TECLAS&AFINS07

KDP90 - Testamos o novo piano digital da Kawai    S    N    I    F    A    & Ano 1 - Número 7 - Novembro 2014 www.teclaseafins.com.br 

Chick Corea Fala com exclusividade sobre o novo trabalho, The Vigil 

Giorgio Moroder O pai da Disco Music

Beto Bertrami Herança valiosa e música boa

COMO ESTUDAR: ESCALAS ESTUDAR: ESCALAS - ARRANJO COMENTADO: “PALHAÇO”

   S    N    I    F    A    &

Ano 1 - N° 07 - Novembro 2014 Publisher

Nilton Corazza  publisher@teclaseafins.com.br   publisher@tec laseafins.com.br  Gerente Financeiro

Regina Sobral financeiro@teclaseafins.com.br  Editor e jornalista responsável

Nilton Corazza (MTb 43.958) Colaboraram Colaborara m nesta edição:

Alexandre Porto, Alex Saba, Cristiano Ribeiro, Eloy Fritsch, Jackson Jofre, José Osório de Souza, Rosana Giosa, Turi Collura Diagramação

Sergio Coletti arte@teclaseafins.com.br  Foto da capa

Divulgação Publicidade/anúncios comercial@teclaseafins.com.br  Contato contato@teclaseafins.com.br  Sugestões de pauta redacao@teclaseafins.com.br  Desenvolvido por

Blue Note Consultoria e Comunicação www.bluenotecomunicacao.com.br  Os artigos e materiais assinados são de responsabilidade de seus autores. É permitida a reproduação dos conteúdos publicados aqui desde que fonte e autores sejam citados e o material seja enviado para nossos arquivos. A revista não se responsabiliza pelo conteúdo dos anúncios publicados.

EDITORIAL Em 22 de novembro comemora-se o dia do músico. A data foi es colhida com base na tradição católica. É o dia de Santa Cecília, que, segundo a lenda, cantava com tal doçura, que um anjo desceu do céu para ouvila. Estamos passando por momentos na história da música - principalmente popular - em que nenhum anjo se atreveria a aterrisar por aqui, com medo do que ouviria. Mas, de qua lquer modo, ser músico é uma profissão que exige muita dedicação e sacrifícios. Das infindáveis horas de estudo às infindáveis viagens, dependendo do ofício a que o músico se dedica, muitas são as privações a que ele se entrega, seja por idealismo ou por sobrevivência. E todos e les merecem respeito, pois, de uma forma ou de outra, se doam para fazer da vida das pessoas algo mais leve, mais feliz, mais prazeroso. É como a fábula da cigarra e da formiga, tão mal interpretada. Na verdade, enquanto uma trabalhava, a out ra animava as operárias, fazendo do trabalho pesado al go mais supor tável. E prova disso é que as formigas levaram a cigarra para dentro do formigueiro, para que ela animasse também o pe ríodo de clausura. Ser músico é, de longe, um dos maiores sacerdócios a que o ser humano se entrega, seja nos bares da vida, ou lecionando, compondo, produzindo, gravando e em tantas outras atividades em que a música está presente. E isso sem falar na grande importância da música como mercado, que movimenta bilhões de dólares anualmente e emprega milhões de pessoas. Valorizemos nossa profissão e nosso conhecimento. Viva o músico!  Nilton Corazza

Rua Nossa Senhora da Saúde, S aúde, 287/34 Jardim Previdência - São Paulo - SP CEP 04159-000 Telefone: +55 (11) 3807-0626 6 / novembro 2014

Publisher 

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EDITORIAL Em 22 de novembro comemora-se o dia do músico. A data foi es colhida com base na tradição católica. É o dia de Santa Cecília, que, segundo a lenda, cantava com tal doçura, que um anjo desceu do céu para ouvila. Estamos passando por momentos na história da música - principalmente popular - em que nenhum anjo se atreveria a aterrisar por aqui, com medo do que ouviria. Mas, de qua lquer modo, ser músico é uma profissão que exige muita dedicação e sacrifícios. Das infindáveis horas de estudo às infindáveis viagens, dependendo do ofício a que o músico se dedica, muitas são as privações a que ele se entrega, seja por idealismo ou por sobrevivência. E todos e les merecem respeito, pois, de uma forma ou de outra, se doam para fazer da vida das pessoas algo mais leve, mais feliz, mais prazeroso. É como a fábula da cigarra e da formiga, tão mal interpretada. Na verdade, enquanto uma trabalhava, a out ra animava as operárias, fazendo do trabalho pesado al go mais supor tável. E prova disso é que as formigas levaram a cigarra para dentro do formigueiro, para que ela animasse também o pe ríodo de clausura. Ser músico é, de longe, um dos maiores sacerdócios a que o ser humano se entrega, seja nos bares da vida, ou lecionando, compondo, produzindo, gravando e em tantas outras atividades em que a música está presente. E isso sem falar na grande importância da música como mercado, que movimenta bilhões de dólares anualmente e emprega milhões de pessoas. Valorizemos nossa profissão e nosso conhecimento. Viva o músico!  Nilton Corazza

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VOCE EM TECLAS E AFINS 4

O espaço exclusivo dos leitores INTERFACE 8

As notícias mais quentes do universo das teclas retrato 14

Beto Bertrami Música nas veias Vitrine 20

Novidades do mercado review 24

KAWAI KDP90 O piano digital ideal para escolas

42 mestres

Giorgio Moroder O pai da Disco Music 50 como estudar

Escalas por Nilton Corazza 53 cultura hammond

Efeitos e Presets Por José Osório de Souza 56 puxando fole

Muitos nomes, timbre i nconfundível por Jackson Jofre Rodrigues

materia de capa 28

58 harmonia e improvisacao

Chick Corea Vigília pela criatividade

A arte da improvisação melódica por Turi Collura

sintese 38

Combinações sonoras por Eloy Fritsch

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NESTA EDIÇÃO

62 arranjo comentado

Polirritmia por Rosana Giosa

novembro 2014 / 7

vOCE em teclas & afins

Vamos nos conectar? Olá, colaboradores da Teclas & Afins . Parabéns por proporcionar a nós, tecladistas, matérias interessantes e realmente as mais procuradas. Melhor revista atual! Abraços! (Rafael Frascareli, por e-mail) Nos anos 90, a gente tinha uma revista impressa, com as partituras dos exercícios e das músicas, com áudio em disquete. Hoje há o privilégio de termos tudo isso digital. Com a revista Teclas & Afins, podermos viajar pelos links das reportagens e vermos as músicas sendo executadas. Obrigado, Rosana Giosa, por nos permitir acompanhar uma música tão boa como esta. É difícil de tocar, mas vou procurar aprender. Vale a pena colocá-la em nosso repertório. (Paulo Cesar, no vídeo de “A História de Lily Braun” em nosso canal no Youtube) Gostaria de agradecer a iniciativa de trazer algo tão fantástico ao mundo das teclas que, a meu ver, é às vezes esquecido. Deus abençoe muito toda a equipe. (Joab, por e-mail) R.: Caros Rafael, Paulo Cesar e Joab, agradecemos seus comentários. A equipe de colaboradores de Teclas & Afins procura sempre levar a melhor e mais qualificada informação para seus leitores, seja na revista, nos materiais que produzimos ou nos links que indicamos. E já fazemos isso desde os tempos da Teclado & Áudio. Ficamos felizes em saber que estamos atingindo nossos objetivos. Muito agradecido pelo CD Exogenesis. Realmente é um ótimo trabalho de Eloy Fritsch (ouço todos os dias). A revista Teclas & Afins, mais uma vez, está de parabéns! (Afonso Key, por e-mail). R.: Os leitores de Teclas & Afins são nossa prioridade, e o mínimo que podemos fazer é premiar quem nos segue e participa de nossas promoções. Ficamos muito felizes em contar com a colaboração de Eloy Fritsch para realizarmos esse sorteio. Continue participando!  A revista Teclas e Afins  não circula na minha cidade. Existe alguma maneira de conseguir exemplares diretamente com vocês (despesas com correio serão por minha conta)? Obrigado e fico no aguardo de uma resposta. (Leonardo Prata Jammal, por e-mail). R.: Teclas & Afins circula somente em meio digital e não impresso. Mas você pode baixar os PDFs e imprimir, se preferir ler no papel. Mas lembre-se: os links só funcionam no digital.

4 / novembro 2014

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vOCE em teclas & afins

Este espaço é seu! Teclas & Afins  quer

divulgar trabalhos, iniciativas, músicos e bandas que apresentem qualidade e sejam diferenciados. Não importa o instrumento: piano, órgão, teclado, sintetizadores, acordeon, cravo e todos os outros têm espaço garantido em nossa revista. Mas tem que ser de teclas! Veja abaixo como participar: 1. Grave um vídeo de sua performance. A qualidade não importa. Pode ser até mesmo de celular, mas o som precisa estar audível. 2. Faça o upload desse vídeo para um canal no Youtube ou para um servidor de transferência de arquivos como Sendspace.com, WeTransfer.com ou WeSend.pt. 3. Envie o link, acompanhado de um release e uma foto para o endereço contato@teclaseafins.com.br  4. A cada edição, escolheremos um ou dois artistas para figurarem nas páginas de Teclas & Afins, com direito a entrevista e publicação de release e contato.

Não fique fora dessa! Mostre todo seu talento!

Teclas & Afins quer conhecer melhor você, saber sua opinião e manter comunicação constante, trocando experiências e informações. E suas mensagens podem ser publicadas aqui! Para isso, acesse, curta, compartilhe e siga nossas páginas nas redes sociais clicando nos ícones acima. Se preferir, envie críticas, comentários e sugestões para o e-mail contato@teclaseafins.com.br

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setembro 2014 / 5

vOCE em teclas & afins

Do gospel ao jazz Influenciado por vários estilos, Bruno Fonseca vem se destacando entre os músicos de sua região Paulista de nascimento, mas fluminense desde um ano de idade, o pianista e tecladista Bruno Fonseca iniciou seus estudos aos nove anos de idade, incentivado por sua mãe. Tendo como porta de entrada a música evangélica, não tardou que o jovem procurasse se aprofundar nos mistérios dos sons. Na adolescência, mudou-se de Niterói para Teresópolis e buscou aprofundar-se nos estudos musicais, tendo aulas com o contrabaixista Ronaldo Diamante. Por meio dele, conheceu o jazz e a música instrumental brasileira. Após alguns anos de estudo, ingressou na Escola de Música Villa-lobos, no Rio de Janeiro, onde teve contato com a música erudita e se formou no curso de piano. “Minhas principais influências são Bill Evans, Thelonious Monk, Art Tatum, Tom Jobim, Chico Buarque, Robert Schumann, Maurice Ravel, Beethoven e Scriabin. Também gosto das bandas de rock Kings of Leon, The Strokes e The Killers”, conta o pianista. Graças à amplitude das influências que recebeu, Fonseca hoje atua tanto no meio gospel quanto no erudito, com incursões pelo jazz e pela música instrumental brasileira. 6 / novembro 2014

NA REDE

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O Privia PX Pro-5S é ideal tanto para o palco quanto para estúdios. Com timbres Morphing AiR, sintetizador, teclado de quatro zonas, arpejador e Phrase Sequencer, o PX-5S reúne piano digital de sonoridade incomparável, poderoso teclado controlador e sintetizador em um só equipamento.

www.casio.com.br

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INTERFACE

VII Encontro Internacional De Pianistas Realizado entre os dias 8 e 11 de outubro pelo Conservatório de Tatuí - cidade do interior paulista conhecida como Capital da Música -, o VII Encontro Internacional de Pianistas reuniu mais de 300 musicistas, de diversos estados brasileiros e até do exterior, sob a coordenação da professora Cristiane Bloes. O encontro, bienal, é realizado desde 2004 e reúne atividades pedagógicas e artísticas com objetivo de proporcionar integração entre estudantes e profissionais da área. Workshops e masterclasses são ministrados por especialistas de destaque no meio artístico e acadêmico nacional e internacional e, para participar, basta se inscrever no período divulgado pela instituição. Os concertos e recitais são abertos ao público em geral.

