiente: Arturo Pereira, Ramón del Río, Blas Alcaraz, May Obregón, Cristina Gunsset y Hermes Jiménez. Más tarde, al regresar de Buenos Aires se incorpora Antonio Carmona y con posterioridad  Alcibíades González del Valle. En Coronel Oviedo se incorpora Jorge Brítez un joven prestidigitador con dotes histriónicas y luego el joven actor Wal Mayans completando el elenco básico que se sostuvo durante los primeros siete años de intenso trabajo de giras y funciones por el interior, compañías y pueblos. El objetivo era hacer teatro para las zonas rurales, en un arte de alcance popular, lo que a su vez implica la búsqueda de un lenguaje enraizado en la cultura popular  paraguaya. Este objetivo no es tan simple como parece, ni basta con su proposición para justificarse artísticamente. El grupo fue al campo, a despojarse de prejuicios ideológicos y reconocerse en el otro, en el campesino, en el indígena, en los jóvenes del interior del país, para intentar luego una recomposición estética de un lenguaje propio con raíces locales y universales. También se incorporan en otras etapas: Humberto Gulino, Guillermo Schaerer, y Juan Ramón Benítez, Emiliano y Antonio González, Pachín Centurión, artistas de trayectoria.

DEL MÉTODO DE TRABAJO "Partimos del método latinoamericano, del ensayo y el error, y fuimos aprendiendo.  Aplicamos distintas técnicas, de la gira conocimos las bases fundamentales del teatro latinoamericano y la empleamos. Experiencias del Libre Teatro Libre de Córdoba, del Teatro Experimental de Cali y Enrique Buenaventura, del Teatro Campesino Mexicano y Los Mascarones, que nos ayudaron como punto de partida. Luego nos nutrimos del teatro popular europeo, conociendo la Comedia del Arte, el Teatro de Darío Fo y el Bread and Puppet norteamericano, los cuales nos dieron el sabor y la técnica de un teatro popular vivo, crítico, pero siempre divertido", afirma Raquel Rojas, fundadora y codirectora escénica de las obras montadas por Aty Ñe'e .

LAS GIRAS POR COMUNIDADES RURALES Con una camioneta y equipo de teatro móvil patrocinado por la Universidad Católica de Asunción, la Interamerican Foundation del congreso norteamericano y el Instituto de Comunicación y Artes, recorrieron casi toda la región oriental, fijando residencia laboral por meses, en algunas zonas específicas del país: Coronel Oviedo, Concepción, Pedro Juan Caballero, Villarrica, Caazapá, Encarnación y Caaguazú. En Caazapá se integran al trabajo de promoción campesina con la Cooperativa Pío XII de Caazapá y allí desarrollan su trabajo durante años, hasta que la represión que alcanzó a líderes campesinos, les impide regresar a la zona por seguridad del grupo y de los sectores con los cuales compartían su trabajo de reflexión y espectáculos. "Con el tiempo llegamos a ser el periódico oral de la comunidad. La gente nos buscaba para contarnos lo que sucedía y nos pedía que las representáramos en nuestra obras, puesto que nuestra presencia la sentían como parte suya". Los espectáculos tipo "Veladas" de teatro y música eran compartidos con los artistas de las comunidades, en una interacción tan rica que el público apreciaba y premiaba con sus aplausos y sus risas. Los artistas locales se valorizaban compartiendo escena con el grupo Aty Ñe'e

debido al ostracismo y la incomunicación en que se vivía en las épocas duras de las dictadura.

LA RESURRECCIÓN DE LAS VELADAS Las veladas eran la forma teatral, tipo pasos de comedia, que se tornó muy popular  en los años 20. En ella, músicos de trayectoria como Félix Fernández, Darío Gómez Serrato, Agustín Barboza, Emilio Bobadilla Cáceres y Diosnel Chase, actuaban junto a los actores, Dora del Cerro, Máxima Lugo, las hermanitas Castillo y realizaban skets satíricos burlescos que concluían con música y danzas. Esta estructura se inspiró en el Teatro de Lope de Rueda y Entremeses del Teatro Clásico Español. Para el renacer de la obra "Velada" en los años 70, el Grupo Aty Ñee realizó una investigación viva con los artistas ya de edad, entrevistándolos y compartiendo con ellos algunas veladas para recordar los viejos tiempos. De allí -al estilo Buena Vista Social Club- se construyó el nuevo repertorio inspirado en esa forma tan peculiar de hacer teatro, con otros contenidos y técnicas actualizados que dio como resultado una de las obras más significativas del Teatro Paraguayo: "Velada", con dramaturgia de  Alcibíades González Delvalle e investigación, montaje y puesta en escena por el Grupo Aty Ñee. La misma se representó en el Cine Teatro España, especialmente recuperado para esa temporada y durante quince días la sala se llenó de público popular, 600 espectadores por noche, generando una extraordinaria aceptación hacia una obra de teatro independiente y crítico en plena dictadura. Este fue el gran "pecado" del grupo a los ojos del régimen, y desde entonces se cerraron las posibilidades de salir al campo, fueron controlados y sus pasos registrados en las tenebrosas investigaciones de la dictadura. Era peligroso que un teatro crítico fuera popular y más aun que expandiera sus ideas y su lenguaje.  A inicio de los ochenta, Raquel Rojas, recibió un ultimátum que, "a fin de preservar la integridad del grupo, el mismo no debe ir más a Caazapá, ni a otras giras". El trabajo se concentró en Asunción, asociándose con Edda de los Ríos en "La Farándula", en el Ferrocarril, realizando obras que se citan a continuación: - "El concierto de las picardías con el maestro Perú Rima" - "Velada"," Mascarada en río revuelto", adaptación de Volpone de Ben Jhonson por  Tony Carmona. - "Noche de pesca", adaptación de La pesca, de Bertolt Brecht y "De la guerra al cabaret", adaptación de la obra Cachorro de elefante de Bertolt Brecht. Todas ellas dirigidas por Raquel Rojas y Tony Carmona, con música de Arturo Pereira, con Emiliano y Antonio González y otros. Además de "Yvy reñoi", en base a una obra de Julio Correa y obras de temática indígenas con apoyo de Miguel Chase Sardi y el Proyecto Marandu. Luego de dirigir "De la Guerra al Cabaret", Raquel Rojas viajó a Italia invitada por el Instituto Italo Latinoamericano. La dictadura cortó la beca al mes, la directora viajó a Milán y se integró a La Comuna de Darío Fo, donde la solidaridad del grupo la cobijó y permanece allí, tres años de estadía, en el norte de Italia. Acude a la Escuela del Piccolo Teatro de Milán y asiste a montajes de Strelher: La grande Magia y El alma Buona de Sezuan. A su regreso al país, en el 84, Rojas es llevada a prisión política "por actividades subversivas relacionadas con la cultura y el feminismo naciente en Paraguay".

El grupo que permaneció en Asunción bajo la dirección de Arturo Pereira, Wal Mayans, Jorge Brítez, Pachín Centurión al que se incorporan otros jóvenes actores y actrices -Carlos Cáceres, Amado Cardozo y Rubén que realizan un repertorio vasto en la misma tónica del trabajo teatral, esta vez concentrado en los barrios suburbanos de  Asunción. En esta etapa, con énfasis en la música, el teatro sigue siendo crítico, hasta los años 1988 en que Cristina Gunssett realiza talleres con jóvenes y niños expandiendo la actividad teatral con la misma pasión que se iniciara más de una década atrás. Todos los miembros de Aty Ñee, aun hoy se dedican al teatro y dicen tener pendiente escribir una historia común que testimonie esos años de giras, teatro y poética política.

PIRIRÍ TEATRO Pirirí es un vocablo guaraní que significa vida, entusiasmo, alegría, planteado en el teatro era la idea de un grupo de actores que procediendo de diferentes grupos y experiencias, se unieron en el año 1979, con el ideal común de buscar formas o nuevos caminos para comunicar ideas y pensamientos afines. Los fundadores fueron Erenia López, Antonio Ayala, Ñeco Rabito y Emilio Barreto. Este grupo con el tiempo se volvió numeroso, ya que funcionaba con talleres y cursos permanentes de capacitación actoral. La línea que más trabajaron fue el teatro para niños, que por lo general combinaban el texto y la actuación con canciones y danzas de gran colorido. La primera obra presentada fue "Una hora al revés" (estrenada el 20 de julio de 1980), y se mantuvo en cartelera durante cinco años. También teatralizaron una serie de cuentos en un espectáculo llamado Pirirí cuentos. Entre otras obras para niños estrenadas por ellos podríamos citar "La fiesta de los muñecos", de Carlos José Reyes, Platero y yo, de Juan Ramón Jiménez y “Abran cancha que viene Don Quijote de la Mancha", de la escritora argentina Adela Bass, "El pícaro sueño salió de paseo" y "Atrapen al cucú". Incursionan en el campo de espectáculos para adultos con "El spray tragalotodo", de Erenia López y "Si lloviese se estropearía todo". Una característica especial del grupo era el uso de la música, no simplemente como acompañamiento sino como un personaje más de la obra. Después de varios años de permanente actividad en Asunción y en el interior, cada uno de los integrantes se interesó en otras formas de teatro y en adquirir experiencias con otros grupos. Fue así que poco a poco el grupo llegó a su f in. No obstante, entre otras cosas hay que reconocerle el valioso trabajo que realizó en el acercamiento y formación de jóvenes talentos.

GRUPO REAL DE TEATRO Un particular grupo de teatro se destaca por sus objetivos, trayectoria y repertorio escogido. Es el Grupo Real de Teatro. Remontándonos a sus orígenes, podemos partir de Roger Bernalve, que después de tener experiencias teatrales en varios elencos, incluso en el interior del país, decidió formar un grupo teatral estando en Asunción. Ya anteriormente logró reunir a algunos actores en la Compañía Vega Bernal-Valois Giménez, qué duró unos cuatro años recorriendo el país con la obra "Apuro ha Ñemondy’i”, de su propia autoría.

