Arthur Honegger

Arthur Honegger

Billete de veinte francos suizos con el retrato de Honegger. Havre, 10 de marzo de 1892 de 1892 - París, 27 de Arthur Honegger (El noviembre de 1955) de 1955) fue  fue un compositor  un compositor  suizo.  suizo. Nacido como Oscar-Arthur Honegger (nunca usó su primer nombre), estudió armonía estudió armonía y violín en París y, tras una breve estancia en Zúrich, en  Zúrich, regresó  regresó a la capital francesa para estudiar junto a Charles-Marie Widor y Vincent d'Indy. Durante la década de 1910 siguió con sus estudios, antes de escribir el ballet el  ballet Le  en 1918, considerada  considerada como su primera obra característica. dit des jeux du monde  en 1918,  A pesar de haber ha ber nacido en Francia en  Francia y de pasar parte de su vida en París en  París conservó siempre su nacionalidad suiza. Fue miembro del  Grupo de los Seis. Sus obras más interpretadas son su composición para orquesta para  orquesta (Movimiento Sinfónico Nº1) Pacific 231 (1923), (1923), que imita el sonido de una locomotora una  locomotora de vapor; su Movimiento Sinfónico Nº2 Rugby (1928), (1928), que imita el sonido de un partido de rugby de rugby (zigzagueos en la música y los enfados entre los equipos); y también son famosas sus sinfonías, en especial el primer movimiento de la Nº3 litúrgica ('Dies Irae'). A raíz de la composición de Pacific 231 una vez declaró: Siempre he amado a las locomotoras de un modo pasional. Para mi, son seres vivos a los que amo, igual que otros aman a las mujeres o a los caballos. Entre la Primera la Primera Guerra Mundial y la Segunda la Segunda Guerra Mundial,  Mundial,  Honegger fue un compositor prolífico. Compuso la música para la película épica Napoleón épica  Napoleón de Abel de Abel Gance (1927). (1927). Una de sus óperas, Jeanne d'Arc au bûcher (1935), (1935), está considerada como su trabajo más refinado. Además de las óperas que escribió en solitario, colaboró con Jacques con Jacques Ibert en la composición de la ópera L'Aiglo (1937) así como en la composición de la opereta Les Petites Cardinal . Durante este período escribió también Danse de la Chèvre (1921), (1921), una pieza para flauta; para flauta; dedicada a René Le Roy y escrita para solo de flauta, es una pieza viva y juvenil pero que sigue la misma tendencia que todas las obras de Honegger. Retrata un cuento infantil en el que una cabrita es la protagonista. La historia comienza así: Un día "cabritillo" se queda dormido tranquilamente en el lecho de su madre. Sueña que puede correr lejos de su hogar y ser libre, pero de pronto despierta y

ve dónde se encuentra. Decide hacer sus sueños realidad y va corriendo por el monte (este es el tema principal de la obra). Pero pronto se verá perdida entre montañas y se acordará de su madre. Así que comienza a correr hasta que la encuentra y feliz, vuelve a dormir. Decide que nunca más volverá a escaparse de casa. Este es el tema de la obra. Hay muchas versiones sobre ella, ya que cuando se incendió la casa de Arthur Honegger se perdió el contenido. Ahora de profesor a alumno han ido transmitiendo distintas versiones. Honegger estuvo siempre en contacto con Suiza, pero con el estallido de la guerra y la invasión nazi,  se encontró atrapado en París. Se unió a la Resistencia francesa aunque nunca tuvo excesivos problemas con los nazis que le permitieron seguir trabajando sin demasiadas interferencias. Sin embargo, la guerra fue un duro golpe para el compositor. A pesar de eso, desde el estallido de la guerra hasta el momento de su muerte escribió sus últimas cuatro sinfonías (de la dos a la quinta), las más interpretadas.  Arthur Honegger murió en su casa, víctima de un ataque al corazón, en noviembre de 1955 y está enterrado en el Cementerio Saint-Vincent del barrio parisino de Montmartre.  Aunque fue un miembro del grupo de Les Six, sus trabajos no siguen la simplicidad de los de otros miembros del grupo. Lejos de reaccionar contra elromanticismo de Wagner y Strauss como otros miembros de Les Six, los trabajos de madurez de Honegger demuestra una clara influencia de estos autores. Además, su obra se destaca por ser atonal, pero en sus composiciones su música atonal desembarca en una completamente tonal y cantabile. A pesar de las diferencia de estilos, su compañero en Les Six  Darius Milhaud fue uno de sus mejores amigos. Milhaud dedicó uno de sus quintetos de cuerda a la memoria de Honegger. Quizá es mundialmente famoso por su frase épica: El primer requisito para un compositor es estar muerto. Arthur Honegger, Je suis compositeur , 1951 Honegger aparece en el billete de veinte francos suizos.  Serge Ivanoff pintó su retrato en París en 1944. En el año 2002, en su ciudad natal, se inauguró un nuevo Conservatorio (hecho por los arquitectos parisinos Jerôme Brunet y Eric Saunier) que lleva su nombre «Conservatoire Arthur Honegger».

