Rhythm Guitar 1 (Spanish).pdf

ACERCA DEL AUTOR Troy Stetina

es reconocido internacionalmente como un prominente autor, maestro, músico y un virtuoso de la guitarra aclamado por la crítica. Sus libros, métodos de la serie TROY STETINA han sido aplaudidos por revistas especializadas y son usados por maestros y músicos alrededor del mundo entero. Troy ha sido además editor colaborador de Guitar World, Guitar School, y Guitar One, él ha creado programas para rock y metal para talleres talleres al igual que muchos programas programas de nivel universitario universitario en el Conservatorio de Música de Wisconsin. El menor de una familia de ciclistas Olímpicos de Indianápolis, Troy creció creció en el competitivo circuito circuito ciclístico ciclístico y capturó varias medallas Nacionales. Pero el ciclismo era más un imperativo familiar que una elección personal, la música era su verdadera pasión. A la edad de 12 años Troy empezó a tocar la guitarra en su tiempo libre. Principalmente aprendiendo por su cuenta, fue inspirado por los ritmos de hard rock de KISS y luego por la guitarra solista de Eddie Van Halen y Randy Rhoads, con los cuales pasó incontables horas aprendiendo de oído. Tiempo después el dirigió su técnica hacia la música clásica de Bach, Beethoven, Vivaldi, y el legendario violinista Niccolo Paganini. A la edad de 18 Troy tenía sus ideas propias, y para desgracia de sus padres dejó el atletismo de lado, rechazó una beca completa para la universidad por una vida de fama en el rock ‘n roll… Troy se mudó a la respetada y legendaria ciudad de la cerveza---Milwaukee—para poder tomar un puesto en la facultad del Conservatorio de Música de Wisconsin y formar el programa de guitarra de rock y metal. Allí, como director de estudios de guitarra rock, se ganó la reputación de educador musical de primer nivel con su infalible técnica, escribiendo un número de métodos best séller para Hal Leonard y presentando una versión en solista “en shredding” de los 24 Caprices, Movimiento Perpetuo, y otras piezas técnicamente demandantes en varios eventos del Conservatorio. (Como dato interesante, el Conservatorio se encuentra a menos de una milla del lugar donde Troy ganó el Campeonato Nacional de Ciclismo algunos años antes, en el lago de Milwaukee). Eventualmente su atención comenzó a dirigirse de la técnica gutiarrística hacia la composición, lo que fue reflejado en su disco de 1993 set TheWorld On Fire (Screamin’ Cat Records) con la co-escritora/vocalista co-escritora/vocalista Sauna Joyce. Un acompañamiento acompañamiento para el libro Secrets To Writing Killer Metal Songs, recibió vehementes elogios por parte de críticos alrededor del mundo por sus bien trabajadas canciones y el increíble trabajo guitarrístico. Además ese mismo año, Troy finalmente decidió decidió abandonar el conservatorio conservatorio para trabajar trabajar con músicos tanto de New York City y Los Angeles. Ahora, desde su casa del siglo XVIII en el campo, el continúa trabajando con varios músicos de todo el mundo, escribiendo métodos y columnas para revistas, componiendo proyectos en solista, así como enseñando en talleres de guitarra y clases avanzadas.

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Traducción: Christian Carvajal [email protected]

BIENVENIDO A LA “SERIE DE TROY STETINA”

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La SERIE DE TROY STETINA es un sistema completo para dominar el metal y construir una sólida habilidad musical, los métodos de las series cubren todo el espectro espectro musical desde la guitarra para principiantes principiantes hasta las más avanzadas y completas técnicas rítmicas y melódicas, pirotecnia del diapasón, teoría, principios melódicos, composición, y cómo desarrollar tu propio estilo personal. En resumen, las series te llevaran a un nivel profesional. Están escritos por alguien que se especializa en metal, por lo que cada método te da justo lo que necesitas para aprender rápida y correctamente. Generalmente es una buena idea usar dos o incluso tres libros complementarios a la vez, para poder gozar de la variedad al momento de practicar. Cada libro viene con su respectivo audio de manera que pueden ser usados individualmente o con la ayuda de un maestro. Indica el número de track en el disco. 1

PREFACIO PREFACIO El método de guitarra rítmica está diseñado para llevar a ti ---el guitarrista principiante---a tocar metal en serio tan pronto como te sea posible. Te pone en la situación real, y antes de que te enteres, estarás tocando metal con una banda completa! Aprenderás acordes, riffs, ritmos y progresiones progresiones usadas por bandas como: Guns ‘n Roses, Aerosmith, Van Van Halen, Metallica, Me tallica, Obour rne, Soundgarden,Stone Soundgarden,Stone Temple Pilots, Nirvana, Met Met t allica, Ozzy Obou rr ne, Alice In Ch C hains, h h ains, Black Sabbath, AC/DC, Motley Motley Crue, Crue, yy Scorpions. Scorpions. Peral Jam, junto a clásicos como Black Sabbath, AC/DC,

Como probablemente sabes, el metal en los 90’s no solo es un estilo, sino que ha progresado hacia una gran gama de “subestilos” podemos nombrar el pop metal, thrash metal, grunge g runge metal, metal alternativo, punk metal, metal progresivo, rap metal, y más (Las líneas entre ellos son a menudo muy delgadas). Cada uno abarca actitudes diferentes y usa diferentes elementos estilísticos, y a la vez tienen mucho en común---todos usan diferentes aplicaciones aplicaciones de la guitarra para metal. En este método, echaremos algo de luz sobre cada una de estas categorías, a la vez que cimentamos las fuertes bases que necesitas para tocar bien la guitarra. Para enseñarte todo esto, este método emplea una serie de emocionantes (mini canciones) o temas con bajo y batería, que van desde lo más simple a lo complejo. La primera canción aparece justo al final del primer capítulo. El segundo volumen concluye con la canción completa “Babilón”, “Babilón”, que aplica casi todos los conceptos y técnicas aprendidas en este método. (La pista completa de guitarra solista para “Babilón” a su vez aparece en el final del método de guitarra líder). También podrías hallar de ayuda el suplementar este libro con los demás para mantener una mayor variedad en tu práctica. Buena suerte, y que disfrutes el método!

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LA GUITARRA ELECTRICA A continuación tenemos tenemos la guitarra guitarra eléctrica típica, típica, como las usadas usadas en el metal. Las partes partes están etiquetadas etiquetadas para que te familiarices con los términos.

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En realidad no existe algo como la “guitarra para metal”, cualquier guitarra puede ser usada para tocar metal. Sin embargo, diferentes guitarras tienen tonos diferentes. Las dos más comunes son la Fender Stratocaster y la Gibson Les Paul. La Strat es conocida por su sonido más delgado, producido por sus pastillas single-coil, mientras que la Les Paul da un sonido más relleno, y de mayor salida, gracias a sus pastillas dobles o “humbuckers”.

Hoy en día, muchas excelentes marcas de guitarras duplican estos estilos básicos así como también ofrecen algunas variaciones o cuerpos diferentes. (Otras formas comunes incluyen por ejemplo la Explorer, la Flying V o la Telecaster por ejemplo.) Diferentes juegos de pastillas también son usados. Por ejemplo, la guitarra de la página anterior tiene una forma de Stratocaster pero usa pastillas dobles. Estas son más comunes en el metalespecialmente en los estilos más pesados. Sin embargo el sonido de single-coil es apreciado por muchas bandas de grunge y alternativas.