Fue un tiempo de ricas experiencias y anécdotas que quedaron guardadas en el arcón del recuerdo, que luego se abriría para motivar y basar la creación de un elenco estable. La firme misión de hacer teatro en Roger Bernalve bullía más fuerte, y allá por el año 1979, incluso antes de recibirse como actor teatral en la Escuela Municipal de Arte Escénico, "Roque Centurión Miranda", fue impulsado hacia horizontes más calificados en las tablas, y se sintió con capacidad para navegar por el mar del arte teatral, dirigiendo su propia nave en busca de puertos de éxito. El 25 de agosto de aquel año, tomó la decisión de embarcarse en la difícil tarea de dirigir un grupo de actores recientemente egresados de la escuela de Arte Escénico y otros que tenían inclinación al teatro; cristalizó un sueño largamente acariciado: tener  su propio elenco. Los primeros integrantes del novel elenco fueron: Misael Camilo, Cristina Alderete, Bonifacio Alfonso, Víctor Vega, Alba Cano, Kuki Giménez, Abdón Maidana, Mereki Notario y otros que sucedieron a estos debido a que el elenco nunca pudo contar con actores estables, por la precariedad económica con la que hasta hoy día se desenvuelve. También ocurre que con el correr del tiempo, algunos integrantes solteros deciden contraer matrimonio y abandonan el teatro, otros consiguen un empleo bien remunerado y no les queda tiempo para dedicarse al arte teatral, y en el peor de los casos, algunos actores van a otros elencos donde obtienen mejoría económica. Como por aquel entonces, todo era ilusión de fructificar ideas nuevas, mezclados con los más puros y bellos pensamientos en procura de algo mejor y distinto, Roger  Bernalve elige para el nombre de su elenco algo superior de lo común, designándolo como "Grupo Real de Teatro", que hasta hoy día está vigente en el ámbito teatral. Desde su fundación, dio cabida y brindó oportunidad a los egresados de la Escuela de  Arte Escénico y algunos aficionados que gustan del arte de las tablas. Con ellos se reúnen en la Parroquia Inmaculada Concepción, ubicada en 7ma. Proyectada y 15 de  Agosto de nuestra capital, apoyados por las autoridades parroquiales. En la fecha mencionada anteriormente, se hizo realidad el sueño de Roger Bernalve. El nuevo grupo colaboró con los catequistas de la parroquia para atraer a los niños,  jóvenes y adultos hacia el conocimiento de Dios, pues considerando el impacto que causa el teatro el espectador y en los actores, era una herramienta importante para catequizar. Además, el Grupo Real de Teatro representó sketch y obras teatrales en espacios artísticos que se denominaban "Veladas", las cuales tenían mucha aceptación en es época. En principio, el Grupo Real de Teatro consideró la necesidad de apartarse del teatro religioso para abocarse a la representacíón de obras nacionales y de autores foráneos, incluyendo de carácter religioso con libretos basados en escritos de la Biblia y el catecismo. Con el tiempo se fue afianzando y especializándose en llevar a escena obras populares nacionales y tradicionales, pues Bernalve se dio cuenta que estos temas tienen mayor aceptación por parte del público, además de entender y captar mejor el mensaje de las obras; tal es el caso de las creaciones teatrales de Julio Correa, que en cualquier punto del país y ante cualquier estrato social se puede representar, con posibilidad de comprensión a cabalidad de la pieza teatral. Destaquemos que este tipo de obras que ponen a consideración del público, es muy requerida en Asunción, y en el interior del país. Entre sus principales objetivos podemos mencionar:

* Hacer que el teatro llegue a los rincones más insólitos de capital e interior, dando a la población carente de recursos económicos la posibilidad de acceder a un espectáculo artístico de calidad. * Aprovechar todos los espacios sociales, culturales y alternativos de la Gran Asunción y del interior: Clubes, asociaciones civiles, comisiones vecinales, centros comunales y municipales, centros parroquiales, instituciones educativas y deportivas, etc. * Brindar a jóvenes y adultos de escasos recursos momentos sanos de esparcimiento, diversión y aprendizaje, en un contexto cultural y didáctico, f omentando de esta forma la comunicación social y el entretenimiento colectivo. * Otorgar la posibilidad de disfrutar un acontecimiento único para ellos, disfrutando de una experiencia que no se compara al consumo de productos televisivos, en su mayoría "enlatados" y de contenido netamente comercial, totalmente diferente al arte de las tablas que transmite temas de carácter humano donde se motiva a la reflexión y a abrir la mente en busca de Inspiración. * Volver el teatro a su característica de itinerante, como lo hacían en épocas pasadas con las famosas "Veladas" y otras obras populares: José L. Melgarejo, Máxima Lugo, Las Hermanas Dora y Elva del Cerro, Diosnel Chase, Julio Correa, Félix Fernández, Ernesto Báez, Carlos Gómez, Los Compadres - César Álvarez Blanco y Rafael Rojas Doria, y tantos otros grandes del Teatro Popular Paraguayo. * Motivar en los jóvenes un interés que permita relacionar su vocación a la creación artística, pudiendo despertar a futuros dramaturgos, actores, escenógrafos, vestuaristas e incluso directores de teatro. * Incrementar el desarrollo de un público con sensibilidad social, que demuestre interés en la creación artística, no solo como un medio de distracción sino como un canal para trasmitir nuestra identidad cultural, además de utilizarlo como medio de expresión estética. * Estimular el fortalecimiento de habilidades imprescindibles en toda sociedad como es la expresión ante los demás y la capacidad de escuchar a quien emite opinión, aceptando puntos de vista diversos en la percepción de una experiencia teatral. * Comprometer a líderes comunitarios en la tarea cultural, de forma a aprovechar al máximo los recursos de expresiones teatrales en beneficio de la orientación integral de sus respectivas comunidades. Por éste grupo pasaron actores y actrices de excelente calidad profesional como lo son: Blanca Navarro, Carlos Gómez, Katty Pacuá, Luis D'oliveira, Manuel Wilder, María Luisa Garayo, Matías Martínez, Roger Bernalve, Silvania Granada y Silvio Benítez, entre muchos otros. La representación lleva hasta el momento más de treinta obras montadas, entre las que podemos destacar: "Apuro Ha Ñemondy'í", de Roger  Bernalve. "Pedido de Mano", de Antón Chejov. "La Gran Solución", de Augusto Roa Bastos en versión de Gardes Gardez; "Barrabás", de Dorothy Clarke Wilson; "Mba'eve ÿrehe", de Josefina Plá / Roque Centurión Miranda; "Ñanemba'érã'ÿ", de Julio Correa; "Paye", versión farsa de Erenia López sobre la obra de Ovidio Benítez Pereira; "Veladas Paraguayas", de Roger Bernalve; "Karai Ulogio", versión de Roger Bernalve sobre la obra de Julio Correa; "Ñandejára", "Mboriahu ha la Muerte", versión popular  adaptada al guaraní por Roger Bernalve sobre el cuento de Tomás Carrasquill. También se mencionan "Mbokaja Ha'eño", versión de Roger Bernalve sobre la obra de Néstor Romero Valdovinos; "La Babosa", versión de la novela homónima de Gabriel Casaccia por Ovidio Benítez Pereira, versión en jopará por Roger Bernalve.

Como principales aportes al teatro nacional se significan:

- Posibilidad de brindar al público paraguayo espectáculos profesionales llevándolo de forma itinerante. - La vigencia por 28 años en el quehacer teatral, fortaleciendo y fomentando el teatro popular paraguayo. - Obras representadas en guaraní o jopará, siendo un medio para preservar y difundir  nuestra identidad cultural. - Representación nacional en festivales internacionales de Argentina y las Tres Fronteras. - Brindar la posibilidad, a cerca de 100 artistas, de conformar una compañía nacional que trabaja por la cultura popular. - Llegar a miles de estudiantes cada año, y hacer posible, por primera vez, la maravillosa experiencia de vivir el teatro para muchos de ellos.

 Actualmente (2007) integran el grupo: Manuel Wilder, Katty Pacuá, María Luisa Garayo, Roger Bernalve, José María Díaz, Silvio Benítez, Fernando Fleitas, Matías Martínez, Estebar Martínez, Misael Camilo, Ruth Ferreira, Katia García, Aida Luz Bracho, Leonardo Nachajón, Derlis Villalba, Julián Bordón, César Fernández, Nestor  Castillo, Jorge Verón.

CHE BURRITO Este elenco nace con la unión de un grupo de jóvenes que participaban de forma activa en la lucha por la tierra que se da en el año 1994, en San José, Lambaré (población cercana a Asunción). Posteriormente, en 1996, adoptan una forma de teatro comunitario estable, bajo el nombre "Che Burrito", orientando sus esfuerzos en hacer un teatro que plantee temas populares, basados principalmente en textos del dramaturgo Moncho Azuaga, conocido en el medio por el manejo particular y crítico del humor, lo mismo que por la excelente utilización del guaraní, el yopará o el castellano, de acuerdo al perfil sociopolítico-cultural de sus personajes. Lambaré es una población que durante la primera mitad del siglo pasado se caracterizó por ser el lugar donde residían las "burreras"; mujeres que montadas en burros visitaban los barrios de Asunción ofreciendo frutas, carne y verduras para la venta. El burro era su elemento de locomoción indispensable para desempeñar su trabajo. Éste grupo se define por estar conformado básicamente con jóvenes de inquietudes sociales, además de las artísticas. Entre sus directores podemos mencionar a Willy Segovia, Mario Toñánez, Mabel Cisterna, Roberto González, por citar alguno de ellos. Una pieza importante de este engranaje es Moncho Azuaga cuyo verdadero nombre es Ramón Lezcano Sosa. Desde sus inicios es el asesor intelectual del grupo, además de ser destacado poeta, dramaturgo, narrador, abogado y licenciado filosofía. En varias ocasiones hizo de director, aunque él se define más bien como un cuestionador, orientador o coordinador del grupo. Entre las principales obras llevadas a escena por el grupo podemos citar: -"Criaditas S.R.L". -"Caballo Loco" - "Prohibido en la Plaza los niño y lo perro". -"Tuku Ñemondy'i".

Todas de la autoría de Azuaga. También han montado un sinnúmero de acciones teatrales breves tomando para ello personajes populares que por un motivo u otro cobraban vigencia en los diferentes momentos en que fueron llevados a escena como ser "Peru Rimá", "Ñande Pesebre", “Ñande Intendente". Formaron parte del elenco Rigoberto González, Francisco Álvarez, Francisca Fouz, Marcelo González, Rodrigo Sosa, Diego Echauri, Leticia Sosa, Mario Zárate, Christian Villalba y Eduardo Fariña, entre otros.

