Contenidos Artículos Carlos Saura
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Isao Takahata
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John Carpenter
11
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Katsuhiro Ōtomo
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18
Mamoru Oshii
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Oliver Stone
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Paul Verhoeven
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Pedro Almodóvar
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Peter Weir
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Quentin Tarantino
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Richard Donner
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Ridley Scott
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Robert Redford
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Robert Rodriguez
76
Roberto Benigni
79
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91
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95
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98
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99
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102
Sidney Lumet
107
Sofia Coppola
112
Spike Lee
115
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117
Steven Soderbergh
127
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134
Takeshi Kitano
144
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148
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153
Tim Burton
155
Tony Scott
169
Vittorio De Sica
174
Walt Disney
177
Woody Allen
192
Zack Snyder
201
Zhang Yimou
202
Álex de la Iglesia
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Referencias Fuentes y contribuyentes del artículo
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Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes
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Licencias de artículos Licencia
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Carlos Saura
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Carlos Saura Carlos Saura Atarés
Carlos Saura en Calanda (21 de marzo de 2008).
Nacimiento
4 de enero de 1932 (80 años) Huesca, (España)
Nacionalidad Español Ocupación
Director de cine, guionista, novelista, fotógrafo
Cónyuge
Mercedes Pérez (1982-div.) Eulalia Ramón (2006-presente)
Pareja
Adela Medrano (separados) Geraldine Chaplin (separados)
Hijos
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Familiares
Antonio Saura (hermano)
Carlos Saura Atarés (Huesca, 4 de enero de 1932) es un cineasta y fotógrafo español, de amplio prestigio internacional.
Biografía Nació en Huesca el 4 de enero de 1932. Recién finalizado el bachillerato, comenzó a aficionarse a la fotografía, por lo que abandonaría sus estudios de ingeniería industrial para ingresar en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid, donde obtuvo el diploma de Dirección. En noviembre de 1992 le es concedida la Medalla de Oro de la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas de España. Asimismo, se le han otorgado importantes condecoraciones por parte de los gobiernos francés (en agosto de 1993 se le impone la Orden de Artes y Letras de Francia) e italiano (Gran Oficial de la Orden al Mérito de la República Italiana), así como los galardones más importantes que concede el Estado Español. En marzo de 1994 fue investido doctor honoris causa por la Universidad de Zaragoza. Saura tiene también una importante obra como fotógrafo y es autor de novelas traducidas a más de 20 lenguas, como Esa Luz, Elisa, vida mía o Pajarico solitario. Con la directora Adela Medrano tuvo dos hijos, Carlos y Antonio Saura Medrano. Convivió con Geraldine Chaplin durante más de una década y en 1974 nació su hijo Shane. En 1978 comienza su relación con Mercedes Pérez (1960), con la que contrae matrimonio en 1982 y con la que tiene tres hijos, Manuel (1980), Adrián (1984) y Diego (1987). En 2006 se casó con la actriz Eulalia Ramón, con la que tiene una hija llamada Anna. Es hermano del pintor Antonio Saura.
Carlos Saura
Carrera Debutó con el documental Cuenca (1958), al que siguió la película Los golfos (1960), que abrió el cine español al camino del Neorrealismo, estilo ya extendido por toda Europa. Pero es en La caza (1965), cuando aparece el mejor cine de Saura, con un asunto de gran dureza que hacía un análisis de las heridas provocadas por la guerra civil en la terrible historia de una partida de caza entre personajes que representaban distintas posturas vitales. La escenografía en exteriores, en un paisaje árido y la fotografía muy contrastada de Luis Cuadrado, hicieron de esta obra una referencia para el cine posterior y obtuvo grandes éxitos internacionales, consiguiendo el premio a la mejor dirección en el Festival Internacional de Cine de Berlín. Tras sus primeros films, comienza en 1967 su colaboración con el productor Elías Querejeta con la película Peppermint frappé, dando inicio al periodo más destacado de su carrera. Peppermint frappé es de nuevo una indagación psicológica sobre los efectos de la represión franquista tras la guerra civil, las inhibiciones eróticas y otras carencias de su generación. El desenlace es tan violento como La caza, pero aparece ahora situado en el espacio de la memoria o los instintos más primarios de los personajes. Temas y formas, puliendo este estilo abstracto, desarrollado en colaboración con Querejeta, que pretendía radiografiar los males de la sociedad española burlando la censura, continúan en Stress, es tres, tres (1968), La madriguera (1969), El jardín de las delicias (1970) y Ana y los lobos (1972). Ana y los lobos nos ofrece el mundo cerrado de una casona de una familia española aristocrática. Rafaela Aparicio, la matriarca de este mundo cerrado, retomará este personaje en Mamá cumple cien años (1979), una continuación de Ana y los lobos. A la casa solariega llega una institutriz extranjera para educar a las niñas de Juan, el varón de la casa. Las pulsiones sexuales frustradas de los tres hombres de la familia aparecen tras la llegada de esta bella joven cuyos modos más libres y su sinceridad provocan en el subconsciente de los varones deseos irreprimibles. Ana destapa la inquietud del ambiente cerrado y conservador de esta familia, revelando así los rasgos que tanto definen a la sociedad de su tiempo. En La prima Angélica (1973) que recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes, el pasado (1936) y el presente (1973) se funden y esto se muestra mediante la confusión del tiempo histórico que se produce en los planos de la película, incluso dentro de una misma secuencia. Así se delata el tema de la presencia de las heridas del pasado en el presente, clásico asunto del psicoanálisis. La fusión del tiempo tiene también otras consecuencias frustrantes, como el contraste entre el amor infantil de Luis y Angélica, que ha sido acaso su único amor, y la relación adulta de un Luis con una Angélica ya casada en una situación que hace imposible la recuperación de aquella relación afectiva. No es este el primer film que explora el recuerdo y la intromisión del pasado en el presente, que estaba ya bien dibujado en obras anteriores, como El jardín de las delicias (1970). María Clara Fernández de Loaysa, en su papel de Angélica niña, establece una relación con la figura de José Luis López Vázquez, cuyo personaje seguía la estela del que interpretó en El jardín de las delicias, donde aparecía en una silla de ruedas, simbolizando con ello la parálisis psíquica de aquella generación. En esta caso representa la frustración amorosa por su prima, en el doble papel de niño y adulto, representado por el mismo actor. Cría cuervos (1975), también premio del Jurado en el Festival de Cannes, vuelve a explotar el tema de la memoria, oponiendo en feroz contraste la mirada de la niña Ana Torrent a los personajes autoritarios. Elisa, vida mía (1977) es probablemente su obra maestra. Partiendo de un concepto muy ambicioso de interrelación del cine y la literatura, la película dialoga constantemente con los elementos peculiares del cine: imágenes, sonido, música y textos. En cuanto a las imágenes, hay una profunda relación entre escritura de textos y escritura visual. El diario que escribe el personaje interpretado por Fernando Rey es la fuente, o punto de vista de la enunciación, de lo que vemos, pero todo se complica al ser su hija, interpretada por Geraldine Chaplin, quien lee ese diario a su muerte. Por tanto hay que estar muy avisados para conocer el origen de la narración visual, que podría ser producida por la lectura de la hija, la escritura del padre o la voz enunciadora de un narrador externo a las voces de los personajes, algo así como un Saura-narrador. Todo ello entretejido de referencias a El gran teatro del mundo de Calderón de la
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Carlos Saura Barca, El Criticón de Baltasar Gracián y el mito de Pigmalión que oímos en la versión de la Ópera de Jean-Philippe Rameau (Pygmalion, 1748). Todo ello está pautado por la Gnosienne I de Erik Satie, que nos lleva a los espacios de la memoria. Con la llegada de la democracia a España, Saura se convierte en uno de los cineastas más destacados de la Transición. Los ojos vendados (1978) es un alegato contra la tortura y las injusticias en Latinoamérica. Al año siguiente aborda su primera comedia con su revisión de la familia de Ana y los lobos en clave cómica y con un aire de fin de franquismo en Mamá cumple cien años. Fue todo un éxito de crítica y público, premiada en varios festivales y seleccionada para el Oscar a la mejor película extranjera. En 1980 Saura cambia de registro y, abandonando el cariz intelectual, reflexivo y polisémico con el que trataba de diseccionar las consecuencias de la guerra civil y el franquismo, vuelve al cine popular, al que trata problemas contemporáneos como la marginación juvenil, con Deprisa, deprisa, que obtuvo el Oso de Oro del Festival de Berlín. En 1981 comienza la colaboración con Antonio Gades y con el productor Emiliano Piedra. Tras ver su ballet teatral Bodas de sangre Saura le propone llevarlo al cine, con lo que inicia un género de musical genuino y alejado de los moldes anglosajones. El musical recabó un éxito inesperado internacional tras proyectarse en Cannes. Con la película Bodas de sangre (1981) inventa un nuevo género de película de danza y contribuye con ello a la extraordinaria divulgación que experimenta estos últimos años el baile español en el mundo. De nuevo con Antonio Gades y Emiliano Piedra prepara una adaptación de la ópera de Bizet Carmen que se convierte en un éxito internacional en 1983, premiada en Cannes y seleccionada para el Óscar. Con El amor brujo, inspirada en la obra homónima de Falla, su musical más ambicioso hasta ese momento, cerraría una trilogía dedicada al musical español contemporáneo. Tras Dulces horas, la última colaboración con Elías Querejeta, Saura rueda en 1982 su primera película latinoamericana: Antonieta, la historia de una mujer durante la revolución mexicana. En 1984 Saura rueda con Piedra Los zancos. En 1985 acude al productor Andrés Vicente Gómez para financiar un ambicioso filme sobre la expedición de Lope de Aguirre en busca de El Dorado. El rodaje se lleva a cabo en Costa Rica durante 1987, y la película se convierte en la más cara de la historia del cine español hasta ese momento. En 1989 estrena La noche oscura, un film intimista sobre el periodo de prisión que sufrió San Juan de la Cruz, el gran místico y poeta español del siglo XVI. En 1990 rueda ¡Ay, Carmela!, adaptación de la obra teatral de José Sanchis Sinisterra. Para esta película, que revisa de nuevo la Guerra Civil, vuelve a trabajar con el guionista Rafael Azcona, y en la V edición de los Premios Goya obtiene 13 estatuillas. En 1991 se traslada a Buenos Aires para rodar El Sur, versión del cuento de Borges. Con Sevillanas hace un homenaje a lo más significativo del género, esta vez mediante una serie de cuadros independientes. Al año siguiente, se hace cargo de la película oficial de los Juegos Olímpicos de Barcelona, Maratón. En 1993 rueda "Dispara", una adaptación de un cuento del escritor italiano Scerbanenco. En enero de 1994, comienza el rodaje de Flamenco, que probablemente es el más importante documento audiovisual sobre este arte, a pesar de la desaparición de Camarón, que sí intervino en Sevillanas. Ya no se trata de una serie de cuadros inconexos, sino de un conjunto rodado con milimétrica precisión donde colaboraba como director de fotografía el mago de la luz Vittorio Storaro. En junio de 1997, Saura se traslada a Argentina para rodar Tango; esta película, tras múltiples polémicas, concurre a los Oscar bajo bandera argentina: la cinta es la más galardonada del año en Argentina, y Saura recibe el Premio Cóndor de la Asociación de Críticos Argentinos como mejor director del año. Aparece su novela Pajarico solitario. En abril de 1998 se estrena el film Pajarico. En 1999 estrena Goya en Burdeos. Publica su novela Esa luz. En 2000 Saura es distinguido con el Premio a la Mejor Contribución Artística y el Premio del Jurado del Festival de Montreal por Goya en Burdeos.
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Carlos Saura En 2001 Buñuel y la mesa del rey Salomón supone un tributo a su maestro declarado, Luis Buñuel, y al ambiente de la Residencia de Estudiantes de la España de los años 20. En el guion contó con la colaboración de Agustín Sánchez Vidal, quien ganara en 1988 el Premio Espejo de España de ensayo por su obra Buñuel, Lorca, Dalí: el enigma sin fin, y que tras esta experiencia como fabulador se dedicó con éxito a la novela de ficción. Comienza el nuevo siglo dirigiendo tres filmes musicales basados en idénticos presupuestos estéticos: Salomé (2002), puesta en escena de la conocida tragedia bíblica por la compañía de Aída Gómez; Iberia (2005), homenaje a la Suite homónima del compositor Isaac Albéniz; y Fados (2007), en coproducción con Portugal, sobre el fado, expresión musical portuguesa por excelencia. En estos filmes Saura reitera las mismas convenciones de los musicales previos de los años 90, empezando por el empleo de la luz como elemento dramático, así como la utilización de un mobiliario minimalista, obteniendo en consecuencia unos musicales de gran sobriedad y belleza visual, pero ya sin la novedad de aquellos. Entre sus últimas películas destacan El séptimo día (2004), cinta inspirada en el crimen de Puerto Hurraco, terrible masacre acaecida en la Extremadura profunda que conmocionó a España en 1990, con guion de Ray Loriga y, sobre todo, Io, Don Giovanni (2009), uno de sus más ambiciosos trabajos, superproducción en torno a la figura de Lorenzo da Ponte; entre medias, Saura realiza para la Exposición Internacional de Zaragoza 2008 el cortometraje documental Sinfonía de Aragón (2008), magistral ejercicio audiovisual en el que el protagonista es Aragón.
Filmografía Años 50 • • • • •
Flamenco (1955) -cortometrajeEl pequeño río Manzanares (1956) -cortometrajeLa tarde del domingo (1957) -cortometrajeCuenca (1958) -documentalLos golfos (1959)
Años 60 • • • • • •
Llanto por un bandido (1963). La caza (1965) Peppermint frappé (1967) Stress es tres, tres (1968) La madriguera (1969) El jardín de las delicias (1970).
Años 70 • • • • • •
Ana y los lobos (1972). La prima Angélica (1973) Cría cuervos (1975) Elisa, vida mía (1977) Los ojos vendados (1978) Mamá cumple cien años (1979)
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Carlos Saura
Años 80 • • • • • • • • •
Deprisa, deprisa (1981) Bodas de sangre (1981) Dulces horas (1982) Antonieta (1982) Carmen (1983) Los zancos (1984) El amor brujo (1986). El Dorado (1988). La noche oscura (1988).
Años 90 • • • • •
¡Ay, Carmela! (1990) Sevillanas (1991). El sur (1991) Maratón (1992) ¡Dispara! (1993).
• • • • •
Flamenco (1995). Taxi (1996) Pajarico (1998). Tango (1998) Goya en Burdeos (1999)
Años 2000 • • • • • • •
Buñuel y la mesa del rey Salomón (2001) Salomé (2002) El séptimo día (2004). Iberia (2005) Fados (2007) Sinfonía de Aragón (2008) -documental realizado para la Exposición Internacional de Zaragoza 2008Io, Don Giovanni (2009)
Años 2010 • Flamenco, Flamenco (2010) • 33 días (2013) -en proyecto-[1]
Premios y distinciones 1958-1970 • Mención especial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 1958 por Cuenca. • Medalla de Plata en el Festival de Bilbao de 1959 por Cuenca. • Oso de Plata al mejor director en el Festival Internacional de Cine de Berlín, por La caza (1965). • Oso de Plata al mejor director en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 1968, por Peppermint frappé (1967).
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Carlos Saura
1971-1980 • Prix L'Age d'Or a la mejor película de habla castellana de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina, por Ana y los lobos (1972). • Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 1974 por La prima Angélica (1973). Preseleccionada para el Oscar a la Mejor Película Extranjera. • Premio al Mejor Director de Trofeo Radio España por La prima Angélica (1974). • Premio Hugo de Bronce del Festival de Chicago por La prima Angélica (1974). • Premio a la mejor película nacional del Premio Radio España, por La prima Angélica (1974). • Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 1976 por Cría cuervos (1975). Preseleccionada para el Óscar a la Mejor Película Extranjera (1976). • Premio de la Crítica Francesa (1976) por Cría Cuervos. • Premio de la Crítica del Festival de Bruselas (1977) por Cría Cuervos. • Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actriz (Geraldine Chaplin) según la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York (1978), por Cría Cuervos. • Nominación al Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa (1976), por Cría Cuervos. • Elisa, vida mía (1977); Premio de Interpretación a Fernando Rey en el Festival de Cannes de 1977. Mejor Película según el Círculo de Escritores Cinematográficos (1978). • Mamá cumple cien años (1979); Premio Especial del Jurado del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (1979). Seleccionada para el Óscar a la Mejor Película Extranjera (1979). Mejor Guion del Festival de Chicago (1979). Premio Especial de la Crítica del Festival de Bruselas (1980). • Premio Nacional de Cinematografía (1980).
1981-1990 • • • •
Deprisa, deprisa (1980); Oso de Oro Festival de Berlín 1981. Premio Especial Calidad, Festival de Sydney 1981. BAFTA a la mejor película de habla no inglesa por Carmen (1985). Medalla Santa Isabel de la Diputación de Zaragoza (1985). V edición de los Premios Goya (1990). Premios por ¡Ay, Carmela!: Mejor Película, Mejor Director, Mejor actriz protagonista (Carmen Maura), Mejor actor protagonista (Andrés Pajares), Mejor actor de reparto (Gabino Diego), Mejor guion adaptado (Carlos Saura y Rafael Azcona), Mejor dirección de producción, Mejor montaje, Mejor dirección artística, Mejor diseño de vestuario, Mejor maquillaje y peluquería, Mejor sonido, Mejores efectos especiales.
1991-2000 • • • • • • •
Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (1992). Premio Ciudad de Huesca (1992). Medalla de la Orden de Artes y Letras de Francia (1993). Rosa de Oro y Rosa de Plata del Festival de Montreux por Sevillanas (1994). Título de Gran Oficial de la Orden del Mérito de la República Italiana. Doctor honoris causa por la Universidad de Zaragoza (1994). Gran Premio de las Américas del Festival Internacional de Cine de Montreal (1995) en ocasión del Centenario del Cine por su contribución al arte cinematográfico. • Premio al Mejor Director del Festival Internacional de Cine de Montreal por Pajarico (1997). • Premio Especial Camerimage al director de cine con especial sensibilidad visual (1998). • Premio Jules Verne del Festival de Cine de Nantes por Pajarico (1999). • Nominación al Óscar a la mejor película extranjera por Tango (1999).
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Carlos Saura • Premio a la Mejor Contribución Artística del Festival Internacional de Cine de Montreal por Goya en Burdeos (1999). • Premio a toda su carrera del Festival Internacional de Cine Latino de Los Ángeles (1999). • Premio Aragón a las Artes (2000). • Premio Especial del Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary de 2000 a toda su carrera.
2001-2010 • • • • • •
Premio a la Mejor Contribución Artística del Festival Internacional de Cine de Montreal por Salomé (2002). Premio a toda su carrera del Festival Internacional de Cine de Estambul (2002). Doctor honoris causa de la Universidad de Dijon (2003). [2] Premio de la Academia de Cine Europeo a toda una carrera (2004). Premio al Mejor Director del Festival Internacional de Cine de Montreal por El séptimo día (2004). Concha de Oro Honorífica del Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 2007 a toda su carrera. (El galardón solo se ha concedido dos veces, la anterior en 1981 a Luis Buñuel.) • Premio Internacional del Festival de Cine de Barcelona (2007). • Espiga de Oro Honorífica de la Semana Internacional de Cine de Valladolid de 2009 a toda su carrera. • Premio Ciudad de Sevilla del Festival de Cine Europeo (2010).
2011-presente • • • •
Premio Especial Ojo Crítico 2010, concedido por Radio Nacional de España (2011). [3] Fotogramas de Plata 2010 Especial Homenaje (2011). [4][5] Doctor honoris causa de la Universidad Nacional Autónoma de México (2011). [6] III Premio UIMP a la Cinematografía por su actuación relevante en el cine español y por su trayectoria profesional, concedido por la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (2011). [7] • Medalla Internacional de las Artes de la Comunidad de Madrid (2011). [8] • Premio "Siñal d'onor Espiello 2012" del Festival Internacional de Documental Etnográfico de Sobrarbe Espiello (2012). [9] • Premio anual de la Asociación de Cineclubes Checos, concedido durante la inauguración de la Escuela de Cine de Verano de la localidad checa Uherske Hradiste (2012). [10]
Obra literaria y fotográfica Junto a su labor cinematográfica, Carlos Saura es también un escritor de amplios horizontes temáticos y notable investigación estilística. Su novela Pajarico solitario (1997), llevada luego al cine con el título de Pajarico, es una narración de corte autobiográfico. De mayor ambición literaria es Elisa, vida mía (2004), con la que Saura realiza la operación inversa: novelar un film previamente realizado, en esta ocasión su película del mismo título fechada en 1977.
Novelas • Pajarico solitario (1997) • ¡Esa luz! (1998) • Elisa, vida mía (2004)
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Carlos Saura
Guiones (editados en libro) • • • • •
Cría cuervos Elisa, vida mía ¡Esa luz! Goya en Burdeos Buñuel y la mesa del rey Salomón
Libros sobre Fotografía • • • •
El Rastro (2003) [11] Flamenco (2004) Las fotografías pintadas de Carlos Saura (2005) Saura x Saura (2009)
Exposiciones (selección) • Otras miradas de Carlos Saura Exposición itinerante comisariada por Asier Mensuro que se inauguró en la SEMINCI de Valladolid (2009) y que posteriormente pudo verse en León (2009-2010), A Coruña (2010), Madrid (2010), Zaragoza (2010) y Gijón (2010-2011); En ella se reflexiona sobre los temas recurrentes en la obra de Saura, mostrando como se desarrollan en las difrentes disciplinas en las que trabaja como son el cine, la fotografía, el dibujo, las artes escénicas o la literatura.[12].[13] • Luz de Carlos Saura (Avilés, 2011); Comisariada por Asier Mensuro es la primera exposición con que se abre el Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer. En ella, Carlos Saura reflexiona mediante instalaciones, proyecciones y diversas piezas interactivas sobre uno de los temas que domina con mayor maestría: La luz; analizandola en todos los aspectos posibles: La ausencia de luz y los miedos primarios, el ojo biológico y los instrumentos mecanicos como la cámara oscura, fotográfica o cinematográfica, gracias a los cuales podemos captar la luz. La luz en la pintura, la arquitectura o la fotografía. También se incluyen piezas sobre caracterísicas de la luz como son el color, la sombra que produce o el reflejo. Finalmente, incluye una gran proyección homenaje a la luz de luces: El sol. [14]. [15]
Exposiciones (bibliografía) • Carlos Saura, fotógrafo: años de juventud (1949-1962), exposición de fotografías...' (edición de Agustín Sánchez Vidal) (Galaxia Gutenberg; Barcelona, 2000). • Otras miradas de Carlos Saura''(edición de Asier Mensuro, Jorge Gorostiza y Roberto Cueto) (Caja España Obra Social y Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC); Madrid, 2009).[16] • Luz de Carlos Saura (Cuaderno de trabajo de la exposición) (Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer; Avilés, 2011). [17]
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Carlos Saura
Enlaces externos • • • • • • •
Bibliografía de Carlos Saura [18] Página oficial de Carlos Saura [19] Carlos Saura en IMDb [20] Biografía y películas de Carlos Saura [21] Carlos Saura, fotógrafo en el Centro Virtual Cervantes [22] Carlos Saura en El Poder de la Palabra [23] Carlos Saura en ImaginArte Producciones [24]
Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6] [7] [8]
http:/ / www. cinefilo. es/ noticias/ antonio-banderas-y-carlos-saura-juntos-en-33-dias/ 42009/ http:/ / www. elperiodicodearagon. com/ noticias/ noticia. asp?pkid=79393 http:/ / www. abc. es/ agencias/ noticia. asp?noticia=648460 http:/ / www. fotogramas. es/ Noticias/ Fotogramas-de-Plata/ 2010/ Carlos-Saura-un-cineasta-excepcional http:/ / www. publico. es/ culturas/ 366158/ la-otra-noche-del-cine-espanol http:/ / www. ansa. it/ ansalatina/ notizie/ rubriche/ cultura/ 20110618193235278244. html http:/ / www. 20minutos. es/ noticia/ 1096082/ 0/ http:/ / www. elmundo. es/ elmundo/ 2011/ 12/ 20/ madrid/ 1324389532. html
[9] http:/ / www. lavanguardia. com/ 20120321/ 54275000659/ carlos-saura-premiado-con-la-sinal-d-onor-espiello-2012-en-el-unico-festival-espanol-de. html [10] http:/ / www. que. es/ cine/ 201207212053-carlos-saura-recibe-premio-anual-efe. html [11] http:/ / www. elpais. com/ articulo/ madrid/ Rastro/ anos/ retratado/ cineasta/ Carlos/ Saura/ elpepiautmad/ 20030521elpmad_34/ Tes [12] http:/ / www. asiermensuro. com/ es/ otras-miradas-de-carlos-saura. html [13] http:/ / www. elpais. com/ articulo/ madrid/ Carlos/ Saura/ artista/ fotografo/ elpepucul/ 20100205elpmad_16/ Tes [14] http:/ / www. larazon. es/ noticia/ 5207-carlos-saura-alumbra-el-nuevo-centro-niemeyer [15] http:/ / www. asiermensuro. com/ es/ luz-de-carlos-saura. html [16] http:/ / www. asiermensuro. com/ es/ otras-miradas-de-carlos-saura-catalogo. html [17] http:/ / www. asiermensuro. com/ es/ luz-de-carlos-saura-catalogo. html [18] http:/ / www. cervantes-muenchen. de/ es/ 03_bibliothek/ bibliographie/ saura_bibl/ Bibliografia. html [19] http:/ / www. clubcultura. com/ clubcine/ clubcineastas/ saura/ home. htm [20] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0767022/ [21] http:/ / tierra. free-people. net/ artes/ cine-carlos-saura. php [22] http:/ / cvc. cervantes. es/ artes/ fotografia/ saura/ default. htm [23] http:/ / www. epdlp. com/ director. php?id=919 [24] http:/ / www. asiermensuro. com/ es/ luz-de-carlos-saura-catalogo/ itemlist/ tag/ Saura. html
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Isao Takahata
Isao Takahata Isao Takahata (高 畑 勲 Takahata Isao?), nacido en Japón, el 29 de octubre de 1935, es director, productor y guionista de cintas de animación (anime). Es uno de los creadores más importantes del género. Cofundador, junto con su amigo Hayao Miyazaki de los afamados estudios Ghibli, su obra más afamada es La tumba de las luciérnagas. Takahata inició su carrera en los estudios de Toei Animation, donde dirigió su primera película, Hols, el príncipe del sol (Taiyou no Ouji Horusu no Daibouken,1968), en la que también participó Miyazaki. Entre 1974 y 1978, también con la intervención de Miyazaki, trabajó en Nippon Animation para World Masterpiece Theater, series de animación para la TV basadas en clásicos de la literatura infanto-juvenil. La primera obra fue Heidi, la niña de los Alpes (1974). Revolucionaria por su concepción reposada y costumbrista, lejos de las series de animación de la época con tramas de acción y fantasía, la obra fue un sorpresivo éxito mundial. Después Takahata dirigió otras dos series de pareja calidad e importancia: Marco (De los Apeninos a los Andes) y Ana de las Tejas Verdes. Más tarde, él y Miyazaki se independizaron y fundaron Studio Ghibli en 1985, en la cual Takahata ha dirigido cuatro películas: La tumba de las luciérnagas (Hotaru no haka, 1988, considerada por muchos una de las obras maestras del cine animado japonés), Recuerdos del ayer (Omohide Poro Poro, 1991), Pompoko (Heisei Tanuki Gassen Ponpoko, 1994) y Mis vecinos los Yamada (Houhokekyo Tonari no Yamada-kun, 1998). Actualmente se encuentra rodando Taketori Monogatari que estará inspirada en el cuento popular japonés El cuento del cortador de bambú. vecinos los Yamada]], (ホ ー ホ ケ キ ョ と な り の 山 田 く ん, Hō-ho-ke-kyo Tonari no Yamada-kun), 1999 • Taketori Monogatari (2010) (En alfabeto japonés: タ ケ ト リ モ ノ ガ タ リ. Traducción literal: El cuento del cortador de bambú) También participó en otros roles (principalmente como productor) en: • Nausicaä del Valle del Viento, (風 の 谷 の ナ ウ シ カ, Kaze no tani no Naushika), 1984 • El castillo en el cielo, (天 空 の 城 ラ ピ ュ タ, Tenku no shiro Rapyuta), 1986 • Nicky, la aprendiz de bruja, Kiki: entregas a domicilio en Hispanoamérica, (魔 女 の 宅 急 便, Majo no takkyubin), 1989
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John Carpenter
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John Carpenter John Carpenter
John Carpenter en 2001. Nombre real
John Howard Carpenter
Nacimiento
Carthage, Nueva York, Estados Unidos 16 de enero de 1948 (64 años)
Nacionalidad
estadounidense
Ocupación
Director, guionista, compositor, actor Premios
Premios Óscar Cortometraje :Bronco Billy Resurrection, 1970
John Carpenter (Carthage, Nueva York, 16 de enero de 1948), es un director de cine, guionista y compositor de bandas sonoras de nacionalidad estadounidense. Junto a David Cronenberg y Wes Craven, conformaron durante gran parte de la década de los 80 el grupo denominado "las tres C" del cine de terror moderno.
Biografía John Howard Carpenter nació en Carthage, Nueva York, en 1948. Ya de niño mostraba una temprana vocación cinéfila. Con 14 años había rodado cuatro cortos en 8 mm: Revenge of the Colossal Beast, Gorgo vs. Godzilla, Terror from Space y Sorcerers from Outer Space. Los títulos indican de manera clara las bases de su futura cinematografía. Con 15 años, creó su propia productora, Emerald, donde rodó Warrior and the Demon y Gorgon, the Space Monster. Con 17 años se dedicó a publicar: Fantastic Films Illustrated. A pesar de que su padre, violinista y profesor de música, esperaba de él que se dedicara a dicho arte, la prometedora carrera de su hijo en el cine quedó marcada al ganar, con sólo 22 años, el Oscar al mejor cortometraje por La resurrección de Bronco Billy (Bronco Billy Resurrection, 1970). Había comenzado los estudios de cine en la Universidad del Sur de California, con maestros de la talla de John Ford, Hitchcock e incluso Orson Welles, aunque dejó estos estudios inacabados. Su primer largometraje: Estrella Oscura (Dark Star, 1974), lo realizó en colaboración con Dan O'Bannon, coguionista de Alien, el 8º pasajero y Total Recall. Asalto a la comisaría del Distrito 13 (Assault on Precint 13, 1976), además de mostrar la huella de Howard Hawks en el estilo de Carpenter, inició la consagración de éste como director a raíz de su éxito en el festival de cine de Londres, en otoño de 1977 y con motivo de una retrospectiva dedicada a la serie B. Fue La noche de Halloween (Halloween, 1978), la que lanzó a la fama al director , tanto en lo que a taquilla se refiere como en el respeto que la crítica empezó a profesarle. Después de Fantasmas de Marte, John Carpenter se ha involucrado en el proyecto Masters of horror que el cineasta americano Mick Garris emprendió en 2005 en un intento por reunir en una serie de TV a los mejores artífices del
John Carpenter género de terror. En dicho proyecto se pudieron dar la mano Tobe Hooper, Dario Argento, Joe Dante, Takashi Miike y el cineasta que nos ocupa, entre otros. Para la primera temporada de dicha serie, John Carpenter dirigió la película (60 min. aprox) El fin del mundo en 35mm que participó a concurso en la sección oficial Fantastic en el Festival de Cine de Sitges. En 2006, para la segunda temporada de la serie, Carpenter dirigió Pro-life, siendo éste hasta la fecha, su último trabajo detrás de las cámaras. En 2010, John Carpenter estrenara la que será su única película en nueve años. Se trata de la cinta de terror y suspense The Ward, en la que una joven es internada en un psiquiátrico y comienza a ver el espíritu de otra chica por las noches.
Técnicas Sus películas se caracterizan por la iluminación minimalista y la fotografía, cámaras estáticas, el uso de Steadicam, y la música distintiva y sintetizada (generalmente de composición propia). Se describe como estar influenciado por Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Nigel Kneale, y la Twilight Zone: The Movie. Su música suele ser sintetizada con acompañamiento de piano y condiciones atmosféricas.
Cortometrajes • • • • • •
1962 : Revenge of the Colossal Beasts, realizado a los 14 años 1963 : Terror from Space, realizado a los 15 años 1969 : Warrior and the Demon, crédito como Johnny Carpenter 1969 : Sorceror from Outer Space 1969 : Gorgo versus Godzilla 1969 : Gorgon, the Space Monster
Filmografía • • • • • • • • • • • • • • • • • • •
Dark Star (1974) Asalto a la Comisaría del Distrito 13 (1976) La Noche de Halloween (1978) Alguien me está espiando (1978) (televisión) Elvis (1979) (televisión) La Niebla (1980) 1997, Rescate en Nueva York (1981) La Cosa (El Enigma de Otro Mundo) (1982) Christine (1983) Starman (1984) Golpe en la Pequeña China (1986) El Príncipe de las Tinieblas (1987) Están Vivos (1988) Memorias de un Hombre Invisible (1992) Bolsa de Cadáveres (1993) El Pueblo de los Malditos (1995) In the Mouth of Madness (1995) 2013: Rescate en L.A. (1996) Vampiros (1998)
• Fantasmas de Marte (2001) • The Ward (2012)
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John Carpenter TV • Masters of Horror :El fin del mundo en 35mm (2005) (televisión) • Masters of Horror :Pro-vida (2006) (televisión) • Masters of Horror :Trampa del diablo (2011) (cine)
Bibliografía • Gilles Boulenger, John Carpenter: the prince of darkness, Silman-James Press, Los Angeles, 2003, 296 p. (ISBN 9781879505674) (en inglés) • Ian Conrich et David Woods (dir.), The cinema of John Carpenter : the technique of terror, Wallflower, Londres, 2004, 219 p. (ISBN 978-1-904764-14-4) (en inglés) • Colin Odell et Michelle Le Blanc, John Carpenter, Kamera Books, Harpenden, 2009, 160 p. (ISBN 9781842433386) (en inglés) • Éric Costeix, Cinéma et pensée visuelle : regard sur le cinéma de John Carpenter, L'Harmattan, Paris ; Budapest ; Kinshasa, 2005, 304 p. (ISBN 2-7475-9995-7) (texte remanié d'une thèse de doctorat en Arts et sciences de l'art. Esthétique et cinéma, soutenue à l'Université Paris 1 en 2004) (en francés) • Luc Lagier et Jean-Baptiste Thoret, Mythes et masques : les fantômes de John Carpenter, Dreamland, paris, 1998, 335 p. (ISBN 2-910027-27-9) (en francés)
Enlaces externos • Ficha de John Carpenter en inglés [1] y en español [2] en Internet Movie Database. • Masters of horror [3] (en inglés) • Web oficial de John Carpenter [4] (en inglés)
Referencias [1] [2] [3] [4]
http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000118 http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000118 http:/ / www. mastersofhorror. net http:/ / www. theofficialjohncarpenter. com/
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John Lasseter
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John Lasseter John Lasseter
John Lasseter en octubre de 2011.
Nombre
John Alan Lasseter
Nacimiento
12 de enero de 1957 (55 años) Hollywood, California, Estados Unidos
Ocupación
Animador y director creativo
Años activo 1978-presente Cónyuge
Nancy Lasseter (1979-presente)
Padres
Paul Eual Lasseter Jewell Mae Risley
John A. Lasseter (nacido el 12 de enero de 1957 en Hollywood (Los Ángeles), California) es un animador y el director creativo de los estudios Pixar de animación.
Biografía Es miembro fundador de Pixar, donde supervisa todas las películas que produce este estudio de animación como productor ejecutivo. Además ha dirigido Toy Story, Bichos, Toy Story 2, Cars y Cars 2. Tiene dos Oscar de la Academia de Hollywood en su haber, uno al mejor corto de animación (por Tin Toy) y otro por Toy Story. [1] Lasseter empezó a trabajar en animación en los estudios Disney y, posteriormente, en la Industrial Light and Magic de George Lucas, donde se creó y posteriormente se escindió Pixar. Actualmente ha vuelto a trabajar en Disney como el director creativo de la compañía, debido al acuerdo suscrito tras la compra de Pixar por el gigante de la animación tradicional, llevado a cabo en abril de 2006. Lasseter compatibiliza sus dos trabajos de director creativo con el de asesor creativo para Walt Disney Imagineering, donde ayuda a diseñar atracciones para los parques temáticos que Disney tiene repartidos por el mundo, reportando directamente a Bob Iger, director de Disney, evitando a los mandos intermedios. Lasseter se graduó en el California Institute of the Arts, donde conoció a su futuro colega, Brad Bird. Su primer trabajo en Disney fue como capitán de la atracción Crucero de la Jungla de Disneylandia en Anaheim.
John Lasseter
Filmografía • • • • • • • • • • • • • • • •
Mickey's Christmas Carol (1983) Las Aventuras de André y Wally B. (1984) Young Sherlock Holmes (1985) Luxo Jr. (1986) Red's dream (1987) Tin Toy (1988) Knick Knack (1989) Porco Rosso (1992) Toy Story - Director (1995) Geri's Game (1997) Bichos, una aventura en miniatura - Director (1997) Toy Story 2 - Director (1999) For The Birds (2000) Spirited Away (2001) Monsters Inc. (2001) El coche nuevo de Mike
• • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •
Buscando a Nemo (2003) Boundin' (2003) (executive producer) Los Increíbles (2004) Jack Jack Attack (2005) Cars - Director (2006) One Man Band (2006) Mate y la lúz fantásma (2006) Descubriendo a los Robinsons (2007) Ratatouille (2007) How to Hook Up Your Home Theater (2007) Your Friend the Rat (2007) Presto (2008) WALL·E (2008) BURN-E (2008) Bolt (2008) Tinkerbell (2008) Partly Cloudy (2009) Ponyo (2009) Glago's Guest (2009) Tinkerbell y el tesoro perdido (2009) Up (2009) La Princesa y el sapo (2009) Prep & Landing (2009) Toy Story 3 (2010) Tangled (2010) Cars 2 (2011)
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John Lasseter
Premios Oscar • Special Achievement Award (Toy Story) • Mejor corto animado (Tin Toy) Nominaciones • • • • •
Mejor Guion Adaptado (Toy Story 3) Mejor película de animación (Cars) Mejor película de animación (Monsters, Inc) Mejor guion original (Toy Story) Mejor corto animado (Luxo Jr)
Annie • Outstanding Individual Achievement for Directing in an Animated Feature Production (Toy Story 2) • Outstanding Individual Achievement for Writing in an Animated Feature Production (Toy Story 2) • Best Individual Achievement: Directing (Toy Story) Nominaciones • Best Directing in an Animated Feature Production (Cars) • Outstanding Individual Achievement for Directing in an Animated Feature Production (Bichos) • Outstanding Individual Achievement for Writing in an Animated Feature Production (Bichos)
Festival Internacional de Cine de Berlín • Mejor corto (Luxo Jr)
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre John Lasseter. Commons
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre John Lasseter. Wikiquote • Ficha de John Lasseter en inglés [2] y en español [3] en Internet Movie Database. • Richard Verrier y Dawn C. Chmielewski, Fabled Film Company May Get a Reanimator [4], Los Angeles Times, 25 de enero de 2006 • Fortune Magazine interview with John Lasseter [5] - incluye información biográfica
Referencias [1] [2] [3] [4] [5]
http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0005124/ awards http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0005124 http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0005124 http:/ / www. latimes. com/ news/ local/ valley/ la-fi-lasseter25jan25,0,6064068. story?coll=la-editions-valley http:/ / money. cnn. com/ 2006/ 05/ 15/ magazines/ fortune/ pixar_futureof_fortune_052906/ index. htm?source=yahoo_quote
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Katsuhiro Ōtomo
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Katsuhiro Ōtomo Katsuhiro Ōtomo (大 友 克 洋 Ōtomo Katsuhiro?), nacido el 14 de abril de 1954 en Hasama en la prefectura de Miyagi, Japón. Es un dibujante de manga, director de anime, y guionista tanto de manga como anime. Se le conoce principalmente por ser el director de Akira, una de las películas más influyentes del anime, así como por ser el artista/guionista del manga original en el que se basa la película.
Vida Como adolescente que creció en los turbulentos sesenta, Otomo veía por todos lados las manifestaciones de tanto estudiantes como trabajadores contra el gobierno japonés. Este periodo de cambio es lo que creo el Japón que hoy en día conocemos - un Japón con un fuerte contraste con el Japón ocupado tras la segunda guerra mundial. Las revueltas, manifestaciones y en general la situación caótica de esa época, le sirvieron como inspiración para su trabajo más conocido, Akira.
Katsuhiro Ōtomo.
La animación de este periodo (especialmente los trabajos que salían de los estudios de animación de Tokio, Mushi Production y Toei Doga) influenciaron al joven Otomo. Trabajos como Gigantor, Astro Boy y Hols, príncipe del sol incitarían a Otomo a desarrollar su carrera dentro del mundo de la animación. Sin embargo, fueron los filmes provenientes de Estados Unidos los que encauzaron su naturaleza rebelde. Mi vida es mi vida e Easy Rider le servirían de inspiración para el personaje de Shotaro Kaneda y su banda de motoristas en Akira: jóvenes rebeldes que tomaban demasiadas drogas y no se preocupaban de la autoridad o de la presión puesta sobre ellos por la generación de sus padres.
Bibliografía • The Gun Report (1973). • Highway Star (ハ イ ウ ェ イ ・ ス タ ー, 1975-1978) • Short Piece (シ ョ ー ト ・ ピ ー ス, 1979) • Fireball (1979) • • • • • • • •
Pesadillas (童 夢 Domu, 1980) Good Weather (グ ッ ド ・ ウ エ ザ ー, 1981) Sayonara Nippon (さ よ な ら に っ ぽ ん, 1981) Kibun wa mou sensou (気 分 は も う 戦 争, 1982) Jiyu o warera ni (自 由 を 我 等 に, 1982) Akira (ア キ ラ, 1982-1990) Memorias (メ モ リ ー ズ, 1990) La leyenda de madre Sarah, (1990-1996)
• SOS Dai Tokyo Tankentai (Ｓ Ｏ Ｓ 大 東 京 探 検 隊, 1996) • The Memory of Memories (Artbook) (1996) • Hipira (2002)
Katsuhiro Ōtomo
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Filmografía • Jiyu wo warerani (自 由 を 我 等 に, 1982) • Genma Daisen • • • • • • • • • • • •
Labyrinth Tales' (Manie-Manie 迷 宮 物 語, 1987) conocido también como Neo-Tokio Lab (ラ ブ, 1987) Akira (ア キ ラ, 1988) World Apartment Horror (ワ ー ル ド ・ ア パ ー ト メ ン ト ・ ホ ラ ー 1991) Roujin Z (老 人Z, 1991) Robot Carnival (ロ ボ ッ ト ・ カ ー ニ バ ル), 1987) Memories (メ モ リ ー ズ, 1996) Spriggan (ス プ リ ッ ガ ン, 1998) Metropolis (メ ト ロ ポ リ ス, 2001) Steamboy (ス チ ー ム ボ ー イ 2004) Mushishi ((蟲 師, 2007) Freedom Project (7 ovas) 2007
Kevin Costner Kevin Costner
Kevin Costner Nombre real
Kevin Michael Costner
Nacimiento
Lynwood (California) 18 de enero de 1955 (57 años) Familia
Cónyuge
Cindy Silva (1978-1996) Christine Baumgartner (2004-) Premios
Premios Óscar Mejor película 1990 Dances with Wolves Mejor director 1990 Dances with Wolves Globos de Oro Mejor película - Drama 1991 Dances with Wolves Mejor director 1991 Dances with Wolves Ficha
[1]
en IMDb
Kevin Costner Kevin Michael Costner (Lynwood, California, 18 de enero de 1955) es un actor y director estadounidense. Debutó en Shadows run black (1981), pero su primer papel protagonista fue en el western Silverado (1985). Con Bailando con lobos (1990), película que dirigió y protagonizó, ganó siete Premios Óscar.
Éxito Tras Silverado (1984), protagonizó No hay salida. Pero fue Los intocables de Elliot Ness (1987), película que dirigió Brian De Palma, la que le otorgó la etiqueta de estrella y Bailando con lobos (1990) la que le consagró como tal. Protagonizó El guardaespaldas (1992) junto a Whitney Houston, aunque se rumorea que fue escrita para ser protagonizada por Robert Redford y Diana Ross. En 1994 rodó The perfect world y Wyatt Earp junto a Dennis Quaid, películas que no tuvieron mucho éxito y fue Waterworld (1995) la que pareció desacreditarle como actor de éxito. Como productor, tuvo que afrontar los fracasos de ésta última película y El mensajero del futuro (1997), que dirigió y protagonizó él. El 6 de septiembre de 2006 grabó sus huellas en el famoso Grauman's Chinese Theatre de Hollywood Boulevard.
Vida personal Se casó en 1978 con Cindy Silva, a la que conoció mientras estudiaba Ciencias Empresariales en la Universidad Pública de California. Junto a ella tuvo a sus tres primeros hijos: Annie (1985), Lily (1986) y Joe (1988). Durante el rodaje de Waterworld (1995), el actor le fue infiel a su mujer y el matrimonio decidió separarse en 1996. Fue ese mismo año cuando nació su cuarto hijo: Liam, hijo que tuvo con una periodista llamada Bridget Rooney.[2] En 2000 conoció a Christine Baumgartner y se casó con ella en 2004. Han sido padres de tres hijos: Cayden (2007), Hayes (2009) y Grace (2010).[3] El actor ha sido socio de la empresa ambientalista Ocean Therapy Solutions, que se dedica a evitar la contaminación con centrifugadoras en el Golfo de México. Se rumorea que ha tenido problemas con otros socios de la compañía. [4]
Filmografía Actor • • • • • • • • • • • • • • • •
Superman: Man of Steel (2013) The Company Men (2010) La Otra Hija (2009) El Último Voto (2008) Mr. Brooks (2007) The Guardian (película de 2006) Dicen por ahí... (2005) The Upside of Anger (2004) Open Range (2003) Dragonfly (2002) 3000 Miles to Graceland (2001) Thirteen Days (2000) For Love of the Game (1999) Mensaje en una botella (1999) The Postman o Mensajero del futuro (1997) Tin Cup (1996)
• Waterworld (1995) • El Árbol de los Sueños (The War) (1994)
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Kevin Costner • • • • • • • • • • • • • • • •
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Wyatt Earp (1994) Un mundo perfecto (1993) El guardaespaldas (1992) JFK: caso abierto (1991) Robin Hood, príncipe de los ladrones (1991) Revenge (1990) Bailando con lobos (1990) Field of Dreams (1989) The Gunrunner (1989) Bull Durham (1988) No hay salida (1987) Los Intocables (1987) American Flyers (1985) Silverado (1985) Fandango (1985) Shadows Run Black (1981),
Director • Open Range (2003) • The Postman (1997) • Bailando con lobos (1990)
Premios Premios Óscar Año
Categoría
Película
Resultado
1990 Mejor película Dances with Wolves Ganador 1990 Mejor director Dances with Wolves Ganador 1990 Mejor actor
Dances with Wolves Candidato
Premios BAFTA Año
Categoría
Película
Resultado
1991 Mejor película Dances with Wolves Candidato 1991 Mejor director Dances with Wolves Candidato 1991 Mejor actor
Premios Globo de Oro
Dances with Wolves Candidato
Kevin Costner
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Año
Categoría
Película
Resultado
1996 Mejor actor - Comedia o musical Tin Cup
Candidato
1991 Mejor actor - Drama
JFK: caso abierto
Candidato
1990 Mejor película - Drama
Dances with Wolves Ganador
1990 Mejor director
Dances with Wolves Ganador
1990 Mejor actor - Drama
Dances with Wolves Candidato
Premios Satellite Año
Categoría
Película
Resultado
2005 Mejor actor - comedia/musical The Upside of Anger Candidato
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000126 [2] Reseña de la vida personal de Kevin Costner (http:/ / www. eluniverso. com/ 2004/ 09/ 28/ 0001/ 1065/ 8A474285FF2943B6A0CBF29DDBE2EBD1. html) [3] Kevin Costner, padre de siete hijos (http:/ / www. cooperativa. cl/ kevin-costner-fue-padre-por-septima-vez/ prontus_nots/ 2010-06-03/ 210046. html) [4] Kevin Costner demandado (http:/ / www. cooperativa. cl/ kevin-costner-fue-demandado-por-ex-socio/ prontus_nots/ 2010-12-23/ 182537. html)
Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Kevin CostnerCommons. • Ficha de Kevin Costner en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000126) y en español (http://www.imdb. es/name/nm0000126) en Internet Movie Database. • KevinCostner.com (http://www.kevincostner.com/) (en inglés)
Mamoru Oshii
Mamoru Oshii Mamoru Oshii (押 井 守 Oshii Mamoru?, nacido en Tokio el 8 de agosto de 1951) es un director de cine, de televisión y escritor de origen japonés, famoso por sus historias con filosofias orientales. Ha dirigido un gran numero de animes muy populares, entre ellos, Urusei Yatsura 2: Bella Durmiente, Ghost in the Shell, y Patlabor 2. Tambien mantiene la distincion de haber creado la primer Publicacion Audiovisual de Anime (OVA), Dallos. Por su trabajo ha recibido numerosos premios ,entre ellos, la palma de oro, el leon de oro. Actualmente vive en Atami, prefectura de Shizuoka, Japon, con sus dos perros, un basset hound llamado Gabriel y un perro mestizo llamado Daniel.
Biografía Nacio en el distrito Ota, siendo estudiante experimentava con sus propias creaciones visuales, siendo apasionado del cine, una vez declaro haber visto 1000 peliculas en un ano. Se graduo en 1976 en la Universidad Gakugei en Tokyo, al siguiente ano comenzo su carrera profesional.
Carrera Comenzó a interesarse por los mundos de la ciencia ficción, en cualquiera de los ámbitos audiovisuales, desde muy joven. Rodó varios cortos en 16mm como puro entretenimiento antes de pasar al campo profesional. Tras finalizar sus estudios cinematográficos, comenzó en la industria de la animación trabajando para el estudio Tatsunoko Productions a mediados de 1977, debutando como asistente en la serie Ippatsu Kanta-kun.
Studio Pierrot En 1980 ficha por el entonces desconocido Studio Pierrot, encargándose de la serie Nils holgerson. Oshii colabora también como guionista en otras series y películas, destacando los dos largos de animación de la saga Urusei Yatsura, creada en manga por la conocida Rumiko Takahashi. Oshii presenciaría de primera mano la aparición de un nuevo sistema de venta de animación: el OVA (Original vídeo Animation), considerado una revolución dentro de la industria por las nuevas y enormes posibilidades que abría. Fue el Studio Pierrot quien ideó este nuevo sistema, y Mamoru Oshii tuvo el honor de dirigir el primer producto lanzado en ese formato: Dallos, una miniserie de cinco capítulos, que se considera la primera obra con el sello personal de Oshii. Su argumento, oscuro e inquietante, nos sitúa en un futuro en que la Luna se encuentra ya colonizada y explotada por el hombre, y un grupo revolucionario de selenitas comienza una lucha por la mejora de sus condiciones de vida frente al gobierno de la Tierra, quien a su vez pretende ocultar los secretos de una estructura extraterrestre, una estación espacial llamada Dallos. Desde ese momento, Mamoru Oshii se convirtió en un referente. En colaboración con Studio Deen guionizó y dirigió en 1985 otro OVA de gran calidad: Tenshi no Tamago, una obra experimental y confusa pero altamente recomendable, que contó con los diseños de Yoshitaka Amano. Dos años después dirigió otras dos historias en formato OVA sobre extrañas desapariciones de personas en Tokio: Twilight Q. A continuación decidió entrar en el campo de la películas de imagen real, con Akai megane (Las gafas rojas), que ya dejaba entrever el mundo de ciencia ficción complejo y fascinante de sus siguientes trabajos. A partir de 1988 se produce su definitiva consagración, con una saga que alcanzó prestigio mundial gracias a él: Patlabor. Oshii se encargó de dirigir las dos películas, además de las 6 primeras OVAs. Los largometrajes de Patlabor son dos de los mejores trabajos de su carrera, y figuran entre las mejores películas de anime de la historia, gracias a una trama adulta, llena de detalles de genialidad y uniendo los avances y los conflictos del mundo futuro con tramas políticas y personajes extremos. Además, en esos años todavía tendrá tiempo de cambiar de registro y dirigir la parodia Gosenzosama Babbanzai!, en 1989. Otro de sus proyectos más extensos fue Kerberos Panzer Cop, del que ideó una historia múltiple, plasmada en primer lugar en el guion del manga del mismo nombre, que
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Mamoru Oshii contó con los dibujos de Kamui Fujiwara. La historia recreaba un futuro alternativo en que Japón padecía convertido en un estado policial, con un gobierno totalitario que emplea una fuerza de represión brutal frente a las revueltas y al crimen. A continuación, el propio Oshii adaptaría su guion a imagen real en tres películas: Kerberos Panzer Cop, Stray Dog y Talking Head. En 1998, además, colaboraría en el guion de Jin-Roh, un largo de animación dirigido por Hiroyuki Okiura e inspirado en la obra original.
Ghost in the Shell Llegados al año 1995, Mamoru Oshii fue reconocido internacionalmente gracias a la superproducción Kōkaku kidōtai -Ghost in the Shell-, un increíble largometraje que generó una admiración por la animación japonesa en todo occidente. GITS Esta basada en la obra homónima de Masamune Shirow. El universo de GITS representa un paso adelante en la imaginería visual y creativa de la ciencia ficción: La profundidad de esta obra merecería un artículo aparte, en el que analizar los conflictos que planteará la evolución humana, la creación de nuevas formas de inteligencia y la búsqueda por parte de éstas de su “alma”.
Avalon Si con el exito de Ghost in the Shell, Mamoru Oshii se había Ganado la admiración en el campo de la animación, lo mismo sucedería en el terreno de la imagen real con el largometraje Avalon, en 2001, alabado a partes iguales por la crítica más conservadora y su público. Desde la estética de la película hasta la confusión paranoica que experimentan sus protagonistas, todo hace de ésta una parte decisiva de la ciencia ficción del nuevo milenio, influida por el cada vez más difuso límite entre lo virtual y lo real. Hay que destacar el ritmo pausado, casi poético de sus imágenes, y la elegancia y solemnidad de su banda sonora.
Blood, the last vampire Antes de retomar la trama de GITS, Oshii idearía una obra multimedia, que abarcaba gran parte de los métodos de entretenimiento: Blood, the last vampire. Esta historia de vampiros evolucionados, publicada en julio de 2002, muestra la cara más comercial de Oshii, y su capacidad de innovación al plantear una historia que no se desvela en un solo formato, sino que va aclarándose con cada uno de sus “componentes”: una serie de novelas (escritas por Junichi Fukisaku), la película de animación (dirigida por Hiroyuki Kitakubo), el manga (de Kenji Kitayama y Benkyo Tamaoki) y el videojuego para PlayStation 2.
Ghost in the Shell: Stand Alone Complex Consciente del impacto que Ghost in the Shell sigue teniendo entre los aficionados a la buena ciencia ficción, Oshii decidió extender ese universo, pero otra película no parecía suficiente para abarcar su proyecto. Así, mientras se dedicaba a fondo a la preparación de Innocence, la espectacular continuación cinematográfica, también aportaba argumentos que se pudiesen plasmar en una serie de animación. La primera temporada de la serie comenzó en 2003 bajo el nombre GITS Stand Alone Complex: en cada uno de sus 26 episodios de 25 minutos de duración se iba conformando un argumento que poco tenía que envidiar en cuanto a calidad y profundidad a sus versiones en la gran pantalla. El enorme éxito de la serie y su posterior edición en DVD propiciaron su continuidad en una segunda temporada (2nd GIG), publicada en 2004, que incluso supera en calidad tanto técnica como argumental a su predecesora.
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Mamoru Oshii
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Ghost in the Shell II: Innocence En la primavera de 2004 se estreno Ghost in the Shell II: Innocence, con un presupuesto de 2500 millones de yenes. Se trataba de una de las películas más esperadas de lo últimos años, y su calidad superó expectativas. En occidente se presentó en la mismísima Sección Oficial del Festival de Cannes 2004.
Premios Recibió el Premio de la Crítica José Luis Guarnier en el Festival de Cine de Sitges de 2008, por The Sky Crawlers.
Enlaces externos • Sitio Web oficial de Mamoru Oshii [1] • Sitio Web oficial de Production I.G [2] • (en inglés) TheBassetHound.net - A Mamoru Oshii Fansite [3]
Referencias [1] http:/ / www. oshiimamoru. com/ [2] http:/ / www. production-ig. com/ [3] http:/ / www. thebassethound. net/
Oliver Stone Oliver Stone
En el 66º Festival de Venecia. Nombre real
William Oliver Stone
Nacimiento
Nueva York, Estados Unidos 15 de septiembre de 1946 (65 años)
Nacionalidad
Estadounidense Familia
Cónyuge
Najwa Sarkis (1971-1977) Elizabeth Stone (1981-1993) Sun-jung Jung (Desde 1996) Premios
Oliver Stone
25 Premios Óscar
Mejor director 1986 Platoon 1989 Born on the Fourth of July Mejor guion adaptado 1978 Midnight Express
Globos de Oro
Mejor director 1987 Platoon 1990 Born on the Fourth of July 1992 JFK Mejor guion 1979 Midnight Express 1990 Born on the Fourth of July
Premios BAFTA Mejor director 1987 Platoon Ficha
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en IMDb
Oliver Stone (Nueva York, 15 de septiembre de 1946) es un director de cine y guionista estadounidense. Ha ganado tres Óscar y cinco Globos de oro por sus trabajos.
Biografía William Oliver Stone nació en Nueva York. Su padre era un agente de bolsa judío y su madre, francesa y católica; él más adelante se convertiría al budismo. Estudió en las universidades de Yale y de Nueva York. Participó como soldado en la guerra de Vietnam, en la que fue herido dos veces. Este hecho marcó su vida y es protagonista de algunos de sus mejores trabajos. Su producción cinematográfica se inspira en hechos reales. Sus primeros contactos con la industria del cine (sin contar los trabajos de guion y/o dirección en películas menos conocidas) fueron como guionista de gran éxito. Suyos son los guiones de El expreso de medianoche, de Alan Parker (1978), de Conan el Bárbaro, de John Milius (1982), y de Scarface, el precio del poder, de Brian De Palma (1983).
Carrera profesional Finales años 1980, consagración El paso al primer plano de la actualidad cinematográfica se produce con la dirección de Pelotón (Platoon) en 1986, con la que obtendrá el Óscar a la mejor dirección. En 1987 realizó Wall Street, una de sus mejores películas, y en la que narraba las peripecias de un tiburón de las finanzas, bien interpretado por Michael Douglas, que ganó un Óscar por este papel. Tras una breve pausa con la menos ambiciosa Talk Radio, Stone regresó con su segunda película sobre Vietnam, que sería muy diferente en enfoque y objetivos respecto a Platoon. Born in the fourth of July (Nacido el 4 de julio), protagonizada por el ascendente Tom Cruise, quien sería nominado al Óscar, es el relato de un veterano del conflicto, discapacitado por sus heridas de guerra, quien pasará de ser un fervoroso soldado a un activista en contra de la guerra. Sería el segundo y hasta ahora último Óscar como director para Oliver Stone.
Oliver Stone
Años 1990, polémica Imparable, y muy trabajador, al año siguiente (1990) realizaría The Doors, una poco valorada recreación de la vida del famoso grupo, y fundamentalmente de su líder, Jim Morrison, encarnado por Val Kilmer, y un año después realizaría la que para muchos es su película más importante como cineasta: JFK: caso abierto. Su relato sobre la investigación que el fiscal Jim Garrison desarrolló en los años 60 sobre el asesinato de John F. Kennedy causó un enorme revuelo debido al planteamiento de una conspiración y contribuyó a hacer crecer su imagen (muy autofomentada) de provocador. Dos años después estrenó su tercera película sobre Vietnam, Heaven & Earth, protagonizada por Tommy Lee Jones que, pese a no tener el impacto de las dos anteriores, certificó su versatilidad y las pocas facilidades que se dio narrando una historia de amor entre un veterano y una vietnamita, y siendo capaz al mismo tiempo de regresar al conflicto con una tercera óptica. Al año siguiente, 1994, adapta y cambia libremente un libreto de Quentin Tarantino, para afrontar una de sus películas más provocadoras y atacadas por la crítica, Natural Born Killers (Asesinos natos o Asesinos por naturaleza), que narra las peripecias de dos asesinos sociópatas que dejan un inefable rastro de sangre a su paso. Combinando todo tipo de objetivos de cámara, negativos en color y en blanco y negro, incluso animación, con un montaje alocado y demencial, Stone intentó llamar la atención por todos los medios posibles, logrando un notable éxito de taquilla. En 1995 regresaría al melodrama con el retrato de uno de los líderes más controvertidos de la historia de los Estados Unidos, Richard Nixon, con su biopic Nixon. Interpretado con gran solidez por Anthony Hopkins, la película obtuvo una respuesta fría de público y crítica negativa. Sin película en 1996, el año 1997 verá su regreso con el thriller U-Turn, que incluyó a Sean Penn, a Jennifer Lopez, a Nick Nolte y a Billy Bob Thornton. Hermana de Natural Born Killers, aquí el director relajó un poco el ritmo del montaje para ofrecer un relato de turbia atmósfera de un tono casi humorístico. En 1999 daría una sorpresa a sus seguidores con Any Given Sunday, sobre el mundo del fútbol americano.
Años 2000 En 2003 estrenó Comandante, en torno a la figura del presidente cubano Fidel Castro, en la que se asiste a una extensa entrevista-río. El documento tuvo detractores, que le reprocharon ser aquiescente con las respuestas del entrevistado.[cita requerida] El mismo año estrenó el documental sobre el conflicto palestino-israelí, Persona non grata. En 2004 regresaría a Cuba, para montar una segunda parte de Comandante, titulada Looking for Fidel, con motivo de la ejecución, por parte del gobierno cubano, de tres supuestos disidentes o terroristas. En 2004 dirigió Alexander, sobre la vida de Alejandro Magno, protagonizada por Colin Farrell, que relata en clave historicista, épica y lírica el viaje emocional de Alejandro a lo largo de sus años de conquista, abordando de forma explícita la bisexualidad del conquistador y de su relación con Hefestión. En 2006 abordó la destrucción de las Torres Gemelas de Nueva York en World Trade Center, que narra la historia verídica de dos agentes de la policía portuaria, uno de ellos interpretado por Nicolas Cage, que sobrevivieron milagrosamente al derrumbe de la estructura que mató a centenares de bomberos y policías. Este año hizo un pequeño cameo en la película de Santiago Segura Torrente 3: El protector. En 2008 dirigió un biopic sobre George W. Bush, llamada W., en la que narra la controvertida infancia del presidente, su relación con su padre, su lucha contra el alcoholismo, el redescubrimiento de su fe cristiana, su carrera política y su mandato presidencial durante la invasión de Irak de 2003. La película se basa en un guion del propio Stone y de Stanley Weiser, con quien también había escrito Wall Street. Actualmente prepara una nueva incursión en el viejo tema de Vietnam con Pinkville, protagonizada por Bruce Willis, y que se acerca a la masacre de My Lai, donde cientos de vietnamitas fueron asesinados por los soldados norteamericanos. A la vez realizó el documental llamado Al sur de la frontera, ésta vez sobre el resurgir de la
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izquierda en América Latina, en especial en Venezuela con su presidente Hugo Chávez.