Las single-coils producen un sonido más delgado con generalmente menor salida.

Las pastillas dobles “humbuckers” producen un sonido más agresivo con generalmente mayor salida.

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POSICIONAMIENTO POSICIONAMIENTO Puedes practicar tanto sentado como parado. Es más fácil tocar sentado, pero querrás sentirte igual de cómodo al estar de pie. Cuando te paras, el ángulo entre tus manos y el mástil de la guitarra cambia un poco, y se siente diferente. Así que practica de ambas formas. En cualquier caso, la guitarra debe descansar en su lugar, balanceada sin que tengas que sostenerla con ninguna mano.

La mano izquierda es la mano de la digitación (Derecha si eres zurdo.) el pulgar yace en la parte trasera de la guitarra, y los dedos presionan las cuerdas contra el diapasón de la guitarra.

La mano derecha es la mano de los punteos (Una vez más, la izquierda si eres zurdo). Mantén la vitela entre tu pulgar e índice como se muestra, o como lo sientas mejor.

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AFINACIÓN

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Mantener tu guitarra afinada es muy importante. Debes chequear la afinacion de tu guitarra cada vez que empieces a tocar, o cada vez que las ceurdas te suenen desafinadas. Hay varios métodos para la afinación.

*Usar *Usa r las notas de la grabación. Escucha cada cuerda y ajusta la tensión de las clavijas (o de los microafinadores si tienes puente flotante) para que suenen como las del disco. Recuerda, puedes tocar la grabación todas las veces que necesites para afinar tu guitarra. Si tienes el puente flotante, deberás repetir el proceso varias veces. Los timbres de las notas al aire de la más gruesa a la más delgada son E,A,D,G,B,E. Esta es la secuencia en la que las notas de afinación son dadas.

*Usar un afinador electrónico. Es la manera más fácil, precisa y relativamente barata. Consigue uno si puedes, y simplemente sigue las instrucciones.

*Afina una cuerda (o asume que está afinada) y usa la afinación relativa para el resto. Si la cuerda E grave está afinada, tócala en el quinto traste y afina la quinta cuerda con ese tono. Luego has lo mismo con cada una de las cuerdas. El patrón cambia cuando llegas a la cuerda B. Usa entonces el cuarto traste en lugar del quinto.

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LOGRANDO EL SONIDO SONIDO

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Distorsionado vs. Limpio Limpio La gutiara para metal está distorsionada. Pero un sonido simplemente chillón no sirve, así que hablemos sobre cómo conseguir una buena distorsión para metal. Generalmente, los amplificadores de guitarra usan al menos dos instancias diferentes de amplificación. La primera---también llada pre-amplificacion---puede tener “overdrive” para crear un sonido distorsionado. Después la segunda instancia puede ser usada para regular el volumen general de ese tono distorsionado.

Un pedal de distorsión puede ser incorporado entre la señal de la guitarra y el amplificador para lograr una aun más pesada distorsión, o para tener una mayor variedad de sonidos.

El sonido siempre es una cuestión de gustos personales. Prueba varios tipos de pedales con tu guitarra y amplificador en particular y usa la que más te guste. (O has lo que yo y cómpralos todos! Nunca tendrás demasiados de estos juguetes.) El ejemplo 1, demuestra el sonido típico de una guitarra distorsionada, lo llamamos sonido “seco” porque no se le han añadido efectos. 1

Escucha una típica guitarra en modo “seco”. La Distorsión, también conocida como “fuzz” o sonido “sucio”-es el corazón de el cual el metal extrae su fuerza.

En ocasiones puede ser necesario “limpiar” el sonido para las partes más suaves de la música. Si tu amplificador tiene un switch de canales, regula uno para la distorsión y otro para la parte limpia. (Mantén el volumen de la pre amplificación bajo para tener un sonido limpio). Luego usa el switch de pie del amplificador para cambiar entre los sonidos. Si tu amplificador solo tiene un canal, enciende tu pedal de distorsión y/o baja el volumen de la guitarra para eliminar la distorsión y así limpiar el sonido.

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Escucha el sonido de una guitarra limpia. Un tono limpio y sin distorsionar puede proveer un interesante cambio dinámico. Aunque no es la verdadera base del metal, no es raro escuchar guitarras limpias usadas en secciones de canciones de metal.

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Tono y Ecualización Ecualización Los controles de tono en la parte delantera del amplificador regulan la “agudeza” y “gravedad” del sonido. La mayoría de amplificadores tienen al menos tres controles de tono, llamados Bajos, Medios y Agudos. Un cuarto control el cual afecta la agudeza de las frecuencias más altas llamado presencia también es común.

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Este tono típico de metal para guitarra fue producido usando la siguiente configuración en un amplificador Marshall estándar. Ahora escucha un más pesado, tono de thrash al estilo de Metallica con los medios “apagados”. Los settings para producir este sonido se ves así:

El tono (agudeza o gravedad) también es llamado EQ que viene de Ecualización. Por supuesto cada set de guitarra y amplificador sonará algo diferente. Experimenta con los controles de tu amplificador y de tu(s) pedal(es) de distorsión hasta encontrar lo que suene como te gusta. No hay reglas---es cuestión de gusto artístico.

Efectos Efectos Los efectos, o procesadores de señal, pueden ser añadidos para mejorar el sonido básico de tu guitarra y darle así una mayor profundidad. Los tres tipos más comunes son los reverbs, dedales y los efectos basados en el timbre (que incluyen al flanger y el pedal de coro). Pueden ser encontrados por separado o en una unidad programable para armar en un rack 1. En los siguientes ejemplos, cada efecto es demostrado para darte una idea sobre su utilidad. 5

Reverb.Reverb Abreviación de reverberación-simula el sonido de un cuarto o un salón más grande. El sonido salta alrededor, pero sin ecos distinguibles. Las unidades de reverb ofrecen un control sobre el nivel de reverberación y el índice de decaimiento. Las unidades más costosas ofrecen una mayor flexibilidad sobre el tamaño del salón y la textura de cada reverberación- este ejemplo usa un sonido de salón relativamente amplio.

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Delay.Delay El efecto de delay crea ecos bien diferenciados. Estas unidades generalmente ofrecen un control sobre la velocidad del delay y sobre el índice el decaimiento (es decir, del número de repeticiones). Este ejemplo usa un clásico delay “slapback”, configurado para repetirse cada 400ms (milisegundos).

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Flanger.Flanger.- Un flanger es un efecto basado en el timbre que crea un sonido por su propia cuenta. Este ejemplo demuestra el típico sonido de una guitarra con flanger (N.T: También conocido como efecto de jet).

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Coro.Coro.-El efecto de coro es similar al flange, pero con un índice más alto. El coro generalmente es un efecto más sutil, que crea la impresión de que se están tocando más de un instrumento. Un efecto de coro funciona de manera hermosa con una guitarra limpia y comúnmente es usado de esta forma, así que así es como es presentado en el ejemplo. Mantén en mente que cualquier efecto puede ser usado sobre cualquier sonido.

Combinar efectos. Ahora, probemos con reverb, delay y flanger sobre una guitarra distorsionada. Esta vez, tocaré exactamente lo mismo que toqué en el ejemplo 1, pero con todos los efectos parece que estoy haciendo algo más. Estos juguetes pueden ser muy divertidos! La guitarra en la grabación usa una pequeña dosis de reverb para darle mayor profundidad, pero puedes usar el efecto que gustes. Recuerda, aquí no hay reglas! 9

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Nota del Traductor: Debido a la fecha de creación de este método el autor no menciona los ahora tan populares multiprocesadores digitales de efectos.