LA MÓVIL TEATRO En estos últimos años, hay un grupo que se ha caracterizado por su constante actividad como también por la oferta permanente de talleres de actuación. La Móvil Teatro, creado por Miguel Gómez y acompañado desde sus inicios por Dany Centurión. La exploración del lenguaje escénico, con énfasis en lo corporal, ha sido una constante del mismo. Este grupo toma como fuentes básicas a Artaud y Grotowky, para investigar  posibilidades escénicas acordes con nuestro medio. En cada uno de los locales, siempre presentan obras de pequeño formato, muy bien recibidas, sobre todo por el público joven. Entre sus obras más destacadas podemos citar: - "Goiburú" - "pájaros" - "Bruna" - "Dragoncito" Todas ellas de la autoría de Miguel Gómez.  Actualmente (2007) está en cartelera "El Malamor", también de Gómez. El grupo ha incursionado también con éxito en obras de teatro para niños. Entre los actores y actrices que actuaron en sus obras podemos citar a Ever Enciso, Nataly Valenzuela; Anahí Chamorro, Fernando Martínez, Aldo Calíbrese; Hugo Robles, Jork Aveiro, Iván Allende, Mariel Von Novak, Ariel Galeano entre otros.

TEATRO ARLEQUÍN Fue fundado por José Luis Ardissone (actor, director, escenógrafo y vesturista) en el año 1982, cuando decidió acondicionar un viejo galpón, que en un tiempo había sido discoteca, y convertirlo en una sala de teatro.  A partir de ese momento ha mantenido una constante actividad, no sólo en el montaje de obras, sino también en lo que a escuela de formación actoral se refiere, apuntando siempre a desarrollar actividades que lo conviertan en un centro cultural el servicio de la comunidad. El extenso repertorio, con más de ciento veinte obras estrenadas a lo largo de más de veinte años, es bastante ecléctico en cuanto que pasó desde un buen teatro popular a la representación de grandes clásicos. Entre sus obras más destacadas podemos nombrar: - "La casa de Bernarda Alba", de F, García Lorca - "El burgués gentilhombre", de Moliére - "Las troyanas", de Eurípedes - "Madre Coraje", de B. Brecht - "El grito del Luisón", Alcibíades González Delvalle - "La muerte de un viajante", de A. Miller  - "Hamlet", de Shakespeare - "El diario de Ana Frank", Francis Goodrich y Albert Hackett - "Conversaciones después de un entierro", de Jazmina Reza. - "Doña Ramona", de Víctor Manuel Leites - "Aeroplanos", Carlos Gorostiza - "La nona", Roberto Cossa - "El Jardín de los cerezos", de Antón Chejov - "Volvió una noche", de Eduardo Rovner  - "La tierra sin mal", de A. Roa Bastos, estreno mundial - "Caserón de añejos tiempos", de José Luís Ardissone - "Palma... del Petit Boulevard al Lido Bar", de J. L. Ardissoni - "Hijo de Hombre", de Augusto Roa Bastos en versión de Carlos Manuel Varela - "Ardiente paciencia", de Antonio Skármeta Ha sido el grupo que más directores extranjeros de prestigio ha contratado (Carlos  Aguilera, Nelly Goitiño, Júver Salcedo de Uruguay; Ricardo Talesnik y Omar Ottomani de Argentina, Alain Gautré y Laurent Vaché de Francia) lo mismo que a técnicos y artistas plásticos de reconocida trayectoria (Carlos Torres y Nelson Mancebo de

Uruguay, Carlos Colombino y Ricardo Migliorisi de Paraguay) para el asesoramiento en lo que a visualización se refiere. Por la calidad de sus espectáculos recibieron en varias oportunidades las más altas distinciones que premian la labor teatral en el Paraguay. En su escenario también desfilaron grandes figuras nacionales e internacionales. Participó en festivales como los de Córdoba (Argentina), Antofagasta, Valparaíso y Puerto Montt (Chile), Londrinas y Corumbá (Brasil), Montevideo (Uruguay), La Paz y Santa Cruz (Bolivia) y Oporto (Portugal). Fue el organizador del Primer Festival de Mayo del Teatro Internacional en Asunción (Mayo 1989) con la presencia de 22 grupos de países americanos y varios directores, dramaturgos y estudiosos del teatro. Sigue desplegando actividades teatrales con niños, adolescentes y adultos, convirtiéndose así en el único grupo que ha permanecido en constante actividad hasta el día de hoy durante veinte y cinco años (2007). El programa "Estudiantes al Teatro" lleva anualmente alrededor de 25.000 jóvenes a sus representaciones teatrales y los mismos son ilustrados ampliamente sobre autores y otros aspectos que hacen a la obra presentada.

TEATRO ULTRAPORTÁTIL Este grupo nace de la unión de los teatristas Tito Chamorro (director), Orlando  Amarilla y Jesús Pérez (actores), Alberto Castillo (asistente de dirección) y el artista plástico, Luís Cogliolo. Su director, egresado de la Escuela Municipal de Arte Escénico, posteriormente tomó cursos con otros importantes directores paraguayos y extranjeros. Fue merecedor de una beca para EE.UU. donde logró vincularse al movimiento teatral de ese país.  A su regreso, estrena con el equipo fundador "La secreta obscenidad de cada día", de Marco Antonio de la Parra (1988). La obra fue considerada por el diario ABC Color  como "La mejor puesta del año". Fue un grupo que se caracterizó por su constante búsqueda y creatividad. Partían de textos realistas y los reelaboraban, buscando una forma particular de llevar a escena una obra. Tito Chamarro comentó: "Es difícil sintetizar lo que yo hago. Siempre me estoy cuestionando, nunca me fijo parámetros. Es que nosotros al comenzar ensayos de una pieza nunca sabemos lo que vamos a hacer. En cada propuesta hacemos fusión de varios estilos. Tomamos lo que a nosotros nos sirve, de acuerdo a nuestra forma de expresamos, de bucear en muchas otras formas”. Posteriormente se unieron al grupo Miryam Sienra, Alejandra Siquot, Jorge Báez, Beto  Ayala, Humberto Gulino y Alicia Guerra por citar a los más importantes. Otras obras montadas por Ultraportátil fueron "King Kong Palace" y "El deseo de toda ciudadana", de Marco Antonio de la Parra; “La estación", "Pareja abierta", ambas de Darío Fo y "La muerte y la doncella", de Darío Dorffman. Ultraportátil se caracterizó por trabajar siempre en la parte escenográfica con artistas plásticos que buscaban plasmar formas innovadoras en sus dispositivos escénicos. TEATRO DEL ECLIPSE

En el año 1994, tres jóvenes de particular talento, se unieron para crear el grupo Teatro del Eclipse. Ellos, venían de la danza y de la actuación y eran Alejandra Siquot, Beto Ayala y Jorge Báez. Representando a Paraguay en el Festival Internacional de Teatro en Sucre y Potosí (Bolivia), el grupo se presentó con el nombre de Grupo Colectivo de Paraguay. La experiencia marcó una importante huella en los integrantes. Era la primera presentación de sus trabajos en escenarios internacionales y aquel era particularmente especial, ya que al evento cultural acompañaba uno de los eclipses más importantes de aquella década y eso fue presenciado y vivido por los Integrantes del colectivo desde la increíble ciudad boliviana de Potosí, el mismo día de la última presentación de los trabajos del grupo en dicho evento. Por ello, se tomó el símbolo del eclipse como fenómeno de encuentro, de cruce, de mezcla para revertir eso que era tan impresionante a los espectadores. El objetivo se había instalado para el grupo con aquel símbolo de encuentro para generar una luz particular, definir cuál sería la búsqueda de un lenguaje escénico propio desde el cual opinar y generar así, desde el teatro, la danza, las artes visuales y el encuentro de otras disciplinas artísticas, la forma de expresión que los definiría. Los primeros trabajos del grupo formaban parte de otros espectáculos donde los integrantes del Teatro del Eclipse eran invitados como creadores independientes, como en el caso del festejo de la Semana de Teatro, en donde El Bolero (primera acción teatral generada por el grupo) marcaría el primer encuentro creativo entre los tres integrantes. El espectáculo Aguas y Más Aguas de la compañía de danza contemporánea Espacio Tres convocaba por segunda vez a los integrantes grupo para participar como creadores invitados. Así surgió Los Lavados; segunda pieza breve del grupo. El ciclo de ésta primera etapa se cerró con El Rastro, tercera pieza breve creada para el espectáculo, Artes Plásticas en Movimiento, de la bailarina y coreógrafa Dominique von Thuemen. Estas tres piezas breves conforman el primer espectáculo del grupo denominado Tres  Acciones Teatrales. El objetivo era claro: Marcar el inicio con las creaciones con las que los integrantes se identificaban temática y estéticamente. Como ocurre casi siempre en los caminos del arte, esto significaba un riesgo para ellos; pero el objetivo era definido: expresarse con convicción y a la vez aceptar la responsabilidad de elaboración de un lenguaje propio.  A los conocimientos de danza y teatro, pronto se sumó el valiosísimo aporte del artista plástico, Gustavo Benítez, el cuarto integrante del grupo, quien cooperó de f orma notoria a la gestión y colaboración en lo que respecta al sello visual y conceptual de los trabajos. "La Polvareda" surgió como segundo trabajo, el cual es un intento de explorar desde los recuerdos, la memoria y las raíces. Esta vez, a ellos se sumó el actor Héctor Micó. Con esta obra lograron gran suceso en lo que respecta a la crítica y el público. Era la primera pieza propia de 55 minutos de duración y el desarrollo significó un extenso estudio de la historia, la poesía, la música, las tradiciones y los recuerdos del Paraguay; esto implicaba la conexión afectiva del grupo con el país. En el año 2000, reciben la invitación de presentar ésta obra en la Universidad de Tulane (New Orleans, Estados Unidos de N.A.). Para esa oportunidad se preparó la versión unipersonal de la misma, interpretada por Beto Ayala, la cual fue merecedora de una excelente crítica por parte de la escritora ecuatoriana, Gabriela Alemán, El tercer y último espectáculo de este colectivo fue gestado en el año 1997, y era "Pasajero". El mismo marcaba un giro y un nuevo reto para el grupo. Se plantea en él un nuevo concepto visual y temático: La poesía y la música marcaban las inspiraciones de las tres partes que éste incluía: "De esa prenda" "Extraña forma de vida" y "Desayuno".