Aberto com um concerto de Nahim Marun à frente da Banda Sinfônica do Conservatório de Tatuí, o evento ofereceu vários recitais, com destaque para as apresentações de Sergio Gallo (brasileiro residente nos Estados Unidos) e Beatrice Berthold (alemã residente no Chile), além de Luciana Noda, Antonio Vaz Lemes, Paulo Henrique Almeida, André Rangel, Mauricy Martin e Fabio Luz – este último frente à Orquestra Sinfônica do Conservatório de Tatuí. Entre as atividades pedagógicas, temas como os workshop “Afinação e Manutenção do Piano”, a cargo de George Boyd, e “Correpetição”, por Miriam Braga, dividiram espaço com palestras sobre “Técnica Avançada para Pianistas”, por Nahim Marun, e a masterclass, “Música de Câmara”, com Paulo Henrique de Almeida. A palestra

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 A coorden adora do encontro, Cristiane B loes, e o concerto de Fabio Luz à frente da Orquestra Sin fônica do Conser vatório d e Tatuí. 8 / NOVEMbro 2014

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“F.Chopin – Balada n° 1 em Sol menor Op. 24: escritura, narrativa, acontecimento e sonoridades”, ministrada por Sergio Molina, foi uma das mais concorridas. Atividades para crianças incluindo uma masterclass com Scheilla Glasser também tiveram grande participação. Além das atividades pedagógicas e artísticas, o evento também acolheu o 1º Fórum Nacional de Pianistas, com os convidados André Rangel, Eudóxia de Barros, Luciana Noda, Maurícy Martin, Nahim Marun, Paulo Henrique Almeida, Renato Figueiredo, Scheilla Glaser, Sergio Gallo, Fabio Luz, Beatrice Berthold, Míriam Braga, Carlos Augusto de Souza Lima (Recitais Eubiose) e Leonardo Martinelli (Fundação Theatro Municipal de São Paulo), além da coordenadora do encontro e da área de piano do Conservatório de Tatuí, Cristiane Bloes, e do assessor pedagógico da Instituição, Antônio Ribeiro. O objetivo foi o de promover ampla discussão sobre ampliação de oportunidades de atuação de pianistas. O fórum significou a concretização de sugestões apresentadas por um grupo de músicos de São Paulo. “Já há algum tempo temos discutido o que fazer para que os  jovens pianistas tenham mais acesso ao mercado de trabalho, que é muito reduzido. Então, começamos a refletir para tentar criar

 Mes as de dis cussões do 1º Fórum Nacion al de Pianis tas teclas & afins

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O assessor pedagógico Antonio Ribeiro lendo as proposições do Forum

uma solução e a imaginar o que poderia ser feito”, conta Ribeiro. As conversas tomaram “corpo” com a oficialização da proposta da criação de um fórum de âmbito nacional. Inicialmente, o grupo pensou em realizar um evento que reunisse pessoas ligadas ao universo pianístico. Também em função disso, o grupo havia proposto que o fórum acontecesse em São Paulo. Tatuí surgiu no circuito justamente por conta do VII Encontro Internacional de Pianistas do Conservatório de Tatuí. A cidade foi eleita como sede do evento a partir de conversas entre o grupo e a que convidou nomes de peso no cenário internacional para participar do evento. O fórum em Tatuí foi o primeiro nacional – e com participação de estrangeiros –, antecedendo evento regional que deve acontecer no Nordeste. “Reunimos muitas pessoas de diversas áreas, instruções e regiões. E isso foi uma oportunidade única que se montou nesse encontro”, destaca o assessor. NOVEMbro 2014 / 9

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TRABALHO AUTORAL O tecladista Yuri Fulone  está lançando seu primeiro trabalho, chamado “When  The Sky Meets The Earth”. Seguindo a linha Power/Heavy Metal com orquestrações e vários climas de teclado, com inspiração nos temas clássicos, a era medieval, os guerreiros e suas crenças. Todas as letras, melodias de voz e trilhas instrumentas instrumental das cinco composições ficaram por conta do músico, que conta nas gravações com a voz de Márcio Barrios. Fulone começou como tecladista de uma banda cover do Rhapsody, que se tornaria a Warpride, banda muito bem recebida pelos fãs de Power metal de São Paulo. Para mais informações, vídeos e novidades, curta a fanpage dele no Facebook. 8 / NOVEMbro 2014

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Conheça as publicações da SOM & ARTE

QUEBRA�CABEÇAS

E D I T O R A

INICIAÇÃO AO PIANO POPULAR Volumes 1 e 2  L  A NÇ    A  Inéditos na   ME    NT   O  área do piano popular, são livros dirigidos a adultos ou crianças que queiram iniciar seus estudos de piano de forma agradável e consistente.

PIANISTAS EM DESTAQUE Entre as muitas atrações da Osesp no mês de novembro, os destaques são os pianistas. O alemão Lars Vogt (acima) se apresenta com a orquestra nos dias 6 a 8, na Sala São Paulo, para interpretar o “Concerto nº 27 Para Piano em Si Bemol Maior, KV 595”, o último escrito por Mozart para o piano. O britânico Stephen Hough tem sua vez com nos dias 20 a 22, executando o “Concerto Para Piano em Lá Menor, Op.54”, de Schumann. No dia 23, o interpreta obras de Claude Debussy (“La Plus Que Lente”, “Estampes”, “Children’s Corner” e “L’Isle Joyeuse”) e de Frédéric Chopin (“Baladas” nº 1, 2, 3 e 4). Stephen Hough foi eleito melhor instrumentista do ano, em 2010, pela Royal Philharmonic Society.

MÉTODO DE ARRANJO PARA PIANO POPULAR  Volumes 1, 2 e 3 Ensinam o aluno a criar seus próprios arranjos.

REPERTÓRIO PARA PIANO POPULAR Volumes 1, 2 e 3

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Trazem 14 arranjos prontos em cada volume para desenvolvimento da leitura das duas claves (Sol e Fá) e análise dos arranjos.

Visite nosso site para conhecer melhor os 3 Métodos e os 3 Repertórios

www.editorasomearte.com.br teclas & afins

Contato: [email protected] NOVEMbro 2014 / 9

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BANDAS EM LUTO O tecladista Isaiah “Ikey” Owens, de 38 anos, foi encontrado morto em seu quarto de hotel em Puebla, Mexico, onde estava como integrante da banda de Jack White, que excursionava pelo país. Owens iniciou a sua carreira musical com o Long Beach Dub Allstars e passou a colaborar com a banda de dub De Facto antes de ingressar no Mars Volta, em 2001. O músico ganhou um Grammy de Melhor Performance de Rock por “Wax Simulacra”, com o Mars Volta, em 2009. Ele posteriormente ingressou no Free Moral Agents e trabalhou com artistas como Mastodon e Sublime, entre outros. Em 2012, Owens se juntou à banda de apoio de Jack White, Buzzards. Notícias preliminares dão conta de que não havia drogas pesadas no apartamento e que a morte teria sido causada por um ataque cardíaco.

REEDIÇÃO HISTÓRICA O compositor Brian Eno , famoso pelo uso de sintetizadores e considerado um dos maiores responsáveis pelo desenvolvimento da ambient music, está reeditando quatro LPs dos anos 1990, com a adição de material inédito. “Nerve Net” (1992), “The Shutov Assembly” (1992), “Neroli” (1993) e “The Drop” (1997) podem ser adquiridos pelo endereço http://brian-eno.net/reissues

10 / NOVEMbro 2014

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CURSO EM DEZEMBRO Teclas & Afins  

inicia seu ciclo de cursos com o workshop “Como Montar um Home Studio Profissional”, com Daniel Raizer, que tem como objetivo capacitar músicos, produtores e demais profissionais da área musical a montar seus estúdios particulares e escolher os equipamentos e softwares mais adequados, além de entender os conceitos e as principais técnicas e fundamentos de acústica, conexões, workflow e plug-ins de criação e correção. O curso ocorre no dia 6 de dezembro, das 8h30 às 18h00, em São Paulo, e as inscrições vão até 20 de novembro. Mais informações podem ser encontradas no endereço www.teclaseafins.com.br/cursos teclas & afins

NOVEMbro 2014 / 11

Retrato

Beto Bertrami: fazendo jus ao nome

14 / novembro 2014

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retrato

Música nas veias Oriundo de família de músicos, o pianista, arranjador e professor Beto Bertrami encara seu trabalho como missão e faz jus à herança musical adquirida

Beto Bertrami descende da nata dos músicos brasileiros. Filho do consagrado baixista Cláudio Bertrami, líder do grupo Medusa, e sobrinho do pianista José Roberto Bertrami, do Grupo Azymuth, desde cedo viveu em um ambiente não apenas musical, mas povoado por grandes nomes da MPB. Não à toa, desenvolveu verdadeira paixão pelo piano, pelo jazz e por música popular e instrumental brasileira, áreas em que hoje desenvolve seu próprio trabalho. Com três CDs gravados - Concepção, Cadê o som que estava aqui  e Maracujá -, o pianista assina dezenas de produções e discos. E, além do Beto Bertrami Trio, apresenta-se atualmente com a cantora Fafá de Belém e o percussionista João Parahyba, além de vários outros nomes da MPB, e tem em seu portfólio trabalhos com artistas como Frank Gambale, Mike Shapiro, Leila Pinheiro, Jair Rodrigues, Max de Castro, Dominguinhos, Toninho Ferraguti, Fortuna e Edson Montenegro, Miltinho, Nora Ney e Claudya, entre outros. No meio das atividades de professor e palestrante e os shows com que percorre o Brasil, Bertrami recebeu a reportagem de Teclas & Afins para falar sobre carreira, pedagogia e o atual cenário da música brasileira. teclas & afins

Você vem de uma família de músicos. Essa influência foi decisiva na escolha de sua carreira?

Meu pai sempre quis que eu fizesse outra coisa, pela dificuldade que ele conhecia da carreira de músico. Ele queria que eu tivesse uma segunda opção. Mas eu estava irredutível (rs). Não fiz e segui na música. Sempre gostei muito de psicologia e depois me interessei em fazer algo nessa área, mas não tinha mais tempo. A música nos envolve de uma forma que, quando percebemos, estamos dando aulas, com cinco bandas, três cantores, ensaio, show, viagem... Aí não se faz mais nada. Você teve formação erudita?

Estudei na escola Magdalena Tagliaferro, com a professora Zuleika. Quem indicou foi o Amilson Godoy. Os filhos dele também faziam aulas com ela. Era uma ótima professora, por causa da escola francesa de piano, a parte técnica, e porque ela tinha uma visão um pouco mais aberta sobre a pedagogia. Ela entendeu qual era a minha e começou a me passar um pouco de cifras, deixava eu improvisar um pouco. Tive professoras que me repreendiam se eu começasse a tocar de ouvido e não lesse a partitura. Mas ela quebrava um pouco esses novembro 2014 / 15

retrato

protocolos. Percebeu que eu tinha facilidade A noite é uma grande escola? para decorar e começou a explorar esse lado. Sim. Mas essa escola da noite está cada Esse estudo erudito foi importante para vez menor. Antigamente também havia as bandas de baile. Ali se tocava todos os sua formação como músico popular? Com certeza. A escola erudita dá toda a estilos musicais...Ray Conniff, chá-chá-chá, ferramenta para o músico se tornar um bom mambo, bolero, italianas, pop internacional improvisador. Sem ela, o cérebro tem a ideia, - que era outro nível, Lionel Ritchie, George mas a mão não executa. Benson. Tinha música brasileira, bossa Carregar o sobrenome Bertrami é uma nova, Beatles. Em uma formatura se tocava até erudito, as valsas de Strauss. Então, era vantagem ou uma desvantagem? Meu pai tocou com todo mundo: Gal, a grande escola. E uma escola de resistência Gil, Bethania, Dominguinhos, Simone, também, por que não? Eram 5 horas de som. Toquinho, Fafá de Belém...isso abriu algumas Isso acabou. E nas que continuam - e há portas para mim. Hoje estou com a Fafá. bandas muito boas - o nível do repertório, Mas atrapalhou um pouquinho também. de forma geral, caiu muito. Há pouco tempo Ser filho de alguém que tem uma história eu estava folheando a pasta de um amigo no meio te exige mais responsabilidade. que toca em uma banda de baile e fiquei Cria-se uma expectativa muito grande. Foi triste pela qualidade do repertório. Eu não difícil trabalhar isso. aconselharia um aluno meu a passar por esse processo. É melhor tocar na noite. E esse mercado ainda existe?