Arnold Schönberg

Arnold Schönberg (Viena, 13 de septiembre de 1874 – Los Ángeles, 13 de  julio de 1951) fue un compositor, teórico musical ypintor  austriaco de origen judío. Desde que emigró a los Estados Unidos, en 1933, escribió su apellido con la otra grafía alemana posible, Schoenberg. Es reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal,  y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo de la segunda mitad del s. XX. Además, fue el líder de la denominada Segunda Escuela de Viena. Biografía

Hasta la Primera Guerra Mundial  Arnold Schönberg fue hijo de Samuel Schönberg (1838-1889), un zapatero natural de Hungría, y de Pauline Nachod (1848-1921), quien creció en Praga. Su carrera musical comenzó precozmente: a los 9 años ya era  violinista y compositor autodidacta. Tras la muerte de su padre, en 1889, se vio obligado a cuidar del bienestar de su familia y empezó a trabajar como aprendiz de empleado en el banco Wiener Privatbank Werner & Co. Durante estos años, solo podía satisfacer su pasión por la música mirando de lejos los conciertos al aire libre realizados en parques como el Augarten o el  Wiener Prater.  Invertía parte de su sueldo en numerosas funciones de ópera y, de entre todas, prefería siempre las de Richard Wagner. Según sus memorias, Schönberg debe su persistente desarrollo artístico a tres personas: Oskar Adler, quien le transmitió conocimientos básicos de teoría

musical, poesía y filosofía; David Joseph Bach, quien despertó en Schönberg una amplia consciencia ética y moral,  así como una “oposición hacia lo común y lo popular”; y finalmente  Alexander von Zemlinsky, que conoció a Schönberg por su ingreso como violonchelista en la orquesta amateur “Polyhymnia”, en 1885.

El director de orquesta reconoció el talento de Schönberg y, en 1898, lo ayudó en la interpretación (exitosa) del Primer  Cuarteto para cuerdas en Re menor en la Sala Bösendorf de la Sociedad Musical de Viena. Pese al hecho de que Schönberg tomó clases de composición con Zemlinsky por algunos meses, consideraba haber aprendido más a través del estudio de las obras de los grandes compositores, sobre todo, las deJohannes Brahms, Richard Wagner, Gustav Mahler, Johann Sebastian Bach y Wolfgang Amadeus Mozart.  A través de Zemlinsky, Schönberg pudo echar raíces en el ambiente musical de Viena y sus alrededores. Después de su salida del banco, asumió la dirección del Coro “Freisinn” de Mödling y del Coro Masculino de Cant o de Meidling, así como el puesto de maestro del Coro de metalúrgicos de Stockerau. El 7 de octubre de 1901, en una oficina de Registro Civil de Bratislava, Schönberg contrajo matrimonio con la hermana de Zemlinsky, Mathilde, quien había quedado embarazada en la primavera del mismo año. El matrimonio religioso tuvo lugar once días después en la iglesia protestante de la calle Dorotheergasse, en Viena.  Arnold Schönberg y Mathilde Zemlinsky tuvieron dos hijos: Gertrud (1902-1947), y Georg (1906-1974). La primera discípula de Schönberg fue Vilma von Webenau, a quien dio lecciones de armonía y composición a partir de 1898/99, y que incluso lo siguió a Berlín luego de su mudanza en diciembre de 1901. En esta ciudad, Schönberg comenzó a dictar clases de armonía en el Conservatorio Stern en 1902,  por invitación de Richard Strauss; sin embargo, sólo un año después regresó a Viena, donde entabló una relación personal con Gustav Mahler. En 1904 cofundó la Sociedad de Compositores;  Anton Webern y  Alban Berg se convirtieron en sus discípulos. Los años que siguieron, previos al estallido de la  Primera Guerra Mundial, se caracterizaron por la composición de obras notables. A este periodo pertenecen sus dos primeros Cuartetos para cuerda y la Primera Sinfonía de Cámara (19071908), cuyos estrenos provocaron gran polémica, también se ubican en esta época sus Gurre Lieder (Las canciones de Gurre ), el Tratado de Armonía (1911) y el ciclo de canciones Pierrot Lunaire (1912). En 1910 fue rechazada su solicitud para ocupar una cátedra en composición musical en la Academia de Viena, y volvió a Berlín un año después como docente del Conservatorio Stern. En 1915 fue llamado al ejército y preparado como oficial de reserva. Sin embargo, Schönberg fue enviado a la reserva antes de ser llamado a las filas nuevamente en 1917. Completó su tiempo de servicio en una capilla militar.