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CÓMO LEER LA MÚSICA DE ESTE LIBRO LIBRO Este libro usa el sistema de tablatura (TAB) ya que es la más rápida y eficiente forma para aprender este estilo musical. Esto agilita el proceso de aprendizaje y te permite enfocarte en lo más importante, tocar la guitarra! Verás, la notación estándar no tiene nada que ver con la composición o interpretación de la guitarra para metal--la mayoría de guitarristas que escriben las canciones que quieres aprender ni siquiera la leen. Es más, hace que el metal parezca más difícil de lo que en realidad es. Ahora, no estoy diciendo que no deberías aprender a leer partituras si es lo que quieres, solo digo que no es necesario aquí. Al enfocarte en lo que es necesario, aprenderás más rápido. Y es lo que este sistema hace. Además toma solamente la mitad del espacio, lo que te da el doble de música en este libro. Y es tan fácil, ya sea que seas un experto en leer música o que seas un novato, aprenderlo será pan comido. Así que ¡empecemos!

Tablatura Tablatura La tablatura, o TAB abreviando, es muy fácil de aprender ya que es hecha a la medida para la guitarra (a diferencia de la partitura que es hecha a la medida del piano). La tablatura es un sistema que te da tonos, o notas, al mostrarte la cuerda y el número de traste a pisar. Las líneas horizontales representan las cuerdas, la más baja representa la cuerda E grave o sexta. Los números en una cuerda en particular te dirán cual traste debes pisar.

Este sistema de tablatura te dice que cerdas tocar y donde encontrarlas, pero no dice nada sobre cuando tocarlas o cuanto deben durar. El tiempo de las notas es la otra mitad de la historia. Para eso, aplicaremos las figuras rítmicas de la notación estándar directamente sobre los números de nuestra tablatura.

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Notación Rítmica Rítmica Cuando escuchas música, generalmente puedes sentir un pulso subyacente al que llamamos beat, es lo que naturalmente te hace golpear el pie contra el piso. Cada nota que tocas tendrá un tiempo específico y una duración relacionada a este beat subyacente, y esta es la base del ritmo. Los beats son a menudo ordenados en grupos de cuatro, contados “1…2…3…4…1…2…3…4….”. Separamos estos grupos de cuatro beats en compases. Y decimos que la música está en tiempo común, o de 4/4, cuando hay cuatro beats por compás. Las líneas verticales separan los compases, y una línea doble indica el final.

Aquí tenemos una breve comparación del tiempo de las notas de manera que te puedas familiarizar con ellas.

Una nota que dura un compás entero es conocida como redonda: Las notas que duran medio compás son llamadas blancas: Las Notas que duran un cuarto de compás son llamadas negras: Las notas que duran un octavo de compás son conocidas como corcheas:

Diagramas de Diapasón Diapasón Los diagramas de diapasón son usados para representar el diapasón gráficamente para poder mostrar formas de acordes y patrones de escalas. Imagina que estas mirando hacia abajo el mástil de tu propia guitarra. La línea inferior es la cuerda E grave, el clavijero estaría a la izquierda y el cuerpo de la guitarra a la derecha. Los números en la parte inferior corresponden a las marcas punteadas en tu diapasón.

OK, ahora estas listo para empezar! Asegúrate que tu guitarra esté afinada, ve al capítulo Uno, y ¡A rockear!

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CAPÍTULO 1 1 POWER CHORDS EN LA SEXTA CUERDA

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Un acorde son varias notas tocadas a la vez. El tipo más común de acorde usado en el metal son los acordes de quinta o power chords. Estos power chords consisten de una tónica, la cual le dá el nombre al acoerde, más una segunda nota a una distancia específica. Nuestro primer power chord es un E5. La tónica del acorde es la sexta cuerda al aire----la nota “E” grave. La otra nota es un “B” en la adyacente quinta cuerda. Pon tu primer dedo (el índice) en la quinta cuerda, segundo traste y aplástala. Primero, toca cada cuerda independientemente para asegurarte que ambas están sonando. Luego haz sonar el acorde al tocar ambas cuerdas a la vez con un ataque de púa descendente. Suena genial!!

TIP: Toca ligeramente las otras cuatro cuerdas con la parte carnosa de tu índice para mantenerlas calladas. De esa manera, incluso si las tocas accidentalmente no sonarán. Pero no presiones demasiado o las estarás pisando en lugar de acallarlas. Aquí está el por que lo llamamos acorde de quinta. Primero que todo, la nota raíz es un E por lo que inmediatamente sabemos que será alguna clase de acorde de E. ¿Pero de que tipo? Cuenta entre las notas que existen entre E y B empezando con un 1 para E.

Intervalo de Quinta Puedes ver que la distancia entre E y B son cinco letras, lo que conocemos como intervalo de quinta. De ahí el numeral “5” en el acorde, E5. Todos los acordes seguidos únicamente por un 5 son power chords, opuestos a otros tipos de acordes como los mayores, menores, 7ma, 9na, disminuidos o suspendidos.

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Imaginemos por un momento que la cejilla no está en la guitarra, de manera que pudiéramos tocar esa sexta cuerda al aire, pero que tuviéramos que pisarla. Como se vería el acorde de E5? Pon tu dedo en la sexta cuerda, justo sobre la cejilla, y aplasta la quinta cuerda en el segundo traste (B) con tu tercer dedo (anular). Esto se muestra en la siguiente foto. Pruébalo una vez.

Ahora, simplemente vamos a deslizar esta forma por el mástil para tocar otros power chords. Mueve ambos dedos un traste para tener un acorde F5. Muévelos al tercer traste para tener un acorde G5. En el quinto traste tendremos un A5. TIP: Presiona las yemas de tus dedos los suficientemente fuerte para eliminar cualquier zumbido excesivo de las cuerdas apagadas. Presionar justo detrás del entraste (la parte metálica) te ayudará a lograr que las cuerdas suenen de manera clara con menor presión. Además, apaga las demás cuerdas con el índice como antes.

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REDONDAS, NEGRAS Y CORCHEAS

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Los siguientes ejemplos combinan los power chords móviles con ritmos específicos. Las redondas duran cuatro beats, por lo que ocupan un compás entero de 4/4. Las blancas duran 2 beats, y las negras duran un beat cada una. •

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Primero, escucha cada ejemplo, siguiendo los acordes escritos. Y mientras lo haces lleva el ritmo con tu pie contando “uno, dos,tres,cuatro, uno, dos,tres,cuatro…etc” Después, aprende los acordes y toca junto con los ejemplos, de nuevo, contando y golpeando el pie con el beat subyacente. Finalmente, toca por tu cuenta, manteniendo un conteo constante sin ayuda de la grabación.

El ejemplo 12 usa una común progresión metálica al estilo de Scorpions, con redondas y blancas.

TIP: No quites la presión de las cuerdas al cambiar de acordes, más bien desliza los dedos de un acorde a otro. A continuación, cambiemos de la posición del acorde abierto E5, y la posición móvil de los power chords. El ejemplo 13 introduce negras, las cuales duran un beat. Recuerda marcar el beat con el pie sin perderte mientras practicas. También incluye una nota ligada, la cual combina dos notas en una. Toca las cuerdas ligadas como si fueran una sola nota larga. No olvides acallar el resto de las cuerdas para que no produzcan ningún ruido indeseado.