Controversias En diciembre de 2007 Stone viajó a Colombia para participar, como observador y como documentalista,[2] en la liberación de tres rehenes del grupo guerrillero de las FARC, en una operación humanitaria nombrada Operación Emmanuel. El grupo de las FARC ha sido incluido en la lista de grupos terroristas por parte del gobierno estadounidense y la Unión Europea, después del fallido proceso de entrega de los rehenes, debido a la imposibilidad de entrega de un menor de edad, hijo de Clara Rojas (una de las rehenes) y al hecho de que fue concebido en cautiverio, y a que ya se encontraba en una institución de protección del Estado colombiano. Stone hace referencias frente a la posibilidad de que el gobierno colombiano es el responsable del fracaso de la misión, lo cual generó la inconformidad de éste, así como la de amplios sectores de la sociedad colombiana[cita requerida]. Las declaraciones de Stone se dieron antes de que el grupo guerrillero reconociera que no tenía al niño en su poder, o de que confirmaran su identidad las autoridades colombianas. El texto de la entrevista completa se encuentra en Internet.[3] En junio de 2010 Stone declaró que consideraba que la guerrilla colombiana las FARC eran heroicas.[4] Ese mismo mes, también declaró que "El golpe de estado en Honduras fue una vergüenza para los Estados Unidos" y criticó que el presidente norteamericano Barack Obama "no movió un dedo" durante los acontecimientos.[5] En 2010 declaró que es comunista, en una entrevista con el diario Sunday Times, que su serie documental Oliver Stone's Secret History of America era una reacción ante la "dominación judía de los medios". Estas palabras fueron denunciadas como antisemitas por la Liga Antidifamación.[6] Posteriormente Stone, quien a comienzos de ese año había declarado que "Hitler es el chivo expiatorio de la historia",[7] se disculpó por estas declaraciones.[8]
Filmografía • 1971 : Último año en Vietnam (Last Year in Vietnam corto) • 1974 : Reina del Mal (Seizure) • 1979 : Loco de Martinique (Madman of Martinique corto) • 1981 : La mano (The Hand) • 1986 • Salvador • Platoon • 1987 : Wall Street • 1988 • Hablando con la muerte (Talk Radio) • Nacido el 4 de julio (Born on the Fourth of July) • 1991 • The Doors • JFK: caso abierto (JFK) • 1993 : El cielo y la tierra (Heaven & Earth) • 1994 : Natural Born Killers • 1995 : Nixon • 1997 : U-Turn, giro al infierno (U Turn) • 1999 : Un domingo cualquiera (Any Given Sunday) • 2003 • Comandante
Oliver Stone en la premiere de Alejandro Magno en Colonia.
Oliver Stone
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• Persona non grata • 2004
• • • • •
• Alejandro Magno (Alexander) • Looking for Fidel 2006 : World Trade Center 2008: W. 2009: Al sur de la frontera (South of the Border) 2010: Wall Street 2: El dinero nunca duerme (protagonizada por Michael Douglas, Shia LaBeouf, Charlie Sheen y otros), la secuela de Wall Street. 2012: Savages (protagonizada por Aaron Johnson, Taylor Kitsch, Blake Lively, John Travolta, Uma Thurman, Benicio del Toro, Salma Hayek, Emile Hirsch, Demian Bichir ).
Premios Premios Óscar: Año
Categoría
Película
Resultado
1978 Mejor guion adaptado El expreso de medianoche Ganador 1986 Mejor guion original
Salvador
Candidato
1986 Mejor guion original
Platoon
Candidato
1986 Mejor director
Platoon
Ganador
1989 Mejor guion adaptado Nacido el 4 de julio
ganador
1989 Mejor director
Nacido el 4 de julio
Ganador
1989 Mejor película
Nacido el 4 de julio
Candidato
1991 Mejor guion adaptado JFK: Caso abierto
Candidato
1991 Mejor director
JFK: Caso abierto
Candidato
1991 Mejor película
JFK: Caso abierto
Candidato
1995 Mejor guion original
Nixon
Candidato
Premios Globo de Oro: Año
Categoría
Película
Resultado
1978 Mejor guion
El expreso de medianoche Ganador
1986 Mejor guion
Platoon
Candidato
1987 Mejor director Platoon
Ganador
1990 Mejor guion
Nacido el 4 de julio
Ganador
1990 Mejor director Nacido el 4 de julio
Ganador
1992 Mejor guion
JFK: caso abierto
Candidato
1992 Mejor director JFK: caso abierto
Ganador
1995 Mejor director Natural Born Killers
Candidato
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Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6] [7] [8]
http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000231 Stone filmará entrega de rehenes FARC para documental sobre América Latina (http:/ / www. aporrea. org/ internacionales/ n106850. html) Stone: my part in hostage baby saga (http:/ / observer. guardian. co. uk/ world/ story/ 0,,2236055,00. html) Oliver Stone Says FARC Is Heroic (http:/ / guanabee. com/ 2010/ 06/ oliver-stone-says-farc-is-heroic/ ?utm_source=feedburner& utm_medium=feed& utm_campaign=Feed:+ guanabee+ (Guanabee)) Oliver Stone: "El Golpe de Estado en Honduras fue una vergüenza para Estados Unidos" (http:/ / www. tercerainformacion. es/ spip. php?article15833) « Acusan de antisemitismo a Oliver Stone (http:/ / www. lacuarta. com/ noticias/ espectacular/ 2010/ 07/ 65-79645-9-acusan-de-antisemitismo-a-oliver-stone. shtml)». La Cuarta (20 de agosto de 2010). « Oliver Stone: "Hitler fue un chivo expiatorio" (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ cultura/ Oliver/ Stone/ Hitler/ fue/ chivo/ expiatorio/ elpepicul/ 20100112elpepicul_3/ Tes)». El País (12 de enero de 2010). « Stone se disculpa por un 'torpe' comentario sobre el Holocausto (http:/ / www. elmundo. es/ america/ 2010/ 07/ 27/ gentes/ 1280239615. html)». El Mundo (27 de julio de 2010).
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Oliver StoneCommons.
•
Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Oliver Stone. Wikiquote
• Ficha de Oliver Stone en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000231) y en español (http://www.imdb. es/name/nm0000231) en Internet Movie Database.
Orson Welles Orson Welles
Orson Welles en 1937 fotografiado por Carl Van Vechten. Nombre real
George Orson Welles
Nacimiento
Kenosha, Wisconsin, Estados Unidos 6 de mayo de 1915
Fallecimiento
Los Ángeles, California, EE. UU. 10 de octubre de 1985 (70 años) Familia
Cónyuge
Paola Mori (1955-1985) Rita Hayworth (1943-1948) Virginia Nicholson (1934-1940) Premios
Orson Welles
30 Premios Óscar
Mejor guion original 1941 Citizen Kane Óscar Honorífico 1971 Premio a la Trayectoria Profesional
Festival de Cannes Palma de Oro 1952 Otelo Mejor interpretación masculina 1959 Compulsion Ficha
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en IMDb
George Orson Welles (Kenosha, Wisconsin, Estados Unidos, 6 de mayo de 1915 - † Hollywood, Los Ángeles, Estados Unidos, 10 de octubre de 1985) fue un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense. Es considerado uno de los artistas más versátiles del siglo XX en el campo del teatro, la radio y el cine, en los que tuvo excelentes resultados. Alcanzó el éxito a los veintitrés años gracias a la obra radiofónica The War of the Worlds, que causó conmoción en los Estados Unidos cuando la gente que estaba escuchando el programa pensó que era una verdadera invasión de extraterrestres. Este sensacional debut le valió un contrato para tres películas con el estudio cinematográfico RKO, que le otorgó libertad absoluta en sus realizaciones. A pesar de estos beneficios, sólo uno de sus proyectos previstos pudo ver la luz: Citizen Kane (1941), la película más exitosa de Welles. La posterior carrera de Welles fue obstaculizada por una larga serie de dificultades e inconvenientes que le impidió seguir trabajando en Hollywood y lo obligó a trasladarse a Europa, donde trabajó como actor para financiar sus producciones. Entre sus muchos proyectos, Welles fue capaz de producir y dirigir películas como Macbeth (1948), Otello (1952), Touch of Evil (1958), El proceso (1962), F for Fake (1975), entre otros. Su fama creció después de su muerte en 1985, y ahora es considerado uno de los más grandes directores de cine y teatro del siglo XX. En 2002 fue elegido por el British Film Institute como el mejor director.
Sus primeros años Orson Welles nació en Kenosha, Wisconsin, segundo hijo de Beatrice Ives, una pianista y sufragista que había cumplido una condena por sus opiniones políticas fuertemente radicales, y Richard Wells, propietario de una cadena de fábricas de camionetas e inventor aficionado proviente de una familia rica de Virginia. Desde su nacimiento, Welles recibió una educación poco convencional de parte de sus eclécticos y adinerados padres, lo trataron como el prodigio de la familia y dirigieron su precoz talento hacia las diferentes formas de arte. El pequeño Orson aprendió rápidamente las enseñanzas de su madre y pronto se inició en la pintura. Welles hizo su primera aparición en el escenario a los tres años en una representación de la obra Sansón y Dalila, en la Ópera de Chicago.[2] En 1919 sus padres se separaron y Orson pasó a residir con su madre en Chicago, donde comenzó a introducirse en los círculos artísticos e intelectuales. El 10 de mayo de 1924, Beatrice Welles murió repentinamente de ictericia a la edad de cuarenta y tres. Tras la pérdida de su madre Welles vuelve a vivir con su padre y abandona para siempre su carrera musical. El Dr. Maurice Bernstein, un viejo amigo de la familia Welles y ex pretendiente de su difunta madre, estimuló en el infante el amor por el teatro, dándole una linterna mágica, un cuadro de pintura y un teatro de marionetas.[3] A la edad de diez años, mientras estudiaba su primaria en Madison (Wisconsin), Welles se dedicó a ofrecer presentaciones escolares y dirigió y protagonizó su primera representación teatral, El extraño caso del doctor Jekyll y míster Hyde. Al poco tiempo ingresó en la Todd School de Illinois, una escuela de vanguardia dirigida por el profesor Roger Hill, que en numerosas ocasiones Welles citó como su mentor y la persona que le suministró las ideas artísticas y literarias en las que fundamentó toda su obra futura.
Orson Welles
Primeros trabajos En 1931, a los 16 años, Welles comenzó a trabajar en el teatro en Dublín, Irlanda. Pronto se trasladó a Nueva York, donde debutó al año siguiente en Broadway con la representación de Romeo y Julieta. Fundó posteriormente la compañía de teatro Mercury Theatre, con la que obtuvo gran éxito. En 1938, junto con varios colegas de su compañía, representó por radio, en la cadena CBS, una adaptación de la obra de H. G. Wells La guerra de los mundos. El realismo fue tal que la emisión causó auténtico pánico en Nueva Jersey, donde, según la obra, estaba teniendo lugar la invasión de los extraterrestres. Este episodio le dio fama mundial, lo que llevó a la RKO Pictures a contratarle en 1939 con plena libertad para escribir, producir y dirigir dos películas. El contexto internacional del año 1939 - inestabilidad en Europa, inicio de la Segunda Guerra Mundial - también contribuyeron a potenciar el efecto que la representación de Welles tuvo en una audiencia muy sensibilizada por esos acontecimientos. Hasta ese momento la experiencia de Welles como realizador cinematrográfico había sido casi nula, por lo que comenzó a interiorizarse de la técnica y del lenguaje del cine, contribuyendo además con un estilo visual propio, inédito para la época, como el uso del "documental" dentro de la propia historia. Tenía 24 años cuando convenció al guionista Herman J. Mankiewicz para escribir una historia basada en la vida de William Randolph Hearst, magnate de la prensa, propietario de dos importantes periódicos. Tras unos retoques que él mismo realizó en el guion, Welles dirigió la película bajo el título de Citizen Kane. Hearst intentó prohibir la proyección, pero se estrenó en 1941 con gran éxito de crítica, aunque no de taquilla, debido a las trabas que tuvo en la distribución, promovidas por Hearst. Para el guion de su segunda película, The Magnificent Ambersons (1942), Welles se basó en la novela The magnificent Ambersons de Booth Tarkington (Premio Pulitzer en 1919). La película reflejaba la vida de una familia norteamericana a principios del siglo XX. El montaje final de Welles fue alterado por la RKO hasta tal punto que el cineasta dijo que habían arruinado su obra. No obstante la película conserva el vigor creativo de Ciudadano Kane. Con El extraño (1946) Welles se puso al frente de un proyecto en el que, como él mismo reconoció, su implicación personal fue mínima. A pesar de todo demostró que también sabía ser un eficaz artesano. La dama de Shanghái (1948), con su apariencia de thriller al uso, y similar en varios aspectos al filme Vértigo de Hitchcock (1958) —la ciudad de San Francisco, California, el teñido del cabello de Rita Hayworth, el traje sastre gris— trascendió los límites del género y de un enrevesado argumento, para convertirse en una tela de araña que atrapa al espectador con una rara fascinación. Se recuerda especialmente la escena en la galería de los espejos. Mr. Arkadin (1954) se resintió de un argumento que parecía querer aprovechar muchas de las premisas de Citizen Kane, así como de un reparto poco adecuado si exceptuamos la interpretación del propio Welles en su papel protagonista. Touch of Evil (1958) es su segunda obra maestra después de Citizen Kane En este subyugante thriller Welles se reserva el papel de un obeso inspector de policía que utiliza métodos de una ética más que dudosa. La película recorre un mundo onírico y de ambientes enfermizos que tiene ecos de drama shakespeariano. En El proceso (1962) Welles intentó adaptar la novela de Franz Kafka sirviéndose de su particular estilo cinematográfico. El resultado global fue desigual, aunque notable en muchas escenas. Welles ofreció una personalísima y muy intensa visión del mundo de Shakespeare en tres películas: Macbeth (1948), Otelo, el moro de Venecia (1952) y Campanadas a medianoche (1966). Ésta última, inspirada en diversas obras del dramaturgo inglés, es un monumento de inventiva visual y maestría interpretativa. La película tiene como hilo conductor a Sir John Falstaff, interpretado por el propio Welles. En 1973, Welles estrena F de Falso (en España, Fraude), una película de corte experimental planteada como un falso documental que se anticipa a algunas propuestas del cine postmoderno y que fue reconocida como influyente por realizadores como Jean-Luc Godard. En la película aparecen Picasso y Oja Kodar.
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Orson Welles En 1976, graba su voz recitando a Edgar Allan Poe para el famoso disco "Tales of Mystery and Imagination", de Alan Parsons Project. Curiosamente jamás tuvo contacto con ningún miembro del grupo (nunca conoció en persona a Parsons), que mientras estos trabajaban en la obra en Inglaterra, Welles lo hizo en unos estudios en USA; Por problemas técnicos de la época su participación no se incluyó en las primeras ediciones del trabajo (Alan era muy exigente y esto supuso un problema tecnológico que provocó la anulación de varias pistas de sonido en la grabación final, incluida la voz de Welles). En 2007 el álbum fue remasterizado y gracias a las mejoras técnicas actuales se incluyeron todas las pistas anuladas, recuperando la profunda voz de Welles y su magnífica forma de recitar. En 1979, hizo la narración de la versión en inglés de, A Step Away, película oficial de los VIII Juegos Panamericanos, celebrados en Puerto Rico en 1979. Esta narración fue la última que hizo para un largometraje. La película A Step Away, se restauró en 2010 en audio y video. El audio de la voz de Orson Welles, se sacó de la grabación de un LP original del soundtrack de la película. Actor prolífico, Welles a menudo usaba su trabajo de actor para financiar sus proyectos como director. Fue uno de los directores de mayor talento de la historia del cine, Citizen Kane, en su momento y ahora, representó (y representa) un prodigio de la técnica y narrativa cinematográfica. El plano secuencia inicial de Sed de mal (una toma ininterrumpida de varios minutos) demuestra un dominio de la puesta en escena y organización de los movimientos como sólo un cineasta de su categoría podía conseguir. Incluso obras menores como El extraño presentan rastros de su gran talento. En ocasiones es difícil establecer la cronología exacta de su filmografía debido a las películas que inició y no pudo finalizar por falta de financiación.
Vida personal Welles estuvo casado con la actriz Rita Hayworth. Mantuvo además una amistad con el presidente mexicano, el general Manuel Ávila Camacho. Durante toda su vida tuvo un elevado ritmo de trabajo y muchos pleitos financieros, lo que a la larga le acarrearía la muerte. Era conocido su amor por España por lo que rodó varias de sus películas en tierras españolas y cultivó la amistad de figuras conocidas del mundo de los toros de la época, como Antonio Ordóñez o Luis Miguel Dominguín. Welles murió de un ataque cardíaco en Los Ángeles en 1985. Sus cenizas fueron depositadas en el municipio malagueño de Ronda, en la finca de recreo de San Cayetano, propiedad de su amigo el matador de toros Antonio Ordóñez, según tal y como había expresado.[4] Sin embargo hay otras versiones en las cuales se dice que Orson Welles no dejo testamento alguno donde expresara sus deseos luego de su muerte, por lo cual su hija y esposa acordaron que sus cenizas sean esparcidas en España, ya que concordaron que ese fue el lugar donde Welles se sintio más feliz en el transcurso de su vida.
Filmografía Como director • • • • •
1941 - Citizen Kane (Ciudadano Kane / El ciudadano) 1942 - The Magnificent Ambersons (Soberbia[5] / Los magníficos Amberson / El cuarto mandamiento) 1942 - It's all true - Película inacabada 1942 - Tanques (Tanks) - Película inédita y desconocida 1945 - The Stranger (El extraño)
• 1947 - The lady from Shanghai (La dama de Shanghái) • 1947 - Macbeth (Macbeth) • 1952 - Othello (Otelo)
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Orson Welles • • • • • • • • • • •
1955 - Mr. Arkadin (Mister Arkadin/Confidential report) 1956 - Moonraker - Película desconocida en argumento. 1957 - Touch of Evil (Sed de Mal / Sombras del mal) 1962 - El proceso (The Trial), basada en la novela El proceso de Franz Kafka. 1965 - Campanadas a medianoche (Falstaff / Chimes at Midnight) 1967 - The Deep - Película inacabada 1968 - Una historia inmmortal (The immortal story 1969 - Don Quijote de Orson Welles - Película inacabada (aunque montada en 1992 por Jesús Franco).[6] 1970 - Al otro lado del viento - Película inacabada. 1973 - F for Fake (F de Falso / Falso / Fraude) 1978 - Filming Othello
Radio • 1938 - La guerra de los mundos (War of the Worlds) Como actor • 1941 - Citizen Kane (El Ciudadano / Ciudadano Kane) • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •
1943 - Estambul 1944 - Jane Eyre (Jane Eyre) 1945 - El extraño (The Stranger) 1947 - The lady from Shanghai (La dama de Shanghái) 1947 - Macbeth (Macbeth) 1952 - Otelo (Othello) 1949 - El tercer hombre (The Third Man) 1949 - Cagliostro (Black Magic) 1949 - Principe de los zorros (Prince of Foxes) 1956 - Moby Dick (Moby Dick) 1957 - Touch of Evil (Sed de Mal) 1958 - El largo y cálido verano (The long hot summer) 1959 - Compulsión 1962 - El proceso (The Trial) 1963 - Ro.Go.Pa.G (dirigida por Godard, Pasolini,Rossellini y Gregoretti) 1965 - Campanadas a medianoche (Chimes at Midnight) 1966 - Un hombre para la eternidad (A man for all Seasons) 1966 - ¿Arde París? (Is Paris burning?) 1967 - Casino Royale (Casino Royale) 1968 - Una historia inmmortal (The immortal story) 1968 - Castillo de naipes (House of Cards) 1970 - La batalla del río Neretva (Bitka na Neretvi / The Battle of Neretva) 1973 - Fraude (F for Fake) 1972 - La isla del tesoro 1979 - A Step Away, Película Oficial VIII Juegos Panamericanos 1979, San Juan de Puerto Rico (Ultima narración para un largometraje-140mins.) • 1980 - El secreto de Tesla (Tajna Nikole Tesle) • 1986 - The Transformers the movie [7] (voz/Unicron [8]) último papel
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Orson Welles
Bibliografía • Herrero Sánchez, David: Ciudadano Wells, Convivia Literaria [9] no. 1 (Febrero de 2006), págs. 31-32
Notas [1] [2] [3] [4] [5] [6] [7] [8] [9]
http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000080 Valentinetti 1988, pp. 118-119 McBride 1979, p. 19 Entierro íntimo de Orson Welles. El País (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ cultura/ WELLES/ _BEATRIZ/ WELLES/ _ORSON/ ORDONEZ/ _ANTONIO/ Entierro/ intimo/ cenizas/ Orson/ Welles/ elpepicul/ 19870508elpepicul_6/ Tes) Resultados De Busqueda (http:/ / www. videomaniaticos. com/ comprar/ resultado_busqueda_personajes. asp?Titulo=ford& personaje=ford& pel_jue=A) Segun imbd (http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0104121/ ) http:/ / es. wikipedia. org/ wiki/ Transformers:_la_pel%C3%ADcula_(1986) http:/ / es. wikipedia. org/ wiki/ Unicron http:/ / www. convivialiteraria. net
Enlaces externos • • • • • •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Orson WellesCommons. Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Orson Welles. Wikiquote Citas de Orson Welles (http://www.proverbia.net/citasautor.asp?autor=1046) Orson Welles - Ciudadano Kane (http://pasadizo.com/portada.jhtml?ext=1&cod=178) Información sobre Orson Welles (http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article251.html) Ficha de Orson Welles en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000080) y en español (http://www.imdb. es/name/nm0000080) en Internet Movie Database.
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Paul Verhoeven
Paul Verhoeven Para el actor y director de cine alemán Paul Verhoeven (1901-1975) ver Paul Verhoeven (I) Paul Verhoeven (n. Ámsterdam, 18 de julio de 1938) es un famoso director de cine neerlandés, mayoritariamente conocido por sus cintas de ciencia ficción extremadamente violentas y los polémicos temas que trata en ellas.
Biografía Se graduó por la Universidad de Leiden en Matemáticas y Física. Se unió a la armada neerlandesa y fue allí donde empezó a rodar y a hacer sus primeros documentales. Abandonó la armada y se metió en la televisión neerlandesa, donde desarrollaría estas nuevas habilidades que había adquirido rodando documentales para el ejército. Su primer gran éxito fue la serie de televisión Floris, en 1969, protagonizada por Rutger Hauer. Su primer largometraje fue estrenado en 1971, Wat Zien Ik?, aunque no fue especialmente bien recibido. Su primer éxito a nivel nacional llegaría en Paul Verhoeven. 1973 con Turks Fruit cuya traducción al castellano es Delicias turcas, protagonizada por Hauer y nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Empezó así a forjar su reputación y continuó con éxitos internacionales en menor escala, llegando a ganar el Globo de Oro con Soldaat van Oranje (en la versión española: "Eric, oficial de la Reina" o "Soldado de Orange"). Finalmente se trasladaría a Estados Unidos. El hecho de cruzar el Atlántico pudo también haber sido el resultado de su resentimiento hacia el sistema cinematográfico neerlandés. Su trabajo era visto allí como demasiado comercial y no había obtenido el reconocimiento que pensaba que merecía. Trabajar en los Estados Unidos supuso un drástico cambio de estilo, y empezó a dirigir grandes éxitos con muchos efectos especiales, violencia y enormes presupuestos, como Robocop (1987), protagonizada por Peter Weller y Total Recall (1990). Siguió el camino marcado por estos éxitos con la provocadora Instinto básico (1992) y la sensual Showgirls (1995). Después de estas cintas, regresó a la violencia y a los efectos especiales que habían marcado sus anteriores películas, en cintas tales como Starship Troopers (1997) y El hombre sin sombra (2000). Si hubiese que definir el estilo de Verhoeven (dejando de lado el hecho de haber utilizado la ciencia ficción como tema principal en sus películas más taquilleras), sería quizás la forma en la que es capaz de retratarnos una sociedad (del pasado, del presente o del futuro) polarizada en una clase alta, elitista, incluso snob, por un lado, y una clase baja, humilde y enfrentada al problema de sobrevivir al día a día, por otro, y lograr situar una al lado de otra, equilibrarlas, a través de una orgía de sangre y del lema: La muerte nos hace a todos iguales.
Filmografía • • • • • • •
Een Hagedis Teveel(1960) Niets Bijzonders (1961) De Lifters (1962) Feest(1965) Her Korps Mariniers (1971) Portret van Anton Adriaan Mussert (1971) De Worstelaar (1971)
• Wat Zien Ik!? (Delicias holandesas) (1971) • Turks Fruit (Delicias turcas) (1973)
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Paul Verhoeven • • • • • • • • • • • • •
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Keetje Tippel (Katy Tipel) (1975) Soldaat van Oranje (Eric, oficial de la reina) (1977) Voorbij, Voorbij (1979) Spetters (Vivir a tope)(1980) El cuarto hombre (De Vierde Man) (1983) Los señores del acero (Flesh & Blood) (1985) Robocop (1987) Total Recall (1990) Instinto básico (Basic Instinct) (1992) Showgirls (1995) Starship Troopers: Las Brigadas del Espacio (1997) El hombre sin sombra (Hollow Man) (2000) El libro negro (Black Book) (2006)
Enlaces externos • Estudio de la película El libro negro [1]
Referencias [1] http:/ / criticasconpipa. wordpress. com/ 2007/ 03/ 20/ el-libro-negro-en-el-pubis-rubio-y-la-guerra/
Pedro Almodóvar Pedro Almodóvar
Almodóvar en Madrid (2008). Nombre real
Pedro Almodóvar Caballero
Nacimiento
Calzada de Calatrava (Ciudad Real), España 24 de septiembre de 1949 (62 años) Premios
Premios Óscar
Mejor película de habla no inglesa 1999 Todo sobre mi madre Mejor guion original 2002 Hable con ella
Globos de Oro
Mejor película en lengua no inglesa 2000 Todo sobre mi madre 2003 Hable con ella
Pedro Almodóvar
37 Premios BAFTA Mejor dirección 1999 Todo sobre mi madre Mejor película de habla no inglesa 1999 Todo sobre mi madre 2002 Hable con ella 2011 La piel que habito Mejor guion original 2002 Hable con ella Ficha
[1]
en IMDb
Pedro Almodóvar Caballero (nacido en Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 24 de septiembre de 1949) es un director de cine, guionista y productor español, el que mayor resonancia ha logrado fuera de España en las últimas décadas. Ha recibido los principales galardones cinematográficos internacionales, entre ellos dos premios Óscar, en diversas categorías. Ostenta la Orden de Caballero de la Legión de Honor francesa (1997), además de haber obtenido la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1998). Ha sido investido doctor honoris causa por la Universidad de Harvard en junio del 2009.
Biografía Infancia y juventud (1949–1984) Nació el 24 de septiembre de 1949 en Calzada de Calatrava, un pueblo de la provincia de Ciudad Real, en una familia de arrieros, con gran presencia de mujeres, cuyo mundo plasmaría en películas como Volver. Emigró luego a Madrigalejo (Cáceres) y estudió el Carmen Maura. bachillerato en Cáceres capital con los padres salesianos y franciscanos, cuando se aficionó al cine. La primera comunión la hizo en el pueblo monegrino de Poleñino, provincia de Huesca. Marchó a los 31 años a Madrid para estudiar cine, pero no pudo matricularse en la Escuela de Cine, recién cerrada. Trabajó entonces en todo tipo de empleos hasta que logró un puesto de ordenanza en Telefónica, que conservó durante doce años, al mismo tiempo que se sumergía de cabeza en el mundo de la movida madrileña, y fue miembro del grupo teatral Los Goliardos, en el que conoció a Félix Rotaeta y a Carmen Maura, y del dúo de punk-glam rock paródico Almodóvar y McNamara en el que, al lado de Fabio McNamara, generó canciones tan cómicas como Gran ganga o Quiero ser mamá. Escribió también la novela corta Fuego en las entrañas, una fotonovela porno (Toda tuya), múltiples relatos en periódicos (El País, Diario 16 y La Luna) y cómics contraculturales como Star, El Víbora y Vibraciones, donde creó un personaje propio, llamado Patty Diphusa.
Pedro Almodóvar
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Dirigió su primera película, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, con unas 500.000 pts. (3000 € actuales), que obtuvo de sus amigos y el guion de Erecciones generales, que le había encargado El Víbora. Su reconocimiento popular comenzaría, sin embargo, con el filme ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984), también protagonizado por Carmen Maura, actriz fetiche de sus primeros filmes. En 1985 rodó el corto Tráiler para amantes de lo prohibido, por encargo de TVE para el programa La Edad de Oro, rodado en vídeo y de 18 minutos de duración.
Pedro Almodóvar y Penélope Cruz en la entrega del Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2006.
Madurez (desde 1985) En 1985 fundó, junto a su hermano Agustín, la compañía productora El Deseo, cuya primera película sería La ley del deseo (1986), al que seguirían Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), ¡Átame! (1989) y Tacones lejanos (1991), que le permitirían lograr ya cierta repercusión internacional, sobre todo en Francia, y abundantes premios internacionales. Mujeres al borde de un ataque de nervios sería el primer contacto de Almodóvar con los Óscar, al ser seleccionada por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood como candidata al Óscar a la mejor película en lengua extranjera. Tras el descalabro de Kika (1993), su carrera no alcanzó un éxito rotundo hasta 1999, con el éxito internacional de Todo sobre mi madre, que se alzó con numerosos premios en todo el mundo, entre ellos el primer Óscar, en la categoría de Mejor película en lengua extranjera. En esta época comenzó el desencuentro de Almodóvar con la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, al manifestar, en 2003, que la academia se había equivocado al no seleccionar su Hable con ella (2001) como candidata española para la categoría de mejor película en lengua extranjera de los premios Óscar. A la postre, la academia hollywoodense descartó Los lunes al sol como finalista para la citada categoría, y por el contrario premió con el Óscar al mejor guion a Hable con ella, y fue Almodóvar candidato además en el apartado de mejor director. Sin embargo, los premios Goya de 2004 volverían a recaer en su mayor parte a la película Mar adentro, de Alejandro Amenábar, y dejaron sin ninguno a la La mala educación. A pesar de que Mar adentro ganó el Oscar a la Mejor Película Extranjera, mientras que La mala educación tuvo un recibimiento mixto del público y de la crítica, un año después Pedro Almodóvar y su hermano Agustín abandonarían la academia española, en desacuerdo con el sistema vigente de votaciones y por cierta animadversión de los académicos hacia su obra.[2] Tras la muerte de su madre, rememoró su infancia en Volver (2006), película que supuso una especie de "reconciliación" entre Almodóvar y la academia de cine española (le fueron concedidos cinco premios Goya).
Pedro Almodóvar Además, esta película continuó la tendencia de éxito internacional, tanto de él como de su actriz principal (Penélope Cruz, quien junto al resto del reparto femenino del film fue galardonada en el Festival de Cannes). Recibió también otros dos importantes galardones nacionales: el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en el 2006 y el Premio Terenci Moix en el 2007. Finalmente, en la Gala de los Premios Goya 2010, el 14 de febrero, Almodóvar fue presentado por Rosa María Sardá y por Andreu Buenafuente para entregar el premio a la mejor película. La sorpresa fue mayúscula, ya que ningún asistente a la ceremonia sabía que acudiría, salvo el presentador, y el Presidente de la Academia, Álex de la Iglesia. Con ello, se escenificó la reconciliación entre Almodovar y la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. El 10 de enero de 2012 el director fue nominado para los Premios Goya a la mejor película por La piel que habito[3]
Filmografía El cine de Almodóvar cultiva un naturalismo que destruye el usual costumbrismo burgués del cine español. Suele representar, por el contrario, una realidad marginal o del subproletariado urbano y abunda en elementos escandalosos y provocadores: policías corruptos, consumo de drogas, maltrato, prostitución, niños precoces, paletos filosóficos, marujas desesperadas, homosexualidad desgarrada, etc., todo ello sin renunciar a su humor irreverente y sin dejar de provocar con heterodoxas escenas de sexo, como la lluvia dorada de su primer largo en 35 mm Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980). Su primer trabajo cinematográfico Folle, folle, fólleme... Tim (1978), filmada en Super 8, se circunscribe dentro de este estilo punk. Este material escandaloso podría pretender, como en el caso de los surrealistas, épater les bourgeois («perturbar a los burgueses»). Con el tiempo, sin embargo, ha ido puliendo su escritura y desarrollando guiones cada vez más sofisticados y coloristas, muy cercanos al melodrama clásico inspirado en Douglas Sirk. En películas posteriores, como ¡Átame!, clasificada inicialmente como X en los Estados Unidos (a raíz de esta película, nació la clasificación norteamericana NC-17, también adjudicada a La mala educación), una mujer llega a enamorarse de su secuestrador e incluso, según ataques de sectores reaccionarios de la sociedad española, en Kika llega incluso a trivializar la violación. También abundan, entre sus fuentes de inspiración, casi siempre autobiográficas, los elementos buñuelescos y anticlericales, como el humor negro o el cura pederasta de La mala educación, o pertenecientes al casticismo, la cultura de masas y el arte de vanguardia. Almodóvar mezcla en sus películas lo tradicional y lo transgresor. Es característica su afición a los boleros, a Chavela Vargas, a Caetano Veloso, y en general a la estética más punk, Cutre Lux y transgresora, basada en la utilización de colores muy vivos y fuertemente contrastados, exteriores vulgares y degradados y las desproporciones violentas entre los intérpretes humanos y los entornos físicos de los edificios. Su experiencia como actor y cantante lo ha hecho transformarse en un importante director de actores, y como guionista pergeña especialmente bien los personajes femeninos y las historias cargadas de dramatismo. En opinión de Lynn Hirschberg, «Almodóvar preside sobre sus cambiantes personajes como un cura benevolente: acepta y perdona prácticamente a todos ellos, no importa lo terrible de sus pecados. Un secuestrador, un violador o un pedófilo pueden tener un corazón puro; por supuesto, los aparentemente inocentes también pueden ser culpables.»[4]
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Pedro Almodóvar
Etapas de su obra Aunque los analistas expertos en la obra almodovariana no parecen ponerse de acuerdo, quizá es posible clasificar su obra artística en cinco etapas, si bien su cine posee una coherencia tal que podría hablarse sólo de una: 1. Etapa experimental: Folle, folle, fólleme... Tim, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón y Laberinto de pasiones. 2. Etapa con influencia de Federico Fellini: Entre tinieblas y ¿Qué he hecho yo para merecer esto?. 3. Etapa con influencia de los maestros: Matador, La ley del deseo, Mujeres al borde de un ataque de nervios, ¡Átame! y Tacones lejanos. 4. Etapa autobiográfica: Todo sobre mi madre y Volver. 5. Etapa noir: La mala educación, Los abrazos rotos y La piel que habito". En su película Volver se produce el reencuentro con su musa Carmen Maura, la cual encarna el papel de una «abuela fantasma» (película del personaje Enrique Goded en La mala educación: guiño-pista sobre la próxima película que iba a rodar Almodóvar). En La flor de mi secreto, la escritora Amanda Gris escribe un relato sobre una mujer cuyo marido intenta violar a la hija de ambos y cómo la hija le mata y la mujer esconde el cuerpo en la nevera de un restaurante. Este argumento regresaría también en la película Volver, y fue usado anteriormente en ¿Qué he hecho yo para merecer esto?. El personaje de Ángel es una dramatización del propio Almodóvar, lo que haría suponer que Amanda Gris dió a Ángel el guion para lo que después se convirtió en la película Volver. También en La flor de mi secreto, Leo tiene una amiga (Carmen Elías) que trabaja en el centro de trasplantes. En las dramatizaciones de entrenamiento de los médicos actúa la enfermera Manuela Kiti Manver. Ese mismo papel de la enfermera Manuela es el que interpretaría años más tarde Cecilia Roth en Todo sobre mi madre. En La ley del deseo, Carmen Maura interpreta a un transexual que visita al cura que le educó de pequeña (cantaba en el coro de la iglesia), argumento que veinte años después se convierte en la columna vertebral de La visita, relato que da vida a La mala educación. En La mala educación el personaje del director de cine (Enrique Goded), interpretado por Fele Martínez, tiene un enfoque pseudobiográfico, lo que hace suponer que se trata de una interpretación del mismo Almodóvar. El personaje de Juan, interpretado por Gael García Bernal, se referiría a algún actor que apareció en las primeras películas de Almodóvar, según se explica al final de la película. En La visita, que sirve de base a La mala educación, el personaje del sacerdote es interpretado por Daniel Giménez Cacho. El parecido físico de este personaje en la película y el de Eusebio Poncela, quien actuó en La ley del deseo, hace suponer que el argumento de La mala educación es en realidad la dramatización de una relación entre éste y Almodóvar. En el final de La mala educación se refiere que el personaje de Juan representa en realidad a un actor que luego actuó en televisión, lo cual cuadraría con Imanol Arias, que actuó en Laberinto de pasiones y luego desarrolló parte de su carrera en la pantalla chica. En Los abrazos rotos, la historia gira en torno a Chicas y maletas, película de la que el protagonista es director. El argumento y los personajes de esta película son los de Mujeres al borde de un ataque de nervios. En ¿Qué he hecho yo para merecer esto? y en La flor de mi secreto, Chus Lampreave hace de una abuela que siempre dice que quiere volver a su pueblo natal. En Volver encarna a una tía que es visitada por su familia en su pueblo. En Hable con ella, durante el concierto con Caetano Veloso aparecen como extras Cecilia Roth y Marisa Paredes, quienes respectivamente actúan los papeles de Manuela y Huma Rojo en Todo sobre mi madre.
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Títulos Año
Película
1977 Las manos sucias de Jean Paul Sartre, de Adolfo Marsillach. (A) Teatro 1978 ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?, de Fernando Colomo. (A) 1978 Un hombre llamado Flor de Otoño, de Pedro Olea. (A) 1980 Arrebato, de Iván Zulueta (voz). 1980 Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (DGA) 1982 Laberinto de pasiones (DGAM) 1983 Entre tinieblas (DG) 1984 ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (DGA) 1986 Matador (DGA) 1987 La ley del deseo (DGAM) 1988 Mujeres al borde de un ataque de nervios (DG) 1990 ¡Átame! (DG) 1991 Tacones lejanos (DG) 1993 Kika (DG) 1995 La flor de mi secreto (DG) 1997 Carne trémula (DG) 1999 Todo sobre mi madre (DG) 2002 Hable con ella (DG) 2004 La mala educación (DG) 2006 Volver (DG) 2009 Los abrazos rotos (DG) 2011 La piel que habito (DG) 2012 Los amantes pasajeros (DG), inicio de rodaje en julio de 2012.
• • • •
A: actor DG: director y guionista DGA: director, guionista y actor DGAM: director, guionista, actor y música
Productor Al margen de su actividad como director de cine, Pedro Almodóvar es uno de los más importantes productores españoles: la compañía El Deseo, fundada en 1985 junto con su hermano Agustín, ha producido, además de sus propios filmes, los de directores como Álex de la Iglesia, Guillermo del Toro o Isabel Coixet. Su hermano Agustín ha logrado que El Deseo crezca hasta colocarla entre las primeras del país.[5] En el año 2000 Almodóvar, por su capacidad para financiar sus películas y de atraer al público, ya aparecía como uno de los 100 directores más poderosos del mundo en la revista de la industria del cine Hollywood Reporter, en el lugar 64, por delante de leyendas del cine estadounidense como Robert Altman o Terrence Malick.[6]
Pedro Almodóvar
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Títulos Las siguientes películas fueron producidas por Pedro Almodóvar (El Deseo): Matador (1986), La ley del deseo (1987), Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), ¡Átame! (1989), Tacones lejanos (1991), Kika (1993), La flor de mi secreto (1995), Carne trémula (1997), Todo sobre mi madre (1999), Hable con ella (2002), La mala educación (2004), Volver (2006), Los abrazos rotos (2009), junto con: Año
Película
2007 La mujer rubia
Director Lucrecia Martel
2005 La vida secreta de las palabras Isabel Coixet 2004 La niña santa
Lucrecia Martel
2002 Mi vida sin mí
Isabel Coixet
2001 El espinazo del diablo
Guillermo del Toro
1998 Cuernos de espuma
Manuel Toledano
1996 Mi nombre es sombra
Gonzalo Suárez
1993 Acción mutante
Álex de la Iglesia
1982 Pestañas postizas
Enrique Belloch
Militancia política Pedro Almodóvar fue una de las figuras públicas más significadas en contra de la invasión de Irak y del apoyo del gobierno español al estadounidense, y fue, junto con Fernando Fernán Gómez y Leonor Watling, el encargado de leer el manifiesto en contra de la guerra y del gobierno de José María Aznar en la masiva manifestación (entre 660.000 y 990.000 personas) que tuvo lugar en Madrid el 15 de febrero de 2003.[7] En 2004, después de las elecciones de marzo ganadas por el PSOE, en la presentación de su película La mala educación, Almodóvar lanzó un duro ataque al PP, y declaró que se había vuelto a la democracia después de «la modorra de estos ocho años». Días antes de las elecciones se habían perpetrado los atentados del 11M en Atocha. Almodóvar suspendió todos los festejos de presentación de la película nada más conocerse la noticia: «Hemos vivido momentos durísimos, de mucho dolor y por eso decidimos suspender todo lo festivo, por eso no vamos a hacer la gala de estreno ni la fiesta posterior.» También mostró su satisfacción por el triunfo del PSOE, pero matizada por los tristes sucesos: «Esta terrible semana ha culminado con una noticia liberadora, lástima que tuviéramos que pagar un precio tan alto». Acusó al gobierno del PP de manipular la información durante esos días: «El secuestro y la manipulación de la información a la que ya nos tenían acostumbrados, esa oscuridad, no es democracia». Y se hizo eco de un rumor que corría a través de Internet: Voy a decir una cosa que por ahora circula como rumor y que si se confirma puede ser terrorífico, y es que el PP estuvo a punto, el sábado a las doce de la noche, de provocar un golpe de Estado. No quiero ser fino ni delicado. No se trata de tirar piedras, pero hay que ver cómo se ha ido el PP. Pero, por fin, volvemos a estar en una España democrática donde se puede hablar claro. Ha sido el pueblo español el que salió a la calle a pedir información y aquello, afortunadamente, no se pudo parar. Rajoy calificó las palabras de Almodóvar de «una colosal mentira», dijo sentir «vergüenza» de que un compatriota pudiera afirmar tales cosas, y llegó a interponer infructuosamente una querella contra el director.[8] En esas mismas elecciones la Junta Electoral investigó a Almodóvar por no presentarse como presidente de mesa el 14-M, por lo que la mesa electoral en la que estaba llamado Almodóvar no se pudo constituir al no presentarse el realizador. Esta mesa, finalmente, se constituyó con el suplente designado para cubrir la no comparecencia de Almodóvar. Al intentar los medios contactar con la productora El Deseo, estos declaran que no van a hacer "ningún comunicado" ni declaración sobre este asunto.
Pedro Almodóvar
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En enero de 2008 fue uno de los participantes, junto a otros directores y actores, en la «Plataforma de Apoyo a Zapatero».[9] Almodóvar señaló posteriormente que su apoyo se extiende «a toda la izquierda».[10]
Detractores Medios de comunicación conservadores han atacado a Almodóvar en varios sentidos. La Nación le reprochaba ser difusor por el mundo de unos estereotipos con los que nos identifican por el mundo. España es un país de travestidos, homosexuales, yonquis, histéricas,... al tiempo que relacionaba su patrimonio con las subvenciones que habían recibido sus producciones.[11] En ese mismo sentido, en antecesor de La Nación, el semanario Época, titulaba un artículo en octubre de 2006: «Almodóvar se hace de oro con el dinero de todos.»[12] y Libertad Digital, con motivo de la participación de Almodóvar en un mitin de artistas a favor de Rodríguez Zapatero, afirmó que los «activos» de Almodóvar sumaban 67 millones de euros y que su apoyo a Zapatero tenía como trasfondo un interés comercial: el canon digital. Además de los grandes ingresos que debe recaudar en este concepto.[13]
Premios Premios Cóndor de Plata Año
Categoría
Película
Resultado
1999 Mejor película extranjera
Todo sobre mi madre Candidato
2003 Mejor película extranjera
Hable con ella
Ganador
2005 Mejor película extranjera de habla hispana La mala educación
Candidato
2007 Mejor película iberoamericana
Volver
Ganador
2010 Mejor película iberoamericana
Los abrazos rotos
Candidato
Festival de Cine de Bogotá Año
Categoría
Película
Resultado
1987 Mejor director La ley del deseo Ganador
Premios Óscar Año
Categoría
Película
Resultado
2002 Mejor director
Hable con ella
Candidato
2002 Mejor guion original
Hable con ella
Ganador
1999 Mejor película extranjera Todo sobre mi madre
Ganador
1988 Mejor película extranjera Mujeres al borde de un ataque de nervios Candidato
Premios Globo de Oro
Pedro Almodóvar
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Año
Categoría
Película
Resultado
2012 Mejor película en lengua no inglesa La piel que habito
Candidato
2010 Mejor película en lengua no inglesa Los abrazos rotos
Candidato
2007 Mejor película en lengua no inglesa Volver
Candidato
2003 Mejor película en lengua no inglesa Hable con ella
Ganador
2000 Mejor película en lengua no inglesa Todo sobre mi madre Ganador
Premios BAFTA Año
Categoría
Película
Resultado
2011 Mejor película extranjera La piel que habito
Ganador
2009 Mejor película extranjera Los abrazos rotos
Candidato
2006 Mejor película extranjera Volver
Candidato
2004 Mejor película extranjera La mala educación
Candidato
2002 Mejor película extranjera Hable con ella
Ganador
2002 Mejor guion original
Hable con ella
Ganador
1999 Mejor guion original
Todo sobre mi madre
Candidato
1999 Mejor película extranjera Todo sobre mi madre
Ganador
1999 Mejor director
Ganador
Todo sobre mi madre
1998 Mejor película extranjera Carne trémula
Candidato
1989 Mejor película extranjera Mujeres al borde de un ataque de nervios Candidato
Premios Goya Año
Categoría
Película
Resultado
2011 Mejor guion adaptado La piel que habito
Candidato
2011 Mejor director
La piel que habito
Candidato
2011 Mejor película
La piel que habito
Candidato
2009 Mejor guion original
Los abrazos rotos
Candidato
2006 Mejor director
Volver
Ganador
2006 Mejor película
Volver
Ganador
2006 Mejor guion original
Volver
Candidato
2004 Mejor director
La mala educación
Candidato
2004 Mejor película
La mala educación
Candidato
2002 Mejor director
Hable con ella
Candidato
2002 Mejor película
Hable con ella
Candidato
2002 Mejor guion original
Hable con ella
Candidato
1999 Mejor director
Todo sobre mi madre
Ganador
1999 Mejor película
Todo sobre mi madre
Ganador
1999 Mejor guion original
Todo sobre mi madre
Candidato
1995 Mejor director
La flor de mi secreto
Candidato
Pedro Almodóvar
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¡Átame!
Candidato
1990 Mejor película
¡Átame!
Candidato
1990 Mejor guion original
¡Átame!
Candidato
1988 Mejor director
Mujeres al borde de un ataque de nervios
Candidato
1988 Mejor película
Mujeres al borde de un ataque de nervios Ganador
1988 Mejor guion original
Mujeres al borde de un ataque de nervios Ganador
Premios César Año
Categoría
2007 Mejor película extranjera
Película
Resultado
Volver
Candidato
2005 Mejor película de la Unión Europea La mala educación
Candidato
2003 Mejor película de la Unión Europea Hable con ella
Ganador
2000 Mejor película extranjera
Todo sobre mi madre Ganador
1999 César de honor 1992 Mejor película extranjera
Tacones lejanos
Ganador
1990 Mejor película extranjera
¡Átame!
Candidato
Premios David de Donatello Año
Categoría
Película
Resultado
1988 Premio al mejor director extranjero Mujeres al borde de un ataque de nervios Ganador
Festival Internacional de Cine de Cannes Año
Categoría
2006 Premio al mejor guion
Película Volver
Resultado Ganador
1999 Premio al mejor director Todo sobre mi madre Ganador
Premio Nacional de Cinematografía (1990) Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2006) Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid (2011).
Actuaciones Pedro Almodóvar ha hecho pequeñas apariciones como actor en varias películas. Entre ellas, destacan: • • • • • • • •
Tatuaje, de Gregori Baquet (1999). En la cama con Madonna, de Alek Keshishian (1991). La ley del deseo, de Pedro Almodóvar (1987). Matador, de Pedro Almodóvar (1986). ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, de Pedro Almodóvar (1984). Laberinto de pasiones, de Pedro Almodóvar (1982). Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, de Pedro Almodóvar (1980). Un hombre llamado Flor de Otoño, de Pedro Olea (1978).
• Un humain, de Pedro Olea (1965).
Pedro Almodóvar
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000264 [2] Almodóvar deja la Academia de Cine en protesta por el sistema de votación de los Goya (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ cultura/ Almodovar/ deja/ Academia/ Cine/ protesta/ sistema/ votacion/ Goya/ elpepucul/ 20050207elpepucul_2/ Tes), El País, 7 de febrero de 2005. [3] Nominados a los Premios Goya 2012 (http:/ / www. rtve. es/ noticias/ 20120110/ finalistas-premios-goya-2012/ 488635. shtml) RTVE.es [4] The New York Times, The Redeemer (http:/ / www. nytimes. com/ 2004/ 09/ 05/ magazine/ 05ALMODOVAR. html?). [5] «Agustín Almodóvar, un gran productor de cine en la sombra». El Mundo, 23 de mayo de 2004. (http:/ / www. elmundo. es/ elmundo/ 2004/ 05/ 23/ cultura/ 1085332011. html) [6] «Almodóvar está considerado uno de los cien directores más poderosos del mundo». El Mundo, 16 de noviembre de 2000. (http:/ / www. elmundo. es/ elmundo/ 2000/ 11/ 16/ cultura/ 974341776. html) [7] Avalancha sin precedentes contra la guerra (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ espana/ Avalancha/ precedentes/ guerra/ elpepiesp/ 20030216elpepinac_1/ Tes), El País, 16 de febrero de 2003. [8] «Almodóvar da crédito a un rumor sobre un intento golpista del PP», en El Mundo, 17 de marzo de 2004. (http:/ / www. elmundo. es/ elmundo/ 2004/ 03/ 17/ espana/ 1079512374. html) [9] EFE, Intelectuales y artistas crean una plataforma de apoyo a Zapatero (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ espana/ Intelectuales/ artistas/ crean/ plataforma/ apoyo/ Zapatero/ elpepuesp/ 20080209elpepinac_15/ Tes), acceso 9 de febrero de 2008. [10] EFE, La Plataforma de Apoyo a Zapatero arremete contra el PP y los obispos en su presentación (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ espana/ Plataforma/ Apoyo/ Zapatero/ arremete/ PP/ obispos/ presentacion/ elpepuesp/ 20080209elpepunac_4/ Tes), acceso 9 de febrero de 2008. [11] Almodóvar: Todo sobre mi dinero. la nacion.es (http:/ / www. lanacion. es/ 2008/ 06/ 25/ ¿que-ha-hecho-almodovar-para-merecer-esto/ ) [12] « Almodóvar: de oro, con el dinero de todos (http:/ / blogs. periodistadigital. com/ periodismo. php/ 2006/ 10/ 26/ almodovar_de_oro_con_el_dinero_de_todos)» (en español). Revista Época (26 de octubre de 2006). Consultado el 14 de enero de 2008. [13] Los activos de Almodóvar en bolsa, inmobiliarias y cine suman 67 millones de euros (http:/ / www. libertaddigital. com/ sociedad/ los-activos-de-almodovar-en-bolsa-inmobiliarias-y-cine-suman-67-millones-de-euros-1276323414/ ), Libertad Digital, 28 de febrero de 2008.
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Pedro Almodóvar. Commons
•
Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Pedro Almodóvar. Wikiquote
• Ficha de Pedro Almodóvar en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000264) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000264) en Internet Movie Database. • Web Oficial (http://www.pedroalmodovar.es/) • Sitio web de Pedro Almodóvar (http://www.clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/almodovar/) • Ficha del director en filmin y películas para ver online en calidad DVD (http://www.filmin.es/director/ pedro-almodovar) • Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2006 (http://www.fundacionprincipedeasturias.org/premios/2006/ pedro-almodovar/) • El Deseo, producciones cinematográficas (http://www.egeda.es/eldeseo/menu.asp) • Página oficial de la retrospectiva Viva Pedro, celebrada en Nueva York (http://www.vivapedro.com) (en inglés) • Biografía y reseñas discográficas de Almodóvar & McNamara en la fonoteca (http://lafonoteca.net/grupos/ almodovar-mcnamara)
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Peter Jackson
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Peter Jackson Peter Jackson
Sir Peter Jackson en julio de 2009. Nombre real
Peter Robert Jackson
Nacimiento
Pukerua Bay (Nueva Zelanda) 31 de octubre de 1961 (50 años) Familia
Cónyuge
Fran Walsh (1987 –) Premios
Premios Óscar
Mejor director 2003: El Señor de los Anillos: el retorno del Rey Mejor película 2003: El Señor de los Anillos: el retorno del Rey Mejor guion adaptado 2003: El Señor de los Anillos: el retorno del Rey
Globos de Oro
Mejor director 2004: El Señor de los Anillos: el retorno del Rey
Premios BAFTA Mejor director 2001: El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo Mejor película 2001: El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo 2003: El Señor de los Anillos: el retorno del Rey Mejor guion adaptado 2003: El Señor de los Anillos: el retorno del Rey Ficha
[1]
en IMDb
Sir Peter Robert Jackson (n. 31 de octubre de 1961 en Pukerua Bay) es un guionista, productor y director de cine neozelandés, ganador de los premios Óscar, Globos de Oro y BAFTA por sus películas El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo (2001), El Señor de los Anillos: las dos torres (2002) y El Señor de los Anillos: el retorno del Rey (2003).
Peter Jackson
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Biografía Nació en Pukerua Bay, Nueva Zelanda el 31 de octubre de 1961. A los nueve años vio King Kong y desde entonces quiso ser director de cine. Realizó cortometrajes con la cámara de vídeo que le regalaron sus padres. Jackson comenzó su carrera realizando filmes en su tiempo libre, entre los que destacó en 1987 Bad Taste, rodado el mismo año de su boda con Fran Walsh: un film gore con el que consiguió notoriedad en el festival de Cannes, comenzando así su carrera profesional en el cine y que le permitió acceder al mundo de Hollywood. Sin embargo, al contrario de otros compatriotas, ha permanecido en su país realizando sus nuevos proyectos: durante este tiempo fue adquiriendo o creando negocios para producir filmes en Nueva Zelanda. La segunda película El delirante mundo de los Feebles (Meet the Feebles), Jackson utilizó marionetas en una divertida producción en que demuestra talento como creador de originales historias. Trata sobre un grupo de teatro musical. El boom como autor de culto se disparó con Braindead, una película gore entre comedia y terror (ambigüedad debida en buena parte a su trama atrozmente sangrienta) con la cual ganó abundantes premios. Esta película está considerada una de las más gore de la historia. Jackson también realizó el film Criaturas celestiales, protagonizado por Kate Winslet, una película que se basa en hechos reales sucedidos en Nueva Zelanda. Este filme le permitió probar una manera de hacer cine «más normal», pero sin dejar su humor negro. Con esta película lograría su primera postulación a los premios Óscar como mejor guion y también fue premiado en el Festival de Venecia. En 1995 Jackson realizó Forgotten Silver, un falso documental sobre las aventuras de un cineasta, y al año siguiente el film The Frighteners, donde mezclaba comedia, ciencia ficción y thriller, protagonizada por Michael J. Fox.
Peter Jackson en el estreno mundial de El Señor de los Anillos: el retorno del Rey en Wellington.
Pero realmente Jackson ha llegado a ser famoso por dirigir la trilogía de El Señor de los Anillos, una detrás de otra durante cuatro años, con El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo ganó 4 Óscar de 13 nominaciones, El Señor de los Anillos: las dos torres recibió 2 de 6 nominaciones a los premios Óscar, y fue en la última película de la trilogía El Señor de los Anillos: el retorno del Rey cuando Jackson consiguió el premio por mejor película, como mejor director y uno más como guionista. En total el film conseguiría ganar los 11 premios a los que estaba nominado, igualando así a Ben-Hur de William Wyler y Titanic de James Cameron. Como curiosidad, Peter hizo breves cameos en cada una de las películas de los Anillos. En La Comunidad del Anillo actuó como aldeano de Bree, en Las dos torres, hizo de rohir y en El retorno del Rey apareció en uno de los barcos de los hombres del sur junto a otros miembros del equipo.
Su película King Kong, de 2005, fue un remake del clásico de 1933 King Kong, cumpliendo así su sueño de la infancia. En 2009 estrenó Desde mi cielo, basada en una novela de Alice Sebold, donde cuenta la historia de Susie Salmon, una joven que ha sido asesinada y observa a su familia y a su ejecutor desde el cielo, debatiéndose entre saciar su sed de venganza y el deseo de que su familia se recupere. A finales de 2007 se hizo público su acuerdo con las compañías Metro-Goldwyn-Mayer y New Line Cinema para llevar la producción ejecutiva de dos películas basadas en la novela El hobbit (más tarde se decidiría ampliarlas a tres).[2][3][4] El rodaje se realizó entre marzo de 2011 y julio de 2012, y los estrenos se planean para finales de 2012, finales de 2013 y verano de 2014.[5] Iban a ser dirigidas por el realizador mexicano Guillermo del Toro,[6] ya que Jackson estaba ocupado preparando la adaptación de Las aventuras de Tintín junto a Steven Spielberg, pero Del Toro se descolgó del proyecto por los retrasos en el comienzo de la grabación, debidos a los problemas económicos de la productora MGM.[7][8] En octubre de 2010 se confirmó que Peter Jackson no solo sería el productor sino
Peter Jackson
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también el director de las cintas. Según se rumorea, la producción contará con un presupuesto total de U$S 500 millones convirtiéndolo en el proyecto más caro de la historia.[cita requerida]
Filmografía Año
Película
Rol
Notas
Director Guionista Productor 1976 The Valley
Yes
1987 Mal gusto
Yes
Yes
Yes
1990 Meet the Feebles
Yes
Yes
Yes
1992 Valley of the Stereos Braindead
Yes Yes
1994 Un loco genial
Yes Yes
Yes
Yes
Yes
Yes
1995 La verdadera historia del cine
Yes
Yes
Yes
1996 The Frighteners
Yes
Yes
Yes
2001 El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo
Yes
Yes
Yes
2002 El Señor de los Anillos: las dos torres
Yes
Yes
Yes
Criaturas celestiales
2003 The Long and Short of It El Señor de los Anillos: el retorno del Rey
Yes Yes
Yes
Yes
2005 King Kong
Yes
Yes
Yes
2008 Crossing the Line
Yes
Yes
2009 District 9 The Lovely Bones
Yes Yes
Yes
Yes
2011 The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn
Yes
2012 West of Memphis
Yes
El hobbit: un viaje inesperado
Productor ejecutivo.
Yes
Yes
Yes
Película en posproducción.
2013 El hobbit: partida y regreso
Yes
Yes
Yes
Película en posproducción.
2014 Tercera parte de la trilogía de El hobbit
Yes
Yes
Yes
Sin título confirmado, película en posproducción.
Premios Premios Óscar
Peter Jackson
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Año
Categoría
Película
Resultado
2009 Mejor película
District 9
Candidato
2003 Mejor película
El Señor de los Anillos: el retorno del Rey
Ganador
2003 Mejor director
El Señor de los Anillos: el retorno del Rey
Ganador
2003 Mejor guion adaptado El Señor de los Anillos: el retorno del Rey
Ganador
2002 Mejor película
El Señor de los Anillos: las dos torres
Candidato
2001 Mejor película
El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo Candidato
2001 Mejor director
El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo Candidato
2001 Mejor guion adaptado El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo Candidato 1994 Mejor guion original
Criaturas celestiales
Candidato
Premios BAFTA Año
Categoría
Película
Resultado
2003 Mejor película
El Señor de los Anillos: el retorno del Rey
Ganador
2003 Mejor director
El Señor de los Anillos: el retorno del Rey
Candidato
2003 Mejor guion adaptado El Señor de los Anillos: el retorno del Rey
Ganador
2002 Mejor película
El Señor de los Anillos: las dos torres
Candidato
2002 Mejor director
El Señor de los Anillos: las dos torres
Candidato
2002 Mejor guion adaptado El Señor de los Anillos: las dos torres
Candidato
2001 Mejor película
El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo Ganador
2001 Mejor director
El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo Ganador
2001 Mejor guion adaptado El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo Candidato
Premios Globo de Oro Año
Categoría
Película
Resultado
2006 Mejor director King Kong
Candidato
2004 Mejor director El Señor de los Anillos: el retorno del Rey
Ganador
2003 Mejor director El Señor de los Anillos: las dos torres
Candidato
2002 Mejor director El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo Candidato
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001392 [2] New Line Cinema, MGM Studios y Warner Bros. Pictures (30 de julio de 2012). « Peter Jackson's long-awaited filmed adaptation of The Hobbit to be a trilogy (http:/ / www. facebook. com/ notes/ the-hobbit/ peter-jacksons-long-awaited-filmed-adaptation-of-the-hobbit-to-be-a-trilogy/ 413954741973470)» (en inglés). Facebook. Consultado el 1 de agosto de 2012. [3] Bell, Crystal (30 de julio de 2012). « 'The Hobbit 3': Peter Jackson Confirms Third 'Hobbit' Film Set For Summer 2014 Release (http:/ / www. huffingtonpost. com/ 2012/ 07/ 30/ the-hobbit-3-peter-jackson-confirms-summer-2014_n_1719575. html)» (en inglés). The Huffington Post. Consultado el 30 de julio de 2012. [4] Gallagher, Brian (30 de julio de 2012). « The Hobbit Confirmed for Three Movies! (http:/ / www. movieweb. com/ news/ the-hobbit-confirmed-for-three-movies)» (en inglés). Movie Web. Consultado el 31 de julio de 2012. [5] Leaner New Line ready for a tentpole again (http:/ / www. variety. com/ article/ VR1118014180. html?categoryId=2520& cs=1) [6] OneRing.net (http:/ / www. theonering. net/ torwp/ 2007/ 12/ 18/ 28150-peter-jackson-and-new-line-cinema-join-with-mgm-to-produce-/ )
Peter Jackson
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[7] « Mexicano Guillermo del Toro renuncia a la dirección de "The Hobbit" (http:/ / www. google. com/ hostednews/ afp/ article/ ALeqM5hcBHMzkfac2fqVPe7FfbFmRAnvxw)». AFP (30 de mayo de 2010). Consultado el 14 de junio de 2010. [8] « Guillermo Del Toro departs “The Hobbit” (http:/ / www. theonering. net/ torwp/ 2010/ 05/ 30/ 36920-guillermo-del-toro-departs-the-hobbit/ )». TheOneRing.net (30 de mayo de 2010). Consultado el 14 de junio de 2010.
Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Peter JacksonCommons. • King Kong - Información, trailers, noticias, imágenes (http://www.estrenosdecine.net/modules. php?name=Peliculas&id=232) • Perfil de Peter Jackson (http://www.cinestrenos.com/vercinefilia1.asp?Codigo=55)
Peter Weir Peter Weir
Nombre real
Peter Weir
Nacimiento
Sidney, Australia 21 de agosto de 1944 (68 años) Premios
Globos de Oro
Mejor película - Comedia o musical 1991 Green Card
Premios BAFTA Mejor director 1998 The Truman Show 2003 Master and Commander: The Far Side of the World
Peter Weir (n. Sídney; 21 de agosto, 1944) es un director de cine australiano.
Filmografía Después de Los coches que se comieron París (1974), su primera película, llevó al cine, en 1975, de un modo muy despojado, una obra de Joan Lindsay, Picnic en Hanging Rock, de 1967, donde la escritora australiana, a partir de un suceso contemporáneo (la desaparición de unas colegiales en una merienda campestre), recreaba una atmósfera enrarecida en medio de una situación cotidiana, que hacía acentuar esa ambigüedad ambiental.[1] Peter Weir hizo una valiosa e inquietante versión homónima (Picnic at Hanging Rock); la película fue producida por Patricia Lovell, Hal y Jim McElroy; se difundió por las salas de cine artístico y supuso un salto en la consideración mundial de la cinematografía australiana. Sus películas The Year of Living Dangerously (1982), Witness (1985) y Dead Poets Society (1989) le hicieron famoso ya en un público más vasto.
Peter Weir Destacó luego especialmente, en 2003, con Master and Commander: al otro lado del mundo o, en América Latina, Capitán de mar y guerra: La costa más lejana del mundo. La acción se sitúa a principios del siglo XIX, en las guerras napoleónicas. Está basado en las novelas de Patrick O'Brian, y el personaje principal es el capitán Jack Aubrey, el "Afortunado Jack" (inspirado en la vida del marino inglés Thomas Cochrane), que persigue a un barco francés; el segundo personaje central es un naturalista, que hace de contrapunto especialmente al llegar a la isla de los Galápagos. Su reciente producción es Camino a la libertad (2010), que narra la fuga de un grupo de presos de un campo siberiano, en la época de Stalin, y el largo viaje que realizan al atravesar Asia por completo.
Temas Peter Weir ha venido realizando —pausadamente— trece películas en total. Se caracterizan por su profundidad temática; en ellas aparecen personajes que no pertenecen a un determinado mundo, pero que entran en él, y a partir de ese momento se ven modificados.[2] También aparecen descritos en sus filmes la orfandad de ciertos personajes y sociedades, varios caracteres opuestos enfrentados y determinados catalizadores elípticos de una acción.[3] Por otro lado, destaca su técnica visual, muy cuidadosa, y su buen manejo con los actores. Su depurada puesta en escena favorecen esa capacidad tan personal suya de insinuar lo intangible.