Pianismo: com refinamento Beto Bertrami Trio:popular Beto Bertrami ao piano, Airton Fernandes ao contrabaixo e Lael Medina na bateria 16 / novembro 2014

Ainda sim, mas diminuiu bas tante. Mudou o jeito da noite! Antigamente você tinha aquele circuito de piano de cauda, baixo acústico, bateria, uma cantora, ou só instrumental. Tocava-se bossa nova, jazz, bolero. Isso mudou. Os hotéis de São Paulo, por exemplo, cortaram a música ao vivo. Não dá pra entender um hotel 5 estrelas cortar esse gasto tão mínimo para a estrutura. Hoje em dia há pequenas casas em que o músico pode mostrar o trabalho dele. Mas há uma diferença: as casas tinham um público cativo. Hoje não. O dono da casa dá a data para o músico e ele tem que divulgar, colocar no Facebook, fazer convite virtual, enviar e-mail. Quando ele chega na casa, quem está lá é o público dele: os amigos, os alunos, a família, os contatos. Quando olha para a casa, parece uma festa pa rticular. O músico vira anfitrião. E se el e não faz essa divulgação, não vai ningué m. teclas & afins

retrato

NA REDE

exemplo. Eles gostam. Depois, apresentar outros, e eles vão gostando. É possível fazer esse trabalho. Você já lançou três CDs, físicos. Nos dias de hoje, em que a internet domina, como vê esse mercado?

Quais as grandes ferramentas do músico hoje para seu desenvolvimento?

Hoje há acesso a material. Quando comecei, em 1984, existia o disco de vinil e o cassete. Para tirar uma música, você tinha que gravar a faixa na fita e, para parar, tinha a opção do “pause”. Então, quando algum colega comprava um disco, era uma festa. Todo mundo queria copiar. Hoje em dia o músico tem tudo na mão. Não uso mais papel, só o tablet, com todos os artistas que acompanho. Está tudo lá, em PDF. Tenho minha biblioteca dentro dele, alé de todos os songbooks e Real Books. Qualquer música que eu quiser, está lá. E para o que não está, uso o iRealB, um aplicativo que me traz a partitura e eu transponho para o tom que quero instantaneamente. E se não estiver lá também, há o Google, o CifraClub. Há aplicativos em que você pode baixar qualquer livro, até de técnica, como Hanon, Czerny, Bach, Burgmuller etc. A gente tinha que comprar. Hoje, não há mais desculpa.

Tenho uma relação diferente com CD. Não gosto de baixar músicas. Não gosto de mp3. Avanço na tecnologia até certo ponto. Para conhecer coisas novas, uso o Deezer. Mas depois, se eu gostar do que ouvi, vou atrás do CD. Gosto de ter o disquinho, de abrir, ler o encarte. Fico nervoso com essa coisa de mp3, porque não se sabe quem está tocando, quem é o arranjador, quem é a banda. Para mim, não faz sentido. Quero ler onde o álbum foi gravado, e quando. Gosto dessa informação. Então, o fato de fazer um CD meu é como escrever um livro. É a sensação de pegar o livro pronto, folhear e poder dizer: “fui eu que escrevi”. Mas tenho consciência de que isso não se traduz em retorno financeiro, tanto que, no meu site

Como fazer que as novas gerações de alunos, tão antenadas no que é atual, ampliem seu conhecimento?

É preciso apresentar para elas. Há alunos que só escutam música pop atual americana. Se você citar, George Benson, Lionel Ritchie, nunca ouviram falar. Música brasileira? Nada! Temos que elevar o nível. Para esses alunos que só gostam desse tipo de coisa, é preciso puxar um pouquinho pra cá. Mostrar um Stevie Wonder, por teclas & afins

 Missão: levar música boa às pessoas novembro 2014 / 17

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CD: paixão pelo disquinho e stimula gravação

disponibilizo as faixas para quem quiser fazer o download.

para que eles adentrem um outro universo. Quando toco em alguma casa noturna, penso a mesma coisa. Posso jogar fora aquelas 3 Como é ser professor hoje? Todo dia, quando acordo e saio para horas e tocar qualquer coisa ou posso fazer trabalhar, penso que é uma missão. música boa. Prefiro a segunda opção. Um país como o Japão, por exemplo, Quais são seus projetos? reverencia o professor. Aqui não é assim, Além da gravação de um quarto CD e de mas é superimportante poder levar música, lecionar, tenho um trabalho de pesquisa cultura e arte para as pessoas. Agradeço a sobre a história da música popular brasileira, Deus pela oportunidade de poder ensinar. E dos anos 20 até os dias de hoje, abordando não vou desperdiçar aqueles 50 minutos de o início do samba no Brasil, Noel Rosa, aula fazendo qualquer coisa. Muitas vezes, Cartola, Pixinguinha até Elis Regina, Tim negocio com o aluno: “vamos tocar a música Maia etc. Desenvolvi um projeto de palestras que você quer, mas você vai tocar uma que em escolas de música e faculdades sobre vou te sugerir”. Dessa forma, trabalhamos essa história. Adoro esse trabalho porque os dois estilos. Foi uma forma que encontrei compartilho tudo que tenho. São palestras para conciliar aquilo que o aluno conhece, de 2 a 3 horas de duração. Toco e falo sobre que também traz desenvolvimento de termos musicais e o pessoal adora. A história alguma forma, e trabalhar o que é preciso bem contada cativa pessoas. 18 / novembro 2014

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outuBRO 2014 / 31

VITRINE

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Korg VOLCA Pride Music - www.korg.com.br  Formado por um versátil trio, a série VOLCA, da Korg, traz ferramentas ideais para Electronic Dance Music. O VOLCA BASS oferece sons de baixos analógicos gerados por três osciladores e estrutura com VCF, VCA, LFO e EG, além de loop e step sequencers inspirados na série Electribe. O VOLCA BEATS é uma máquina de ritmos que oferece sons de bateria analógicos criados com referência em máquinas de ritmo clássicas e mecanismo de som PCM que expande suas possibilidades quando usado em conjunto com os sons analógicos. Para quem quer um sintetizador analógico de três vozes, o VOLCA KEYS traz 27 teclas e uma seção de filtros que utiliza o mesmo circuito do lendário miniKORG 700S, de 1974. Entre várias outras funções, também traz o recurso Voicing, que permite a qualquer pessoa criar sons facilmente, efeito de delay e loop sequencer.

Yamaha MOTIF XF WH

Yamaha Musical do Brasil - www.yamaha.com.br  Como parte das comemorações de 40 anos do lançamento de seu primeiro sintetizador, o SY-1, a Yamaha criou a série limitada 40th Anniversary MOTIF XF Music Production Synthesizer.  Os sintetizadores dessa série especial, além de virem na cor branca, estarão equipados com o novo Reverb de alta resolução, utilizado no CP4 Stage e no Tyros5, e a geração sonora do MOTIFXS, que torna possível uma estrutura de oito elementos por som. 20 / novembro 2014

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VITRINE

Korg Pa3X Le Pride Music - www.korg.com.br 

O teclado semipesado de 76 notas do arranjador Pa3X Le, da Korg, apresenta sensibilidade a Velocity e Aftertouch. O equipamento possui ampla coleção de sons internos e proporciona 192MB de espaço para os samples do usuário ou sons adicionais disponíveis, com função de importação do formato SoundFont. Com mais de 410 estilos internos - e espaço para 1200 - o Pa3X Le inclui um Vocal Harmonizer da TC Helicon, dois players de MIDI e MP3 com capacidade de gravação, X-Fader e Vocal Remover e um Sequencer com Dual Crossfade, além da saída de vídeo para monitor externo. Três switches programáveis e joystick de quatro posições asseguram controle total dos timbres durante a performance. Gabinete em alumínio e painéis laterais em madeira fazem companhia a uma a mpla tela TouchView TFT de 7”.

YAMAHA DBR Yamaha Musical do Brasil - www.yamaha.com.br  A Yamaha acaba de lançar as caixas acústicas amplificadas da linha DBR. Os modelos, de 10”, 12” e 15”, possuem amplificador, DSP e tecnologia iguais às tradicionais linhas DXR e DSR. A linha foi desenvolvida para ser durável e leve, otimizada para uso como PA, monitor de palco e instalações fixas.

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novembro 2014 / 21

VITRINE

Interlude  Jamie Cullum Universal Music

Em seu novo álbum, Interlude , o músico, compositor e apresentador Jammie Cullum oferece 12 versões de clássicos do jazz com a participação de ar tistas do calibre de Laura Mvula e Gregory Porter. Com a primeira, o músico traz “Good Morning Heartache”, e com Porter, apresenta uma versão de “Don’t Let Me Be Misunderstood”, canção escrita originalmente para Nina Simone, mas que fez sucesso na década de 1970 com o grupo Santa Esmeralda. Outros bons momentos do álbum são as faixas “Dont You Know” e “Walkin’”, além da faixa-título. Gravado todo em analógico, com os músicos ao vivo no estúdio, Interlude traz o melhor do jazz de Cullum, sem as “concessões” pop tão criticadas pelos amantes do gênero. (NC)

Os Mutantes - Box  Os Mutantes Universal Music

A recém-lançada caixa Os Mutantes, com os discos que o grupo fez entre 1968 e 1972, comprova o atrevimento e a criatividade do grupo que abalou a música brasileira em sua atitude tropicalista e, ao mesmo tempo, universalista. Trazendo os discos produzidos pelo trio Arnaldo Baptista, Rita Lee e Sergio Dias, a caixa é item obrigatório para todos os interessados na história da música popular brasileira e em seus desenvolvimentos. Desde Os Mutantes , disco que abre a coleção e conta com arranjos de Rogério Duprat, até Os Mutantes no País do Baurets , é possível verificar a transformação na identidade sonora da banda e sua aproximação com o rock progressivo. Para contextualizar o papel dos mutantes, o encarte oferece textos e comentários do pesquisador e  jornalista Rodrigo Faour. Obrigatório!. (NC)

22 / novembro 2014

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VITRINE

 JAZZ PIANO - THE LEFT HAND Riccardo Scivales Alfred Music Preço sugerido: R$ 99,99

O livro  Jazz Piano – The Left Hand   oferece ao estudante e ao profissional diversas técnicas para a execução de desenhos na mão esquerda. Abordando uma série de eras, a publicação lista e analisa os mais utilizados padrões de mão esquerda encontrados em estilos como o jazz, o blues e o chamado latin. Cada técnica proposta é apresentada em sua forma original, explicada e, depois, aplicada em diversas situações musicais, incluindo standards, progressões harmônicas e temas selecionados. São mais de 250 páginas com análises e trechos musicais comentados, de Jelly Roll Morton a Fats Waller, de Chick Corea a Michel Camilo. Além disso, o autor agrega linhas melódicas de mão direita (temas, parafrases, linhas improvisadas e figuras de acordes) para ilustrar melhor o resultado. (NC)