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El diagrama a continuación muestra los nombres de las notas en la sexta cuerda hasta el doceavo traste. Ya que la raíz da el nombre al acorde, un acorde correspondiente puede ser creado en cada posición. Toca todos los acordes del diagrama, diciendo su nombre en alto hasta que los hayas memorizado.

Este riff más pesado usa varios de estos acordes hallados en la parte más alta del mástil. Además introduce la blanca con puntillo. Un puntillo incrementa la duración por un medio, por lo que una blanca con puntillo durará tres beats.

Tip: Mira antes de saltar. Es decir, ubica la posición del siguiente acorde que vas a tocar, cuando el acor acorde de actual está aun sonando. No esperes hasta el último momento para hacer el cambio o podría ser demasiado tarde---tarde----especialmente ----especialmente cuando la distancia a recorrer es grande.

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POWER CHORDS EN LA QUINTA CUERDA

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Las posiciones de los acordes de poder que has practidado también son aplicables a la quinta cuerda. A continuacion tenemos un acorde de A5. nota que es igual que el acorde abierto de E5, excepto que todo ha sido movido una cuerda. Esta vez, toca la caurta y quinta cuerda a la vez.

TIP: Usa tu pulgar para tocar levemente la sexta cuerda y y acallarla, como se muestra en la foto anterior.

Ahora movamos la posición por el mástil. En el segundo traste tenemos un B5, en el tercero un C5, y en el quinto tenemos un D5.

TIP: Cuando toques la forma móvil del power chord, extiende la punta de tu primer dedo (índice) hacia arriba para acallar la sexta cuerda. O puedes usar el pulgar como antes.

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El ejemplo 18 es igual que el riff que tocaste anteriormente en el ejemplo 13, excepto que está centrado en A5 en lugar de E5. Decimos que ha sido transpuesto (o cambiado) a otra tonalidad. Ya que sigue el mismo patrón sonará igual, pero más agudo.

A continuación tenemos los nombres de las notas de la quinta cuerda hasta el doceavo traste. Toca todos los acordes correspondientes, diciendo sus nombres en alto hasta que te aprendas sus posiciones.

El ejemplo 20 usa estos power chords hallados en la parte más alta del mástil, en una progresión melódica de ocho compases con un estilo de balada. Recuerda, “mirar antes de saltar”, particularmente cuando las distancias son largas.

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“SALTANDO” CUERDAS “SALTANDO” ENTRE CUERDAS

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Hasta ahora, hemos tenido básicamente una sola forma, la cual movemos a lo largo del mástil. Ahora llevémoslo un poco más allá al saltar entre la quinta y sexta cuerda. Haz los cambios tan rápida y limpiamente como puedas. TIP: El ejemplo 21 también hace uso de una nueva forma de de E5, E5, lala cual combina la sexta cuerda al aire con nue va forma con el power chord en la quinta cuerda. Sin embrago, ten cuidado y silencia la sexta cuerda al aire antes de pasar al siguiente compás.

CORCHEAS CORCHEAS

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Las corcheas son el doble de rápidas que las negras. Éstas subdividen al beat en upbeats y downbeats contados “1…&….2….&...3…&…4…&”. Asegúrate que tu pie golpea el piso en cada número, o beat, y que está en el aire en cada “&”.

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LOS SONIDOS SILENCIO SONID OS DEL SILENCIO

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Los espacios entre las notas son llamados silencios. Detén las cuerdas para acallarlas por la duración del silencio. El riff a continuación da un “feel” simple, de tipo punk-metal, y mezcla las negras y corcheas con silencios de negra y corchea. Como siempre, lleva el beat con el pie mientras tocas.

El “SLIDE” “SLIDE”

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Hay dos tipos diferentes de slides en el riff usado a continuación: •

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El primero, usa un slide sin ataque de púa. Toca G5 y arrastralo a A5 sin volver a tocar las cuerdas con la púa. Al final del riff, el simbolo de slide aparece sobre los C5’s---los cuales son tocados con la púa. Esto simplemente significa exagerar el slide normal desde (y hacia) el acorde al deslizarlo más lentamente. Escucha cuidadosamente para copiar el sonido.

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“Whips And Chains”---nuestra primera canción con banda completa---es una tonada lenta que combina un lick de bajo al estilo de “No More Tears” de Ozzy con algunos cambios de acordes clásicos que nos recuerda bandas como Black Sabbath, Dio, Scorpions, Judas Priest, y Accept. La estructura general, de forma es ABABA, donde “A” simboliza una sección musical y “B” otra. No confundas estas letras con nombres de acordes. Aquí, describen secciones diferentes de la canción---como el coro y las estrofas. Primero escucharás la banda completa tocando la canción sobre la pista de acompañamiento (completada con una guitarra solista para darle un sentido más realista). Luego, es repetida pero esta vez sin la guitarra rítmica de manera que puedas ser parte de la banda y tocar. OK, ¡A rockear!

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CAPÍTULO 2 POWER CHORDS EXPANDIDOS EXPANDIDOS

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Podemos expandir nuestros power chords de dos notas al añadir una octava. Esto es, duplicaremos la tónica, poniéndola arriba del acorde. Ya que es la misma nota, no cambiará el tipo de acorde. (Decimos que es una versión diferente del acorde.) Simplemente suena más relleno, o compacto, que la versión de dos notas. Recuesta tu primer dedo sobre la cuarta y quinta cuerda, como se muestra en la foto. Golpea las tres cuerdas más graves juntas. Por supuesto, querrás seguir muteando las cuerdas más agudas con la parte carnosa de tu índice, como antes. Para el acorde móvil, toca la octava con tu cuarto dedo (meñique).

Así mismo podemos expandir los power chords en la quinta cuerda. A continuación tenemos los diagramas de la versión de tres cuerdas del acorde A5 abierto, y está asociado a la forma móvil del acorde. La configuración para los dedos es la misma que la usada para los acordes de la sexta cuerda.

Ahora regresa a los ejemplos 3-13 y vuélvelos a tocar, esta vez usando la versión expandida de los power chords. 21


DIGITACIÓN ECONÓMICA

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Los ejemplos 29 y 30, usan los mismos acordes que en el ejemplo 22 y 23, excepto que esta vez con digitación económica. Toca los acordes de la sexta cuerda con sus versiones de tres notas, y toca todos los acordes de la quinta cuerda con el primer (índice) y cuarto (meñique) dedo. De esta manera, no tienes que levantar el cuarto dedo---ya está en su lugar. Por lo que la transición entre los acordes es más sutil y fácil.

Muchos guitarristas prefieren usar el primer y cuarto dedo para tocar los power chords en la quinta cuerda. Puedes ser más cómodo así como más conveniente con este tipo de digitación económica. Puedes también extender la digitación índice-meñique a la sexta cuerda. Experimenta con varias digitaciones y descubre lo mejor para ti. El ejemplo 31 muestra el riff del ejemplo 15, con otro enfoque de digitación económica. Esta vez usa tu segundo dedo (medio) para tocar el E5, y podrás cambiar de E5 a F5 sin cambiar la posición de tu mano.

TIP: Experimenta hasta descubrir lo que más te guste, lo más importante es que te sientas cómodo. Recuerda, las “reglas” son solo líneas de guía.