Películas • • • • • • • • • • • • •
The Cars That Ate Paris / The Cars That Eat People (Los coches que se comieron París, 1974) Picnic at Hanging Rock (Picnic en Hanging Rock, 1975) The Last Wave (La última ola, 1977) Gallipoli (1981) The Year of Living Dangerously (El año que vivimos peligrosamente / El año que vivimos en peligro, 1982) Witness (Único testigo / Testigo en peligro, 1985) The Mosquito Coast (La costa de los mosquitos / La costa mosquito, 1986) Dead Poets Society (El club de los poetas muertos / La sociedad de los poetas muertos, 1989) Green Card (Matrimonio de conveniencia / French kiss, 1990) Fearless (Sin miedo a la vida, 1993) The Truman Show (El show de Truman / La historia de una vida, 1998) Master and Commander: The Far Side of the World (Master and Commander: Al otro lado del mundo, 2003) The Way Back (Camino a la libertad, 2010)
Cortos • • • •
Three to Go (1969) (segmento "Michael") Homesdale (1971) Three Directions In Pop Music (1971) Incredible Floridas (1972)
Televisión • Man on a Green Bike (1969) • The Plumber (1978)
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Peter Weir
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Premios Óscar Año
Categoría
Película
Resultado
2003 Mejor Película
Master and Commander: Al otro lado del mundo Candidato
2003 Mejor Director
Master and Commander: Al otro lado del mundo Candidato
1998 Mejor Director
El show de Truman
Candidato
1990 Mejor Guion Original Matrimonio de conveniencia
Candidato
1989 Mejor Director
El club de los poetas muertos
Candidato
1985 Mejor Director
Único testigo
Candidato
Globos de Oro Año
Categoría
Película
Resultado
2003 Mejor Director
Master and Commander: Al otro lado del mundo Candidato
1998 Mejor Director
El show de Truman
Candidato
1990 Mejor Película - Comedia o musical Matrimonio de conveniencia
Ganador
1989 Mejor Director
El club de los poetas muertos
Candidato
1985 Mejor Director
Único testigo
Candidato
Referencias [1] Picnic at Hanging Rock, Madrid, Impedimenta, 2010, trad. por Pilar Adón, ISBN 978-84-15-13003-1 [2] « ANOTANDO CINE: The Last Wave (La última ola), de Peter Weir (http:/ / anotandocine. blogspot. com/ 2008/ 10/ last-wave-la-ltima-ola-de-peter-weir. html)». [3] « Cineuá: Monográfico Peter Weir. (http:/ / www. cineua. com/ 2011/ 01/ monografico-peter-weir/ )».
• Ficha en Imdb (http://spanish.imdb.com/name/nm0001837/)
Quentin Tarantino
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Quentin Tarantino Quentin Tarantino
Quentin Tarantino en los Scream Awards (2007) [1]
Nombre real
Quentin Jerome Tarantino
Nacimiento
Knoxville, Tennessee, Estados Unidos 27 de marzo de 1963 (49 años)
Ocupación
Director, guionista, productor, actor Premios
Premios Óscar
Mejor guion original 1994 Pulp Fiction
Globos de Oro
Mejor guion 1994 Pulp Fiction
Premios BAFTA
Mejor guion original 1994 Pulp Fiction
Festival de Cannes Palma de Oro 1994 Pulp Fiction Ficha
[2]
en IMDb
Quentin Tarantino (n. Knoxville, Tennessee, 27 de marzo de 1963) es un director, guionista, productor y actor estadounidense ganador del premio Óscar y de la Palma de Oro. Comenzó su carrera en la década de los 90, y sus películas se caracterizan en general por emplear historias no lineales, la estetización de la violencia, las influencias estilísticas del Grindhouse, el kung fu y los spaghetti western.
Primeros años Nació en Knoxville, Tennessee, en 1963, hijo de Tony Tarantino, actor y músico amateur nacido en Queens, y Connie McHugh, una enfermera.[1] Su padre es de ascendencia italiana y su madre es de ascendencia irlandesa y cheroqui.[3][4][5] El nombre de Tarantino hace referencia a un personaje de una serie de televisión, el herrero mestizo Quint interpretado por Burt Reynolds en Gunsmoke. Fue criado por su madre, ya que sus padres se separaron antes de nacer.[6] Cuando tenía dos años, se trasladaron a Torrance, al sur de Los Ángeles, y más tarde al barrio de Harbor City, donde asistió a la escuela superior Fleming Junior en Lomita, y tomó clases de teatro.[6] Su barrio era una mezcla de blancos y negros por lo que estuvo expuesto a una gran variedad de influencias cinematográficas y de culturas populares. Por ejemplo, las películas de artes marciales, que se seguían poniendo en los barrios negros después de que la fiebre del kung fu se trasladara a otros sitios. Tarantino se las apañó para seguir viéndolas hasta bien entrados los años '70. Asistió a la escuela superior de Narbonne en Harbor City durante un año antes de
Quentin Tarantino abandonarla a 15 años para dedicarse a tiempo completo a tomar clases de actuación en la James Best Theater Company en Toluca Lake.[7] Se puso a trabajar en el videoclub Video Archives en Manhattan Beach junto a otros entusiastas del cine, entre ellos Roger Avary, donde discutían de cine y de las recomendaciones a los clientes. Prestó mucha atención a los tipos de películas que le gustaba alquilar a la gente y ha citado la experiencia como fuente de inspiración para su carrera como director.[8] El propio Tarantino ha dicho: "Cuando la gente me pregunta si fui a la escuela de cine les digo, ‘no, fui al cine‘".[3]
Carrera cinematográfica Empezó a escribir junto con Avary y otros amigos, pasó varios frustrantes años escribiendo e intentando poner en marcha dos guiones que pretendían ser su debut como director. En parte como consecuencia de lo difícil que resultaba poder hacer una "película de verdad" para un escritor desconocido como director, escribió en 1991 Reservoir Dogs, con la intención de que fuera el proyecto más minimalista que se pueda imaginar: la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un sólo plató. Pretendía ser una película de 16mm extremadamente barata con Tarantino y sus amigotes de Video Archives interpretando todos los papeles. Afortunadamente, el ambicioso productor Lawrence Bender leyó el guion de Reservoir Dogs, le fascinó y pidió a Tarantino que le concediera un mes para intentar convertirlo en esa "película de verdad". Fue Bender quien hizo llegar el guion al actor Harvey Keitel y fue el entusiasmo de éste lo que atrajo a varios buenos actores y, finalmente, un presupuesto decente para la producción. Rodada en menos de un mes en Los Ángeles, con un reparto excepcional que incluía al propio Keitel (que también se encargó de co-producirla), Michael Madsen, Steve Buscemi, Tim Roth, Lawrence Tierney, Chris Penn y el propio Tarantino. Reservoir Dogs fue todo un éxito, primero en el Festival de Cine de Sundance[9] y después en todo el mundo. De repente, Tarantino estaba de moda y los dos guiones en los que había estado trabajando antes de Reservoir Dogs se vendieron enseguida: fueron True Romance (Amor a quemarropa, 1992, dirigida por Tony Scott) y Natural Born Killers (Asesinos natos, reescrita y dirigida por Oliver Stone en 1993). También le ofrecieron algunos proyectos, como Speed y Men in Black,[10] pero prefirió retirarse a Amsterdam a trabajar en su guion de Pulp Fiction, un collage de ficción interpretado por John Travolta y Uma Thurman estrenado en 1994, que supuso otro éxito para Tarantino y varias nominaciones a premios, de los que consiguió la Palma de Oro en el Festival de Cannes, y el Oscar, Globo de Oro y BAFTA al mejor guion original. Tras esto dirigió el cuarto episodio de Four Rooms, The Man From Hollywood, un homenaje a Alfred Hitchcock. El resto de episodios de la película fueron dirigidos por Allison Anders, Alexandre Rockwell y Robert Rodriguez. Actuó y escribió el guion de Abierto hasta el amanecer, película que dirigió su amigo Robert Rodriguez, y que dio lugar a dos secuelas, en las cuales Tarantino y Rodriguez sólo ejercieron como productores ejecutivos. Su tercera película fue Jackie Brown en 1997, que escribió y dirigió. Fue una adaptación de Rum Punch, novela de Elmore Leonard. Un homenaje a las películas de blaxploitation, protagonizada por Pam Grier, quien actuó en muchas de las películas del género en los años 70, y que le valió la nominación tanto a los Globos de Oro como a los premios SAG por su papel, y el coprotagonista Robert Foster fue nominado al Oscar en la categoría de mejor actor de reparto. Completaban este reparto único Samuel L. Jackson (nominado también para un Globo de Oro), Robert De Niro, Bridget Fonda y Michael Keaton.
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Quentin Tarantino
Había planeado hacer a continuación una película bélica provisionalmente titulada Inglourious Bastards, pero lo pospuso para escribir y dirigir Kill Bill (estrenada en dos partes, Vol. 1 y Vol. 2), una película de venganza que tomaba elementos de Wuxia (arte marcial chino), Jidaigeki (género cinematográfico japonés) y spaghetti westerns. Se basó en el personaje (la Novia) y la trama que Uma Thurman y él habían desarrollado durante el rodaje de Pulp Fiction. En el 2005 Tarantino fue director invitado en Sin City, película dirigida por Robert Rodriguez. En ella dirige la escena del coche protagonizada por Clive Owen y Benicio del Toro. Su siguiente proyecto fue Grindhouse, co-dirigida junto a Robert Rodriguez y estrenada en 2007. Tarantino dirigió el segmento titulado Death Proof. Su rendimiento en los cines no fue el esperado a pesar de tener una crítica favorable.[11] Su siguiente película fue Inglourious Basterds, una historia Quentin Tarantino y Diane Kruger en la ceremonia de los sobre un grupo de soldados estadounidenses en la Francia Óscar 2010. ocupada por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. La [12] filmación comenzó en octubre de 2008. La película se estrenó el 21 de agosto de 2009 (en Estados Unidos) cosechando críticas muy positivas[13] y llegando al primer puesto de recaudación mundial.[14] Es la película de Tarantino que mayor recaudación ha conseguido tanto en los Estados Unidos como a nivel mundial.[15] Su siguiente película será "Django Unchained", la cual ya se está rodando. La película será un western que tratará sobre la esclavitud negra, y como un esclavo liberado, Django, intentará liberar a su esposa de una plantación. Para el actor principal se pensó en un principio en Will Smith, pero finalmente será Jamie Foxx. A Foxx lo acompañarán en el reparto Leonardo DiCaprio, Christoph Waltz, Samuel L. Jackson y Kurt Russell. The Weinstein Company (productora de la película) ha anunciado que se estrenará el día 25 de diciembre de 2012 en EE. UU.. En 2011 comenzó la producción de Django Unchained, una película sobre la venganza de un ex-esclavo contra su antiguo amo. La película surgió del deseo de Tarantino de hacer un spaghetti western en el sur profundo de Estados Unidos, que Tarantino ha llamado un "southern",[16] afirmando que quería "hacer películas que trataran del horrible pasado de Estados Unidos con la esclavitud y esas cosas, pero como lo hacen los spaghetti westerns, no como películas sobre un gran problema. Quiero hacerlo como si fueran películas de género, pero se enfrentan con todo lo que Estados Unidos nunca se ha ocupado porque se avergüenza de ello, y otros países no tratan sobre ello porque no sienten que tengan derecho a hacerlo."[17][18] Tarantino terminó el guion el 26 de abril de 2011, y se lo entregó a The Weinstein Company.[19] Christoph Waltz fue elegido para interpretar a un alemán cazador de recompensas.[20] Para el papel protagonista se rumorearon Will Smith e Idris Elba, pero finalmente Jamie Foxx ha sido el elegido para hacer de Django.[21] También estará Samuel L. Jackson, como Stephen, un esclavo fiel; y Leonardo DiCaprio en el papel de Calvin Candie, el principal antagonista en la película. Su estreno está previsto para el 25 de diciembre de 2012.[22][23][24]
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Quentin Tarantino
Productor En los últimos años, Tarantino ha utilizado su poder en Hollywood para dar a películas pequeñas y extranjeras más atención de lo que recibirían de otra manera. Estas películas llevan por lo general la etiqueta "Presentado por Quentin Tarantino" o "Quentin Tarantino Presenta". La primera de estas producciones fue en 2001 con la película de artes marciales de Hong Kong Iron Monkey, que recaudó más de $14 millones en los Estados Unidos, siete veces su presupuesto. En el año 2004 llevó la película china de artes marciales Hero a Estados Unidos. Llegó a alcanzar el #1 de recaudación en su apertura a la taquilla ganando $53.5 millones. En 2006, la última producción "Quentin Tarantino Presenta", Hostel, alcanzó en su fin de semana de apertura el #1 en la taquilla con una recaudación inicial de $20.1 millones. En 2006 presentó Thai Dragon, y también es productor de la película Hostel: Part II (2007). En 2008 produjo Hell Ride (escrita y dirigida por Larry Bishop, que apareció en Kill Bill Vol. 2). También fue productor de la adapatación de la novela de Elmore Leonard, Killshot (donde está acreditado como productor ejecutivo, aunque Tarantino no estuvo asociado con la película a partir de su estreno en 2009). [25] Además, en 1995 Tarantino creó Rolling Thunder Pictures[26] junto con Miramax como un vehículo para lanzar o volver a lanzar varias películas independientes y extranjeras. En 1997, Miramax cerró la empresa debido a la "falta de interés" en las películas publicadas. Las siguientes películas fueron publicadas por Rolling Thunder Pictures:[27] Chungking Express (1994, dir. Wong Kar-wai), Switchblade Sisters (1975, dir. Jack Hill), Sonatine (1993, dir. Takeshi Kitano), Hard Core Logo (1996, dir. Bruce McDonald), The Mighty Peking Man (1977, dir. Ho Meng-Hua), Detroit 9000 (1973, dir. Arthur Marks), El más allá (1981, dir. Lucio Fulci) and Curdled (1996, dir. Reb Braddock).
Otros proyectos potenciales Antes de Inglourious Basterds, Quentin Tarantino había pensado en hacer una película sobre los hermanos Vega, que contaría con Michael Madsen y John Travolta retomando sus papeles de Vic Vega (Sr. Rubio) de Reservoir Dogs y Vincent Vega de Pulp Fiction. Sin embargo, en 2007, debido a la edad de los actores y las muertes de ambos personajes en pantalla, afirmó que el proyecto (que tenía la intención de llamarla Double V Vega) "es muy improbable ahora". [28] En 2009, en una entrevista para la televisión italiana, tras ser preguntado sobre el éxito de las dos películas de Kill Bill, Tarantino dijo: "No me han preguntado acerca de la tercera", e insinuaba que iba a hacer un tercera película Kill Bill con las palabras "¡La Novia volverá a pelear!".[29] Más tarde ese año, en el Festival Internacional de Cine de Morelia Tarantino anunció que le gustaría hacer la película Kill Bill: Vol. 3. Él explicó que quería dejar pasar diez años entre el último conflicto de la novia, a fin de dar a ella y a su hija un período de paz.[30]
Vida personal Tarantino ha estado ligado sentimentalmente con la actriz estadounidense Mira Sorvino,[31] las directoras de cine Allison Anders, y Sofia Coppola,[32] la actriz Julie Dreyfus[33] y las comediantes Kathy Griffin[34] y Margaret Cho.[35] También ha habido rumores acerca de su relación con Uma Thurman, a quien se refería como su "musa".[6] Sin embargo, Tarantino ha afirmado que su relación es estrictamente platónica.[36] Tarantino declaró: "No estoy diciendo que nunca voy a casarme o tener un hijo antes de que tenga 60 años. Pero he tomado una decisión, por ahora, de ir por este camino solo. Este es mi tiempo para hacer películas".[37] También ha declarado que planea retirarse del mundo del cine a los 60 años, para centrarse en escribir novelas y en la literatura cinematográfica. También se muestra contrario al rumbo hacia lo digital de la industria del cine, diciendo: "Si llega un día en el que no puedas ver películas de 35mm en los cines y todo sea proyección digital, ni siquiera voy a llegar a los 60".[38] El 18 de febrero de 2010, Tarantino compró el New Beverly Cinema, un viejo cine de repertorio que data de 1920. Tarantino permitió a los actuales propietarios seguir llevando el teatro, pero de vez en cuando hará sugerencias de programación. Tarantino dijo: "Mientras yo esté vivo, y mientras sea rico, el New Beverly estará allí, proyectando
57
Quentin Tarantino películas rodadas en 35mm".[39]
Influencias y estilo Tarantino ha creado un estilo propio y único, que combina los estilos de sus géneros favoritos, haciendo de él uno de los más puros Auteurs recientes. Él expresa sus películas exactamente desde su punto de vista, por ejemplo, en Kill Bill, combinó el estilo de las películas de kung fu de Sonny Chiba y los spaghetti westerns. Tarantino es el primero en decir que está fuertemente inspirado en la trama y en el estilo por sus películas favoritas; y logra rendir homenaje a éstas, pero aún así sus películas tienen un toque único y propio. La música también es una parte muy importante de su estilo de filmación, y ha sido reconocido por ello con el premio Music and Film en los Critics' Choice Awards en 2011.[40][41] En el 2002, en la encuesta de directores de la revista Sight & Sound, Tarantino reveló sus doce películas favoritas: El bueno, el feo y el malo; Río Bravo; Taxi Driver; His Girl Friday; El expreso de Corea; Todos rieron; The Great Escape; Carrie; Coffy; Dazed and Confused; Five Fingers of Death; y Casados sin casa.[42] En 2009 afirmó que la película de acción de Kinji Fukasaku Battle Royale era su película favorita de las estrenadas desde que se convirtiera en director en 1992.[43] En agosto de 2007, mientras que impartía un curso de cine de cuatro horas durante el 9º Festival Internacional de Cine de Cinemanila en Manila, Tarantino citó a los directores filipinos Cirio Santiago, Romero Eddie y Gerardo de León como iconos personales de la década de los 70,[44] citando las películas de vampiros y de la esclavitud en las mujeres de De León, especialmente la película Woman in cages, y describió la escena final como una "desesperación devastadora".[44] A su llegada a Filipinas, Tarantino fue citado en el periódico local diciendo "Soy un gran fan del cine de la República de Filipinas". El actor Steve Buscemi ha descrito el estilo de Tarantino a la hora de hacer cine como "lleno de energía" y "concentrado",[45] un estilo que le ha granjeado muchos elogios en todo el mundo. Sobre el humor, Tarantino ha dicho: "Una de las cosas que intento hacer [en mis películas] es conseguir que la gente se ría de cosas que no son graciosas. No estoy diciendo que lo escriba como una comedia, pero ahí hay risas".[46] Cuando le preguntaron si es posible aprender a hacer cine y dirigir películas simplemente viendo películas y sin estudios formales, respondió: Sabes, es gracioso, para mí la mayoría de las escuelas de cine no te enseñan lo que necesitas para crear tu propia estética, tu propio estilo. Y en realidad parte de convertirse en un artista es descubrir tu estilo. Pueden enseñar a sincronizar la banda sonora con las imágenes, o puede ser que te enseñen algunos trucos diferentes de edición o "Oh, puedes hacer esto con una cámara" y te mostrarán algunas películas. Pero parte de convertirse en un artista es descubrir tu estilo, cuando empiezas "me gusta esto, pero no me gusta esto otro...". Pero luego empiezas a darte cuenta de la diferencia entre un buen trabajo y un mal trabajo, no sólo "me gusta esto, pero no me gusta esto otro...". Y entonces comienzas a afinar tu estilo, y ya sólo es ponerlo en práctica.[46]
58
Quentin Tarantino
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Epítetos raciales Spike Lee cuestionó el uso de Tarantino de epítetos raciales en sus películas, sobre todo el epíteto racial ofensivo "nigger" (negrata). En una entrevista a Variety sobre Jackie Brown, Lee dijo: "Yo no estoy en contra de la palabra, y la uso, pero no excesivamente. Y alguna gente habla así, pero Quentin está enamorado de la palabra ¿Qué es lo que quiere? ¿Que le hagan negro honorario?".[47][48] Tarantino respondió en el talk-show de Charlie Rose afirmando: Como escritor, exijo el derecho a escribir cualquier cosa en el mundo que quiera escribir. Exijo el derecho a ser ellos, exijo el derecho a pensar en ellos y exijo el derecho a decir la verdad de como los veo, ¿de acuerdo?. Y decir que yo no puedo hacer eso porque soy blanco, pero los hermanos Hughes pueden hacerlo porque son negros, eso es racista. Ese es el corazón del racismo. Y yo no acepto eso ... Es como un segmento de la comunidad negra que vive en Compton, que vive en Inglewood, donde se lleva a cabo Jackie Brown, que vive en Carson, así es como ellos hablan. Estoy diciendo la verdad. No se cuestionó si yo era negro, y me molesta que me lo pregunten porque soy blanco. Tengo derecho a decir la verdad. No tengo derecho a mentir.[48][49] Samuel L. Jackson, quien ha aparecido en películas de ambos directores, defendió el uso de la palabra por parte de Tarantino, y también afirmó estar cansado de que Lee actuara como si fuera un cargo electo y pudiera hablar en nombre de toda la gente negra.[48] En el Festival de Cine de Berlín, donde Jackie Brown se estaba exhibiendo, Jackson respondió a las críticas de Lee, diciendo: No creo que la palabra sea ofensivo en el contexto de esta película ... Los artistas negros piensan que son los únicos autorizados a usar la palabra. Bueno, eso es una tontería. Jackie Brown es un homenaje maravilloso de las películas de blaxploitation. Esta es una buena película, y Spike no ha hecho una de estas en años. Si yo digo la palabra, está bien, pero porque Tarantino la ha escrito, ¿ya no está bien?[48][49] Tarantino ha defendido su uso de la palabra, con el argumento de que las audiencias negras tienen una apreciación de las películas blaxploitation que le influyeron que escapa a algunos de sus críticos, y, de hecho, que Jackie Brown, se hizo principalmente para "público negro".[50] Según un artículo de la revista Premiere en 1995, el actor Denzel Washington también se enfrentó con Tarantino debido al uso de insultos raciales en sus películas, aunque añadió que le consideraba un "gran artista".[51]
Actores habituales
Actor Michael Bacall Zoë Bell Michael Bowen Steve Buscemi Paul Calderón Laura Cayouette Omar Doom Julie Dreyfus Kathy Griffin Sid Haig
Reservoir Dogs
Pulp Fiction
Four Rooms
Jackie Brown
Kill Bill
Death Proof
Inglourious Basterds
Django Unchained
Quentin Tarantino
60
Samuel L. Jackson Harvey Keitel Jonathan Loughran Michael Madsen James Parks Michael Parks Tina Rodriguez Eli Roth Tim Roth Kurt Russell David Steen Bo Svenson Uma Thurman Christoph Waltz Bruce Willis
Premios[52] Premios Óscar Año
Categoría
2009 Mejor director
Película
Resultado
Inglourious Basterds Nominado
2009 Mejor guion original Inglourious Basterds Nominado 1994 Mejor director
Pulp Fiction
1994 Mejor guion original Pulp Fiction
Nominado Ganador
Premios BAFTA Año
Categoría
2009 Mejor director
Película
Resultado
Inglourious Basterds Nominado
2009 Mejor guion original Inglourious Basterds Nominado 1994 Mejor director
Pulp Fiction
1994 Mejor guion original Pulp Fiction
Festival de Cannes
Nominado Ganador
Quentin Tarantino
61
Año
Categoría
Película
Resultado
1994 Palma de Oro Pulp Fiction
Ganador
2007 Palma de Oro Death Proof
Nominado
2009 Palma de Oro Inglourious Basterds Nominado
Premios Globo de Oro Año
Categoría
Película
Resultado
2010 Mejor director Inglourious Basterds Nominado 2010 Mejor guion
Inglourious Basterds Nominado
1995 Mejor director Pulp Fiction 1995 Mejor guion
Nominado
Pulp Fiction
Ganador
Otros • Reservoir Dogs ganó el Premio de la Crítica en el 4º Yubari International Fantastic Film Festival en 1993.[53] • En 1996, Tarantino fue nominado a los Razzie en la categoría Peor actor de reparto por la película Abierto hasta el amanecer, pero perdió contra Marlon Brando en La isla del doctor Moreau.[54] • En 2005, Quentin Tarantino ganó el premio a Icono de la Década en los 10ª edición de los Premios Empire.[55] • El 15 de agosto de 2007, la presidenta de Filipinas Gloria Macapagal-Arroyo entregó a Tarantino un premio por su trayectoria en el Palacio de Malacañán en Manila.[56] • En marzo de 2010, Tarantino fue premiado con la Orden al Mérito de la República de Hungría junto con Lucy Liu y Andy Vajna por la producción del documental de 2006 Freedom's Fury.[57] • En febrero de 2011, Tarantino recibió un César Honorífico de la Academia del Cine Francés.[58] • En 2011 recibió el premio Music and Film (música y cine) en los Critics' Choice Awards.[40]
Recepción y crítica Película
Rotten Tomatoes Metacritic IMDb Todas [59]
Reservoir Dogs
96%
Pulp Fiction
95%
Jackie Brown
86%
Kill Bill Vol. 1
85%
Kill Bill Vol. 2
85%
Death Proof
64%
[62] [65] [68] [71] [74]
Top [59]
92%
[62]
94%
[65]
61%
[68]
78%
[71]
81%
86%
[63]
94
[66]
64
[69]
69
[72]
83
-
Inglourious Basterds 88%[76] 74%[76] Media
[60]
78
80%
[77]
69
76
[61]
8.4
[64]
9.0
[67]
7.6
[70]
8.2
[73]
8.0
[75]
7.2
[78]
8.3
8.1
Quentin Tarantino
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Enlaces externos •
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• Ficha de Quentin Tarantino en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000233) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000233) en Internet Movie Database. • Quentin Tarantino (http://www.rottentomatoes.com/celebrity/quentin_tarantino) en Rotten Tomatoes • Este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo Quentin Tarantino de la Wikipedia en inglés, bajo la licencia Creative Commons Atribución Compartir Igual 3.0 Unported y la licencia de documentación libre de GNU.
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Richard Donner
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Richard Donner Richard Donner
Nacimiento 24 de abril de 1930 Nueva York Ocupación
Director de cine, productor de cine
Richard Donner (nacido Richard Donald Schwartzberg el 24 de abril de 1930) es un director de cine estadounidense, así como productor cinematográfico. Es recordado por varias producciones de eminente perfil comercial, como el film de terror La Profecía (The Omen), del que se hicieron dos secuelas, y Arma Letal, que contribuyó al estrellato de Mel Gibson. Dirigió además dos filmes de la saga de Supermán. Junto con su esposa, Lauren Shuler Donner, es propietario de la empresa The Donner's Company. Después de dirigir la película de terror La Profecía en 1976, Donner se hizo famoso por la creación de la aclamada película del primer superhéroe moderno, Superman, protagonizada por Christopher Reeve. La influencia de esta película finalmente ayudó a establecer el concepto de superhéroes como un género cinematográfico respetado. Donner después ha revitalizado el género de películas de amigos con Arma Letal y sus secuelas. En 2000, recibió el premio del Presidente de la Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Películas de Terror. También fue nominado al Mejor Director en 1978 por Superman.
Filmografía • • • • • • • • • • • • • • • •
X-15 (1961) Sal y pimienta (1968) Twinky (1969) La profecía (1976) Superman: La Película (1978) Superman II (1980) (es Richard Lester quien aparece en los créditos) Inside Moves (1980) Su juguete preferido (1982) Los Goonies (1985) Lady Halcón (1985) Arma Letal (1987) Lost Boys(1987) Los fantasmas atacan al jefe (1988) Arma Letal 2 (1989) La fuerza de la ilusión (1992) Arma Letal 3 (1992)
Richard Donner • • • • • • • •
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Maverick (1994) Asesinos (1995) Conspiración (1997) Lethal Weapon 4 (1998) Timeline (2003) 16 Calles (2006) Superman II:The Richard Donner Cut (2006) Sam y George (2010)
Ridley Scott Ridley Scott
Ridley Scott hablando en el Wondercon 2012 en Anaheim, California, el 17 de marzo de 2012. Nacimiento
South Shields, Tyne y Wear, Inglaterra 30 de noviembre de 1937 (74 años)
Ocupación
Director de cine
Año de debut
1965 Familia
Cónyuge
Felicity Heywood (1964-1975) Sandy Watson (1979-1989)
Hijo/s
Cinco Premios
Premios Emmy
Mejor telefilme 2002 The Gathering Storm Ficha
[1]
en IMDb
Sir Ridley Scott (n. 30 de noviembre de 1937) es un director de cine británico. Ha sido nominado en tres ocasiones a los premios Óscar a la mejor dirección. En enero de 2003 fue nombrado caballero por la reina Isabel II. Algunas de sus películas son consideradas como auténticas obras de culto, especialmente Blade Runner y Alien, el octavo pasajero.
Ridley Scott
Biografía Scott nació el 30 de noviembre de 1937 en South Shields, hijo mediano de Elizabeth y el coronel Francis Percy Scott. Por el oficio de su padre éste no estuvo muy presente en la infancia de Scott. Después de la Segunda Guerra Mundial, su familia se muda a Teeside. Le gustaba mucho ver películas, siendo sus favoritas Ciudadano Kane de Orson Welles, Lawrence de Arabia de David Lean y Los siete samuráis de Akira Kurosawa. Estudió en la Royal College of Art, donde ayudó a establecer el Departamento de Cine. Dirigió una película en blanco y negro titulada Boy and Bicycle y protagonizada por su hermano menor Tony Scott y su padre. La película tenía las características visuales que serían marca de Scott en sus futuras películas. En 1963 consiguió un trabajo como escenógrafo en prácticas en la BBC y trabajó en la serie Out of the Unknown. En 1968, junto con su hermano Tony, funda Ridley Scott Asociados. Durante los años setenta dirige anuncios televisivos y participa con Alan Parker, Hugh Hudson y Hugh Johnson.
Carrera Su estilo eleva la importancia de la experiencia sensorial (visual, sonora, auditiva) en un filme. El cine de Scott utiliza a la iluminación, fotografía, creación de ambientes y sincronía con la música y el sonido como "actores" adicionales que contribuyen a la experiencia total del espectador. Esta característica puede ser percibida en los más de 2000 anuncios de televisión que Scott ha dirigido. Sus primeros filmes (especialmente Los duelistas, Alien, y Blade Runner) proporcionan al espectador una experiencia completa donde las escenas son recordadas no solamente por los actores que intervienen o por momentos específicos del guion, sino por el ambiente recreado en ellas. Se le consideró desde entonces como un visionario del cine. Ridley Scott fue el primero en utilizar comercialmente la denominación "Director's Cut" (‘montaje del director’) para una obra que el director reedita para el público y en la que se aprecian diferencias con la versión estrenada originalmente. También ha participado junto con su hermano Tony en la producción de la serie basada en el libro del mismo nombre Los pilares de la Tierra.
Primeras películas Los duelistas Adaptando la novela The Duel de Joseph Conrad, Scott nos translada a las guerras napoleónicas, donde dos tenientes se baten en salvajes duelos que desencadenan en una enemistad que dura 15 años. Protagonizada por Harvey Keitel y Keith Carradine.Se destacó por su gran calidad visual.
Alien, el octavo pasajero Estrenada en 1979, esta película de terror y ciencia ficción se ha convertido en un clásico moderno. La nave de transporte comercial, U.S.C.S.S. Nostromo, regresa a la tierra, pero se detiene al detectar una transmisión de origen desconocido. Tras encontrar una hostil criatura alienígena, ésta les ataca. Sigourney Weaver fue la protagonista, convirtiéndose en una importante figura en la ciencia ficción. En las décadas posteriores se han hecho varias secuelas, y actualmente Scott estrenó una nueva película indirectamente ligada al universo Alien: Prometheus.
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Ridley Scott
Blade Runner Basada parcialmente en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick, Scott siguió con el cine de ciencia ficción. La película describe un futuro en el que seres fabricados a través de la ingeniería genética —«replicantes»— son empleados en trabajos peligrosos y como esclavos en las «colonias exteriores» de la Tierra. Los replicantes fueron declarados ilegales en el planeta Tierra tras un sangriento motín. Un cuerpo especial de la policía —Blade Runners— se encarga de rastrear y matar (o «retirar») a los replicantes fugitivos que se encuentran en la Tierra. Con un grupo de replicantes particularmente brutal y hábil suelto en Los Ángeles, un dubitativo Deckard es invocado desde su semirretiro para que use algo de «la vieja magia blade runner». La película recibió grandes elogios por parte de la crítica, que la clasificaron como la mejor película de ciencia ficción.
Legend Ridley cambia de registro con esta película, más enfocada a la acción y a la fantasía. Tom Cruise y Mia Sara protagonizan esta aventura. Lili es una bella princesa a la que le gusta pasear por el bosque encantado. Ella dice que va a ver a unos parientes, pero en realidad va a encontrarse con Jack, un extraño personaje verde. Mientras, una personificación del diablo intentará extender la noche eterna matando al unicornio de esas tierras. Aunque muchos se mostraron decepcionados por este cambio, la película cuenta con un grupo de fans incondicionales.
1987-1992 Tras dirigir en 1987 La sombra del testigo, que recibió muy malas críticas, la reputación de Scott en Hollywood empezó a decaer. Esto siguió en 1989 con Black Rain, también con pobres críticas. Finalmente, en 1991 dirige Thelma y Louise, protagonizada por Susan Sarandon y Geena Davis. La película obtuvo buenas críticas reviviendo la reputación de Scott y siendo ambas protagonistas nominadas a los Premios Óscar, aunque perdieron en favor de Jodie Foster por El silencio de los corderos. El argumento trata sobre dos mujeres que viven rodeadas de machistas e intentan romper con la situación. Un jovencísimo Brad Pitt, entonces casi desconocido, tiene una intervención breve pero impactante en esta película, que fue su empujón al estrellato. Respaldado de nuevo por el éxito Scott dirige al año siguiente la superproducción 1492: La conquista del paraíso con Gérard Depardieu y Sigourney Weaver, pero fracasa en taquilla.
Carrera reciente Tras el fracaso de 1492: La conquista del paraíso, en cuatro años no vuelve a dirigir una película. En 1996 dirige Tormenta blanca y al año siguiente La teniente O'Neil.
Gladiador El éxito le llega de nuevo en el año 2000 con Gladiator, protagonizada por Russell Crowe y Joaquin Phoenix. La película obtuvo buenas críticas por parte de la crítica especializada por revivir el casi extinto género de romanos. Arrasó en los Premios de la Academia, llevándose los premios de mejor película, mejor actor (Russell Crowe), mejor vestuario, mejor sonido y mejores efectos visuales.
2001 - 2005 En 2001 dirige Hannibal, continuación del clásico El silencio de los corderos, con Anthony Hopkins en el papel de Hannibal y Julianne Moore sustituyendo a Jodie Foster. Fue un enorme éxito de taquilla y, aunque parte de la crítica alabó el cambio de la franquicia hacia caminos más sangrientos, el resto se mostró decepcionada al compararla con su antecesora. En los siguientes años dirigió éxitos de taquilla. Black Hawk derribado ganó dos premios Óscar, al mejor sonido y al mejor montaje. Los impostores, una comedia negra sobre robos y estafas recibió mayoritariamente críticas positivas, pero la taquilla no respondió de igual manera, cosechando moderado éxito. En 2005 dirigió una
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Ridley Scott película sobre las Cruzadas, El reino de los cielos, protagonizada por Orlando Bloom. Aunque los resultados en taquilla no fueron los esperados, la crítica la calificó como «mejor y más profunda que Gladiator».
2006 - presente Scott se unió de nuevo con la estrella de Gladiator, Russell Crowe para dirigir Un buen año, basada en un best-seller. En 2007 dirige American Gangster, basada en la vida real del narcotraficante Frank Lucas y un detective que trataba de derribar su imperio de la droga, Richie Roberts. Protagonizada de nuevo por Russell Crowe y Denzel Washington, la crítica alabó enormemente la película, llamándola incluso "la 'Scarface negra' o el 'Padrino de Harlem'" (Peter Travers: Rolling Stone). Obtuvo buenos resultados en taquilla. A finales del 2008 se estrenó Red de mentiras de nuevo con Russell Crowe y también con Leonardo DiCaprio, que de nuevo abrió taquilla y dividió a la crítica. En el año 2010 estrenó una revisión moderna del mito de Robin Hood, Robin Hood con Russell Crowe en el papel protagonista. Las críticas no fueron positivas para la película, que fue criticada por mediar entre la realidad y la ficción, y por desmitificar a Robin Hood. En 2012 estrenó Prometheus, inicialmente concebida como precuela de Alien, el octavo pasajero, pero que sin embargo, Scott Free y 20th Century Fox han comentado de manera oficial que empleó el universo Alien como telón de fondo para una historia original, que refleja claros indicios de la mitología ancestral que se mostró en el film original. Está protagonizada por Noomi Rapace, Charlize Theron y Michael Fassbender.
Próximos proyectos Para 2013 Scott trabaja en The Counselor con Michael Fassbender, Penélope Cruz, Angelina Jolie, Brad Pitt y Javier Bardem.[2] La productora Alcon Entretainment confirmó el 17 de mayo de 2012 que la nueva entrega de Blade Runner será una secuela cuya acción tendrá lugar varios años después. Ridley Scott dirigirá el filme, que no se centrará en el personaje de Harrison Ford, y negocia con el guionista de la cinta de 1982, Hampton Fancher, para que desarrolle el argumento de la secuela.[3]
Filmografía Como director • • • • • • • • • • • • •
1965 Boy and a bicycle con Tony Scott. 1977 Los duelistas (The duellists) con Keith Carradine, Harvey Keitel, Albert Finney. 1979 Alien, el octavo pasajero (Alien) con Sigourney Weaver, Tom Skerritt, John Hurt. 1982 Blade Runner con Harrison Ford, Sean Young, Rutger Hauer. 1985 Legend con Tom Cruise, Mia Sara, Tim Curry. 1987 La sombra del testigo (Someone to Watch Over Me) con Tom Berenger, Mimi Rogers, Lorraine Bracco. 1989 Black Rain con Michael Douglas, Andy Garcia y Kate Capshaw. 1991 Thelma y Louise con Susan Sarandon, Geena Davis, Brad Pitt. 1992 1492: La conquista del paraíso (1492: Conquest of Paradise) con Gérard Depardieu, Sigourney Weaver, Armand Assante. 1996 Tormenta blanca (White Squall) con Jeff Bridges, Caroline Goodall, John Savage. 1997 La teniente O'Neil (G.I. Jane) con Demi Moore, Viggo Mortensen, Anne Bancroft. 2000 Gladiator con Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen. 2001 Hannibal con Anthony Hopkins, Julianne Moore, Ray Liotta.
• 2002 Black Hawk Derribado (Black Hawk Down) con Josh Hartnett, Eric Bana, Ewan McGregor. • 2003 Los impostores (Matchstick Men) con Nicolas Cage, Sam Rockwell, Alison Lohman. • 2005 El reino de los cielos (Kingdom of Heaven) con Orlando Bloom, Eva Green, Liam Neeson.
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Ridley Scott • • • • • •
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2006 Un buen año (A Good Year) con Russell Crowe, Abbie Cornish, Albert Finney, Marion Cotillard. 2007 American Gangster con Denzel Washington y Russell Crowe. 2008 Red de mentiras (Body of Lies) con Leonardo DiCaprio y Russell Crowe. 2010 Robin Hood con Russell Crowe y Mark Strong. 2012 Prometheus con Noomi Rapace, Charlize Theron y Michael Fassbender. 2013 The Counselor con Michael Fassbender, Penélope Cruz, Angelina Jolie, Brad Pitt y Javier Bardem.[4]
Premios y nominaciones Oscar Año
Categoría
Película
Resultado
2001 Mejor Director Black Hawk Down Candidato 2000 Mejor Director Gladiator
Candidato
1991 Mejor Director Thelma y Louise
Candidato
Año
Resultado
Globos de Oro Categoría
Película
2008 Mejor Director American Gangster Candidato 2001 Mejor Director Gladiator
Candidato
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000631 [2] Así será «The counselor», el filme de Ridley Scott, con Brad Pitt y Angelina Jolie (http:/ / www. abc. es/ 20120414/ cultura-cine/ abci-brad-angelina-counselor-scott-201204141649. html) [3] « La nueva entrega de «Blade Runner» será una secuela (http:/ / www. abc. es/ 20120518/ cultura-cine/ abci-blade-runner-secuela-201205181319. html)». Consultado el 18 de mayo de 2012. [4] Así será «The counselor», el filme de Ridley Scott, con Brad Pitt y Angelina Jolie (http:/ / www. abc. es/ 20120414/ cultura-cine/ abci-brad-angelina-counselor-scott-201204141649. html)
Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Ridley Scott. Commons • Ficha de Ridley Scott en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000631) y en español (http://www.imdb. es/name/nm0000631) en Internet Movie Database.
Robert Redford
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Robert Redford Robert Redford
Redford en 2005 Nombre real
Charles Robert Redford Jr.
Nacimiento
Santa Mónica, California, Estados Unidos 18 de agosto de 1936 (76 años) Familia
Cónyuge
Lola van Wagenen (1958-1985) [1] Sibylle Szaggars (2009-) Premios
Premios Óscar
Mejor director 1980 Ordinary People Óscar Honorífico 2001 Premio a la Trayectoria Profesional
Globos de Oro
Mejor director 1981 Ordinary People Premio Cecil B. DeMille 1993 Premio a la Trayectoria Profesional
Premios BAFTA Mejor actor 1970 Butch Cassidy and the Sundance Kid Ficha
[2]
en IMDb
Charles Robert Redford (n. Los Ángeles; 18 de agosto de 1936) es un actor y director estadounidense ganador de los premios Óscar y Globo de Oro. A su extensa y apreciada carrera hay que sumar su condición de sex symbol para varias generaciones, título que compartió con su colega y amigo Paul Newman, con quien rodó películas de gran éxito.
Robert Redford
Biografía y carrera Nació en el distrito de Santa Mónica, en Los Ángeles (California) como Charles Robert Redford, Jr.. Marta, su madre, era ama de casa, y su padre lechero, de religión católica de origen irlandés.
Juventud rebelde Se crió en el barrio hispano del oeste de Los Angeles. En los años 50 su padre trabajó como contable en la Standard Oil y se trasladaron a un suburbio de clase media en el valle de San Fernando. A su madre se le diagnosticó un cáncer y Redford atravesaba entonces una época de rebeldía; pero le gustaba contar historias y dibujar. Una excursión al parque nacional de Yosemite le imprimió un intenso amor por la naturaleza, que influiría en muchas de sus películas.
Bohemia en Europa y problemas En 1955 la madre de Redford murió a los 41 años de edad. Él abandonó los estudios en 1956 y se fue a Italia y Francia para probar la vida bohemia de un artista; regresó desilusionado en 1957 y comenzó a beber más que nunca. En ese mismo año conoció a Lola van Wagenen, una universitaria de Utah, con la que inició una relación que tuvo una influencia positiva en él. Dejó de beber y en 1958 se matriculó en el Prat Institut de Nueva York para estudiar arte. Le interesaba el diseño de escenarios y siguió el consejo de estudiar interpretación para aprender más sobre el teatro. Nunca le había atraído el trabajo de actor, pero le agradó la experiencia.
Boda y primeros trabajos En 1958 se casó con Lola y al año siguiente nació su hijo Scott, que falleció pocos meses después por muerte súbita. En ese mismo año uno de sus profesores le consiguió su primer papel en Broadway. En 1960 comenzó a trabajar en la televisión, en la serie Playhouse 90, y a continuación en Perry Mason, Alfred Hitchcock presenta y La dimensión desconocida. A raíz de ello, su padre le llegó a decir: «¿Por qué no te buscas un trabajo de verdad?» En 1960 Redford y su esposa tuvieron una hija, Shawna, y en 1962 nuevamente un hijo, David Jones. En esos años compraron una parcela en Utah, donde construyeron una vivienda. Su hija Amy nacería en 1970.
Debut en el cine En el año 1962 Redford consiguió su primer papel en un largometraje de cine, War Hunt, de Denis Sanders. A continuación volvió a actuar en Broadway, en la obra Descalzos por el parque, dirigida por Mike Nichols, quien impuso la participación de Redford, a quien había visto en la televisión. Esta obra de teatro le convirtió en estrella de Broadway y fue el trampolín perfecto hacia Hollywood, donde fue contratado en 1964. En sus cuatro primeras películas hizo papeles secundarios y no le proporcionaron un éxito digno de mención. Estas películas fueron La rebelde (protagonizada por Natalie Wood), La jauría humana de Arthur Penn, Situación desesperada y Propiedad condenada.
Estrellato en el cine En 1966 Redford se trasladó a España para comenzar una vida bohemia. Pero en ese mismo año le ofrecieron un papel como protagonista en la versión cinematográfica de Descalzos por el parque, junto a Jane Fonda, que fue un gran éxito. En los años siguientes intervino en varias películas que le consolidaron como actor de prestigio y también como estrella de Hollywood; la primera de ellas, Dos hombres y un destino, con Paul Newman, con quien congenió rápidamente. Otras películas de éxito fueron Un diamante al rojo vivo, Tal como éramos, dirigida por su amigo Sydney Pollack y co-protagonizada por Barbra Streisand, y El golpe, nuevamente con Newman, que obtuvo 5 Óscar y por la que Redford recibió su primera nominación, como actor principal.
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Robert Redford Redford creó también su propia productora, Wildwood Enterprises, cuya primera película fue El descenso de la muerte (1969), de Michael Ritchie. En 1976 actuó en Todos los hombres del presidente, sobre el caso Watergate, junto a Dustin Hoffman. La película consiguió seis nominaciones a los Óscar, incluida la de mejor película. En 1979, protagoniza El jinete eléctrico junto a una destacable Jane Fonda donde una vez más aparece el amor hacia los caballos que Redford profesa. Siguió siendo una estrella con tirón comercial en la década de los 80, donde destacan dos películas: Memorias de África, con Meryl Streep, filme que cosechó siete premios Óscar, entre ellos el de mejor película, y Peligrosamente juntos (1986) con Debra Winger y Daryl Hannah. En 1985 se separó de su esposa Lola y posteriormente mantuvo una larga relación con la actriz brasileña Sonia Braga.
Trabajos como director Como director, Redford ya tiene una trayectoria importante, con películas que le valieron el reconocimiento de la profesión y del público. En 1980 se inicia como director con Gente corriente, que obtuvo muy buenas críticas y éxito de taquilla, y que le supuso el Oscar al mejor director. Redford dirigió también Un lugar llamado milagro, una película bucólica y de fantasía en la que se refleja su amor por la naturaleza y la vida rústica, pero que no tuvo un éxito significativo. En 1992 dirige El río de la vida, con Brad Pitt y Tom Skerritt, donde trata de la de comunicación entre padres e hijos, un tema recurrente en su vida. Posteriormente dirigió Quiz Show, que obtuvo buenas críticas, aunque escasa aceptación en taquilla, y que supuso su segunda nominación a los Óscar como director. Esta cinta fue igualmente nominada al premio como mejor película, pero finalmente resultó derrotada en ambas categorías. En 1998 dirigió El hombre que susurraba a los caballos, basada en la novela de Nicholas Evans y en 2000 dirigió La leyenda de Bagger Vance.
Festival de Sundance Redford creó en 1980 un centro de enseñanza para jóvenes cineastas, el Instituto Sundance, en sus terrenos de Utah. Llevó adelante esta empresa a pesar de no encontrar apoyos. Su instituto subvenciona a nuevas promesas con todos los gastos pagados durante 4 semanas, proporciona profesores, material técnico y el asesoramiento de grandes profesionales. Viendo la calidad de los trabajos decidió crear un festival de cine paralelo para exponer los trabajos de los estudiantes que hoy se ha convertido en el festival de cine independiente más importante del mundo: el Festival de Cine de Sundance, que se celebra todos los eneros desde el 83 en Park City, Utah. Es curioso porque el nombre de la escuela y el festival viene de la película que protagonizó en 1969 con Paul Newman: Dos hombres y un destino, en la que él se llamaba The Sundance Kid.
Últimos trabajos como actor A partir de la década de 1980, Robert Redford fue espaciando sus trabajos como actor de cine, si bien siguió participando en varias producciones de prestigio por director y/o reparto. Entre ellas destacan las películas románticas Habana de Sydney Pollack (con Lena Olin) e Intimo y personal con Michelle Pfeiffer, y dos del género de intriga: Spy Game con Brad Pitt y La sombra de un secuestro con Helen Mirren. Pero acaso tuvo más repercusión comercial otra película de calidad y argumento más discutibles: Una proposición indecente, con Demi Moore. En 2005, rodó con Jennifer Lopez Una vida por delante, y en 2007 respaldó al entonces criticado Tom Cruise interpretando un papel en su producción Leones por corderos, junto al mismo Cruise y Meryl Streep.
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Robert Redford
Creencias políticas y ecológicas Para la elección presidencial de 1976, Redford preparó al Presidente Carter para el debate presidencial, obteniendo óptimos resultados, ya que Carter ganó el debate y Ford cometió varios errores. Jimmy Carter obtuvo en la elección un 50.1% contra un 48% de Ford. En 1977 Redford escribió un libro de denuncia sobre la expansión estadounidense hacia el oeste, The Outlaw Trail. Luchó con éxito contra la construcción de una central eléctrica en Utah, lo que le valió numerosas amenazas.
Segunda boda El 11 de julio de 2009 se casó con su pareja desde hace años Sibylle Szaggars, pintora alemana. La ceremonia tuvo lugar en Hamburgo en la intimidad de la familia y amigos más próximos.[1]
Filmografía como actor y director • • • •
The Company You Keep (2012) The Conspirator (2010) Leones por corderos (2007) La telaraña de Charlotte (2006) (voz)
• • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •
Una vida por delante (2005) The Clearing o La sombra de un secuestro (2003) Juego de espías (2001) La última fortaleza (2001) The Legend of Bagger Vance (2000) El hombre que susurraba a los caballos, con Kristin Scott Thomas y Scarlett Johansson (1998) Intimo y personal, con Michelle Pfeiffer (1996) Quiz Show: El dilema (1994) Una proposición indecente, con Demi Moore y Woody Harrelson (1993) Los fisgones (1992) El río de la vida (1992) Habana, con Lena Olin (1990) Peligrosamente juntos, con Debra Winger y Daryl Hannah (1986) Memorias de África, con Meryl Streep (1985) El mejor (1984) Gente Corriente (1980) Brubaker (1980) El jinete eléctrico (1979) Un puente lejano (1977) Todos los hombres del presidente, con Dustin Hoffman (1976) Three Days of the Condor (1975) El carnaval de las águilas (1975) El gran Gatsby, con Mia Farrow (1974) El golpe, con Paul Newman (1973) Tal como éramos, con Barbra Streisand (1973) El candidato (1972) Las aventuras de Jeremiah Johnson (1972)
• El descenso de la muerte (1972) • Un diamante al rojo vivo (1972) • Little Fauss and Big Halsy (1970)
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Robert Redford • • • • • • • • •
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Downhill Racer (1969) El valle fugitivo (1969) Dos hombres y un destino con Paul Newman(1969) Descalzos por el parque con Jane Fonda (1967) Propiedad condenada (1966) La jauría humana (1966) La rebelde: Inside Daisy Glover con Natalie Wood (1966) Situación desesperada, pero menos (1965) Soldado o cazador (1962)
Premios y nominaciones Óscar Año
Categoría
1973 Mejor actor
Película El golpe
Resultado Nominado
1980 Mejor director Ordinary People Ganador 1994 Mejor película Quiz show
Nominado
Mejor director 2001 Óscar honorífico
Globos de Oro Año
Categoría
Película
1965 Nueva estrella del año - Actor La rebelde
Resultado Ganador
1980 Mejor director
Ordinary People
1992
El río de la vida
Nominado
1994 Mejor director
Quiz show
Nominado
1998
The Horse Whisperer
1993 Premio Cecil B. DeMille
Referencias [1] Mábel Galaz (16/07/2009). « Robert Redford se viste de novio a los 72 años (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ cultura/ Robert/ Redford/ viste/ novio/ 72/ anos/ elpepigen/ 20090716elpepicul_16/ Tes/ )». El País. Consultado el 16 de julio de 2009. [2] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000602
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Robert Redford. Commons
• Ficha de Robert Redford en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000602) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000602) en Internet Movie Database. • Festival de cine independiente de Sundance (http://www.sundancechannel.com) • Instituto Sundance (http://www.sundance.org) • Blog del Festival de Sundance 2006 (http://spaces.msn.com/sundancechannel) • Otra página de Sundance (http://www.sundanceonlinefilmfestival.org)
Robert Rodriguez
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Robert Rodriguez Robert Rodriguez
Robert Rodriguez en 2006. Nombre real Robert Anthony Rodriguez Nacimiento
San Antonio, Texas, Estados Unidos 20 de junio de 1968 (44 años)
Ocupación
Director, guionista, productor, músico Familia
Cónyuge
Elizabeth Avellán (1990-2007)
Pareja
Rose McGowan (2007-2009)
Hijo/s
5 Ficha
[1]
en IMDb
Robert Anthony Rodriguez (20 de junio de 1968) es un director de cine estadounidense. También es guionista, músico y productor. Es conocido por realizar rentables producciones, tanto independientes como de estudio, con bajos presupuestos y rodajes sin demoras. Principalmente rueda y produce sus películas en los estudios Troublemaker, de los que es dueño, en Austin, Texas. Su carrera en Hollywood comenzó gracias a su primera película, titulada El Mariachi, que dirigió a los 24 años de edad.
Biografía Primeros años Nació en 1968 en San Antonio (Texas), en el seno de una familia de inmigrantes mexicanos. Es el tercero de los ocho hijos de la familia. Después de acabar el instituto estudió en la Universidad de Texas. Rodriguez escribió el guion de su primer largometraje mientras permanecía internado en las instalaciones de unos laboratorios de investigación como paciente de un experimento clínico remunerado. Este dinero sirvió para pagar el rodaje de su película. Planeó recuperar el dinero vendiendo la película en el mercado del vídeo doméstico mexicano. La película era El Mariachi (1992), que Rodriguez escribió, dirigió, fotografió, montó y grabó el sonido con un presupuesto de 7.000 dólares. Mientras que seguía investigando la forma de vender la película en el mercado del vídeo, Rodriguez fichó con un influyente agente de ICM. Fue entonces cuando Columbia Pictures compró los derechos y firmó un contrato de dirección de dos años con Rodriguez. El Mariachi terminó ganando el ansiado Premio del Público a la Mejor Película Dramática del Festival de Cine de Sundance, y también fue galardonada en
Robert Rodriguez los festivales de Berlín, Múnich, Edimburgo, Deauville y Yubari (Japón). El Mariachi se convirtió en la película de menor presupuesto estrenada por un gran estudio y en la primera cinta estadounidense estrenada en español. Rodriguez escribió sobre estas experiencias en Rebel Without a Crew (traducido en España como "Rebelde Sin Pasta").
Carrera Más tarde, Rodriguez escribió, produjo, dirigió y montó Desperado (1995), una secuela de El Mariachi, para Columbia Pictures. Esta película dio a conocer a Salma Hayek al público norteamericano, así como a Antonio Banderas en un papel protagonista. Rodriguez también escribió, dirigió y montó The Misbehavers (1995), que también protagonizó Antonio Banderas y que constituye una de las cuatro partes de Four Rooms, de Miramax Films. Más tarde, formó equipo con Quentin Tarantino en la atrevida Del crepúsculo al amancer, de Dimension Films. Rodriguez dirigió un reparto que incluía al propio Tarantino, que se encargó de escribir el guion. El siguiente proyecto como realizador de Rodriguez fue The Faculty (1998), de Dimension Films, protagonizada por Josh Hartnett, Elijah Wood y Jordana Brewster. En 2001, Robert Rodriguez pudo hacer realidad uno de los sueños de su vida y creó una película de aventuras para toda la familia. Spy Kids fue aclamada por la crítica y obtuvo un enorme éxito de taquilla, con unos ingresos que superaron los 100 millones de Produce sus películas en Texas y México. dólares sólo en Estados Unidos. Después le siguió Spy Kids 2, que se hizo valedora de excelentes críticas y Spy Kids 3-D: Game Over', que se estrenó en Estados Unidos el 25 de julio de 2003. La tercera entrega de la trilogía El Mariachi, Érase una vez en México rodada, montada y producida por él mismo, que se estrenó en Estados Unidos el 12 de septiembre de 2003. Además, participó como guionista.
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Robert Rodriguez
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Vida personal Estuvo casado con Elizabeth Avellán desde 1990 hasta 2007, divorciándose de ella poco tiempo después de rodar su película Planet Terror, en cuyo rodaje entabló una relación sentimental con la actriz Rose McGowan, con la cual estuvo prometido, pero su relación terminó tras el rodaje de "Machete".
Filmografía • Sin City: A Dame to Kill For (2013) Director, Productor. • Machete Kills (2013) Director, Guionista, Productor. • The Black Mamba (anuncio para la marca deportiva "Nike") (2011) Director. • Spy Kids 4: All the Time in the World (2011) Director, Productor, Guionista. • Predators (2010) Productor. • Machete (2010) Director, Guionista, Productor. • Shorts - La piedra mágica (2009) Director, Guionista, Productor, Música. • Planet Terror (2007) Director, Fotografía, Guionista, Montador, Producción. • Las aventuras de Shark Boy y Lava Girl en 3D (2005) Director, Guionista. • Sin City (2005) Co-Director, Montador, Música. • Spy Kids 3 (2004) Director, Guionista, Montador, Música, Producción. • Kill Bill Vol. 2 (2004) Música.
Rodriguez ha compartido crédito como director en algunas películas con Quentin Tarantino.
• Spy kids 2: la isla de los sueños perdidos (2003) Director, Fotografía, Guionista, Cinemat/Montador, Música. • Érase una vez en México (2003) Director, Fotografía, Guionista, Cinemat/Montador, Producción. • Spy Kids (2001) Director, Guionista, Música. • The Faculty (1999) Director. • Full Tilt Boogie (1997) Actor (cameo). • From Dusk Till Dawn (1996) Director, Montador. • • • •
Desperado (1995) Director, Guionista, Producción. Four Rooms (1995) Director, Guionista. Roadracers (1994) Director, Guionista. El mariachi (1992) Director, Fotografía, Guionista.
Robert Rodriguez
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Fuente • http://es.movies.yahoo.com/artists/r/robert-rodriguez/fotos-61692.html Yahoocine.
Enlaces externos • Ficha de Robert Rodriguez en inglés [2] y en español [1] en Internet Movie Database.
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001675 [2] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0001675
Roberto Benigni Roberto Benigni
Benigni (2006). Nombre real
Roberto Remigio Benigni Alberto
Nacimiento
Manciano, Castiglion Fiorentino, Toscana, Italia 27 de octubre de 1952 (59 años)
Ocupación
Actor, comediante, guionista y director
Año de debut
1972 Familia
Pareja
Nicoletta Braschi (1991-) Premios
Premios Óscar
Mejor actor 1998 La vida es bella Mejor película de habla no inglesa 1998 La vida es bella
Premios BAFTA Mejor actor 1998 La vida es bella Premios SAG
Mejor actor 1998 La vida es bella
Premios César
César Honorífico 2008 Premio a la Trayectoria Profesional
Roberto Remigio Benigni (Castiglion Fiorentino, Italia, 27 de octubre de 1952[1]), conocido como Roberto Benigni, es un actor, guionista y director italiano de cine y televisión. Casado con la también actriz Nicoletta
Roberto Benigni
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Braschi, Benigni ganó un Óscar al mejor actor por protagonizar La vida es bella (1997).
Biografía Roberto Benigni obtuvo cierta fama en el mundo del espectáculo a mitad de los 70 con sus monólogos de Cioni Mario fu Gaspare di Giulia, espectáculo coescrito junto Giuseppe Bertolucci. En 1977 debutó como actor en Berlinguer, ti voglio bene, dirigida por su amigo Giuseppe Bertolucci y que recuerda al espectáculo que co-escribieron juntos. Tras el gran éxito obtenido con L'altra domenica, de Renzo Arbore, intervino en varías películas como Chiedo asilo (1979), de Marco Ferreri, o Il minestrone (1981), de Sergio Citti. En 1983 debutó como director con Tu mi turbi (1983) y volvió al cine con Non ci resta che piangere (1984), Bajo el peso de la ley (1986), La voz de la Luna (1990) o El hijo de la pantera rosa (1993).Con Soy el pequeño diablo (1988) empezó una colaboración con el guionista Vincenzo Cerami: todas las películas que Benigni dirigió a continuación cuentan con la colaboración de Cerami y todas han sido campeonas de recaudaciones de la correspondiente temporada. Con Johnny Palillo (1991) y El monstruo (1994) obtuvo una gran popularidad, a pesar de que los resultados son artísticamente desiguales. El reconocimiento le llegó en 1997, con su versión sobre el holocausto nazi en La vida es bella (1997): ganó tres Oscar y el Gran premio del Jurado en el Festival de Cannes. En 1999 actuó en Astérix y Obélix contra César, dirigida por Claude Zidi y junto a Christian Clavier, Gerard Depardieu, Vittorio Gassman o Laetitia Casta. En 2002 dirigió y actuó en su versión de Pinocho y en 2005 dirigió y protagonizó El tigre y la nieve, ambientada en la guerra de Irak. En 2012 se estrenará To Rome with love, una película dirigida por Woody Allen en la que él actúa.
Nicoletta Braschi y Roberto Benigni (1998).
Filmografía Año
Película
Director
Función
2012 To Rome with love
Woody Allen
Actor
2005 El tigre y la nieve
Roberto Benigni
Actor Director Guionista
2004 Coffee and cigarettes
Jim Jarmusch
Actor
2002 Pinocho
Roberto Benigni
Actor Director
1999 Astérix y Obélix contra César
Claude Zidi
Actor
1997 La vida es bella
Roberto Benigni
Actor Director/ guionista
Roberto Benigni
81 1994 El Monstruo
Roberto Benigni
Actor Director
1993 El hijo de la pantera rosa
Blake Edwards
Actor
1991 Night on Earth (Noche en La Tierra) Jim Jarmusch
Actor
1991 Johnny Palillo
Roberto Benigni
Actor Director
1989 La voz de la luna
Federico Fellini
Actor
1988 Soy el pequeño diablo
Roberto Benigni
Actor Director Guionista
1986 Bajo el peso de la ley
Jim Jarmusch
Actor
1985 Non ci resta che piangere
Roberto Benigni & Massimo Troisi Actor Director
1979 La luna
Giuseppe Bertolucci
Actor
1979 Busco asilo
Marco Ferreri
Actor
1979 Ma che cos'è questo amore
Ugo Gregoretti
Actor
1977 Berlinguer, te quiero
Giuseppe Bertolucci
Actor
Premios Oscar Año
Categoría
Película
Resultado
1998 Mejor película
La vida es bella Candidato
1998 Mejor director
La vida es bella Candidato
1998 Mejor actor
La vida es bella Ganador
1998 Mejor guion original
La vida es bella Candidato
1998 Mejor película extranjera La vida es bella Ganador
Premios BAFTA Año
Categoría
1998 Mejor actor
Película
Resultado
La vida es bella Ganador
1998 Mejor guion original La vida es bella Candidato
Premios del Sindicato de Actores Año
Categoría
Película
Resultado
1998 Mejor actor La vida es bella Ganador
Roberto Benigni
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Referencias [1] Curiosamente, en su página web (ver "Enlaces externos") se indica Arezzo como lugar de nacimiento
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Roberto Benigni. Commons
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• Ficha de Roberto Benigni en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000905) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000905) en Internet Movie Database.
Roman Polanski Roman Polanski
Nombre real
Rajmund Roman Thierry Polański
Nacimiento
París, Francia 18 de agosto de 1933 (79 años) Familia
Cónyuge
Barbara Kwiatkowska-Lass (1959-1962) Sharon Tate (1968-1969) Emmanuelle Seigner (1989-presente) Premios
Premios Óscar
Mejor director 2002 The Pianist
Globos de Oro
Mejor director 2002 The Pianist
Premios BAFTA
Mejor película 2002 The Pianist Mejor director 1974 Chinatown 2002 The Pianist
Festival de Cannes Palma de Oro 2002 The Pianist Ficha
[1]
en IMDb
Roman Polanski Roman Polanski (en polaco, Roman Rajmund Thierry Polański) (París, 18 de agosto de 1933) es un director de cine, productor, guionista y actor polaco nacido en Francia.