Después de la Primera Guerra Mundial Tras el final de la guerra, Schönberg fundó en Viena la “Sociedad para Interpretaciones Musicales Privadas”, la cual tomó la misión de ofrecer obras

nuevas y/o consideradas significativas por Schönberg y su círculo. Las obras de numerosos compositores, como Béla Bartók, Ferruccio Busoni, Claude Debussy, Gustav Mahler, Hans Pfitzner, Maurice Ravel, Max Reger, Alexander Scriabin, Richard Strauss e Igor Stravinsky, fueron incluidas en los programas de conciertos organizados por la Sociedad. A la ejecución de trabajos sinfónicos siguieron obras para orquesta de cámara, las cuales continúan interpretándose hasta nuestros días. En 1923 publicó “Método de composición con doce sonidos” ( Música dodecafónica), una técnica de composición que no enseñó en otro lugar y de la que pocas veces hablaba. Luego de la muerte de su esposa, Mathilde, el 18 de octubre de aquél año en Mödling, contrajo matrimonio con la hija de su discípulo Rudolf Kolisch, Gertrude Kolisch, el 28 de agosto de 1924. Tuvo con ella tres hijos: Nuria (en 1932, quien sería luego esposa del compositor   Luigi Nono), Ronald (1937) y Lawrence (1941). Debieron pasar muchos años antes de que Schönberg fuera un compositor plenamente reconocido. En 1925 fue convocado por el compositor  Georg Schumann a la Academia de las Artes de Prusia, donde se hizo cargo del curso de maestría en composición. Fue retirado del puesto por la legislación  nazi en septiembre de 1933 debido a motivos racistas, razón por la cual volvió a profesar la fe judía que había abandonado en su juventud. Emigró a los  Estados Unidos un mes después.

En los Estados Unidos Tras pasar un año en Boston y  Nueva York,  Schönberg fue profesor por varios años, al principio en la Universidad del Sur de California y luego en la Universidad de California, en Los Ángeles. En 1940 obtuvo la nacionalidad estadounidense. En los Estados Unidos, Schönberg completó algunos de sus trabajos más conocidos, entre los que se encuentran su Cuarteto de Cuerda Nº 4 (1936), la musicalización para la oración del Kol Nidre (1939), un Concierto para pi ano (1942), así como “Un superviviente en Varsovia” (1947) para  orador,  coro masculino y orquesta,  que trata sobre las experiencias de un hombre en el gueto de Varsovia. También escribe en esta época cuatro libros teóricos: Models for Beginners in Composition (Modelos para Principiantes en Composición, 1943), Structural Functions of Harmony  (Funciones estructurales de armonía, 1954),Preliminary Exercises in Counterpoint  (Ejercicios preliminares de contrapunto, 1963) y Fundamentals of Musical Composition  (Fundamentos de la Composición Musical, 1967). De 1948 a 1950 mantuvo discrepancias con Thomas Mann sobre la novela de este último Doktor Faustus, en la que se aludía a la  música dodecafónica. Con la muerte de Schönberg, el 13 de julio de 1951, quedaron inconclusas tres de sus obras de contenido religioso, específicamente la cantata La escalera de  Jacob, la ópera Moisés y Aarón y el ciclo Salmos Modernos. Sin embargo, Moisés y Aarón obtuvo un gran éxito al representarse en dos actos. La dramática confrontación