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novembro 2014 / 23

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Por Alexandre Porto

KAWAI KDP90 Destinado ao usuário doméstico, aos estudantes e às escolas de música, o novo novo modelo de piano digital compacto da Kawai Kawai oferece diversos recursos de fácil acesso Conhecida mundialmente pela excelência na fabricação de pianos acústicos e - durante a década de 1980 - de samplers, a Kawai K awai também possui uma robusta linha de modelos digitais, que abrange desde instrumentos para estudo a avançados pianos de uso profissional, para o palco. Ao visitar a sede da Pianofatura Paulista, distribuidora oficial da marca no País, para o teste a ser realizado no modelo KDP90, encontramos um piano digital produzido e comercializado tendo como foco os usuários domésticos, os estudantes e as escolas de música. O instrumento possui dimensões compactas e linhas delicadas, apesar da aparência robusta, com bonito acabamento que simula jacarandá. Por suas dimensões, é uma excelente opção para aqueles que não dispõem de muito espaço. Teclado e timbres O sistema Harmonic Imaging 88 Key Sampling, Sampling , que conta com 192 notas de polifonia, entrega timbres honestos, que após uma 24 / NOVEMBRo 2014

fácil configuração nas opções de Reverb, Reverb, Touch e Pedal Noise  Noise  - mesmo para aqueles menos habituados a esse tipo de ajuste - possibilita a personalização do tipo de timbre desejado, principalmente nos pianos acústicos e elétricos. São 15 instrumentos no total - entre pianos, pianos elétricos, elétricos, órgãos, cordas e pads - que podem ser utilizados nas funções Single ou Duo, Duo, que combina dois timbres com controles independentes dos respectivos volumes. Como em todos os pianos digitais, a pequena quantidade de timbres é compensada pela qualidade dos mesmos, principalmente em se tratando de pianos digitais, cordas e órgãos, como é o caso do KDP90. O mecanismo  Advanced Hammer Action IV-F  oferece toque muito sutil, com possibilidade de regulagem, e um teclado equilibrado em relação ao peso, que não desaponta profissionais ao mesmo passo em que evita o cansaço de crianças e iniciantes. Um grande diferencial em relação aos modelos desse segmento são os três pedais: teclas & afins

REVIEW

teclas & afins

NOVEMBRO 2014 / 25

REVIEW

sustain, sustain, Sostenuto e Soft , que produzem efeitos diferenciados também em alguns timbres além do piano. O pedal Soft , por exemplo, quando acionado no timbre  Jazz Organ controla a velocidade do Rotary Speaker. Speaker.

Entre as funções disponíveis no KDP90 estão o Damper Resonance - que permite o ajuste do resultado do acionamento dos pedais e seus respectivos efeitos realísticos - e o Touch  Touch  - que ajusta a sensibilidade ao toque entre suave, normal e pesado. Em conjunto com os efeitos de Reverb,  Reverb,  com três tipos de ambientação, o Transpose e o Tuning permitem Tuning permitem personalização do timbre. O ajuste da função Damper Resonance realmente altera a “cor” do timbre e, aliado ao ajuste do Reverb, imprime maior realismo ao som do piano.

Manuseio O manuseio do KDP90 é muito simples, mesmo não oferecendo visor de LCD. Para alterar timbres ou acessar as funções do instrumento a fim de modificá-las, basta apertar o botão Sound Select   e uma tecla específica do teclado. O processo, à primeira p rimeira vista, pode parecer difícil, mas com a ajuda do manual e 15 minutos de reconhecimento, Funções extra o acesso a todas as funções se torna intuitiva As funções de: metrônomo, gravação/ e automática. reprodução, e Lesson  Lesson  são facilmente

 Sobrie  Sob riedade dade : linha l inha s eleg e legante antess no n o layou l ayoutt do d o KDP9 K DP900 26 / NOVEMBRo 2014

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REVIEW

KAWAI KDP90 Preço sugerido: R$ 5.150,00 Importador: Pianofatura Paulista (www.piano.com.br ) Informações técnicas Alto-falantes: 12 cm x 2 Potência: 20 Watt x 2 Dimensões 136 x 40.3 x 85.1 cm Peso: 38kg

PRÓS •

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Facilidade de uso Peso das teclas Móvel com 3 pedais e caixas acústicas embutidas Lições para iniciantes Four Hands Mode

CONTRAS •

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acessadas diretamente na lateral esquerda do instrumento. E são práticas e totalmente intuitivas. A Lesson Funcion traz lições básicas e músicas para iniciantes, que podem ser praticadas uma mão de cada vez tendo a outra parte como auto acompanhamento. Acessando o Four Hands Mode,  divide-se o teclado em duas seções, com o pedal da direita e o da esquerda atuando independentemente para cada uma. Do mesmo modo, é possível ajustar também a oitava e a afinação de cada seção, permitindo que duas pessoas toquem a mesma coisa em regiões diferentes, a quatro mãos, o que é ótimo para professores de piano. O conjunto de entradas e saídas oferece MIDI IN e MIDI OUT, que permitem a conexão do equipamento a outros, com possibilidades de controle e ajuste como MIDI Program Change, Local Control , Midi Chanel e Multitimbral Mode. teclas & afins

Faltam timbres de baixos acústicos e elétricos Não possui display LCD

Conclusão Com facilidade de acesso aos ajustes e poucas funções secundárias simples, aliadas a músicas e lições ( Alfred Piano Lessons) e função Four Hands, o KDP90 é ideal para o mercado doméstico, escolas de mússica e crianças de tenra idade.

Painel de seleção de timbres e ajustes: simplicidade NOVEMBRO 2014 / 27

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Chick Corea: cheio de surpresas

28 / novembro 2014

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alex saba

Vigília pela criatividade

Depois de mais de seis décadas de música, Chick Corea apresenta seu novo  projeto, The Vigil , com olhos no futuro e reinventando-se sem perder o estilo Conheci Chick Corea em 1972. Estava ouvindo som com um amigo que, de repente, resolveu me mostrar algo que tinha certeza de que eu gostaria. A época era o auge do rock progressivo e eu estava totalmente imerso nisso, mas meu pai gostava de jazz e eu tinha que ouvir também. Não gostava. Era exótico. Ele adorava Dixieland e eu achava um tanto datado. Mas esse amigo, ao tirar o álbum Where Have I Known You Before de uma banda chamada Return To Forever, capitaneada pelo tal Chick, conseguiu chamar minha atenção. Foi amor à primeira vista. O som era elétrico, mas com um nobre piano acústico e muito diferente do primeiro disco da banda com Airto Moreira (bateria e percussão), Flora Purin (vocais), Joe Farrel (sax e flauta) e Stanley Clarke (baixo acústico). Este último sempre foi parceiro teclas & afins

de Chick no grupo e Airto fora substituído depois de dois álbuns por Lenny White na bateria. Mas era o primeiro disco com um novo guitarrista, Al Di Meola, e o som era uma mistura de jazz e rock que me fez rever meus conceitos. O primeiro álbum da Return To Forever era acústico, mais lírico e, na época, não me emocionou. Esse era diferente. Os músicos de jazz estavam incorporando o rock nas suas músicas. Depois descobri que o responsável foi o trompetista Miles Davis. Passei a ouvir mais desse jazz rock e fiz o caminho inverso, buscando as origens, as fontes, o jazz, até chegar no Dixieland. Hoje, 32 anos depois, estou sentado na plateia do Vivo Rio aguardando Chick Corea e sua nova banda elétrica: The Vigil. A expectativa é grande porque Chick Corea é um músico que tem sempre algumas surpresas. novemBRO 2014 / 29

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O bom e velho Chick 

Desde quando iniciou sua carreira-solo, em 1966, Chick Corea está na vanguarda do  jazz, como pianista de renome a apresentar novos caminhos com suas bandas de jazz acústico e como tecladista inovador de grupos mais eletrônicos, como o Return to Forever e a Elektric Band. Proveniente de uma família musical - Armando Corea, seu pai, era trompetista em uma banda de Dixieland - Armando Anthony Corea começou a tocar piano aos quatro anos e sua formação esteve ligada à audição tanto dos mestres do jazz como da música clássica. A carreira teve início nas bandas de Mongo Santamaria, Willie Bobo e Blue Mitchell. Gravou seu primeiro disco como líder em 1966 (Tones For Joan’s Bones ), mas a primeira grande repercussão de seu trabalho veio com Now He Sings, Now He Sobs , de 1968. Até 1970, tocou com Miles Davis, na fase de transição do gênio do trompete para o

 jazz-rock, participando dos discos Filles de Kilimanjaro , In a Silent Way  e Bitches Brew . Ao deixar Miles, Corea tocou por um breve período com o grupo de vanguarda Circle - formado por Anthony Braxton, Dave Holland e Barry Altschul - e, em seguida, formou um dos conjuntos mais influentes do estilo fusion: o Return to Forever, que teve diversas formações entre 1971 e 1977, sempre com Stanley Clarke ao contrabaixo. Diversos outros projetos mantiveram Corea entre os grandes do jazz, como os duos com o pianista Herbie Hancock (1978) e com o vibrafonista Gary Burton (1979), um quarteto acústico de jazz post-bop ( Three Quartets , de 1981, com Michael Brecker, Eddie Gomez e Steve Gadd), gravações com conjuntos grandes ( The Leprechaun , de 1975, My Spanish Heart , de 1976, e The Mad Hatter , de 1978), além de uma turnê reagrupando o Return to Forever em 1983. Em 1985, o pianista formou um novo grupo

The Vigil: Carlitos Del Puerto, Charles Altura, Luisito Quintero, Chick Corea, Marcus Gilmore e Tim Garland 30 / novembro 2014

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Diversidade: projeto eletroacústico, disco-solo e trio

de fusion, a Elektric Band, e, pouco depois, sua antítese, a Akoustic Band. Em ambas as formações, o contrabaixista era o jovem e brilhante John Patitucci. Seguiram-se trabalhos como os álbuns Play , com Bobby McFerrin, Expressions , Paint the World (com a nova Elektric Band) e Time Warp. Uma nova colaboração com o vibrafonista Gary Burton foi registrada no disco Native Sense. Com o conjunto Origin, mais um projeto acútico, Corea gravou Live at The Blue Note,  A Week at The Blue Note e Change . Seu “Piano Concerto”, registrado no álbum Corea Concerto , de 1999, foi escrito para orquestra sinfônica e trio de jazz. Os álbuns seguintes, Solo Piano e Past, Pre-sent & Futures, são considerados quase revolucionários. Seguiram-se trabalhos com Bella Fleck, Bob McFerrin e Nicolas Economou, além de Rendezvous In New York , To the Stars (outra reunião da Elektric Band, em 2003) e The Ultimate Adventure   (2005) com conceitos filosóficos baseados na cientologia. O álbum duplo Forever   (de 2009) registra o encontro de Corea, Stanley Clarke e Lenny White. Em 2011, Corea lança The Continents: Concerto For Jazz Quintet & Chamber Orchestra , e, no ano seguinte, The Mothership Returns, com Stanley Clarke, Lenny White, Frank Gambale e Jean-Luc Ponty, embrião do que seria seu próximo projeto, o The Vigil . teclas & afins

O show

Os músicos entram no palco e a plateia aplaude. Quando termina de aplaudir, imaginando um aquecimento para a entrada de Corea, ele aparece e pede mais palmas: está totalmente à vontade. Reclama que não consegue nos ver e as luzes da platéia são parcialmente acesas  Acom panhador, arranja dor, sideman, maes tro: e assim ficam até o trajetória final do show. Ele de sucesso com Zizi Possi  apresenta a banda: Charles Altura (guitarra e violão), que tocou com Stanley Clarke; Marcus Gilmore (bateria), neto do baterista Roy Haynes, que tocou com Corea anos atrás; Tim Garland (sax soprano, sax tenor, bass clarinet e flauta), que tocou com ele em trabalhos mais orquestrais; Carlitos del Puerto (baixo acústico e elétrico), cubano que substitui o francês Hadrien Feraud que gravou The Vigil ; e o venezuelano Luizito Quintero (percussão). Corea comentou ao ver as mesas, que o local era uma espécie de Clube e pediu que ficássemos mais à vontade. “Make some noise for us!” (façam algum barulho pra nós) e colocou os dedos na boca como se fosse assobiar. A platéia respondeu com gritos, aplausos e assobios. Pronto: já éramos dele. Sentouse ao piano e começou “Fingerprints”, uma composição sua baseada em “Footprints” do saxofonista Wayne Shorter. O pianista podia nos ter em suas mãos, mas parte novemBRO 2014 / 31

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The Vigil:  projeto eletroacústico 32 / novembro 2014