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SOSTENIDOS Y BEMOLES BEMOLES

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Los sostenidos y bemoles son usados para nombrar a las notas que caen entre las notas naturales. Un sostenido (#) aumenta el timbre de una nota un traste. El opuesto es el bemol, el cual baja el timbre de una nota un traste. Por ejemplo, el primer traste de la sexta cuerda tiene un F. El segundo traste F#. También puede ser llamado Gb, ya que también está un traste bajo G. Gb se dice es enarmónico a F#. En otras palabras, son dos nombres diferentes para el mismo timbre.

Cada nota que yace entre las notas naturales puede ser nombrada con sostenidos o bemoles. El contexto musical es el que determina el nombre a usar.

El siguiente riff usa los power chords F# y B b en una progresión de pura, y desatada maldad. También hace uso de las repeticiones de finales múltiples, para permitir al riff ser escrito en menos espacio. Toca hasta el primer final y repite desde el inicio. Luego, en la segunda repetición, sáltate el primer final y ve directamente al segundo final. El tercer final es el mismo que el primero, y el cuarto es como el segundo.

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MUTEO MUTEO

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El muteo de palma es una técnica metalera muy importante. Se usa en la mayoría de riffs del metal. Aquí, cubriremos la técnica básica de muteo, y después a lo largo del método la desarrollaremos en diferentes situaciones musicales. El muteo de palma es en ocasiones llamado muteo de la mano de punteo, o muteo de mano derecha, porque es hecho con la mano que hace los punteos, la cual es la mano derecha (asumiendo que no seas zurdo). Apoya el contorno de tu mano sobre el puente, y permite que tu mano cubra el final de las cuerdas suavemente para apagarlas.

Las notas tocadas con palm mute tienen un tipo diferente de sonido. Habrá un ataque cortante, y percusivo combinado con un tono más compacto y grave de la nota. Si cubres demasiado la cuerda, no podrás escuchar los timbres de las notas---estarán completamente acalladas. Por otro lado, si no cubres suficientemente las cuerdas, sonarán libremente. Escucha el compacto y agresivo tono de los palm mutes en los siguientes ejemplos y experimenta para encontrar la posición que funciona mejor para tu sonido.

TIP: Descansa tu mano ligeramente sobre las cuerdas para el palm mute. Poner demasiada presión sobre las cuerdas cambiará su tono notablemente. notablement e.

No confundas el palm muting con el tipo de muteo de cuerdas discutido anteriormente donde el objetivo era evitar que las cuerdas extra creen sonidos indeseados. El palm mute le da unas características distintivas a las notas y acordes.

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El ejemplo 34 usa un muteo de palma a lo largo de un riff de notas solas. La digitación sugerida se muestra bajo la tablatura.

A continuación añadiremos un acorde sin mutear seguido de muteos de la sexta cuerda al aire. Levanta tu mano de las cuerdas para tocar el acorde, luego regrésala para volver al muteo. Aunque no necesariamente toques el acorde con mayor fuerza, sonará acentuado dentro del contexto de las notas muteadas.

TIP: Solo presiona el acorde cuando quieres que suene. Durante el muteo de la sexta cuerda al aire usa tu primer dedo para acallar las otras cuerdas.

PEDALEANDO LA RAIZ RAIZ

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El siguiente riff mejora al anterior, manteniendo los muteos de la cuerda E a través de un set de cambios de acordes. Ya que la nota mantenida a lo largo del set es llamada nota pedal, esto es a veces llamado “pedalear la raíz”. Este común dispositivo musical aparece a todo lo ancho del vocabulario del metal, en riffs desde Black Sabbath y Motley Crue hasta Metallica y los Stone Temple Pilots, por ejemplo.

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El palm mute puede ser aplicado a acorde por igual. Esto les da un sonido aun más pesado.

Ahora combinemos estos palm mutes sobre acordes con la idea de la nota pedal. Solo escucha esta retorcida asquerosidad! Es genial o que?!!

“Tales From The Crypt”—nuestra segunda canción con banda completa---es una rompe huesos de velocidad moderada con ominosas progresiones y salvajes acordes acentuados. Tipos similares de progresiones se pueden encontrar merodeando dentro de canciones de bandas como Metallica, Testament, Slayer y Pantera. Los Stone Temple Pilots y por supuesto la primera banda de black metal, Black Sabbath. La Forma es ABABA, con el riff principal (A) dando una sensación de coro y la sección más larga (B) estirando los versos (que este caso son solos de guitarra). Una sección ligeramente extendida configura la instrumentación un paso a la vez. Esta es una típica técnica de ordenamiento en el metal.

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Cuando creas que puedes tocarla decentemente, prueba grabarte con la segunda versión sin guitarra rítmica. Simplemente ajusta el volumen de tu amplificador y el bajo y la batería que saldrán por los parlantes de tu estéreo y grábate en cualquier dispositivo a tu alcance mientras tocas con la banda, de manera que puedas escuchar como suenas! 27


CAPÍTULO 3 MUTEO DE MANO IZQUIERDA

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El muteo de mano izquierda o muteo de mano de digitación, produce un clic percusivo con un timbre indistinguible. Silencia las cuerdas al tocarlas ligeramente con varios dedos, y toca las cuerdas con la púa. (No lo confundas con el palm mute). Tip: Para hacer que tus muteos sean más limpios y claros puedes usar un muteo de palma de mano derecha sobre ellos. O para un sonido más grunge/punk “indomado”, deja a los muteos de mano izquierda sueltos y chillones.

MÁS PODER SUELTO

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Cuando movemos el acorde d dos notas A5 una cuerda más abajo, llegamos a D5. Sin embargo la versión de tres cuerdas del acorde de D5 es algo diferente.

TIP: Puedes usar tu pulgar para acallar las cuerdas por arriba del mástil, como lo hicimos con el acorde de A5. 28


El ejemplo 41 usa acordes abiertos en una simple progresión de acordes al estilo de AC/DC.

El acorde de G5 abierto tiene una forma particular. Requiere que mutees una cuerda entre las que son tocadas. Toca ligeramente y mantén callada la quinta cuerda con la parte lateral de tu segundo dedo, el cual está tocando la sexta cuerda en el tercer traste.

Usa la digitación económica para saltar entre G5 y D5 en las siguientes progresiones, al mantener tu tercer dedo (anular) aplastando las cuerdas a través de ambos acordes.

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ACENTUANDO L LOS OS UPBEATS UPBEATS

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Un upbeat es el punto medio entre los beats, marcado por el “&”. El ejemplo 44 a continuación, sitúa un acento de acorde en el “& de 2”—es so, el punto medio exacto entre los beats 2 y 3.

TIP: Asegúrate que tu pie golpee el piso siguiendo al beat y no al acento. Tu pie debe estar en el aire en cada “&”. De otra manera perderás el feel del ritmo.

Ahora movamos ese acorde acentuado hasta G5, y usemos muteos de la cuerda E. Digita G5 solo cuando en realidad debe sonar. Durante los muteos, mantén tu tercer y cuarto dedo en posición, tocando suavemente y silenciando sus respectivas cuerdas.

El ejemplo 46 añade un segundo acento de acorde al ritmo---esta vez en el downbeat de 1.

TIP: Para lograr conseguir un feel sólido del beat mientras tocas, puedes exagerarlo al inicio. Golpea en un movimiento mecánico de “arriba/abajo”, parando en ambos puntos para marcar su ubicación temporal específica. Cuando lo hayas captado no habrá necesidad de seguir golpeando el pie de esa forma aunque deberías ser capaz de seguirlo sintiendo de esa manera.