entre profeta y sacerdote constituye uno de los trabajos más expresivos de la obra de Schönberg. El 14 de septiembre de 1949 recibió el certificado de ciudadanía de su ciudad natal, Viena. Falleció en 1951 debido a una afección cardiaca, luego de haber sufrido un ataque al corazón en 1946. El extenso legado de Schönberg (manuscritos musicales, manuscritos de texto, fotografías históricas, su biblioteca, etc.) se conservó en un principio en el Instituto  Arnold Schoenberg de la Universidad de California del Sur, en Los Ángeles. En 1998 este material fue cedido al Centro Arnold Schönberg de Viena, donde puede ser consultado con fines de investigación. Escuela de Darmstadt Obras e influencia  Arnold Schoenberg planteó una de las grandes revoluciones estéticas del siglo XX convencido de que continuaba la tradición alemana. Le interesaba inscribirse dentro de una tradición cultural arraigada para apoyarse en algo conocido y seguro, antes de saltar al vacío y abandonar definitivamente la tonalidad funcional.  Así, llevaría el cromatismo wagneriano a su punto culminante, hasta desintegrar el sistema y crear otro nuevo, basado en reglas muy diferentes, alejadas de la tensión entre armónicos que había reinado durante tres siglos en la música occidental.1 Profundamente influido por la corriente wagneriana que impregnó el fin del siglo, y también por las obras de Johannes Brahms,  quien le servía como modelo para teorizar el lugar de la razón en el arte, las primeras  composiciones de Schönberg se sitúan en el posromanticismo,  y presentan las características propias de esta época: orquestación recargada y composiciones que toman elementos de otros géneros artísticos, a menudo de la literatura (el sexteto de cuerda La noche transfigurada, el ciclo de canciones Gurre Lieder ,  el poema sinfónico Pelleas y Melisande y la composición coral Paz en la Tierra ). Muchas de sus obras se estrenaron en la Sala de la Sociedad Musical de Viena. Otros trabajos importantes de esta época fueron su Primera Sinfonía de Cámara para 15 instrumentos (1906) y su Segunda Sinfonía de Cámara para 19 instrumentos, que si bien comenzó este mismo año, no completó hasta 1939. Sus postulados teóricos, parecidos a los de Stravinsky,  tienen diferentes consecuencias: el arte no expresa ni transmite otra cosa que arte. Se trata del arte por el arte. Schoenberg buscaba que cada sonido y cada intervalo entre sonidos tuvieran un valor en si mismos independientemente de su funcionalidad tonal. Su preocupación fundamental fue lograr una concepción que estuviera caracterizada por las ideas de integridad y totalidad. Su música deja de situarse en el sistema tonal mayor-menor a partir de 1908, es decir, que a partir de ese momento su música se vuelve atonal (Cuarteto para cuerda nº 2). Schönberg rechazaba esta denominación, y prefería el término “politonal”. Más tarde, los conceptos de “atonal” y “atonalidad” se impusieron. Sin

embargo, son aún muy discutidos en la música, y no deben considerarse sinónimos. Esta fase, conocida como la “Libre atonalidad”, condujo las ideas de Schönberg sobre composición a un callejón sin salida, ya que necesitaba nuevos catálogos de material y de reglas para cada nueva composición. Luego de numerosos intentos, escribió a su discípulo Josef Rufer en julio de 1921: “Hoy he realizado un descubrimiento que asegurará la supremacía de la música alemana durante los  próximos cien años”. En 1921, Schönberg desarrolló en Modling su “Método de composición con doce sonidos”, también conocido como “dodecafonía”. Este método nació