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da plateia ficou desconfortável, porque as brincadeiras acabaram e a música, boa e séria, começou. O público era heterogêneo e por isso parte dele pareceu incomodado, mas por pouco tempo. O que o pianista fez, e até o que deixou de fazer, cativou todo mundo. O tema alternava de 6/8 pra 3/4 de maneira suave. A cozinha do grupo totalmente integrada seguia as indicações que Corea passava com o olhar, mas o que realmente chamou a atenção foi o que ele não tocou, as várias vezes em que ele evitou um acorde a mais ou mesmo uma simples nota além do necessário. Algo de Thelonius Monk, um pianista fantástico pelas notas que achávamos que ele tocava, mas que, na verdade, só sugeria. Depois veio “Royalty”, dedicada ao baterista Roy Haynes, que começou gentilmente também ao piano acústico e foi logo seguida pela banda. Improvisos alternados entre os quatro músicos. E o som da casa devidamente regulado e pronto pra que ouvíssemos todos os detalhes. Corea explicava cada música e disse que a próxima preparada especialmente para o Brasil. Disse que o compositor e ele tinham algo em comum, o nome. Ele também se chama Antonio, como o homenageado: Antonio Carlos Jobim. Dito isso, inicia, novamente ao piano, “Desafinado”, de Tom Jobim. Uma introdução fez que o afinadíssimo piano parecesse mesmo desafinado, até que guitarra e sax apresentaram o tema só anunciado por ele e a plateia rompesse em aplausos ao entender o que ele quis dizer com aquela estranha pronúncia do nome da música na apresentação. Como todas as outras, que tinham início com o pianista sozinho ou acompanhado de baixo e bateria, a seguinte seguiu a regra. “Zyryab” do espanhol Paco de Lucia e gravada pelos dois, foi uma teclas & afins

NA REDE

homenagem ao violonista. Charles Altura trocou a guitarra pelo violão e todos embarcamos em uma viagem embalada pelos sons da Espanha. “Portals to Forever” começa com um solo de percussão de Luizito Quintero e com Carlitos Del Puerto trocando o baixo acústico pelo elétrico. Corea pontua o solo com pequenas e oportunas interferências ao piano. Ao final

Chick Corea e Gary Burton: encontro cheio de musicalidade novemBRO 2014 / 33

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do solo do percussionista, ele está pela primeira vez tocando o Yamaha Motif XF8. Um som de cordas bem climático prepara a entrada de Marcus Gilmore, que mostra todo seu talento e demonstra ser digno da herança do avô. Quando os outros músicos retornam, há um momento em que se pode ouvir algo como Weather Report - banda dos anos 70 de jazz rock capitaneada por Joe Zawinul (teclados) e Wayne Shorter (sax) – com Chick nos teclados, mistura bem interessante e - mesmo que não tivesse sido - uma justa homenagem ao saudoso Zawinul. Foi então que o tecladista, já em pé, colocou a mão no Moog Voyager, sucessor do Minimoog, sintetizador característico de muitos tecladistas de rock e jazz rock como o próprio Corea - que estava sobre o Motif. Voltamos ao jazz rock eletrificado dos anos 70... ou quase.

Seria o fim de mais uma viagem musical, não fosse a plateia pedir pelo tradicional retorno da banda, que o fez sem muito suspense. O pianista sentou-se ao Mo tif e, aos poucos, foi revelando o “Concerto de Aranjuez”, uma improvisação típica dele em que revela trechos da melodia princ ipal sem entregar totalmente a surpresa. Com Tim Garland na flauta, tocaram a par te mais conhecida do Concerto para e ncadear com a famosa “Spain”, de Corea, com direito a palmas da plateia acompanhando o refrão e com a participação vocal, incentivada por Chick durante alguns trechos. E esse desenvolvimento é surpreendente: se inicia com um improviso, que é transformado pelo pianista na introdução de uma música que ser ve de ponte a outra. Simplesmente perfeito. A entrevista

Entre shows e ensaios da turnê pelo Brasil, Chick Corea respondeu à reportagem de Teclas & Afins  com exclusividade, falando sobre o novo trabalho e suas convicções artísticas. Há uma nova safra de músicos que parecem ter rapidamente incorporado todo o passado e reinventado o jazz, como Hiromi Uehara, Brad Mehldau e outros. Chegamos, no jazz, ao ponto em que chegou a música erudita que, após o dodecafonismo e o serialismo voltou-se para o passado?

A música é uma corrente cultural de ar tistas criando e compartilhando o que encontram com a próxima geração. O futuro da música está certamente nas boas mãos dos jovens artistas que estão criando tão lindamente. A qual vigília o título se refere? Seria algo como manter-se em defesa da “boa música” ou estar atento às mudanças? The Vigil   é a “vigilância” na qualidade da “A arte é o que mantém a sociedade saudável e feliz!”  34 / novembro 2014

comunicação artística. É apenas uma ideia teclas & afins

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Trilogy : trio tradicional com Christian McBride e Brian Blade

poética: manter o foco sobre os Conceitos há uma coisa que é permanentemente Básicos da Criatividade e do Mundo da constante, e que para mim é a coisa mais Imaginação. importante a se preservar e manter: a A atual música pop perdeu algo em termos preciosa linha de comunicação entre o artista e o que ele cria e o público, seja ele de “inteligência”? Todos têm direito a suas opiniões sobre qual for. arte. Em uma cultura em transformação The Vigil é extremamente cheio de como a nossa, sempre há coisas que são energia, mesmo nos momentos mais ganhas e coisas que são perdidas. introspectivos. A presença de músicos A presença de jovens músicos no álbum e no show refere-se a um desejo de perpetuar o “estilo Chick Corea” ou “o estilo de Return to Forever “?

mais jovens, em início de carreira, ajuda a manter essa energia?

Nós criamos a energia juntos como um grupo. A idade é menos impor tante do que Minha intenção nunca foi a de “perpetuar” o ânimo e a personalidade do grupo. Há algum estilo (rs). A individualidade dos grandes músicos ali, com quem eu aprendo artistas e o público que recebe a música são muito e que mantêm viva a cultura musical. os únicos que irão criar o futuro. Mantemos Em The Vigil , instrumentos eletrônicos e o conceito do Return to Forever, mas a ideia sintetizadores voltam a fazer parte de seu por trás de The Vigil   é a transformação da som. Isso tem a ver com a eterna busca cultura. Todo tipo de transformação está por novas sonoridades? ocorrendo, da tecnologia aplicada à música, Teclados elétricos, bem como meu piano, por exemplo, a maneira como a música têm feito parte da minha paleta musical é comercializada, o público, as culturas, desde 1970. Isso continua agora com m inha a política...O mundo está mudando. Mas nova banda. É claro que é uma experiência teclas & afins

novemBRO 2014 / 35

materia de capa

constante e ousada. Em termos de teclados, chegamos a um ponto de equilíbrio entre sonoridades acústicas e eletrônicas?

ou “aquilo”. Se o músico pode se comunicar com pura alegria, amor e intensidade, as pessoas vão prestar atenção. Em todos esses anos de carreira, qual instrumento musical mais o impressionou?

Todos os teclados são simplesmente “cores” para “pintar” a música com eles. Instrumentos musicais não me impressionam Mas o piano permanece meu meio básico tanto quanto os artistas que os executaram. de expressão musical. Mas até onde um piano pode ir, o novo Além de você, quais outros músicos estão Yamaha CFX Concert Grand é meu piano influenciando jovens pianistas e tecladistas? favorito de todos os tempos! Não sei! Você teria que perguntar aos O que você vê como futuro da música em  jovens pianistas (rs) . Há tantos grandes termos de tendências? músicos e eu tive o priv ilégio de tocar com A proposta, minha e do meu trabalho, é: alguns deles: Herbie Hancock, Gonzalo maior criatividade e personalidade. Qualquer Rubalcaba, Marcus Roberts. tecnologia colocada a serviço do bom uso Em que os jovens músicos que querem musical - aquele com maior diversidade se diferenciar no mundo do jazz devem criativa e menos robotismo – proporciona mais apoio de comunidades e governos prestar atenção? Cada um tem algo especial e único a municipais, estaduais e federais para a arte, oferecer. A individualidade é o que mantém incentivando maior participação, com a as pessoas interessadas neles. Não é algo percepção de que a arte é o que mantém a que você pode apontar e dizer que “isso” sociedade saudável e feliz!

36 / novembro 2014

teclas & afins

A MÚSICA PODE MUDAR COM OS ANOS, MAS A PERFORMANCE PERMANECE. • Corpo em madeira em 3 opções de cores • Duzentos programas internos baseados em modelagem analógica • Teclado de 37 teclas, leve e com ótima tocabilidade • Dois controles ribbon • Conector MicAudio que também pode ser usado para função de vocoder • Funciona com seis pilhas AA • Conector MIDI OUT • Software PC Editor para edição detalhada dos programas

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SINTESE

POR ELOY FRITSCH

Combinações sonoras Os sintetizadores polifônicos possibilitam combinar timbres em layer e splits conforme a necessidade do tecladista

Quando o tecladista seleciona dois ou mais sons, para serem executados simultaneamente, está construindo um “layer”. Utilizando esse método, é possível criar, por exemplo, um timbre composto por piano e cordas ou então sopros e vozes. Sons compostos por camadas são muito úteis na performance de um tecladista. Um sintetizador pode ser programado, por exemplo, para reproduzir um conjunto de três timbres (cordas, metais e tímpanos), em layer, quando o tecladista tocar forte, e um único (oboé), quando executar suavemente. Cada um deles pode ser editado antes de fazer parte da camada sonora, possibilitando que sejam executados em uníssono, mas com diferentes regulagens. É possível, portanto, transpor o patch de cordas para que soe uma oitava acima quando for combinado com o piano. Ou então, pode-se programar um layer para reproduzir os timbres em uníssono, com diferentes regulagens de volume controladas pela intensidade do toque. Camadas sonoras também podem ser utilizadas para construção de instrumentos solo. Nesse caso, existe a possibilidade de combinar dois timbres monofônicos com diferença de um intervalo entre eles (um som de moog bass, por exemplo, combinado a um som de synth lead afinado uma quinta justa acima). Após programar esse tipo de layer, o músico poderá realizar um solo, em que cada nota tocada corresponda ao intervalo de quinta entre dois sons combinados. 38 / NOVEMbro 2014

Korg Kronos: tela com a programação de uma Combination

Camadas sonoras em sintetizadores

O limite para a criação das camadas depende de dois fatores: a polifonia e a multitimbralidade. A primeira corresponde ao número máximo de vozes simultâneas que podem soar quando o sintetizador é tocado. Equipamentos antigos como o Minimoog e o Korg MS-20 eram monofônicos e, portanto, possuíam apenas uma voz de polifonia. Posteriormente, foram criados instrumentos com 4, 6, 8, 16, 32 e 64 vozes, até chegar à polifonia total do teclado. Na década de 1980, começaram a ser comercializados os primeiros modelos multitimbrais, que ofereciam até dois sons simultâneos. Com o surgimento das music workstations, sintetizadores e seqüenciadores foram incorporados a um único instrumento, com maior capacidade de memória e processamento. Assim a teclas & afins

sintese

multitimbralidade passou para oito e depois para dezesseis. Antes de existirem equipamentos multitimbrais, o tecladista precisava ligar dois sintetizadores diferentes por meio de cabos, que emitiam controles de voltagem para disparar ADSRs e gerenciar os osciladores. Com o surgimento do protocolo MIDI, em 1983, os teclados começaram a ser interconectados, formando redes de instrumentos eletrônicos. Assim, o músico regulava cada sintetizador com um som diferente e utilizava um teclado mestre para comandar os demais e obter as camadas sonoras desejadas. Atualmente, um sintetizador multitimbral com polifonia de 128 vozes pode substituir um conjunto de vários instrumentos eletrônicos conectados entre si e controlados por um teclado MIDI mestre. Um sintetizador, com multitimbralidade de 16 partes, pode simular o som de até 16 monotimbrais. E alguns sintetizadores, as camadas sonoras são criadas no modo Perform. Este modo permite que até 16 patches sejam selecionados para compor o layer. Já em outros, como os Korg, utiliza-se o modo Combi para agrupar 16 Programs. A técnica de “split” pode ser utilizada para dividir camadas sonoras em diferentes regiões do teclado. Para criar um split é preciso especificar em qual região cada timbre irá soar.