Las piezas mencionadas continuaron siendo presentadas e diferentes y diversas ocasiones hasta hoy. Fueron cinco años de mucha responsabilidad y trabajo arduo. Crear, producir, dirigir, representar y sostener las creaciones del grupo fueron experiencias y lecciones invalorables en la vida profesional de cada uno de los integrantes. Este elenco supo encausar el trabajo sostenido y elaborado de la colaboración de amigos, colegas y profesionales paraguayos, siempre presente en la creación y producción de las obra del grupo. "El Teatro del Eclipse" dio un aporte importante al crecimiento del teatro local, recurriendo a la integración de las disciplina artísticas, y ofreciendo siempre una manera diferente de opinar en el escenario. Una punta más del ovillo. Una mirada más a la condición humana. El grupo, desde sus inicios apostó a ofrec propuestas en la diversidad de puntos de vista, brindando al espectador diversas opciones, y lo lograron plenamente.

EL CENTRO DE INVESTIGACIÓN Y DIVULGACIÓN TEATRAL Fundado en el año 1990, cuando se reencontraron en Paraguay tres antiguos componentes del grupo Tiempoovillo: Ricardo Migliorisi (considerado por muchos el artista plástico más destacado del medio: además actor, escenógrafo y vestuarista), Gloria Muñoz (dramaturga y sicopedagoga) y Agustín Núñez (actor, director, fotógrafo, escenógrafo y dramaturgo). Tiene como objetivo trabajar en tres áreas: 1. La capacitación de actores y personal para el teatro, dentro de una nueva metodología en donde cada individuo va determinando su propio estilo de actuación. El profesor, en este caso, es un simple cuestionador, orientador, creador de inquietudes. Cuenta para ello con El Estudio, el cual, al final de la carrera otorga el título de actor/actriz reconocido por el Ministerio de Educación y Cultura. 2. El Centro de Documentación, con un amplio archivo de obras de teatro y videos sobre notables montajes nacionales e internacionales, tratando así de romper la "mediterraneidad" que constantemente nos amenaza. 3. El montaje de obras teatrales, creando un espacio de encuentro entre los artistas de reconocida trayectoria con los nuevos valores del arte escénico. Entre sus obras más destacadas figura el estreno mundial de "Yo El Supremo”, del reconocido autor Premio Cervantes, Augusto Roa Bastos, que ha sido merecedora de las mejores críticas a nivel nacional e internacional.

El grupo ha incursionado en diversas formas de teatro, tratando de integrar otras disciplinas artísticas al hecho teatral. Es así que surge "Amargo", de Agustín Núñez, obra con lenguaje no verbal que posiblemente sea la pieza nacional más representada fuera del Paraguay. Entre sus obras de mayores éxitos se encuentra "La reina de la radio", de José Saffioti Fílho; "Hijo de hombre", versión de cuentos de Augusto Roa Bastos hecha por Agustín Núñez; "La divina comedia de Colón", de Gloria Muñoz, "Vidas y muerte de Chirito  Aldama”, de Juan Bautista Rivarola Matto y "108 y un quemado", de Agustín Núñez. En el montaje de las obras participaron actores como Carlos Piñanez, Mirtha Villalba, Hernán Melgarejo, Natalia Nebbia, Ramón del Río, Orlando Amarilla; Jesús Pérez, Jorge Ramos, Deyana Urunaga, Mario Santander, Pablo Buder, Griselda Unzaín, Jaime Flórez, Ronald Paéz, Roberto Cardozo, Vivi Meza, Alice Arce, Anuncio Galeano, Liber Fernández, Julio Saldaña, Mario de Brix, Liza Bogado, Roberto Maldonado,

Silvana Ríal, Laura Ferreira, Graciela Martínez, Maura Sánchez, Bettina Taborda; Norma Codas, Ever Enciso, Natalia Valenzuela y otros. Desde 1998 acondicionó un antiguo apartamento céntrico en el cual se presentan de forma ininterrumpida obras de pequeño formato para veinticinco espectadores, convirtiéndose toda la casa en diferentes espacios escénicos, en donde funciona la Escuela de Actuación y Dirección El Estudio, siendo su director Agustín Núñez y director académico, Carlos Piñanez. Tanto el grupo como el director, Agustín Núñez, han sido merecedores de numerosos premios nacionales e internacionales. El Centro de Investigación y Divulgación Teatral sigue desarrollando sus labores hasta nuestros días.

ANCESTRAL TEATRO Este grupo fue creado por egresados de la Escuela Municipal de Teatro, "Roque Centurión Miranda", que al finalizar sus estudios decidieron seguir trabajando juntos ya que lo hacía desde tiempo atrás y así, generar sus propios proyectos, debido a las escasas opciones laborales. De esta manera tenían una fuente de ingreso económico, pero lo más importante, y lo cual los unía era la manera similar de enfocar el estilo artístico, un estilo particular que ya se inició en la Escuela (EMAD). Los primeros integrantes fueron Pedro Volpe, Silvio Pindu, Vayolet Layón y Pablo Cuttier  Como principal objetivo se propusieron explorar un teatro que se adentre a formas expresionista. Las reuniones y ensayos se realizaban en casa de Pedro Volpe, en donde también se representaban los trabajos teatrales y performances. Para cada montaje recurrían a metodologías diferentes. Estaban en contra de las "recetas preestablecidas", eso sí, a cada puesta le dedicaban mucho trabajo y sacrificio. Entre las obras más importantes que fueron presentadas por Ancestral Teatro podemos citar: - "El misterio de la escalera", de Félix Álvarez - "Nadie es libre cuando ama de verdad", de Pedro Volpe - "Cenicienta", basada en le cuento de Perrault - "Antoine", de Pedro Volpe - "La comedia e finita", de Agustín Núñez - "Canción de Navidad", basada en el cuento de Charles Dickens El grupo se disuelve debido a que los diferentes integrantes son solicitados por otros grupos para diferentes trabajos, no obstante, el único que sigue en el, de forma activa y permanente, es Pedro Volpe, que ha formado un grupo llamado De Las Almas Teatro.

PROYECTO INTERCULTURAL "TIERRA SIN MAL" DE TEATRO - DANZA Para referirnos del Proyecto Intercultural "Tierra sin Mal" es importante remontarnos al año 1994, en la escuela de teatro "ULISSES" del Teatro Continuo de Padova, (Italia), durante un seminario realizado por Wal Mayans. Es allí en donde se dio el encuentro entre algunos jóvenes estudiantes de Letras y otros de Teatro de esa escuela. De ahí surgió la necesidad de los mismos por utilizar el cuerpo de manera diferente; estableciendo premisas y necesidades acordes a su identidad biológica y generación, ya que los modelos éticos, estéticos e intelectuales que poseían en esos momentos no les eran suficientes. Buscaban algo más acorde a la natura y a la organicidad perdida. Una de sus principales influencia sobre estas jóvenes generaciones surgió en 1976 en Belgrado, donde se dio el primer encuentro de Tercer Teatro o Teatro de Grupo. Fenómeno cultural mundial formado por gente de teatro, intelectuales aislados y anónimos, que en realidad no coincidían con la tipología de cultura teatral tradicional ni con la del teatro de vanguardia, sino la de ellos mismos: aquella propia del Tercer  Teatro. Un ghetto de cultura grupal. Encerrarse para asegurar una existencia. Las enunciaciones de este archipiélago teatral las dictó Eugenio Barba director del Grupo Odin Teatret de Dinamarca, con su política de identidad grupal, que se manifestaba en ése entonces en Europa y Latinoamérica.  A partir de ese fenómeno, resurgió en los ochenta otra nueva influencia, partiendo de las experiencias de culturas grupales. Nació una nueva institución-escuela, ISTA (Internacional School of Theatre Anthropology) donde se plantea nuevas formas de comportamiento físico entre oriente y occidente para el trabajo actoral en escena. La misma fue creada también por Eugenio Barba. "Al horizonte de la Tierra sin mal" se definió como un proyecto intercultural que tenía como objetivo crear y contener un espacio donde se desarrollen culturas alternativas.  Así el proyecto se desplazó a Zürich, Suiza para luego en el año 1996 establecerse en él Paraguay. Se creó la ONG "Proyecto Intercultural Tierra Sin Mal, y dentro de la misma, en lo que respecta propiamente al teatro, el "Hara Teatro". "Hara Teatro" posee una cultura propia. El grupo aunaba una inquietud que vivía en cada uno de los integrantes, una raíz que se buscaba a sí misma, de hecho existir  corroboraba que crecieron de otras raíces y a su vez, eran de nuevo raíces. Paralela a la cultura existente, sea en tierra propia o extranjera, vivieron y reivindicaron la identidad de ser humanos, y por medio de su arte, establecer un constante intercambio con el mundo que los rodea. La ONG Cultural "Proyecto intercultural Tierra Sin Mal" fue f undada por el actor, director, coreógrafo y danzador Wal Mayans. En sus inicios formaron parte Raquel Martínez, Fabio Chamorro, Tomi (José) Roa,  Aida Risso, Alexandra Dos Santos, Nelson Arce. Actualmente (2007), colaboran y continúan después de 10 años Wal Mayans, Raquel Martínez, Sonia Amarilla Eduardo Roja, Alexandra Dos Santos, José Roa, Aida Risso desde It alia. Como Grupo "Hara Teatro" continúan trabajando Wal Mayans, Raquel Martínez, José Roa, Hilario Godoy y Ever Capdevila. Desde el primer día de trabajo fueron muy exigentes con ellos mismos. El entrenamiento corporal, vocal, musical y visual forma parte de su disciplina en el accionar cotidiano. Se definen con raíces clásicas dentro de su línea de trabajo. La influencia del Teatro Oriental codificado y el Teatro Antropológico sustentan la filosofía del compromiso asumido. La rutina diaria que hasta hoy siguen practicando, está compuesta por ejercicios acrobáticos, danza, construcción del training, ejercicios codificados sobre pinturas del renacimiento, el manejo de la voz y el estudio y ejercicio de la diversidad de resonadores. Hasta el momento han mantenido y mejorado el