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El ejemplo 47 emplea este ritmo de doble acento a acordes móviles bajo un tono pedal en A. Recuerda golpear el pie con el beat, para que puedas sentir tu ritmo moverse “en contra” del beat subyacente.

Ahora introduzcamos un silencio en este ritmo. Como ya lo sabes, para tocar un silencio debes parar las cuerdas y mantenerlas calladas. Sin embargo no es un largo espacio de tiempo. Tenemos únicamente un silencio de corchea en el beat 3. La primera línea del ejemplo suena parecido a “Mr. Tinkertain” de Ozzy Osbourne.

El ejemplo 49 reemplaza los palm mutes con muteos de tipo “clic” de mano izquierda. Aunque los acentos permanecen intactos, nota cómo crea una sensación diferente.

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VARIACIONES RÍTMICAS VARIACIONES RÍTMICAS

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El riff a continuación muestra unas pocas variaciones de ritmos que incorporan un acento en el “&” de 2. Mira si puedes tocarlos solo leyéndolos en lugar de escucharlos primero. Luego de intentar cada uno, escúchalo y mira si lo hiciste bien. ¡Mantén el beat estable!

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ARTICULACIÓN DEL VIBRATO VIBRATO

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El vibrato añade una vivacidad distintiva a las notas. Escucha al guitarrista Zakk Wylde (Ozzy Osbourne) para un buen ejemplo de un agresivo vibrato en acción en riffs de guitarra rítmica. Este tipo de vibrato es en realidad un ondeo de timbre producido al estirar, o doblar una cuerda---alterando su timbre---y luego regresarla a su tono original una y otra vez.

El ejemplo 54 es un ejercicio para ayudarte a desarrollar un sutil vibrato, un paso a la vez. Primero, estira la cuerda hacia abajo y dóblala para aumentar su timbre, luego regrésala a la posición original. Ahora prueba dos veces seguidas. Cuando lo logres, añade otro bend, y otro…y lentamente aumenta de velocidad. Escucha la grabación y copia la manera en que suena.

Ahora prueba hacerlo el tiempo. Concéntrate en hacer tus bends suaves controlados.

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“The Tao Of Metal” es un hipnótico grunge-metal presentando un envolvente riff en E con acentos al estilo de Alice In Chains. Sigue la misma forma ABABA, con A como el verso y B como los coros. Cada sección A, sin embargo, en realidad contiene dos partes diferentes---una progresión G,A,G,B b ensanduchadas entre riffs en E. Cuando llegues al final del coro verás escrito un signo de repetición “D.C al Fine,” lo que significa que vuelvas al principio y toques hasta el “Fine” o final. La línea de la guitarra solista le da un feeling más realista y te ayuda a sentir los cambios. Permite que esa repetición hipnótica te lleve a un profundo estado Zen. La repetición es buena! La repetición es el dios del rock, blues y metal!

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CAPÍTULO 4 DIADAS DE CUARTA

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Una diada es el nombre técnico para un caorde de dos notas. Todos los acordes de poder de 2 notas que usamos en el primer capítulo era “diadas de quinta”, específicamente, porque usan el intervalo de quinta. Ahora vamos a ver otra manera de tocar diadas en powerchords. Tomemos la versión de tres cuerdas de G5, y omitamos la tónica más grave.

Las dos notas restantes aun son un G5. Después de todo, la tónica G y la quinta D aun están presentes. Pero la forma se ve algo diferente cuando la raíz está en la parte alta del acorde y la quinta es más grave, en lugar de la forma que ya conocemos. Esta forma es un intervalo de cuarta. (La distancia de G a D es una quinta-G,A,B,C,Dpero la distancia de D a G es solo una cuarta-D,E,F,G). El ejemplo 56 muestra unos power chords con forma de díada de cuarta. Las díadas de cuarta son tocadas generalmente únicamente con el índice, al dejarlo recostado sobre ambas cuerdas. Pero recuerda, la digitación siempre queda a tu elección, puedes usar lo que te parezca más fácil. TIP: A medida que tocas díadas de cuarta, mira el diapasón y asocia mentalmente cada acorde con la posición de su tónica “fantasma”, aun cuando no la estés tocando.

El riff a continuación usa díadas de cuarta, à la “Twice as Hard” de los Black Crowes

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UPBEATS CON LIGADURAS (SÍNCOPAS) (SÍNCOPAS)

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Los acentos de upbeat en el capítulo anterior---todos en el “& de 2”---estaban seguidos por ya sea un palm mute, un muteo de mano izqueirda, o un silencio. En cada caso, un movimiento especifico coincidia con el beat 3 (ej. Tocar un palm mute o callar las cuerdas.) Ahora vamos a ver algunos acentos de upbeat que incorporan ligaduras, de manera que el acorde acentuado se mantendrá sobre el siguiente beat. Esto es lo que se conoce como síncopa. Un rítmo sincopado es algo más dificil de tocar ya que no cada subdivision del beat está “atada” a un movimiento específico. En otras palabras, el beat y el ritmo se vuelven un paso más independientes uno del otro.

Lograr un buen sentido de la síncopa es una obligación para cualquier músico. Continuaremos expandiendo las síncopas y desarrollándolas a lo largo del método.

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La siguiente frase acentúa el beat 1, el & del 2, y el 4. Pero lo hace únicamente con ligaduras, omitiendo el palm muting y los silencios por completo. El ritmo de los primeros dos compases es idéntico al ritmo de los dos últimos, pero se ve diferente debido a que la figura de la negra y corchea ligadas es reemplazada por una negra con puntillo. Ambas duran un beat y medio, son solo dos formas diferentes de escribir lo mismo.

El ejemplo 62 ubica un acento sincopado en el “& del 3” e incorpora más negras con puntillo.

Los siguientes ejemplos usan una sincopa en el “& del 4” ligándolo hasta el downbeat de 1. Nota en el ejemplo 64 cómo cada acorde es desplazado de su posición al moverlo medio beat antes. Esto es muy común en las progresiones de rock y metal. El término técnico para esto es anacrusa.

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“COMPING” DE ROCK ‘N’ ROLL

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El metal nació a partir del rock ‘n roll, por que no sorprende que muchas de las primeras figuras rítmicas del rock ‘n roll aparezcan de vez en cuando en el metal. Algunos “subestilos” del metal son más apropiados para este feel. Por ejemplo, el hard rock/metal de Aerosmith los usa con regularidad. Por otro lado, son deliberadamente poco comunes en los estilos más pesados. Pero pueden hacer sorpresivas apariciones incluso ahí. Como en “Man in a Box” de los amos del grunge metal Alice In Chains, por ejemplo. La figura básica del comping de rock ‘n roll incorpora un intervalo de sexta, el cual se encuentra un tono entero (dos trastes) más arriba que la quinta. A continuación, las díadas de quinta y sexta se muestran en E.

Mantén tu primer dedo abajo a lo largo de la figura, y usa tu tercer dedo para tocar las sextas en los beats 2 y 4.

El ejemplo 66 lo lleva a G. Toca el acorde de G5 con tu primer y tercer dedo, y usa el cuarto (meñique) para tocar la sexta. Esta es la misma figura utilizada en la antes mencionada canción de Alice In Chains. (Lo escucharás en la sección justo antes del Coro).

Ahora movámoslo al A. Y esta vez añadiremos una díada de séptima a la figura.