misturar dois sons distintos, cada um deles consome uma voz de polifonia por tecla pressionada. Também é possível raciocinar em termos de acordes. Se o músico executa um acorde pressionando quatro teclas e o layer estiver programado com quatro sons, estarão sendo utilizadas 16 vozes de polifonia. Os sintetizadores sample playback multitimbrais polifônicos possibilitam que o tecladista realize a simulação de uma orquestra, envolvendo vários sons de instrumentos combinados. Se a polifonia não for suficiente para executar todas as vozes necessárias para um determinado clímax da orquestração, algumas delas não irão soar. Quando a polifonia de um sintetizador é ultrapassada, o instrumento obedece às regras programadas pelo fabricante para determinar quais notas permanecerão e quais serão desligadas. Existem três possibilidades: a) prioridade para a última nota tocada, b) prioridade para a nota mais aguda e c) prioridade para a nota mais grave. Apesar do fato de os acordes serem ouvidos como notas simultâneas, no sistema MIDI cada uma das notas é separada por uma fração de tempo. Logo, o sintetizador tem como determinar qual a ordem em que foram tocadas. Mesmo que o músico consiga

Polifonia x quantidade de sons

Quanto mais sons forem agrupados para constituírem um layer, menor será a polifonia. Logo, se um sintetizador possuir capacidade de reprodução de 64 vozes e for programado para executar dois sons em layer, a polifonia diminui para 32. Isso ocorre porque cada som é gerado por um determinado número de osciladores, que vão sendo “ocupados” a cada novo timbre escolhido. Isso significa que, ao teclas & afins

 Jupiter 6: sintetizadores como este, de 1983, precisavam ser ligados a outros via  MIDI para que o músico pudesse tocar dois ou mais timbres simultaneamente NOVEMbro 2014 / 39

SINTESE

as mensagens enviadas pelo sequenciador. Utilizando esse esquema, o tecladista poderá ter, a seu alcance, uma “orquestra virtual”. Camadas sonoras ritmicamente complexas podem ser criadas por meio de arpejadores polifônicos, presentes em sintetizadores atuais. Um exemplo disso são os modelos da linha Korg que oferecem o recurso do sistema Karma. Ao programar dois ou mais arpejadores, o músico pode criar as mais variadas construções rítmicas, caracterizadas por acúmulo de material musical. Ao disparar vários arpejadores simultaneamente, o Korg Oasys: tela para edição das funções do sistema Karma na superfície de controle. músico deverá ter o cuidado de selecionar executá-las simultaneamente, o equipamento sons com característica percussiva. Caso irá reconhecer, sempre, uma antes do que a contrário, sua experimentação poderá resultar uma massa sonora indefinida, outra, para poder aplicar a regra. principalmente em andamento acelerado. Combinação de sons em sequenciadores e arpejadores

É possível trabalhar com camadas sonoras em um sequenciador. O tecladista pode selecionar todos os 16 instrumentos desejados para uma combinação em um Perform ou uma Combi. Em seguida, executará o trecho musical com o som escolhido para o primeiro patch (preset), gravando na primeira trilha MIDI do sequenciador. Depois, pode escolher outro patch (com outro instrumento) e gravar em outra, ouvindo a reprodução da primeira. Esse método de gravação é chamado “overdub” e pode ser repetido até que o músico tenha completado a orquestração da música. As camadas sonoras serão ouvidas quando o sequenciador for disparado para executar simultaneamente todas as trilhas gravadas. Para orquestrações, em que seja necessário utilizar várias camadas sonoras, o sequenciador deve ser conectado pelo sistema MIDI a diversos módulos sintetizadores. Esses serão acionados e tocarão a música de acordo com 40 / NOVEMbro 2014

Combinação de sons no computador

Programas de computador para a música evoluíram a ponto de disponibilizar recursos semelhantes aos teclados para a criação de layers e splits. O Propellerhead Reason disponibiliza um rack de instrumentos e processadores virtuais que pode ser usado ao vivo com toda a programação feita

Combinator: recurso do software Reason para agrupar diferentes instrumentos virtuais e processadores com a possibilidade de criar layers e splits teclas & afins

sintese

Detalhe do Combinator: programação de dois sintetizadores virtuais Subtractor em camada

previamente pelo músico. O recurso usado para essa necessidade é o Combinator, que pode ser programado para criar layer e splits usando um sistema muito semelhante aos teclados Music Workstation. No Combinator, é possível agrupar vários instrumentos como sampler NN-XT, sintetizador Malström e loops no Dr. Octo Rex e determinar as regiões que irão soar quando o teclado controlador MIDI for tocado. Além disso, possibilita também disparar os sons de acordo com a sensibilidade ao toque. Por exemplo, se o músico tocar suavemente irá disparar um som de cordas, mas, se tocar forte, irá disparar um som de metais. Tudo isso é feito de maneira interativa com o mouse, mais simples do que o processo realizado em teclados antigos dotados de telas pequenas. A construção de camadas sonoras em estúdio, por meio do registro de sons por gravadores, é um dos recursos mais utilizados em produções musicais. O tecladista pode gravar cada som sintetizado individualmente, um em cada pista e, depois, executar todos simultaneamente. As combinações entre os timbres devem ser planejadas e depois

mixadas, para que produzam o resultado esperado. Com o auxílio da tecnologia digital, o computador tornou-se o estúdio preferido dos sintetistas, principalmente por apresentar vantagens quanto aos recursos de edição do áudio digital. Programas como Pro Tools, Nuendo, Sonar e Logic Audio permitem que o músico realize qualquer combinação entre as camadas sonoras prégravadas. O sistema possibilita, também, que as camadas construídas possam ser modificadas, dando origem a outras, de diferentes características. Podem também ser transformadas, pelo emprego de uma série de plug-ins de efeitos. Sintetizadores virtuais e samplers também são integrados a esses sistemas de gravação, disponibilizando recursos para a criação de camadas sonoras. A praticidade alcançada por essa tecnologia está impulsionando músicos a pesquisarem novas sonoridades e criarem seus próprios timbres, por meio de técnicas de síntese e processamento de áudio digital.

Eloy F. Fritsch Tecladista do grupo de rock progressivo Apocalypse, compositor e professor de música do Instituto de Artes da UFRGS onde coordena o Centro de Música Eletrônica. Lançou 10 álbuns de música instrumental tocando  sintetizadores, realizou trilhas sonoras para cinema, teatro e televisão. teclas & afins

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mestres

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cristiano ribeiro

O pai da

Disco Music Giorgio Moroder é considerado o maior responsável pelo uso massivo de sintetizadores na Disco Music e seu trabalho ainda é modelo para o uso desses instrumentos nos mais variados estilos musicais dançantes teclas & afins

NOVEMbro 2014 / 43

mestres

Não se pode falar de Disco Music sem citar Giorgio Moroder. Durante a carreira que começou no final dos anos 60, o italiano produziu trabalhos de alguns dos mais respeitados e bem sucedidos artistas da música pop, como Donna Summer, Barbra Streisand, David Bowie, Chaka Khan, Freddie Mercury, Elton John, Blondie, e Janet Jackson, entre muitos outros. Apesar de ser mais conhecido como um dos pioneiros da música eletrônica e como figura fundamental para o desenvolvimento da Disco Music dos anos 70, Moroder também se dedicou à trilha sonora de cinema, conquistando quatro Globos de Ouro e três Oscars - para a Melhor Trilha Sonora Original para Midnight Express (1979), Melhor Canção Original (1984) para Flashdance com “Flashdance ... What A Feeling” e melhor Canção Original para “Take My Breath Away”, do filme Top Gun. Trajetória Natural de Ortisei, no norte da Itália,

Moroder iniciou a carreira como guitarrista, excursionando pela Europa com bandas cover. Em 1967, fixou residência em Berlim para se concentrar em composição e gravações demo. Fundou o estúdio Musicland Studios, onde posteriormente gravaram vários artistas de peso como Electric Light Orchestra , Led Zeppelin, Rolling Stones, Queen e Elton John. Suas primeiras gravações foram com Michael Holm e Ricky Shayne e seu single de estreia foi “Looky, Looky”, de 1969. Naquela época, Moroder formava uma equipe de produção com Pete Bellotte. Creditado como Giorgio, o primeiro álbum-solo, Son Of My Father, foi lançado em 1972, embalado pela cançãotítulo que se tornou um enorme sucesso na América e deu a Moroder sua primeira pitada de fama internacional. Durante o período seguinte, a dupla compunha constantemente, muitas vezes gravando demos para os artistas na esperança de vender uma música. Para uma dessas sessões, contrataram uma garota

Giorgio Moroder: pioneiro na produção pop com sintetizadores 44 / NOVEMbro 2014

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“Giorgio By Moroder’

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americana para cantar em uma demo que estavam produzindo para o grupo Three Dog Night. A canção não vendeu, mas o vínculo com a cantora iria mudar a história da música para sempre. Donna Summer Se não se pode falar de Disco Music sem citar Giorgio Moroder, muito menos conhecer o produtor sem olhar para Donna Summer. Ele e Bellote passaram a utilizar Donna para sessões de trabalho assim como gravá-la como artista. Percebendo em sua voz e na aparência impactante elementos mais que promissores, produziram dois singles: “The Hostage” e “Lady Of The Night”. O sucesso levou ao álbum Lady Of The Night, de teclas & afins

1974,inicialmente divulgado na Europa, que se tornou um grande sucesso e somente depois foi distribuído pela Casablanca Records (de propriedade do próprio Giorgio) nos Estados Unidos. Em 1975, o trio lançou Love to Love You Baby. Outro grande sucesso, que trazia a faixa-título de mesmo nome com duração de mais de 16 minutos, ocupando todo o lado A do LP. Posteriormente, fizeram edições da canção com 7 minutos de duração. A faixa pulsante era marcada pelos suspiros e gemidos sensuais de Donna. Controversa, tornouse hit mundial. “Love to Love You Baby” foi uma gravação inovadora, tecnologicamente à frente de seu tempo, que apontava diretamente para a próspera cena Disco.

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“Quando você liberta sua mente do conceito de harmonia e da música correta, você pode fazer o que quiser” Moroder continuou a produzir outros artistas e os álbuns posteriores de Donna. “I Feel Love” (do álbum I Remember Yesterday) continuou o sucesso de “Love To Love You Baby” e tornou-se uma obra-prima de produção eletrônica, especialmente considerando a tecnologia disponível na época. Seguiramse então vários sucessos lançados pelo trio, como “Last Dance”, “No More Tears (Enough Is Enough)”, “Dim All the Lights”, “MacArthur Park”, “Hot Stuff” e“On the Radio”, que alçaram Donna Summer à categoria de prima dona da Disco Music. Na segunda metade da década de 1970, Moroder dedicou-se, além da produção de vários artistas - como Roberta Kelly, outra diva disco - a seus trabalhos-solo, como a Munich Machine, círculo de cantores e músicos que ele usava para suas criações. Em 1977, lançou “From Here To Eternity”, uma mixagem contínua da pulsante Eurodisco com efeitos de vocoder, ritmos metálicos e efeitos futuristas, que provaram que o produtor estava à frente de seu 46 / NOVEMbro 2014

tempo. Reafirmando seu estilo, as músicas produzidas na época possuíam ganchos incessantemente repetidos, ritmos firmes e hipnóticos e instrumentação inteligente, com sintetizadores dominando a mixagem. Moroder passou a dedicar-se principalmente à composição de trilhas sonoras a partir de 1978, recrutado por Alan Parker para o filme Midnight Express. Durante a década seguinte, seguiram-se as trilhas de American Gigolo, Cat People, Flashdance, Scarface e The Never Ending Story. Também trabalhou sobre uma versão restaurada de Metrópolis, clássico mudo de Fritz Lang, de 1926, de onde foram extraídos singles de Bonnie Tyler (‘Here She

NA REDE

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mestres

Donna Summer: diva da disco music 

Comes’) e Freddie Mercury (‘Love Kills’). Entre muitos outros sucessos, escreveu “Call Me”, da banda Blondie e, em 1986, as trilhas de  Top Gun e da série de TV Battlestar Galactica. Depois de alguns anos de exílio involuntário da mídia, apesar de trabalhos importantes como produtor, Moroder retornou ao mundo do sucesso em grande estilo, participando da produção, em 2013, do álbum Random

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Access Memories, da dupla de DJs Daft Punk, que rende homenagem à cultura musical da década de 1970 e traz entre as faixas “Giorgio by Moroder”, uma citação mais do que justa. Daí a virar DJ, foi um passo para o italiano. Requisitado para tocar nas melhores festas do mundo, o mito da Disco prova que continua entendendo de música e muito além de seu tempo.