sistema pedagógico de entrenamiento para actores y bailarines surgido del estudio y práctica del grupo. Fueron muchos los que pasaron por él, trabajando ya sea como actor, músico, escenógrafo, bailarines, y pocos los que quedaron. La disciplina y el trabajo cotidiano hizo que mermaran los ánimos, y así los poco convencidos tuvieron que buscar un camino convencional para su vida habitual. La disciplina; el hecho de primero trabajar  y luego tener derecho a voz y voto, causó muchos inconvenientes entre los nuevos actores y los que ya trabajaban en el grupo desde hacía más tiempo. Nos dice Mayans al respecto: ¿Dónde está la democracia? Es muy fácil opinar, dar  directivas, dividir grupos, pero así mismo los así llamados democráticos son los primeros en huir. Los primeros en abandonar el grupo y desde la otra orilla gritar que hay injusticia, esconder el rabo y correr. Hay que saber restar en la barca hasta el último momento o de lo contrario las bellas palabras ¿quiénes las sostienen? Terminan no sirviendo para nada y es un peso más grande aun en el momento que la barca se hunde. No necesitamos comportarnos como amigos en el grupo, sino como guerreros, listos para realizar un buen ataque, vencer nuestras debilidades y realizar  objetivos. ¡Los amigos están en el bar! Sus obras van orientadas a todo público, pero esencialmente a una cultura joven. La estructura escénica que ellos disponen obliga la mayoría de las veces al público a un comportamiento visual espacial central y otras semicirculares. Normalmente hacen teatro de calle, y no teatro en la calle que tiene sus diferencias. No es sólo transportar  el teatro al aire libre. Estudian antes, el manejo exacto del espacio, la precisión, el manejo de la energía entre actores, el dominio de la geometría espacial, poder  ejecutar, con conocimiento, instrumentos de percusión y de viento en acción, usar  zancos y elementos que sirvan para la preparación del espacio para el público y sobre todo un gran entrenamiento corporal. En esa premisa, siempre apuntaron más a la calidad que a la cantidad de presentaciones dada la calidad de ser un laboratorio de investigación y de nuevas tendencias. Para la elaboración de cada espectáculo generalmente utilizan entre seis meses a un año. Es bueno destacar entre ellos: - “Hamlet”; adaptación de la obra de Shakespeare - “Vigilia de Vientos”; inspirada en la obra Un señor muy viejo con alas enormes, de García Márquez. - "Los viajes de Ulises". Adaptación de la Odisea de Homero. - "Mimby". Obra mítica sobre la creación del sonido según los indígenas TupíGuaraní. - "Mujeres, éxodo y resistencia". Obra épica paraguaya, inspirada en la odisea que sufrieron las mujeres en los campos de concentración de la Guerra de la Triple Alianza (1865-1870). - “La Isla”, “El Camino”; "El Mendigo". Obras cortas de los Diálogos con Leucó de Cesare Pavese. - "Las nueve orillas". Recopilación de obras cortas para nueve actores. - "Oedipais". Adaptación de la obra Edipo el Rey de Sófocles. Para sus espectáculos, el de partida es la construcción codificada de una partitura de acciones, ya sea corporal o vocal. Cada actor diseña y compone una estructura básica

de movimientos que surge de sus motivaciones más cercanas, recuerdos, sueños, relatos, poesía, música (una melodía). Esto apunta a una creación más subjetiva y connotativa. No obstante, hay actores que recurren a una manera de pensar más objetiva y racional, y parten de acciones fijadas de alguna otra disciplina como por ejemplo el tai chi, o la capoeira, para luego transformarlos y utilizarlos en sus propias secuencias de movimientos. Estudian la historia de la obra a representar, pero no parten del texto. La tensión dramaturgia se va creando con el timing coreográfico de las diferentes propuestas de los actores. El espacio escénico ya no es un espacio donde se cuentan historias ficticias de personajes literarios, sino que las acciones construidas son realidades epidérmicas. Dentro del panorama teatral nacional, uno de los aportes más importante de este Proyecto es la propuesta de la cultura de Grupo, planteada por los propios actores y actrices, Buscan ser diferentes, básicamente en el sistema de disciplina y training corporal, además de ofrecer espectáculos poco convencionales para el público local, incitando al espectador joven a romper esquemas viejos y a optar por formas de lenguaje desconocido por su cultura.

EL CAMARÍN DE LA ASUNCIÓN TEATRO DE ARTE

 Al clausurarse el proyecto del Elenco Municipal de Teatro de la Ciudad de Asunción, varios directores y directoras quedaron carentes de ése espacio que les servía para la expresión teatral. Entre ellas, Raquel Rojas, actriz, guionista, docente y directora de arte escénico. Raquel Rojas se caracterizó dentro del nuevo teatro paraguayo, por la f acilidad que tiene para idear proyectos orientados al desarrollo cultural, y principalmente teatral del país. Rojas, es una artista de vasta experiencia dentro del teatro independiente paraguayo (Tiempoovillo, Aty Ñeé, entre otras), lo mismo que del contacto y estudio en los grupos de mayor renombre en América y Europa. En ése entonces, el esquema productivo era cubierto por la CAVA producciones de Comunicación y Servicios Culturales que sustentaban las puestas de El Camarín y los trabajos profesionales de sus asociados. Sin embargo, era necesario un proyecto artístico-cultural bajo cuya inspiración se orientarán los trabajos futuros que se realizarían en el ámbito privado. Es entonces que Raquel Rojas diseña la creación de "El Camarín Cultural" con su Espacio "El Camarín de la Asunción. “Teatro -Escuela de  Arte, dedicado a las artes de la escena. Este espacio artístico-cultural se fundó coincidiendo con la llegada del nuevo milenio: 15 de noviembre de 1999. La filosofía cultural que animó a ésta iniciativa escénica fue básicamente recuperar el espíritu de integración de Paraguay a Latinoamérica y Latinoamérica al Paraguay, inquietud que nació durante la gira con el Grupo Tiempoovillo por la región. La nostalgia de esos tiempos de creación prolíficos y queridos; de tantos amigos teatristas dispersos por nuestra América mestiza, hizo que ella, Raquel Rojas, buscara recuperar, al menos en parte, el espíritu que animó a los teatristas pioneros de los años 70 a viajar por América y con la herramienta que da el teatro: trabajar, vivir y aprender en casi cada uno de los países latinoamericanos. En este contexto de ideas, Rojas solicitó la obra mexicana "Pasajeros de Medianoche", un musical de prevención al AIDs, representándola con éxito en el Teatro del Ministerio de Salud Pública y Bienestar Social, en el Marco de la Campaña Nacional de Lucha contra el SIDA. En el montaje de dicha obra ya se perfilaba también "el estilo" o "el modus operando" de "El Camarín". Armonizar actores jóvenes con actores experimentados de forma a que el montaje se convierta en una escuela activa y creativa. Para los jóvenes-

Natalia, Derlis y Dolly - el trabajar al lado de actores y actrices de gran trayectoria como Graciela Pastor, Ramón del Río y Rubén Vysokolán, significó un training que elevó su ritmo y dedicación profesional. Lo mismo que a los actores de larga trayectoria, el volver a hacer talleres de danza, ritmo, canto y otras habilidades, les permitió actualizarse y reciclar conocimientos y experiencias. Se definieron objetivos precisos al enfocar el trabajo artístico. 1) Es por ello que "El Camarín" sé identifica como un Teatro-Escuela de Arte. Como escuela activa de capacitación y actualización profesional en sus puestas. Este es uno de sus principales objetivos. 2) El segundo es trabajar con la nueva dramaturgia paraguaya y latinoamericana. Les interesan nuevos textos, nuevos temas; o teatro latinoamericano clásico reconstruido escénicamente con la técnica de la Dramaturgia Escénica; 3) Y se inscribe el tercer gran objetivo: El avance de la dramaturgia y la dramaturgia escénica paraguaya. A Rojas le interesa, de forma particular, el aporte de Paraguay al mundo y al teatro universal, y para alcanzarlo, evoca la frase de León Tolstoi: "Pinta tu aldea y reflejarás el mundo". Nuestros temas nacionales; nuestros acentos, nuestras alegrías y desencantos, nuestras esperanzas como paraguayos y paraguayas es la columna cultural del trabajo estético y político de "El Camarín" Teatro de Asunción. En cuanto a la línea referente a propuestas estéticas y temáticas, su directora, Raquel Rojas, está plenamente convencida que un nuevo teatro necesita nueva dramaturgia, por supuesto, también nuevos actores. En esa línea se inspiran para la formación técnica clásica y en las corrientes de formación del actor, desde Stanislavsky a Meyerhold; sin dejar de lado la Comedia del arte al Teatro de Darío Fo; del Teatro poético y político de Bertolt Brecht a las propuestas de Teatro latinoamericano de Enrique Buenaventura y el teatro identitario del Brasil. La dirección cree que las obras conllevan en sí mismas una tendencia estética muy marcada y ellas requieren técnicas diversas. "¡Las preferimos todas!", dice Raquel Rojas. Es así que en un mismo montaje incorporan con éxito técnicas de la Comedia del Arte, del Realismo, del Realismo mágico, del Teatro político, las marionetas y el Teatro -danza ritual, tal fue el caso de "Mujeres que robaron el fuego", una de las obras paradigmáticas de la estética de "El Camarín". Entre las puestas más destacadas podemos mencionar: -"Los mariachis", de Elihú Galván, una coproducción con el director mexicano -"Parto en la Arena y otras historias de mujeres", con textos de Neida de Mendoza y otras autoras, realizadas con la Secretaria de la Mujer, -"Amor con humor se paga", adaptación local y otros textos de Raquel Rojas de "Hagamos sexo en Paz", de Franca, Jacobo y Darío Fo -"Consultorio Sentimental", de Moncho Azuaga en versión de Raquel Rojas, una obra que relata historias románticas envueltas en el sórdido régimen militar de la dictadura. Es una obra de fuerza realista-expresionista que se convirtió en una denuncia de la tortura en la época stronista. Recibió excelentes críticas de diarios argentinos en el Festival Internacional de las Tres Fronteras -“Buenos Vecinos", teatro y video, de Félix Colmán y Raquel Rojas realizada como apoyo al Programa de Mediación de Paraguay, para la Resolución Alternativa de Conflicto. La motivación de la obra fue recorrer comunidades del interior del país como parte de los talleres de emprendimiento del INECIP (Instituto de Ciencias Sociales y

Penales del Paraguay). Se realizó un video DVD para la sustentabilidad de la experiencia educativa transmitida por la obra. -"Vals de un ángel", de Nelson Rodríguez en versión de Raquel Rojas con traducción de Amandy Da Costa González. Es la primera versión en lengua española de Vals Nro. 6 de Nelson Rodríguez, pieza muy poco representada en el propio Brasil. Fue patrocinada y auspiciada por la Embajada de Brasil en Paraguay. La obra recibió excelente recepción del público brasilero de Paraguay conocedor de la obra de Rodríguez y una excelente crítica. Está invitada a la Semana Paraguaya de Curitiba en el mes de agosto/ 07 por la Dirección Cultural de la Cancillería de Paraguay.