independientemente del desarrollado por el compositor Josef Matthias Hauer, quien desarrollara también una técnica de composición dodecafónica que tiene algunos conceptos en común con el método de Schönberg, como la división hexacordal, que Hauer llamaba "Tropo", pero sin la solidez constructiva de la interválica del de Schönberg. Con este nuevo sistema Schönberg creyó ser capaz de plantear una estructura interna teórica para cada obra. Concebido inicialmente como una solución personal para un conflicto personal, el método dodecafónico fue aplicado por algunos de sus discípulos, especialmente por A. Webern, con entusiasmo, a pesar de que Schönberg nunca lo había enseñado en sus clases teóricas. Sus discípulos directos lo explotaron a través del análisis de sus obras. Fue sólo con la publicación de los libros de texto de otro compositor (Krenek) a partir de 1940, y gracias a la vehemente recomendación de  Theodor W. Adorno, que el método fue adoptado rápidamente por muchos compositores, entre los que se encontraba Igor Stravinsky. Schönberg empleó el método dodecafónico en sus obras principales hasta el final de su vida. En obras esporádicas, como la Suite en estilo antiguo (en Sol mayor para orquesta de cuerdas, 1934), o en las Variaciones para orquesta de viento en Sol menor op. 43 (1943), volvió a emplear el  sistema tonal. Schönberg era un hombre de letras en todo el sentido de la palabra. Escribió por sí mismo los libretos de sus oratorios y óperas,  así como de muchas de sus canciones.  Su vasta actividad educativa y una abundante correspondencia, así como la necesidad de defender sus obras y teorías públicamente y de manera continua, fueron elementos decisivos en su formación. En base a ellos desarrolló un estilo que no admitía contradicción, a menudo polémico, que unía a la claridad analítica un marcado rigor y un énfasis ocasional. Varios de sus ensayos se cuentan entre los textos fundamentales de estética musical del  siglo XX. Es imposible valorar en toda su magnitud la influencia de Schönberg en la música del siglo XX. Su obra brindó un impulso radical a las técnicas de composición y sus fundamentos teóricos, que incluyen desde la atonalidad y la música dodecafónica hasta la música serial y, por último, la música electrónica.

Discípulos, intérpretes y amigos En torno a Schönberg se formó un círculo de simpatizantes que sería conocido luego como la Segunda Escuela de Viena, entre los que se encontraban Alban Berg y Anton Webern.

En la primera mitad del siglo XX, intercedieron por Schönberg renombrados intérpretes, como los pianistas Artur Schnabel y Eduard Steuermann, los directores Hans Bosbaud y Hermann Scherschen, así como el cuñado de Schönberg, el violinista Rudolf Kolisch. Schönberg fue íntimo amigo del arquitecto vienés Adolf Loos,  al que había conocido en el salón de Eugenie Schwarzwald. Loos se dedicó de por vida a la representación de las composiciones de Schönberg, algunas de las cuales subvencionaba en secreto (entre las que se encontraba, probablemente, el famoso Concierto del escándalo de 1913 (Concierto de la bofetada)). Adolf Loos fue de mucha influencia en la posición de Schönberg frente a preguntas sobre  moral y verdad artística. La demanda de Schönberg, “la música no debe adornar, sino ser verdadera”, puede situarse en relación directa con la  estética de Loos, y en

especial con su lucha contra todas las formas de arte aplicado y a favor de la dignidad de las verdaderas artes plásticas, que tenía la necesidad de “prostituirse”

sin ningún reparo para gusto del público.

Schönberg como pintor Entre 1906-1912, así como en 1913, Schönberg se dedicó con esmero a la pintura.  En vida, sus cuadros ya habían formado parte de diez exposiciones, entre las que se cuenta la exposición El Jinete Azul, iniciada por su colega y amigo Vasili Kandinski.  Muchas declaraciones críticas, a despecho de su diletantismo, brindaron a las obras escultóricas un mayor significado a partir de su muerte. Schönberg ocupa en la actualidad, por su propio mérito, una posición entre los principales pintores de la época como Oskar Kokoschka,Egon Schiele, Richard Gerstl, Gustav Klimt, Max Oppenheimer y Albert Paris Gütersloh. En cuanto al contenido, los 361 cuadros de la vasta obra de Schönberg se clasifican en varios géneros: junto a numerosos retratos y autorretratos destacan sus “Visiones” y “Miradas”, en los que se encuentra una alta expresividad;

asimismo, existe una serie de paisajes y borradores de decorados para sus propias obras. Al igual que en sus composiciones musicales, el estilo de composición de sus cuadros realizados entre 1906 y 1911 es libre. Schönberg no pinta para producir un cuadro “bonito”, sino para “fijar sus sensaciones subjetivas”