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COMO ESTUDAR

por NILTON CORAZZA

Escalas Base de grande parte da produção musical ocidental, as escalas devem ser objeto de constante dedicação, tanto para o domínio de suas formas quanto para o processo de moldar a mão ao formato do teclado

A proliferação de professores - muitas vezes despreparados e sem a real e exata noção dos benefícios que determinados estudos podem trazer – cultivou o hábito dos exercícios sobre escalas sem a necessária atenção. Da mesma forma que vários outros estudos propostos aos alunos de instrumentos de teclas, as escalas tem a fama de serem repetições entediantes que, na maioria das vezes, representam para o estudante apenas mais uma lição a vencer. Na verdade, seu aprendizado é muito mais importante do que isso: com o correto estudo das escalas, o aluno passa a dominar o dedilhado nas mais variadas tonalidades, moldando sua mão ao formato do teclado, o que facilita, e muito, a execução de peças, tanto do repertório erudito quanto do popular, e a improvisação. Além disso, o estudo técnicomecânico das escalas deve ser acompanhado de uma análise teórica sobre as possibilidades harmônicas e melódicas existentes. Passagem do polegar O maior benefício - e desafio - no estudo das escalas é a passagem do polegar por baixo da mão e desta por cima dele, o que permite a execução de linhas melódicas compostas sobre graus sucessivos com sonoridade constante e legato perfeito, praticamente impossível de serem conseguidos sem esse

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Exercício 1 - Mão direita

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artifício. Essa é a forma mais disseminada de dedilhado, que foi desenvolvida ao longo da história dos instrumentos de teclas. A escala de Do Maior é considerada a de execução mais fácil dentre as maiores porque utiliza apenas as teclas brancas do instrumento. Deve, contudo, ser estudada com atenção e cautela, até que os movimentos estejam automatizados, pois disso dependerá o aprendizado de todas as outras que se seguem. Exercícios preparatórios, portanto, são imprescindíveis. O primeiro exercício proposto isola a movimentação do polegar do resto dos movimentos, prendendo as notas Ré e Mi com os dedos 2 e 3 enquanto o polegar faz a passagem por baixo deles. Para que seja produtivo, o exercício deve ser executado em andamento lento e com a contagem precisa (exercício 1). A pausa deve ser utilizada para posicionar o polegar sobre a próxima nota. O exercício seguinte (exercício 2) trabalha da mesma forma, mas utilizando a próxima passagem do polegar, sob os dedos 2, 3 e 4. Deve-se atentar para o fato de que a movimentação deve ser horizontal, sem qualquer rotação ou flexão do pulso. Desse modo, o raio de ação do polegar se expande e a precisão aumenta. O mesmo deve ser feito com a mão esquerda, em movimento contrário (exercícios 1 e 2).

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Mão esquerda

 

teclas & afins

COMO ESTUDAR

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Mão esquerda

 

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Quando dominada a passagem do polegar com as notas presas, deve-se estudá-la com movimento (exercícios 3 a 8). Exercício 3 - Mão direita

Mão esquerda

Exercício 4 - Mão direita

Mão esquerda

Exercício 5 - Mão direita

Mão esquerda

Exercício 6 - Mão direita

Mão esquerda

Exercício 7 - Mão direita

Mão esquerda

Exercício 8 - Mão direita

Mão esquerda

teclas & afins

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COMO ESTUDAR

Em seguida, deve-se estudar toda a escala, primeiramente com as mãos separadas e, depois, com as mãos juntas, em movimento contrário. O movimento paralelo deve ser estudado somente após o movimento contrário estar completamente dominado.

As escalas maiores de Sol, Ré, Lá e Mi seguem o mesmo dedilhado e devem ser estudadas da mesma forma. Nilton Corazza Pianista, organista e tecladista, graduado em música pela Faculdade São Judas Tadeu e pós-graduado em Marketing e Comunicação Integrada pela Universidade Presbiteriana Mackenzie. Foi aluno de Lina Pires de Campos, Maria José Carrasqueira, Terão Chebl e Wilson Curia e concluiu cursos com Homero Magalhães, George Hadjkinos (Inglaterra) e Martine Barret (França). Durante muitos anos dedicou-se ao ensino e ao aperfeiçoamento de professores de música. 52 / novemBRO 2014

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cultura hammond

por Jose Osorio de Souza

Efeitos e Presets Quem se entusiasma com a sonoridade do Hammond não o faz por um estilo de música, mas por muitos. Quando nos apaixonamos pelo instrumento, não interessa se é rock ou outro estilo: queremos ouvir o tonewheel! 

Se começarmos a procurar por músicas que contenham o som do Hammond, descobrimos que ele está presente em vários gêneros. E é então que reconhecemos todas as possibilidades sonoras do instru mento. O Hammond é porta de entrada para o melhor da música popular ocidental em muitos estilos. Brilhou nas obras produzidas até os anos 1970 - que definiram a música pop do século XX - e começou a brilhar novamente a partir do final dos anos 1990, quando a cultura Hammond renasceu. Sim, o órgão eletromecânico perdeu um pouco de espaço nos anos 1980, quando a indústria

de sintetizadores digitais estava em alta evolução. Mas atualmente, muitas bandas estão preferindo o som do vintage a pads sofisticados de sample-players modernos. Efeitos

O que dá ao Hammond sua capacidade de criação sonora? Já falamos um pouco sobre os nove drawbars (edição número 6 de Teclas & Afins), o recurso principal, que permite que, quando uma nota no teclado é tocada, podem ser gerados até nove sons diferentes em nove níveis de volume (do zero a oito). Também falamos

Percussivos: seção de controle de um Hammond B3 teclas & afins

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cultura hammond

dos percussivos, que geram um ataque que imprime ao som uma “pegada” de piano. Mas, além das c aixas Leslie, de que falaremos depois, o Hammond B3 vinha munido de alguns efeitos import antes que modulavam seu som: o vibrato e o chorus. No painel frontal, à esquerda, existem quatro botões, sendo um giratório, responsáveis por controlar esses efeitos: o primeiro nivela a intensidade do efeito entre “normal” ou “soft” (mais baixo); o segundo liga e desliga o efeito para o teclado superior (chamado “swell”); o terceiro liga e desliga o efeito para o teclado inferior (chamado “great”). O termo “swell” vem do órgão de tubos, quando um teclado – ou manual - podia ser controlado por um pedal de expressão. No Hammond B3, no entanto, o pedal de expressão controla tanto o som tocado pelo teclado superior, quanto do inferior,

assim como da pedaleira. O quarto botão, giratório, gradua entre três tipos diferentes de vibrato (V1, V2 e V3) e três tipos de chorus (C1, C2 e C3). Diferentemente do trêmolo, que é uma oscilação periódica do volume, o efeito vibrato no Hammond alterna entre aumento e diminuição da afinação do som. As frequências são variadas por meio de um dispositivo que troca a fase do motor do órgão. O efeito chorus é produzido pelo uso combinado de três frequências fora do tom principal, mais o so m sem vibrato. O reverb e o overdrive (distorção) são efeitos que não existiam internamente nos modelos C3 e B3 - os Hammond mais famosos – mas, nos anos 1960, tecladistas começaram a usar esses efeitos no som do instrumento. O timbre distorcido, usado por John Lord do Deep Purple, é imitado por músicos de rock de todo o mundo.

Vibrato e Chorus: efeitos de personalidades ímpares no Hammond  54 / novemBRO 2014

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cultura hammond

Presets

Se você pensa que memórias pré-programadassãorecursos que só apareceram a partir dos sintetizadores digitais, saiba que o Hammond já possuía essa capacidade. Ele oferecia nove presets que eram selecionados por meio de dois conjuntos de doze teclas, à esquerda, tanto do teclado superior quanto do inferior (as cores das teclas eram invertidas, pretas para as notas naturais e brancas para os acidentes). Essas teclas não produzem sons, mas, quando pressionadas permanecem apertadas. E se há uma dessas teclas apertada anteriormente, ela é solta. A tecla Dó faz o “cancel” dos presets. Do Dó# ao Lá, nove presets de fábrica são selecionados, presets esses que podem ser reajustados por meio da manipulação de fios no painel traseiro do órgão. O B3 possuía dois conjuntos de drawbars para o teclado superior, dois para o teclado inferior e um para a pedaleira, com os quais podiam ser feitos ajustes

Presets: teclas de cores invertidas acionam os registros pré-fabricados

pelo usuário: a tecla Sib seleciona o primeiro conjunto desses drawbars, e o Si natural, o segundo. A verdade é que, na busca por uma sonoridade pessoal, vale tudo. E o Hammond se presta a isso sem nenhum pudor. O mais divertido é mexer e tornar a mexer, em tempo real. Cada música, cada estilo musical, cada ambiente, tanto externo quanto interno, da alma do organista em uma determinada apresentação, pode receber do Hammond um ajuste especial.

 Jose Osorio de Souza Pianista de formação erudita, analista de sistemas de formação acadêmica, foi proprietário de estúdio e escola de música e Suporte Técnico da Roland Brasil. É tecladista da noite, compositor e escritor. Ama história e tecnologia dos sintetizadores e samplers, mas é apaixonado por teclados vintages, blues, rock progressivo e música de cinema. Atualmente toca piano no Grande Hotel Senac em Águas de São Pedro (SP) e atua como músico  gospel na cidade de Itu (SP). teclas & afins

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pUXANDO FOLE

POR Jackson Jofre Rodrigues

Muitos nomes, timbre inconfundível Disseminado de norte a sul do Brasil, o acordeon é conhecido de várias formas, tantas quantas suas configurações Para surpresa de muita gente, um dos instrumentos musicais mais populares do mundo, com tantos nomes diferentes, foi criado há quase 5.000 anos, pelos chineses. O acordeão - que também é conhecido como acordeón, acordeom, acordeona, cordeona, sanfona, sanfona de oito baixos, pé de bode, gaita-de-duas-conversas, realejo, cabeça-de-égua, bandona, testa-de-ferro, gaita de colher, verduleira, gaita, gaita de fole, gaita de ponto, gaita de botão, gaita de mão, concertina, bandoneón, harmônia, harmônica, harmônica de fole, fole e botoneira – nasceu por volta de 2.700 a.C., na China, e seu primeiro nome foi Sheng

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(schonofouye , hounofouye, tcheng, cheng, khen, tam kim, yu, tchao e ho, dependendo da região). Originalmente, o Sheng sugeria a forma de uma ave Fênix (considerada sagrada pelos chineses), formado por um recipiente de ar (com aparência de um bule de chá), um canudo de sopro (com a forma do pescoço de um cisne) e tubos de bambu. A partir da Rússia, o instrumento foi levado à Europa, inicialmente à Alemanha, por volta de 1822. Já na Áustria, em 1829, Cirilo Demian acrescentou um fole e vários botões que permitiam a obtenção dos acordes daí o nome acordeão. Esse instrumento rudimentar foi aperfeiçoado pelo francês

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pUXANDO FOLE

C. Bufett em 1837 e nunca mais parou de sofrer transformações até chegar à forma como o conhecemos atualmente. Hoje o acordeão é composto por duas caixas de ressonância feitas de madeira (onde são instaladas as teclas ou botões), um fole e u m diapasão (palhetas livres). É fabricado em grande variedade de tamanhos, formatos, materiais, ornamentos, funcionalidades e tecnologias, com opções de 8 a 140 baixos (botões que determinam o acorde musical). Sanfona ou gaita?