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CAMBIOS DE 12 COMPÁSES

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La progresión de blues de 12 compases es otro concepto claramente arraigado en el pasado. Los primeros rockers incluyendo a Check Berry, Elvis, los Beatles, y los Stones la tomaron prestada del Rhythm y Blues---de ahí el término progresión de “blues”. A lo largo del tiempo, vino a formar parte de la columna vertebral del rock ‘n roll. Y por supuesto, el metal nació del rock, por lo que no es sorprendente que la influencia de la progresión de blues pueda ser escuchada en el metal hoy en día. Sin embargo, raramente es usada en su totalidad. En su lugar, partes de ella---o aspectos de la misma—son incorporados. Démosle in vistazo a la versión original, y luego veremos como podemos adaptarla. A continuación tenemos la progresión de 12 compases completa en la tonalidad de A. Esto es, la progresión está centrada en el tono de A. está compuesta de cuatro frases de 4 compases. Nota cómo el comping de 6ta le da un verdadero feeling de rock ‘n roll.

TIP: Para mantener un conteo constante de los compases así como de los beats, beats, cuenta así así “1..2..3..4…2…2..3..4..3…2..3..4…4..2..3…4” reemplazando el primer beat con el número correspondiente a cada compás.

Los acordes son comúnmente enumerados para reflejar su relación con el centro tonal, que en este caso es A. Contando a través de los nombres de las notas, busca los números asociados a A, D, E. 1 2 3 4 5 A B C D E Usamos números romanos para indicar las relaciones de acordes. Así que A es el I acorde (“acorde uno”), D es IV acorde (“cuarto acorde”), y E es el V acorde (“quinto acorde”). Usando estos números podemos representar la progresión de 12 compases como:

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Ahora moveremos la tonalidad a E. el patrón relativo de los acordes permanece igual, pero está movido por el mástil hasta la posición abierta. Ya que E es el punto de partida, se vuelve I, A es IV, y B es V, Además añadiremos un riff turnaround en el V, en el último compás. (Se lo llama turnaround (vuelta) porque marca el final de la progresión y le da la vuelta hasta el inicio.) Y esta vez tocaremos acentos en cada downbeat de 1, creado por uso selectivo de nuestro palm muting.

El ejemplo 70 lleva la progresión otra vez a A, pero esta vez con acordes abiertos. Condimentaremos algo el ritmo al sincopar los acentos—eso es, los moveremos medio beat para que caigan en el compás anterior y los ligaremos al beat 1. Este es un excelente ejercicio de síncopas.

TIP: Recuerda Recuerda que tu pie debe golpear el piso en cada downbeat, no en cada acento.

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Este cambio de acordes es a menudo llamado “cambio de blues”. A continuación, tomaremos un riff más pesado a través de estos cambios de blues en E. También usaremos una variación común al mantener el V acorde en lugar de bajarlo a IV en el décimo compás. TIP: Escucha la diferencia de esta variación. Nota cómo el sentimiento optimista se mantiene mientras se mueve a IV, siente además la tensión del V que marca l clímax de la secuencia de acordes.

A menudo secciones de está progresión pueden ser usadas sin completar el patrón completo de los 12 compases. Pro ejemplo, checa los versos de “Seek And Destroy” de Metallica. Un riff similar al anterior se mueve a través de un patrón de acordes E-A-E (I-IV-I), siguiendo la secuencia de los primeros ocho compases. Otra variación común es usar únicamente la sección de turnaround I-V-I. También es común ver estos cambios adaptados a las progresiones de tamaños diferentes a doce compases. Escucha estos tipos de progresiones “prestadas del blues” en tus canciones favoritas y mira qué puedes encontrar. Podrías sorprenderte de lo común que en realidad es! “Rock ‘n Soller” –nuestra cuarta canción con banda—es un hard rock, al estilo Aerosmith/Motley Crue, con un feel más relajado, heredado del rock ‘n roll. Nota las figuras de comping y díadas de cuarta escabullirse entre el riff principal (A), así como los cambios de blues en acción. La sección B presenta el comping de 6ta junto con síncopas. No lo presiones demasiado. Solo déjate llevar por la música. Y no te preocupes por golpear siempre las cuerdas perfectamente. Lo importante aquí es que logres la actitud y el feel adecuado. ¡Es pura actitud! Usa algo de creatividad en tu interpretación, particularmente en esa sección B. Introduce acentos en otros lugares. Mézclalos. También podrías probar caminar mientras tocas, para relajar tu actitud.

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Ahora grábate tocando con el bajo y la batería, escúchate y mira qué clase de feel le estas dando. Para esta canción, querrás tocar algo más relajado, ligeramente detrás del beat. Pero no demasiado. Es algo sutil. 42


CAPÍTULO 5 HAMMER- PULL- -OFF’s HAMMER -ON’s -ON’s Y PULL -OFF’s

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Los hammer-on’s y los Pull-off’s son técnicas para hacer sonar notas sin golpearlas con la púa. Para tocar un hammer-on, debes literalmente martillar (hammer) tu dedo sobre una cuerda para hacerla sonar. Toca con la púa la primera nota, más grave, y martilla tu dedo sobre el diapáson para hacer sonar la segunda nota. Un pulloff es lo opuesto a un hammer-on. Retira tu dedo en una acción descendente (hacia el piso) para hacer sonar la segunda nota (más grave).

El ejemplo 73 usa hammers y pulls en un riff en E. Pon especial atención en tocar con la púa únicamente las notas indicadas.

A continuación, hammers y pulls son tocadas con ambas notas pisadas (sin cuerdas al aire). Mantén tu primer dedo en el primer C mientras martillas tu dedo sobre D. Luego aplica la misma idea al segundo compás, usando tu primer y tercer dedo.

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“BENDINGS” “BENDINGS”

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El estiramiento de cuerdas, no es completamente nuevo. Has estado estirando cuerdas para producir el vibrato desde la página 32. Sin embargo, aquí crearás un efecto muy diferente. Al estirar la cuerda y mantenerla en esa posicion, agudizaremos intencionalmente el timbre de la nota tocada.

El ejemplo 75 demuestra un bend de un traste, o medio tono, en el quinto traste de la cuerda E grave. Toca la primera nota y estira la cuerda hacia abajo (el piso) para aumentar su timbre al equivalente de un traste. La flecha indica un bend—aumentando el timbre—y el número en paréntesis te dice el timbre a alcanzar. Ten en mente, que no vas a digitar ese segundo timbre. El bend tiene lugar enteramente en el quinto traste. La flecha indica que el bend debe ser regresado a su timbre original. Escucha y copia el sonido. TIP:Usa tu segundo dedo, detrás del tercero, para reforzar y ayudar a doblar la cuerda como en la foto anterior.

El ejemplo 76 incorpora un bend de un traste a un riff de una sola nota en A. Nota que el bend puede o no ser tocado con la púa.

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ACENTOS DE DOBLE UPBEAT UPBEAT

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Las frases a continuación incorporan acentos “dobles”, acentos de upbeat y síncopas. Como siempre, asegúrate de llevar un beat continuo. Tu pie debe estar en piso en cada downbeat y en el aire en cada “&”. El ejemplo 77 usa silencios para separar sus dobles upbeats. La progresión de acordes combinados con este ritmo le da un típico feel de hard rock.

Los siguientes dos riffs le dan un feel thrash/grunge al estilo de White Zombie o Pantera más pesado. Nota las síncopas dobles.