(Vasili Kadinski). Estos cuadros deben ser vistos como el resultado de sus necesidades interiores. En oposición a su actividad compositora, que alcanzó a dominar a través del estudio autodidacta de los “antiguos maestros”, Schönbe rg se consideraba un aficionado en el terreno de la pintura. No poseía formación teórica ni estética, pero según algunas declaraciones era un buen dibujante, con un manejo adecuado de las proporciones y medidas. Las fuentes disponibles no establecen hasta qué punto Schönberg relacionaba su pintura con su música. En una ocasión declaró al respecto: “Mi pintura y mi música no tienen nada en común. Mi música

es el resultado de una teoría puramente musical y sólo debe ser valorada tomando en cuenta su naturaleza musical” (1913). En otra ocasión, declaró: “para mí, fue

igual que componer. Me dio la posibilidad de expresarme, de comunicar mis emociones, ideas y sentimientos; tal vez ésta sea la clave para entender estos

cuadros, o también para no entenderlos” (1949). En efecto, éste parece haber sido

un medio expresivo, basado en la afición de Schönberg, para que su faceta de pintor se diferenciara de la de compositor. La estructura de su obra musical, considerada exigente tanto expresivamente como desde el punto de vista teórico, no tiene relación con la espontaneidad inmediata de sus pinturas.

Las obras pictóricas de Schönberg  Autorretrato en azul (1910)  Autorretrato (1908) Bund (Alianza - 1910) Denken (Pensamiento – 1910) Paisaje (1910) Escena invernal (1910) Retrato de mujer (1910) Fobias 

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Schönberg sufría de triscaidecafobia,  es decir, de temor al número 13.  Contrajo esta fobia, posiblemente, en 1908, con la composición de las trece canciones del ciclo Das Buch der Hängenden Gärten Op. 15, basadas en poemas de Stefan George.2 Su ópera Moses und Aron se titulaba originalmente Moses und  Aaron  (con las dos aes del nombre de Aarón), pero así el título contenía trece letras, por lo que lo modificó. Su naturaleza supersticiosa le llevó a estar convencido de que iba a morir un año que fuera múltiplo de trece, según aseguraba Katia Mann.3

Alianzas, diseños e invenciones Schönberg concibió en los años 20 un Ajedrez de Alianzas, conocido como variante del ajedrez para 4 jugadores. Éste se juega sobre un tablero de 10 x 10 y de 36 fichas hechas por él mismo con materiales simples. Durante una visita del maestro de ajedrez Emanuel Lasker, Schönberg ocultó su invento y comentó “Ver este ajedrez sería tan malo para Lasker como para mí escuchar una composición que él hubiera hecho”.

 Asimismo, existen diversos diseños de muebles y planos para una máquina de escribir mecánica, naipes diseñados por él mismo, y un método de documentación escrita para un partido de tenis (Schönberg era un apasionado jugador de este deporte). Además, Schönberg mejoró y adaptó materiales de oficina para su trabajo diario, entre los que se cuenta un Rastral para hacer las cinco líneas del pentagrama simultáneamente, un atril portátil que no ocupaba mucho espacio, una regla de cálculo dodecafónica en varios diseños, un rollo de cinta adhesiva, un soporte para lápices y muchos inventos más.

Su obra

Óperas 

Erwartung (Expectación) op. 17 (1909). Monodrama en un acto. Libreto: Marie

Pappenheim. Estreno 6 de junio de 1924 en Praga ( Deutsches Theater ; Director: Alexander von Zemlinsky; con Marie Gutheil-Schoder [1874-1935] [La Mujer]) Die glückliche Hand  (La mano bendecida)  op. 18 (1910-1913). Drama con música. Libreto: Arnold Schönberg. Estreno 14 de octubre de 1924 (Ópera Popular de Viena, Director: Fritz Stiedry) Von Heute auf Morgen (De hoy a mañana)  op. 32 (1928-1929). Ópera en un acto. Libreto: Max Blonda (= Gertrud Schönberg). Estreno 1º de febrero de 1930 en Fráncfort (Ópera; Director: William Steinberg; Director escénico: Herbert Graf [1903-1973]) Moses und Aron. (Moisés y Aarón) Ópera en 3 actos (Fragmento; 1926-1932). Libreto: Arnold Schönberg. Estreno (en concierto) 12 de marzo de 1954 (salón Musikhalle Hamburg ; radio Nordwestdeutscher Rundfunk; Director: Hans Rosbaud), (escénico) 6 de junio de 1957 en Zurich (Teatro municipal; Director: Hans Rosbaud) Música vocal 