MENCIÓN ESPECIAL MERECEN: - "Mujeres que robaron el fuego", inspirada en Memorias del Fuego de Eduardo Galeano, con dramaturgia de Raquel Rojas. Está basada en una investigación de varios años en el monte chaqueño con los Ayoreos Silvícolas del Gran Chaco. En la obra se toma el caso de las últimas chamanas mujeres ayoreos, reducidas en una cacería de indios de parte de la Misión Fundamentalista a las Nuevas Tribus, en 1986 (es un caso testimonial). Éstas últimas mujeres sacerdotisas recuerdan la historia de su etnia, relatan además, las persecuciones por parte de los militares y las compañías tanineras del Chaco, por la apropiación del territorio indígena, y luego de ése relato, ellas se dejan morir para no ser testigos de la destrucción cultural a la que es sometido su pueblo. Esta obra fue parte de la campaña de recuperación de las tierras para los Totobiegoosode (Ayoreos Silvícolas) del Chaco, y fue elaborada con el apoyo de la ONG GAT y el antropólogo José Zanardini. Además, una fuente importante ha sido la investigación de campo "Ayoreas o Las recolectoras silvícolas", de Raquel Rojas. También en esa ocasión se trabajó con actores y actrices jóvenes en compañía de otras de gran trayectoria: Graciela Pastor y Nila Servín. La obra fue premiada con el Premio Arturo Alsina a Mejor Dramaturgia. Graciela Pastor, por su rol de Chamana  Ayoreo, obtuvo el premio a la Mejor Actriz. Nominada para mejor actriz joven: Lara Barreto. •

“Vestidos de Rojo para bailar polkas"

Esta obra inspirada en la Comedia de Arte Italiana, es adaptada al Paraguay en los personajes prototípicos de la Comedia del Arte: Coimerino (Arlequino) Contrabalinda (Mirandolina), Doña Aluana Perna Aperta (Isabella) y Don Plata Potá (Pantaleón). Esta es una obra crítica y satírica que sorprendió al público por el nivel ácido y descarnado de la crítica social y alegato en contra de la corrupción. La obra se sitúa en Ciudad del Este, la ciudad de tres fronteras donde se registran los casos más escandalosos de corrupción del país y la obra en clave de comedia satírica y burlesca, se hace eco de dichas situaciones. En la segunda parte de la comedia se representa al Capitano Espavento del Valle Infeno, el militar de Comedia del Arte. Es un Senador, medio romano medio actual, cual es un famoso personaje muy influyente de la política criolla. Este personaje es representado por uno de los mejores actores, el actor Jesús Pérez quien realiza un monólogo magistral de 45 minutos sostenido en el actor y músico, Félix Colmán. En "Vestidos..." actúan también jóvenes intérpretes: Sair Gamarra, Mabel Medina y Jorge Leguizamón, todos licenciados en actuación por el Instituto Nacional de Bellas Artes. La obra tuvo una gran repercusión puesto que inspiró a varios intelectuales y estudiosos del teatro a realizar escritos alusivos al fuerte contenido cuasi nihilista del retrato de una sociedad donde, lastimosamente, no quedan valores rescatables. Esta visión escénica de la máscara de la tragicomedia fue el elemento que otorgó un gran impacto social a la obra teatral, confirmando que el Teatro de Humor puede cumplir un objetivo estético y político a cabalidad.

Montajes: actores, actrices, maestros, técnicos y creativos asociados. En esta compañía teatral sus integrantes no son estables, en el sentido que los actores y actrices que son invitados a trabajar en los diferentes montajes varían. Empero, hay una rotación de casi los mismos actores puesto que la línea de trabajo de "El Camarín" les posibilita desarrollar sus talentos e histrionismo -su propio clown- así, la participación de los actores y actrices se convierte en una experiencia vinculante para el trabajo escénico. "Lo ideal es que con el tiempo, los actores y actrices sean asociados a "El Camarín". Son quienes más podrían fungir de maestros de talleres y cursos de formación de nuevos actores por conocer el tipo de trabajo desplegado en los montajes. En efecto, el Programa Curricular de la Carrera de Formación de Actores y Actrices, Animadores y Asistentes a la Dirección, programa reconocido por el MEC que se inicia en el 2008, espera contar con varios de dichos actores/actrices en calidad de docentes. Entre los profesionales que participaron en los puestas podemos citar a: Ramón del Río, Rubén Vysokolán, Graciela Pastor, Derlis Esquivel, Silvio Rodas, Beto Ayala, Luz Saldívar, Leticia Medina, Anuncio Galeano, Félix Colman; Jorge Sair Gamarra, Mabel Medina; Lara Barreto, Andy Fernández, César Ruiz Díaz, Mario Toñánez, Nila Servín,  Ángel Franco, y otros. También es importante destacar que los creativos y maestros que aportaron para cada montaje son reconocidos como co-creadores de "El Camarín". Ellos son: María Elena Sachero, Jorge Brítez, W al Mayans, Hilario Godoy, Mauricio "Pinchi" Cardozo Ocampo, Remigio Pereira; Marisa Cubero y otros. La forma de trabajo de "El Camarín" se describe de la siguiente manera. Una vez seleccionada la obra, los actores y actrices, se realiza generalmente un trabajo intenso de dos meses y medio de ensayo de cinco horas por día. En ése tiempo busca que los actores desarrollen, liberen y expandan su histrionismo personal (En busca del propio Clown, o el Trabajo del Actor sobre sí mismo) para luego construir el personaje en base al temperamento básico de los actores. La construcción del personaje tiene así la vitalidad y la fuerza expresiva que le imprime el actor, que para nada es opacado por  la Persona/ Mascara/Personaje. En los actores experimentados éste sistema los lleva a liberar atavismos que se arrastran por años, y que en el Sistema de la liberación por la Vía del despojo de los rituales cotidianos (Grotowsky) se pueden reencontrar nuevas expresiones gestuales, expresivas, sicológicas y emocionales que renueva los actores de trayectoria. En cuanto a los actores y actrices noveles, se les contiene con una técnica y gestualidad basada en el Método de las Acciones Físicas de Stanislavski, de manera que estén asidos a una cadena de acciones que los contiene y hace referencia. La música es usualmente original y está muy integrado al montaje. Lo mismo que el coreógrafo, el maestro de actores y otras técnicas más especializadas. Hay un predominio de gran trabajo corporal en todas las obras; también una exigencia vocal y de canto. Casi todos deben interpretar algún instrumento o tener pasantías por talleres de ritmo y sonidos, pues la música es un elemento primordial de las obras dentro de la estética de "El Camarín". El recurso de los audiovisuales es utilizado cada vez con mayor frecuencia e inserción dentro del montaje. Actualmente en la obra "Paraguay Los de Abajo", el audiovisual será uno de los principales protagonistas junto a los actores. Todas las obras de "El Camarín" fueron registradas en DVD y filmadas por el equipo de Teleeducación y forman parte del acervo del Ministerio de Educación y Cultura para la difusión del Teatro en los Colegios.  Además, este colectivo realiza una rica actividad, como son: *Comunicación y Servicios culturales. El teatro inserto en comunicación para el desarrollo y el cambio social para las campañas que requiera comunicar por medio del Teatro los objetivos sociales. * "El Camarín Cultural", el capítulo cultural y no exclusivamente escénico, es uno de los miembros culturales plenos de la Concertación Nacional que es un proyecto político para el cambio político, social y cultural en Paraguay. La política cultural de las

artes escénicas y de la cultura en general es una de las preocupaciones centrales de éste programa cultural. * Audiovisuales, televisión educativa y cultural y cine, con apoyo de Teleeducación, productores y directores privados. * Campañas de productos para el mercado comercial, como una actividad paralela y exclusiva de marketing * El Teatro Escuela según un Programa de Formación del Actor aprobado por el MEC * Talleres especializados: Teatro terapia, Teatro y autoestima, Teatro y género, Etno teatro, Teatro-danza.

TUKAÉ Este elenco se creó de un grupo de actores jóvenes, formados la mayoría en el Teatro  Arlequín, que deciden conformar su propio equipo.  Aunque han montado obras para adultos, "Corte Fatal" y "Cyrano", se ha caracterizado por desarrollar una larga trayectoria haciendo teatro de adultos para niños. Entre sus fundadores más destacados podemos nombrar a Regina Bachero, Juan Carlos Cañete, Luís Ríos y Edgar Fiddes, entre otros. Montaron obras contratando actores y actrices jóvenes como Ana Mello, Tana Schémbori, Blanca Gray, Lucy G aliano, Jaime Floren, Griselda Unzaín, Rodrigo Meneces, Jorge Ramos, Lucas Cabrera, Lory  Andersen, Florencia Saguier, Eliana Pradillo por citar a algunos. Entre los directores contratados podemos mencionar a Arturo Fleitas, Agustín Núñez, Carlos Aguilera y Víctor Hugo Cortéz. La visualización de varias de sus obras estuvo a cargo del hombre de teatro y artista plástico, Ricardo Migliorisi La inclusión de canciones y bailes, daba brillo especial a sus obras. Las coreografías eran creaciones de Mónica Pérez, la cual también se desempeñaba como actriz y productora. La musicalización de "El Principito" pertenecía a Casto Darío Martínez, mientras que la letra de las canciones, al poeta Hernán Jaeggi. Entre sus obras más destacadas podemos citar: -"Cyrano" - "La vuelta al mundo en ochenta días", de V. H. Cortéz -"Corte fatal" -"El Principito", basado en el texto de Saint- Exupery, adaptación de Agustín Núñez -"La familia Merengue", de Omar Varela -Robinson Crusoe, versión de V.H. Cortez Después de una intensa labor realizada durante años, el grupo se disuelve dando lugar a que cada uno de sus integrantes siga firme dentro del mundo artístico y teatral, pero en distintas modalidades.