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ACORDES MAYORES Y MENORES ABIERTOS ABIERTOS

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Así como los power chords consisten de dos notas diferentes, una tónica y su quinta, los acordes mayores y menores consisten de tres notas diferentes—una tónica, una tercera, y una quinta. Los acordes mayores añaden una tercea mayor, mientras que los acordes menoras usan una tercera menor. La tercera es a veces llamada el tono de color , ya que colorea a un acorde mayor o menor. Estos tonos numerados que forman los acordes son llamados formulas de acorde , y se muestran a continuación para que los compares.

Power Chord Acorde Mayor Acorde Menor

1,5 1,3,5 1,3b , 5 b,5

E mayor, E menor, m enor, y E5 Alternativo Alternativo Los acordes de E se muestran a continuación, con sus tonos correspondientes etiquetados. E mayor es a menudo llamado únicamente E mientras que E menor es abreviado “Em”. Nota la posición de las terceras tanto mayor como menor. La tercera menor, o 3b, siempre estará un traste detrás de la 3era mayor. También, en la versión alternativa de E5, nota que la tercera ha sido omitida.

E mayor y E menor comparten la misma tónica, pero sus diferentes terceras les da un color o cualidad diferente. E mayor suena alegre, mientras que E menor suena sombrío o triste. Un E5 puede sonar incompleto en comparación con un acorde mayor o menor. 46


A Mayor, A Menor Menor Una vez más, los tonos están etiquetados, esta vez reflejando A como raíz. Nota cómo la tercera menor está una vez más un traste por detrás de la tercera mayor. Además, nota las dos formas alternativas para A menor.

Ahora usemos algunas de estas nuevas formas de acordes. Nota como los acordes de E y A mayores le dan un sonido alegre a la progresion del ejemplo 82. el 83 es similar al coro del riff de “Ain’t Talking About Love” de Van Halen.

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D mayor, D menor menor D mayor y menor se muestran a continuación, con sus respectivas notas etiquetadas. Aunque las formas son un poco diferentes, hay también algunas similitudes. De grave a agudo la secuencia del acorde es raíz, quinta, octava, tercera. Nota que es la misma configuración usada en las cuatro notas más graves tanto de E como A.

G mayor y C mayor mayor Los dos últimos acordes abiertos, G y C. no tienen formas menores convenientes, así que veremos sus formas mayores. Estos acordes comparten una estructura similar en las cuerdas graves, que difieren de E, A y D. esto es porque los acordes de G y C incluyen la tercera en la primera octava, a diferencia de las otras formas de acorde.

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El ejemplo 86 usa G, D, y C mayor. Practica hasta que puedas poner cada acorde a voluntad, sin tener que pausar o suspender el beat. También, usa una indicación de staccato, lo que significa que toques una nota muy corta. El staccato se indica con un punto bajo la nota.

ARPEGIACIÓN ARPEGIACIÓN

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El término arpeggio significa que las notas de un acorde son tocadas en secuendia, una despues de otra, en lugar de todas a la vez. TIP: Para conseguir un sonido limpio, apaga tu pedal de distorsión y pasa al canal limpio de tu amplificador, y/o baja el volúmen de la guitarra.

El ejemplo 88 usa punteos hacia arriba para regresar de las cuerdas más agudas. Este es un método común de la arpegiación.

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”On The Prowl” Presenta un hard rock/metal a dos guitarras al estilo de KISS o AC/DC. Aprende ambas partes por separado, luego mira cómo interactúan. La estructura de esta canción es algo más compleja, con una introducción diferenciada (A), versos con sus propias introducciones (B), un pre coro (C), un coro (D), y un solo de guitarra. Repite todo dentro de los símbolos de repetición grandes como se indica. Aunque no hay voz, las diferentes secciones están bien definidas. Hey ¡!¿Por qué no escribir una letra y cantarla?!! Recuerda, la única manera de volverte bueno en algo –incluido cantar--es practicar!

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CAPÍTULO 6 LA ESCALA DE BLUES BLUES

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La escala de blues se halla en el corazón mismo de la mayoría de riffs de metal. Aquí está, msotrada en e, en dos posiciones.

Para cambiar la escala a A. simplemente nos movemos una cuerda hacia abajo, las mismas dos posiciones se muestran, esta vez reflejando a A como raíz.

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RIFFS EN LA ESCALA DE BLUES BLUES

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El ejemplo 91 muestra un riff de notas simples en la escala de blues en E.

El siguiente riff mezcla texturas de acordes y notas simples. Este usa la escala de blues en A.

Aunque formado por acordes, este riff también sale de la escala de blues. Específicamente, la tónica de cada acorde puede hallarse en la escala de blues de E.

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ACENTOS MULTIPLES DE UPBEAT UPBEAT

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El siguiente riff presenta acentos dobles y síncopas repetidas. Para este momento deberías tenerlo claro—mantén el beat estable! Estoy seguro que no tendrás problema con ello. Pero si lo tienes, significa que no le has dedicado suficiente tiempo a los ejercicios de upbeats y síncopas anteriores. Regresa y practícalos más! Luego regresa a estos ritmos y domínalos. TIP: Escribe el conteo de beats bajo cada ejemplo. Luego prueba aplaudir cada ritmo con las manos, mientras llevas el conteo de beats en los pies. Cuando lo logres, cada ejemplo te será fácil de tocar.

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PATRONES RÍTMICOS RÍTMICOS

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Un “patrón rítmico” ocurre cuando un set de notas es repetido sobre un agrupamiento ritmico diferente. El efecto es que las notas “dan la vuelta” en relación al ritmo subyacente. Esto es muy común los ritmos de metal. Nota cómo empieza en un downbeat, pero luego reaparece en un upbeat, luego en un downbeat, etc.

Este concepto tiene un rango ilimitado de variaciones. Miremos algunas pocas posibilidades aquí. En el primer riff, un silencio de semicorchea es usado como parte de un grupo de tres notas. Nota cómo el ritmo interactúa con el beat, convirtiendo un acorde en un genial ritmo. El ejemplo 100 usa un patrón de dos notas que recuerda la canción “Vasoline” de los Stone Temple Pilots. Y el ejemplo 101 revierte el patrón de tres notas mostrado anteriormente.

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“As Darkness Gathers” tiene un intenso estilo a lo Metallica, con riffs salidos del mismísimo infierno (o de la escala de blues a lo menos).Ésta demanda un feel, más agresivo y algo forzado. Y asegúrate que los acentos sobresalgan de entre los palm mutes colindantes tanto como te sea posible. Unos pocos acentos se indican como ataques ascendentes de púa. Cuando atacas las cuerdas de aguda a grave, las agudas suenan más, cambiando el tono del acorde. Empieza con una bien marcada introducción en palm muting (A), luego pasa al riff principal (B) con una típica instrumentación de metal a dos guitarras. El siguiente riff (C) tiene un sabor a verso. Es similar al riff principal y desarrolla el arreglo un poco más. Esto nos lleva a otro riff (D) el cual actúa como pre-coro y mueve el centro tonal temporalmente a F#. Entonces repite B, C, y D. A continuación reintroduce la figura de inicio (A) como puente, y luego lo mueve hacia una nueva dirección con un riff nuevo (E) para el solo de guitarra. A ese punto, usa un símbolo escrito de “ D.S al Coda ” lo que significa repetir desde el símbolo hasta donde dice “To Coda ”. Cuando llegas a ese punto, salta directamente la última sección marcada con la coda ( ). (Si todo parece confuso, solo aprende las partes y escucha la canción un poco. Lo aprenderás fácilmente). Hey, ¿que tal si escribimos una letra y le añadimos una voz?

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Rhythm Guitar 1 (Spanish).pdf

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