No Brasil, o acordeão chegou entre os anos de 1837 e 1851, trazido por imigrantes alemães e italianos, chamado de concertina (um acordeão cromático com 120 baixos). Rapidamente foi incorporado à cultura musical brasileira, com maior ênfase nas regiões Centro-Oeste, Nordeste (onde é chamado de sanfona) e Sul (onde é chamado de gaita). O nome sanfona, usado principalmente no Nordeste, Centro-Oeste e Sudeste, foi dado após a Guerra do Paraguai (1864-1870), embora o termo designe um instrumento de cordas muito tensas, muito similar à rabeca, uma espécie rudimentar de violino. No Sul, o termo gaita é usado desde sua chegada, apesar de normalmente designar a gaita de boca (harmônica) e a gaita de fole (“bagpipe” escocesa). Em resumo, o nome mundialmente correto e mais aceito é acordeon! Mas independentemente do nome, o mais

Richard Wagner 

 Sheng chinês da dinastia Qing (1644-1911)

importante é que amamos esse instrumento completo, versátil, de timbres e sentimentos inconfundíveis e musicalidade única. O objetivo desta coluna é reunir todos do mundo “acordeonístico” para que nossos instrumentos, sons e estilos ganhem mais respeito e a visibilidade que merecem. Aqui apresentaremos, além de matérias, curiosidades e novidades, alguns exercícios, frases, links etc. Enfim, vamos até o limite pelo acordeon. Enviem suas perguntas para redaçã[email protected]

 Jackson Jofre Rodrigues  Acordeonista e produtor musical, atuando no cenário nacional com nomes como Gilbert Stein, Marlon e  Maicon, João Neto e Frederico, Fernando e Sorocaba, Teodoro e Sampaio, Cristiano Araújo, Chitãozinho e  Xororó, Zezé di Camargo e Luciano, Guilherme e Santiago, Banda Nanquin, Grupo Candieiro, Grupo Garotos de Ouro, Banda Moog e Banda Aurora Tocaia, entre outros. Tem mais de 40 discos gravados, 7 DVDs, indicação ao Premio Tim 2003, considerado oito vezes o melhor acordeonista do Rio Grande do Sul. Foi Campeão Brasileiro de Acordeon Digital Roland, 4º lugar na final mundial de Acordeon Roland em Roma, 3º lugar na Copa do Mundo de Acordeon na Croácia realizando três turnês pela Europa, Oceania e EUA. teclas & afins

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HARMONIA E IMPROVISACAO

por turi collura

A arte da improvisação melódica Nos últimos meses, tenho recebido várias mensagens sobre o estudo da i mprovisação. Perguntas como “sobre o que me baseio para improvisar?”, “como se aprende a improvisar?” e “o quanto a inspiração é importante no momento de improvisar?”, entre muitas outras, oferecem pontos para interlocuções interessantíssimas e oportunidade para reflexões sobre o estudo, a prática da improvisação e o desenvolvimento de habilidades

A arte da improvisação musical está presente em muitas culturas do mundo. Em nossos dias, a improvisação faz parte de várias manifestações da cultura musical popular, seja brasileira ou internacional (do samba à bossa nova, do choro ao blues, do rock ao pop), assim como do jazz, que é, provavelmente, o estilo que, entre todos, mais desenvolveu uma linguagem sofisticada. Trataremos aqui apenas da forma mais comum de improvisação, a melódica, isto é, a da criação de novas melodias sobre canções e temas préexistentes. Não falaremos, por questões de espaço, da“improvisação total”, que é aquela em que são criados, extemporaneamente e contemporaneamente, todos os elementos que constituem uma música (sua estrutura formal, seus caminhos harmônicos, sua melodia, suas características rítmicas etc).

portanto, em tempo limitado, com material também limitado. Esse processo implica a necessidade de tomar decisões certas para criar algo que funcione naquele instante. De certa forma, a improvisação pode ser definida como uma composição extemporânea. Em comparação à composição musical escrita, a composição extemporânea é limitada, por exemplo, no que diz respeito à forma: quase sempre, a estrutura harmônica sobre a qual se improvisa é fornecida e o número dos compassos da composição é pré-estabelecido, assim como são préestabelecidos os acordes e suas relações tonais. O que o improvisador deve fazer, nesses casos, é desenvolver a capacidade de analisar os dados do momento e criar algo que respeite o material fornecido (acordes, estilo, tempo, material temático etc). A improvisação (melódica) pode se manifestar de várias formas, que, do ponto de vista A improvisação como composição didático, remetem a dois pontos de partida: 1) Criação melódica ligada ao aspecto extemporânea A improvisação pode ser definida como a temático/interpretativo (improvisar elearte de criar algo no momento da execução, mentos de embelezamento melódico do 58 / novemBRO 2014

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HARMONIA E IMPROVISACAO

tema original, acrescentando notas, deslocando a rítmica de forma diferente, variando a altura de algumas notas, interpondo grupos de notas, variando as dinâmicas etc). Nesse caso, estamos ainda na esfera da interpretação. Mas uma maior elaboração dos elementos da melodia original, ou seu uso como ponto de partida para novos desenvolvimentos, levam à criação de melodias. 2) Criação de linhas melódicas. Nesse caso, mantida a estrutura da música (isto é, sua forma, a sequência de seus acordes, seu ritmo etc) o improvisador cria ideias melódicas que nada têm a ver com a melodia original.

Ambas as atividades citadas (as duas, muitas vezes, ligadas entre si) pressupõem, por parte do músico, capacidades de natureza criativa, mas também o domínio dos elementos gramaticais, estilísticos e de técnicas específicas. O desenvolvimento das musicais na improvisação

habilidades

Quais são as habilidades e as competências que o músico deve desenvolver para improvisar? Podemos pensar em três diferentes áreas de habilidades musicais a serem desenvolvidas, como mostra a figura.

Segundo esse modelo, o conjunto das habilidades musicais pode ser representado como o resultado da interação de três áreas de competências que interagem entre si durante a performance musical e durante o estudo do músico. teclas & afins

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HARMONIA E IMPROVISACAO

Em um vértice do triângulo, encontrase a área que chamo de mente lógica. Nela, residem os conhecimentos lógicosracionais, que se referem a: A gramática musical e as regras compositivas (conhecimentos da linguagem harmônica, das tonalidades, do aspecto rítmico, da fraseologia e da forma musical, dos aspectos estéticos característico de um determinado gênero musical); As capacidades de conhecimento/reconhecimento auditivo (conhecimento e reconhecimento auditivo de intervalos, acordes, pulsação e elementos rítmicos, contexto harmônico etc); O conhecimento da antologia, das gravações, dos intérpretes, dos estilos etc. Por exemplo, servirá ao músico reconhecer a forma da música que está tocando (se é AABA), onde começam e terminam as frases do tema. Será útil conhecer a tonalidade da música, seu campo harmônico, entender a função dos acordes, as escalas para improvisar, ter um ouvido bem desenvolvido etc. Evoluindo na espiral, o improvisador terá •

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grandes benefícios em conhecer, também, a gramática construtivista da composição melódico/harmônica. Em outro vértice do triângulo, há o desenvolvimento das habilidades fisiomotoras: treinamento de técnica, escalas, arpejos etc... mas também o estudo de frases, de padrões rítmico-melódicos que ficam guardados na mente e no corpo do músico, prontos para serem usados “na hora certa”. No último vértice do triângulo, encontramos o que chamo de mente criativa. Nela residem as capacidades de decisões de caráter estético/artístico, a capacidade de interagir “em tempo real” com os estímulos externos (vindos de outros músicos, do público, do contexto em geral). Na educação musical, essa talvez seja a área que mais necessita de estudos e aprofundamentos. Talvez a ideia do triângulo e de suas áreas possa ser um instrumento útil não apenas na área da improvisação. Pensando, por exemplo, em um pianista intérprete de música da tradição europeia, podemos teclas & afins

HARMONIA E IMPROVISACAO

concluir que as primeiras duas áreas demandam mais atenção do que a terceira. Ao trabalharmos com um grupo de crianças, no entanto, a área da criatividade poderia ter um espaço maior. Fica o convite ao uso dessa ferramenta, por exemplo, no momento de entender onde nos situamos em nosso desenvolvimento, quais habilidades dominamos mais e quais áreas precisamos desenvolver. Podemos analisar se temos, por exemplo, um

suficiente preparo teórico e está faltando o lado da criatividade (“conheço toda a teoria, mas meus improvisos não saem”) ou se, ao contrário, temos muita criatividade e bom ouvido, mas não sabemos “que escala utilizar”, ou não temos técnica para nossas realizações etc. Vale sempre a pena lembrar: procuremos sempre por fontes de informação confiáveis e consistentes. Procuremos sempre bons professores para orientar nossa caminhada.

Turi Collura Pianista, compositor, atua como educador musical e palestrante em instituições e festivais de música pelo Brasil.  Autor dos métodos “Rítmica e Levadas Brasileiras Para o Piano” e “Piano Bossa Nova”, tem se dedicado ao estudo do piano brasileiro. É autor, também, do método “Improvisação: práticas criativas para a composição melódica”,  publicado pela Irmãos Vitale. Em 2012, seu CD autoral “Interferências” foi publicado no Japão. Seu segundo CD faz uma releitura moderna de algumas composições do sambista Noel Rosa. Entre outras atividades, em 2014 Turi está ministrando cursos online em grupo, entre os quais os de “Piano Blues & Boogie”, o de “Improvisação e Composição Melódica” e o de “Bossa Nova”. [email protected] - www.turicollura.com - www.pianobossanova.com

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arranjo comentado

por rosana giosa

A polirritmia na música popular Recurso muito utilizado na música erudita e no jazz, o uso simultâneo de duas ou mais estruturas rítmicas diferentes também é encontrado na música popular brasileira

Egberto Gismonti é um compositor, multi-instrumentista, cantor e arranjador brasileiro, considerado um virtuose da música instrumental. Atualmente com 67 anos, natural do Rio de Janeiro, iniciou seus estudos de piano aos seis anos e mais tarde estudou flauta, clarinete, violão e piano. Na França, estudou música dodecafônica. Experimentou estruturas complexas e instrumentos inusitados, e passou a se dedicar quase que exclusivamente à música instrumental. Sua discografia é muito grande. Desenvolveu sólida carreira, gravando seus álbuns e participando de discos alheios, além de fazer turnês de sucesso, especialmente na Europa. Muitos músicos têm gravado suas composições recentemente.  “Palhaço”

Esta canção foi escolhida por ser uma das mais belas composições de Gismonti e de toda a música popular brasileira. Trata-se de uma verdadeira obra-prima, registrada em 1979 no álbum “Circense”, com melodia inspiradíssima sobre uma harmonia relativamente simples, mas extremamente delicada e emocionante. É uma canção ternária que, em parte do tempo, apresenta uma levada na mão esquerda em duas semínimas pontuadas que se repetem muitas vezes. Por isso, essa canção dá a sensação de que a esquerda toca em dois tempos e a direita em três. Chamamos a isso de polirritmia, um recurso rítmico bem interessante e bastante dinâmico.

“Palhaço”

62 / novemBRO 2014

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novemBRO 2014 / 63

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64 / novemBRO 2014

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Rosana Giosa Pianista de formação popular e erudita, vive uma intensa relação com a música dividindo seu trabalho entre apresentações, composições, aulas e publicações para piano popular. Pela sua Editora Som&Arte  lançou três  segmentos de livros: Iniciação para piano 1, 2 e 3 ; Método de Arranjo para Piano Popular 1, 2 e 3 ; e Repertório para Piano Popular 1, 2 e 3. Com seu TriOficial e outros músicos convidados lançou o CD Casa Amarela, com composições autorais. É professora de piano há vários anos e desse trabalho resultou a gravação de nove CDs com seus alunos: três CDs coletivos com a participação de músicos profissionais e seis CDs-solo. Contato: [email protected] teclas & afins

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