Biografía Infancia Nació en París en 1933 con el nombre de Raymond Roman Thierry Liebling, en el seno de un matrimonio de emigrantes judíos polacos. Su padre Ryszard Polański, pintor de escaso éxito, se cambió el apellido en 1932 y pasó a llamarse Ryszard Liebling, por lo que el nombre legal de Polanski fue Rajmund Roman Thierry Liebling, hasta su retorno a Cracovia (Polonia), a primeros de julio de 1936, en donde recuperó su apellido original polaco y pasó a llamarse Rajmund Roman Thierry Polański, respondiendo al apodo de Romek, diminutivo de Roman. Su madre, de soltera llamada Bula Katz, era de origen ruso y se educó en la religión católica porque su madre lo era, aunque su padre (abuelo paterno de Polanski), apellidado Katz, era judío askenazí. Bula Katz estaba divorciada cuando se casó con Ryszard Liebling en 1932 y sólo tuvieron un hijo juntos. Se instalaron en el número 5 de la rue Saint-Hubert, en París, donde vivió Polanski sus tres primeros años de vida. En el árbol genealógico de Polanski, por tanto, hay raíces judías en un 75% (sus abuelos paternos y su abuelo materno, Katz) y un 25% de raíces rusas católicas (su abuela materna). Los padres de Polanski no practicaban la religión judía y Roman Polanski no recibió educación religiosa, ni judía ni tampoco católica, ni en París ni luego en Cracovia. Por sus ancestros judíos, experimentó en carne propia los males de la Segunda Guerra Mundial ya que poco antes de dar comienzo el conflicto se mudó con sus padres de París a Cracovia (Polonia), creyendo que allí estarían más seguros; e instalarse en Polonia se convirtió en la primera, de muchas, desgracias de su vida. Durante la guerra perdió a su madre —católica, pero "clasificada racialmente" como judía por parte de padre— en el campo de concentración de Auschwitz, en algún momento de 1943, junto a otros familiares. Su padre pese a que estuvo también recluido dos años en el campo de concentración de Mauthausen-Gusen sobrevivió, convirtiéndose en uno de los pocos supervivientes polacos del Holocausto. Durante la guerra, Polanski sobrevivió al gueto de Cracovia y luego, tras vivir como un mendigo en la calle, logró escapar de los nazis haciéndose pasar por hijo católico en familias de acogida, primero los Wilk, en Cracovia, luego los Putek y los Buchala, en el pueblo de Wysoka, a partir de julio de 1943 y hasta la liberación por el Ejército Soviético en enero de 1945, tal y como relató el cineasta en sus memorias.
Inicios profesionales Después de la guerra, siendo muy joven, ya empezó a interesarse por el mundo del cine y comenzó su carrera como actor teatral. Más tarde cursó estudios en la Escuela de Cine de Łódź. Su primer cortometraje lo realizó a la temprana edad de 21 años. Se trataba de Rower (La bicicleta, 1955), en el que él también actúa con el papel principal. Le siguieron Rozbijemy zabawę... (1957), Uśmiech zębiczny (1957), Dwaj ludzie z szafą (1958) (conocida en castellano como Dos hombres y un armario), Lampa (La lámpara, 1959) y Gdy spadają anioły (1959) (Cuando los ángeles caen en España). Durante el rodaje de esta película el joven Polanski, de 26 años, comenzó un romance con la actriz principal, Barbara Kwiatkowska-Lass, de 19 años, con la que se casó en ese mismo año y de la que se divorció en 1962. Esto le sirvió para poder realizar su primer largometraje en Polonia: El cuchillo en el agua (rodada en 1961 pero estrenada en 1962), con el que consiguió una nominación a la mejor película extranjera en los Óscar de 1963. La película ya mostraba algunas de las características de sus siguientes producciones, por su gusto por los ambientes claustrofóbicos, al colocar a tan sólo tres personajes (una pareja y un desconocido) que navegan en un pequeño barco. Poco después Polanski realizó sus últimos cortometrajes: Le Gros et le maigre (1961), que rodó en Francia y con el que consiguió varios premios, y Ssaki (1963).
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Roman Polanski
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Dándose a conocer Gracias al reconocimiento cosechado con El cuchillo en el agua, Polanski rodó Repulsión (1965). Escribió el guion junto con su amigo Gérard Brach y contó con una banda sonora del también íntimo Krzysztof Komeda, que ya había realizado varias composiciones musicales para los cortos de Roman. Esta película fue ya producida por una compañía más o menos importante y significó su primera gran producción en el Reino Unido, con Catherine Deneuve como estrella principal y con un argumento de thriller psicológico que le valió varios premios, incluido el Oso de Plata en el festival de Berlín de ese año. En 1966 filmó Callejón sin salida (Cul-de-sac), de nuevo en Reino Unido, con Donald Pleasence como protagonista, en la que aparte del ambiente claustrofóbico tan característico del autor, deja ver atisbos de un humor negro muy particular que acompañará algunas de sus mejores películas. Cul-de-sac obtuvo el Oso de Oro en el festival de Berlín, así como muchos otros premios.
Tate y la mejor etapa de su vida En 1967 Polanski dio el gran salto a los Estados Unidos con el rodaje de El baile de los vampiros, primer filme que rodó en color. Este film, una parodia de las películas de vampiros de la época, le permitió mostrar sus dotes interpretativas y lo consagró en el mercado norteamericano. Antes y durante el rodaje comenzó una relación amorosa con la bella actriz Sharon Tate, de 23 años (a pesar de que ésta se encontraba saliendo por aquel entonces con un prestigioso peluquero de Hollywood, Jay Sebring), con la que se casó en enero de 1968 en Londres.
Sharon Tate.
La película fue destrozada debido a la excesiva censura de la época y sólo pudo ser vista de manera íntegra tiempo después. En 1968, Polanski rodó en EE.UU. una de sus películas más emblemáticas y polémicas: Rosemary's Baby (conocida en Hispanoamérica como El bebé de Rosemary y como La semilla del diablo en España). Interpretada por la actriz Mia Farrow la película obtuvo numerosos premios (entre ellos varias nominaciones al Óscar), logró el éxito internacional y tuvo gran repercusión. Cabe destacar que Polanski tenía en mente utilizar para el papel protagonista a su mujer, Sharon. Sin embargo, al no decir los productores nada al respecto Roman desechó la idea. Polanski, de 35 años, se encontraba en la mejor etapa de su vida, como reconoció él mismo.
Asesinato de su esposa En abril de 1969 sufre la muerte de su querido compositor musical de películas Krzysztof Komeda a causa de un accidente. Era el preludio de una serie de desgracias que se cebarían con el director polaco. Por aquel tiempo, Polanski se había mudado a una enorme mansión en el 10050 de Cielo Drive, en Los Ángeles (California), donde tuvo lugar uno de los sucesos que marcarían su vida, tanto personal como cinematográfica. Su mujer, la actriz Sharon Tate, que se encontraba embarazada de ocho meses, fue una de las víctimas de la masacre que la banda de Charles Manson realizó en dicha casa. Los sucesos tuvieron lugar mientras Polanski se encontraba en Londres preparando otro largometraje, El Día del Delfín, que jamás terminó. El suceso ocurrió la madrugada del 9 de agosto y Polanski tenía en mente regresar el día 12 a tierras norteamericanas, tras haber estado desde el 20 de julio en la capital británica.
Roman Polanski
Chinatown y otros estrenos Tras un período de inactividad regresó al cine en 1971 con Macbeth, en una personal adaptación de la obra de William Shakespeare. La película fue el primer fracaso comercial de Polanski, aunque en Inglaterra funcionó bien. Destaca en la película la matanza realizada por el protagonista sobre los escoltas del Rey que hace alusión a los asesinatos de su esposa y amigos. En 1973 viajó a Italia para rodar ¿Qué?, una comedia disparatada con Sydney Rome y Marcello Mastroianni que recordaba por momentos a Alicia en el país de las maravillas y que contiene alguno de los momentos más divertidos de su filmografía. La película fue un fracaso en EE.UU., pero en Europa consiguió un notable éxito, sobre todo en Francia, Italia y Alemania. En España fue prohibida por la censura de la época, debido a los continuos desnudos de Sydne Rome, y tan sólo pudo verse en salas de arte y ensayo en versión original subtitulada. Actualmente se ha editado en DVD en España por Filmax. En 1974 Polanski volvió por la puerta grande, al rodar Chinatown, una película inspirada en los clásicos del cine negro, con las apariciones estelares de Jack Nicholson, Faye Dunaway y John Huston. La película fue un éxito mundial y lograría 11 nominaciones a los Óscar, de los que obtendría tan sólo uno, así como otros numerosos premios. En 1975 empezó a preparar el rodaje de Piratas, de nuevo con Jack Nicholson, invirtiendo gran parte de su propio dinero en la preparación. Como finalmente ninguna gran productora cinematográfica se interesó por el proyecto, Polanski se ve obligado a abandonarlo, así que viajó a Francia, donde, apoyado de nuevo por las multinacionales, comienza el rodaje de El quimérico inquilino (The Tenant), un «thriller» psicológico que quizá sea la obra cumbre del director polaco y en el que él mismo actúa como protagonista. Como las autoridades francesas pretendían presentar el largometraje en el festival de Cannes, Polanski se vio obligado a realizar el proyecto a gran velocidad, con lo que pasaron tan sólo ocho meses desde que se escribió el guion hasta que se estrenó la película. El quimérico inquilino se estrenó en 1976, fracasó en el festival de Cannes y recibió malísimas críticas. Fue un tremendo fiasco comercial y, curiosamente, hoy en día se ha convertido en el largometraje favorito de muchos de sus seguidores, ya que es uno de los trabajos más personales de Polanski y, a la vez, más retorcido, mezclando de forma magistral terror con humor negro. En 1977 Polanski, de nuevo en EE.UU., fue acusado de haber mantenido relaciones sexuales con una joven de trece años. El suceso ocurrió debido a que Polanski era el encargado de realizar unas fotos a la joven para una revista. Durante la realización de éstas ambos se encontraban en casa de Jack Nicholson, que por aquel entonces era pareja de Anjelica Houston, en un jacuzzi con alcohol y drogas. Abandonó el país mientras estaba en libertad bajo fianza y tras haber pasado unos meses en prisión en Chino (Los Ángeles), previendo una condena mayor. Nunca ha vuelto a pisar suelo estadounidense.
Exilio en Europa y Emmanuelle Seigner En 1979, tras un intenso rodaje de más de año y medio en Francia, Polanski estrenó Tess, basada en la novela de época de Thomas Hardy, con Nastassja Kinski como protagonista. Dedicó el filme a su fallecida esposa Sharon Tate (con un simple «To Sharon»), quien dio la novela a Polanski junto con otras pertenencias el último día que se vieron antes de que volviera la actriz a Los Ángeles. "Podemos hacer una película fascinante con este libro" le dijo en ese momento. Tess fue uno de los mayores éxitos de su carrera, logrando varios Globos de Oro y estando nominada a 6 estatuillas en los Óscar, de las que conseguiría tres. Cabe destacar por el propio Polanski que con Tess lograría la cumbre de su carrera, si bien el propio director tenía pensado hacerla dándole el papel protagonista a la propia Sharon. Reconocido como uno de los más grandes directores de la historia del cine, Polanski se tomó un descanso como director de cine durante seis años. En ese tiempo escribe su autobiografía Roman por Polanski (1985), donde deja ver claramente que aún no ha superado la muerte de su mujer.
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Roman Polanski
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En 1986 regresó con Piratas, proyecto que pretendía haber rodado diez años atrás inspirándose en las películas de piratas y que, sin Jack Nicholson como protagonista, fue, como vaticinaron las productoras diez años atrás, un fracaso comercial. Dos años más tarde, con 55 años, volvió al género de suspense con una producción estadounidense rodada en Francia: Frantic, junto a Harrison Ford y la que sería la futura esposa de Polanski en 1989, Emmanuelle Seigner, de 22 años. Frantic funcionó muy bien comercialmente y permitió al director adentrarse en temas aún más oscuros en cuanto a la relación de pareja en Lunas de hiel, su siguiente trabajo, de nuevo con Emmanuelle Seigner como protagonista junto a Peter Coyote y Hugh Grant. El filme se estrenó en 1992 y, sin llegar a estar considerada de lo mejor de la filmografía de Polanski, supera los trabajos del director en la década de los 80 y 90. Roman Polanski y Emmanuelle Seigner en el Festival de Cannes en 1992.
Década de los noventa En 1993, con casi 60 años, nace su primera hija, Morgane, fruto de su matrimonio con Emmanuelle Seigner. En 1994 estrenó La muerte y la doncella (basado en el libro del mismo nombre de Ariel Dorfman) con Sigourney Weaver como protagonista. La cinta fue un éxito moderado tanto comercial como de crítica. En 1998 nace su segundo hijo, Elvis. Tras abandonar un proyecto cinematográfico con John Travolta en 1996 por desavenencias con el actor, en 1999 Polanski rodó La novena puerta, en la que adaptó de forma original la novela de Arturo Pérez-Reverte El club Dumas y otorgó el papel protagonista a Johnny Depp. El filme, aunque fue un éxito comercial, se ganó el estatus de una de las peores películas de Polanski por parte de la crítica. Fue en 1997 cuando Polanski incursionó en el teatro musical con la producción germano-austriaca Tanz der Vampire (basada en la película de Polanski, con libreto de Michael Kunze y musicalizada por el célebre Jim Steinman). Dicha versión fue protagonizada por el fallecido actor estadounidense Steve Barton. El musical fue un éxito, logrando una gran temporada en Viena (Austria) y después siendo montada en algunas ciudades alemanas como Stuttgart, Hamburgo y Berlín. También recientemente se ha estrenado la versión polaca del musical, dirigida personalmente por Polanski. El musical contó con una versión estadounidense: Dance of the Vampires, que pese a tener un gran presupuesto no logró captar el sentimiento original de la versión en alemán. El resultado fue una comedia ridícula, con una traducción/adaptación al inglés bastante mediocre, que fue un rotundo fracaso, no llegando siquiera a las cien funciones. Cabe destacar también su papel como actor en la película Una pura formalidad, en la cual interpreta a un inspector de policía que intenta descubrir un caso con Gérard Depardieu como sospechoso. La película fue rodada íntegramente en una lúgubre comisaría de policía.
Siglo XXI En 2002 recibió la Palma de Oro de la 55.ª edición del festival de Cannes, máximo galardón del certamen, por el filme El pianista, adaptación de las memorias de Władysław Szpilman, pianista judío polaco que sobrevivió a las masacres nazis gracias a la ayuda de un oficial alemán. En la 75 edición de los Óscar, El pianista recibió tres galardones; mejor actor (Adrien Brody), mejor guion original (Ronald Harwood) y mejor director para Polanski, que no asistió a la ceremonia por ser prófugo de la justicia estadounidense. Polanski estrenó (diciembre de 2005 en España) Oliver Twist (2005), una película con la que se identificaba. En 2007 se preparaba para un nuevo giro en su carrera, con la adaptación de la novela "Pompeya" de Robert Harris. Demoras ajenas a su voluntad le obligaron a renunciar en septiembre de 2007 tras varios años dedicados al proyecto.
Roman Polanski En febrero de 2009 Polanski inició en Berlín el rodaje de The Ghost, que también incluye secuencias filmadas en el Studio Babelsberg, de Potsdam (Brandenburgo), los mismos estudios donde filmó El pianista, así como en la Isla de Sylt. Polanski ha escrito también el guion, adaptado de la novela homónima del escritor ingles Robert Harris, distribuida en España bajo el título El poder en la sombra. Cuenta con la fotografía del operador polaco Pawel Edelman, el mismo de El pianista y Oliver Twist, además de sus productores habituales: Robert Benmussa, Timothy Burrill y Alain Sarde. Los actores protagonistas son el escocés Ewan McGregor y el irlandés Pierce Brosnan. Y como secundarios los ingleses Olivia Williams, Kim Cattrall y Tom Wilkinson, así como los estadounidenses Timothy Hutton y James Belushi, entre otros. La productora es Summit International. The Ghost se estrenó en Alemania el 18 de febrero de 2010. Según el diario alemán Märkische Allgemeine, Polanski habló de la película a la prensa en el Filmmuseum Potsdam, el 19 de febrero de 2009. Sin embargo fue detenido sorpresivamente el sábado 26 de septiembre de 2009 en Zúrich por los cargos de abuso sexual que pesaban sobre él en Estados Unidos desde 1977, por los que pesaba contra él una orden de búsqueda y captura. Polanski había sido invitado por el Festival de Cine de Zúrich. Por este motivo no pudo estar presente en la entrega del Premio al Mejor Director que se le concedió el 20 de febrero de 2010 en el Festival de Berlín por su película The ghost writer. La película se estrenó en España como El escritor, el 26 de marzo, con excelentes críticas de la prensa generalista y especializada. El 12 de julio de 2010, la ministra de Justicia de Suiza, Eveline Widmer-Schlumpf, anunció que Suiza no extraditaría a Polanski, por considerar que las autoridades estadounidenses no habían probado que el cineasta no hubiera cumplido ya la totalidad de la condena impuesta en su día al pasar 42 días en una institución psiquiátrica. Esta decisión puso fin al arresto domiciliario que sufría el cineasta.[2] El 14 de julio de 2010, Polanski confirmó que llevaría al cine Un Dios salvaje, obra teatral de la escritora francesa de origen judío sefardí Yasmina Reza. Polanski y Reza escribieron juntos la primera versión del guion durante el arresto domiciliario en Gstaad, Suiza. El 20 de mayo de 2012 presentó en el Festival de Cannes su cortometraje A Therapy (Una terapia), protagonizado por Ben Kingsley y Helena Bonham Carter, para promocionar la firma de moda Prada.
Acusaciones de abuso sexual En 1977, a los 43 años, Polanski, se vio involucrado en un escándalo junto a Samantha Gailey (posteriormente Samantha Geimer[3]), de 13 años de edad. Según Samantha Gailey, Polanski la llevó a la casa de Jack Nicholson en Mulholland Drive para fotografiarla para la revista Vogue. Gailey declaró que Polanski le dio champán y metacualona, le tomó fotos con el pecho desnudo y después la llevó a un jacuzzi, donde mantuvo relaciones sexuales consentidas, aunque luego Gailey declaró que se negó verbalmente en varias ocasiones. [4] Polanski fue acusado de abuso sexual a una menor tras el uso de drogas, perversión y sodomía, así como por administración de drogas a una menor de catorce años. Estos cargos fueron atenuados bajo los términos de su plea bargain (negociación en el sistema jurídico estadounidense entre el fiscal y el acusado por la que el fiscal accede a limitar sus acusaciones o las penas que solicitará si el acusado se reconoce culpable de ciertas acusaciones) y se declaró culpable del cargo menor de tener relaciones sexuales ilícitas con una menor.[5] Polanski fue condenado en primer lugar a un periodo de reclusión de 90 días en una prisión estatal para realizarle una evaluación psiquiátrica con el fin de decidir su condena final, pero le dieron un permiso de otros 90 días para terminar su proyecto pendiente. De acuerdo con los términos de la sentencia, se le dio permiso para viajar al extranjero. Polanski volvió a California y se sometió a la evaluación en la Prisión Estatal de Chino, de la que fue liberado tras 42 días. El 1 de febrero de 1978 Polanski voló a Londres, donde tenía una residencia. Al día siguiente viajó a Francia, país en el que tenía y sigue teniendo la nacionalidad, evitando así el riesgo de ser extraditado a los Estados Unidos por el Reino Unido, pues de acuerdo con el tratado de extradición entre Francia y los Estados Unidos, Francia se puede negar a extraditar a sus ciudadanos, como hizo en este caso.[6] Desde entonces ha vivido en Francia y Polonia y ha evitado visitar países donde probablemente podría ser extraditado, como el Reino Unido.
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Roman Polanski Polanski no ha vuelto a pisar Estados Unidos ni el Reino Unido. No asistió, por ejemplo, a la ceremonia de los Óscars de 2002, en la que obtuvo el Óscar al mejor director por El Pianista, y rodó Oliver Twist en Praga con actores británicos. El 26 de septiembre de 2009, Polanski fue arrestado en el aeropuerto de Zúrich por las autoridades del país helvético, a petición de Estados Unidos por el caso abierto del año 1978.[7][8]
Filmografía Como productor • Bitter Moon (1992)
Como director • • • •
Rower (corto, 1955) Uśmiech zębiczny (corto, 1957) Rozbijemy zabawę... (corto, 1957) Morderstwo (corto, 1957)
• • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •
Dos hombres con un armario (corto, 1958) Lámpara (corto, 1959) Gdy spadają anioły (corto, 1959) El gordo y el flaco (1961) El cuchillo en el agua (1962) Ssaki (corto, 1963) Les plus belles escroqueries du monde (1964, sólo un episodio) Repulsión (1965) Callejón sin salida (1966) El baile de los vampiros (1967) Rosemary's Baby (1968) o La semilla del mal. Cinema Different 3 (1970) Macbeth (1971) ¿Qué? (1973) Chinatown (1974) Le Locataire (1976) Tess (1979) Piratas (1986) Frantic (1988) (Frenético) Bitter Moon (1992) (Lunas de Hiel) La muerte y la doncella (1994) The Ninth Gate (1999) (La novena puerta) El pianista (2001) Oliver Twist (2005) A cada uno su cine (2007) El escritor fantasma (2010) Un dios salvaje (Carnage) (2011)
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Roman Polanski
Como guionista • • • • • • • • • • • • • • • •
Lámpara (1959) Gdy spadają anioły (1959) El cuchillo en el agua (1962) Aimez-vous les femmes? (1964) Les plus belles escroqueries du monde (1964) Repulsion (1965) Callejón sin salida (1966) A Taste for Women (1966) El baile de los vampiros (1967) Rosemary's Baby (1968) (La semilla del Diablo) La fille d'en face (1968) A Day at the Beach (1970) Cinema Different 3 (1970) Macbeth (1971) ¿Qué? (1973) El inquilino (1976) (Quimerico Inquilino)
• • • • •
Tess (1979) Piratas (1986) Frantic (1988) (Frenetico) Bitter Moon (1992) (Lunas de Hiel) The Ninth Gate (1999) (La Novena Puerta)
Como actor • • • • • • • • • • • • • • • •
Generación (Pokolenie, 1954) Fin de la noche (Koniec nocy, 1957) Lotna (1959) Gdy spadają anioły (1959) Do widzenia, do jutra (1960) El baile de los vampiros (1967) The Magic Christian (1969) Blood for Dracula (1973) ¿Qué? (1973) Chinatown (1974) El inquilino (1976) Back in the USSR (1991) Una pura formalità (1994) Grosse fatigue (1994) Hora punta 3 (2007) Caos calmo (2008)
89
Roman Polanski
90
Premios y nominaciones Premios Óscar Año
Categoría
Película
Resultado
2002 Mejor director
El pianista
Ganador
1980 Mejor director
Tess
Candidato
1974 Mejor director
Chinatown
Candidato
1968 Mejor guion adaptado Rosemary's Baby Candidato
Premios Globo de Oro Año
Categoría
Película
Resultado
1980 Mejor director Tess
Candidato
1974 Mejor director Chinatown
Ganador
1968 Mejor guion
Rosemary's Baby Candidato
Premios Goya Año
Categoría
Película
Resultado
2002 Mejor película europea El pianista Ganador
Festival de Cannes Año
Categoría
Película
2002 Palma de Oro El pianista
Resultado Ganador
1976 Palma de Oro Le Locataire Candidato
Notas [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000591 [2] Rodrigo Carrizo, «Suiza deja en libertad a Roman Polanski» (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ cultura/ Suiza/ deja/ libertad/ Roman/ Polanski/ elpepucul/ 20100712elpepucul_2/ Tes), El País, 12/07/2010. [3] Claudia Becker: «Opfer Sam Gailey hat Polanski längst verziehen» (http:/ / www. welt. de/ vermischtes/ article3019333/ Opfer-Sam-Gailey-hat-Polanski-laengst-verziehen. html), Die Welt, 13 de enero de 2009 [4] «Der Schatten einer Vergewaltigung» (http:/ / www. stern. de/ unterhaltung/ film/ :Filmregisseur-Roman-Polanski-Der-Schatten-Vergewaltigung/ 634677. html), Associated Press / Stern, 13 de agosto de 2008 [5] «Polanski Named in Rape Charge» (http:/ / www. vachss. com/ mission/ roman_polanski. html), Roman Polanski Media Archive [6] «A Roman in Paris» (http:/ / www. vachss. com/ mission/ roman_polanski. html), Roman Polanski Media Archive [7] Europa Press (ed.): « Arrestado el cineasta Roman Polanski (http:/ / www. europapress. es/ cultura/ noticia-arrestado-cineasta-roman-polanski-20090927123422. html)» (27 de septiembre de 2009). Consultado el 27 de septiembre de 2009. [8] Reuters (ed.): « El director de cine Roman Polanski, detenido en Suiza (http:/ / es. reuters. com/ article/ topNews/ idESMAE58Q06N20090927)» (27 de septiembre de 2009). Consultado el 27 de septiembre de 2009.
Roman Polanski
91
Referencias • Polanski, Roman: Roman by Polanski. Traducción al español: Roman por Polanski, Grijalbo, Barcelona, 1985. ISBN 84-253-1675-8. • Moldes, Diego : Roman Polanski. La fantasía del atormentado, Ediciones JC Clementine, Madrid, 2005. Ensayo: primer libro sobre el cineasta escrito en español. 464 pp. ISBN 84-89564-44-2.
Enlaces externos •
Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Roman Polanski. Wikiquote
•
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Roman Polanski. Commons
Wikinoticias • Artículos en Wikinoticias: Roman Polanski sale de prisión por motivos de salud • Ficha de Roman Polanski en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000591) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000591) en Internet Movie Database. • Roman Polanski: vida y obra (http://www.quintadimension.com/article318.html)
Ron Howard Ron Howard
Ron Howard Nombre real
Ronald William Howard
Nacimiento
Duncan, Oklahoma, Estados Unidos 1 de marzo de 1954 (58 años)
Ocupación
Director, actor, productor Familia
Pareja
Cheryl Alley (1969-1983) Premios
Premios Óscar Mejor película 2001 A Beautiful Mind Mejor director 2001 A Beautiful Mind Globos de Oro Mejor película - Drama 2002 A Beautiful Mind Ficha
[1]
en IMDb
Ron Howard Ronald William Howard (n. 1 de marzo de 1954) es un actor, director y productor de cine estadounidense ganador del Óscar.
Primeros años Howard nació en Duncan, Oklahoma. Hijo de Jean Speegle Howard, una actriz, y de Rance Howard, director, escritor, y actor. Tiene ascendencia holandesa, escocesa, inglesa, irlandesa, alemana y cheroqui. Su hermano menor, Clint Howard es un reconocido actor. Estudió en la Escuela de Cinematografía de la Universidad del Sur de California, pero no llegó a graduarse.
Carrera Vanity Fair publicó la lista de los Top 40 celebridades de Hollywood con más ingreso a lo largo de 2010. Howard junto con Brian Grazer fueron clasificados nº 23 en la lista, ganando un estimado $21 millones por sus películas.[2]
Actor Howard se dio a conocer por interpretar a Winthrop Paroo en la versión cinematográfica de Vivir Con Ilusión, con Robert Preston y Shirley Jones. Después de este proyecto, participó como Opie Taylor en la serie de televisión The Andy Griffith Show, que fue el exitoso spin-off de The Danny Thomas Show, donde era acreditado como Ronny Howard. También apareció en el film The Courtship of Eddie's Father, con Glenn Ford. Además hizo una participación notable en la popular serie M*A*S*H, interpretando a un marino en la guerra de Corea. Howard es conocido por su papel de Richie Cunningham en la serie Happy Days. Al mismo tiempo participó en la película de George Lucas, American Graffiti, interpretando a Steve Bollander. En 1977, dirigió su primer film, Grand Theft Auto.
Director Después de dejar Happy Days en 1980, dirigió varias series de televisión. El salto a director de cine ocurrió en 1982 cuando dirigió el exitoso film Night Shift, con Michael Keaton, Shelley Long, y el co-protagonista de Happy Days, Henry Winkler. Ha dirigido muchos filmes de renombre, como Splash, Willow, Cocoon, Llamaradas (Backdraft), Apolo 13 (nominada a varios Premios de la Academia), A Beautiful Mind, por la cual ganó el Oscar por Mejor Director, y Cinderella Man. Sus dos últimos filmes fueron las adaptaciones cinematográficas de El Código Da Vinci y su secuela Ángeles y demonios, películas de gran polémica cultural y religiosa, protagonizadas por Tom Hanks, quien ha trabajado en varias producciones de Howard: Splash (1984), Apolo XIII (1995), El Código da Vinci (2006), Ángeles y Demonios (2009).
92
Ron Howard
93
Vida familiar Se casó con la actriz y escritora Cheryl Howard. Ha tenido con ella tres hijas y un hijo: Bryce Dallas Howard (n. Los Ángeles, California; 2 de marzo de 1981), quien es actriz; dos gemelas, Jocelyn Carlyle y Paige Carlyle; y Reed Cross. Según ha declarado Bryce Dallas Howard, tanto su segundo nombre como el de sus hermanas corresponden a las ciudades en las que fueron concebidas. El nombre de su hermano, a una calle concreta.
Filmografía Director Año
Título
Nº de nominaciones a los oscars Nº de oscars conseguidos
1969 Old Paint Deed Of Daring-Do Cards, Cads, Guns, Gore And Death 1976 Eat My Dust 1977 Grand Theft Auto 1982 Night Shift 1984 Splash
1
1985 Cocoon
2
2
1986 Gung Ho 1988 Willow
2
1989 Parenthood
2
1991 Llamaradas o Backdraft
3
1992 Far And Away 1994 The Paper
1
1995 Apollo 13
9
2
2000 El Grinch (The Grinch)
3
1
2001 A Beautiful Mind
8
4
1996 Rescate 1999 EDtv
2003 The Missing 2005 Cinderella Man
3
2006 El código Da Vinci 2008 Frost/Nixon 2009 Ángeles y demonios (Angels & Demons) 2011 El Símbolo Perdido 2013 Rush
5
Ron Howard
94
Premios Premios Óscar Año
Categoría
2008 Mejor Director
Película Frost/Nixon
Resultado Candidato
2001 Mejor Director A Beautiful Mind Ganador
Globos de Oro Año
Categoría
Película
Resultado
2008 Mejor Película - Drama
Frost/Nixon
Candidato
2008 Mejor Director
Frost/Nixon
Candidato
2002 Mejor Película - Drama
A Beautiful Mind Ganador
2002 Mejor Director
A Beautiful Mind
Candidato
1997 Mejor Director
Apolo 13
Candidato
1978 Mejor Actor de Serie de TV - Comedia o Musical Happy Days 1977 Mejor Actor de Reparto
Ganador
El último pistolero Candidato
Premios BAFTA Año
Categoría
Película
Resultado
2008 Mejor Película Frost/Nixon
Candidato
2008 Mejor Director Frost/Nixon
Candidato
2001 Mejor Película A Beautiful Mind Candidato 2001 Mejor Director A Beautiful Mind Candidato
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000165 [2] Newcomb, Peter. « Hollywood’s Top 40 (http:/ / www. vanityfair. com/ hollywood/ features/ 2011/ 03/ hollywood-top-earners-201103?currentPage=2)», Vanity Fair, marzo de 2011. Consultado el 3/3/12.
Enlaces externos • Ficha de Ron Howard en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000165) y en español (http://www.imdb. es/name/nm0000165) en Internet Movie Database. • 2002 Ron Howard (http://www.usc.edu/uscnews/stories/8123.html) en la Escuela USC de Cine y Televisión • Ron Howard: Imaginando las maravillas de Willow (http://www.starwars.com/hyperspace/member/ insideronline/4/indexp3.html) - Artículo en StarWars.com (http://www.starwars.com/)
Sam Raimi
95
Sam Raimi Sam Raimi
Sam Raimi en el estreno de Spider-Man 3 Nombre real
Samuel Marshall Raimi
Nacimiento
Royal Oak, Míchigan Estados Unidos 23 de octubre de 1959
Apodo(s)
Celia Abrams Roc Sandstorm Alan Smithee Jr. Fake Shemp
Ocupación
Director de cine
Año de debut
1977 Familia
Pareja
Gillian Dania Greene
Hijo/s
Lorne Raimi Henry Raimi Emma Rose Raimi Ficha
[1]
en IMDb
Sam Raimi es un director de cine estadounidense, de etnia judía, nacido en Royal Oak, Míchigan el 23 de octubre de 1959. Hermano del actor Ted Raimi, comenzó su carrera como director con filmes de terror de bajo presupuesto como la trilogía de The Evil Dead. También le gusta actuar en filmes realizados por sus compañeros, como los hermanos Coen, para quienes también ha sido ayudante de dirección. Raimi es una estrella de culto que no abandonó ese género hasta 1999 con Entre el amor y el juego. En 1990, Raimi también trabajó para la televisión, como productor de series como Hércules los viajes legendarios y Xena: la princesa guerrera. Más conocido actualmente por ser el director de la saga de Spider-Man.
Sam Raimi
Carrera Sam Raimi empezó a aficionarse por la realización a los 13 años gracias a una primitiva cámara de vídeo que tenía un amigo suyo. Hasta la edición de Posesión infernal, había grabado unos 30 films de prácticas. El más célebre entre su pandilla fue The Happy Valley Kid: The Story of a Sudden Driven Mad, la historia de un universitario que es humillado por sus compañeros y vejado por su novia hasta volverse loco y acabar con todos ellos. En 1981 escribió y dirigió una de las obras más innovadoras del género de fanta-terror: The Evil Dead, una acertada combinación de humor negro, terror sobrenatural y el gore más brutal. Tras acabar el guion de Posesión infernal, Raimi preparó una versión condensada de la historia para comprobar su efectividad ante una audiencia local. Los pases de dicha prueba, el poderoso corto Within The Woods, provocaron los más agudos aullidos de terror entre los asistentes. Un sólido apoyo por parte de la crítica y el permiso de varios exhibidores para poder pasar el corto ayudaron a consolidar la validez del proyecto. Como resultado, el director empezó a trabajar inmediatamente en el largometraje. Raimi rodó dos secuelas de este film: Evil Dead II, una especie de remake alocado y ultra-gore de su predecesora, y Evil Dead III: Army of Darkness, un film más cómico que terrorífico. A lo largo de su trayectoria como realizador, Sam Raimi ha creado una gran variedad de películas que van de la comedia de tortazos al terror más gore. Su filmografía incluye Ola de crímenes, ola de risas, coescrita con sus amigos Joel e Ethan Coen; Darkman, Rápida y mortal, Un plan sencillo, Entre el amor y el juego, Premonición y la taquillera saga de Spiderman. Como actor ha participado en pequeños papeles en películas como Thou' Shall Not Kill, Espías como nosotros, Maniac Cop, Muerte entre las flores, El gran salto o Los Picapiedra, así como en alguna que otra producción para televisión. Sam Raimi es a su vez un activo productor. Uno de sus proyectos más destacados fue la célebre serie televisiva Hércules, de la que llegó a dirigir los primeros episodios y Xena. Tras el exito de la trílogia Spider-man se esperaba para 2011 la cuarta entrega pero el lunes 10 de enero de 2010 Marvel anuncio la cancelación y el cierre de la trilogía por problemas con el guion y la dirección.
Filmografía • 20¿? - Poltergeist, Productor • 20¿? - Warcraft, Director • 2013:
• • • • • •
• Evil Dead, Productor • Oz: Un mundo de fantasía, Director 2011 - El Sicario de Dios, Productor 2009 - Drag me to Hell, Director 2008 - Legend of the Seeker (miniserie de La leyenda del buscador), productor ejecutivo 2007 - Spider-Man 3, director 2005 - Boogeyman, la puerta del miedo, Productor 2004:
• El grito, producción • Spider-Man 2, director • 2002 - Spider-Man, director • 2000 - Premonición, director • 1999 - Entre el juego y el amor, director • 1998:
96
Sam Raimi • Un plan sencillo, director • Hércules & Xena: La Batalla por el Monte Olimpo, producción • 1995 - Rápida y mortal, director • 1994: • Apocalipsis (película), actor • El gran salto, guionista • 1993 - Cuando llega el otoño, actor • 1992: • Sangre fresca (Una chica insaciable), actor • Evil Dead III: Army of darkness, director y guionista • 1990: • Darkman, guionista y director • Muerte entre las flores, actor • 1988 - Maniac cop, actor • 1987 - Evil Dead II, director y guionista • 1985: • Crimewave (Ola de crímenes, ola de risas), guionista y director • • • •
• Espías como nosotros, actor 1981 - The Evil Dead, director y guionista 1978 - Clockwork 1978 - Within the Woods, director y guionista 1977 - It's Murder!
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Sam RaimiCommons.
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Sam Raimi. Wikiquote • Sam Raimi en IMDb [2]
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000600 [2] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000600/
97
Satoshi Kon
Satoshi Kon Satoshi Kon (今 敏 Kon Satoshi?) (Kushiro, Hokkaidō, Japón, 12 de octubre de 1963 - 24 de agosto de 2010[1]) fue un reconocido director de películas de anime como Perfect Blue (1997), Millennium Actress (2001), Tokyo Godfathers (2003) y Paprika (2006), así como de la serie de televisión Paranoia Agent (2004). Todos sus trabajos como director fueron realizados por el estudio MADHOUSE, donde dirigió un equipo de trabajo junto con Rintaro y Yoshiaki Kawajiri. Sus filmes se caracterizan por la complejidad psicológica, personajes realistas, los diseños de escenarios y la mezcla de la realidad y los sueños.
Películas Director • • • • •
Perfect Blue (パ ー フ ェ ク ト ・ ブ ル ー; Pāfekuto Burū) (1997) Millennium Actress (千 年 女 優; Sennen Joyū) (2001) Tokyo Godfathers (東 京 ゴ ッ ド フ ァ ー ザ ー ズ; Tōkyō Goddofāzāzu) (2003) Paprika (パ プ リ カ; Papurika) (2006) Basado en la novela de Yasutaka Tsutsui Dreaming Machine (2012)
Guionista • World Apartment Horror (ワ ー ル ド ア パ ー ト メ ン ト ホ ラ ー; (Waarudo Apaatomento Horaa) (1991) (con Katsuhiro Ōtomo) • Memorias "Magnetic Rose" (1996)(con Katsuhiro Ōtomo)
Diseño de animación • Roujin Z (Composición) (1991) • Patlabor 2 (Diseño de escenas) (1992)
Series de televisión • Paranoia Agent (妄 想 代 理 人; Mousou Dairinin) (13 episodios, 2004)
OVA • Jojo no kimyō na bōken Episodio 5 (1993) (Diseño de escenas)
Manga • La campanilla de Navidad (Joyful Bell) (1987). • Regreso al mar (海 帰 線; Kaikisen) (1990). • Seraphim - 266613336 Wings (1995) (con Mamoru Oshii) - Solo publicado en revista.
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Satoshi Kon
99
Vida Últimos años En Ohayō, Kon comienza a trabajar en su siguiente película The Dream Machine. En Mayo de 2010, le diagnosticaron cáncer pancreático terminal. Le dieron medio año de vida, Kon decide retirarse y vivir el resto de sus días en casa. Antes de su muerte, Kon escribió un mensaje de despedida que se publicó en su blog (Kon's Tone) un día después de su muerte. Finalmente, murió el 24 de agosto de 2010 a la edad de 46 años.[2]
Referencias [1] Ha fallecido Satoshi Kon, director de grandes películas como 'Perfect Blue' y 'Paprika' (http:/ / www. zonafandom. com/ anime/ ha-fallecido-satoshi-kon-director-de-grandes-peliculas-como-perfect-blue-y-paprika) [2] « 公 式 ブ ロ グ 「KON'S TONE」 (http:/ / konstone. s-kon. net/ modules/ notebook/ archives/ 565)». Consultado el 25 de Agosto de 2010.
Enlaces externos • Último mensaje de Satoshi Kon (http://konstone.s-kon.net/modules/notebook/archives/565) • Sitio oficial (japonés) (http://www.parkcity.ne.jp/~s-kon/) • Ficha de Kon Satoshi en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0464804) y en español (http://www.imdb. es/name/nm0464804) en Internet Movie Database. • Una entrevista, en inglés (http://hometheatermag.com/httalksto/1205talks/) • Otra entrevista, en castellano (http://www.animangaweb.com/noticias.php?idn=5643&clase=1)
Sergio Leone Sergio Leone
Nombre real
Sergio Leone
Nacimiento
Roma, Italia 3 de enero de 1929
Fallecimiento
Roma, Italia 30 de abril de 1989 (60 años)
Ocupación
Guionista, productor y director de cine
Años activo/a
1959 - 1984 Familia
Cónyuge
Carla Leone
Sergio Leone
100 Hijo/s
Francesca Raffaella Andrea Premios
Otros premios Premio David al Mejor director 1972 ¡Agáchate, maldito! Ficha
[1]
en IMDb
Sergio Leone (Roma, 3 de enero de 1929 – Roma, 30 de abril de 1989) fue un guionista, productor y director de cine italiano. Es uno de los directores más famosos de la historia del cine, y es sobre todo conocido por sus spaghetti western.
Biografía Hijo del director de cine Vincenzo Leone, que a veces filmaba con el seudónimo de Roberto Roberti. Su padre fue director de cine hasta que en 1943 Benito Mussolini le solicitó una opinión sobre un guion que había escrito y desgraciadamente Vincenzo fue sincero, a partir de ese momento nunca volvería a dirigir.
Primeros años Sergio, aún muy joven, entra en la industria del cine, y con 20 años es actor y asistente de dirección de Ladri di biciclette (1948) de Vittorio de Sica. Después estaría en grandes producciones estadounidenses rodadas en Europa. Entre ellas Quo Vadis? (1951) de Mervyn Le Roy, Helena de Troya (1955) de Robert Wise, Ben-Hur (1959) de William Wyler o Historia de una monja (1959) de Fred Zinnemann. En 1959 le dieron la oportunidad de sustituir, por enfermedad, al director Mario Bonnard durante el rodaje de Los últimos días de Pompeya, aunque no pudo firmar la película. Su primera película oficial fue El coloso de Rodas (1960) y dos años más tarde sustituiría de nuevo a un director, Robert Aldrich, en Sodoma y Gomorra. Aldrich fue una influencia clave para Leone, con películas como Veracruz (1954), donde el perfil clásico del western se desdibuja con personajes más ambiguos y carentes de valores.
Apogeo A partir de aquí comienzan sus obras más personales, que se inicia con la famosa trilogía western, también conocida como Trilogía del dólar, en coproducción con varios países europeos y rodada en la árida región de Tabernas, Almería (España), así como en las proximidades de Carazo en la Sierra de la Demanda, Burgos. La trilogía obtuvo un inesperado gran éxito, conduciendo al western a su último período cinematográfico, el llamado spaguetti western, género muy cultivado en el cine de los 70, además de aportar dos nuevos talentos al medio, el compositor Morricone, amigo desde la infancia del director, y el actor Clint Eastwood, desconocido hasta entonces, al que el director contrata entre un grupo de actores. El personaje creado para Eastwood, "el hombre sin nombre", es el prototipo de antihéroe del spaguetti western. Hombre duro y solitario, sin escrúpulos ni sentimientos y movido por el dinero. De esta manera Leone crea un icono del cine, personalidad ruda, pocas palabras, mirada de hielo, invencible en múltiples duelos. Siempre vestido con un poncho raído y un cigarro en los labios, es capaz de matar a sangre fría, si es necesario por la espalda, para conseguir su objetivo. Es un personaje que se convertirá en esteroetipo en múltiples films y que influirá de forma decisiva a directores, actores e incluso a los dibujantes de cómic actuales. Como anécdota curiosa, destacar que Por un puñado de dólares tuvo ciertos problemas legales al plagiar una película anterior de Akira Kurosawa titulada Yojimbo (1961). Tras esta trilogía no deja la temática del western y filma una de sus obras maestras, Hasta que llegó su hora, un western crepuscular rodado en Cinecittà, Almería y en los mismos escenarios estadounidenses en los que rodó la
Sergio Leone
101
mayor parte de sus películas su admirado John Ford. Tras un período más dilatado, vuelve al cine, casi por obligación, con ¡Agáchate, maldito!, que tiene menos éxito que sus películas precedentes y basada en la revolución mexicana. Esta película la dirige a última hora debido a problemas con el director elegido. Por último, dirige la que muchos consideran su obra maestra, Érase una vez en América, un "western moderno" basada en la época de los gángsters. En Europa tuvo gran éxito a pesar de las cuatro horas de duración, pero en EE. UU. se ofrece una versión recortada a casi dos horas, además de alterar su montaje (la historia fue contada linealmente y no como en la original en que se utilizan flashback). Sergio tuvo siempre a su lado a un amigo de la infancia, que hizo más grande aún sus películas, el compositor Ennio Morricone.
Muerte Sergio Leone falleció en 1989, cuando estaba preparando la película Leningrado, debido a los problemas de corazón que sufría desde que entró en juicios con la Warner Bros por la película Once Upon A Time In America. La productora recortó en más de una hora el film y contrató para esta labor al encargado de montaje de Loca academia de policía. Leone, que planeaba retomar el género que le llevó a la fama, el western, tiene una calle dedicada con su nombre en la ciudad de Almería, España.
Filmografía Como director • Taxi... Signore? (Cortometraje, 1957) • Gli ultimi giorni di Pompei (Los últimos días de Pompeya, 1959) (Sustituye por enfermedad a Mario Bonnard pero no firma) • Il Colosso di Rodi (El Coloso de Rodas, 1961) • Sodoma y Gomorra (1962) (Sustituye a Robert Aldrich, pero en los créditos aparece como director de segunda unidad) • Per un pugno di dollari (Por un puñado de dólares, 1964) • Per qualche dollaro in più (La muerte tenía un precio / Por Unos Dólares Más, 1965) • Il buono, il brutto, il cattivo (El Bueno, el Feo y el Malo / Lo Bueno, Lo Malo Y Lo Feo / El Bueno, El Malo Y El Feo, 1966) • C'era una volta il West (Hasta Que Llegó Su Hora / Érase Una Vez El Oeste, 1968) • Giù la testa (¡Agáchate, maldito! / Érase Una Vez La Revolución / Los Héroes de Mesa Verde, 1971) • Once Upon A Time In America (Érase una vez en América, 1984)
Como productor • Il mio nome è Nessuno (Mi nombre es... Ninguno, 1973) • Un genio, due compari, un pollo (El Genio, 1975)
Premios Globos de Oro Año
Categoría
Película
Resultado
1984 Mejor director Érase una vez en América Nominado
Sergio Leone
102
BAFTA Año
Categoría
Película
Resultado
1984 Mejor director Érase una vez en América Nominado
David de Donatello Año
Categoría
Película
Resultado
1972 Mejor director ¡Agáchate, maldito! Ganador
Enlaces externos • Ficha de Sergio Leone en inglés [2] y en español [1] en Internet Movie Database.
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001466 [2] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0001466
Serguéi Eisenstein Serguéi Eisenstein Nombre real
Serguéi Mijáilovich Eizenshtéin
Nacimiento
Riga, Imperio ruso (actual Letonia) 23 de enero de 1898
Fallecimiento
Moscú, URSS 11 de febrero de 1948, 50 años Ficha
[1]
en IMDb
Serguéi Mijáilovich Eizenshtéin, más conocido como Serguéi Eisenstein (en ruso: Сергей Михайлович Эйзенштейн; en letón: Sergejs Eizenšteins; Riga, Letonia; 23 de enero de 1898 – Moscú, URSS, 11 de febrero de 1948) fue un director de cine y teatro soviético de origen judío. Su innovadora técnica de montaje sirvió de inspiración para el cine posterior.
Serguéi Eisenstein
103
Biografía Cuando contaba 25 años, Serguéi Eisenstein puso fin a su carrera teatral, al ver la artificiosidad del resultado en su montaje de Máscaras de gas, donde, según sus propias palabras, «el carro se rompió en pedazos y el conductor se cayó de cabeza en el cine». Esto hizo que dejara el teatro y se centrara en el medio que le dio prestigio internacional, el cine. Eisenstein fue un pionero del uso del montaje en el cine. Para Eisenstein, la edición no era un simple método utilizado para enlazar escenas, sino un medio capaz de manipular las emociones de su audiencia. Después de una larga investigación en el tema, Eisenstein desarrolló su propia teoría del «montaje». Sus publicaciones al respecto serían luego de gran influencia para varios directores de Hollywood. Eisenstein, con frecuencia, no utilizaba actores profesionales para sus películas. Sus narrativas evitaban el individualismo y, en cambio, iban dirigidas a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente a conflictos de clases. Sus actores eran por lo usual personas sin entrenamiento en el campo dramático, tomadas de ámbitos sociales adecuados para cada papel. Su principal mensaje político se basó en la organización, la participación y la lucha «Como quieras, quiero.» Sus ideales comunistas lo condujeron en varias ocasiones a conflictos con funcionarios del gobierno soviético. Stalin era consciente del poder del cine como medio de propaganda, y consideró a Eisenstein como una figura controvertida. Su popularidad se profundizó más tarde con el éxito de sus películas, entre ellas El acorazado Potemkin (1925), calificada una de las mejores películas de todos los tiempos. Sus ensayos literarios cinematográficos y sus dotes como orador, teniendo en cuenta que hablaba además alemán, inglés y francés, hizo que ejerciera una gran influencia sobre la teoría cinematográfica en la época.
De 1925 a 1930 En 1925, podrá poner en práctica sus teorías en su primera gran obra, La huelga (Стачка), aunque él mismo consideró que había fracasado a la hora de hacer fluir las emociones de los espectadores y que era demasiado teatral. Se incautó la única copia que había de la película y no se pudo volver a distribuir hasta después de su muerte, aunque el film llegó a ser exhibido en Occidente y obtuvo el premio en la Exposición de París en 1925. Pero será su siguiente película, El acorazado Potemkin, la que dará a conocer su nombre en todo el mundo, y es posiblemente la película sobre la que más se ha escrito en toda la historia del cine. Según Eisenstein, el guion de la película, de Nina Agadzhánova-Shutkó, fue escrito para una película en ocho episodios, 1905, que comenzó a rodarse en Leningrado y pensaba relatar los sucesos de la huelga general. Tuvieron que abandonar el rodaje por el mal tiempo, y se dirigieron a Odesa a rodar el capítulo dedicado al motín del Potemkin. Eisenstein decidió entonces centrar la película en ese episodio, y se abandonó su proyecto de 1905.
Fotograma de El acorazado Potemkin.
Cuando llegaron a Odesa, buscó a los supervivientes de la masacre, e incluso localizó los dibujos de un francés que había sido testigo de lo ocurrido. Reescribió el guion y realizó diversos títulos para dirigir la acción. Aunque los medios eran pocos, gracias a una serie de experimentos técnicos (pantallas reflectantes, fotografía desenfocada y plataformas móviles entre otros) obtuvieron resultados asombrosos. Eisenstein erige su película en 1.290 planos, combinados con genial maestría mediante un montaje rítmico. Considera innecesarios los movimientos de cámara, ya que el movimiento está determinado por la acción y por el montaje, por lo que son escasísimos, y sólo realiza varios travellings . Destaca la escena de la escalinata, con 170 planos, en la que el pueblo es brutalmente agredido por las fuerzas zaristas y donde crea un tempo artificial, que hace que la secuencia dure casi seis minutos. Prescindirá de simbolismos intelectuales, y la película, con una espléndida
Serguéi Eisenstein
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fotografía en la que la masa se convertirá en la auténtica protagonista de la obra, acabará por ser considerada la primera obra maestra del cine soviético. Tras esta gran película realizará dos trabajos más, Octubre, donde narra los sucesos del asalto al Palacio de Invierno durante la Revolución rusa de 1917, y La línea general (también conocida como Lo viejo y lo nuevo), film sobre la reforma agraria, aunque por los cambios en la colectividad agraria en la Unión Soviética tuvo que cambiar su guion en varias ocasiones. En estas dos obras, volverá a experimentar con un nuevo lenguaje a través de las imágenes, pero por su complejidad no llegarán a ser muy bien comprendidas en su época. Además, en La línea general su protagonista no será la masa, sino una heroína individual, María Lápkina. El estreno de Octubre tuvo que retrasarse cinco meses, pues en pleno proceso de postproducción se enteró de que León Trotski había caído en desgracia, y tuvo que quitarlo de todos los planos en los que aparecía en la película.
Su etapa estadounidense Eisenstein viajó a Europa en 1930 para investigar sobre el sonido, campo que en la Unión Soviética tardó bastante en desarrollarse. Un directivo de la Paramount se trasladó a París y convenció a Eisenstein de que firmara un contrato para grabar un disco como solista y para rodar en Hollywood, donde llegaría a cobrar hasta 900 dólares a la semana. Fue recibido en Nueva York como un genio, y pronto se dedicaría a dar conferencias en las Universidades de Columbia y Harvard. Poco antes de marcharse a Hollywood, se estrenó en un cine de Arte y Ensayo de Nueva York su película La línea general, y los directivos de la Paramount Pictures se pusieron bastante nerviosos al conocer sus ideas sobre la colectivización y el comunismo.
Eisenstein con el actor japonés de Kabuki Sadanji Ichikawa II en 1928.
Al entrar en los Estados Unidos, tuvo que jurar respeto a la Constitución estadounidense, y sufrió distintas presiones para que no usara su gorra típica y para que no llevara barba. Cuando le presentaron a diversas estrellas de Hollywood, se mostró distante, excepto cuando conoció a Charles Chaplin y a Coleen Moore. Su primer guion para la Paramount, Sutter's Gold, fue rechazado, entre otros motivos porque el Mayor Frank Pease, de tendencias fascistas, lanzó un panfleto titulado Eisenstein, el mensajero del infierno en Hollywood, en el que entre otras cosas le llamaba «perro rojo» y lo acusaba de todas las barbaridades, fueran reales o no, cometidas por los bolcheviques. La Paramount no quería renunciar todavía a Eisenstein y le encargó otro guion, que se titularía An American Tragedy, adaptación de una obra de Theodore Dreiser que trataba sobre la justicia norteamericana en un juicio por asesinato, y con el que la productora quedó encantada. El problema fue que el Comité Fish, antecesor al Comité de Actividades Antiamericanas, estaba actuando contra las actividades comunistas en California y contra la idea de llevar esa novela al cine. Todo esto hizo que finalmente la Paramount rompiera su contrato con Eisenstéin. Entre 1930 y 1932 Eisenstein visitó México, donde intentó producir una nueva película titulada ¡Que viva México!. Nada más llegar al país fueron encarcelados tanto él como sus dos ayudantes de dirección, todos rusos, pero gracias a la intervención de un amigo español el panorama cambió hasta el punto de que lo convirtieron en huésped de honor. Llegó a rodar 60.000 m de película, pero la producción se paró debido a que Upton Sinclair, el novelista estadounidense, dejó de patrocinar la película. Le dijo a Eisenstein que volviera a Moscú, a donde le enviaría la película ya rodada, cosa que nunca ocurrió. Upton Sinclair terminaría la película y estrenaría el resultado en 1933 bajo un título modificado: Thunder over Mexico (Trueno sobre México). Sinclair acusó a la Unión Soviética del fracaso del proyecto. Con el material rodado se han hecho seis montajes distintos, pero ninguno por el propio Eisenstein.
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En su etapa norteamericana conoció y se hizo amigo de Paul Robeson, el cantante y activista afroamericano de los derechos civiles.
La vuelta a la Unión Soviética Profundamente deprimido, Eisenstein regresó a su patria. Sin embargo, la visita de Eisenstein a Norteamérica lo convirtió en sospechoso para Stalin, y esta sospecha jamás sería erradicada por completo de la mente de la élite estalinista. Las siguientes dos películas de Eisenstein serían censuradas por cuestiones políticas. Por lo tanto, no pudo culminar su siguiente rodaje, El prado de Bezhin (1935-1937), tragedia campesina que será saboteada por el máximo responsable de la cinematografía rusa, que la considera políticamente incorrecta. Entonces, al igual que hiciera Vsévolod Pudovkin, se refugia en la enseñanza y en la elaboración de su teoría sobre el empleo del color y del sonido, que sin embargo no tendrá ocasión de llevar a la práctica.
Escena de Aleksandr Nevski.
En 1938, Eisenstein dirige Aleksandr Nevski, que cuenta las andanzas de este héroe nacional ruso, que derrotó a los teutones en el siglo XIII y y por la que se le concedería el Premio Stalin. En ella vuelve a hacer gala de su maestría para el montaje. Su protagonista vuelve a ser una sola persona, no la masa, y desparece su vigoroso estilo documental para ser sustituido por una delicada reconstrucción de la historia. Durante el rodaje, se asignó un supervisor oficial para vigilar a Eisenstein. A comienzos de los años 40, proyecta Iván el Terrible, una amplia trilogía sobre la figura del zar Iván Grozni. Plantea el drama del zar como la materialización de las contradicciones de un político creyente fiel y ortodoxo, que se ve obligado a enfrentarse con la Iglesia rusa que no quiere perder sus privilegios feudales. La imagen que presenta Eisenstein de este zar torturado, que se cuestiona si el poder proviene de Dios o del pueblo, disgusta a los dirigentes comunistas soviéticos, y después de recibir el Premio Stalin por su primer capítulo, su segunda y su tercera parte, que pensaba rodar en color, son prohibidas. En 1948, Eisenstein sufrió una terrible hemorragia a causa de un infarto, y murió a los 50 años de edad.
Características de su obra • Es fundamental su aportación teórica, como su hipótesis sobre el «montaje de atracciones», donde postula el empleo en el cine de técnicas provenientes del circo y del music-hall. • Eisenstein repudiará el montaje clásico, tal como lo concibe D. W. Griffith, a pesar de haberse inspirado para sus teorías en la película Intolerancia de este director, y derivará sus teorías sobre el montaje del estudio de los ideogramas japoneses, en los que dos nociones yuxtapuestas conforman una tercera, como por ejemplo: ojo + agua = llanto; puerta + oreja = escuchar; boca + perro = ladrar. • Concepto de la tercera idea. El montaje es para él: «Una idea que surge de la colisión dialéctica entre otras dos, independientes la una de la otra». Este método le permitirá partir de elementos físicos representables para visualizar conceptos e ideas de complicada representación. • El movimiento está determinado por la acción y por el montaje. • El protagonista en sus obras es la masa, el pueblo.
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Filmografía • • • • • • • • • • • • • • • •
El diario de Glúmov (1923) La huelga (1924) El acorazado Potemkin (1925) Octubre (1928) La línea general (1929) ¡Que viva México! (inacabada) (1930–1932) El prado de Bezhin (inacabada) (1935–1937) Aleksandr Nevski (1938) Iván el Terrible (1943–1945) Iván el Terrible, segunda parte: la conjura de los Boyardos (1948–1958) Iván el Terrible, tercera parte (inacabada) Romance sentimental (Francia, 1930) Trueno sobre México (1933) Eisenstein en México (1933) Día de muerte (1933) Tiempo en el sol (1940)
Referencias • Glenny, M. y Taylor, R. (eds.) (1992). S.M. Eisenstein Selected Works, Volume II: Towards a Theory of Montage, 1937–1940. British Film Institute Publishing. 428 págs. Londres. ISBN 0-85170-211-2 [Eisenstein, S. M. Hacia una teoría del montaje (2 vols.). Ediciones Paidós Ibérica, S.A. Paidós comunicación, 115: 258 págs. y 116: 206 págs. Barcelona, 2001. ISBN 978-84-493-1101-7] • Bulgakowa, O. (2006). Theory as a Gesamtkunstwerk (En: Variantology 2: On Deep Time Relations of Arts, Sciences and Technologies. S. Zielinski, D. Link, E. Fuerlus and N. Minkwitz, eds. Gloria Custance, trad. del original en alemán. 2006. Verlag der Buchhandlung Walter König, Köln, pp. 301-332).
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Serguéi Eisenstein. Commons
• Ficha de Serguéi Eisenstein en inglés [2] y en español [3] en Internet Movie Database. • Figuras de cine: Serguéi M. Eisenstein [4] • Ficha sobre Serguéi M. Eisenstein en Videoartworld [5]
Referencias [1] [2] [3] [4] [5]
http:/ / www. imdb. es/ name/ nmnm0001178 http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0001178 http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001178 http:/ / www. uhu. es/ cine. educacion/ cineyeducacion/ figuraseisenstein. htm http:/ / www. videoartworld. com/ beta/ artist_422. html
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Sidney Lumet
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Sidney Lumet Sidney Lumet
Lumet en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2007 Nacimiento
Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos 25 de junio de 1924
Fallecimiento
Nueva York, Estados Unidos 9 de abril de 2011 (86 años)
Ocupación
Director / Productor / Guionista Familia
Pareja
Rita Gam (1949-1955) Gloria Vanderbilt (1956-1963) Gail Jones (1963-1978) Mary Gimbel (1980-2011)
Hijo/s
Amy Lumet (n. 1964) Jenny Lumet (n. 1967) Premios
Premios Óscar
Óscar Honorífico 2005 Premio a la Trayectoria Profesional
Globos de Oro
Mejor director 1977 Network Ficha
[1]
en IMDb
Sidney Lumet (25 de junio, 1924 - 9 de abril, 2011) fue un director, productor y guionista estadounidense. Recordado por sus películas 12 Angry Men (1957), Larga jornada hacia la noche (1962), Serpico (1973), Asesinato en el Orient Express (1974), Tarde de perros (1975) y Network (1976), entre otras.
Biografía Nacido en Filadelfia, sus padres fueron el actor judío de origen polaco Baruch Lumet y la bailarina Eugenia Wermus. Se graduó en el Professional Children's School y fue actor antes que director. Hizo su debut en el Yiddish Art Theater de Nueva York a la edad de cuatro años y actuó en teatros judíos de Broadway durante la década de 1930 hasta que debutó en el cine con la película One Third of a Nation (1939). En 1947 empezó a dirigir sus propias obras de teatro en el off-Broadway y dirigió a actores como Yul Brynner, Eli Wallach y otros miembros del Actor's Studio. Lumet hizo su debut detrás de la cámara al principio de la década de 1950 como director de televisión en la CBS. En ella destacan los 150 episodios de la serie "Danger" (1950) y los 26 de "You Are There" (1953).
Sidney Lumet El comienzo en el cine de Lumet fue prometedor, con el éxito comercial y de crítica de 12 Angry Men (1957). Por esta película, ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín y su primera nominación al premio Óscar en la categoría de mejor película, mejor director y mejor guion adaptado. Sus siguientes realizaciones Stage Struck (1958) y Esa clase de mujer (1959) no estuvieron a la altura de su debut, como tampoco lo estuvo la dirección que hizo de Marlon Brando en Piel de serpiente (1959). A pesar de esos fracasos, el comienzo de la década de 1960 fue una de las épocas más fructíferas de Lumet. Comenzó con la sólida adaptación del clásico de Arthur Miller Panorama desde el puente (1961), a la que siguió una de sus obras maestras del periodo, Larga jornada hacia la noche (1962), protagonizada por Katharine Hepburn, Ralph Richardson, Dean Stockwell y Jason Robards. Después de este gran éxito, llegó un título menor Punto límite (1964), drama sobre la Guerra fría. Pero se recuperó con El prestamista (1964), que trata de un superviviente del Holocausto que vive en Nueva York, y que relata sus experiencias en los campos de concentración. El papel protagonista fue interpretado por Rod Steiger, por el que fue una nominado a premio Oscar. El director siguió investigando los horrores de la guerra en su posterior proyecto La colina (1965), con Sean Connery, con el que empezaría una fructífera relación profesional. Lumet dió un giro en sus películas al siguiente año, dirigiendo el drama El grupo (1966) y posteriormente el thriller de espionaje Llamada para el muerto (1966), con James Mason, Maximilian Schell y Simone Signoret). La década de 1960 no terminó tan bien para Lumet como empezó. La comedia Bye Bye Braverman (1968) y la adaptación de la obra de Anton Chekhov, La gaviota (1968) fueron grandes fracasos. Tampoco tuvieron mucho mejor aceptación de público y crítica Cita, Una (1969) y Last of the Mobile Hot Shots (1970). La única buena crítica que recibió Lumet por aquellos años fue el documental que realizó juntamente con Joseph L. Mankiewicz, King: A Filmed Record... Montgomery to Memphis (1970) sobre Martin Luther King, que fue nominada a un premio Oscar. En 1971 filmó Supergolpe en Manhattan, con Sean Connery. Esta película consiguió un aceptable éxito de taquilla, cosa que no sucedió con Perversión en las aulas (1972), ni con La ofensa (1972). Después de los anteriores fracasos, Lumet se quiso apuntar al cine denuncia que empezaba a triunfar en Hollywood. Su primer título no pudo ser más acertado, el thriller policial Serpico (1973), que relata la corrupción de la Policía de Nueva York. El filme fue protagonizado por Al Pacino y fue también el comienzo de una de las épocas más brillantes de su carrera cinematográfica. La película recibió críticas excelentes y fue un éxito de taquilla. Al Pacino ganó el premio Globo de Oro por su actuación, y la película recibió además 2 nominaciones al premio Oscar. Después de Lovin' Molly (1974) se dedicó a la adaptación a la pantalla, del clásico de Agatha Christie Asesinato en el Orient Express (1974), que reunió a grandes actores como Albert Finney, Lauren Bacall, Sean Connery e Ingrid Bergman). La película ganó 6 nominaciones al premio Oscar, e Ingrid Bergman ganó su tercera estatuilla. Después de esto, dirigió a Al Pacino en Tarde de perros (1975), una película sobre un robo en Nueva York, que también recibió 6 nominaciones al premio Oscar, a la mejor película, mejor director y mejor actor actor y un premio a Frank Pierson, al mejor guion original.