TEATRO SARAMBÍ Este grupo se crea a inicios de los años noventa, a partir del regreso de Julio Saldaña, junto a su compañera en la vida y en el quehacer teatral, Liber Fernández.  Ambos desarrollaron una actividad importante en Centroamérica, en lo que respecta a formación actoral y dirección. Saldaña, perteneció al grupo Tiempoovillo, desde sus inicios. Luego se vinculó en forma activa al Libre Teatro Libre (Córdoba-Argentina), dirigido por María Escudero, una de las grandes personalidades del teatro del cono sur, que investigó a fondo la forma colectiva de trabajo. A partir de la represión política, Saldaña creó su propio grupo con el que visita gran parte de Latinoamérica y España. Fernández, venía de una fuerte formación y participación como actriz en el Teatro Experimental de Cali, dirigido por Enrique Buenaventura. Con él, recorrió gran parte de América y Europa.  Ambos, vienen a Paraguay a participar de la transición a la democracia, después del golpe de 1989, en el cual se derrocó la dictadura del general Stroessner. Poseían gran experiencia en el teatro para niños, y es así que deciden formar el grupo Sarambí (que en guaraní significa desorden), orientando a la realización de un trabajo participativo del niño en el desarrollo del espectáculo. Para ello, recurren a juegos, magia, canciones y cualquier tipo de elemento que se pudiera articular a la escena. Logran un perfil muy particular dentro del quehacer teatral nacional, llevando sus espectáculos a donde los solicitaran, obras que resultan tanto para niños como para adultos.  Además de Liber Fernández y Julio Saldaña, participaron como actores Augusto Toranzos y Willy Segovia; entre otros.  Actualmente (2007) el grupo continúa activo y trabaja sobre la puesta en escena de una obra de la autoría de Saldaña; "Payasos.com", en donde recurren a la metáfora del manejo del poder dentro de un circo para mostrar el juego del autoritarismo corrupto. Es un texto pleno de acciones teatrales brillantes, que como los espectáculos anteriores, seguro encantará a chicos y grandes.

EL TEATRO DE CALLE El grupo "Teatro de Calle" inició sus actividades, en al año 1989. ,A partir de un pedido de "Decidamos", insertado dentro de lo que fue "Campaña por la expresión ciudadana". Esta ONG formó sus actividades con el fin de enseñar a la ciudadanía a votar. Recién caída la dictadura, un enorme porcentaje de la población no votaba, razón por la cual se inició esta campaña de concientización ciudadana. Teresa González fue convocada para liderar dicho proyecto La misma, fue una de las cofundadoras del grupo de teatro Tiempoovillo, con amplia experiencia en el teatro como actriz, directora, docente y escenógrafa, era sin lugar a dudas, la persona indicada para desarrollarlo. Como paso siguiente invitó a otros actores y actrices del medio, con los que se propuso hacer un teatro en espacios públicos, es decir, de calle, de manera a llegar a esa franja de espectadores que no asistía a las salas de teatro.

Moncho Azuaga fue llamado como dramaturgo, mientras que Gloria Muñoz, Beto  Ayala, Carlos Cáceres, Blanca Gray, Karina Gray, Domingo Coronel, Cristina Vigil y Máximo Barrios, participaron como actores, bajo la Dirección de Teresa González Meyer, con amplia experiencia en la actuación y dirección. La Obra: "Decidámonos Juan" la escribió Moncho Azuaga, a partir de contenidos proporcionados por la ONG, y tenía un carácter didáctico. Los que formaban parte de la campaña arriba mencionada comenzaron a trabajar en base a improvisaciones a partir del texto - en yopará-. Poco casi ningún antecedente existía en el país material acerca del teatro de calle, por lo que les toco realizar un trabajo profundo de investigación. La directora, Teresa González, había tomado un taller con Peter Schuman, en EEUU, director del grupo Bread and Puppet, que durante muchos años tuvo como modalidad hacer teatro de calle. Allí adquirió la base de ciertos lenguajes necesarios para este tipo de modalidad y así, el grupo inició sus actividades Buscaron ante todo, llegar a un público diferente, salir de las salas, celebrar la ciudad, ocupar espacios, que durante el tiempo de la dictadura eran vedados a la ciudadanía. Consideraron importante tratar de recuperar espacios comunitarios, como los atrios de las Iglesias, las plazas, los parques; y en especial la plaza como lugar de reunión del artista popular, como lugar de contar historias, de sentarse a tomar un rico tereré o aloja en las calurosas tardes del Paraguay, donde se disparan fantásticas leyendas urbanas; recuperar tradiciones callejeras, el carnaval, los desfiles, las fiestas tradicionales, con bandas, banderas, cintas y color. Retomaron así todas las celebraciones barriales, donde se juntaba la vecindad entera a disfrutar de celebraciones que se fueron perdiendo. De esta manera, iniciaron el trabajo, tratando de hurgar en los voceos de nuestra gente, en el lenguaje chispeante del fruteros de la esquina, los canillitas, con la particular picardía de la calle, la vendedora de flores, de dulces, -dulce la dulcera-, la marchante, que llegaban a las casas con sus cantos, sus llamadas, sus pregones. En un principio, ensayaron sin definir muy claramente una línea de trabajo, buscaban un lenguaje que los permitiera comunicarse fácilmente con el transeúnte común, desconocedor del teatro de salas, y que además, no tenía ni sentía la obligación de quedarse viendo el espectáculo. Esto constituía un desafío muy grande. Los integrantes del grupo eran consientes de ciertas reglas, como por ejemplo, sabían que las figuras debían ser amplificadas, que el volumen de la obra debía expresarse al máximo, tener presente que competirían con los ruidos de la plaza, de la calle. También tenían muy claro que el humor debía estar presente, con personajes que estuvieran en el imaginario colectivo, de manera a "atrapar" al transeúnte para convertirlo en público "ocasional". Con estas premisas, apelando muchas veces a lo "grotesco", se dieron a la calle con la primera creación: "Decidámonos Juan". Dado lo positivo de la experiencia y la respuesta del público, la directora encara de forma mucho más seria y comprometida el Teatro de Calle, como una opción de trabajo. Inició una larga investigación sobre las llamadas "formas puras", el circo criollo, los eventos de celebraciones comunitarias; a interesarse mucho más en toda la fiesta que era el teatro en Grecia, en donde como parte de las festividades, sé realizaban obras durante todo el día; aprender de la Comedia del Arte, la juglaría, en fin, de toda aquella fuente que sirviera para este tipo de expresión. Todo esto le abrió -en cierta maneraun camino, en la búsqueda del lenguaje teatral de calle. Con el apoyo de Moncho  Azuaga, trabajaron mucho todo lo que significa el lenguaje de la gente en sus festividades, las fiestas en la vecindad, las celebraciones, religiosas o no, buscando encontrar el tono de las obras. Como importante hallazgo encontraron que existe una musicalidad muy nuestra, como una partitura, que escuchando la ciudad, uno la podía descifrar: los voceos callejeros, el canillita, el cantante popular en la plaza, el vendedor ambulante, el relacionamiento y trueque en los mercados populares, los carretilleros, la noche, la bohemia, los "raros"...una gama infinita en la ciudad, en la calle...

Más adelante, incursionan en técnicas de grupos de Teatro de calle, y recurren a los parámetros que como arquitecta la directora poseía, se abocan a la necesidad de utilizar el espacio urbano como espacio escénico. Con ello logran una dimensión diferente en el trabajo. La mirada se vuelve mucho más aguda sobre el uso y aprovechamiento del espacio. Toda la ciudad podía transformarse en un gran "escenario" ocasional. Eso fue muy importante para avanzar en el trabajo; utilizar los bancos, los edificios, las estatuas, la calle, la vereda. Transformarlo todo, dándole al espacio cotidiano del transeúnte, otra mirada, volverlo "extra-cotidiano", por un breve lapso de tiempo. Nutriéndose de otras experiencias de calle, fueron diseñando una estructura teatral. Dieron con un elemento clave: debían iniciar la obra con lo que sería la llamada; la convocatoria, una primera parte que consistía básicamente en llamar la atención del transeúnte por medio de percusión, banderas, canto, danza, cintas, malabares. En fin, una explosión de sonidos y de colores. Una vez que el público se acercaba, comenzaba la obra. El dramaturgo, Moncho Azuaya, fue escribiendo historias breves, que aunque tuvieran continuidad, y pudieran conformar una sola obra, estaban concebidos como módulos breves, de manera que cualquiera pudiera decidir si observar un tiempo corto, o una acción completa, o la obra completa, que igual tenía sentido. La inclusión de escenógrafos en el equipo de trabajo, hizo que conjuntamente con la directora e integrantes del grupo, pudieran pensar en una suerte de utileríaescenografía, y vestuario, que fuera ligero, liviano de llevar, pero que a su vez tuviera lo lúdico, una estética para la calle y vibrantes colores que permitieran atraer al transeúnte. Orientaron esa búsqueda hacia ciertos elementos como cartones, plásticos, desechables, telas y todo tipo de utilería liviana, factible de transportar, pero que a la vez tuvieran un impacto visual lo suficientemente fuerte como para atraer al ocasional público-transeúnte. Para la elaboración de muñecos gigantes, recurrieron principalmente al mimbre; un material sumamente maleable, noble y liviano que permitía la construcción de máscaras y muñecos. Otras veces se recurrió a la goma espuma. La parte musical se convirtió muchas veces en un elemento difícil de solucionar. Por  razones del carácter mismo de los espectáculos, no podían contratar equipos de música, lo mismo que por el alto costo, recurrieron a la música en vivo, lo cual también resultaba bastante oneroso. Entre sus experiencia más importantes se puede citar la obra "Proibido en la plasa los niño y los perros" del mismo Azuaga. Con ella consiguieron darle el lenguaje de Calle; el ritmo adecuado; acelerado, por cierto, con actores cantando y bailando: la utilización espacial, el colorido adecuado, necesario para marco que constituía la calle. Hicieron con ella más de 700 representaciones; además de asistir a seis Festivales Internacionales (México, Buenos Aires, Expo Sevilla 92, entre otros lugares). Vinculados a los problemas locales, se abocan a otra importante experiencia con la obra "Breve drama finisecular sobre las raras hambres de monstruovía, depredador de ríos, y la alegre resistencia de la vida", de Moncho Azuaga. Esta obra fue parte de una campaña ecologista en contra de la hidrovía, y formó parte de un congreso internacional muy particular, pues el mismo se desarrollaba en una travesía por el Río Paraguay, desde Corumbá, Brasil (casi en la naciente) hasta Asunción. Los integrantes del grupo de teatro se desplazaban en tres barcos, y el tiempo de duración de la travesía fue de 18 días. Se recurrió, como en otras ocasiones, a los elementos específicos de calle: muñecos gigantes, zancos; bandera, cintas chinescas, etc. Esto fue para el grupo el primer  contacto con las comunidades ribereñas, que los recibían con expectativa y alegría. Al