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Zwei Gesänge (Dos Cantos) op. 1 para un barítono y piano (1898). Texto: Karl

von Levetzow (1871-1945) Vier Lieder  (Cuatro canciones) op. 2 para una voz y piano (1899) Brettl-Lieder  (Canciones Brettl) (1901) para canto y piano Sechs Lieder  (Seis canciones) op. 3 para una voz media y piano (1899-1903) Deinem Blick mich zu bequemen (1903). Canción para una voz y piano. Texto: Johann Wolfgang von Goethe  Acht Lieder  (Ocho Canciones) op. 6 (1903-1905) para una voz y piano Sechs Orchesterlieder  (Ocho canciones con orquesta) op. 8 (1903-1905) Drei kanonische Chöre (Tres coros canónicos) para 4 voces (1905). Textos: Johann Wolfgang von Goethe (Habl) Friede auf Erden   (Paz en la Tierra) op. 13 para coro mixto a capella (1907). Texto: Conrad Ferdinand Meyer Zwei Lieder  op. 14 (1907-1908) para voz y piano

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Das Buch der Hängenden Gärten (El libro de los jardines colgantes ,  ciclo de

quince canciones (1908-1909). Texto: Stefan George Gurre Lieder (1900-1911). Cantata para solista, coro y orquesta. Textos: Jens Peter Jacobsen (de En cactus springer ud), en alemán por Robert Franz  Arnold. Estreno: 23 de febrero de 1913 en Viena (Sociedad musical, Gran salón; Anna Bahr-Mildenburg [Paloma silvestre], Marya Freund [Tove], Franz Nachod [Waldemar]; Coro Filarmónico. Director: Franz Schreker) Pierrot Lunaire op. 21 (1912) para voz y orquesta de cámara (Piano, flauta [también Piccolo], clarinete [también clarinete bajo], violín [también viola] y violoncelo). Textos:Dreimal sieben Gedichte  por Albert Giraud (1860-1929), en alemán por Otto Erich Hartleben Kol Nidre (Sol menor) op. 39 (1938) para orador (rabino), coro mixto y orquesta. Estreno 4 de octubre de 1938 en Los Angeles (en la víspera del Yom Kipur; Director: Arnold Schönberg) Herzgewächse, op. 20 (1911) para soprano, celesta, armonio y arpa. Música orquestal 

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Sinfonía de cámara nº 1  Op. 9, para 15 instrumentistas ([1906])

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Cinco piezas para orquesta (1909)

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Variaciones para orquesta op. 31 (1926-1928)

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Concierto para violín (1936)

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Concierto para piano (1942).

Música de cámara 4 cuartetos, serenatas, quinteto de viento, trío de cuerdas y el sexteto de cuerdas Verklärte Nacht (La noche transfigurada , 1899) Música de piano 

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Tres piezas para piano , Op. 11 (1909)

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Seis pequeñas piezas para piano , op 19 (1911)

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Cinco piezas para piano, op. 23 (1921-1923)

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Suite, Op. 25 (1921-1923)

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Piezas para piano , op. 33a y 33b (1931)

INTRODUCCION

 A continuación se le presenta algunas biografías de unos personajes que dejaron huella en tan prestigiosas composiciones que se realización durante su vida, y la gran enseñanza que nos dejaron a cada uno de nosotros.

CONCLUSION

La realización de la investigación fue de gran utilidad para cada uno de nosotros ya que tuvimos el agrado de conocer a tan prestigiosos compositores las cuales nos han dejado una gran enseñanza para nuestra vida.

COMENTARIO

El trabajo antes presentado fue de gran utilidad para cada uno de nosotros ya que observamos como ha sido la vida de cada uno de estos dos personajes que han dejado huella durante su vida ya que con sus sabios conocimientos adquirimos nosotros algunos de ellos para ser alguien importante en un futuro cercano.

BIBLIOGRAFIA

www.google.com www.wikipedia.com

Catedrática: Brenda Sosa Catedra: Música

Biografías

Nombres

Claves

Beverly Hernández

13

José Paulo Melgar

3ro. Básico Jornada Vespertina