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Sidney Lumet
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Su siguiente título Network (1976), fue una sátira sobre el mundo de la televisión. La película ganó 4 premios Óscar: al mejor actor (Peter Finch), a la mejor actriz (Faye Dunaway), al mejor guion original (Paddy Chayefsky), y a la mejor actriz secundaria (Beatrice Straight). Después de estos éxitos, se lanzó a proyectos más ambiciosos que no tuvieron tanto éxito, exceptuando a Equus (1977), una adaptación a la pantalla de la polémica obra de teatro de Peter Shaffer, por la cual Richard Burton, y Peter Firth fueron nominados al premio Oscar. La película no fue tan bien acogida como sus anteriores títulos. Su película El mago (1978) fue un fracaso de crítica y de taquilla. Tampoco tuvo éxito Dime lo que quieres (1980) sobre una performance de Alan King. Lumet volvió a remontar el vuelo con El príncipe de la ciudad (1981), y Veredicto final (1982), con Paul Newman, James Mason, Jack Warden y Charlotte Rampling.
Sidney Lumet en 1939
Los siguientes títulos del director fueron el polémico drama Daniel (1983) con Timothy Hutton sobre la historia de dos jóvenes ejecutados por espionaje durante la época de la caza de brujas de Hollywood. A ella, siguieron la comedia Buscando a Greta (1984), Power (1986) y A la mañana siguiente (1986). Al final de la década de 1980 y comienzo de la de 1990, su actividad se fue poco a poco espaciando. En 1988, realizó Un lugar en ninguna parte (1988). La historia retrata a una familia que tiene que huir del FBI porque los padres (Christine Lahti y Judd Hirsch) cometen un atentado a un laboratorio de napalm en 1971 en protesta por la Guerra del Vietnam. Otras películas fueron Negocios de familia (1989), con Sean Connery, Dustin Hoffman y Matthew Broderick, y Distrito 34: corrupción total (1990) con Nick Nolte, Timothy Hutton y Armand Assante entre otros. En la década de 1990 realizó Una extraña entre nosotros (1992), El abogado del diablo (1993), y el remake de la película de John Cassavetes Gloria (1999). En 2005 recibió el premio Oscar honorífico por su trayectoria. Sus películas más recientes fueron Declaradme culpable (2006), que se basa en la historia real de Giacomo "Jackie Dee" DiNorscio, y Before the Devil Knows You're Dead (2007), cuya trama gira en torno a dos hermanos que organizan el robo de la joyería de sus propios padres.
Filmografía Como director: • • • • • • •
12 Angry Men (1957) Stage Struck (1958) Esa clase de mujer (That Kind of Woman) (1959) Piel de serpiente (The Fugitive Kind) (1959) Una mirada desde el puente (Vu du pont) (1961) Larga jornada hacia la noche (Long Day's Journey Into Night) (1962) El prestamista (The Pawnbroker) (1964)
• Punto límite (Fail-Safe) (1964) • La colina (The Hill) (1965)
Sidney Lumet • • • • • • • • • • • • • • • • •
El grupo (The Group) (1966) Llamada para el muerto (The Deadly Affair) (1966) Bye Bye Braverman (1968) La gaviota (The Sea Gull) (1968) Una cita (The Appointment) (1969) Last of the Mobile Hot Shots (1968) King: A Filmed Record... Montgomery to Memphis (1970) (documental) Supergolpe en Manhattan (The Anderson Tapes) (1971) Perversión en las aulas (Child's Play) (1972) La ofensa (The Offence) (1973) Serpico (Serpico) (1973) Lovin' Molly (1974) Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express) (1974) Tarde de perros (Dog Day Afternoon) (1975) Network, un mundo implacable (Network) (1976) Equus (Equus) (1977) El mago (The Wiz) (1978)
• • • • • • • • • • • • • • • • • •
Dime lo que quieres (Just Tell Me What You Want) (1980) El príncipe de la ciudad (Prince of the City) (1981) La trampa de la muerte (Deathtrap) (1982) Veredicto final (The Verdict) (1982) Daniel (Daniel) (1983) Buscando a Greta (Garbo Talks) (1984) Power (Power) (1986) A la mañana siguiente (The Morning After) (1986) Un lugar en ninguna parte (Running on Empty) (1988) Negocios de familia (Family Business) (1989) Distrito 34: corrupción total (Q & A) (1990) Una extraña entre nosotros (A Stranger Among Us) (1992) El abogado del diablo (Guilty as Sin) (1993) La noche cae sobre Manhattan (Night Falls on Manhattan) (1997) En estado crítico (Critical Care) (1997) Gloria (Gloria) (1999) Declaradme culpable (Find Me Guilty) (2006) Antes que el diablo sepa que has muerto (Before the Devil Knows You're Dead) (2007)
Como productor: • • • •
Llamada para el muerto (The Deadly Affair) (1966) La gaviota (The Sea Gull) (1968) Dime lo que quieres (Just Tell Me What You Want) (1980) En estado crítico (Critical Care) (1997)
Como guionista: • Distrito 34: corrupción total (Q & A) (1990) • La noche cae sobre Manhattan (Night Falls on Manhattan) (1997)
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Sidney Lumet
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Premios Premios Óscar Año
Categoría
Película
2004 Óscar Honorífico 1982 Óscar a la mejor dirección
Resultado Ganador
Veredicto final
Candidato
1981 Óscar al mejor guion adaptado Príncipe de la ciudad
Candidato
1976 Óscar a la mejor dirección
Network
Candidato
1975 Óscar a la mejor dirección
Tarde de Perros
Candidato
1957 Óscar a la mejor dirección
Doce hombres sin piedad Candidato
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Sidney Lumet. Commons
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Sidney Lumet. Wikiquote • Ficha de Sidney Lumet en inglés [2] y en español [1] en Internet Movie Database. • Sidney Lumet [3] en Internet Off-Broadway Database
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001486 [2] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0001486 [3] http:/ / www. lortel. org/ LLA_archive/ index. cfm?search_by=people& first=Sidney& last=Lumet& middle=
Sofia Coppola
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Sofia Coppola Sofia Coppola
Nombre real
Sofia Carmina Coppola
Nacimiento
Ciudad de Nueva York, Nueva York, Unidos 14 de mayo de 1971 (41 años)
Apodo(s)
Domino Coppola
Ocupación
Directora, productor, guionista, actriz
Estados
Familia Pareja
Anthony Kiedis(1990-1991) Spike Jonze (1999-2003) Thomas Mars (2011- actual)
Hijo/s
Romy, nacida el 28 de noviembre de 2006 (5 años) Cosima, nacida 18 de mayo de 2010 (2 años) Premios
Premios Óscar Mejor guion original 2003 Lost in Translation Globos de Oro Mejor guion 2004 Lost in Translation Premios César Mejor película extranjera 2005 Lost in Translation Ficha
[1]
en IMDb
Sofia Carmina Coppola (Nueva York; 14 de mayo de 1971) es una directora de cine y guionista estadounidense. Es la primera (mujer) directora estadounidense candidata al Óscar a la mejor dirección. Es hija del director y productor Francis Ford Coppola y Eleanor Coppola (nacida Eleanor Jessie Neil), con lo que tiene ascendencia irlandesa, inglesa e italiana. Estuvo en pareja con el vocalista de los Red Hot Chili Peppers Anthony Kiedis. Se caso con el director Spike Jonze desde el 26 de junio de 1999 hasta el 5 de diciembre de 2003, cuando presentaron una demanda de separación alegando "diferencias irreconciliables". En la actualidad se encuentra emparejada con el cantante de la banda francesa Phoenix, Thomas Mars, con el que tiene dos hijas, Romy, llamada así en honor al hermano de Sofia, Roman, y otra, Cosima. Es sobrina de la actriz Talia Shire y prima del actor Nicolas Cage. Contrajo matrimonio en 2011 con el padre de sus hijas, Thomas Mars, en la tierra de sus antepasados, Bernalda.[2]
Sofia Coppola
Carrera Actriz La carrera cinematográfica de Sofia Coppola comenzó a muy temprana edad, ya que siendo una bebé apareció en la película "El padrino". Además ha participado en varias películas de su padre. Su papel más conocido fue el de Mary Corleone en "El padrino. Parte III" (1990), en un papel que estaba pensado inicialmente para Winona Ryder, pero al que una enfermedad de esta última impidió representar. Esta interpretación recibió muchas críticas y terminó con la carrera interpretativa de Sofia (aunque posteriormente hizo pequeñas apariciones en las películas "Inside Monkey Zetterland" (1992) y "Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma" (1999)).
Directora de cine Coppola es conocida actualmente por su carrera como directora. Su primera experiencia detrás de la cámara fue con el corto "Lick the star" (1998). Posteriormente, llegaría su reconocimiento a nivel mundial con las películas "Las vírgenes suicidas" (1999) y la oscarizada "Lost in Translation" (2003). Por esta última película ganó el premio Óscar al mejor guion original (además de obtener otras tres nominaciones, entre ellas la de mejor película) y tres premios Globos de Oro, entre ellos el de mejor película en la categoría de comedia o musical. Con su nominación a los Óscar en la categoría de Mejor dirección, se convirtió en la tercera mujer en estar nominada en esta categoría y la primera estadounidense. En 2006 estrena su película "María Antonieta" (2006), adaptación de la biografía de la reina de Francia escrita por la historiadora británica Antonia Fraser. La actriz Kirsten Dunst interpreta en papel de la reina, y el actor Jason Schwartzman (primo de la directora) interpreta el papel de Luis XVI. En 2010 gana el León de Oro del festival de Venecia por su última película Somewhere, la historia de una estrella de Hollywood interpretada por Stephen Dorff, que vive en el famoso hotel Chateau Marmont de Los Ángeles y el cambio radical de vida que sufre con la llegada de su hija, interpretada por Elle Fanning.
Filmografía Como directora • • • • • •
1998 - Lick the star (Corto) 1999 - Las vírgenes suicidas 2003 - Lost in Translation 2006 - María Antonieta 2010 - Somewhere (Próximo Proyecto) - "The Bling Ring"
Como actriz • • • • • • •
CQ (2001) Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma (1999) Electrobank - The Chemical Brother's music video (1997) El padrino. Parte III (1990) Peggy Sue se casó (1986) Frankenweenie (1984) The Outsiders (1983)
• La ley de la calle (1983)
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Sofia Coppola
Videos musicales (directora) • • • • •
I just don't know what to do with myself - The White Stripes This here giraffe - The Flaming Lips City girl - Kevin Shields Playground love - Air Shine - Walt Mink
Publicidad • Miss Dior Chérie fragance por Christian Dior con Maryna Linchuk (2008) • City of Light fragrance por Christian Dior con Natalie Portman (2010) • Marni colección para H & M protagonizada por Imogen Poots (2012)
Enlaces externos • Ficha de Sofia Coppola en inglés [3] y en español [1] en Internet Movie Database. • Sofia Coppola gana el Leon de Oro en el Festival de Venecia [4]
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001068 [2] http:/ / www. elpais. com/ articulo/ revista/ agosto/ Sofia/ casa/ tierra/ abuelo/ Coppola/ elpten/ 20110828elpepirdv_11/ Tes Boda Sofia Coppola] [3] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0001068 [4] http:/ / mycine. com. ar/ 2010/ 09/ sofia-coppola-gana-el-leon-de-oro-en-el-festival-de-venecia%e2%80%8e. html
• López, Miguel (2012). Los Coppola, una familia de cine. Linterna Sorda. ISBN 978-84-938273-4-2.
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Spike Lee
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Spike Lee Spike Lee
Nombre real
Shelton Jackson Lee
Nacimiento
Atlanta, Georgia 20 de marzo de 1957 (55 años)
Nacionalidad estadounidense Ficha
[1]
en IMDb
Shelton Jackson Lee (Atlanta, 20 de marzo de 1957), más conocido como Spike Lee, es un director de cine, guionista, productor y actor estadounidense. Entre sus películas destacan La última noche (25th hour) (2002), Malcolm X (1992) y Do the Right Thing (Haz lo correcto en Latinoamérica, Haz lo que debas en España). También es un reconocido documentalista y enseña cine en la Universidad de Nueva York. Es fiel seguidor de los New York Knicks de la NBA donde son famosos sus piques con las estrellas rivales como Reggie Miller, Paul Pierce o Lebron James
Biografía Nacido en Atlanta, Panamá, Georgia, su familia se mudó a Brooklyn, Nueva York cuando aún era muy joven. Desarrolló sus cualidades para el cine en el Morehouse College de Atlanta y en la Tisch School of the Arts de la New York University, graduándose en 1982. El en el año 1991 demando a The Nashville Network (TNN) cuando esta paso a llamarse Spike TV, Lee perdió la demanda y el canal pudo cambiar de nombre, aunque actualmente el canal se llama únicamente 'Spike' Spike TV. Es conocida su simpatía hacia el nacionalismo negro y los movimientos de resistencia. Su productora "40 Acres & A Mule" lleva ese nombre recordando que, tras la supresión de la esclavitud al final de la Guerra de Secesión en 1865, en Georgia se tomó la decisión de distribur lotes de 40 acres de tierra(160,000 m2) y una mula a algunos de los antiguos esclavos negros.
Spike Lee
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Filmografía selecta • • • • • • • • • • • • •
Red hook Summer (2012) (executive producer) Da Brick TV Movie (2011) (executive producer) Brooklyn Loves Michael Jackson (2010) (Director) Kobe Doin' Work (2009) (Director) Miracle at St. Anna (2008) (Director) Plan oculto o Plan Perfecto (2006) (Director) She Hate Me (2004) (Director y guionista) La última noche (25th hour) (2003) (Director) Amor y baloncesto (2000) (Director) Bamboozled (2000) (Director y guionista) The Original Kings of Comedy (2000) (Director) Summer of Sam (1999) (Director, guionista y actor) He Got Game ("El juego sagrado" en Latinoamérica, "Una mala jugada" en España) (1998) (Director y guionista) • Get on the Bus (La marcha del millón de hombres) (1996) (Director) • Girl 6 (1996) (Director y actor) • • • • • • •
Clockers (1995) (Director y actor) Crooklyn (1994) (Director, guionista y actor) Escuadrón de secuestros (1994) (Actor) Cosas de la vida (videoclip de Eros Ramazzotti) (1993) (Director) Malcolm X (1992) (Director y actor) Fiebre salvaje (1991) (Director, guionista y actor) Mo' Better Blues ("Mejores blues y más" en Latinoamérica, "Cuanto más, mejor" en España) (1990) (Director y actor) • Do the Right Thing ("Haz lo correcto" en Latinoamérica, "Haz lo que debas" en España) (1989) (Director, guionista y actor) • Aulas turbulentas (1988) (Director, guionista y actor) • Nola Darling (1986) (Director, guionista y actor)
Premios Oscar Año
Categoría
Película
Resultado
1989 Mejor Guion Original Do the Right Thing Candidato
Enlaces externos • Ficha de Spike Lee en inglés [2] y en español [1] en Internet Movie Database. •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Spike LeeCommons.
Spike Lee
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Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000490 [2] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000490
Stanley Kubrick Stanley Kubrick
Kubrick durante la grabación de Barry Lyndon. Nombre real
Stanley Kubrick
Nacimiento
, Nueva York, Estados Unidos 26 de julio de 1928
Fallecimiento
, Londres, Hertfordshire, Reino Unido 7 de marzo de 1999 (70 años) Premios
Premios Óscar
Mejores efectos visuales 1968 2001: A Space Odyssey
Premios BAFTA Mejor película 1964 Dr. Strangelove Mejor director 1975 Barry Lyndon Ficha
[1]
en IMDb
Stanley Kubrick (Nueva York, Estados Unidos, 26 de julio de 1928 – Harpenden, Hertfordshire, Reino Unido, 7 de marzo de 1999) fue un fotógrafo, director de cine, guionista y productor estadounidense. Considerado por muchos uno de los más influyentes cineastas del siglo XX. Destacó tanto por su precisión técnica como por la gran estilización de sus cintas y su marcado simbolismo.[2] Realizó trece películas, entre las cuales se encuentran varios clásicos del cine, como Lolita, Dr. Strangelove, 2001: A Space Odyssey, A Clockwork Orange , El resplandor, Full Metal Jacket y Spartacus.[3]
Stanley Kubrick
Biografía Sus primeros años Nació en un barrio del Bronx de Nueva York, en el seno de una familia de clase media-alta de origen judío. Desde muy joven mostró su interés por la fotografía, que practicaba con una cámara réflex, regalo de sus padres. Otras aficiones eran la música en general, el jazz en particular (llegó a tocar la batería en la Taft Swing Band) y el ajedrez. Estos tres pasatiempos serían fundamentales para su futura carrera como director. Su afición a la fotografía le permitió, en primer lugar, trabajar para la revista Look, donde hizo reportajes fotográficos a importantes estrellas del momento, y donde se labró una reputación profesional. Su melomanía le permitió a lo largo de toda su carrera poder discutir todos los aspectos relacionados con la banda sonora de sus películas, llegando en ocasiones a prescindir de compositor y escogiendo personalmente piezas de música clásica para sus películas (como en el caso de 2001: A Space Odyssey, descartando en el último momento la banda sonora original de Alex North). Y su afición al ajedrez quizás pulió el perfeccionismo y la futura frialdad profesional del director. El ajedrez, gracias al cual subsistió durante un inestable período de su vida, sería homenajeado en algunas de sus películas, como The Killing o 2001: A Space Odyssey. Durante su juventud Kubrick iba frecuentemente al cine Loew's Paradise y al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Poco a poco nació en él la idea de abandonar su trabajo en Look y dedicarse a la realización de películas. Cuando Kubrick aún concedía entrevistas, se refería a Max Ophüls y Sergéi Eisenstein como sus dos referencias cinematográficas más influyentes, el primero por su trabajo con la cámara, y el segundo por su técnica de montaje. Day of the Fight sería su primera filmación a modo de documental de 13 minutos, en 1951 (sobre la base de un trabajo fotográfico hecho por él mismo para Look acerca del boxeador Walter Cartier), que financió con su propios ahorros a los 23 años, aprendiendo a usar el equipo por la persona que se lo alquiló.[4] El documental fue comprado por RKO para incorporarlo en la serie This is America que fue proyectada en el Paramount Theatre, en Nueva York, dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico. La propia RKO le adelantó dinero para el siguiente documental de 9 minutos llamado Flying Padre (a través del cual sacó el título de piloto, aunque años más tarde se negaría a seguir volando), que narraba la vida de un sacerdote que viaja en avioneta de pueblo en pueblo en el estado de Nuevo México . El último de sus documentales que duró 30 minutos sería The Seafarers, su primer trabajo en color. Para esta época Kubrick ya había renunciado a su trabajo en Look y se dedicaría de lleno a la industria del cine. Su primer largometraje fue Fear and Desire (1953), que financió con 13,000 dólares obtenidos de préstamos familiares. El film trata de un pelotón de soldados que lucha en una tierra sin nombre. Tras la realización de la película se separa de su primera esposa, Toba Metz. Aunque la película tuvo escaso éxito, le permitió financiar parte de su siguiente trabajo, Killer's Kiss (1955), cuyo presupuesto ascendió a 40,000 dólares, es una película de suspense sobre un boxeador que conoce a la mujer de un mafioso y se enamora de ella. En la película aparece, en el papel de la bailarina, la que sería su segunda esposa, Ruth Sobotka. La película contó con pocos medios, pero el trabajo de Kubrick con la fotografía en blanco y negro llamó la atención de James B. Harris, un productor de la NBC.
Primera etapa: 1956-1960 Kubrick y Harris se asociaron en una productora y de su unión surgió The Killing (1956), su primer gran filme, con un presupuesto de 320,000 dólares y un reparto de importantes actores de Hollywood, protagonizado por Sterling Hayden. Partiendo de una novela de Lionel White, y sobre un guion de Jim Thompson, Kubrick relató la historia del atraco a un hipódromo. La utilización del tiempo cinematográfico hecha por Kubrick supuso una innovación para la época. En la película se empiezan a sentar las bases del pensamiento del director: la lucha de un antihéroe en su enfrentamiento con el mundo, y su conflictivo final.
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Stanley Kubrick Atraco Perfecto atrajo las miradas de algunos personajes de Hollywood como Dore Schary, el jefe de producción de MGM.[4] Entre ellos también se encontraba Kirk Douglas, que firmó con Harris-Kubrick un contrato para cinco películas. La primera de ellas sería Paths of Glory (1957), basada en una novela de Humphrey Cobb, que interpretaría el propio Douglas haciendo el papel del coronel Dax, encargado de defender a sus soldados, acusados de cobardía ante el enemigo, en el marco de la guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial. Y también sería la primera polémica de Kubrick, aunque no la última. El mensaje antibelicista de la cinta hizo que en Francia, a cuyo ejército pertenecían los protagonistas, estuviera prohibida durante décadas. La película fue rodada en los estudios Geiselgasteig en Múnich, Alemania.[4] En el rodaje de la película conocería a Christiane Harlan, que en los créditos aparece como Susanne Christian, que se convertiría en su tercera y última mujer. Tras Senderos de gloria, Kubrick estuvo trabajando junto a Marlon Brando en la preproducción de One-Eyed Jacks (1961), aunque tras varios meses sería despedido por desavenencias con el actor, quien terminó dirigiendo la película.
Consolidación: 1960-1968 En esta situación lo encontró de nuevo Douglas, que buscaba un director para sustituir a Anthony Mann al frente de Spartacus, de 1960. Kubrick aceptó, sabiendo que una película de tan alto presupuesto podía suponer un empujón a su carrera como director. Aunque apenas tuvo oportunidad de intervenir en el guion (como había hecho antes y haría después en todas sus películas), la película supuso el fin de las listas negras (debido al estratégico interés de Douglas de reducir el sueldo del guionista Dalton Trumbo, a cambio de colocar su nombre real en los créditos). La película ganó otros tres premios de la Academia y fue un éxito comercial. La carrera de Kubrick estaba definitivamente lanzada. Kubrick y Harris lograron rescindir el contrato que les unía con Douglas por otras tres películas. Las aspiraciones artísticas y comerciales de Kubrick le llevaron a hacer Lolita (1962): fue su siguiente trabajo. Tras arduas negociaciones, convenció a Vladimir Nabokov no sólo para que aceptase vender los derechos de su novela, sino para que fuese él mismo quien adaptase el guion, aunque posteriormente Kubrick solo conservó una parte de su trabajo. La película estuvo envuelta en escándalo por adaptar una historia tan controvertida para los estándares de la época, ya que narra la historia de la seducción de una menor de edad por parte de un hombre maduro, y de ahí que dirigentes conservadores exhortaran a no ver la película. Esta película cuenta la historia de Humbert Humbert, un soltero de mediana edad interpretado por James Mason que se enamora de Lolita, una púber de catorce años (interpretada por Sue Lyon, de dieciséis a quién Kubrick vio en The Loretta Young Show), y que para conseguirla está dispuesto a casarse con la madre de la menor. El actor Peter Sellers termina de componer el reparto como el multifacético Clare Quilty. La película no solo se centra en la relación entre Humbert y Lolita sino que posee efectivas dosis de humor, aspecto del film soportado por el oficio de Sellers que fue animado por el director a improvisar. Kubrick nuevamente trabaja a partir de una narración no lineal, cosa que no ocurría en el libro, con el fin de darle más suspenso a la trama. Kubrick sustituyó la simple lujuria y deseo que el profesor sentía por Lolita en la novela de Nabokov, por amor, evitando así la menor injerencia posible de la censura.[5] El presupuesto fue de 2 millones de dólares y logró obtener buenas ganancias. Debido a aspectos financieros y legales, así como por temas de la misma censura, el rodaje se realizó en los estudios ABPC en Inglaterra, donde Kubrick finalmente se estableció definitivamente, en la localidad de Hertfordshire. Tras el éxito de Lolita, se permitió afrontar proyectos más arriesgados. Se separó de su socio y amigo Harris para producir su nueva película en solitario. Así que, en medio de la guerra fría y de la crisis de los misiles cubanos, Kubrick comenzaría a rodar Dr. Strangelove or how I learned to stop worrying and love the bomb, en 1964. El título en español para esta película fue "Dr. Insólito" con el que fue conocido en el mundo hispanoparlante excepto España, donde se dobló con el título de ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú. Basada en la novela de Peter George, Red Alert. Aunque en un principio pretendía abordar de manera directa la novela sobre la guerra fría y la posibilidad de un conflicto atómico, a medida que se iba documentando encontraba aspectos cada vez más hilarantes y esperpénticos sobre la estrategia nuclear de ambos bloques, de forma que decidió realizar una comedia de humor negro en función a las parte más ligeras del libro.[6] El actor británico Peter Sellers, sería el encargado de dar vida a
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Stanley Kubrick tres personajes de la cinta, por presión de Columbia, ya que lo consideraban responsable del éxito de Lolita; completando el reparto Sterling Hayden, George C. Scott y Slim Pickens. El guion de Terry Southern, el propio Peter George y Kubrick está lleno de gags y alusiones sexuales, y narra cómo un acceso de locura del general Ripper, interpretado por Hayden que ordena a varios bombarderos intercontinentales estadounidenses B -52 atacar su objetivos en suelo ruso con armas nucleares, provoca que se haga realidad la tan temida Destrucción mutua asegurada, mientras el jefe Lionel Mandrake (Sellers) busca hacerlo desistir. Por otro lado el presidente Merkin Muffley y el Sr. Strangelove (Sellers en ambos casos) debaten con el mayor Buck Turgidson (Scott) sobre una eventual solución al problema. Dentro de un B-52, el mayor T. J. King Kong (Pickens) aún no sale de su asombro junto con su tripulación por la misión encargada. Kubrick contrató al decorador Ken Adam para llevar a cabo los ambiciosos escenarios, muy adelantados a la época (la sala de guerra, La base militar, y el interior del bombardero) en los estudios ingleses de Shepperton, empleando de manera novedosa la iluminación natural para darle mayor realismo a la puesta en escena.[6] La película encontró a un Kubrick plenamente instalado en la campiña inglesa haciendo gala de su obsesión por el detalle en función a los recursos que tenía a su alcance. Un ejemplo de esto es la escenografía que recrea el interior B-52. La fuerza aérea estadounidense no quiso colaborar con el director y este tuvo que, en función de una fotografía en una revista especializada, y los controles de un B-29, reconstruir el tablero de instrumentos del avión con enorme realismo enfatizando[7] el ambiente claustrofóbico de la nave. La Música Original es encargada a Laurie Johnson, pero dos melodías tienen especial relevancia, sentando las bases del uso que después Kubrick le daría a la música en sus cintas: Try a Little Tenderness en versión instrumental en los créditos iniciales acompañando las imágenes de los aviones acoplados para cargar combustible y el tema de Vera Lynn We'll Meet Again, sugerido por Sellers, en la escena final. En ambos casos los temas contrapesan la fuerza de las imágenes.
Obras célebres: 1968 - 1980 En 1968 Kubrick alcanzaría la cumbre de su carrera con 2001: A Space Odyssey. La película no solo buscó elevar el estatus de un género menor en aquel momento, la ciencia ficción, que se limitaba a alienígenas antropomórficos y platillos volantes, sino además narrar una audaz parábola sobre la evolución del hombre: Una elipse de 4 millones de años. La película se construye sobre la base de un relato corto de Arthur C. Clarke, The Sentinel, que Kubrick leyó en 1964 y en ese año junto con Clarke, empezó a construir el guion inicial de la película que protagonizaron Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester y Douglas Rain como la voz del computador HAL 9000. En 1966 Kubrick ya había filmado todas las escenas con actores en los estudios Shepperton en Inglaterra. En 1968 se concluyeron los efectos especiales. El presupuesto inicial de 5.5 millones de dólares creció a 10 millones.[4] Pero fue en la sala de edición donde Kubrick estableció los mayores cambios entre esta película y sus predecesoras: solo contiene 40 minutos de diálogo para un metraje de 141 minutos, además de ser la primera película del director sin narración alguna. Con unos efectos especiales sin precedentes (diseñados por el mismo Kubrick y ejecutados y supervisados por Douglas Trumbull), y una confianza ciega en sí mismo, Kubrick realizaría finalmente una de las películas más complejas, vanguardistas y arriesgadas de la historia del cine. La historia empieza con un grupo de homínidos en su lucha por la subsistencia y su encuentro con un monolito, y luego se traslada al futuro, millones de años adelante, donde un hombre, ya evolucionado a homo sapiens, explora el sistema solar en una nave controlada por un computador omnipresente. Kubrick toca diversos temas en la cinta (la inteligencia, la soledad, la muerte, la evolución, la inmortalidad, la auto reflexión, la inteligencia artificial...) que hacen del trabajo un motivo continuo de reflexión, manteniéndola vigente a la postre. Sus efectos especiales y la recreación del viaje espacial siguen siendo apreciados por su fidelidad técnica, estableciendo un antes y un después en la innovación tecnológica de los efectos y del género en sí mismo. Otro aspecto notable es la música, apartado donde Kubrick también ha aportado mucho. Descartó la banda sonora que originalmente había compuesto Alex North, quien se había encargado de la música en Spartacus, usando las composiciones clásicas que empleó en la sala de edición. Entre las partituras utilizadas, además de Richard Strauss o Aram Jachaturián, Kubrick empleó ampliamente la música vanguardista del compositor rumano, György Ligeti, impulsando enormemente su fama a nivel mundial.[8] Con esta película Kubrick ganó su
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Stanley Kubrick único Óscar a título personal (por el diseño de efectos especiales), varios Premios BAFTA entre otros. La historia de Napoleón, proyecto en la que pensaba recrear la vida y las batallas más importantes libradas por el dirigente francés, fue un sueño largamente ansiado por Kubrick, quien desarrollo una investigación de pre producción enorme a finales de los años sesenta,[9] que finalmente no se concretó debido a sus descomunales costos. Durante aquellos años, Kubrick recibió un obsequió de Terry Southern: la novela A clockwork orange de Anthony Burgess. Kubrick leyó el libro de un tirón y pensó en Malcolm McDowell para interpretar el papel de Alex, a quién el director comparaba con Ricardo III. La historia narra a modo de sátira las correrías de Alex, un joven violento cuyas distracciones son la violación, la ultraviolencia y Beethoven como rezaba la promoción de la película. Los Droogs, el filme retoma el lenguaje empleado en el libro que uso variantes del ruso con el inglés de la calle llamado Nadsat,[10] causan destrozos, actos de violencia y delitos sexuales. Pero las cosas se saldrán de control y se pondrá en práctica el proceso Ludovico para buscar corregir la conducta de joven Alex. El director buscó localizaciones en Inglaterra mediante revistas de arquitectura contemporánea y solo construyó 3 sets en los estudios Borehamwood: el bar Korova, la prisión y el baño en la casa del escritor. La naranja mecánica presenta algunas innovaciones en el aspecto técnico como el empleo de lentes más rápidos, cámaras ligeras de mano, y los micrófonos Sennheiser Mk. 12,[11] que permitieron no tener que volver a grabar diálogo alguno tomado de la escena en vivo, así como el uso de nuevos equipos de iluminación como los reflectores de cuarzo Lowell de 1000 vatios, que le permitió a Kubrick girar la cámara en cualquier dirección sin preocuparse por capturar algún equipo luminotécnico en la habitación. La escena de la mujer y los gatos es un buen ejemplo.[11] La música fue nuevamente otro elemento destacable, por su carácter avant garde en el uso de la electrónica para adecuar las melodías a las escenas por parte del músico Wendy Carlos, quién recrea mediante sintetizadores la marcha fúnebre de Henry Purcell en la obertura de la película junto con la imagen de los actores, conformando una escena de carácter hipnótico y atmosférico. También se utiliza la Sinfonía N° 9 (Scherzo) de Ludwig van Beethoven como fondo para la danza de las estatuillas abrazadas de Jesucristo y la Obertura de Guillermo Tell de Gioachino Rossini para la orgía en el cuarto de Alex pero acelerada electrónicamente. Incluso se afirma que Kubrick contactó a la banda de rock progresivo Pink Floyd para utilizar pasajes del tema Atom Heart Mother,[12] pero finalmente no llegaron a un acuerdo. Estrenada en Estados Unidos 1971 y en Inglaterra en 1972, la película despertó una controversia nunca antes vista en el Reino Unido para un filme, en torno al contenido de la misma y sus repercusiones en los espectadores, dividiendo a los críticos, generando debates públicos en la prensa escrita, la televisión y la radio como lo analiza Christian Bugge en The Clockwork Orange Controversy.[13] A todo esto se sumó el hecho que delitos cometidos, incluso un asesinato, en aquella época, con mucha atención otorgada por parte de la prensa inglesa, por jóvenes que aparentemente replicaban escenas de la película o en algún caso vestían trajes similares a los protagonistas. Esto aumentó la presión en el debate y llevó a Kubrick, quién según diversas fuentes estaba sumamente preocupado, a presionar a Warner Bros., su nueva distribuidora, a cancelar cualquier exhibición pública de la película en 1973 en cualquier sala del Reino Unido. Esto duró hasta el año 2000. La película obtuvo 7 Premios BAFTA incluyendo mejor película, 2 Premios Globo de oro 4 nominaciones a los Premios Óscar, 2 Director Guild of America, en otros. Quizá el logro más importante que obtuvo Kubrick con esta cinta fue asegurar formalmente por parte de Warner Bros., a través de un lucrativo contrato, el control total sobre sus cintas, a nivel técnico y sobre todo artístico, incluso de distribución. El éxito en taquilla del film que sobre una inversión de 2 millones de dólares pudo ganar 40 millones[14] le permitió al director sustentar su contrato. Kubrick recibía además cerca del 40% de los beneficios, para lo cual creó una base de datos de salas donde este tipo de películas de autor tenían mejores opciones comerciales. El trabajo de preproducción que había hecho para Napoleón le ayudó a establecer las bases de su siguiente producción Barry Lyndon, basada en la novela victoriana de William Makepeace Thackeray publicada en 1884 como The Luck of Barry Lyndon que narra la historia de la ascensión y caída de un muchacho en la Europa del siglo XVIII y es estelarizada por Ryan O'Neal y Marisa Berenson en 1975. Nuevamente el extremo cuidado por el detalle de Kubrick se hace manifiesto en el proceso de la película usando libros de arte y documentos de la época para buscar
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Stanley Kubrick locaciones, crear objetos, coches y el vestuario que fue confeccionado usando como modelos ropa de aquel siglo siguiendo las técnicas de costura que se emplearon originalmente contratando a 35 sastres que trabajaron durante 6 meses.[15] Ante la insistencia del director, los interiores se rodaron exclusivamente con la luz de las velas, gracias a unos objetivos especiales de la casa Carl Zeiss (abertura máxima de f/0.7) que había comprado a un contacto suyo y cuyo diseño fue inicialmente realizado para la NASA. Según la actriz Marisa Berenson,[16] los actores, en algunas tomas de acercamiento, casi no se podían mover para no salir de foco. Las técnicas de emulsión y revelado actual hicieron obsoleta esta tecnología. La película fue filmada en Irlanda y en Inglaterra. En el primero Kubrick recibió algunas amenazas por parte del grupo terrorista IRA debido a que los extras representaban a soldados ondeando la bandera británica sobre suelo irlandés. La música que se empleó fue el resultado de la recopilación de todas las grabaciones conteniendo composiciones del siglo XVIII que Kubrick consiguió. Pero al ver que el carácter de la misma era mayormente festiva recurrió también a Franz Schubert y su Piano Trio In E-Flat, compuesto en 1828 y adicionalmente agregó score grabado por Leonard Rosenman para suplir el pedido del director.[15] Precedida de gran expectación debido a sus dos títulos anteriores y su efecto en el público, la película fue recibida con críticas mixtas a mediados de los setentas, y falló en la recaudación de taquilla inicial a pesar de los 4 premios Òscar que obtuvo en 1975. Desde entonces la película ha ganado estatura dentro del legado del director por sus logros técnicos y artísticos.[17] La novela del escritor multi-ventas de finales de los años setenta Stephen King y un género con buen tirón en aquel momento, el terror, motivaron a Kubrick por su siguiente película. A partir de la novela The Shining del escritor estadounidense reescribió el guion junto a Diane Johnson, y el resultado fue The Shinig (1980). La versión de Kubrick es una variación sobre la versión del libro, especialmente en el carácter del protagonista y sus motivaciones. La película, filmada en los estudios Elstree en Borehamwood para los interiores haciendo tomas exteriores del Timberline Lodge, en Portland, Oregón, para recrear el Overlook Hotel, muestra la transformación del personaje de Jack Torrance (interpretado por el oscarizado Jack Nicholson), que cuida el hotel durante los intermedios de temporada, presentándolo como un ser temperamental y con una progresiva perturbación que afecta finalmente la seguridad de su propia familia. Kubrick hizo uso extensivo de una innovación reciente, el Steadicam,[18] un giroscopio estabilizador que permitía a la cámara desplazarse a través del espacio sin vibraciones, lo cual le permite filmar de manera efectiva al hijo de Torrance, interpretado por Danny Lloyd, sobre su triciclo de plástico a través de los corredores del hotel o a Nicholson caminando por el laberinto del jardín. La música nuevamente recae en manos de Walter Carlos, ahora Wendy Carlos, quién modifica nuevamente a través de la electrónica música original; una adaptación del compositor Hector Berlioz, del tema medieval Dies Irae. Otros compositores cuyas piezas son utilizadas son György Ligeti, Béla Bártok, Krzysztof Penderecki y temas de bandas pertenecientes al primer cuarto del siglo XX.[19] La película obtuvo buena respuesta del público y taquilla, pero la crítica volvió a dividirse en torno este trabajo del director estadounidense. A juicio del autor de la novela, Stephen King, quién inicialmente estuvo halagado con la idea de la adaptación por parte de Kubrick, el filme no profundiza en el verdadero tema de la novela que incluso posee tintes autobiográficos.[20] Este primero hace una nueva adaptación para la televisión de su libro, en 1997. La hija de Kubrick, Vivian, realiza un documental sobre la filmación de la película en 1980.
Etapa final: 1987 - 1999 Tienen que transcurrir siete años hasta que aparezca su siguiente película, Full Metal Jacket, en 1987, donde vuelve a tocar el tema bélico, esta vez la Guerra de Vietnam y nuevamente es un adaptación de una novela. En este caso es Gustav Hasford y su libro The Short-Timers. La película tiene dos partes claramente diferenciadas: la preparación de los soldados en la base de Marines de Parris Island en Carolina del Sur, Estados Unidos y la guerra en sí, ubicada en la ciudad vietnamita de Huế. Durante el rodaje Kubrick rescribía el guion sobre la marcha, modificando las escenas originales. La película se rodó entre 1985 y 1986 en Inglaterra, en la base del ejército británico en Bassingbourne, los estudios en Enfield, y el gasífero de Beckton, al este de Londres, cuyo proceso de demolición fue utilizado para recrear la ciudad modernista de Huế, hasta donde se llevaron 66 palmeras.[21] La película es estelarizada por Matthew Modine, Vincent D'Onofrio, Adam Baldwin y Lee Ermey. La música fue escrita por Abigail Mead, un alias
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Stanley Kubrick que utilizó Vivian Kubrick, empleando un sintetizador. Para las canciones, Kubrick recurre a las listas de éxitos del periodo 1962 – 1968, incluyendo éxitos de Johnny Wright, The Rolling Stones, Nancy Sinatra, The Trashmen entre otros. A pesar que el filme se estrenó poco después del hit Platoon (1986) de Oliver Stone, obtuvo buenas críticas y buena taquilla durante su exhibición.[22] Tras esta película Kubrick comenzó a evaluar nuevos proyectos. En primer lugar, Inteligencia Artificial, la historia de un niño robot abandonado por su madre. Kubrick siempre había querido adaptar el relato de Brian W. Aldiss, pero no fue hasta que vio Parque Jurásico (1993), del director estadounidense Steven Spielberg, que supo que la tecnología necesaria para filmar la película estaba por fin a su alcance. También estaba interesado en The aryan papers, una película sobre dos refugiados judíos durante la persecución nazi que iba a ser protagonizada por Jodie Foster y Joseph Mazzello, el niño de Parque jurásico. Sin embargo, el mismo Spielberg se adelantaría con el filme La lista de Schindler (1993), debido fundamentalmente a la dificultad que supuso para Kubrick el encaje cinematográfico del Holocausto judío, según su propio criterio. La semejanza de la película de Spielberg con su propio proyecto y problemas de diversa índole le harían desistir.[23] Finalmente Kubrick realizó Eyes Wide Shut (1999), basada en la novela Traumnovelle (Relato soñado), de Arthur Schnitzler. La historia original está situada en la Viena del siglo XIX pero la película se ubica en la Nueva York de finales de siglo XX, narrando la vida una pareja de neoyorquinos de clase alta que viven aparentemente una feliz vida en común, pero que los sueños y fantasías sexuales manifestados en un momento de intimidad empiezan a desestabilizar la relación. La película contó con una pareja en la vida real de las estrellas de Hollywood de aquel momento, Tom Cruise y Nicole Kidman, como los Harford, contando con Sydney Pollack y Marie Richardson como roles secundarios. La película como en sus anteriores filmes desde Lolita fue filmada en Inglaterra incluso en las tomas exteriores, con solo algunas tomas generales hechas en Nueva York. El trabajo final es un despliegue del habitual virtuosismo de Kubrick para filmar y componer, jugando intensamente con los colores y la luz, especialmente la artificial para reforzar ciertas sensaciones, llegando incluso a forzar el revelado de las cintas para darle a la imagen un aura buscada. El score fue muy variado compuesto para la ocasión por Jocelyn Pook incluyendo al mismo trabajos de György Ligeti, Franz Liszt, Chris Isaak, Dmitri Shostakóvich. Después de casi 12 años, Kubrick volvía con una película, generando una fuerte expectación en el público, en parte por lo rumores que circularon en la prensa sobre su hábitos de vida, especialmente su misantropía, lo cual fue desmentido por el director en sendas entrevistas durante su vida. La película nuevamente generó una cierta polémica, en torno a la censura que recibió la cinta en la versión para los Estados Unidos donde digitalmente se taparon las zonas genitales a ciertos actores extras durante una orgía. El filme fue recibido con cierta tibieza por parte de un sector de la crítica en un inicio, y con entusiasmo por otros sectores, especialmente la crítica francesa que incluso le dio el premio a la mejor película extranjera del año.[24] El presupuesto del filme ascendió a 65 millones de dólares. Días más tarde de acabar de montar la película, a los 70 años, Stanley Kubrick moría en la cama de su residencia de Hertfordshire, al sureste de Inglaterra, de un ataque al corazón. Su muerte congregó gran interés por parte de la prensa mundial debido a la enorme fama y reputación tanto profesional como el mito personal que ganó durante sus años de vida. Algunos de sus trabajos fílmicos fueron lanzados en formato magnético VHS, y posteriormente toda su obra ha sido remasterizada en formato digital DVD y Blu-Ray. Existen también sendos trabajos biográficos y de análisis de su obra y álbumes fotográficos, convirtiéndolo en uno de los directores cinematográficos más reseñados en la actualidad.
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Stanley Kubrick
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Legado La influencia de Kubrick en el cine contemporáneo es enorme y difícil de definir en su real dimensión. No sólo por la gran cantidad de libros dedicados a su persona y a su trabajo, las compilaciones que lo sitúan entre los más importantes de la historia, así como documentales televisivos sobre su vida y ensayos publicados en diversos medios de comunicación, sino también por los logros fílmicos que alcanzó en vida y el aporte que realizó al status quo de rol del director dentro la industria cinematográfica. Kubrick luchó y logró el tan ansiado control total sobre sus películas, con el fin de que su visión fílmica no se viera afectada más que por lo que él entendía como coherencia artística. Sin estudios formales de cine, participó en cada etapa de la producción de una cinta, aprendiendo las técnicas y el oficio, llegando a aportar innovadores procedimientos técnicos (efectos especiales, sistema de filmación, nuevas cámaras, focos, luces y lentes) y narrativos que le permitieron a la industria en general avanzar varios años. Otro apartado donde fue decisivo fue en el empleo de la banda sonora en las cintas que dirigió, anticipándose a varias tendencias, incorporando tanto la enciclopédica revisión de la música perteneciente a la época en la que se ambientaba la película de turno, así como también emplear los aportes de la electrónica cuando esta se aplicaba mayormente en el campo experimental. Sus películas no dejaban de incorporar sus propios intereses intelectuales y la reflexiones sobre el hombre y su lucha constante con su entorno, ya sea físico, social, psicológico o metafísico. Su observación del ser humano siempre guardaba una distancia prudente, que en vez de frialdad (como lo tachaban algunos críticos), podría más bien leerse un verdadero interés y abierta curiosidad por entender el proceder del personaje como pieza dentro de un engranaje más complejo que lo puramente cultural. El busca aquellos códigos dentro de cada ser humano que lo empujan a accionar de una manera en particular, tanto en la intimidad como en la odiseas titánicas que modifican el curso la historia, creando en el proceso imágenes tan sobresalientes y atemporales que se han convertido en parte de la cultura popular. Un tema final podría ser su obsesión con los detalles y la calidad del producto. Pocos directores hicieron de esto un tema mayor: entender el filme como acto de aprendizaje extremo del entorno del personaje, en base a una sólida investigación que llevó, junto a su perfeccionismo, a dilatar sus rodajes y aumentar el aura mítica que proyectaba en la prensa.
Filmografía Año
Film
Director
1951 Day of the Fight
Yes
Flying Padre 1953 Fear and Desire The Seafarers
Productor Escritor Yes
Yes Yes
Yes Yes
Yes
Otros
Notas
Yes
El mismo (cameo sin acreditar), director de fotografía, editor (sin acreditar); sonido (sin acreditar).
Yes
Diector de fotografía; Escritor (sin acreditar).
Yes
Director de fotografía; Editor; Sonido (sin acreditar).
Yes
Director de fotografía, editor y sonido.
Yes
Historia, Director de fotografía y editor
1955 Killer's Kiss
Yes
1956 The Killing
Yes
Yes
Productor (sin acreditar).
1957 Paths of Glory
Yes
Yes
Productor ejecutivo (sin acreditar).
1960 Spartacus
Yes
Yes
[25][26]
Yes
1962 Lolita
Yes
1964 Dr. Strangelove
Yes
Sin acreditar como guionista y productor. Yes
Yes
Stanley Kubrick
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1968 2001: A Space Odyssey
Yes
Yes
Yes
1971 A Clockwork Orange
Yes
Yes
Yes
1975 Barry Lyndon
Yes
Yes
Yes
1977 The Spy Who Loved Me
1980 The Shining
Yes
Yes
Yes
1987 Full Metal Jacket
Yes
Yes
Yes
1999 Eyes Wide Shut
Yes
Yes
Yes
2001 A.I. Artificial Intelligence
Yes
Director y diseñador de efectos visuales.
Operador adicional de cámara (sin acreditar).
Yes
Asesor de Iluminación (sin acreditar). El diseñador de producción Ken Adam solicitó el asesoramiento de Kubrick en la iluminación de 007 Stage. Kubrick aceptó con la condición de que su participación se mantendría en secreto, lo que se cumplió hasta después de la muerte de [27] Kubrick en 1999
Yes
Murphy (Voz) (cameo) (sin acreditar).
Operador adicional de cámara (sin acreditar).
Yes
Concepto (sin acreditar) y dedicatoria. Originalmente Kubrick intentó dirigir la película. Después de su muerte el proyecto cobró impulso y fue Steven Spielberg quien la dirigió y escribió el guion basado en una historia de 90 páginas escrita por Ian Watson bajo la supervisión de Kubrick.
Clasificación Se pueden apreciar en la obra de Kubrick dos etapas bien diferenciadas, dejando aparte, como él mismo quiso, sus trabajos tempranos (Flying Padre, Day of the Fight, The Seafarers y Fear and Desire). La Primera Etapa, denominada, según el criterio: "Etapa Clásica", "Período en Blanco y Negro" o "Etapa de Juventud", incluye Killer's Kiss, The Killing, Paths of Glory, Spartacus, Lolita y Dr. Strangelove. La Segunda Etapa, denominada "Etapa Renovadora", "Período en Color" o "Etapa de madurez", incluye 2001: A Space Odyssey, A Clockwork Orange, Barry Lyndon, The Shining, Full Metal Jacket y Eyes Wide Shut. Las etapas se distinguen observando su estructura dramática (más tradicional en su primera etapa y experimental e innovadora en su segunda etapa) o la coloración del metraje (pero, a modo de excepción, Spartacus -de su primera etapa- está en color, aunque no por decisión de Kubrick). Así, tras el salto temporal de unos cuatro años que separa Dr. Strangelove de 2001, se aprecia un gran cambio en el planteamiento de su obra, si bien permanecen ciertos paralelismos argumentales (la sexualidad en Lolita y Eyes Wide Shut, la dureza de la guerra en Paths of Glory y Full Metal Jacket, la ascensión social con el fracaso final en Spartacus y Barry Lyndon...)
Premios Premios Óscar
Stanley Kubrick
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Año
Categoría
Película
Resultado
1987 Óscar al mejor guion adaptado
Full Metal Jacket
Candidato
1975 Óscar a la mejor película
Barry Lyndon
Candidato
1975 Óscar al mejor director
Barry Lyndon
Candidato
1975 Óscar al mejor guion adaptado
Barry Lyndon
Candidato
1971 Óscar a la mejor película
A Clockwork Orange
Candidato
1971 Óscar al mejor director
A Clockwork Orange
Candidato
1971 Óscar al mejor guion adaptado
A Clockwork Orange
Candidato
1968 Óscar al mejor director
2001: A Space Odyssey Candidato
1968 Óscar al mejor guion original
2001: A Space Odyssey Candidato
1968 Óscar a los mejores efectos visuales 2001: A Space Odyssey Ganador 1964 Óscar a la mejor película
Dr. Strangelove
Candidato
1964 Óscar al mejor director
Dr. Strangelove
Candidato
1964 Óscar al mejor guion adaptado
Dr. Strangelove
Candidato
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000040 [2] Dirks, Tim. « Greatest Film Directors and Their Best Films (http:/ / www. filmsite. org/ directors. html)» (en inglés). Filmsite. Consultado el 15 de mayo de 2010. [3] . University of the Arts London. Consultado el 15 de mayo de 2010. [4] Stanley Kubrick: The Master Filmmaker (http:/ / pages. prodigy. com/ kubrick/ kubbio. htm#ACO) [5] [Paul Duncan, Stanley Kubrick, pág. 80 (Filmbild Fundus Robert Fischer München) Taschen 2003] [6] [Paul Duncan, Stanley Kubrick, pág. 86 (Filmbild Fundus Robert Fischer München) Taschen 2003] [7] ["Inside the Making of Dr. Strangelove", del documental de 40th Anniversary Special Edition DVD of the film Se comenta que el nivel de realismo fue tal, que cuando invitaron a personal de la USAF al set quedaron impresionados con la recreación considerándola perfecta y sin errores. Kubrick se preguntó si Adam y su equipo habían utilizado métodos legales para la búsqueda de información en función de una hipotética investigación del FBI ] [8] Tres caminos a György Ligeti (1923-2006) por Pablo Martínez Lozada (http:/ / www. emboscados. com/ foro/ viewtopic. php?TopicID=2133) [9] « Mystery Man on Film: Stanley Kubrick's Napoleon (http:/ / mysterymanonfilm. blogspot. com/ 2007/ 01/ stanley-kubricks-napoleon. html)». [10] A Nadsat Glossary by Scott McDonald (http:/ / www. kubrick. com) [11] Stanley Kubrick: The Master Filmmaker (http:/ / pages. prodigy. com/ kubrick/ kubaco. htm) [12] « A Clockwork Orange (1971) - Trivia (http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0066921/ trivia)». [13] The Clockwork Controversy by Chirstian Bugge (http:/ / www. kubrick. com) [14] [Paul Duncan, Stanley Kubrick, pág. 137 (Filmbild Fundus Robert Fischer München) Taschen 2003] [15] Stanley Kubrick: The Master Filmmaker (http:/ / pages. prodigy. com/ kubrick/ kubbl. htm) [16] [Paul Duncan, Stanley Kubrick, (Filmbild Fundus Robert Fischer München) Taschen 2003] [17] (http:/ / www. allmovie. com/ cg/ avg. dll?p=avg& sql=1:4004~T0)Barry Lyndon en AllMovie.com] [18] [ http:/ / pages. prodigy. com/ kubrick/ kubts. htm] [19] Barham, Jeremy. Incorporating Monsters: Music as Context, Character and Construction in Kubrick’s The Shining. London: Equinox Press. ISBN 978-1-84553-202-4. (http:/ / epubs. surrey. ac. uk/ cgi/ viewcontent. cgi?article=1000& context=music) [20] The Shining, Stanley Kubrick. Site by Roderick Munday (http:/ / www. visual-memory. co. uk/ faq/ html/ shining/ shining. html) [21] Artículo del Daily Telegraph del 18 de julio del 2008 (http:/ / www. telegraph. co. uk/ culture/ film/ 3556427/ Stanley-Kubrick-a-props-odyssey. html) [22] [Cahill, Tim (1987). «The Rolling Stone Interview», Rolling Stone. Retrieved on 11 October 2007] [23] Página en lengua inglesa sobre The Aryan Papers (Los papeles arios) (22/08/2005), por A.J. Goldmann (http:/ / alexdlg. tripod. com/ aryan. html) [24] [2000http://www.imdb.com/title/tt0120663/awards]
Stanley Kubrick
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[25] Turner Classic Movies bio of Russell Metty (http:/ / www. tcm. com/ this-month/ article/ 156514|0/ Cinematography-By-Russell-Metty. html) [26] Cinefantastique, Volume 35, Issues 1–6 p. 65 [27] John Cork. (200). Inside 'The Spy Who Loved Me' [DVD]. MGM.
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Stanley Kubrick. Commons
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Sitio web oficial de Stanley Kubrick (http://kubrickfilms.warnerbros.com) (en inglés) Kubrick Corner (http://kubrickfilms.tripod.com/index.html/) (en inglés) Referencias sobre El resplandor (http://www.apocatastasis.com/kubrick-el-resplandor.php) Collected Essays on Kubrick (http://www.jeffreyscottbernstein.com/kubrick/) Artículo de Antipatía.cl: «Los grandes personajes de Kubrick» (http://antipatia.cl/17/ los-grandes-personajes-de-kubrick)
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Steven Soderbergh Steven Soderbergh
Nombre real
Steven Andrew Soderbergh
Nacimiento
Atlanta, Georgia, Estados Unidos 14 de enero de 1963 (49 años) Familia
Cónyuge
Betsy Brantley (div. 1994) Jules Asner (desde 2003)
Hijo/s
Sarah Soderbergh (n. 1990) Premios
Premios Óscar
Mejor director 2000 Traffic
Festival de Cannes Palma de Oro 1989 Sex, Lies, and Videotape
Steven Andrew Soderbergh (Atlanta, Georgia, 14 de enero de 1963) es un productor cinematográfico, guionista, director de fotografía, editor y director de cine estadounidense. Ganó el Premio Óscar al mejor director en 2000 por la película Traffic.
Steven Soderbergh
Biografía Primeros años e inicios Soderbergh es hijo de padres de ascendencia sueca (el apellido original, Söderberg, fue cambiado a Soderbergh cuando la familia emigró a los Estados Unidos). De niño, su familia se mudó de Atlanta a Baton Rouge (Luisiana), donde su padre se convirtió en Decano de Educación en la Universidad Estatal de Luisiana (LSU). Allí descubrió la filmación siendo adolescente, dirigiendo cortometrajes con película de Super 8 mm y equipo prestado por estudiantes de la Universidad.[1] Soderbergh asistió a la escuela secundaria en Louisiana State University Laboratory School, una institución dirigida por la Universidad. Mientras todavía estaba en la secundaria, Soderbergh asistió a una clase de animación de cine en la universidad y empezó a realizar cortometrajes de 16 mm con equipo de segunda mano.[2] En lugar de atender a LSU, Soderbergh probó suerte en Hollywood después de graduarse de secundaria. Comenzó trabajando como un anotador en un programa de juegos y eventualmente encontró un trabajo como editor de cine freelance.[3] Su gran oportunidad llegó cuando dirigió el video del concierto 9012 Live de la banda Yes en 1985, por el cual fue nominado a los Premios Grammy.[4]
Sex, Lies, and Videotape No fue sino hasta que Soderbergh volvió a Baton Rouge cuando concibió la idea de Sex, Lies, and Videotape (en español Sexo, mentiras y video o Sexo, mentiras y cintas de video), que escribió en ocho días. La película ganó la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes, y se convirtió en un éxito comercial a nivel mundial y contribuyó enormemente a la revolución de cine independiente de los años 1990. El crítico de cine Roger Ebert consideró a Soderbergh "el chico póster de la generación Sundance."[5]
Trabajo de 1993 a 1998 Sex, Lies, and Videotape fue seguida por una serie de películas de bajo perfil que tuvieron poco éxito en la taquilla: Kafka, una película biográfica que mezcla hechos reales y la ficción de Kafka (principalmente El castillo y El proceso), escrita por Lem Dobbs y protagonizada por Jeremy Irons como Franz Kafka; King of the Hill, un drama de la era de la Gran Depresión aclamado críticamente; Underneath, un remake de la película de 1949 de Robert Siodmak, Criss Cross; y Schizopolis, una comedia que él protagonizó, escribió, compuso, rodó y dirigió. Su fracaso comercial terminó en 1998 con Out of Sight, una adaptación de una novela de Elmore Leonard, guionizada por Scott Frank y protagonizada por George Clooney y Jennifer López.[6] El filme fue elogiado por la crítica, aunque solo tuvo un éxito moderado en la taquilla. Sirvió para reafirmar el potencial de Soderbergh, además de iniciar una asociación lucrativa artística entre Clooney y Soderbergh.
Más éxito: 1999 y 2000 Soderbergh continuó el éxito de Out of Sight haciendo otra comedia de crimen, The Limey, de un guion original de Lem Dobbs y protagonizada por actores veteranos como Terence Stamp y Peter Fonda. El filme fue bien recibido, pero no tanto como Erin Brockovich (2000), escrita por Susannah Grant y protagonizada por Julia Roberts en el papel de una madre soltera enfrentándose a la industria en un litigio. Por este papel Julia Roberts ganó el Óscar a la mejor actriz en 2000. Más tarde, ese mismo año, Soderbergh lanzó su proyecto más ambicioso hasta la fecha, Traffic (con un metraje de 147 minutos, el film tenía 135 diálogos hechos en 8 ciudades diferentes), un drama social escrito por Stephen Gaghan. Traffic se convirtió en su más aclamada película desde Sex, Lies, and Videotape y le valió el Óscar al mejor director en 2000. También estuvo nominado ese mismo año por Erin Brockovich. Es el único director que ha sido nominado en el mismo año por Mejor Director por dos películas diferentes en los Premios Óscar, los Globos de Oro y los premios del Directors Guild of America. Fue la primera vez que esto ocurrió en los Óscar en 60 años.
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Steven Soderbergh
Trabajo de 2000 a 2007 Ocean’s Eleven, con un elenco de estrellas y una estética llamativa, es la película de mayor recaudación para Soderbergh hasta la fecha, habiendo ganado más de $183 millones.[7] El protagonista de la película, George Clooney, también apareció en la película de 2002 Solaris, siendo ésta la tercera vez que Clooney y Soderbergh trabajaban juntos en una película. En el mismo año, Soderbergh hizo Full Frontal, que fue filmada en su mayoría en video digital en un estilo improvisado que eliminaba la barrera entre las actuaciones de Brad Pitt, George Clooney, Matt Damon, Andy García, Julia Roberts y Soderbergh los actores cuando están como personajes y en diciembre de 2001 cuando están interpretando a versiones ficticias de ellos mismos. El título es una referencia a cuando un actor o actriz aparece totalmente desnudo en la pantalla ("full frontal nudity") Siguiendo el mismo estilo de Full Frontal, el siguiente proyecto de Soderbergh fue K Street (2003), una serie de televisión de 10 capítulos sobre políticos que co-produjo junto a Clooney. La serie fue notable por ser parcialmente improvisada, así como por ser producida en los cinco días antes de la transmisión de cada episodio para aprovechar los eventos recientes en la narrativa ficticia. Políticos verdaderos aparecieron tanto en cameos así como versiones ficticias de sí mismos, al igual que los protagonistas, James Carville y su esposa Mary Matalin. El programa causó controversia en las elecciones primarias demócratas de 2004 cuando Carville le dio al candidato Howard Dean una frase durante una filmación que Dean luego usó en un debate. Ocean's Twelve, la secuela de Ocean’s Eleven, fue su siguiente película, estrenada en 2004. El buen alemán, un drama romántico protagonizado por Cate Blanchett y George Clooney, fue lanzado a finales de 2006. Ocean's Thirteen, la sexta colaboración de Clooney y Soderbergh, fue lanzada en junio de 2007.
Trabajos recientes En 2006, Soderbergh sorprendió con Bubble, un filme con un presupuesto de $1,6 millones protagonizado por un reparto de actores no profesionales. Apareció en cines selectos y en HDNet al mismo tiempo y cuatro días después fue lanzado en DVD. Los jefes de la industria observaron con atención como esto sucedía, debido a las implicaciones que su inusual programa de estreno podría tener con películas futuras.[8][9] Los propietarios de los cines, quienes recientemente han sufrido descensos en el número de espectadores, no reciben bien a las llamadas películas “day-and-date”.[10] El presidente y gerente de la National Association of Theatre Owners, John Fithian, dijo indirectamente que el modelo de estreno del film era “la mayor amenaza para la viabilidad de la industria del cine de hoy en día.”[11] La respuesta de Soderbergh a esas críticas fue: “No creo que esto vaya a destruir la experiencia de ir al cine más que la opción de pedir la comida para llevar haya destruido el negocio de los restaurantes”. Sin embargo, la película tuvo poco éxito tanto en taquilla como en el mercado del video casero.[12] A pesar de esto, Soderbergh tiene contrato para realizar cinco películas más con el mismo tipo de estreno (day-and-date). En 2007, Soderbergh y Tony Gilroy contribuyeron en un comentario para el reestreno del DVD de El tercer hombre por Criterion Collection. En 2008 dirigió dos películas acerca de Ernesto "Che" Guevara: Che: El Argentino y Che: Guerrilla, ambas protagonizadas por Benicio del Toro.
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Steven Soderbergh En 2008, Soderbergh filmó The Girlfriend Experience en Nueva York. El filme fue protagonizado por la actriz pornográfica Sasha Grey.[13] El 18 de septiembre de 2009, estrenó The Informant!, una película basada en la historia Mark Whitacre (interpretado por Matt Damon), un ejecutivo que trabajó con el FBI para revelar un caso de manipulación de precios. En 2009, el cineast dirigió una obra títulada Tot-Mom, basado en la historia real de Caylee Anthony para la Sydney Theatre Company (Compañía Teatral de Sídney). Los ensayos iniciaron en noviembre de ese año y la producción fue estrenada al mes siguiente. En el otoño de 2010, filmó el thriller Contagio, escrito por Scott Z. Burns. Con un reparto que incluía a Matt Damon, Kate Winslet, Gwyneth Paltrow, Laurence Fishburne, Marion Cotillard y Jude Law, el filme narra una pandemia ficticia y los esfuerzos de un grupo de científicos para descubrir la causa y encontrar una cura. Fue lanzada el 9 de septiembre de 2011. Entres septiembre y octubre de 2011, Soderbergh filmó Magic Mike, la cual fue protagonizada por Channing Tatum y la cual narra las experiencias del actor cuando trabajo en un club nudista masculino cuando era joven. Tatum interpretó a Magic Mike, un bailarín experimentado, quien sirve como mentor al personaje de Alex Pettyfer, el cual esta basado en Tatum. El filme fue lanzado en el verano de 2012.