arribar al puerto los actores eran los encargados de iniciar la presentación del congreso. La experiencia fue muy rica; pues trabajaron en comunidades donde nunca había llegado un grupo de teatro; incluyendo dos comunidades indígenas que no hablaban guaraní, pero aun así consiguieron establecer una suerte de juego a partir de todo, el lenguaje visual. Como uno de los principales logros de Teresa González y su Grupo de Teatro de calle, es el haber llevado el teatro en su más elevado nivel, a sectores alejados del mismo.  Además de la recuperación del espíritu de esas festividades "bárbaras", "barriales", en donde viejos y jóvenes, negros y blancos, gobernantes y gobernados, ricos y pobres,  jugaban con bombas, guirnaldas, banderas, baldes de agua, con risa y con llanto se unían en una sola celebración. Es innegable el positivo y gran aporte dentro del espíritu de la ciudad, el poder  relacionar armónicamente y de forma viva, el hecho teatral con los espacios urbanos, cerrados o abiertos. Permitió hurgar en nuestras historias escondidas, secretas, en nuestros mitos y leyendas, cuentos de personajes fantásticos, y lograr traerlos al hoy, para brindarlo a ese público que cotidianamente transita la calle, intentando darles otra mirada a su ciudad, a su entorno.

BOCHIN TEATRO-CLOWN El Bochin Teatro-Clown se formó en mayo de 1983 en Madrid España. Lo conforman Jorge Brítez, (1956), actor, clown y director paraguayo y Marisa Cubero (1960), actriz y clown española formada en la Escuela Municipal de Teatro de Móstoles-Madrid y el Circo de los Muchachos. Jorge Brítez, llegó a España con experiencia en el trabajo escénico. En Paraguay, comenzó su tarea-teatral en el grupo Yvy Pora de Coronel Oviedo en 1973 y de ahí paso a formar parte del grupo de teatro Aty Ñe'e (1976-1982) en Asunción, participando en los siguientes montajes teatrales: "Velada", "Mascarada en río revuelto", "Noche de pesca", "De la guerra al Cabaret", "El almacén", "Mandyjuty", "Kure Kose", "Mientras que el lobo no está". En 1980 inicia su trabajo docente con sordos y crea "Gesto", Primera experiencia de teatro de sordos en Paraguay. Realiza su primera propuesta individual con "Qué Circo" con el que recorrió Bolivia y Perú en 1981. En 1982 viaja a Europa de donde retorna en 2005, junto con su familia de arte para reincorporarse al movimiento teatral Paraguayo. Hija del arte al fin, Aura Brítez (1987) se incorpora al grupo desde su infancia y continúa formado parte del grupo. Entre sus principales objetivos siempre estuvo muy marcada la búsqueda de un lenguaje siguiendo la senda de los antiguos comediantes y del circo. Ese reencuentro con una forma de hacer teatro explotando las posibilidades de aquellos elementos que hacen del hecho teatral una fiesta, como ser: una sólida formación teatral, la utilización de la música, los elementos de destreza, y todas las posibilidades que brinda la pantomima. Así crear espectáculos que puedan llevar a trabajar con público de diferentes edades y diferentes países, idiomas dispares pero todos unidos por la magia de lo que para ellos representa el circo y las fiestas populares. Entre sus principales obras montadas podemos citar  - "Mundo Clown" - Paréntesis en el parque"

-"Giracirco" - "En clave de Clown" - "Toxcirco" - "Circollage" - "Clownerías" - "Oficio de Comediante" - "Nido de Gaviota" - "Jasy Rasy" - "Al Este de la Bahía" (Navegantes del Corazón) - "Angélico" Mucho es lo que en ese tiempo produjeron, enseñando y aprendiendo desde sus inicios y en contacto con diversas culturas. En los primeros años el "Bochin Teatro-Clown realizó intensas giras por toda Europa (Francia, Alemania, Suiza, Austria, Italia) con el objetivo de hacer conocer su trabajo y contactar con los grandes maestros como son: Colombaioni, Annie Fratellini, Michael Christensen, Jango Edwards, Teatro Pothlach, Tascabile di Bérgamo. En este tránsito, el Bochin Teatro-Clown enriqueció su lenguaje y estilo artístico puesto que cada zona o región necesitaba de ciertos elementos con los cuales se debía experimentar, viendo la posibilidad de vincularlos a su forma de trabajo. En los países en los que no entendían el idioma, utilizaban un lenguaje más sonoro y gestual. En Italia, a parte de la comunicación a través de la música, aprendieron a comunicarse en contacto con la gente. En España utilizaron el lenguaje del Siglo de Oro Español, con Cervantes, Lope de Vega, Lope de Rueda, Calderón de la Barca. Esto les llevo a acercarse más al mundo de la pista a través del circo de los muchachos (1984) intercambiando clases de pantomima, para recibir clases de circo (malabares, zancos, acrobacias, rulo, monociclo...) Fueron socios fundadores de la Sociedad Cooperativa de Artistas Circenses y del Centro de Nuevas Tendencias Acrobáticas y Circenses en Madrid-España de 1990 a 1992 El trabajo realizado, dado el nivel de calidad, fue seleccionado para participar del decimotercero festival del "Circo del Mañana" en el Circo de I nvierno en Paris-Francia en el año 1990, en donde representaron a Paraguay. En 1993 el Bochin Teatro Clown pasó a formar parte de la compañía de teatro independiente "Gusarapo" de MadridEspaña con la que compartieron más de 11 años de experiencia en teatro de calle. Con teatro Gusarapo montaron recreaciones de mercados medievales, Barrocos y del Siglo de Oro Español, con personajes de artesanos, comediantes, fuego y pirotecnia consiguiendo una auténtica comunión entre público y artistas. Por estos espectáculos pasaban un promedio de 40.000 (cuarenta mil) personas por fin de semana. En el 2004 el Bochin Teatro-Clown decide dejar las tablas europeas, para reincorporarse con todo su potencial y aprendizaje al teatro paraguayo, y para ello establecerse permanentemente aquí. Entre sus principales aportes al teatro paraguayo puede destacarse la traslación de toda esta experiencia de más de 23 años de diferentes técnicas escénicas adquirida en Europa y enriquecida con los años, tanto en el aspecto pedagógico como en la dirección y actuación. Hasta el día de hoy, es uno de los grupos de mayor recurso

escénico, circense y acrobático que haya existido en el país. A partir de su regreso, han surgido seguidores del arte teatral que decidieron apuntar su tarea en la dirección trazada por ellos, pero imprimiéndoles un carácter personal.  Actualmente (2007) el Bochin Teatro-Clown, lo conforman Jorge Brítez, Marisa Cubero y Aura Brítez. Residen en la ciudad de Luque en su casa-escuela donde cuentan con una biblioteca y una abundante videoteca sobre sus experiencias. El grupo Nhi-Mu se fundó el 13 de junio de 1997. Sus integrantes originales fueron: Selva Fox, Pato Masera, Nelson Arce, Sonia Amarilla, Pablo Meilicke, Karina Sanabria y Juan Álvarez. Sin embargo, por diferentes razones, a lo largo de los años hubo deserciones. En el 2005, al tener espacio propio, el grupo se reestructura, quedando Selva Fox y Pato Masera al frente de la coordinación. El objetivo principal de cada uno de ellos es lograr que se conozca la particular  alternativa teatral que propone Nhi-Mu; generar espectáculos multidisciplinarios que se puedan ver en todo el país y en el extranjero; desarrollar su espacio como opción para otros artistas, crecer y solidificarse cada vez más. El trabajo de este grupo se caracteriza por la improvisación y creación de acciones teatrales en base a conceptos, imágenes o ideas generadas por ellos mismos. Estas acciones se desarrollan principalmente en el espacio aéreo, es decir estructuras, techos, paredes, no limitándose exclusivamente al suelo. Los principales espectáculos presentados por este grupo son: - “Viaje 1". Marca el inicio y la tendencia artística del grupo. - "Sumergidos". Genera un nuevo recurso en la puesta, capaz de mover la obra (con materiales y objetos no convencionales) a lugares comunes. - “Viaje 2". Marca la vuelta a escena, en un espacio propio y con un grupo de trabajo maduro y estable, no sólo a nivel artístico sino también técnico. - "Metrocuadrado". Plantea un nuevo desafío para el grupo y el público al implementar  el uso de nuevos elementos como ser el texto. En el tiempo que lleva de existencia, el grupo pasó por diversas etapas. Inicialmente se centró en la formación de su línea de trabajo, su esencia estética y su lenguaje escénico. Luego, por cuestiones de viabilidad de producción y espacio, se volcó más a la realización de pequeñas acciones teatrales que se desarrollaron, por lo general, en eventos, así como de obras infantiles. Finalmente, al adquirir un espacio propio, se logró conformar un maravilloso equipo de trabajo y presentar el tipo de propuestas concebidas originalmente. Como proyectos pendientes tienen: - Utilización del local para realizar talleres, encuentros y debates. - Seguir con las puestas en escena de obras propias como “Demasiado luego te quise... cuando la luz estaba apagada", realizada a finales del 2007. - Continuar con el desarrollo de proyectos que involucren disciplinas artísticas como el audiovisual, la música, la danza y el arte contemporáneo. - Incursionar también en puestas en escena de obras de otros grupos alternativos y no sólo de Nhi-Mu. Cada proposición de espectáculo de Nhi-Mu obedece a un arduo trabajo de investigación, por lo que constantemente se presentan sorpresas escénicas de gran valor teatral. Hasta la actualidad (2007) es el único grupo que incursionó en forma seria y constante en la disciplina del teatro aéreo.