Estilo de dirección y colaboraciones con actores “Siempre me he llevado bien con ellos”, dice Soderbergh sobre los actores, "Siempre intento estar seguro de que estén bien, y cuando están en el plató los dejó a solas. No me meto en su camino."[14] Su estilo de dirigir no intrusivo ha hecho que grandes estrellas de cine hayan interpretados varias de sus películas. Julia Roberts tuvo papeles secundarios en Ocean’s Eleven, Ocean’s Twelve y Full Frontal y además ganó un Óscar a la mejor actriz por su papel protagonista en Erin Brokovich. Benicio del Toro, quién también ganó un Óscar al mejor actor de reparto por su trabajo en Traffic, protagonizará Guerrilla. Otros actores habituales en la filmografía de Soderbergh son Luis Guzmán (Out of Sight, The Limey y Traffic) y Don Cheadle (Out of Sight, Traffic, Ocean’s Eleven, Ocean’s Twelve y Ocean’s Thirteen). Sin embargo, el actor que ha protagonizado no menos de 6 de las películas de Soderbergh es George Clooney, con quién es co-propietario de la compañía de producción Section Eight Productions. La compañía produjo los éxitos Far from Heaven, Insomnia y Syriana, así como las películas dirigidas por Clooney Confessions of a Dangerous Mind y Buenas noches, y buena suerte. Otros actores que estuvieron bajo su dirección fueron Brad Pitt, Matt Damon, Catherine Zeta-Jones, Andy García y Al Pacino. Soderbergh a menudo actúa como su propio director de fotografía bajo el pseudónimo de Peter Andrews y ocasionalmente como su propio editor bajo el alias de Mary Ann Bernard. Mientras rodaba Traffic, Soderbergh quería ser acreditado como "Editor de fotografía y Director". Sin embargo, el Gremio de Escritores de América no permitiría otro crédito adelante del de escritor. Como Soderbergh no quería que su nombre fuera usado más de una vez, adoptó el pseudónimo Peter Andrews, el primer y segundo nombre de su padre.
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Steven Soderbergh
Filmografía Director • • • • • • • • • • • • • •
Magic Mike (2012) Haywire (2012) Contagio (2011) And Everything is Going Fine (2010) The Informant! (2009) The Girlfriend Experience (2009) Che (2008) Life Interrupted (2007) Ocean's Thirteen (2007) El buen alemán (2006) Building No.7 (2006) Bubble (2005) Ocean's Twelve (2004) Eros (2004, segmento Equilibrium)
• • • • • • • • • • • • •
Solaris (2002) Full Frontal (2002) Ocean's Eleven (2001) Traffic (2000) Erin Brockovich (2000) The Limey (1999) Out of Sight (1998) Schizopolis (1996, también actor y compositor) Gray's Anatomy (1996) Underneath (1995) King of the Hill (1993) Kafka (1991) Sex, Lies, and Videotape (1989, también editor de sonido)
Guionista • • • • • • •
Eros (2004, segmento Equilibrium) Solaris (2002) Nightwatch (1997) Schizopolis (1996) Underneath (1995) King of the Hill (1993) Sex, Lies, and Videotape (1989)
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Steven Soderbergh
Director de fotografía • • • • • • • • • • • • •
The Informant! (2009) The Girlfriend Experience (2009) Che (2008) Ocean's Thirteen (2007) El buen alemán (2006) Bubble (2005) Eros (2004, segmento Equilibrium) Ocean's Twelve (2004) Solaris (2002) Full Frontal (2002) Ocean's Eleven (2001) Traffic (2000) Schizopolis (1996)
Editor • The Girlfriend Experience (2009) • • • • • • •
El buen alemán (2006) Bubble (2005) Eros (2004, segmento Equilibrium) Solaris (2002) King of the Hill (1993) Kafka (1991) Sex, Lies, and Videotape (1989)
Productor • • • • • • • • • • • • • • • •
Solitary Man (2009) Wind Chill (2007) Michael Clayton (2007) Una mirada a la oscuridad (2006) The jacket (2005) Buenas noches, y buena suerte (2005) Syriana (2005) Criminal (2004) Keane (2004) Naqoyqatsi (2002) Welcome to Collinwood (2002) Confessions of a Dangerous Mind (2002) Far from Heaven (2002) Pleasantville (1998) The Daytrippers (1996) Suture (1994)
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Steven Soderbergh
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Premios Premios Óscar: Año
Categoría
Película
Resultado
1989 Mejor guion original Sex, Lies, and Videotape Candidato 2000 Mejor director
Traffic
Ganador
2000 Mejor director
Erin Brockovich
Candidato
Premios Globo de Oro: Año
Categoría
1989 Mejor guion
Película
Resultado
Sex, Lies, and Videotape Candidato
2001 Mejor director Erin Brockovich
Candidato
2001 Mejor director Traffic
Candidato
Premios BAFTA: Año
Categoría
Película
Resultado
1990 Mejor guion original Sex, Lies, and Videotape Candidato 2000 Mejor director
Erin Brockovich
Candidato
2000 Mejor director
Traffic
Candidato
Referencias [1] « Steven Soderbergh en Hollywood.com (http:/ / www. hollywood. com/ celebrity/ Steven_Soderbergh/ 194792)» (en inglés). Consultado el 20-12-2007. [2] « Biografía de Steven Soderbergh en IMDb (http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0001752/ bio)» (en inglés). Consultado el 19-12-2007. [3] « Biografía de Steven Soderbergh en Yahoo! Movies (http:/ / movies. yahoo. com/ movie/ contributor/ 1800019577/ bio)» (en inglés). Consultado el 19-12-2007. [4] « Biografía de Steven Soderbergh en allmovie (http:/ / wm06. allmovie. com/ cg/ avg. dll?p=avg& sql=2:112040~T1)» (en inglés). Consultado el 19-12-2007. [5] {{cita publicación|nombre=Roger|apellido=Ebert|título=Bubble|fecha=27-01-2006|url=http:/ / rogerebert. suntimes. com/ apps/ pbcs. dll/ article?AID=/ 20060126/ REVIEWS/ 60117006/ 1023|publicación=[[Chicago Sun-Times|fechaacceso= 10-02-2008|idioma=inglés}} [6] « Out of Sight en allmovie (http:/ / www. allmovie. com/ cg/ avg. dll?p=avg& sql=1:162749)» (en inglés). Consultado el 11-02-2008. [7] « Resultados de Steven Soderbergh en Box Office Mojo (http:/ / www. boxofficemojo. com/ people/ chart/ ?id=stevensoderbergh. htm)» (en inglés). Consultado el 11-02-2008. [8] Will Soderbergh's 'Bubble' Burst on Hollywood? (http:/ / www. npr. org/ dmg/ dmg. php?prgCode=FA& showDate=24-Jan-2006& segNum=2& mediaPref=WM& getUnderwriting=1). Consultado el 19-12-2007. [9] Anne Thompson (17-03-2006). « Distributors hold firm against day-and-date (http:/ / www. hollywoodreporter. com/ thr/ columns/ risky_business_display. jsp?vnu_content_id=1002198452)» (en inglés). The Hollywood Reporter. [10] Anne Thompson (13-03-2006). « Challenges Seen for Film Biz After 2005 Slide (http:/ / www. backstage. com/ bso/ news_reviews/ film/ article_display. jsp?vnu_content_id=1002197235)» (en inglés). [11] Gary Gentile (18-01-2006). « 'Bubble' hits theaters, TV, DVD on same day (http:/ / www. usatoday. com/ tech/ news/ 2006-01-18-bubble-theater-threat_x. htm)» (en inglés). USA Today. [12] Rob Thomas (17-03-2006). « Independents' day smaller markets to get films on TV at the same time they hit the theaters (http:/ / www. madison. com/ tct/ archives/ index. php?archAction=arch_read& a_file=/ tct/ 2006/ 03/ 17/ 0603170328. php)» (en inglés). The Capital Times. [13] Sullivan, David (14-10-2008). « Sasha Grey Stars in Steven Soderbergh Feature (http:/ / business. avn. com/ articles/ 32834. html)» (en inglés). AVN. Consultado el 13-7-2009. [14] Ellen A. Kim (03-12-2000). « "Traffic": Steven Soderbergh Interview (http:/ / www. hollywood. com/ feature/ id/ 471293)» (en inglés). Hollywood.com.
Steven Soderbergh
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Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Steven Soderbergh. Commons • Ficha de Steven Soderbergh en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0001752) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0001752) en Internet Movie Database. • Entrevista con The Believer (http://www.believermag.com/issues/200608/?read=interview_soderbergh) (en inglés) • Entrevista con Wired (http://www.wired.com/wired/archive/13.12/soderbergh.html) (en inglés) • Entrevista con Guardian (http://www.guardian.co.uk/weekend/story/0,3605,899386,00.html) (en inglés) • Entrevista con Film Comment (http://www.findarticles.com/p/articles/mi_m1069/is_1_37/ai_69752516) (en inglés) • Sitio web de fanáticos de Steven Soderbergh (http://www.stevensoderbergh.net) (en inglés)
Steven Spielberg Steven Spielberg
Steven Spielberg en julio de 2011 Nombre real
Steven Allan Spielberg
Nacimiento
Cincinnati, Estados Unidos 18 de diciembre de 1946 (65 años)
Nacionalidad
Estadounidense Familia
Cónyuge
Amy Irving (1985-1989) Kate Capshaw (Desde 1991)
Hijo/s
Max (n. 1985) Theo (n. 1988) Sasha (n. 1990) Sawyer (n. 1992) Mikaela (n. 1996) Destry (n. 1996) David (2000) Jessica Capshaw (hijastra) Premios
Steven Spielberg
135 Premios Óscar
Mejor película 1993 Schindler's List Mejor director 1993 Schindler's List 1998 Saving Private Ryan Premio en memoria de Irving Thalberg 1987 Premio a la Trayectoria Profesional
Globos de Oro
Mejor película - Drama 1983 E.T. El Extraterrestre 1994 Schindler's List 1999 Saving Private Ryan Mejor director 1993 Schindler's List 1999 Saving Private Ryan Mejor película animada 2012 Las Aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio Premio Cecil B. DeMille 2009 Premio a la Trayectoria Profesional
Premios BAFTA Mejor película 1993 Schindler's List Mejor director 1993 Schindler's List BAFTA Academy Fellowship Award (1986) Premios Emmy
Mejor miniserie 2002 Band of Brothers 2003 Taken
Premios César
César Honorífico 1995 Premio a la Trayectoria Profesional Ficha
[1]
en IMDb
Steven Allan Spielberg (Cincinnati, 18 de diciembre de 1946) es un director, guionista y productor de cine estadounidense. Es uno de los directores más reconocidos y populares de la industria cinematográfica mundial.[2] Ha sido nominado seis veces a los Premios Óscar en la categoría de mejor director, obteniendo el premio en dos ocasiones, con La lista de Schindler (1993) y Saving Private Ryan (1998) y tres de sus películas (Jaws de 1975, E.T.: the Extra-Terrestrial de 1982 y Jurassic Park de 1993) lograron récord de taquillas, convirtiéndose en las películas de mayor recaudación en su momento. Ha sido también condecorado con la Orden del Imperio Británico y la National Humanities Medal. Gran aficionado al cómic, posee una gran colección, que incluye el número 1 de la revista Mad.[3] En el mundo del espectáculo, se le conoce como "El Rey Midas de Hollywood". Según la revista Forbes la fortuna de Spielberg supera los 3 mil millones de dólares norteamericanos.[4]Vanity Fair publicó la lista de los Top 40 celebridades de Hollywood con más ingresos a lo largo de 2010. Spielberg fue clasificado nº 3 en la lista, ganó un estimado $80 millones.[5]
Steven Spielberg
Biografía Primeros años Spielberg nació en Cincinnati, Ohio, en una familia judía. Su madre, Leah Adler era una pianista y restauradora y el padre Arnold Spielberg un ingeniero eléctrico que participó en el desarrollo de las computadoras.[6] Pasó su infancia en Haddon Heights, Nueva Jersey y Scottsdale, Arizona. Durante su adolescencia, Spielberg se hizo aficionado a realizar películas de 8mm con sus amigos, el primer corto lo rodó en el restaurante Pinnacle Peak Patio en Scottsdale, en la película se incluía la escenificación de los restos de un accidente de tren preparado con su maqueta Lionel, LLC. En 1958, se convirtió en Boy Scout y para obtener la insignia del mérito, realizó un corto de 8mm, de nueve minutos de duración, denominado The Final Duel (El duelo final).[7] Spielberg recordaba años más tarde en una entrevista el hecho: "Pedí al jefe de exploradores si podía contar una historia con la cámara de cine de mi padre. Dijo que sí, y yo tenía la idea de realizar un western. Lo hice y obtuve mi insignia de mérito. Así fue como empezó todo."[8] A los 13 años, Spielberg ganó un premio por una película de guerra de 40 minutos llamada Escape to Nowhere (Escape a ninguna parte), que se basaba en una batalla en el este de África. En 1964, a los 16 años, Spielberg escribió y dirigió su primera película independiente, una aventura de ciencia ficción de 130 minutos llamada Firelight (que más tarde inspiraría a Close Encounters of the Third Kind). La película, que contó con un presupuesto de 500 dólares, se proyectó en el cine local y generó una ganancia de un dólar.[9] También hizo varias películas de la Segunda Guerra Mundial inspiradas en historias de guerra contadas por su padre. Después del divorcio de sus padres, se trasladó con su padre a Saratoga, California, mientras que sus tres hermanas y su madre permanecieron en Arizona. Asistió a la Escuela Secundaria Arcadia en Phoenix, Arizona durante tres años y se graduó en la Saratoga High School en Saratoga, California en 1965. Fue durante este tiempo cuando Spielberg alcanzó el rango de Eagle Scout. Spielberg asistió a la sinagoga cuando era un niño en Haddon Heights, Nueva Jersey y también a la escuela hebrea desde 1953 hasta 1957, en las clases impartidas por el Rabino Albert L. Lewis.[10] Siendo niño, a Spielberg le fue difícil aceptar la religión de su familia. "No es algo que me gusta admitir," dijo en una ocasión, "pero cuando yo tenía 7 u 8 años, Dios me perdone, me daba vergüenza contar que eramos judíos ortodoxos. Yo estaba avergonzado por las prácticas judías de mis padres. Nunca estuve realmente avergonzado de ser judío, pero me sentía incómodo a veces. Mi abuelo siempre llevaba un largo abrigo negro, sombrero negro y larga barba blanca. Me daba vergüenza invitar a mis amigos a casa, porque él podía estar en una esquina orando y yo no sabía cómo explicarle esto a mis amigos".[11] Spielberg también ha contado que sufrió actos racistas antisemitas durante sus primeros años: "En la escuela secundaria, me golpearon y me dejaron la nariz ensangrentada, fue horrible..."[12] Después de mudarse a California, presentó una solicitud para asistir a la escuela de cine University of Southern California Escuela de Teatro, Cine y Televisión en tres ocasiones, pero no tuvo éxito. Posteriormente fue estudiante de la California State University, Long Beach, convirtiéndose en miembro de la fraternidad Theta Chi. Posteriormente, en 1994, cuando Spielberg ya era famoso, la USC le otorgó el doctorado Honoris Causa y en 1996 se convirtió en miembro del consejo de la Universidad.[13][14] Su verdadera carrera comenzó cuando ingresó en Universal Studios como pasante no remunerado, empleado siete días a la semana como colaborador del departamento de edición. Hizo su primer cortometraje para su presentación en salas, con la película Amblin'(1968), de 26 minutos de duración, cuyo título Spielberg más tarde utilizó para dar nombre a su productora, Amblin Entertainment.
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Steven Spielberg
La llegada del éxito Tras ser contratado por la división televisiva de la productora Universal, (que según la leyenda, ocurrió tras ser sorprendido una noche mientras rondaba por los decorados de los estudios[15]), empezó a dirigir episodios de series como Marcus Welby, M.D. (1969-1976) y Columbo (1971-2003), pero el inesperado éxito de la versión para el cine de su telefilme Duel (El diablo sobre ruedas, 1972) le abrió las puertas de la gran pantalla. Eso lo llevó a estrenar en 1974 su primer largometraje para la pantalla grande, The Sugarland Express (Loca evasión). Si bien no fue dado a conocer en mayor grado internacional hasta la posterior exitosa carrera del director, la película tuvo su éxito de crítica (tiene un 92% en Rotten Tomatoes) y de taquilla. La Universal depositó en él la confianza suficiente como para rodar Jaws (Tiburón, 1975), película de gran presupuesto y rodaje extremadamente accidentado que se convirtió en uno de los títulos más taquilleros de la historia e instauró el modelo moderno de superproducción, con elevados costes de márketing y efectos especiales. Más tarde, en 1977, George Lucas contribuyó a consolidar las bases del nuevo "cine comercial" con su famosa space opera Star Wars (La guerra de las galaxias). Desde entonces, Spielberg y Lucas mantienen una gran amistad. Spielberg rechazó dirigir Jaws 2, King Kong y Superman, para desarrollar aquella historia que había escrito en su adolescencia, y que tantas vueltas había dado en su mente esos años. Así, en 1977 estrenó Close Encounters of the Third Kind, que fue un gran éxito y lo consolidó como el nuevo «rey Midas» del cine de Hollywood.[16] Más adelante llegaría la poco conocida 1941 (1979), un intento de incursionar en la comedia que fue un fracaso. Según palabras de Lucas, "el problema no estuvo en la dirección, que fue excelente, sino en la historia".[17] Como amantes de las viejas películas de aventura de los años '20 y '30 de Hollywood, Lucas le propuso a Spielberg escribir una historia con un aventurero arqueólogo como protagonista. El director aceptó el reto, y entre todos los actores eligió a Harrison Ford, quien le había encantado en su rol de Han Solo en The Empire Strikes Back. Por esa misma razón Lucas se negó, en un principio, pero finalmente el actor consiguió el papel, que lo impulsó hasta la cúspide de su carrera al interpretar al Dr. Indiana Jones. Raiders of the Lost Ark (1981) estuvo cargada de problemas, pero se convirtió en uno de los mayores éxitos de la década, revitalizando el olvidado género de aventuras. Mientras rodaba esa película, Spielberg decidió retomar el tema que más le fascinaba, el espacio y sus habitantes. Y es por eso que tras terminar con la aventura del Dr. Jones, se abocó inmediatamente a su, para muchos, obra maestra. En 1982, E.T. the Extra-Terrestrial se convirtió en la película más taquillera de todos los tiempos, superando a Star Wars (1977), y cuyo reinado mantuvo hasta que en 1997 la desplazó Titanic. Mostrando a uno de los extraterrestres más querido por el público de todo el mundo, Spielberg se alzó definitivamente como uno de los más grandes cineastas de su época, e incluso de la historia del cine.[18] El director de Gandhi (1982), Richard Attenborough, declaró: «Yo estaba seguro de que no únicamente E.T. podría ganar, sino de que ganaría. Fue inventiva, poderosa, y maravillosa. Yo hago películas más mundanas».[19] Tras esta película llegaría la secuela de Indiana Jones, Indiana Jones and the Temple of Doom (1984), que sería un poco más agridulce que la primera parte. A partir de ese momento alternó su faceta de productor con la de director, con mayor éxito en la primera (Gremlins de 1984 y Back to the Future de 1985) que en la segunda. Si bien sus siguientes películas no fueron fracasos, The Color Purple (1985), Empire of the Sun (1987) y Always (1989) se alejaron bastante de lo que fueron sus proyectos anteriores.
Camino a los Oscar Tras tres películas que dejaron mucho que desear para la crítica y la taquilla (aunque no fueron consideradas "malas"), Spielberg volvería para fin de año con la tercera parte del aventurero que hizo famoso a Harrison Ford. Indiana Jones and the Last Crusade (1989) fue un éxito, con la incorporación de Sean Connery como el padre de Indiana Jones. Para los fanáticos de la saga (y obviando la cuarta parte), esta es considerada como la más normal, sin el empuje que tuvieron las dos anteriores.[20]
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Steven Spielberg En 1991, decidió abordar un tema de su infancia. Es reconocido su fanatismo por los clásicos de Disney que vio en su niñez, pero preferentemente por la historia de Peter Pan.[21] Y aunque su versión de la historia original que quería filmar con actores de carne y hueso no pudo hacerse (pero se puede encontrar un guiño a la historia en E.T., cuando Mary le lee el cuento a Gertie, y E.T. las observa), si consiguió estrenar su propia versión, que sería una continuación a la historia conocida por todos. Michael Jackson iba a ser Peter Pan, originalmente, pero por diversos inconvenientes el papel recayó en el comediante Robin Williams. Hook fue un éxito, aunque no gozó de la popularidad que tuvieron otras películas del director. Para 1993, Spielberg seguiría con su tendencia a estrenar, algunos años, dos películas al mismo tiempo (tendencia que inició en 1989 y repetiría en 1997, 2002, 2005 y 2011). La primera de ellas fue la exitosa Jurassic Park, que revolucionó los efectos especiales en los años '90 (como algunas otras contemporáneas). Una maestría de la narrativa visual, la película le devolvió la fama y la popularidad a esas olvidadas criaturas de miles de años: los dinosaurios. Pero en su filmografía, esta película sería opacada por Schindler's List (también de 1993), por la que recibiría el tan postergado reconocimiento por parte de la Academia y de los Premios Óscar. Gracias a este film fue reconocido como Mejor Director y ganó Mejor Película (habiendo sido nominado 3 veces anteriormente al primer premio). Otro doblete de películas llegaría en 1997, con Amistad y The Lost World: Jurassic Park, secuela de la entrega de 1993, y que sería la última de la franquicia con Spielberg como director (aunque no dejó sus funciones de productor). Al año siguiente eligió regresar a las historias de la Segunda Guerra Mundial (tema recurrente como director y productor, tanto en películas como series y videojuegos), estrenando Saving Private Ryan (1998), que le valió su segundo Oscar.
Spielberg en el siglo XXI A.I. Artificial Intelligence (2001) fue otra de sus películas cuestionadas por los tres grandes entes del cine: la taquilla, la crítica y la audiencia, danzando en una cuerda floja entre obra maestra y una historia aburrida de ciencia ficción. Sin embargo, el director salió impune al estrenar al año siguiente Catch Me If You Can (2002), con Leonardo DiCaprio y Tom Hanks. En ese mismo año también estrenó Minority Report, que fue duramente criticada. Para el año 2004, Spielberg volvió a entregarle el protagónico a Tom Hanks, esta vez en la aclamada The Terminal, una película con tintes de humor, momentos de drama y, a su vez, también romántica. El director tuvo la oportunidad de demostrar que podía ser exitoso aún fuera de sus marcos habituales (ciencia ficción, aventura o películas bélicas). Llegando con otro año de dos películas, Spielberg fue vapuleado por la crítica, por un lado, y por los fans, por otro. Primero con Munich (2005), que retrató el atentado terrorista libanés en Munich en los Juegos Olímpicos de 1972. Como ya se dijo, él es judío, pero aún directamente implicado en uno de los dos bandos beligerantes estuvo muy cerca de una visión salomónica. La película no gustó a ninguna de las dos partes, los judíos le pusieron en su lista negra; y a los propalestinos esa equidad es precisamente lo que les molestó. Para ellos hay un opresor y un oprimido, y por tanto no es justo tratar al invasor y al invadido por igual. Spielberg se defendió de esas críticas diciendo: "Si fuera necesario, estaría dispuesto a morir, tanto por Estados Unidos como por Israel".[22] A su vez, ese mismo año, estrenó War of the Worlds (2005), que para muchos fue una increíble película que retrata la versión de Orson Welles, pero fue para los defensores de éste último y los fanáticos de la versión original, que la de Spielberg no se encontró a la misma altura. Lucas convenció a Spielberg de volver con la retrasada cuarta entrega de Indiana Jones. Bastante cuestionada antes de su estreno, Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (2008), no recibió tan malas críticas. Roger Ebert calificó a la película con 3.5 estrellas de un total de 4, argumentando "Puedo decir que si te gustaron las otras películas de Indiana Jones, seguramente ésta te gustará también. Si no te gustaron, entonces no nos estamos entendiendo."[23] James Berardinelli, proporcionó a la película 2 estrellas de 4, mencionando "la maldición más prudente ha dejado a los aficionados con sus memorias únicamente".[24] En el año 2011 estrenó dos películas, primero con The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn celebrada por su gran animación por captura de movimiento (o "captura de actuación"), pero ignorada en gran medida en la
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Steven Spielberg ceremonia de los Oscar (solo consiguió una nominación a Mejor Banda Sonora), pero ganando el Globo de Oro a la Mejor Película Animada. Spielberg ha sido un ávido seguidor de Las aventuras de Tintín, que descubrió en 1981 cuando un artículo comparó Raiders of the Lost Ark con Tintín. Su secretario le compró las ediciones en francés de cada libro. La barrera lingüística no impidió que Spielberg lo entendiera y de inmediato se enamoró de su arte. Mientras tanto, el creador del cómic, Hergé, que odiaba a las anteriores versiones cinematográficas de acción en vivo y los dibujos animados, se convirtió en un fan de Spielberg. Michael Farr, autor de Tintín: Complet Companion, recordó que Hergé "pensaba que Spielberg era la única persona que podría hacer justicia a Tintín". Spielberg y su socia productora Kathleen Kennedy de Amblin Entertainment tenían previsto reunirse con Hergé en 1983, pero el autor murió esa semana, decidiendo su viuda darles los derechos. Pero no fue hasta su encuentro con Peter Jackson que por fin el proyecto comenzó a prepararse. Jackson, quien había estado durante mucho tiempo fascinado con el cine en 3-D, quedó impresionado por los avances recientes en el formato. Spielberg y Jackson se pusieron de acuerdo en que una adaptación de acción en vivo no haría justicia a los libros de historietas y que la animación sería la mejor manera de representar el mundo de Tintín. También en 2011, Spielberg volvió a llevar a la pantalla otra película bélica, pero diferente de las que hizo anteriormente. Esta vez la situó en la Primera Guerra Mundial, y decidió utilizar ese hecho histórico como fondo para una historia emotiva y también romántica, con ese tinte esperanzador que tuvo Schindler's List. La película en cuestión, War Horse si llegó a los Premios Óscar, pero no consiguió ninguno. En estos momentos, Spielberg se encuentra en la post-producción de Lincoln, la película sobre el prócer norteamericano que llegaría a los cines en 2012. También se embarcó en la pre-producción de Robopocalypse, que se estrenaría recién en 2013.
Producciones Spielberg ha producido Poltergeist (película), Transformers, Transformers: Revenge of the Fallen, Los Picapiedra, Casper, Men in Black, Impacto profundo, Jurassic Park, Regreso al futuro y La Máscara del Zorro entre otras. También durante la década de los noventa produjo dibujos animados como Las aventuras de los Tiny Toons, Fenomenoide, Pinky y Cerebro y Animaniacs (la caricatura más vista en Norteamérica en los noventa). Además de fundar su propia productora (Amblin Entertainment), Spielberg fundó DreamWorks SKG con Jeffrey Katzenberg y David Geffen en 1994. Este estudio es responsable de películas como American Steven Spielberg y Carrie Fisher en 1978. Beauty, Gladiator, Náufrago, Memorias de una Geisha y las de animación por ordenador Shrek, Kung Fu Panda, Madagascar, entre otras. Spielberg no es solamente reconocido por su trabajo como director, sino también por sus acciones de caridad para organizaciones de la Segunda Guerra Mundial y la Righteous Persons Foundation (la cual concede dinero a varios proyectos judíos, especialmente organizaciones en memoria del Holocausto). También forma parte de la Junta de Consejeros de la Escuela de Cine-Televisión de la California State University. Steven Spielberg también creo la saga de videojuegos Medal of Honor originalmente para PC, PlayStation y PS2.
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Steven Spielberg Steven Spielberg está casado con la actriz Kate Capshaw, a quien conoció durante las audiciones para la película Indiana Jones and the Temple of Doom
Poltergeist Spielberg tenía dos proyectos en mente: E. T., el extraterrestre (1982) y Poltergeist. Como no podía dirigir las dos películas a la vez, ya que la normativa del Director´s Guild of America prohíbe que se dirijan dos films al mismo tiempo, se decantó por la primera, dejando la segunda en manos de Tobe Hooper, responsable de La matanza de Texas (The Texas Chainsaw Massacre, 1974) pese a que el guion de ésta lo había escrito Spielberg, junto con Michael Grais y Mark Victor, a partir de un argumento propio, todo ello basado en sus temores infantiles. Aunque Spielberg siempre lo ha negado categóricamente, fue él quien se encargó de rodar la película entera, pese a que su intención previa fuese la de dejársela a su colega. A Spielberg no le gustaba cómo rodaba Hopper algunas escenas y entonces comenzó aconsejándole como dirigir. Después cada uno puede creer lo que quiera. Todos los que estuvieron presentes durante el rodaje coinciden en señalar que Hopper siempre estaba en la filmación, pero que Spielberg era como su sombra; algunos, como el actor principal Craig T. Nelson, dicen que Hopper dirigió todas las escenas y otros, como Jerry Goldsmith, autor de la banda sonora, dicen que Spielberg pasaba olímpicamente de su colega. "A mí me gustaría creer que la dirigió Hopper, que me cae mejor que Spielberg, pero en el fondo soy de la otra opinión, como casi todo el resto de los mortales".[25]
Transformers Spielberg, como otros productores, tenían la misma idea de llevar a los Transformers al cine, como el antiguo ejecutivo de estudio Lorenzo di Bonaventura, así como el jefe de operaciones de Hasbro, Brian Goldner, entre otros. Cuando todo estuvo dicho y hecho, la fuerza creativa detrás de la cinta conformó una especie de equipo de ensueño de la producción hollywoodense. Para cumplir con esa meta y al mismo tiempo dejar satisfechos a los aficionados de estos robots, Spielberg y su equipo decidieron buscar un director con la suficiente habilidad y experiencia para asumir el desafío de combinar una historia fantástica, efectos especiales y mucha acción. [26] “Pensé en Michael Bay porque lo considero perfecto para Transformers. Tiene el toque necesario y una visión muy clara de cómo podría ser esta película”, dice Spielberg. “Así que le dimos toda la libertad para infundir vida a los humanos, a los Autobots y a los Decepticons, aunque les tengo que decir algo: en un principio, rechazó el proyecto, pero cuando se enteró de cuan interesado estaba yo en esto, fue cuando accedió”, explica Spielberg. "He sido uno de los mayores admiradores de los `Transformers' desde su creación, creo que soy el fan número uno" dijo el productor ejecutivo. "No hablo de comprar los juguetes para mis hijos; hablo de leer las revistas de tiras cómicas y comprar los juguetes para mí, dice Spielberg. La trama de la cinta está centrada en el ascenso de los malvados Decepticons, que están a punto de obtener el poder máximo, pero cuyo último eslabón cae en manos de un humano, el joven Sam Witwicky (Shia LaBeouf), el cual adquiere un automóvil que resulta ser más que eso.[27]
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Colaboraciones Spielberg tiene una inclinación conocida por trabajar con actores y miembros de la producción de sus películas anteriores. Por ejemplo, él contó con el actor Richard Dreyfuss en varias películas: Jaws, Close Encounters of the Third Kind, y Always. Spielberg también ha colaborado con Harrison Ford anteriormente como director del colegio de E. T., el extraterrestre (aunque la escena fue cortada en Steven Spielberg con Ronald Reagan y Nancy Reagan última instancia). Aunque Spielberg lo dirigió una sola vez (Raiders of the Lost Ark). El actor de voz Frank Welker ha prestado su voz en varias producciones de Spielberg, Gremlins de su secuela gremlins 2: The New Batch, así como del Valle encantado (y prestando su voz a sus secuelas que Spielberg no ha participado), ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, y programas de televisión tales como Tiny Toons, Animaniacs, SeaQuest DSV. Recientemente trabajó con Tom Hanks en varias ocasiones como Saving Private Ryan, Atrápame si puedes, y La Terminal. Spielberg también ha colaborado con Tom Cruise en Minority Report y la Guerra de los Mundos. Spielberg ha lanzado al éxito a Shia LaBeouf en cuatro películas: Transformers, Eagle Eye, Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal, Transformers: la venganza de los caídos. y Transformers: Dark of the Moon. Spielberg prefiere trabajar con miembros de la producción con el que ha desarrollado una relación de trabajo. Un ejemplo de ello es su relación de producción con Kathleen Kennedy, quien se ha desempeñado como productora en todas sus películas importantes desde E. T., el extraterrestre. Otras relaciones de trabajo incluyen a Allen Daviau, un amigo de la infancia y la fotografía que filmó a principios de los años la película de Spielberg, Amblin', y la mayoría de sus películas hasta El imperio del Sol; Janusz Kaminski, que ha trabajado en todas las películas de Spielberg desde La lista de Schindler; y el editor Michael Kahn, quien ha editado cada película dirigida por Spielberg (excepto E. T., el extraterrestre). Un ejemplo famoso de Spielberg de trabajo con los mismos profesionales es su colaboración con John Williams y el uso de sus partituras musicales en todas sus películas desde The Sugarland Express (con excepción de El color púrpura y Twilight zone: The Movie). Una de las marcas de Spielberg es el uso de la música de John Williams para aumentar el impacto visual de sus escenas tratando de crear una imagen duradera y el sonido de la película en la memoria de la audiencia cinematográfica. Estas escenas visuales a menudo usan las imágenes del sol (por ejemplo, El imperio del sol, Salvar al soldado Ryan, la escena final de Jurassic Park, y los créditos finales de Indiana Jones y la Última Cruzada (donde se embarcan en la puesta de sol), de las cuales las dos últimas cuentan con una puntuación de Williams en esa escena final. Spielberg es uno de los cineastas contemporáneos junto a George Lucas, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, John Milius, y Brian De Palma, conocidos colectivamente como los "Movie Brats". Aparte de su función principal como director, Spielberg ha actuado como productor en un considerable número de películas, incluyendo los primeros éxitos de Joe Dante y Robert Zemeckis.
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Cameos Steven Spielberg ha hecho cameos en The Blues Brothers, Gremlins, Vanilla Sky, Regreso al Futuro y Austin Powers in Goldmember, así como pequeños cameos sin acreditar en otras películas. También hizo numerosos papeles cameo en las caricaturas de Warner Brothers produjo, como Animaniacs, e incluso hizo referencia a algunas de sus películas. Spielberg se expresó en un episodio de Tiny Toon Adventures titulado Buster y Babs Ir hawaiano. Y, curiosamente, en el videojuego Ratchet & Clank 3 este último rodaba películas de espías en las que el director tenía unas semejanzas a Spielberg. También participó en el video clip de su amigo Michael Jackson "Liberian Girl".
Premios Premios Óscar Año
Categoría
Película
Resultado
2011 Mejor película
Caballo de batalla
Nominado
2005 Mejor película
Múnich
Nominado
2005 Mejor director
Múnich
Nominado
1998 Mejor película
Salvar al soldado Ryan
Nominado
1998 Mejor director Salvar al soldado Ryan
Ganador
1993 Mejor película La lista de Schindler
Ganador
1993 Mejor director La lista de Schindler
Ganador
1986 Premio en Memoria de Irving Thalberg
Ganador
1985 Mejor película
El color púrpura
Nominado
1982 Mejor película
E. T., el extraterrestre
Nominado
1982 Mejor director
E. T., el extraterrestre
Nominado
1981 Mejor director
Raiders of the Lost Ark
Nominado
1977 Mejor director
Close Encounters of the Third Kind Nominado
Premios Globo de Oro Año
Categoría
Película
Resultado
2011 Mejor película animada Las Aventuras de Tintin
Ganador
2009 Premio Cecil B. DeMille
Ganador
2006 Mejor director
Múnich
Nominado
2002 Mejor director
Inteligencia artificial
Nominado
1999 Mejor película - drama
Salvar al soldado Ryan
Ganador
1999 Mejor director
Salvar al soldado Ryan
Ganador
1998 Mejor película - drama
Amistad
Nominado
1998 Mejor director
Amistad
Nominado
1994 Mejor película - drama
La lista de Schindler
Ganador
1994 Mejor director
La lista de Schindler
Ganador
1986 Mejor director
El color púrpura
Nominado
1983 Mejor película - drama
E. T., el extraterrestre
Ganador
1983 Mejor director
E. T., el extraterrestre
Nominado
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Raiders of the Lost Ark
Nominado
1978 Mejor director
Encuentros en la tecera fase Nominado
1976 Mejor director
Tiburón
Nominado
Premios BAFTA Año
Categoría
Película
Resultado
1998 Mejor película Salvar al soldado Ryan
Candidato
1998 Mejor director Salvar al soldado Ryan
Candidato
1994 Mejor película La lista de Schindler
Ganador
1994 Mejor director La lista de Schindler
Ganador
1986 BAFTA honorífico
Ganador
1983 Mejor película E. T., el extraterrestre
Candidato
1983 Mejor director E. T., el extraterrestre
Candidato
1977 Mejor director Encuentros en la tercera fase
Candidato
1977 Mejor guion
Encuentros cercanos del tercer tipo Candidato
1975 Mejor director Tiburón
Candidato
Otros reconocimientos y galardones Entre la lista de premios que Spielberg ha recibido están: el Distinguished Public Service Award de la Marina de Estados Unidos por Salvar al Soldado Ryan; y John Huston Award for Artists Rights. Spielberg ha recibido también el Premio a los Logros de una Vida del American Film Institute. Spielberg ha recibido en honor a su trabajo una escultura de cera en el Museo Madame Tussauds y el Museo de cera de la Ciudad de México.
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000229 [2] The cinema of Steven Spielberg: Empire of light. Nigel Morris. Wallflower Press. 2007 [3] EFE (15/08/2010). El lucrativo arte de los cómics (http:/ / www. laopinioncoruna. es/ portada/ 2010/ 08/ 15/ lucrativo-arte-comics/ 410965. html), "La Opinión A Coruña". [4] http:/ / www. forbes. com/ lists/ 2010/ 10/ billionaires-2010_Steven-Spielberg_4XKR. html [5] Newcomb, Peter. « Hollywood’s Top 40 (http:/ / www. vanityfair. com/ hollywood/ features/ 2011/ 03/ hollywood-top-earners-201103?currentPage=3)», Vanity Fair (revista), marzo de 2011. Consultado el 3/3/12. [6] « Steven Spielberg Biography (1947?–) (http:/ / www. filmreference. com/ film/ 85/ Steven-Spielberg. html)». filmreference.com. Consultado el 15 de enero de 2008. [7] http:/ / doney. net/ aroundaz/ celebrity/ spielberg_stephen. htm [8] « Nickelodeon Magazine Interviews Steven Spielberg (http:/ / www. nick. com/ shows/ nick_mag/ lookInside/ index. jhtml?pagenum=8)». Nickelodeon Magazine. Consultado el 29 de julio de 2008. [9] From Inside the Actor's Studio with James Lipton interviewing Steven Spielberg. [10] http:/ / books. google. com/ books?id=DbqATVZHvkQC& pg=PA42& lpg=PA42& dq=steven+ spielberg+ rabbi+ albert+ l+ lewis& q=rabbi+ lewis& hl=en [11] http:/ / www. parade. com/ articles/ editions/ 1994/ edition_03-27-1994/ steven-spielberg-we-cant-just-sit-back-and-hope. html [12] http:/ / www. nytimes. com/ packages/ html/ movies/ bestpictures/ schindler-ar1. html [13] http:/ / www. usc. edu/ about/ administration/ trustees/ [14] http:/ / www. calstate. edu/ Newsline/ Archive/ 01-02/ 020514-LB. shtml [15] Lara, Antonio (1990). «3» (en español). Spielberg, Maestro del cine de hoy. Madrid: Perfiles de hoy. pp. 30. ISBN 84-239-2232-4. [16] Lara, Antonio (1990). «4» (en español). Spielberg, Maestro del cine de hoy. Madrid: Perfiles de hoy. pp. 38. ISBN 84-239-2232-4. [17] Lara, Antonio (1990). «3» (en español). Spielberg, Maestro del cine de hoy. Madrid: Perfiles de hoy. pp. 32. ISBN 84-239-2232-4. [18] Lara, Antonio (1990). «7» (en español). Spielberg, Maestro del cine de hoy. Madrid: Perfiles de hoy. pp. 53. ISBN 84-239-2232-4.
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[19] Don Shay (1993) (en inglés). The Making of Jurassic Park: An Adventure 65 million Years in the Making. Boxtree Limited. pp. 122. ISBN 1-85283-774-8. [20] Lara, Antonio (1990). «10» (en español). Spielberg, Maestro del cine de hoy. Madrid: Perfiles de hoy. pp. 105. ISBN 84-239-2232-4. [21] Lara, Antonio (1990). «11» (en español). Spielberg, Maestro del cine de hoy. Madrid: Perfiles de hoy. pp. 116. ISBN 84-239-2232-4. [22] Comentarios de Spielberg sobre las críticas a su película (http:/ / actualidad. terra. es/ articulo/ html/ av2701072. htm#1) [23] Roger Ebert (18-5-2008). Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (http:/ / rogerebert. suntimes. com/ apps/ pbcs. dll/ article?AID=/ 20080518/ REVIEWS/ 969461084). . Consultado el 19-05-2008. [24] James Berardinelli. « Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (http:/ / www. reelviews. net/ movies/ i/ indiana_jones4. html)». Reel Views. Consultado el 19 de mayo de 2008. [25] http:/ / www. miradas. net/ 0204/ estudios/ 2002/ 10_sspielberg/ poltergeist. html [26] http:/ / www. eluniversal. com. mx/ notas/ 434654. html [27] http:/ / www. rodandocine. com/ 2007/ 07/ 18/ spielberg-el-verdadero-impulsor-de-transformers/
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Steven SpielbergCommons.
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Steven Spielberg. Wikiquote • Ficha de Steven Spielberg en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000229) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000229) en Internet Movie Database. • Filmografía de Steven Spielberg (http://www.cinecin.com/mostrar_actor.asp?id=Steven-Spielberg)
Takeshi Kitano Takeshi Kitano
Nacimiento
Adachi, Tokio 18 de enero de 1947 (65 años)
Ocupación
Actor, director, guionista, productor, montador, humorista, presentador, pintor y escritor Familia
Cónyuge
Mikiko Kitano
Hijo/s
Atsushi Kitano Shoko Kitano Premios
Otros premios Premios de la Academia japonesa Mejor montaje 2003 Zatoichi Actor más popular 1985 Kanashii kibun de joke 1989 Violent Cop Ficha
[1]
en IMDb
Takeshi Kitano
Takeshi Kitano (北 野 武 en kanji, Kitano Takeshi en rōmaji; nacido el 18 de enero de 1947 en Umeshima, Adachi, Tokio) es un actor, cineasta, comediante, escritor, poeta, pintor y diseñador de videojuegos japonés. Conocido en su país principalmente como personaje televisivo y miembro del dúo cómico Two Beat junto con Kiyoshi Kaneko (de ahí que figure como Beat Takeshi o ビ ー ト た け し en kana, Bīto Takeshi en rōmaji cuando actúa en películas que él no dirige; cuando dirige un filme participando o no como actor en él, firma simplemente como Takeshi Kitano). Sin embargo es su faceta cinematográfica la que lo ha hecho conocido en el resto del mundo. Su peculiar trabajo cinematográfico ha recibido el apoyo de la crítica, tanto en Japón como a nivel internacional. Como actor, se dio a conocer internacionalmente al interpretar al Sargento Hara en Feliz Navidad, Mr. Lawrence, de Nagisa Oshima. Uno de sus trabajos más elogiados como cineasta ha sido Flores de fuego. También ha interpretado y dirigido Brother (2000) y Zatōichi (2003), además de otras muchas películas. Desde abril de 2005, dicta una cátedra en la Escuela de Postgrado de Artes Visuales de la Universidad Nacional de Tokio de Bellas Artes y Música. La mayoría de las películas que Kitano ha dirigido son dramas acerca de mafiosos o la policía, caracterizadas por contar con un humor muy inexpresivo, casi estático. Comúnmente emplea largas tomas, donde parece que nada sucediera o la edición cuenta con cortes que saltan a las consecuencias de un suceso determinado. Muchas de sus películas expresan una filosofía sombría o nihilista, pero también cuentan con mucho humor y un gran cariño por los personajes. Paradójicamente, los largometrajes de Kitano parecen dejar impresiones controvertidas. Si bien superficialmente siguen la estructura de la comedia negra o del cine de yakuzas, enfatizan preguntas morales y entregan mucho material para la reflexión personal. Si bien el reconocimiento que recibe en el mundo crece, el público japonés le conoce principalmente como animador de televisión y comediante. Su interpretación de Zatōichi en la película homónima de 2003 ha sido, hasta el momento, su mayor éxito comercial en Japón. Dolls (2002), película que dirigió y en la que no participó como actor, se considera que es su obra maestra, tanto por el guion que él mismo escribió, como la puesta en escena y la fotografía hecha con una gran maestría en el tratamiento de los colores produciendo unos planos de excepcional belleza plástica. En la década de los 80, Kitano realizó varias apariciones en la empresa de lucha libre profesional NJPW como invitado, creando un grupo de luchadores llamado "Takeshi Puroresu Gundan" en el que incluían personalidades como Riki Choshu, Big Van Vader, Super Delfin, Gedo y otros. Sin embargo, Kitano abandonó la empresa debido a un incidente entre los luchadores a finales de 1987.[2] También es conocido por ser el presentador del hilarante concurso Takeshi's Castle, conocido en España como Humor Amarillo, emitido a principios de los 90 y que el canal Cuatro recuperó en 2006.
Filmografía Director • • • • • • • • • • • •
1989 Violent Cop (そ の 男 、 凶 暴 に つ き, Sono otoko, kyobo ni tsuki) 1990 Boiling Point (３ － ４ Ｘ １ ０ 月, 3-4x jugatsu) 1991 A Scene at the Sea (あ の 夏 、 い ち ば ん 静 か な 海, Ano natsu, ichiban shizukana umi) 1993 Sonatine (ソ ナ チ ネ) 1994 Getting Any? (み ん な や っ て る か ！, Minnâ-yatteruka!) 1996 Kids Return (キ ッ ズ ・ リ タ ー ン, Kizzu ritân) 1997 Hana-Bi (花 火) 1999 El verano de Kikujiro (菊 次 郎 の 夏, Kikujiro no natsu) 2000 Brother (ブ ラ ザ ー) 2002 Dolls (ド ー ル ズ) 2003 Zatoichi (座 頭 市) 2005 Takeshis' (タ ケ シ ズ)
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Takeshi Kitano • 2007 Glory to the Filmmaker! (監 督 ば ん ざ い!, Kantoku Banzai!) • 2007 Chacun son cinéma - One Fine Day • 2008 Achilles and the Tortoise (ア キ レ ス と 亀, Akiresu to Kame) • 2010 Outrage (Autoreiji) • 2013 Outrage 2
Actor • 1969 Go, Go Second Time Virgin (ゆ け ゆ け 二 度 目 の 処 女, Yuke yuke nidome no shojo), de Koji Wakamatsu. • • • •
1980 Makoto (ま こ と ち ゃ ん, Makotochan), de Toyota Fujioka - anime, aparición como actor de doblaje. 1981 Dump Migratory Bird (ダ ン プ 渡 り 鳥, Danpu Wataridori) de Ikuo Sekimoto. 1981 Manon (マ ノ ン), de Katsuhiro Maeda. 1981 Completely... With That Air! (す っ か り ・ ・ ・ そ の 気 で!, Sukkari... sono ki de!), de Juichi Tanaka - primer papel principal.
• 1982 Secret of Summer (夏 の 秘 密, Natsu no Himitsu) • 1983 Feliz Navidad, Mr. Lawrence (戦 場 の メ リ ー ク リ ス マ ス, Senjou no merī kurisumasu) (también conocida como Furyo en Europa), de Nagisa Oshima - una película japonesa/americana rodada en Java. • 1989 Violent Cop (そ の 男 、 凶 暴 に つ き, Sono otoko, kyobo ni tsuki), de él mismo. • 1990 Boiling Point (３ － ４ Ｘ １ ０ 月, 3-4X jugatsu, lit. San tai yon ekkusu jugatsu) (también conocida como Jugatsu en Francia), • 1993 Sonatine (ソ ナ チ ネ, Sonachine) • 1995 Getting Any? (み ん な や っ て る か ！, Minnâ-yatteruka!), de él mismo. • 1995 Johnny Mnemonic, de Robert Longo - una película de Hollywood rodada en Canadá. Adaptada de la novela Johnny Mnemonic de William Gibson. Aparece en los créditos como Takeshi. • 1995 Gonin, de Takashi Ishii • 1997 Flores de fuego (también conocida como Hana-bi), de él mismo. • 1998 Tokyo Eyes, de Jean-Pierre Limosin - una película franco/japonesa rodada en Tokio. • 1999 El verano de Kikujiro (菊 次 郎 の 夏, Kikujiro no natsu), de él mismo. • 1999 Gohatto (también conocida como Taboo), de Nagisa Oshima. • 2000 Brother (también conocida como Aniki, Mon Frère en Francia), de él mismo - Una película Japonesa/Americana rodada en Los Ángeles y en Tokio. • 2000 Battle Royale (バ ト ル ・ ロ ワ イ ヤ ル, Batoru rowaiaru), de Kinji Fukasaku. • 2001 Battle Royale: Edición Especial (バ ト ル ・ ロ ワ イ ヤ ル 特 別 篇, Batoru rowaiaru tokubetsu ami), de Kinji Fukasaku. • 2003 Zatōichi (座 頭 市) • 2003 Battle Royale 2: Réquiem (バ ト ル ・ ロ ワ イ ヤ ルII 鎮 魂 歌, Batoru rowaiaru II chinkon uta) de Kinji y Kenta Fukasaku. • 2004 Izo de Takashi Miike • 2004 Blood and Bones (血 と 骨, Chi to hone), de Yoichi Sai. • 2005 Takeshis', de él mismo. • 2007 Glory to the Filmmaker! (監 督 ば ん ざ い!, Kantoku Banzai), de él mismo. • 2008 Achilles and The Tortoise (ア キ レ ス と 亀, Akiresu to kame), de él mismo. • 2010 Outrage (Autoreiji), de él mismo.
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Takeshi Kitano
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Premios Premios de la Academia Japonesa Año
Categoría
Película
Resultado
2003 Mejor montaje
Zatoichi
Ganador
1997 Mejor director
Hana-Bi (Flores de Fuego)
Nominado
1997 Mejor guion
Hana-Bi (Flores de Fuego)
Nominado
1997 Mejor montaje
Hana-Bi (Flores de Fuego)
Nominado
1997 Mejor actor
Hana-Bi (Flores de Fuego)
Nominado
1991 Mejor director
Escena frente al mar
Nominado
1991 Mejor guion
Escena frente al mar
Nominado
1991 Mejor montaje
Escena frente al mar
Nominado
1989 Actor más popular
Violent Cop
Ganador
1989 Mejor actor
Violent Cop
Nominado
1985 Actor más popular
Kanashii kibun de joke
Ganador
1985 Mejor actor de reparto Yasha
Nominado
1984 Mejor actor de reparto Feliz Navidad, Mr. Lawrence Nominado
Enlaces externos • • • •
Página oficial de la productora de Takeshi Kitano [3] Takeshi Kitano en IMDb [4] Página oficial de la película Kantoku Banzai [5] Página oficial de la película Outrage [6]
Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6]
http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001429 http:/ / theditch. us/ riot. html http:/ / www. office-kitano. co. jp http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0001429 http:/ / www. office-kitano. co. jp/ banzai/ http:/ / www. outrage-movie. jp/
Terrence Malick
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Terrence Malick Terrence Malick
Nacimiento
Waco (Texas), Estados Unidos 30 de noviembre de 1943 (68 años) Premios
Festival de Cannes Mejor director 1978 Days of Heaven Palma de Oro 2011 The Tree of Life Ficha
[1]
en IMDb
Terrence Malick (Waco, Texas, Estados Unidos, 30 de noviembre de 1943), es un director, productor y escritor de cine estadounidense, ganador de la Concha de Oro en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, del Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín, de los Premios Mejor Director y la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes, y de un David di Donatello, entre otras importantes distinciones. También ha estado nominado al Óscar al Mejor Guion Adaptado y Mejor Director por su trabajo en La delgada línea roja. La obra de este director se centra en la descripción de la belleza de la naturaleza en clara oposición a la ambición y la crueldad del hombre. Con una visión claramente panteísta del mundo, ha narrado algunos de los episodios más oscuros de la historia de su país, como la Segunda Guerra Mundial o la destrucción de la cultura nativa norteamericana. Es conocido también por sus escasísimas apariciones públicas, y por la dificultad en encontrar alguna fotografía suya. En sus contratos como realizador, una cláusula le redime de protagonizar cualquier material gráfico.
Biografía Poco se sabe de la vida de Malick, salvo por su actividad cinematográfica. Así lo ha querido él, pues es el único cineasta estadounidense en activo que nunca concede entrevistas. La mayor parte de sus datos biográficos no cinematográficos que están documentados son de su juventud. Malick nació en Waco, Texas. Su padre era de origen sirio libanés, y trabajaba en una compañía petrolífera de Texas, por lo que creció en Oklahoma y Texas. Malick estudió filosofía en las universidades de Harvard (donde fue graduado como summa cum laude), y Oxford, en cuyo Magdalene College estuvo preparando una tesis sobre Heidegger que finalmente nunca vio la luz. Con posterioridad, fue profesor de filosofía en el MIT, mientras trabajaba como periodista "freelance" para Newsweek, The New Yorker y Life. En 1969, Malick obtuvo un Master del AFI Conservatory, una división del American Film Institute. Allí dirigió Lanton Mills ese mismo año, un cortometraje interpretado por Harry Dean Stanton, Warren Oates y él mismo. No
Terrence Malick quedó muy satisfecho con el resultado, y al parecer decidió no hacer más cortometrajes. El agente Mike Medavoy, que conoció en el AFI Conservatory, le consiguió sus primeros trabajos como guionista. En los inicios de los años 70, escribió los primeros borradores de Harry el sucio y el guion de Pocket Money entre otros. También escribió el guion de la primera película dirigida por Jack Nicholson, al que también conoció en el AFI Conservatory.
Primer largometraje: Malas Tierras (Badlands, 1973) En 1973, dirigió Malas Tierras, protagonizada por Martin Sheen y Sissy Spacek. El estreno se realizó en el New York Film Festival. Inspirada en un hecho real, no obtuvo un importante éxito de público, pero llamó poderosamente la atención de los especialistas por su singularidad y estilo fuera de toda norma, que auguraban a una promesa sin ningún interés por ganarse el favor de la taquilla, y sí por establecer un universo propio. En la desesperada huida de un asesino en serie y su novia adolescente, Malick retrata un país a la deriva, en la búsqueda de la propia identidad, oscilante entre sus mitos derruidos del pasado y un futuro sombrío.
Segundo largometraje: Días del cielo (Days of Heaven, 1978) En 1978, dirigió Días del Cielo, protagonizada por Richard Gere y Sam Shepard. Terrence Malick obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cannes. Además, la película fue nominada a 4 Premios Óscar, obteniendo el Óscar a la Mejor Fotografía para Néstor Almendros, por la bella fotografía natural que le otorgó esa atmósfera soñada a la película. Esta vez trabajó sobre un guion completamente original que, como siempre, firmó en solitario. Prolongación natural y muy lírica de 'Badlands', 'Días del cielo' cuenta la historia de dos amantes que se hacen pasar por hermanos para esquivar una atroz pobreza y mala suerte que les persigue desde siempre. Malick ahonda en su estilo con esta tragedia, al mismo tiempo que se alejaba por completo de los cánones comerciales. Parte de la crítica alabó su pericia y coraje. Tras el estreno de Días de Cielo, desestimó dirigir El hombre elefante, que llevaría al cine David Lynch con gran éxito, y trasladó su domicilio a Francia y desapareció del ojo público por 20 años. Allí se casó con Michele Morette en 1985. Se divorciaron en 1998 y ese mismo año, se volvió a casar con Alexandra "Ecky" Wallace. Por dos décadas pareció que Malick se retiraba para siempre del cine. A su regreso se afirmó que impartió clases de Literatura Inglesa en Francia, hasta que fijó su domicilio finalmente en su Texas natal, a mediados de la década de 1990.
Tercer largometraje: La delgada línea roja (The Thin Red Line, 1998) En 1998, regresó al cine con La Delgada Línea Roja, película bélica sobre la Batalla de Guadalcanal en la Segunda Guerra Mundial basada en la novela del mismo nombre de James Jones protagonizada por un gran elenco de actores entre los que se encontraban Sean Penn y James Caviezel entre otros. La película fue nominada a 7 Premios Óscar pero no obtuvo ninguno de ellos. En 2010, la compañía Criterion, sacó al mercado una edición especial con material de archivo inédito y escenas eliminadas que no fueron incluidas en el montaje final. Estas escenas son incluidas en un montaje nuevo (hecho por Terrence Malick) y aparecen actores que se quedaron fuera como Mickey Rourke, Martin Sheen, Lukas Haas, Jason Patric, Bill Pullman, Gary Oldman, Viggo Mortensen y la voz en off de narrador de Billy Bob Thornton. Esta edición solo está disponible en Estados Unidos. Considerada por muchos como una de las más perfectas películas bélicas jamás realizadas, Malick regresaba con ella a su hatitual (esta vez, polifónica) voz en off, y a esa desengañada y panteísta visión del mundo que ya aparecía en sus dos largometrajes precedentes. Aclamada por un amplio sector de la crítica, finalmente obtuvo el Oso de Oro en el Festival de Berlín de aquel año, consolidando a Malick como uno de los directores más importantes de su generación, a pesar de la escasa obra en títulos que ostentaba.
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Terrence Malick
Cuarto largometraje: El nuevo mundo (The New World, 2005) En 2005 Malick filmó su cuarto largometraje, titulado El nuevo mundo, una versión muy libre, y lírica, de la leyenda de Pocahontas y John Smith, que confirmó el estilo visual de Malick y su interés por la historia norteamericana. Entre sus actores destacan Colin Farrell, como Smith, y la debutante Q'orianka Kilcher como Pocahontas. Esta película fue elegida en 2010, por votación de críticos españoles, como una de las diez mejores obras cinematográficas de la década (2000-2010) por la prestigiosa revista Cahiers du Cinéma España.
Quinto largometraje: El Árbol de la Vida (The Tree Of Life, 2011) En el Texas de los años 50, Jack creció entre un padre autoritario y una madre cariñosa y generosa. El nacimiento de dos hermanos pronto le obligaría a compartir ese amor incondicional, y más tarde a enfrentarse al individualismo fanático de un padre obsesionado con el éxito de sus hijos. Hasta el día en que se produce un trágico suceso que perturbará ese frágil equilibrio... Protagonizada por Brad Pitt, Sean Penn y Jessica Chastain. Completan el reparto Hunter McCracken, Fiona Shaw, Laramie Epler, Tye Sheridan, Jessica Fuselier, Nicolas Gonda, Will Wallace, Kelly Koonce, Bryce Boudoin, Jimmy Donaldson, Kameron Vaughn, Cole Cockburn, Dustin Allen, Brayden Whisenhunt, Joanna Going, Irene Bedard, Finnegan Williams, Michael Koeth, John Howell, Samantha Martinez, Savannah Welch, Tamara Jolaine, Julia M. Smith, Anne Nabors, Christopher Ryan, Tyler Thomas, Michael Showers, Kimberly Whalen, Margaret Hoard, Wally Welch, Hudson Lee Long, Michael Dixon, Tommy Hollis, Cooper Franklin Sutherland, John Cyrier, Erma Lee Alexander, Nicholas Yedinak, Crystal Mantecon, Fernando Lara, Zach Irsik y Lisa Marie Newmeyer. Ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2011 y del Gran Premio de la FIPRESCI 2011.
Sexto largometraje: To The Wonder (2012) Actualmente, Malick se encuentra en la post-producción de su próximo filme, un drama romántico llamado To The Wonder, que se centra en la crisis que tenía que afrontar una pareja y que cuenta con la participación de Ben Affleck (en sustitución de Christian Bale), Rachel McAdams, Rachel Weisz, Javier Bardem, Olga Kurylenko, Barry Pepper, Jessica Chastain y Amanda Peet. Actualmente ya se han filtrado las primeras imágenes del film. Se piensa que su fecha de estreno sea el 2 de Setiembre de 2012 en Estados Unidos.
Séptimo largometraje: Voyage of Time (2014) Según el productor de la cinta The Tree Of Life' Bill Pohlad, Terrence Malick está trabajando en un documental sobre el universo y la naturaleza, estará narrado por Brad Pitt. El proyecto ya había sido mencionado antes del estreno de The Tree Of Life, y será estrenado en salas IMAX.
Filmografía • • • • • • • •
Lanton Mills (1969) Malas Tierras (Badlands) (1973) Días del Cielo (Days of Heaven) (1978) La Delgada Línea Roja (The Thin Red Line) (1998) El Nuevo Mundo (The New World) (2005) El Árbol de la Vida (The Tree Of Life) (2011) To The Wonder (2012) Voyage of Time (2014)
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Terrence Malick
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Colaboradores habituales Actores
Lanton Mills
Malas Tierras
Warren Oates
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Días de Cielo
La Delgada Línea Roja
El Nuevo Mundo
Kirk Acevedo
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Ben Chaplin
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Sean Penn
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John Savage
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Todd Wallace
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Will Wallace
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El Árbol de la Vida
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Productores Ivan Bess
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Diseño de producción Jack Fisk
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Directores de fotografía Emmanuel Lubezki Montadores Billy Weber
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Casting Dianne Crittenden
Premios Premios Óscar Película
Categoría
La Delgada Línea Roja Mejor Director
Resultado Nominado
La Delgada Línea Roja Mejor Guion Original Nominado El Árbol de la Vida
Mejor Director
Nominado
Terrence Malick
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Festival Internacional de Cine de Berlín Película
Categoría
Resultado
La Delgada Línea Roja Mejor Director Ganador
Festival de Cannes Categoría
Película
Resultado
Días del Cielo
Palma de Oro
Nominado
Días del Cielo
Mejor Director Ganador
El árbol de la vida Palma de Oro
Ganador
• Gran Premio de la FIPRESCI 2011 por El Árbol de la Vida[2]
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000517 [2] 'El árbol de la vida', gana el Fipresci a la mejor película del año (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ cultura/ arbol/ vida/ gana/ Fipresci/ mejor/ pelicula/ ano/ elpten/ 20110819elpepucul_3/ Tes), Tentaciones de Verano, El País, 19.08.2011; acceso 20.08.2011
Enlaces • Derivas y Ficciones Aparte': Carpeta Terrence Malick (http://shangrilatextosaparte.blogspot.com/2007/12/ carpeta-terrence-malick_13.html'''Shangri-La.) • Ficha de Terrence Malick en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000517) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000517) en Internet Movie Database. • Terrence Malick (http://www.allmovie.com/work/2:100893) en Allmovie (en inglés). • Estudio Terrence Malick en Blogdecine (http://www.blogdecine.com/tag/especial-terrence-malick''')
Terry Gilliam
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Terry Gilliam Terry Gilliam
En el Festival Internacional de Cine de Cannes (2001). Nombre real
Terrence Vance Gilliam
Nacimiento
Medicine Lake, Minnesota, Unidos 22 de noviembre de 1940
Ocupación
Actor, director, guionista, productor
Estados
Premios Premios BAFTA 2009, Academy Fellowship Award Ficha
[1]
en IMDb
Terry Vance Gilliam (n. 22 de noviembre de 1940) es un actor y director de cine estadounidense. Fue uno de los miembros del grupo humorístico Monty Python. Gilliam nació en Medicine Lake, Minnesota, en los Estados Unidos, y estudió Ciencias Políticas en el Colegio Occidental de California. Más conocido por las animaciones, en las que recortaba fotografías y las volvía surrealistas, que por los papeles raros que realizó (papeles siempre secundarios). De entre sus personajes más conocidos destaca Patsy, el escudero del rey Arturo en Los caballeros de la mesa cuadrada, película que llevó a cabo con Terry Jones, e interpretó también al cardenal Fang de los sketches de la temible Inquisición Española. Realizó papeles siempre grotescos y enloquecidos. Como director ha deambulado por los límites de la realidad, los sueños y el tiempo. Sus películas, de estilo surrealista, están marcadas por los viajes en el tiempo (Los héroes del tiempo y Doce monos) y la realidad confundida por los sueños, la fantasía o la imaginación (Brazil, Las aventuras del Barón Munchausen, El rey pescador, Miedo y asco en Las Vegas o El imaginario del Doctor Parnassus), siempre aderezado con mucho humor o ironía.
Terry Gilliam
Filmografía como director • Monty Python and the Holy Grail (Los caballeros de la mesa cuadrada), Interpretada por el grupo de comediantes Monty Python y codirigida con Terry Jones (1975) • Jabberwocky (La bestia del reino) (1977) • Time Bandits (Los héroes del tiempo, título en España y Los ladrones del tiempo, título en Argentina) (1981) • The Crimson Permanent Assurance, cortometraje incluido en *The Meaning of Life (El sentido de la vida) (1983) • Brazil (Brasil) (1985). Una versión satírica de la distopía 1984, en donde un pobre hombrecillo se ve enfrentado a la omnipotencia de una burocracia gigantesca de corte orwelliano. • Las aventuras del Barón Munchausen (1989). Con un destacado elenco (Robin Williams, Uma Thurman entre otros) da vida a una alocada fantasía ligeramente basada en las aventuras del barón del siglo XVIII, incluyendo algunos de sus tópicos malabarismos sobre la realidad y la ilusión. • El rey pescador (Pescador de ilusiones) (1991). Un locutor de radio en medio de una crisis existencial descubre a un individuo medio desquiciado (interpretado por Robin Williams) que le enseña un nuevo sentido a su vida. • Twelve Monkeys (Doce monos) (1995). Un viajero del tiempo (Bruce Willis) regresa a nuestra época para estudiar una terrible epidemia que barrerá a la Humanidad, sólo para descubrir con horror que nada de lo que haga podrá impedir el desastre. • Fear and Loathing in Las Vegas (Miedo y asco en las Vegas) (1998). Johnny Depp interpreta a un periodista, Hunter S. Thompson, que junto a un amigo, Dr. Gonzo (Benicio del Toro) no deja droga por probar, en la ciudad de Las Vegas en la década de los 70. • The Brothers Grimm (Los hermanos Grimm) (2005) • Tideland (2005) • The Imaginarium of Doctor Parnassus (2009) Tiene varios proyectos en distintas fases de desarrollo, incluida una adaptación de la novela escrita entre Neil Gaiman y Terry Pratchett, Good Omens (Buenos presagios: las buenas y ajustadas profecías de Agnes la chalada). Los infructuosos esfuerzos de Gilliam por rodar la película The man who killed Don Quixote (El hombre que mató a Don Quijote), basado en la obra de Miguel de Cervantes, son el tema del documental Lost in la Mancha (Perdido en la Mancha). Se anuncia que el proyecto ha sido retomado por Gilliam, una vez que la compañía aseguradora les dio la razón y cubrirá los millones perdidos en el caótico primer intento. Está anunciada la preproducción en 2009 y su estreno en 2011.
Como actor Tiene aparición en pequeños papeles. En su versión en castellano: • • • •
La vida de Brian Los caballeros de la mesa cuadrada Espías como nosotros Jabberwocky
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Terry Gilliam
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Enlaces externos • Entrevista a Terry Gilliam durante el Festival Internacional de Cine de Ibiza y Formentera :: Informativos.Net:: 07/06/07 + HQ Pics [2] • • • • • • • •
Fanzine dedicado a Terry Gilliam [3] Terry Gilliam habla de sus películas para TCM [4] Entrevista con Terry Gilliam (Clarín) [5] Entrevista con Terry Gilliam (Supernova pop) [6] Entrevista con Terry Gilliam por Tierra de Mareas (Blog La Ronda de Noche) [7] Página oficial de Tideland [8] Tideland (crítica en profundidad) [9] Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Terry GilliamCommons.
Referencias [1] [2] [3] [4]
http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000416 http:/ / www. informativos. net/ Noticia. aspx?noticia=48612 http:/ / www. smart. co. uk/ dreams/ http:/ / www. canaltcm. com/ videos-fotos/ view/ 1143
[5] [6] [7] [8] [9]
http:/ / www. clarin. com/ diario/ 2006/ 01/ 15/ espectaculos/ c-00401. htm http:/ / www. supernovapop. com/ cine/ entrevista/ Terry-Gilliam/ 9 http:/ / clementecoronamendez. blogspot. com/ 2007/ 06/ tierra-de-mareas. html http:/ / www. tidelandthemovie. com/ http:/ / www. 13t. org/ decondicionamiento/ forum/ viewtopic. php?t=516
Tim Burton Tim Burton
Tim Burton en abril de 2009. Nombre real
Timothy William Burton
Nacimiento
Burbank, California, Estados Unidos 25 de agosto de 1958 (54 años) Familia
Cónyuge
Lisa Marie Smith (1987-1995) Helena Bonham Carter (2001-presente)
Hijo/s
Billy Ray Burton y Nell Burton. (con Helena Bonham Carter) Premios
Globos de Oro Mejor película - Comedia o musical 2008 Sweeney Todd
Tim Burton
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Página web oficial
[1]
Ficha
[2]
en IMDb
Timothy "Tim" William Burton[3] (Burbank, California; 25 de agosto de 1958) es un director, productor, escritor y diseñador estadounidense. La mayoría de sus películas se han caracterizado por la presencia de mundos imaginarios donde suelen estar presentes elementos góticos y oscuros, cuyos protagonistas suelen ser seres inadaptados y enigmáticos. (Véase Características personales de la obra de Burton). Este sello de identidad se hace patente en películas como Batman y The Nightmare Before Christmas, esta última fue producida por él. Adquirió gran fama al dirigir exitosos filmes entre los que se encuentran Edward Scissorhands y Charlie y la fábrica de chocolate. Desde que dirigió su primer largometraje (La gran aventura de Pee-Wee) en 1985, ha pasado a dirigir y producir numerosas películas, algunas de ellas han sido notablemente premiadas. Con Corpse Bride fue candidato al Óscar a la mejor película de animación en 2006. A menudo trabaja con su amigo íntimo Johnny Depp, el músico Danny Elfman y su compañera sentimental Helena Bonham Carter. Sus más recientes películas han sido Alicia en el país de las maravillas, que se estrenó el 3 de marzo de 2010 en Egipto, Italia y Suecia[4] y Sombras Tenebrosas (2012). El 15 de marzo de 2010 Tim recibió la Medalla de la Orden de la Artes y las Letras de Francia.
Biografía Muchas de las cosas que ves cuando eres niño permanecen contigo ... Pasas la mayor parte de tu vida intentando asimilar esas experiencias. Tim Burton, My Art and Films[5] Timothy William Burton nació el 25 de agosto de 1958 en la ciudad de Burbank, California, siendo el primero de los dos hijos de Bill Burton y Jean Erickson. La mayor parte de su infancia estuvo caracterizada por la representación, junto a su hermano, de parodias relacionadas con delitos sangrientos (homicidios, asesinatos, etc), considerándose a él mismo como un introvertido —una de sus anécdotas personales es la de haber simulado un asesinato con una hacha, para asustar a los vecinos hasta tal punto que uno de ellos llamó a la policía. Por ello recibió el alias «Axe Wound» (traducido como «herida de hacha»). Asimismo, otro de sus pasatiempos favoritos era asustar a los hijos de sus vecinos alegando el arribo de criaturas extraterrestres que invadirían la Tierra.[6] Uno de sus principales entretenimientos fue el diseño, aspecto en el que demostró tener talento tras concursar y ganar una competencia de trazos que serían usados en los camiones urbanos de su ciudad natal.[7] Académicamente, nunca sintió afinidad por la lectura ni por los estudios.[8] En cambio, sus más grandes pasiones eran la pintura, el dibujo y el cine —le encantaban las películas de monstruos, principalmente aquellas vinculadas con Godzilla, Hammer Productions, Ray Harryhausen y Roger Corman. Este último trabajó en varias ocasiones con el actor Vincent Price, a quien Burton consideraba «su héroe».[8][9] Sus vecinos lo catalogaban como un «inadaptado social con apetito frecuente por la ciencia-ficción y el terror»,[10] debido a su afición por las películas de terror de bajo presupuesto.[11][12] A los 13 años, realizó su primer corto animado junto con algunos de sus amigos, The Island of Doctor Agor,[8] al cual le siguió Houdini, en donde Burton interpretó al escapista Harry Houdini.[8] Tras concluir sus estudios de bachillerato, en 1976, ingresó en su segundo año universitario[13] al Instituto de Artes de California —fundado por Walt Disney a manera de «plataforma alternativa de aprendizaje» para jóvenes interesados en la animación.[14] Durante su estancia en Cal Arts (término popular con el que es conocido el instituto) realizó una serie animada bautizada como Stalk of the Celery Monster,[8] trabajo que le dio la oportunidad de ser contratado por los estudios Disney para colaborar en próximos filmes y proyectos.
Tim Burton
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Años 1980 Primeros trabajos con Disney Después de ser contratado por Disney, Burton comenzó a colaborar en la empresa como aprendiz de animación en los bocetos de The Fox and the Hound, de 1981.[15][16] En sus propias palabras, «(...) fui contratado justo cuando el estudio se encontraba en crisis y los gerentes buscaban incorporar nuevo personal a cualquier precio».[17] Sin embargo, el estudio reconocería más tarde que «el talento de Burton no estaba siendo aprovechado al máximo»,[8] así que optó por designarlo para el arte conceptual de The Black Cauldron, adaptación del segundo volumen de la saga Las Crónicas de Prydain.[15] A pesar de sus esfuerzos, Disney nunca logró «entender» sus diseños, los cuales fueron desechados para la edición final de ambas películas.
El ídolo de Tim Burton, en la película de Otto Preminger Laura.
Decidido a continuar con sus planes personales, y contando con la libertad creativa que la empresa le había otorgado por consideración además del apoyo económico de algunos ejecutivos de la misma,[8] Burton comenzó a dirigir sus primeros cortometrajes exitosos, Vincent y Frankenweenie, además de escribir e ilustrar un poema, que daría lugar a la película The Nightmare Before Christmas. Vincent Mientras trabajaba como artista conceptual, Burton hizo amistad con el ejecutivo Julie Hickson y el encargado de desarrollo creativo de Disney, Tom Wilhite. Ambos se mostraron impresionados por su talento, aún cuando la empresa había rechazado sus colaboraciones en The Fox and the Hound y The Black Cauldron.[18] En 1982, Wilhite lo Tim Burton hablando en los comic con 2009. financió con $60.000 dólares, para producir una adaptación del poema Vincent, que Burton había escrito poco tiempo antes bajo el concepto original de microrrelato infantil.[18] Durante dos meses, Burton colaboró con animadores especializados en stop motion para producir el corto de cinco minutos de duración, mismo que fue filmado en blanco y negro, influenciado directamente por las películas alemanas de los años 1920, las cintas estelarizadas por Vincent Price y las adaptaciones de los relatos de Edgar Allan Poe.[18] Narrado por el propio Price, el corto Vincent marcó el inicio de una buena amistad entre el actor y Burton, la cual persistiría hasta la muerte del primero, ocurrida en 1993.[18] Burton declararía más tarde, que «(la muerte de Price) había sido, probablemente, una de las experiencias más cruciales en su vida».[8] [19]
recibió numerosos reconocimientos por parte de la crítica especializada durante su proyección en algunos festivales internacionales de cine —fue premiado en los eventos anuales de Chicago y Francia. A pesar del éxito conseguido por la obra, Disney se mostró renuente a comercializarla.[18] Poco después, participó en la producción de una versión live action japonesa del cuento de los hermanos Grimm Hansel y Gretel, para Disney Channel; la historia incorporaba elementos kung-fu para describir el enfrentamiento entre los niños y la bruja. La película fue transmitida, por única ocasión, en Halloween de 1982. Debido a que no existen copias de la misma, se ha dicho que constituye una leyenda urbana en la trayectoria inicial de Tim Burton.[20][21]
Tim Burton Frankenweenie En 1984 Tim estrenó su segundo cortometraje, titulado Frankenweenie y protagonizado por Barret Oliver, Daniel Stern y Shelley Duvall. Filmado en blanco y negro con una duración aproximada de 30 minutos, dicha película fue inspirada en Frankestein de James Whale. Su argumento cubre los esfuerzos de un niño por reanimar a su difunto perro Sparky, el cual murió tras ser atropellado por un automóvil. A pesar de que obtuvo una nominación en los Premios Saturn, el contenido del corto hizo que Disney despidiera a Burton justo después de haber culminado su producción, pues encontró que Frankenweenie «era demasiado terrorífica para sus audiencias más jóvenes». En 1994, tras el éxito de películas como Beetlejuice y Batman, el corto fue comercializado en video; a partir de entonces, se encuentra disponible como material adicional en los formatos DVD, Blu-ray y disco UMD para la Playstation de The Nightmare Before Christmas.[22] A finales de 2007, Burton firmó un contrato con los estudios Disney para adaptar el cortometraje a una película de larga duración.[23]
Como director y productor La gran aventura de Pee-Wee Aunque al trabajo de Burton todavía le faltaba cierta difusión, comenzó a atraer la atención de algunos sectores en la industria cinematográfica. En 1985, el actor y productor Griffin Dune, le invitó a dirigir su comedia denominada After Hours. Sin embargo, esto no fue posible debido a que el anterior responsable de dicha producción fílmica, Martin Scorsese, había decidido reconsiderar la idea de filmarla, anulando la posible intervención de Burton o cualquier otro cineasta en ésta. Ese mismo año, el actor Paul Rubens le ofreció dirigir la versión cinematográfica de su popular personaje americano, Pee-wee Herman —el cual obtuvo popularidad, principalmente, a través de sus espectáculos para el canal HBO—. De esta forma, Burton dirigió su primer largometraje dentro de su inicial carrera como cineasta independiente, La gran aventura de Pee-Wee, creada con un presupuesto estimado de $7 millones de dólares y acreedora por un total en taquilla de $40 millones. Para la producción, Burton le pidió al guitarrista y vocalista de música ecléctica, Danny Elfman, que adaptara la musicalización para la misma.[24] Beetlejuice Después de dirigir episodios para las revitalizadas series de televisión Alfred Hitchcock Presenta y Teatro Fantástico, Burton dirigió su siguiente largometraje en 1988, centrándose en una comedia de humor negro acerca de un repulsivo y excéntrico fantasma llamado Beetlejuice. La adaptación fue protagonizada por Michael Keaton, Winona Ryder, Alec Baldwin y Geena Davis. Beetlejuice obtuvo ganancias estimadas en alrededor de $80 millones de dólares, así como un premio Óscar en la categoría relativa al maquillaje de los personajes. Batman En 1989, Burton recibió la propuesta de dirigir su próximo largometraje acerca del héroe ficticio, Batman —en esta ocasión, con un colosal presupuesto para su realización—. Sin embargo, filmarla no fue una experiencia totalmente satisfactoria para el cineasta, quien se vio en múltiples discusiones y altercados con los productores de la película, Jon Peters y Peter Guber —aun cuando la debacle más notoria involucró al reparto seleccionado por Burton, quien ofrecía el protagonismo a Michael Keaton. Keaton ya había trabajado con él en su anterior filme, y de alguna manera, fue considerada como una contradictoria elección por los roles del actor en comedias y, no en películas de acción como esta última—. El furor sobre este aspecto provocó gran animosidad entre los fanáticos de la historieta en que se basaba la producción, al extremo de que, el valor comercial de las acciones de Warner Bros disminuyó. Burton había considerado ridículo elegir a alguien "musculoso" para el rol de Batman, insistiendo en que el personaje debería ser un "hombre ordinario y adinerado que hacía uso de una identidad secreta, a través de un complejo disfraz de murciélago, para asustar a los criminales". Además, escogió a Jack Nicholson como El Joker —con la cuestión de atraer audiencias desinteresadas en las películas de superhéroes—. Cuando la película
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Tim Burton finalmente se estrenó —siendo respaldada ampliamente por una amplia campaña publicitaria previa a su estreno—, se convirtió en el éxito de taquilla más grande de ese entonces, recaudando más de $400 millones de dólares a nivel mundial, con lo que probó ser una gran influencia para futuras películas de superhéroes centrados en personajes más enigmáticos y con mayor profundidad emocional. Adicionalmente, el estilo gótico proyectado por el propio Burton para Gotham City, terminó siendo adoptado para las siguientes tiras cómicas del personaje ficticio.
Años 1990 Edward Scissorhands En 1990, Burton redactó, junto a Caroline Thompson, el guion de su siguiente largometraje, bajo el título de Edward Scissorhands, que sería interpretado por el ídolo juvenil de esa década, Johnny Depp,[25] quien había sido elegido para el rol protagonista de Edward, un personaje creado por un excéntrico inventor (interpretado por Vincent Price, en la que fuera su última actuación antes de fallecer). De acuerdo al argumento, Edward parecía humano, pero de manera peculiar, no había sido terminado totalmente por su creador al morir éste de manera repentina, dejando a su creación con unas visibles tijeras en lugar de manos. Ubicada en los suburbios —se filmó en Florida—, la película es considerada como la autobiografía de Burton, centrada en su infancia dentro de los suburbios en California. Price alguna vez comentó, en vida, que «"Tim es Edward"». Aunado a esta declaración, se encontraba el comentario de Johnny Depp —redactado posteriormente en el prólogo del libro de Mark Salisbury, Burton on Burton—, refiriéndose a su primer encuentro con el cineasta para el filme. Edward Scissorhands, traducida al español como El joven manos de tijeras en Hispanoamérica y como Eduardo Manostijeras en España, es considerada como la mejor película de Burton por numerosos fanáticos y críticos, al presentar una estética muy característica del cineasta relacionada con diferentes composiciones visuales, llevadas al mayor límite —tanto en las escenas como en los colores y texturas, así como los diseños de los lugares, personajes y objetos—, representando su particular recepción visionaria del romanticismo más inocente a través del argumento en donde un joven no conoce el amor en ninguna de sus derivaciones, y siendo finalmente tal el sentimiento ejercido que resulta en una historia emotiva y entrañable. Según la página de crítica de cine web rottentomatoes.com, la película tiene 92% de aprobación; y se vuelve, al lado de Pesadilla antes de Navidad y Ed Wood, en las películas de Burton con más aprobación por la crítica, al menos, según esa página. Además de Depp y Price, la película contó con las interpretaciones de Winona Ryder, Dianne Wiest y Kathy Baker entre otros.
Batman Returns Aunque Warner Bros había rechazado producir el último filme de Burton (Edward Scissorhands aún después del éxito de Batman), Burton finalmente accedió a dirigir la secuela de la franquicia, con la condición que tuviera total control creativo en el largometraje, titulado finalmente bajo el nombre de Batman Returns e interpretado por un reparto integrado por los actores Michael Keaton —nuevamente en el rol protagonista como Batman—, Danny DeVito —como El Pingüino—, Michelle Pfeiffer —como Catwoman—, y Christopher Walken. Aún más gótica y personal que su predecesora, la película recibió quejas bajo el pretexto de que su contenido era muy fuerte para la audiencia infantil, que aunado a la insatisfacción de las restantes audiencias con la sexualidad explícita —personificada por el sugestivo y fetichista estilo del disfraz de Catwoman—, provocó nuevamente críticas negativas y controversia suscitada por dichos aspectos, principalmente. A pesar de ello, Batman Returns -conocida como Batman Regresa y Batman Vuelve en Latinoamérica y España, respectivamente -, recaudó alrededor de $160 millones de dólares que, a pesar de ser un éxito, fue mucho menos de lo que se esperaba por parte de los productores. Burton comenzó a preparar la preproducción del próximo filme dentro de la misma franquicia, sin embargo Warner Bros prescindió de la nueva colaboración del cineasta, al percatarse de que el tono de la película sería similar a Batman Returns. De esta manera, Burton dejó, de forma definitiva en su trayectoria futura, la franquicia de Batman,
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Tim Burton para dar comienzo a la producción de su próximo largometraje, esta vez en formato animado.
The Nightmare Before Christmas Originalmente, Burton tenía pensado redactar e ilustrar un libro con tendencias poéticas (rimas, versos, poemas...) y personajes animados para el entretenimiento de las audiencias más pequeñas. Sin embargo, en 1993 terminó produciendo un nuevo largometraje —el cual no pudo dirigir por su colaboración dentro de la franquicia de Batman—, cuyo argumento gira en torno al rey de la ciudad de Halloween y sus intenciones por convertirse en un benévolo Santa Claus. Conocida por sus traducciones El extraño mundo de Jack y Pesadilla antes de Navidad en sus doblajes para América Latina y España, el filme The Nightmare Before Christmas —dirigido por Henry Selick y basado enteramente en la historia y los personajes de Burton— fue prácticamente bien recibido por las audiencias, llegando al grado actual de considerarse una película de culto[26]
Ed Wood Su siguiente película, estrenada en 1994, retrató la vida de Ed Wood Jr, un realizador que ha sido considerado como "el peor director de la historia". Fue protagonizada por Johnny Depp, siendo a la vez una obra biográfica en homenaje al director de películas de horror y ciencia ficción de bajo presupuesto que Burton veía cuando era niño. Ed Wood Jr. era reconocido por sus obras acartonadas, acompañadas de malas actuaciones y torpes personajes que chocaban contra los decorados tirándolos, siendo su temática de base el género de la ciencia ficción y el terror. A pesar de ello, Burton consideraba que Wood era un director similar a Orson Welles, ideal que mantiene en el largometraje —filmado en blanco y negro, dirigiendo a Bela Lugosi, interpretado por Martin Landau destacando su soberbia interpretación, quizá de las mejores de esa década, Bill Murray y Lisa Marie—, considerado por numerosas personas como uno de los mejores trabajos que ha hecho el cineasta. Debido a las frecuentes colaboraciones del cineasta durante la realización de The Nightmare Before Christmas, Danny Elfman no quiso musicalizar Ed Wood, por lo que recayó en Howard Shore su participación al integrar las melodías del filme —que, aun cuando fue un fracaso comercial en el momento de su estreno, fue bien recibida por los críticos ganando también admiradores y reviviendo el interés en las películas de Ed Wood Jr—.
Batman Forever A pesar de su intención de todavía dirigir la franquicia de Batman, Warner Bros consideró que Batman Returns fue demasiado oscura y no apta para menores de edad. Para atraer al público infantil se decidió que Joel Schumacher, quien había dirigido películas como El Cliente dirigiría la tercera parte mientras que Burton sólo la produciría, en conjunto con Peter McGreggor-Scott. Tras este cambio Michael Keaton renunció al rol siendo sucedido por Val Kilmer. El rodaje se inició a finales de 1994 contando con nuevos y reconocidos actores: Tommy Lee Jones, Nicole Kidman, Chris O'Donnell y Jim Carrey. La película, una mezcla de la oscuridad que caracterizó a la saga con colores y letreros de neón propuestos por Schumacher, tuvo un enorme éxito en taquilla de 336 millones de dólares, a pesar de la polémica producida por los personajes y la trama.[cita requerida] Aun siendo productor y teniendo una estrecha amistad con el director, Burton diferia con las decisiones Schumacher sobre todo en el rodaje de varias escenas, que fueron eliminadas de la edición final y más tarde añadidas como escenas eliminadas en su edición en DVD en 2005. Schumacher consideraba que si se incluían en la edición final el resultado seria igual a su predecesora.[cita requerida] Schumacher fue recontratado para dirigir Batman & Robin, en la que Burton ya no participó.
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James and the Giant Peach Conocida como James y el melocotón gigante en España o Jim y el durazno gigante en México, es una película animada de Walt Disney producida en 1996 por Tim Burton y dirigida por Henry Selick, basada en el libro homónimo de Roald Dahl. La animación de la película está realizada con la técnica de stop motion, siendo la segunda película de Tim Burton (después de The Nightmare Before Christmas en 1993) realizada con esta técnica.
Mars Attacks! Inmerso en la iconografía kitsch de los años 50, el siguiente proyecto de Burton fue Mars Attacks!, para el cual se reunió nuevamente con Elfman. Basada en una serie de cartas de ciencia ficción, la cinta era un híbrido de las películas de fantasía de la década de los años 50 y de las de desastre total de los años 1970. La coincidencia la hizo una parodia no intencionada del éxito de taquilla, Independence Day, filmada al mismo tiempo y estrenada cinco meses antes, y aunque contaba con un amplio elenco estelar —incluyendo a Jack Nicholson, Pierce Brosnan, Michael J. Fox, Sarah Jessica Parker, Natalie Portman, Jack Black, Danny DeVito, Tom Jones, Glenn Close y Christina Applegate—, fue despreciada por los críticos y casi ignorada por la audiencia norteamericana. Sin embargo, la recreación de una mala película de los años 1950 fue recibida con éxito en el extranjero, y ha logrado hacerse de una base de admiradores gracias a la emisión por televisión y su venta comercial en DVD.
Sleepy Hollow: La leyenda del Jinete sin Cabeza Sleepy Hollow fue estrenada en 1999 con un escenario supernatural, sets únicos y una nueva actuación de Johnny Depp encarnando a un detective interesado en la ciencia forense, basándose en la historia redactada por Washington Irving. El elenco restante para el filme estuvo conformado por Michael Gambon, Ian McDiarmid, Miranda Richardson, Christopher Walken y Christina Ricci —elegida para el papel de Katrina Van Tassel—. Bien recibida por los críticos y con mención especial a la musicalización acompañada de una fotografía impecable a cargo de Emmanuel Lubezki, Sleepy Hollow ganó un premio Óscar por mejor dirección artística, así como dos galardones BAFTA por mejor diseño de vestuario y mejor diseño de producción. Acompañado de un cambio en su vida personal —se separó de Lisa Marie—, Burton cambió radicalmente de estilo en su siguiente proyecto, dejando los bosques encantados y coloridos extraños para dirigir El Planeta de los Simios que, como Burton alguna vez dijo, no es un remake del filme original, estrenado en 1968 y dirigido por Franklin Schaffner.
Años 2000 El planeta de los simios El planeta de los simios fue un éxito comercial, recaudando $68 millones de dólares en su primer fin de semana de estreno. La principal crítica fue el aire comercial del que se dotó a varios aspectos de la cinta, huyendo del tono oscuro, cerebral y nihilista de la versión de 1968. Además, fue una significativa separación del estilo usual de Burton, y hubo muchos debates en cuanto a si en realidad se trataba de un filme de Burton o era un simple encargo de dirección.[27] También hubo rumores sobre cambios de último minuto en la producción de la película. A pesar del éxito comercial y del final —que claramente sugería la posibilidad de una secuela— no parece haber intenciones por parte del estudio ni de Burton de continuar la saga.
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Tim Burton
Big Fish Burton dirigió Big Fish en 2003, largometraje que recibió un total de cuatro nominaciones a los Globos de Oro, y contando con actuaciones de Helena Bonham Carter, Ewan McGregor, Jessica Lange, Albert Finney, Steve Buscemi, Danny DeVito y Alison Lohman. En la película, un encargo de los estudios Disney, Burton intenta devolver algo a la sociedad americana, que según dice él mismo: «"nuestra cultura [estadounidense] es poca porque, nuestro país, es un país de inmigrantes"». Aunque se trata de una de las películas menos oscuras del director, es el mundo original y fresco en donde transcurre la trama lo que más llama la atención y fascina.
Charlie y la fábrica de chocolate Charlie y la fábrica de chocolate fue un éxito en taquilla que recaudó más de 207 millones de dólares tan sólo en Estados Unidos. La imagen, voz y actuación de Johnny Depp como el dueño de la fábrica, Willy Wonka, fueron comparadas con los cantantes Michael Jackson y Marilyn Manson, aunque el actor argumenta que su principal inspiración provino de antiguas estrellas infantiles de televisión americanas.
Corpse Bride Corpse Bride (El cadáver de la novia en Latinoamérica, La novia cadáver en España) es una película más adulta que muchos intentaron comparar, erróneamente, con Nightmare Before Christmas [cita requerida] . La historia está basada en un cuento de la tradición rusa-Judía Ortodoxa, en la que un joven llamado Victor —mientras practica sus votos matrimoniales en el bosque antes de pedirle matrimonio a su prometida—, se compromete accidentalmente con el cadáver de una novia llamada Emily, quien esperaba a su verdadero Tim Burton en la premier de Charlie y la fábrica amor en tiempos anteriores y por tanto, se lleva a Victor al país de los de chocolate. muertos. El filme fue adaptado con toques humorísticos para hacerla un poco más familiar y agradable para las audiencias infantiles. Johnny Depp le dio su voz a Víctor (siendo esta la primera vez que participa como actor de doblaje) y Helena Bonham Carter le dio su voz a la novia cadáver.
Sweeney Todd Aunque Alan Parker había expresado su interés por realizar una versión cinematográfica del musical Sweeney Todd en la década de los años 1980,[28] Burton logró proponer un argumento a Stephen Sondheim, creador del musical, en donde consideró a Johnny Depp y a Helena Bonham Carter para los roles protágonicos del mismo, aunque para realizar la adaptación tiempo después. De esta manera, el cineasta inglés Sam Mendes estuvo a cargo del proyecto desde 2003, aunque posteriormente decidió filmar Jarhead, la cual fue finalmente estrenada en 2005. Por otra parte, Burton volvió a interesarse en la adaptación fílmica del musical, sólo después de que su proyecto Aunque usted no lo crea... de Ripley fuera cancelado por exceder el presupuesto estimado. En 2006, Dreamworks anunciaría que Burton habría de dirigir la película basada en el musical, la cual estaría a su vez protagonizada por Johnny Depp. La adaptación del musical de 3 horas de duración, requirió algunos cambios para lograr convertirse en una película con duración máxima de 2 horas. Es por ello que algunas canciones fueron cambiadas —perdiendo algunos versos originales—, mientras que otras fueron descartadas para el filme. Un aspecto central de este largometraje fue lograr mantener el punto principal de la historia original entre sus tres protagonistas: Sweeney Todd, Mrs. Lovett y Toby. Finalmente, se estrenó en EEUU el 21 de diciembre de 2007. En España se estrenó un poco más tarde, el 15 de febrero de 2008.
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9 Producida en parte por Tim Burton, Timur Bekmambetov y Jim Lemley, 9 ha recibido mitad de comentarios positivos de los críticos, el aspecto de las imágenes es el más elogiado. Sobre la base de 150 comentarios recogidos por Rotten Tomatoes, la película cuenta con un total "Rotten" índice de aprobación del 56% de los críticos, con los críticos Top Ranking ligeramente superior, dándole un "dulce" de calificación de 65% y la película tiene un promedio La puntuación de 6 / 10. En Metacritic, que actualmente tiene una puntuación de 60 de los 100 que indica el promedio de críticas. El sentimiento general de los críticos es que la película es "largo en el diseño imaginativo, pero menos importantes en la narrativa". Todd McCarthy de Variety dijo que "Al final, el impacto de la imagen se deriva principalmente de su diseño y ejecución aseguró". Finalmente, se estrenó en EEUU el 9 de septiembre de 2009 lanzada por Focus Features.
Alicia en el país de las maravillas Alicia en el país de la maravillas se estrenó el 3 de marzo de 2010 en Egipto, Italia y Suecia.[29] Es una adaptación de la novela infantil Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas y A través del espejo y lo que Alicia encontró allí, ambas escritas por Lewis Carroll, y cuenta con la técnica 3-D en su rodaje, el cual comenzó en septiembre de 2008. Está protagonizada por Mia Wasikowska como Alicia, Johnny Depp, en el papel del Sombrerero Loco, Helena Bonham Carter, como la Reina de Corazones y por Anne Hathaway como la Reina Blanca. El elenco se completa con Alan Rickman, Timothy Spall y Christopher Lee, entre otros.
Sombras tenebrosas Sombras tenebrosas es una adaptación cinematográfica de la serie de televisión homónima de gran audencia en Estados Unidos. Dicho film mantiene a lo largo de la historia la mezcla entre elementos góticos propios de Tim Burton, a la vez que se mezcla con sencillez con los elemntos propios de los 70's, epoca en la que transcurre la obra. En cuanto a los actores que interpretan sus personajes, están Johnny Depp como Barnabas Collins, Eva Green como Angelique Brouchard, Michelle Pfeiffer como Elizabeth Collins Stoddard, la matriarca en los 70's, Helena Bonham Carter interpretando a la Dr. Julia Hoffman y Chloe Grace Moretz interpretando a Carolyn Stoddard.
Abraham Lincoln: Vampire Hunter En junio de 2012 se estrenó Abraham Lincoln: cazador de vampiros, basada en la novela Abraham Lincoln, Vampire Hunter, de la cual es productor.
Proyectos Después de realizar la adaptación de Alicia en el país de las maravillas, sus siguientes proyectos son un remake de su cortometraje, Frankenweenie, el cual habrá de adaptar en un filme 3-D acompañado de la técnica stop-motion, para estrenarse en 2012,[30] y la película Sombras tenebrosas, basada en la serie del mismo nombre, transmitida por la cadena ABC en la década de 1960. Comenzó a rodarse en abril de 2011, y su estreno en México fue el 11 de Mayo del 2012.
Vida personal En 1989, Burton se casó con la artista alemana Lena Gieseke, de la cual terminó divorciándose poco tiempo después de la filmación de Batman Returns. Posteriormente estuvo comprometido con Lisa Marie desde 1992 hasta 1995. Desde entonces mantiene una relación con Helena Bonham Carter y tienen dos hijos: un varón llamado Billy-Ray Burton -nacido en octubre de 2003 y cuyo padrino es el amigo de Burton, Johnny Depp -, y una niña, llamada Nell, nacida el 15 de diciembre de 2007 -. Cabe señalar que Bonham Carter ha aparecido en todas las películas de Burton desde 2001. Contrariamente a lo que algunos creen, la pareja no vive en casas separadas en Londres y conectadas por
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medio de un túnel. Cuando a Bonham Carter le preguntaron en Friday Night with Jonathan Ross acerca de estos datos, reveló que viven en dos casas conectadas por un pasillo y que sí duerme en otra habitación, dado que Burton ronca. En una ocasión, Bonham Carter ha comentado que la razón para el estilo y visión únicos de dirección de su prometido es que ella cree que Burton sufre del Síndrome de Asperger, una poco habitual forma de autismo. Ha dicho que esto ha ayudado a inspirar su creatividad y no es un defecto sino una gran virtud.[31] Por otra parte, Burton actualmente no tiene ningún tipo de relación con su hermano Daniel, mientras que su padre, Bill -un antiguo jugador de ligas menores de béisbol -, murió en octubre de 2000 durante el rodaje de El planeta de los simios, y su madre, Jean, falleció en marzo de 2002. Vanity Fair publico la lista de los Top 40 celebridades de Hollywood con más ingreso a lo largo de 2010. Burton fue clasificado no. 6 en la lista, ganó un estimado $53 millones por sus películas.[32]
Actores habituales Burton suele usar ciertos actores más de una vez, aunque solo sea para hacer pequeños papeles dentro de una película. Se entiende que en películas tales como "Corpse Bride" o "The Nightmare Before Christmas", los actores mencionados son las voces de los personajes animados. Charlie y Pee-wee's Big
Edward
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The
El
la
Alicia en
Nightmare
planeta
fábrica
el país de
Before
Ed
Mars
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de los
Adventure Beetlejuice Batman Scissorhands Returns Christmas Wood Attacks! Hollow simios Actor
(1985)
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(1999) (2001) (2003)
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(2005)
Todd (2007)
las
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maravillas tenebrosas Frankeeweenie (2010)
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Características personales de la obra de Burton • El cine surrealista y oscuro, que ha inspirado a Tim Burton, pero también a Terry Gilliam y a los Hermanos Quay (Timothy Quay y Stephen Quay), está inspirado en el director de animación checo Jan Svankmajer.[33] • Las características físicas de los protagonistas son extremas: muy altos, muy cortos, muy esbeltos y muy gordos son algunas de las más notorias. • Casi todos sus personajes se caracterizan por tener enormes ojeras como si no hubieran dormido en días (por ejemplo, Edward Scissorhands, el Pingüino, Sweeney Todd, Katrina Van Tassel, etc.). A esto el director le suele llamar "estilo de cine mudo". • Incorporación de personajes siniestros y autodidactas. • Frecuentemente recurre a los nombres Edward, Vincent y Víctor para sus personajes principales.
(2012)
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• La gama de color en sus películas son de dos tipos: siniestra, usando colores negros, índigos, verdes, rojos y grises (Edward Scissorhands, Batman) y fantástica, usando tonos pasteles y blancos contrastados con colores primarios (Charlie y la fábrica de chocolate, Mars Attacks!) • Su estilo y temas visuales están influenciados por las películas de horror de la década de 1920 a 1930, especialmente aquellas de James Whale y F.W. Murnau, junto con las películas del expresionismo alemán. Las ilustraciones de Edward Gorey son otras influencias, mientras que el motivo de cadáveres de Burton parece mostrar influencias del artista Edward Burra [34]. A su vez, en sus obras se ve la influencia del Dr. Seuss y de las películas de Víctor Moll en especial "Las aventuras del Baron Munchaussen". • Hay muchas curvas elegantes trabajadas en los diseños de muchas cosas vistas en pantalla. Los extremos de las líneas muchas veces se vuelven espirales. La más famosa de ellas es la colina en The Nightmare before Christmas. • Muchas películas, como Batman Returns, The Nightmare Before Christmas, Charlie y la fábrica de chocolate, Corpse Bride y Edward Scissorhands están ubicadas en navidad, durante el invierno o el intercambio de regalos. • A muchos de sus personajes se les da un trasfondo concerniente a sus relaciones con sus padres, a veces como medios de explicar su comportamiento errático. Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica de chocolate, Big Fish y Edward Scissorhands son ejemplos prominentes. • Frecuentemente incluye perros muertos (pues son sus animales favoritos y para él la amistad entre hombre y perro adquiere un carácter simbólico), payasos, mosaicos a cuadros blancos y negros, árboles torcidos, linternas de calabaza, espantapájaros, serpientes a rayas, edificios típicos de películas de terror y mariposas. • Sus películas tienen subtextos góticos. • Personaliza el logo de la productora al principio de sus películas. • Sus personajes principales tienden a ser parias sociales, y son usualmente tímidos, con una complexión pálida y alocado cabello negro, similar al suyo. Suelen ser altos y estilizados, de extremidades finas y alargadas. Los ojos de sus personajes suelen ser muy expresivos y otro rasgo típico es el de tener la boca pequeña. • Los créditos de entrada usualmente son en travelling. También tienden a ir sobre, a través o dentro de algún tipo de efecto visual.
Filmografía Año
Película
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Vincent
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Done
1984
Frankenweenie
Done
Done
1985
Pee-wee's Big Adventure
Done
1988
Beetlejuice
Done
1989
Batman
Done
1990
Edward Scissorhands
Done
Done
1992
Batman Returns
Done
Done
1993
The Nightmare Before Christmas
Done
1994
Cabin Boy
Done
Ed Wood
Director Productor Escritor
Done
Done
1995
Batman Forever
Done
1996
James and the Giant Peach
Done
1999
Mars Attacks!
Done
Sleepy Hollow
Done
Done
Done
Done
Tim Burton
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El Planeta de los simios
Done
2003
Big Fish
Done
2005
Charlie y la fábrica de chocolate
Done
Corpse Bride
Done
2007 Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet
Done
2009
9
2010
Alice in Wonderland
Done
2012
Sombras tenebrosas
Done
Done
Abraham Lincoln: Vampire Hunter
2014
Done
Done
Frankenweenie
Done
Done
La familia Addams
Done
Done
Done
Videos musicales • Bones de The Killers (2006)
Como animador • • • • •
Stalk of the Celery Monster (1979) El Zorro y el Sabueso (Tod y Toby) (1981) - No acreditado Luau (1982) Tron (1982) - No acreditado Taron y el caldero mágico (1985) - No acreditado
En televisión • Serie Teatro Fantástico - Director de capítulo Aladino y su Lámpara Maravillosa (1985) • Serie Alfred Hitchcock Presenta - Remake de capítulo "The Jar" basado en el cuento del mismo nombre de Ray Bradbury(1985) • Serie Historias asombrosas: Perro de familia - animador de personajes (1993) • Perdidos en Oz - no producido
En cameos y otros trabajos • • • • • •
La Película de los Muppet (1979) - Como actor manejador de un muppet Solteros (1992) Hoffa (1992) La melancólica muerte del Chico Ostra y otras historias (1997) - Libro de poemas oscuros Coraline (2009) - Promoción Men in Black III (2012) - Padre alien ( actuación especial )
Tim Burton
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Premios Premios Óscar Año
Categoría
Película
Resultado
2011 Mejor efectos visuales
Alicia en el país de las maravillas Nominado
2011 Mejor direccion artistica
Alicia en el país de las maravillas Ganador
2011 Mejor diseño de vestuario
Alicia en el país de las maravillas Ganador
2006 Mejor película de animación Corpse Bride
Nominado
2005 Mejor diseño de vestuario
Nominado
Charlie y la fábrica de chocolate
Premios Globo de Oro Año
Categoría
Película
Resultado
2008 Mejor película - Comedia o musical Sweeney Todd Ganador 2008 Mejor director
Sweeney Todd Nominado
Premios BAFTA Año
Categoría
Película Resultado
2004 Mejor director Big Fish Candidato
Festival Internacional de Cine de Cannes Año
Categoría
Película Resultado
1995 Palma de Oro Ed Wood Candidato
Festival Internacional de Cine de Venecia Año
Categoría
Película
Resultado
2005 Premio Future Film Festival Digital Corpse Bride Ganador
Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6] [7] [8] [9]
http:/ / www. timburton. com http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000318 Leah Gallo, "The Art of Tim Burton" (Steeles Publishing, Los Angeles) p8. Fechas de estreno (http:/ / www. imdb. com/ title/ tt1014759/ releaseinfo) en IMDB. Tim Burton (1994). My Art and Films. HarperCollins. ISBN 0-06-096954-7 Mark Salisbury (1999). Tim Burton por Tim Burton. Editorial Alba, página 15 Mark Salisbury (1999), Tim Burton por Tim Burton. Editorial Alba, página 19. ISBN 84-89846-48-0 « The Tim Burton Collective - Biography (http:/ / www. timburtoncollective. com/ bio. html)». Consultado el 2008-12. Biography.com. « Tim Burton Biography (http:/ / www. biography. com/ articles/ Tim-Burton-9542431)» (en inglés). Consultado el 25 de julio de 2009. «As a child, Burton was engrossed with the classic horror films of Roger Corman—many of which featured quintessential screen villain Vincent Price.». [10] « Tim Burton - By Ben Andac (http:/ / archive. sensesofcinema. com/ contents/ directors/ 03/ burton. html)». Consultado el 2008-12. [11] Tim Burton (1997). The Melancholy Death of Oyster Boy & Other Stories. HarperCollins, 115 pp. ISBN 0-688-15681-9 [12] A manera de tributo, ambos aspectos los relacionaría en la obra Ed Wood. [13] Al momento de ingresar a la universidad, Burton pensó que si se incorporaba al programa de animación creado por Disney, podría mejorar profesionalmente y hacerse de un futuro prometedor. Además, otro factor importante que influyó fue el otorgamiento de una beca económica. [14] El término correcto que se emplea para designar los planes de estudio del Instituto de Artes de California, es «a breeding group for new animators». [15] Dave Smith (1996). Disney A to Z: The updated official Encyclopedia. Editorial Hyperion, página 81 ISBN 0-7868-8149-6
Tim Burton [16] Antes de involucrarse en The Fox and the Hound, Burton dirigió las películas de bajo presupuesto Doctor of Doom y Luau, en 1980, las cuales sólo pueden ser vistos en algunos segmentos de la biografía de A&E sobre Burton. [17] Mark Salisbury, Tim Burton por Tim Burton, página 21 [18] Mark Salisbury y Tim Burton (2000). Burton on Burton: Revised Edition. Faber and Faber. ISBN 0-571-20507-0. [19] Vincent fue lanzado originalmente junto con el drama juvenil Tex, en una única sala de cine de Los Ángeles, permaneciendo durante dos semanas en exhibición. [20] (en inglés) Hansel and Gretel: The Tim Burton Movie You’ve Never Seen (http:/ / www. slashfilm. com/ 2007/ 12/ 30/ hansel-and-gretel-the-tim-burton-movie-youve-never-seen/ ). SlashFilm.com. . Consultado el 25 de julio de 2009. [21] (en inglés) Hansel and Gretel (1982/II) (TV) (http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0249567/ ). IMDb. . Consultado el 25 de julio de 2009. [22] « "Trivia" (http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0087291/ trivia)» (en inglés). [23] Marc Graser (en inglés). Burton, Disney team on 3D films (http:/ / www. variety. com/ article/ VR1117976106. html?categoryid=13& cs=1). Variety. . [24] Desde entonces, Danny Elfman ha trabajado junto a Burton en la mayoría de sus películas, excepto Ed Wood y Sweeney Todd. [25] Depp continuaría colaborando en el reparto estelar de las siguientes producciones de Burton, como Ed Wood, Sleepy Hollow: La Leyenda del Jinete sin Cabeza, Charlie y la fábrica de chocolate, Corpse Bride (La Novia Cadáver), y su más reciente musical, Sweeney Todd. [26] Burton colaboraría nuevamente con Selick para producir un nuevo filme estilizado en la técnica stop-motion, Jim y el Durazno Gigante en 1996. [27] « (http:/ / www. answers. com/ topic/ tim-burton)». [28] Daly, Steve (31 de octubre, 2007). 'Sweeney Todd': A Musical on the Cutting Edge (http:/ / www. ew. com/ ew/ article/ 0,,20155983,00. html). Entertainment Weekly. . [29] Alice in Wonderland, ficha en IMDB (http:/ / www. imdb. com/ title/ tt1014759/ ) [30] Marc Graser. « Burton, Disney team on 3D films (http:/ / www. variety. com/ article/ VR1117976106. html?categoryid=13& cs=1)», Variety, 15-11-2007. Consultado el 16-11-2007. [31] « Helena Bonham Carter's Child Craving - The Fightclub actress fears she is too old to have more kids - Softpedia (http:/ / news. softpedia. com/ news/ Helena-Bonham-Carter-s-Child-Craving-12651. shtml)». [32] Newcomb, Peter. « Hollywood’s Top 40 (http:/ / www. vanityfair. com/ hollywood/ features/ 2011/ 03/ hollywood-top-earners-201103?currentPage=3)», Vanity Fair, marzo de 2011. Consultado el 3/3/12. [33] Las extrañas criaturas del padre de Tim Burton, Público, 19/11/2010 (http:/ / www. publico. es/ culturas/ 347494/ las-extranas-criaturas-del-padre-de-tim-burton) [34] http:/ / www. tate. org. uk/ collection/ N/ N05/ N05005_9. jpg
Bibliografía • Burton, Tim y Fraga, Kristian (2005) Tim Burton: entrevistas University Press of Mississippi, Jackson, MS, ISBN 1-57806-758-8; • Hanke, Ken (1999) Tim Burton: una biografía no autorizada del director Renaissance Books, Los Angeles, ISBN 1-58063-046-4; • Lynette, Rachel (2006) Tim Burton, director KidHaven Press, San Diego, CA, ISBN 0-7377-3556-2; • Maio, Kathi (May 1994) "Sick puppy auteur?" The Magazine of Fantasy and Science Fiction 86(5): pp. 121-126; • McMahan, Alison (2005) Las películas de Tim Burton: animando la acción en Hollywood contemporáneo Continuum, New York, ISBN 0-8264-1566-0; • Merschmann, Helmut (2000) Tim Burton: La Vida y Obra de un Director Visionario Titan Books, London, ISBN 1-84023-208-0; • Page, Edwin (2006) Fantasía Gótica: las películas de Tim Burton Marion Boyars Publishers, London, ISBN 0-7145-3132-4; • Salisbury, Mark (2006) "Burton en Burton" Edición Revisada. Faber and Faber, London, ISBN 0-571-22926-3; • Smith, Jim y Matthews, J. Clive (2002) Tim Burton Virgin, London, ISBN 0-7535-0682-3; • Woods, Paul A, (2002) Tim Burton: un jardín de niños de pesadillas Plexus, London, ISBN 0-85965-310-2;
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Tim Burton
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Enlaces externos • Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Tim Burton. Wikiquote • Web oficial (http://www.timburton.com/) • Ficha de Tim Burton en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000318) y en español (http://www.imdb. es/name/nm0000318) en Internet Movie Database. • Bibliografía de Tim Burton (http://www.lib.berkeley.edu/MRC/burton.html) (vía UC Berkeley, en inglés) • Los 10 Magníficos (http://www.canaltcm.com/los10magnificos/ver/los10magnificos-tim-burton), monográfico sobre Burton emitido en TCM.
Tony Scott Tony Scott
Tony Scott en 2012 Nombre real
Anthony David Scott
Nacimiento
Stockton-on-Tees, Reino Unido 21 de julio de 1944
Fallecimiento Los Ángeles, Estados Unidos 19 de agosto de 2012 (68 años) Años activo/a 1969 - 2012 Familia Cónyuge
Gerry Scott (1967–1974) Glynis Sanders (1986–1987) Donna W. Scott (1994–2012)
Hijo/s
Dos Ficha
[1]
en IMDb
Anthony "Tony" David Scott (21 de julio de 1944 – 19 de agosto de 2012)[2] fue un director de cine británico. Era hermano del también director de cine Ridley Scott.
Tony Scott
Biografía Primeros años Nació en Stockton-on-Tees en las tierras de labranza del norte de Inglaterra. Las primeras relaciones de Tony Scott con la producción de cine no fueron detrás de la cámara, sino delante de ella. A los 16 años apareció en Boy and bicicle, un cortometraje que suponía el debut como director de su, por entonces con 23 años, hermano Ridley. Siguiendo los pasos de su hermano, Tony se graduó primero en West Hartlepool College of Art y después en West Hartlepool College of Art. Intentando conventirse en pintor, fue el éxito de la creciente compañía de producción de anuncios de televisión de su hermano, Ridley Scott Associates (RSA), la que cambiaría su atención hacia el cine. "Tony quería hacer documentales al principio. Y le dije, 'No vayas a la BBC, ven conmigo primero.' Yo sabía que él tenía afición por los coches, así que le dije 'Ven a trabajar conmigo y en un año tu tendrás un Ferrari'. Y él lo hizo". En el transcurso de las siguientes dos décadas, Scott dirigiría literalmente miles de anuncios de televisión para RSA, mientras él también supervisaba las operaciones de la compañía durante los periodos en los que su hermano estaba desarrollando su carrera fílmica, finalmente en marcha con Los duelistas en 1977 y Alien, el octavo pasajero en 1979. Tony también tuvo tiempo en 1975 para dirigir una adaptación de una historia de Henry James, L'Auteur de Beltraffio, para la televisión francesa, un proyecto en el que el acabó recalando por su victoria en un cara o cruz contra su hermano. Después del considerable éxito de algunos directores de anuncios británicos Hugh Hudson, Alan Parker, Adrian Lyne y su hermano mayor en los últimos años de los 70 y de principios de los 1980, Scott empieza a recibir las insinuaciones de Hollywood para él mismo cuando la tragedia ocurre. En 1980, su hermano mayor Frank muere de cáncer.
Años 1980 Afligido, sin embargo, Scott persistiría en intentar lanzar su carrera en el cine. Entre los proyectos que le interesaban estaba la adaptación de la novela de Anne Rice Entrevista con el vampiro, que entonces se encontraba en desarrollo. La MGM, sin embargo, tenía su propia historia de vampiros que ellos querían que Scott dirigiera: después de no poder convencer a la compañía de dejar su proyecto y tomar en su lugar el de Entrevista con el vampiro, Scott de todos modos decidió aceptar el proyecto de la MGM, y usar en él todos los conceptos visuales de diseño que había desarrollado para Entrevista con el vampiro. En 1982, Scott empezó la producción de El ansia. Un sensual, modesto, tímidamente "artístico" esfuerzo, El ansia es protagonizado por David Bowie y Catherine Deneuve como unos vampiros de la sociedad elegante de Manhattan, buscando desesperadamente una cura médica para frenar el rápido envejecimiento de Bowie. Con su notoriamente bella fotografía y un suntuoso diseño de producción, El ansia fue en conjunto distinta de cualquiera otra película estrenada al mismo tiempo en 1983. Quizá de forma no sorpresiva, la película falló en encontrar audiencia, siendo maltratada por los críticos e ignorada en la recaudación. Sin embargo, la película ganó posteriormente un estatus de película de culto; encontrándose durante bastante tiempo sin empleo en Hollywood, en los siguientes dos años y medio, Scott volvió a los anuncios hasta su siguiente rodaje de una película de éxito. Esa oportunidad se presentó por sí sola en la forma de una oferta de los productores Don Simpson y Jerry Bruckheimer para dirigir una película llamada Top Gun. Entre los pocos admiradores de El ansia durante su estreno inicial, Simpson y Bruckheimer habían acordado escoger a Scott en gran parte debido a un anuncio que había hecho para la marca sueca de coches Saab a principios de los años 1980: en el spot, un Saab 900 Turbo compite con un caza de combate. Sintiendo que ellos habían encontrado a su hombre, ofrecieron el proyecto a Scott. Él, sin embargo, estuvo inicialmente reacio. "Yo seguía hablando sobre ella en términos de películas como Apocalipsis now o Mad Max 2. El guerrero de la carretera, lo que los asustó como si fuera el infierno. Proviniendo de un trasfondo artístico, mi sensibilidad tendía a ser un poco oscura. Yo seguía pensando en términos de Apocalipsis Now en una carrera de aviones. Ellos (Simpson y Bruckheimer) seguían diciendo, 'No, no, no.' Entonces, un día, caí en la cuenta. Entendí lo que ellos buscaban. No
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Tony Scott era Apocalipsis Now, era aviones plateados compitiendo contra el brillante cielo azul. Era rock and roll en el cielo." Los instintos de Simpson y Bruckheimer demostraron ser correctos. Los talentos visuales de Scott ayudaron a hacer de Top Gun una de las películas más taquilleras de 1986, obteniendo más de 176 millones de dólares, y haciendo una estrella de su joven protagonista, Tom Cruise. Siguiendo al éxito de Top Gun, Scott se encontró a sí mismo en la lista principal de Hollywood de directores de acción. Volviendo a formar equipo con Simpson y Bruckheimer en 1987, Scott dirigió a Eddie Murphy en la muy anticipada secuela Superdetective en Hollywood II. Un fallo entre la crítica, la película se convirtió sin embargo en una de las más taquilleras del año. Su siguiente película, Venganza (Revenge), fue un cambio de ritmo para el director. Protagonizada por Kevin Costner y Madeleine Stowe, la película fue un escabroso y brutal thriller de adulterio y (no sorprendentemente) venganza que tenía lugar en México. La producción, sin embargo, no fue agradable para Scott, en tanto que la película le fue quitada de las manos en post-producción, y re-editada por la insistencia del productor Ray Stark. La película fue un fallo de crítica y también comercial, aunque como en el caso de El ansia, su reputación empezó a mejorar a medida que los años pasaban.
Años 1990 En 1990, Scott retornó al redil de Simpson-Bruckheimer para encabezar la gran producción sobre coches de carreras Días de trueno. Una vez más dirigiendo a Tom Cruise en una aventura de un talentoso pero temerario joven que debe dominar sus emociones así como a su máquina, las similitudes con Top Gun no pasaron desapercibidas. A diferencia de su predecesora, la película fue una decepción en taquilla cuando fue estrenada en el verano de 1990. La siguiente película de Scott, El último boy scout, funcionó algo mejor, su adusto y calmado tono (con unos marcados matices de misoginia) y la dura violencia probaron ser demasiado para los espectadores vacacionales en el momento de su estreno en diciembre de 1991. Fue, sin embargo, un modesto éxito comercial, particularmente en comparación con la anterior producción de su protagonista Bruce Willis, El gran Halcón. Sintiendo que quizá había sido encasillado como un director de películas de alta tecnología y acción, Scott volvió su atención a producción de mucha menor escala, aunque con obras tan técnicamente pulidas y visualmente logradas como el resto de su trabajo. A través de una entrevista arreglada por un antiguo empelado, Scott fue presentado a un brillante y extremadamente entusiasta empleado de video-club convertido en un pujante director con el nombre de Quentin Tarantino. Tarantino le ofrece muestras de su trabajo para que las lea, entre ellas los guiones de Reservoir Dogs y Amor a quemarropa. Scott le dice a Tarantino que le encantaría realizar ambas. Tarantino, sin embargo, mostró una remarcable tenacidad para un director que no había todavía finalizado una película, y amablemente le respondió a Scott que él no podría tener los derechos de Reservoir Dogs, ya que Tarantino preveía dirigir esta él mismo. Scott pudo, sin embargo, realizar Amor a quemarropa. Hecha por 13 millones de dólares en 1993, una fracción de lo que habían costado sus cuatro películas anteriores, Amor a quemarropa una audaz y exuberante variación de la temática de Bonnie y Clyde. Disponiendo de un reparto de primera fila que incluía a Christian Slater, Dennis Hopper, Christopher Walken, Gary Oldman, Brad Pitt, Tom Sizemore, Chris Penn, Val Kilmer y, en pequeños papeles, James Gandolfini y Samuel L. Jackson, Amor a quemarropa fue la película que ayudó a ganar la percepción sobre Scott de que era un bien pagado "mulo" de Hollywood, a que era un autor de acción muy habilidoso. Aunque la respuesta a la película fue inicialmente indiferente, como la mayor parte del trabajo de Scott, ésta pronto desarrolló un fuerte culto. Y mientras que la mayoría de la cobertura de la prensa se centró en su guionista estrella, Amor a quemarropa es en cada escena una vuelta de tuerca para Tony Scott como lo es para Quentin Tarantino. El propio Tarantino era un auto-confesado "gran fan de Tony Scott", y estuvo enormemente complacido con el producto final, incluso accedió a grabar una pista de comentarios para la edición especial en DVD de la película. La siguiente película de Scott lo devolvió nuevamente a la asociación Simpson-Bruckheimer para un thriller de gran presupuesto, pero al contrario que en sus colaboraciones anteriores, esta mostraba un renovado interés en fuertes caracterizaciones. Marea roja, thriller de submarinos protagonizado por Gene Hackman y Denzel Washington, fue
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Tony Scott un éxito de recaudación en 1995 y confirmó el estatus como un director de primera fila, capaz de manejar talento interpretativo de alto nivel. Su siguiente película, Fanático, contenía un reparto igualmente fuerte (Robert De Niro, Wesley Snipes, Ellen Barkin, Benicio del Toro, etc.), pero fue quizá el punto más bajo de la filmografía de Scott, una película que ni complació a la crítica ni a los espectadores, y al contrario que El ansia, no parece que vaya a ser redescubierta en poco tiempo. Scott volvió en 1998 con Enemigo público, thriller paranoico protagonizado por Will Smith y Gene Hackman. Apareciendo como una versión cargada de anfetaminas de La Conversación (1974) de Francis Ford Coppola, el thriller de alta tecnología de Scott fue bien recibido tanto por la crítica como por la audiencia.
Años 2000 Sus siguientes películas, Spy Game: Juego de espías (2001) y Déjà Vu (2006) , aunque adicionales demostraciones de sus habilidades técnicas, las realiza a expensas de sus habilidades de narración. A excepción de Hombre en llamas (2004) quizá su mejor película hasta la fecha por su soberbia estructura narrativa dividida en dos partes. La influencia del trabajo de Scott en una entera generación de directores de anuncios y videos musicales pueden encontrarse en las películas de Michael Bay y Antoine Fuqua, entre otros. También dirigió la película Domino, basada en la vida de la cazarrecompenzas Domino Harvey. Luego rodo Hombre en llamas, o El fuego de la venganza con Denzel Washington, en esta el virtuosismo técnico de Tony Scott, está fuera de toda duda. Aquí le saca todo el partido posible a su cámara y a su modo de rodar visualmente impactante y realista, tremendamente atractivo, con un uso también intenso de los recursos técnicos -ralentización, colores, angulaciones, transiciones trepidantes- de los que ya hizo gala en Spy Game (2001), su anterior película. En 2006, Scott volvió a reunirse con Denzel Washington para la película de acción futurista Déjà Vu. Su desempeño fue sólido, si no espectacular, tanto con sus colegas, su público y con los críticos. Para esta película, Scott utilizó un estilo más tradicional de dirección de lo que había en la frenética Domino. Luego, junto con su hermano de Ridley Scott, co-produce la serie de televisión Numb3rs. Tony Scott dirigió el primer episodio de la cuarta temporada. Scott, una vez más se asoció con Denzel Washington con quien han tenido una gran conexión en The Taking of Pelham 123 (película de 2009) también protagonizada por John Travolta y fue estrenada en los cines el 12 de junio de 2009. La película fue un remake de la película original de 1974 del mismo título, protagonizada por Walter Matthau y Robert Shaw. 2009 también vio el comienzo de The Good Wife, una serie dramática jurídica a la que Tony y su hermano contribuyeron, como dos de los productores ejecutivos. Los hermanos Scott también produjeron la adaptación cinematográfica de El equipo A. Su siguiente película, Imparable, de nuevo protagonizada por Washington (con Chris Pine), se estrenó en noviembre de 2010.
Muerte El 19 de agosto de 2012 hacia las 12:30 p.m. se informó de su suicidio tras arrojarse del puente Vincent Thomas en San Pedro, un distrito portuario de Los Ángeles, California.[3] Investigadores del Departamento de Policía de Los Ángeles encontraron su automóvil estacionado cerca del puente y una nota de suicidio dentro del mismo. Aparentemente la razón de su suicidio es un cáncer cerebral diagnosticado como inoperable; esto de acuerdo con el portal de noticias ABC News.[4]
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Tony Scott
Filmografía Películas • • • • • • • • • • • • • •
The Hunger (1983) Top Gun (1986) Beverly Hills Cop II (1987) Revenge (1990) Days of Thunder (1990) El último boy scout (1991) True Romance (1993) Marea roja (1995) The Fan (1996) Enemy of the State (1998) Spy Game (2001) Man on Fire (2004) Domino (2005) Déjà Vu (2006)
• The Taking of Pelham 123 (2009) • Unstoppable (2010)
Televisión • • • • •
The Hunger (un episodio en 1997 y uno en 1999) Numb3rs, productor ejecutivo (2009 - 2010) The Good Wife, productor ejecutivo (2009 - 2012) Gettysburg, productor ejecutivo (2011) Labyrinth, productor ejecutivo (2012)
Cortometrajes • • • •
Loving Memory (1969) One of the Missing (1971) The Hire: Beat the Devil (2002) Agent Orange (2004)
Videos musicales • "Danger Zone" – Kenny Loggins (1986) • "One More Try" – George Michael (1988)
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Comerciales • • • • •
DIM Underwear (1979) Player, Achievements y Big Bang para Barclays Bank (2000) Telecom Italia (2000) (protagonizado por Marlon Brando y Woody Allen) Ice Soldier para el ejército de EE. UU. (2002) One Man, One Land para Marlboro (2003)
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001716 [2] « Conmoción en Hollywood: se suicidó el director de Top Gun (http:/ / www. minutouno. com/ notas/ 259729-se-suicido-tony-scott-el-director-top-gun)». minutouno (19 de agosto de 2012). [3] « BREAKING: Film director Tony Scott jumps to his death from Vincent Thomas Bridge (http:/ / www. contracostatimes. com/ california/ ci_21349685/ breaking-man-who-jumped-from-vincent-thomas-bridge)» (19 de agosto de 2012). Consultado el 20 de agosto de 2012. [4] Thom Geier (20 de agosto de 2012). « 'Top Gun' director Tony Scott dies at age 68 in apparent suicide (http:/ / www. webcitation. org/ 6A3QfTsU6)». Entertainment Weekly. Archivado desde el original (http:/ / insidemovies. ew. com/ 2012/ 08/ 20/ top-gun-director-tony-scott-dies-in-an-apparent-suicide/ ), el 20 August 2012. Consultado el 20 de agosto de 2012.
Enlaces externos • Tony Scott (http://imdb.com/name/nm0001716/) en la Internet Movie Database (en inglés)
Vittorio De Sica Vittorio De Sica Nombre real
Vittorio Domenico Stanislao Gaetano Sorano De Sica
Nacimiento
Sora, Frosinone, Lacio, Italia 7 de julio de 1901
Fallecimiento
Neuilly-sur-Seine, Francia 13 de noviembre de 1974 (73 años) Familia
Cónyuge
Giuditta Rissone (1933 - 1968) María Mercader (1968 - 1974)
Hijo/s
Manuel De Sica Christian De Sica Premios
Premios Óscar 4 Ficha
[1]
en IMDb
Vittorio Domenico Stanislao Gaetano Sorano De Sica (Sora, 7 de julio de 1901 – Neuilly-sur-Seine, 13 de noviembre de 1974) fue un director de cine y actor italiano, ganador de cuatro Premios Óscar.[2] Nació en Sora, en la provincia de Terra di Lavoro, en la región de Campania (hoy en provincia de Frosinone, Lacio), hijo del empleado de banco y asegurador Umberto (nacido en Regio de Calabria, pero de origen salernitano) y de la napolitana Teresa Manfridi. De niño se trasladó a Roma, donde en la década de 1930 consiguió tener su propia
Vittorio De Sica compañía teatral e iniciar una segunda carrera cinematográfica como actor y director. Figura clave del movimiento cinematográfico, conocido como neorrealismo italiano, al que contribuyó con dos destacadas películas, escritas en colaboración con Cesare Zavattini: Sciucià (traducida en España como El limpiabotas, Sciuscià es una deformación de la expresión inglesa «shoe shine»: el film narra la historia de un grupo de niños que durante la Segunda Guerra Mundial se ofrecen para trabajar como limpiabotas para los soldados estadounidenses) y su universalmente conocida Ladrón de bicicletas. Vittorio se inició en la escena cuando en 1927 ingresó en calidad de segundo actor joven en la compañía de Sergio Tofano, Luigi Almirante y Giuditta Rissone. Después de estas dos películas continuó con Milagro en Milán, producida en 1950 y Umberto D en 1952. A partir de esta época, De Sica se fue alejando del cine «de autor» para participar en proyectos menos ambiciosos y con una mayor carga comercial. En la década de 1970, volvió el De Sica más personal, con películas como El jardín de los Finzi Contini y el que sería su último filme, El viaje (1974). La crítica destaca asimismo su film de 1961 La ciociara, conocida en España como Dos mujeres. Habría de valerle a Sophia Loren el Óscar a la mejor actriz. Una de sus primeras apariciones como actor fue en la película Gli uomini, che mascalzoni! (¡Que descarados son los hombres!) de 1932 en la que canta la famosa canción Parlami d'amore, Mariù y destacó, entre otras muchas películas, en El general della Rovere, donde interpreta a un estafador de poca monta que acepta hacerse pasar por un general badogliano (partidario del presidente del gobierno Pietro Badoglio, militar nombrado para tal cargo por el Rey tras la deposición de Benito Mussolini y el armisticio del 8 de septiembre de 1943) abatido por los alemanes al intentar entrar en Italia para ponerse al frente de la Resistencia, y de la evolución moral del personaje de De Sica de estafador sin principios a héroe de la lucha antinazi. Para el rodaje de La puerta del cielo, Vittorio de Sica dio trabajo como extras a alrededor de 300 judíos y otros amenazados por el nazismo. Para evitar su captura y deportación, el director de Ladrón de bicicletas prolongó lo más que pudo el trabajo, permitiendo así que pudieran eludir el cerco nazi-fascista hasta la llegada de los aliados en junio de 1944.[3] De su relación con la actriz barcelonesa María Mercader,[4] nacieron dos hijos: el actor Christian y el compositor Manuel. De una relación anterior con la actriz Mimí Muñoz nació la actriz Vicky Lagos.[5] Falleció el 13 de noviembre de 1974 en Neuilly-sur-Seine, Francia, tras una intervención quirúrgica.
Filmografía Director • • • • • • • • • • • •
1940: Rosas escarlata (Rose scarlatte) 1941: Nacida en viernes (Teresa Venerdì) 1941: Magdalena, cero en conducta (Maddalena zero in condotta) 1942: Recuerdo de amor (Un garibaldino al convento) 1943: Los niños nos miran (I bambini ci guardano) 1945: La puerta del cielo (La porta del cielo) 1946: El limpiabotas (Sciuscià) 1948: Ladrón de bicicletas o Ladrones de bicicletas (Ladri di biciclette) 1951: Milagro en Milán (Miracolo a Milano) 1952: Umberto D. 1953: Estación Termini (Stazione Termini) 1954: El oro de Nápoles
• 1956: El techo (Il tetto) • 1960: Dos mujeres (La ciociara) • 1961: El juicio universal (Il giudizio universale)
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Vittorio De Sica • • • • • • • • • • • • • • • •
1962: Boccaccio 70 (Boccaccio '70), episodio «La rifa» 1962: Los secuestrados de Altona, (I sequestrati di Altona) 1963: Ayer, hoy y mañana (Ieri, oggi, domani) 1963: El especulador (Il Boom) 1964: Matrimonio a la italiana (Matrimonio all'italiana) 1965: Un mondo nuovo 1966: Tras la pista del zorro (Caccia a la volpe) 1967: Siete veces mujer (Woman Times Seven) 1967: Las brujas (Le streghe), episodio "Una sera come le altre" 1968: Amantes (Amanti) 1970: Tres parejas (Le coppie), episodio «El león». 1970: El jardín de los Finzi-Contini I y II (Il giardino dei Finzi-Contini I y II) 1970: Los girasoles (I girasoli) 1972: ¿Y cuando llegará Andrés? (Lo chiameremo Andrea) 1973: Las vacaciones (Una breve vacanza) 1974: El viaje (Il viaggio)
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001120 [2] http:/ / www. annuariodelcinema. it/ site/ index. php?option=com_content& task=view& id=21& Itemid=38 [3] Vittorio de Sica, émulo de Juan XXIII (http:/ / www. raoulwallenberg. net/ ?es/ salvadores/ italianos/ desica/ vittorio-sica-emulo-juan-xxiii. 501102. htm) [4] María Mercader en imdb (http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0580140/ ) [5] Gomez Garcia, Manuel: Diccionario Akal de teatro AKAL 1997 ISBN 9788446008279 pág 579 (http:/ / books. google. es/ books?id=Gyvrmz5K2toC& pg=PA579& dq=Muñoz,+ Mimi& cd=1#v=onepage& q=Muñoz, Mimi& f=false)
Enlaces externos •
Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Vittorio De Sica. Wikiquote
• Ficha de Vittorio de Sica en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0001120) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0001120) en Internet Movie Database. • Imágenes de Vittorio de Sica cantando junto a Mina. (http://www.youtube.com/watch?v=6LDemcEnxqc& feature=related)
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Walt Disney
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Walt Disney Para la compañía, véase The Walt Disney Company Walt Disney
Walt Disney a los 52 años (enero de 1954). Nombre real
Walter Elias Disney
Nacimiento
Chicago (Illinois, EE.UU.) 5 de diciembre de 1901
Fallecimiento
Burbank (California, EE.UU.) 15 de diciembre de 1966 (65 años)
Años activo/a 1920 - 1966 Familia Cónyuge
Lillian Disney Ficha
[1]
en IMDb
Walter Elias Disney (n. Chicago, Illinois; 5 de diciembre de 1901 – f. Burbank, California; 15 de diciembre de 1966), fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Fue el fundador, junto con su hermano Roy O. Disney, de The Walt Disney Company,[2] empresa que genera unos ingresos anuales de 30.000 millones de dólares, y el principal artífice de un estilo inconfundible de películas de dibujos animados.
Los comienzos Infancia Walt Disney nació el 5 de diciembre de 1901 y tuvo la infancia típica del hijo de un granjero. Su padre, Elias Disney (1859-1941), de antepasados irlandeses,[3]había llegado a Estados Unidos desde Canadá y se había instalado en Chicago poco después de contraer matrimonio con la maestra de escuela Flora Call (1868—1938), en 1888. Walt nació en 1901, siendo el cuarto de los cinco hijos del matrimonio.[4] En 1906 —según algunos, huyendo de la creciente criminalidad existente en Chicago—,[5] la familia se trasladó a una granja en las cercanías de Marceline, Misuri. Más adelante, Disney diría que esos fueron los años más felices de su vida. Como tanto él como su hermana menor, Ruth, eran demasiado pequeños para ayudar en las labores de la granja, pasaban la mayor parte del tiempo jugando. De esta época datan los primeros escarceos de Disney con el dibujo y su gran afición por los trenes. Este período idílico concluyó pocos años después. En 1909, Elias Disney cayó repentinamente enfermo de fiebres tifoideas, y, a pesar de contar con la ayuda de sus hijos mayores, se vio imposibilitado de continuar trabajando en la granja. La vendió a regañadientes, y la familia vivió en una casa alquilada hasta 1910, año en que se mudaron a Kansas City. Para el joven Disney fue muy duro tener que abandonar su paraíso rural.
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En Kansas City, Elias empezó a trabajar repartiendo periódicos para el Kansas City Star. A Walt y a su hermano Roy les correspondió ayudar a su padre en el reparto, un trabajo duro que requería levantarse todos los días a las doce de la noche. De acuerdo con los archivos de la escuela pública del distrito de Kansas City, Disney empezó a asistir a la Benton Grammar School en 1910, y se graduó el 8 de junio de 1911. No fue un buen estudiante: a causa de su trabajo repartiendo periódicos, le costaba concentrarse y con frecuencia se quedaba dormido. Era propenso a soñar despierto y a pasar el tiempo haciendo garabatos. Elias, dejó su trabajo como repartidor de periódicos y se convirtió en uno de los propietarios de una empresa dedicada a elaborar bebidas carbonatadas, la O'Zell Company, radicada en Chicago. La familia se trasladó a esta ciudad, y Disney continuó sus estudios en la McKinley High School de Chicago. Al mismo tiempo, trabajaba para su padre y asistía por las tardes a clases en el Instituto de Arte de Chicago. A los 15 años, Walt consiguió un trabajo de verano vendiendo periódicos y chucherías a los pasajeros del ferrocarril de Santa Fe. Le interesaba mucho más el tren que su trabajo, en el que no tuvo demasiado éxito, ya que con frecuencia le robaban la mercancía. En sus años escolares, Disney fue el historietista del periódico del instituto, The Village Voice. Sus cómics eran de tema patriótico y político, centrados en el tema de la Primera Guerra Mundial. En 1918, queriendo seguir los pasos de su hermano Roy, que se había enrolado en la marina, abandonó el instituto para alistarse en el ejército. No fue aceptado por ser demasiado joven. Enterado de que el cuerpo de ambulancias de la Cruz Roja admitía a chicos de diecisiete años, Walt falsificó su certificado de nacimiento para hacer ver que había nacido en 1900 en lugar de en 1901, y había cumplido ya los diecisiete.
Walt Disney junto a la ambulancia de la Cruz Roja que conducía en Francia.
Fue admitido, pero nunca llegó a entrar en combate. Cuando terminó su entrenamiento y fue trasladado a Europa, Alemania había firmado el armisticio, y la guerra había terminado. Pasó el resto de su tiempo en la Cruz Roja como conductor de ambulancias en Francia, trasladando a oficiales. Se entretuvo llenando de dibujos la ambulancia que conducía. Fue también en esta época cuando empezó a fumar, un hábito que le acompañaría durante toda su vida. En 1919 solicitó ser relevado de sus obligaciones militares y fue enviado de regreso a Estados Unidos.
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Comienzos en la animación Decidido a seguir una carrera artística, se trasladó a Kansas City. Su hermano Roy trabajaba en un banco por la zona y, gracias a un amigo, le consiguió un trabajo en el Pesemen-Rubin Art Studio, donde Walt se dedicó a crear anuncios para periódicos, revistas y cines. Allí coincidió con otro dibujante, Ubbe Iwwerks, con el que trabó amistad, y ambos decidieron empezar su propio negocio. Disney e Iwwerks (quien acortó su nombre a Ub Iwerks) fundaron una compañía llamada "Iwerks-Disney Commercial Artists" en enero de 1920. Por desgracia, no consiguieron demasiados clientes, y finalmente tuvieron que abandonar. Ambos fueron contratados por la empresa Kansas City Film Ad, en la que trabajaron en anuncios, realizados con primitivas técnicas de animación, para los cines locales. Disney estaba fascinado por las posibilidades de la animación. Pasó varios días en la biblioteca pública de Kansas City hojeando libros de anatomía y mecánica. Leyó también un libro de Edweard Muybridge acerca de la animación. Aprovechó su tiempo en Film Ad experimentando con animación y técnicas cinematográficas. Incluso tomó prestada una de las cámaras de la empresa para experimentar en casa. Después de dos años en Film Ad, Disney creyó que había adquirido la experiencia suficiente como para emprender un nuevo negocio por su cuenta. En 1922, fundó la empresa Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada a realizar cortometrajes animados basados en cuentos de hadas populares y relatos para niños, como Cenicienta o El gato con botas. Entre sus empleados estaban Iwerks, Hugh Harman, Rudolph Ising, Carmen Maxwell, y Friz Freleng. Los cortos se hicieron famosos en la zona de Kansas City, pero sus gastos de producción excedían a los ingresos que proporcionaban. Tras crear su último corto, la mezcla de acción real y animación Alice's Wonderland, el estudio se declaró en bancarrota en junio de 1923. Disney decidió entonces trasladarse al floreciente centro de la industria cinematográfica, Hollywood. Vendió su cámara y obtuvo el dinero suficiente para un viaje de ida en tren a California. Dejó atrás a sus amigos y antiguos empleados, pero se llevó con él la película de Alice's Wonderland. Llegó a Los Ángeles con cuarenta dólares en el bolsillo y una película sin acabar en su maletín. Su propósito era abandonar el cine de animación, creyendo que no podría competir con los estudios de Nueva York. Pretendía convertirse en director de películas de acción real, y recorrió sin éxito todos los estudios buscando trabajo. Al no encontrarlo, optó por volver a intentarlo con la animación. Su primer estudio en Hollywood fue un garaje en casa de su tío Robert. Envió la película Alice's Wonderland a la distribuidora neoyorquina Margaret Winkler, quien mostró un gran interés por la película y contrató a Disney para producir más películas combinando animación e imagen real. Se reunió con su hermano Roy, que se estaba recuperando de una tuberculosis en un hospital de veteranos de Los Ángeles, y le convenció para que se encargase de la gestión económica del estudio. Roy estuvo de acuerdo. A petición de Disney, la actriz protagonista de Alice's Wonderland —Virginia Davis— y su familia se trasladaron a Hollywood desde Kansas City. Lo mismo hicieron Iwerks y la suya. Este fue el comienzo del Disney Brothers' Studio, el germen de la futura The Walt Disney Company. Las nuevas películas, llamadas "Comedias de Alicia" ("Alice Comedies"), tuvieron bastante éxito. Después de Virginia Davis, quien dejó la serie al no aceptar Disney las exigencias de aumento salarial de sus padres, fueron protagonizadas por las actrices Dawn O'Day y Margie Gay. Más adelante Lois Hardwick asumió brevemente el papel. Por el tiempo en que concluyó la serie, en 1927, el centro de atención eran más los personajes animados —en particular un gato llamado Julius que recordaba al gato Félix—.
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Oswald el conejo afortunado En 1927, Charles B. Mintz, que se había casado con Margaret Winkler y había tomado las riendas de su negocio, solicitó una nueva serie de películas, solo de animación, que serían distribuidas por Universal Pictures de Carl Laemmle. La nueva serie, "Oswald el conejo afortunado", fue un éxito casi instantáneo. El personaje fue creado y dibujado por Iwerks. Su éxito permitió el crecimiento del estudio, y Walt pudo volver a contratar a Harman, Ising, Maxwell y Freleng, de Kansas City. En febrero de 1928, Disney viajó a Nueva York para negociar un nuevo acuerdo económico con Mintz, pero se llevó una gran sorpresa cuando éste le anunció que no sólo iba a pagarle menos por cada cortometraje que produjera, sino que tenía a los principales animadores de Disney —incluyendo a Harman, Ising, Maxwell y Freleng (pero no a Iwerks)— bajo contrato, y que crearía su propio estudio si Disney no aceptaba trabajar por menos dinero. Los derechos de Oswald pertenecían a Universal y no a Disney, y podían hacer las películas sin él. Disney rechazó la imposición de Mintz y perdió a la mayor parte del personal de su estudio. Los que se fueron formaron el núcleo del Winkler Studio, dirigido por Mintz y su cuñado George Winkler. Sin embargo, Universal asignó poco más tarde la producción de las películas del conejo Oswald a una sección de su propia empresa que dirigía Walter Lantz, y Mintz tuvo que dedicar su estudio a la producción de los cortos de Krazy Kat. Harman, Ising, Maxwell y Freleng crearon un personaje muy parecido a Oswald, Bosko, para Leon Schlesinger y Warner Bros., y empezaron poco después a trabajar en las primeras entregas de la serie Looney Tunes. La compañía de Disney sólo recuperó los derechos sobre Oswald 78 años después, en 2006.[6]
Mickey Mouse Tras perder los derechos sobre Oswald, Disney optó por crear un nuevo personaje. Se discute si la primera idea del ratón animado (que básicamente era igual que Oswald, pero con orejas redondas en lugar de alargadas) fue de Disney, a quien suele atribuírsele, o de Iwerks. En todo caso, ambos participaron en la creación del personaje. Sus primeras películas fueron animadas por Iwerks, cuyo nombre se destaca en los títulos de crédito. Algunas fuentes indican que el ratón iba a llamarse en un principio "Mortimer", pero que más tarde fue bautizado como "Mickey Mouse" por su mujer, Lillian Disney. Según Bob Thomas, sin embargo, la leyenda del nombre es ficticia, y cita el caso de un personaje llamado Mortimer Mouse, que nació en 1936, tío de Minnie Mouse.[7] La primera aparición cinematográfica de Mickey tuvo lugar el 15 de mayo de 1928 en Plane Crazy, un cortometraje mudo, como todas las películas de Disney hasta esa fecha. Tras no conseguir interesar a los distribuidores por Plane Crazy ni por su continuación, The Gallopin' Gaucho, Disney creó una película sonora, Steamboat Willie. El empresario Pat Powers proporcionó a Disney tanto la distribución de la película como el Cinephone, un sistema de sincronización de sonido. Steamboat Willie se convirtió en un gran éxito, y se añadió sonido a los cortos anteriores. Desde entonces, todas las películas de Disney serían sonoras. El propio Disney se encargó de los efectos vocales de sus primeros cortometrajes y fue la voz de Mickey Mouse hasta 1947. Mickey Mouse conoció un extraordinario éxito, hasta el punto de que, en 1935, la Sociedad de Naciones premió a Disney con una medalla de oro, declarando a Mickey "símbolo internacional de buena voluntad". En enero de 1930 fue adaptado al cómic, en una tira de prensa con guion de Disney y dibujos de Iwerks. Durante la década de 1930, el mercado se inundó de productos relacionados con el personaje, desde juguetes infantiles y relojes de pulsera hasta un brazalete de diamantes diseñado por Cartier. Numerosas personalidades públicas declararon su admiración por Mickey Mouse, incluyendo a la actriz Mary Pickford, al presidente de Estados Unidos Franklin Delano Roosevelt, a Benito Mussolini e incluso al rey de Inglaterra, Jorge V.[8]
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Silly Symphonies Además de los cortometrajes de Mickey Mouse, en 1929 Disney inició una serie de películas musicales titulada "Silly Symphonies" ("Sinfonías tontas"). La primera se tituló The Skeleton Dance ("La danza de los esqueletos"), y fue enteramente dibujada y animada por Iwerks, que fue también el responsable de la mayor parte de las películas producidas por Disney en los años 1928 y 1929. Aunque ambas series tuvieron un gran éxito, el estudio Disney no estaba de acuerdo con compartir las ganancias con Pat Powers, y firmó un nuevo contrato de distribución con Columbia Pictures. Iwerks se estaba cansando de la posición subalterna que tenía en el estudio a pesar de realizar la mayor parte del trabajo, y se dejó convencer por Powers para abrir su propio estudio con un contrato exclusivo. Disney buscó desesperadamente a alguien que pudiera reemplazarlo, ya que él mismo no era capaz de dibujar tan bien, ni —sobre todo— tan rápido (se dice que Iwerks hacía más de 700 dibujos al día para los cortos de Mickey). Entretanto, Iwerks lanzaba su exitosa serie sobre el personaje de Flip the Frog con el primer cortometraje de animación sonoro en color, titulado Fiddlesticks. Creó también otras dos series: Willie Whopper y Comicolor. Su éxito amenazaba el predominio que Disney había alcanzado en la industria del cine de dibujos animados.[9] Disney contrató a varias personas para hacer el trabajo que Iwerks era capaz de hacer en solitario. En 1932, Disney estrenó su primera película en color, Flowers and Trees, de la serie "Silly Symphonies", que consiguió el Óscar al mejor cortometraje de animación en 1932. Ese mismo año, Disney recibió también un Óscar honorífico por la creación de Mickey Mouse, cuyos cortometrajes pasaron a realizarse en color a partir de 1935. Pronto aparecieron series derivadas, protagonizadas por nuevos personajes, como el Pato Donald, Goofy y Pluto.
Vida privada En 1925, Disney contrató a una joven llamada Lillian Bounds para entintar y colorear el celuloide. Tras un breve noviazgo, se casó con ella el 15 de julio de 1925. Después de intentarlo varias veces, Lillian dio a luz a una hija, Diane Marie Disney en 1933. Sin posibilidades de tener más hijos, los Disney adoptaron a una segunda hija, Sharon Mae Disney, en 1936. Lillian falleció el 16 de diciembre de 1997. Su hija adoptiva, Sharon, había muerto en 1993. Sharon dio a luz anteriormente a Catherine Spitcktip Disney en 1988.
La edad dorada de la animación "La locura de Disney": Blancanieves y los siete enanitos Aunque los ingresos del estudio eran muy considerables, no eran todavía suficientes para Disney, quien en 1934 empezó a planear la producción de un largometraje. Cuando en la industria de la animación se supo que Disney planeaba la producción de un largometraje animado sobre Blancanieves, se bautizó al proyecto como "la locura de Disney", y todo el mundo estuvo de acuerdo en que el proyecto terminaría arruinando al estudio. Tanto Lillian como Roy trataron de disuadir a Disney de sus planes. Éste contrató al profesor Don Graham, del Instituto de Arte Chouinard, para que formase a la plantilla del estudio, y utilizó los cortos de la serie "Silly Symphonies" como laboratorio para experimentar acerca de la animación realista de seres humanos, la creación de personajes animados con personalidad definida, efectos especiales, y el uso de procesos especializados y aparatos como la cámara multiplano.
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Todos estos esfuerzos iban dirigidos a elevar el nivel tecnológico del estudio para que fuese capaz de producir una película de la calidad requerida por Disney. El proceso de producción de Blancanieves y los siete enanitos ("Snow White and the Seven Dwarfs") se prolongó desde 1935 hasta mediados de 1937, cuando al estudio se le terminó el dinero. Para conseguir los fondos necesarios para completar Blancanieves, Disney tuvo que mostrar un montaje previo de la película a los directivos del Bank of America, quienes le prestaron el dinero para terminar el proyecto. El presupuesto inicial de la película era de 250.000 dólares, pero Imagen del tráiler de la película Blancanieves y los siete enanitos. acabó costando 1.488.000. La película terminada se preestrenó en el Carthay Circle Theater el 21 de diciembre de 1937, y, a su término, recibió una sonora ovación. Blancanieves, el primer largometraje animado de lengua inglesa, y el primero en utilizar el Technicolor, fue distribuido en febrero de 1938 por RKO. Fue la película con mayor éxito de taquilla de 1938, y obtuvo unos ingresos de 8 millones de dólares (equivalentes a unos 98 millones actuales) en su estreno. El éxito de Blancanieves permitió a Disney construir unos nuevos estudios en Burbank, que se inauguraron el 24 de diciembre de 1939. En 1940, los estudios produjeron otros dos largometrajes: Pinocho y Fantasía. La segunda, en concreto, constituía una apuesta bastante arriesgada: sin un argumento unitario, consistía en la puesta en imágenes animadas de ocho piezas de música clásica (entre otros, de Beethoven, Bach y Stravinski), al estilo de las "Silly Symphonies". Los resultados fueron bastante irregulares. Al mismo tiempo, seguían creándose nuevos cortos de las estrellas de la casa (Mickey, Donald, Goofy y Pluto), destacando cortometrajes como El sastrecillo valiente (1938) y The Pointer (1939), ambas protagonizadas por el ratón Mickey. La producción de cortos de la serie "Silly Symphonies" concluyó en 1939.
La huelga de 1941 Después de varias tentativas de organización sindical entre los trabajadores de la industria de la animación, en 1938 se había creado el Screen Cartoonists Guild (SCG), sindicato que pronto desarrolló una activa campaña para reclutar afiliados entre los trabajadores del medio. Aunque había sido reconocido por la mayor parte de los otros estudios, Disney se negaba a permitir la afiliación sindical de sus empleados. Por otro lado, desde 1937 existía un creciente descontento entre los trabajadores del estudio. Aunque los empleados de Disney eran los mejores pagados de la profesión, consideraban que se habían incumplido las promesas sobre bonificaciones por el trabajo extra que habían realizado en los largometrajes de la compañía. Películas como Blancanieves habían tenido un éxito sin precedentes en el cine de animación, y los empleados no habían participado de los beneficios (en realidad, Disney se había endeudado con la apertura de los nuevos estudios en Burbank y la producción de los largometrajes Pinocho y Fantasía, que no obtuvieron el éxito deseado). Además, el trabajo de numerosos empleados no era reconocido en los títulos de crédito de las películas. En 1941, Herbert Sorrell, el principal líder sindical entre los trabajadores de Disney, intentó negociar el reconocimiento del SCG, pero fue rechazado. Animadores que tenían una posición importante dentro de los estudios, como Art Babbitt y Will Tytla, abrazaron la causa de sus compañeros. Disney lo consideró una traición personal, y despidió a Babbitt y a otros 16 trabajadores. El 28 de mayo gran número de trabajadores fueron a la huelga. Esa
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mañana, cuando Disney llegó a los estudios, los encontró bloqueados por cientos de piquetes de huelga. A medida que continuaba la huelga, la tensión fue creciendo. El personal de los estudios quedó dividido casi al 50% y hubo varios conatos de enfrentamiento. El propio Disney, según algunos testimonios, estuvo a punto de llegar a las golpes con Babbitt.[10] Poco antes del final de la huelga, Disney, a sugerencia de Nelson Rockefeller, director de la agencia de relaciones con Latinoamérica en el Departamento de Estado, partió de gira a Latinoamérica como embajador de buena voluntad, lo que contribuyó a enfriar los ánimos entre las partes enfrentadas. Finalmente, Disney, influido por la opinión pública favorable a la huelga, y gracias la mediación del gobierno federal y de varios grupos de presión (entre ellos su principal acreedor, el Bank of America) aceptó reconocer al sindicato. La huelga terminó el 29 de julio, después de nueve semanas. Los trabajadores obtuvieron mejoras salariales y se acordó un sistema para reconocer su trabajo en los títulos de crédito. Sin embargo, el regreso a la normalidad no fue tal, ya que Disney no perdonó nunca a los huelguistas. Algunos fueron despedidos en cuanto la ley lo permitió, y otros optaron por irse ante la hostilidad que vivían en su entorno laboral. Entre los que, por una u otra razón, terminaron por abandonar la compañía estaban Vladimir William Tytla, John Hubley, Stephen Bosustow, Dave Hilberman y Walt Kelly. La huelga arruinó la imagen de Walt Disney Company como empresa paternalista y armónica que había predominado en los años treinta, pero no disminuyó en absoluto la aceptación de la marca por parte del gran público.[11]
Tiempos de guerra A pesar de que Pinocho y Fantasía no consiguieron el éxito extraordinario de Blancanieves, la ternurista Dumbo, cuya producción no pudo ser detenida por la huelga, se estrenó finalmente en octubre de 1941, y fue un gran éxito, convirtiéndose en una importante fuente de ingresos para el estudio. Poco después, en diciembre, Estados Unidos entraba en la Segunda Guerra Mundial. Los estudios Disney colaboraron estrechamente con el gobierno, produciendo películas educativas y de formación militar, así como otras encaminadas a elevar la moral en retaguardia, tales como los cortometrajes Der Fuehrer's Face ("El rostro del Führer), Education for Death ("Educación para la muerte"), Reason and Emotion ("Razón y emoción"), y el largometraje Victory Through Air Power ("Victoria a través de la fuerza aérea", 1943), en el que se defendía la idea de que era necesario construir más bombarderos para ganar la guerra. Encuentro entre representantes del club chileno Universidad Católica
Sin embargo, los estudios atravesaron una época de y Walt Disney en 1947. cierta estrechez económica. Los filmes propagandísticos no generaban beneficios, y Bambi, el siguiente largometraje de Disney, no produjo los resultados deseados cuando se estrenó en agosto de 1942. Para recortar gastos, durante los años 1940 no se produjeron nuevos largometrajes, sino películas que recopilaban varios cortos. Las más destacadas fueron Saludos Amigos (1942), su secuela Los tres caballeros (1945), Canción del sur (1946), Fun and Fancy Free (1947), y The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949). Esta última constaba sólo de dos secciones: la primera basada en La leyenda de
Walt Disney Sleepy Hollow de Washington Irving y la segunda en El viento en los sauces, de Kenneth Grahame. Con el objeto de rentabilizar sus producciones, Disney tuvo otra gran idea comercial: en 1944 se reestrenó Blancanieves, estableciendo la tradición de reestrenar a los siete años los largometrajes de la compañía. Después de la guerra, a pesar de la prosperidad que entonces conoció Estados Unidos, los hábitos de consumo cinematográfico cambiaron. Los exhibidores dejaron de interesarse por los cortometrajes, que antes eran indispensables al inicio de toda sesión cinematográfica, y empezaron a demandar sólo largos. Ante esta nueva situación, Disney diversificó su oferta, orientándose hacia la producción de películas infantiles de imagen real (la serie True-Life Adventures, que se inició en 1948), documentales sobre la naturaleza y programas de televisión. A finales de la década de 1940, el estudio se había recobrado lo suficiente como para continuar con la producción de nuevas películas: La Cenicienta (que fue en vida la película favorita de Walt Disney, en especial, la escena de la transformación del traje de la magia del hada madrina) fue el primer auténtico largometraje producido por los estudios Disney desde Bambi, en 1942. Siguieron Alicia en el país de las maravillas (1951) y Peter Pan (1953). Ambos filmes fueron muy criticados por edulcorar las obras originales —de Lewis Carroll y James M. Barrie respectivamente—, descartando todos sus elementos perturbadores y convirtiéndolas en fábulas intrascendentes e inocuas.
Walt Disney y la caza de brujas Tras la huelga de 1941, Disney sentía una profunda desconfianza por los sindicatos. En 1947, durante los primeros años de la Guerra Fría, testificó ante el Comité de Actividades Antiamericanas,[12] y denunció a Herbert K. Sorrell, David Hilberman y William Pomerance, antiguos empleados y activistas sindicales, como agitadores comunistas. Disney explicó que la huelga de 1941 había formado parte de una estrategia del Partido Comunista de los Estados Unidos para ganar influencia en Hollywood. Existen documentos[13] que demuestran que Disney actuó secretamente como agente del FBI desde los primeros años de la década de 1940 y que en 1954 fue ascendido al rango de "agente especial de contacto" (special agent contact) por orden directa de Hoover. Estos documentos demuestran también que los guiones de algunas películas fueron modificados a instancias del FBI. Una de las preocupaciones de la organización gubernamental era la imagen que de sus agentes se daba en los filmes Disney (por ejemplo, en la película de 1965 That Darn Cat!). Curiosamente, los mismos documentos revelan que el propio Disney fue investigado por la organización a la que él mismo pertenecía como sospechoso de subversión (es decir, de comunismo).
El Imperio Disney Carolwood Pacific Railroad En 1949, Disney y su familia adquirieron una mansión con una gran finca en el distrito de Holmby Hills de Los Ángeles. Disney aprovechó para hacer realidad su sueño de tener un ferrocarril privado. Con la ayuda de sus amigos Ward y Betty Kimball, Disney diseñó los planos y comenzó a construir un tren en miniatura. El tren fue bautizado como Carolwood Pacific Railroad, por el nombre de la antigua calle en que vivía Disney, Carolwood Drive. La locomotora de vapor diseñada por Roger E. Broggie, empleado de los estudios, recibió el nombre de Lilly Belle en honor a la esposa de Disney.
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Disneylandia Ya desde los años 40, Disney tenía la idea de construir un parque de atracciones para que sus empleados y sus familias se divirtiesen en su tiempo libre. Con el tiempo, este proyecto más bien modesto iría creciendo hasta convertirse en Disneylandia. Dos parques suelen mencionarse como fuente de inspiración de Disney para su proyecto: Children's Fairyland en Oakland, California, construido en 1950, y los Jardines de Tivoli, en la capital de Dinamarca, Copenhague.[14] También se ha afirmado que Disney pudo haberse inspirado para la creación de Disneylandia en el parque República de los Niños, ubicado en Manuel B. Gonnet, La Plata, Argentina, e inaugurado en 1951,[15] aunque algunos opinan que se trata de un mito.[16]
Vista aérea del parque de Disneylandia en Anaheim, California.
Mientras maduraba su idea de Disneylandia, visitó numerosos parques de atracciones, pero en general le parecieron sucios y mal gestionados. Su plan original era construir el parque en un terreno cercano a los estudios, pero la ciudad de Burbank le denegó el permiso para construir, y el terreno era además demasiado pequeño, por lo cual la compañía adquirió un terreno de 160 acres ( unos 730,000 m²), originalmente plantado de naranjos y nogales, en Anaheim, en el condado de Orange, vecino a Los Ángeles. En 1952, Disney creó una nueva filial de su empresa, WED Enterprises (nombrada a partir de las iniciales de su nombre: Walter Elias Disney), para ocuparse de planear y construir el parque. Algunos miembros del estudio participaron en el proyecto como ingenieros y diseñadores. La construcción de Disneylandia comenzó el 21 de julio de 1954. El parque abrió sus puertas al público el 18 de julio de 1955.
Expansión Cuando Walt Disney Productions empezó a construir Disneylandia, también había empezado a interesarse por otras áreas de la industria del entretenimiento. La isla del tesoro (1950) fue la primera película de acción real de la compañía, y fue pronto seguida de otras: Veinte mil leguas de viaje submarino (en CinemaScope, 1954), The Shaggy Dog (1959) y The Parent Trap (1960). Los estudios Disney descubrieron muy pronto la importancia de la televisión. En 1950 produjeron su primer programa televisivo, One Hour in Wonderland. En la cadena ABC, Disney patrocinó un programa llamado Disneyland dedicado a promocionar su nuevo parque de atracciones, en el que se emitían también secuencias de las películas antiguas. El primer programa televisivo de emisión diaria realizado por el estudio fue el popular Mickey Mouse Club, que continuaría, con varios cambios de nombre, hasta entrados los 90. A medida que el estudio se expandía y diversificaba su campo de acción, Disney fue prestando menos atención al departamento de animación, delegando cada vez más tareas en sus animadores de confianza, a los que llamaba "los Nueve Viejos".[17] En vida de Disney, el departamento de animación creó varios largometrajes de éxito: La dama y el vagabundo (en CinemaScope, 1955), 101 dálmatas (1961), La bella durmiente (en Super Technirama 70mm, 1959), y Merlín el encantador (1963).
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186 La producción de cortometrajes continuó hasta 1956, cuando Disney decidió cerrar el departamento de cortometrajes. Desde entonces, sólo de forma esporádica fueron realizados algunos cortos.
En los primeros años sesenta, el imperio Disney era un gran éxito, y Walt Disney Productions se consolidó como la más importante empresa dedicada al entretenimiento familiar del mundo. Tras décadas de intentarlo, Disney consiguió finalmente los derechos de los libros de P.L. Travers sobre una institutriz con poderes mágicos, y en 1964 se estrenó la película Mary Poppins, que combinaba animación y acción real, y fue otro de los grandes éxitos de la factoría Disney (llegó incluso a estar nominada al Óscar a la mejor película, que perdió frente a My Fair Lady). Ese mismo año, Disney presentó varias novedades en la Feria Mundial de Nueva York, entre ellas figuras Audio-Animatronic, que después fueron utilizadas para las atracciones de Disneylandia y para el proyecto de un nuevo parque El castillo de la Cenicienta en Walt Disney World Resort, Florida. temático en la Costa Este, que Disney había estado planeando desde que se abrió Disneylandia. En 1965 se anunció la construcción del nuevo parque, Disneyworld, cerca de Orlando, en Florida, que comenzó poco después de la muerte de Disney. Poco antes de su muerte, Disney estaba interesado en abrir una estación de esquí (Disney's Mineral King Ski Resort). El proyecto fue finalmente cancelado debido a las protestas de las organizaciones ecologistas.
Muerte Disney dejó de trabajar en el desarrollo de Disneyworld en los últimos meses de 1966, cuando se le diagnosticó un cáncer en su pulmón izquierdo, tras toda una vida de fumador empedernido. Pasó un examen médico en el hospital St. Joseph, junto al edificio del estudio Disney, y sufrió un paro cardiorrespiratorio. Falleció el 15 de diciembre de 1966. Diez días antes había cumplido 65 años. Su cuerpo fue incinerado el 17 de diciembre en el Forest Lawn Cemetery de Glendale, California. Su hermano Roy llevó adelante el proyecto del parque de atracciones de Florida, insistiendo en que se llamase Walt Disney World en honor a su hermano. Roy moriría tres meses después de que el parque abriese sus puertas en 1971. Durante años se gestó la leyenda urbana de que Disney, pocos minutos antes de morir, había sido criogenizado. Su cuerpo supuestamente fue introducido cuando aún estaba vivo en una cámara y fue congelado a bajas temperaturas para que cuando la ciencia avanzara pudiera ser resucitado y sanar su pulmón enfermo. Esta historia cobró una relevancia enorme en todo el mundo, tomándose a Disney como ejemplo de que las criogenizaciones sí tenían razón de ser. Sin embargo, esto es completamente falso y las cenizas reposan en California desde hace más de cuarenta años.
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El Imperio Disney hoy En la actualidad, el pequeño estudio de animación que en 1923 fundaron Walt y Roy Disney se ha convertido en una de las mayores empresas en el ámbito del entretenimiento, con unos ingresos anuales de 30.000 millones de dólares. The Walt Disney Company gestiona dieciocho parques de atracciones, treinta y nueve hoteles, ocho estudios cinematográficos, once canales de televisión por cable y uno terrestre (la cadena ABC). Walt Disney Pictures, el estudio cinematográfico más importante propiedad de la empresa, continúa produciendo largometrajes de animación, a un ritmo aproximado de uno por año. Además, en mayo de 2006 The Walt Disney Company adquirió los estudios de animación Pixar, cuyas películas, distribuidas por Disney, habían alcanzado en años anteriores un éxito mayor que las producidas por Walt Disney Pictures.
Disney en la historia de la animación La importancia de Walt Disney en la historia del cine de animación difícilmente puede pasar desapercibida. Fue pionero en la utilización de numerosas innovaciones técnicas en el cine de animación, como el sonido, el color o la cámara multiplano, y en el plazo de unos doce años (entre 1928 y 1940), logró convertir los antes menospreciados dibujos animados en un sofisticado medio de expresión artística. Contó con un equipo de animadores de primera fila cuyos méritos, sin embargo, quedaron siempre difuminados, pues de la publicidad de la compañía parecía deducirse que era el propio Disney el autor material de todas las películas. El caso de Iwerks es paradigmático: a pesar de su importancia en los primeros cortometrajes de la compañía, y en la creación de Mickey Mouse, apenas es conocido en la actualidad. Walt Disney convirtió los dibujos animados en un producto de consumo de masas. En varias ocasiones, aceptó con total franqueza que su objetivo era llegar al mayor número posible de espectadores, por encima de cualquier consideración de tipo artístico. Aunque muchas de sus películas son obras maestras del cine de dibujos animados, con el tiempo el interés por halagar los gustos del público acentuó una cierta tendencia al kitsch y al excesivo sentimentalismo. Tras su muerte, los dibujos animados de The Walt Disney Company continuaron en la misma línea. El éxito de las películas de Disney tuvo como consecuencia que su cine llegara a ser considerado por gran parte del público como la única forma posible de hacer cine de dibujos animados, lo cual dificultó en gran medida la aparición de propuestas alternativas dentro del cine de animación.
Ideología La ideología de Walt Disney, tal como se hace patente en sus películas, se basa sobre todo en la defensa de los valores del "american way of life" ("Modo de vida americano"), en los que creía firmemente. La ideología neocolonialista subyacente en los filmes de Disney ha sido puesta de relieve, entre otros, por Ariel Dorfman y Armand Mattelart, en su conocido ensayo Para leer al Pato Donald (1971). Una cuestión muy discutida es la de las posibles simpatías de Disney por los regímenes fascistas europeos en los años previos a la Segunda Guerra Mundial. Según algunas referencias,[18] fue recibido en Roma por Mussolini en una o dos ocasiones durante la década de 1930. También se ha argüido como prueba de su simpatía por el nazismo su asistencia, en compañía del abogado de la empresa, Gunther Lessing, a mítines del German American Bund, organización pro-nazi estadounidense. Sin embargo, el principal testigo que documenta la presencia de Disney en estos mítines no es en absoluto imparcial: se trata de Art Babbitt, despedido por Disney en 1941 poco antes de la famosa huelga de los trabajadores de los estudios. También se sabe que Disney fue uno de los pocos empresarios cinematográficos que recibieron abiertamente a la cineasta alemana Leni Riefenstahl, en su visita a Hollywood en 1938, cuando la mayor parte de la industria le cerró sus puertas. En cualquier caso, si Disney tuvo simpatías por los regímenes fascistas, las desechó en cuanto su país entró en guerra contra el Eje. Durante el conflicto bélico, colaboró con el gobierno realizando varios filmes de propaganda, entre los cuales destaca el cortometraje Der Fuehrer's Face, en el cual aparecen caricaturizados Hitler, Mussolini e Hirohito y
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Walt Disney que termina con una auténtica oda a las virtudes de la democracia. Disney ha sido tildado a veces de antisemita, argumentando que los judíos aparecen como personajes estereotipados y malévolos en algunos cortometrajes de la década de 1930 particularmente en Los tres cerditos (1933). Sí está fuera de toda duda que Disney fue un ferviente anticomunista, en gran medida a causa de la huelga de 1941, que él atribuyó a maniobras del Partido Comunista de los Estados Unidos para ganar poder en la industria del cine. Según su declaración ante el Comité de Actividades Antiamericanas, creía firmemente que el comunismo era una seria amenaza contra el modo de vida estadounidense. No se ha podido probar que militara en ningún partido político. Durante los años 50, Disney apoyó económicamente al Partido Republicano.[19] En su juventud, Disney formó parte de una organización de tipo masónico, llamada Orden DeMolay. Según su propio testimonio, la pertenencia a esta organización tuvo un papel muy importante en su formación. Las convicciones religiosas de Disney son también poco conocidas. Fue bautizado como miembro de la iglesia congregacionalista (de hecho, se le puso el nombre de Walter en honor a un pastor de dicha iglesia, Walter Parr[20]), pero no parece haber sido un hombre religioso, aunque sí respetaba profundamente la religión como garante de los valores establecidos. Para un libro sobre la oración de Roland Gammon editado en 1963, Faith is a Star, Disney escribió un texto acerca de la importancia de los valores religiosos en la sociedad y en su propia vida, que es uno de los pocos documentos conocidos acerca de sus ideas religiosas.[21]
Los Óscar de Walt Disney A lo largo de su carrera como productor cinematográfico, Walt Disney obtuvo un total de 26 premios Óscar, de los cuales 4 fueron honoríficos. 12 de esos premios fueron a cortometrajes de animación, categoría que las producciones Disney prácticamente coparon durante la década de 1930; menos conocido es el hecho de que Disney recibió también 10 estatuillas por la producción de películas de imagen real (entre ellas, dos largometrajes), en las categorías de mejor cortometraje de imagen real, mejor cortometraje documental y mejor largometraje documental. No recibió nunca el Óscar al mejor largometraje, aunque Mary Poppins fue una de las nominadas en 1965, poco antes de la muerte de Disney. No existía la categoría de mejor largometraje de animación, que no se creó hasta 2001, por lo cual ninguno de los largos clásicos de Disney obtuvo la estatuilla. Con dos excepciones: los Óscar honoríficos concedidos a Blancanieves, en 1939, y a Fantasía, en 1942.
Óscar al mejor cortometraje de animación • • • • • • • • • • • •
1932 - Flowers and Trees' Flores y Árboles' (1932) 1934 - Los tres cerditos (1933) 1935 - La tortuga y la liebre (1934) 1936 - Three Orphan Kittens Tres gatitos huérfanos(1935) 1937 - The Country Cousin El primo campestre (1936) 1938 - The Old Mill El viejo molino (1937) 1939 - Ferdinand the Bull Ferdinando el Toro (1938) 1940 - Ugly Duckling Patito feo (1939) 1942 - Lend a Paw (1941) 1943 - Der Fuehrer's Face (1942) 1954 - Toot Whistle Plunk and Boom (1953) 1969 - Winnie the Pooh and the Blustery Day Winnie the Pooh y el día ventoso (1968). A título póstumo.
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Óscar al mejor cortometraje de imagen real • • • • • •
1949 - Seal Island (1948) 1951 - Beaver Valley (1950) 1952 - Nature's Half Acre (1951) 1953 - Water Birds (1952) 1954 - Bear Country (1953) 1959 - Grand Canyon (1958)
Óscar al mejor cortometraje documental • 1954 - The Alaskan Eskimo (1953) • 1956 - Men Against the Arctic (1955)
Óscar al mejor largometraje documental • 1954 - The Living Desert (1953) • 1955 - The Vanishing Prairie (1954)
Óscar honoríficos • 1932 - Por la creación de Mickey Mouse • 1939 - Por Blancanieves y los siete enanitos. En esta ocasión se otorgaron, además de la escultura habitual, siete miniaturas de la misma.[22] • 1942 - Por Fantasía. Compartido con William E. Garity y J.N.A. Hawkins. • 1942 - Irving G. Thalberg Memorial Award
Curiosidades Colaboración con Molina Campos En una oportunidad, Walt Disney viajó a la Argentina, pero Florencio Molina Campos se encontraba en Alemania, en un festival de cine. Meses después, se encontraron en California, donde Florencio comenzó a asesorarlo en una serie de películas que Disney estaba realizando, ambientadas en América del Sur. Esta relación profesional duró poco tiempo, ya que Molina Campos objetó la falta de rigor documental de los dibujos producidos en los Estudios Disney. La relación de amistad perduró durante toda la vida, pero se malogró la idea de recrear sus queridos paisanos junto con Disney. De todos modos, su obra quedó plasmada en Goofy Goes Gaucho y The Flying Gaucho, presentados en la Argentina como El burrito volador. También colaboró en Saludos amigos, una película que narra el viaje de Disney por Sudamérica.[23]. Además, colaboró en la realización de la película animada Bambi de 1942, donde se distingue el estilo de los animales y los árboles, que reproduce la vida silvestre de la Isla Victoria en el lago Nahuel Huapi, ubicado en la Patagonia Argentina.
Colaboración con Salvador Dalí En 1945, los estudios Disney contactaron con el pintor español Salvador Dalí para la realización de un cortometraje de animación surrealista basado en su obra pictórica. La idea era ilustrar con imágenes animadas una canción del bolerista mexicano Armando Domínguez, componiendo una especie de poema de amor en imágenes oníricas. El proyecto finalmente se arruinó al año siguiente, debido a problemas presupuestarios. Sin embargo, varias décadas después, en 2003, aprovechando el material existente, se editó finalmente el cortometraje, de unos siete minutos de duración. Titulado Destino, fue dirigido por Dominique Monfery, y se presentó en el Festival Internacional de Annecy.
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Leyendas urbanas Muy poco después de su muerte (ya en 1969 aparece reflejado en una revista) surgió el rumor de que el cuerpo de Disney había sido criopreservado hasta el momento en que los avances científicos pudieran devolverlo a la vida. Se trata una leyenda completamente falsa, ya que hay constancia tanto de la muerte de Disney como de su posterior incineración. No está claro el origen del rumor. Al menos dos biógrafos de Disney, Leonard Mosley (Disney's World: A Biography, 1985) y Marc Eliot (Walt Disney: Hollywood's Dark Prince : A Biography, 1993) mencionan el interés de Disney por la criónica en los últimos años de su vida, aunque no aportan fuentes concretas. Es imposible saber con certeza si este interés existió, en cuyo caso pudo haber sido lo que originó la leyenda. Por otro lado, el hecho de que la incineración se llevase a cabo en un ámbito estrictamente privado pudo alimentar las especulaciones. Debe tenerse en cuenta también que Disney era conocido, sobre todo en sus últimos años, por su interés por las innovaciones tecnológicas.[24] Otra curiosa leyenda acerca de Walt Disney es la de su supuesto origen español. Según esta leyenda, Disney no habría nacido en Chicago, sino en Mojácar (Almería), hijo ilegítimo de un médico y una lavandera. La supuesta madre habría emigrado a Estados Unidos, donde habría dado a su hijo en adopción a la pareja formada por Elias y Flora Disney. Según esto, el verdadero nombre de Disney habría sido José Guirao Zamora. Supuestamente, en los años cuarenta, unos enviados de Disney habrían estado en Mojácar haciendo comprobaciones en los archivos parroquiales de la localidad.[25]
Notas y referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000370 [2] La empresa se fundó el 16 de octubre de 1923 como Disney Brothers Cartoon Studio. En 1929 cambió su nombre por el de Walt Disney Productions, Ltd. Desde 1986 se denomina oficialmente The Walt Disney Company [3] En este enlace (http:/ / www. genealogy. com/ famousfolks/ waltd/ d0/ i0000001. htm#i1)puede encontrarse información sobre los antepasados de Walt Disney, tanto paternos como maternos [4] El matrimonio tuvo cinco hijos en total: Herbert Arthur (1888-1961), Raymond Arnold (1890-1989), Roy Oliver (1893-1971), Walter Elias (1901-1966) y la única chica, Ruth Flora (1903-1995). [5] Walt's Biography: Marceline (http:/ / disney. go. com/ disneyatoz/ familymuseum/ collection/ biography/ marceline/ index. html) [6] Walt Disney’s 1927 Animated Star Returns to Disney (http:/ / corporate. disney. go. com/ news/ corporate/ 2006/ 2006_0209_oswald. html) [7] Bob Thomas, Walt Disney: an American Original, Simon & Schuster, 1976 [8] The Golden Age of Mickey Mouse, por Charles Solomon (http:/ / disney. go. com/ disneyatoz/ familymuseum/ exhibits/ articles/ mickeymousegoldenage/ index. html) [9] Iwerks terminaría por cerrar su estudio en 1936 para trabajar en varios proyectos relacionados con la tecnología de la animación, y volvería finalmente a trabajar para Disney en 1940, en el departamento de investigación y desarrollo del estudio, donde fue el responsable de numerosas innovaciones técnicas. Nunca recuperó la posición de preeminencia que tenía en los estudios de su viejo amigo. [10] " When Walt drove through the pickets, Babbitt grabbed a bullhorn and shouted "Shame on you, Walt Disney!" Disney leapt out of his car and a bareknuckle brawl would have insued had not cooler heads separated them. (en Tom Sito: The Disney Studio Strike of 1941 (http:/ / grimsociety. com/ archives/ disstrke. html) [11] Las principales fuentes de esta sección son las siguientes páginas web: The Disney Strike, 1941 (http:/ / www. mpsc839. org/ _Info/ Info_h/ _history_h/ HISTORY4. HTM); The Disney Strike of 1941: How It Changed Animation & Comics, por Tom Sito (http:/ / mag. awn. com/ index. php?ltype=cat& category1=People& article_no=2562); y en esta entrevista a Art Babbitt (http:/ / www. michaelbarrier. com/ Interviews/ Babbitt/ interview_art_babbitt. htm). El punto de vista de The Walt Disney Company sobre la huelga puede verse en esta página (http:/ / disney. go. com/ disneyatoz/ familymuseum/ collection/ biography/ newstudio/ index. html) [12] CNN. Testimony of Walter E. Disney before HUAC (http:/ / www. cnn. com/ SPECIALS/ cold. war/ episodes/ 06/ documents/ huac/ disney. html). Cold War Special reports. Episode 6:Reds. Historical Documents. (en inglés) [13] FBI Walt Disney Archive. http:/ / foia. fbi. gov/ foiaindex/ waltdisney. htm [14] Walt's Biography: New Horizons (http:/ / disney. go. com/ disneyatoz/ familymuseum/ collection/ biography/ newhorizons/ index. html) [15] http:/ / www. fundacionvalorar. org. ar/ republica2008/ Historia. asp [16] "La Ciudad de los Niños, un clásico" (http:/ / www. pagina12. com. ar/ diario/ suplementos/ espectaculos/ 11-3339-2006-08-05. html), en Página 12, 5 de agosto de 2006. [17] Los llamados "nueve viejos" ("nine old men") fueron Les Clark (1907-1979), Ollie Johnston (n. 1912), Frank Thomas (1912-2004), Wolfgang Reitherman (1909-1985), John Lounsberry (1911-1976), Eric Larson (1905-1988), Ward Kimball (1914-2002), Milt Kahl (1909-1987) y Marc Davis (1913-2000). El nombre de "nueve viejos" venía del apodo dado por Franklin D. Roosevelt a los nueve jueces del Tribunal Supremo de los Estados Unidos: en la época en que Disney acuñó el apodo la mayoría tenían en torno a cuarenta años.
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Walt Disney [18] Alessandro Barbera, en su libro Camerata Topolino: L' ideologia di Walt Disney (Roma, Stampa Alternativa, 2001: ver reseña (http:/ / www. macrolibrarsi. it/ __camerata_topolino. php)), afirma que Disney fue recibido por Mussolini en dos ocasiones, en 1932 y 1937. En esta página (http:/ / www. radioradicale. it/ ?q=scheda& id=185621) puede escucharse una entrevista radiofónica al autor en la cual expone estos datos. Pierre Assouline, en su biografía de Hergé (Assouline, Pierre: Hergé. Barcelona, Destino, 1997; p. 109), hace referencia a una sola ocasión, que habría tenido lugar en 1935. Parece ser que Mussolini era un gran admirador de Mickey Mouse, y que los cómics de este personaje, llamado en Italia "Topolino" recibieron un trato privilegiado por parte del régimen fascista [19] Bank check signed by Walt Disney (http:/ / www. disneydreamer. com/ Waltcheck. htm) [20] Thomas, pp. 24-25 [21] El texto completo del prólogo de Disney puede leerse aquí (http:/ / www. disneydreamer. com/ Waltfaith. htm) [22] « Premios de la Academia a Walt Disney (http:/ / awardsdatabase. oscars. org/ index. jsp)». Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Consultado el 19 de julio de 2012. [23] http:/ / www. folkloredelnorte. com. ar/ arte/ molinac. htm [24] Este rumor se analiza por extenso en Urban Legends Reference Pages: Disney (Suspended Animation) (http:/ / www. snopes. com/ disney/ waltdisn/ frozen. htm#add). [25] Disney, ¿nacimiento ilegítimo? (http:/ / www. snopes. com/ disney/ waltdisn/ illegit. htm). Véase también "¿Tiene Disney sangre andaluza?" (http:/ / www. el-mundo. es/ cronica/ 2001/ 309/ 1000710492. html), en El Mundo16 de septiembre de 2001
Bibliografía • BENDAZZI, Giannalberto: Cartoons. 110 años de cine de animación. Madrid, Ocho y Medio, 2003. ISBN 84-95839-44-X. • DISNEY MILLER, Diana: Walt Disney. Madrid, Editorial Rialp, 1961. • THOMAS, Bob: Maravillas de los dibujos animados (Primera edición en castellano de The Art of Animation de 1958). Valencia. Ediciones Gaisa, S.L. 1968. • FONTE, Jorge, y MATAIX, Olga: Walt Disney. El hombre y el mito. Madrid, T&B Editores, 2001. ISBN 84956029 • FONTE, Jorge: Todo empezó con un ratón. El fantástico mundo de los cortos Disney. Madrid, T&B Editores, 2004. ISBN 84-95602-59-8 • ARIEL DORFMAN - ARMAND MATTELART Para leer al Pato Donald . Siglo veintiuno editores. ISBN 987-1105-09-6 • MOSLEY, Leonard: Disney's World: A Biography. Nueva York, Stein and Day, 1985. ISBN 0-8128-3073-3. (En inglés). • THOMAS, Bob: Walt Disney: An American Original. Nueva York, Simon & Schuster, 1976. ISBN 0-7868-6027-8. (En inglés). Hay traducción al castellano: Walt Disney: personaje inimitable. Madrid, Iberonet, 1995. ISBN 84-88534-42-6.
Enlaces externos • • • • • •
Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Walt Disney. Wikiquote
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Walt DisneyCommons. The Walt Disney Family Museum (http://disney.go.com/disneyatoz/familymuseum/index.html) (en inglés) Biografía oficial en Disney Online (http://disney.go.com/vault/read/walt/index.html) (en inglés) Biografía en Disneydreamer.com (http://www.disneydreamer.com/Waltbio1.htm) (en inglés) Sobre el fallido cortometraje de Disney en colaboración con Dalí (http://www.revistasculturales.com/ articulosLeer.php?cod=115) • Leyendas urbanas sobre Walt Disney (http://www.snopes.com/disney/waltdisn/walt.asp) (en inglés) • Las comedias de Alicia, 1924-1927 (http://mural.uv.es/jorgon/comedias.htm) • El lado oscuro Walt Disney (http://www.youtube.com/watch?v=Vy00wJ452Pg)
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Woody Allen
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Woody Allen Woody Allen
Nombre real
Allan Stewart Königsberg
Nacimiento
Ciudad de Nueva York, Nueva York, Estados Unidos 1 de diciembre de 1935 (76 años) Familia
Cónyuge
Harlene Rosen (1956-1962) Louise Lasser (1966-1969) Soon-Yi Previn (1997-)
Hijo/s
Ronan Seamus, Bechet Dumaine y Manzie Tio Premios
Premios Óscar
Mejor director 1977 Annie Hall Mejor guion original 1977 Annie Hall 1986 Hannah and Her Sisters 2011 Midnight in Paris
Globos de Oro
Mejor guion 1985 The Purple Rose of Cairo 2012 Midnight in Paris
Premios BAFTA
Mejor director 1977 Annie Hall 1986 Hannah and Her Sisters Mejor guion 1977 Annie Hall 1979 Manhattan Mejor guion original 1984 Broadway Danny Rose 1985 The Purple Rose of Cairo 1986 Hannah and Her Sisters 1992 Husbands and Wives BAFTA Academy Fellowship Award (1997)
Festival Internacional de San Sebastián Premio Donostia 2004 Premio a la Trayectoria Profesional Premios César
Mejor película extranjera 1980 Manhattan 1986 The Purple Rose of Cairo
Otros premios
Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2002 "Aportación relevante al patrimonio cultural de la Humanidad"
Woody Allen
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Ficha
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en IMDb
Allan Stewart Königsberg (* Brooklyn, Nueva York, 1 de diciembre de 1935), conocido como Woody Allen, es un director, guionista, actor, músico y escritor estadounidense ganador del premio Óscar en cuatro ocasiones. Es uno de los directores más respetados, influyentes y prolíficos de la era moderna, rodando una película al año desde 1969.[2] Allen dirigió, escribió y protagonizó Annie Hall, película considerada por muchos como una de las mejores comedias de la historia del cine y la cual recibió el Premio Óscar a Mejor Película en 1977. Mantiene una gran amistad con su primera "musa" y expareja, Diane Keaton. Sus grandes influencias cinematográficas oscilan entre directores europeos como Ingmar Bergman y Federico Fellini hasta comediantes como Groucho Marx y Bob Hope.
Biografía Primeros años Nació el 1 de diciembre de 1935 en el barrio de Brooklyn,ManhattanNueva York, con el nombre de Allan Stewart Königsberg.[3] Proviene de una familia judía de orígenes ruso-austríacos, a la que el propio Allen define como «burguesa, bien alimentada, bien vestida, e instalada en una cómoda casa». Sus padres y su hermana también son neoyorquinos. Woody estudió hasta los ocho años en una escuela hebrea, y después acudió a la escuela pública de Midwood High School. Durante su infancia, aprendió a tocar el violín; posteriormente se convertiría en intérprete de clarinete (que toca con asiduidad en público, junto con una banda de jazz, The New Orleans Jazz Band), hecho que le ayudaría más tarde en la elección de las bandas sonoras de sus películas.
Woody Allen y su orquesta.
Hasta 1997 esta actividad de intérprete musical tuvo lugar en el Michael's Pub de Nueva York, pero al cerrar este local sus puertas, pasó a tocar cada lunes en el Café Carlyle, en el hotel del mismo nombre, al que sólo falta los días en que su actividad como cineasta se lo impide. Allen recuerda así sus primeros años: «Eran tiempos agitados, en parte debido a circunstancias económicas y en parte por la escasez de viviendas en tiempos de guerra. Mi familia siempre tenía que cargar con parientes. Constantemente había tíos y primos entrando y saliendo de las habitaciones y siempre nos estábamos mudando de casa».
Debido a que sus padres trabajaban, Allen estuvo al cuidado de niñeras desde el primer año de su vida. De un episodio con una de ellas se cree que proviene su aversión a los túneles largos y ascensores. Un día, cuando Allen tenía tres años, la niñera de turno se acercó a su cuna y después de envolverlo en una colcha le dijo: «¿Ves? Ahora mismo podría ahogarte y lanzarte a la basura y nunca nadie sabría lo que ha pasado»[cita requerida], pero la mujer no cumplió la amenaza y dejó al chico en la cuna. Su primer encuentro con el cine fue a la edad de tres años, cuando su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos. Fue tanta la emoción que le produjo ver cómo los personajes de la pantalla se movían, que corrió a la pantalla para tratar de tocarlos. A los cinco años, se le observó el primer cambio de carácter: se convirtió en un niño solitario e introvertido. Se cree que la razón fue su ingreso en la escuela pública (escuela pública 99 de Brooklyn). Años más tarde Allen definió ese lugar como una escuela para maestros con trastornos emocionales. Su disgusto por la escuela no cambiaría al ingresar a la secundaria. Lo único en lo que le iba bien era en las redacciones escolares, en las que él siempre dejaba ver su humor. Por aquella época, se había vuelto un buen deportista. Aparte del béisbol (era seguidor de los Giants), le gustaba el boxeo, inclusive llegó a practicar para los Golden Gloves, pero sus padres no le dejaron participar.
Woody Allen De su época adolescente comenta: «Yo no quería ser Bogart, tampoco quería ser John Wayne. Yo sólo quería ser el capullo de la clase, quería ser ese chico con gafas que nunca consigue a la chica, pero que es divertido y cae bien a todo el mundo».
Inicios creativos Allen empezó su carrera como humorista a los 16 años, siempre asociado a otros humoristas. En 1957 se le concedió su primer premio Sylvana Award. A los 17 años tomaría la decisión de adoptar el seudónimo de Woody Allen. Comenzaría a trabajar individualmente, llegando a ejercer la tarea de director de sus espectáculos en la cadena de hoteles Borsch Belt de Nueva York, donde ya habían trabajado otros humoristas importantes como Jerry Lewis. En 1952, cuando se encontraba terminando la secundaria, comenzó a confeccionar chistes para enviarlos a algunos columnistas de los periódicos de su ciudad. El primero en usarlos fue Nick Kenny, columnista del Mirror. Poco después, Earl Wilson, el más leído del New York Post, también usaría algunos chistes de Allen. Inicialmente se publicaron de forma anónima, pero luego se publicaron con el seudónimo de Woody Allen. Con 17 años su nombre ya circulaba por diferentes agencias de relaciones públicas y sus chistes aparecían más en los periódicos. Gene Shefrin, un agente de prensa, se interesó por este joven a quien contrató para la agencia en la que trabajaba. A finales de 1953, Allen ingresó en la Universidad de Nueva York, donde entre otras materias cursaba Producción cinematográfica. Pero no le interesaban mucho las clases; le gustaba más asistir a las proyecciones de películas que tenía la asignatura. Después de dejar de asistir a la mitad de las clases, terminó su primer semestre en la Universidad con pésimas calificaciones en varias materias. Se retiró sin iniciar el segundo semestre. Uno de los profesores le dijo alguna vez No eres material de Universidad. Creo que tendrías que recibir ayuda psiquiátrica, porque me parece que no tendrás mucha suerte para encontrar trabajo. En parte tenía razón, Allen consiguió su primer psiquiatra en 1959 y seguiría acudiendo a uno por el resto de su vida. Su primer contrato lo logra en 1955 en el programa The Colgate Happy Hour, con una asignación de 175 dólares semanales. Actuó en numerosos locales, apareciendo ocasionalmente en programas de televisión, hasta que finalmente, y gracias a su talante e ingenio, tras una actuación en el local Blue Angel (en 1960), le ofrecieron la posibilidad de elaborar un guion y participar como actor en el filme What's new, Pussy Cat?. En ese año conoce a dos personas que posiblemente han sido las que más le han influido: sus agentes Jack Rollins y Charles Joffe. Su primera actuación en el Blue Angel fue gracias a una recomendación de Rollins. Ellos veían en Allen un excelente humorista, pero primero debían hacerle vencer su timidez. Esa noche de domingo en el Blue Angel fue un éxito, pero a pesar de eso, tuvieron que pasar dos años para que tuviera suficiente confianza y comenzara a improvisar saliéndose de los libretos que había preparado.
Carrera cinematográfica En 1968 rueda su primera película (primera película completamente escrita y dirigida por él y en la que actúa como un ladrón), Take the money and run. Al comienzo fue difícil encontrar una productora que financiara el proyecto (costaba dos millones de dólares), hasta que Palomar Pictures decidió apoyarlo. Aunque la productora no estuvo muy contenta con el resultado final, la película resultó ser un éxito de público. Después de este éxito, a Allen no le costó trabajo encontrar algún estudio que siguiera pagando sus películas. En 1970 firma un contrato con United Artists (productora creada por Charles Chaplin), y comenzaría a rodar su segunda película Bananas. El contrato con United Artists lo comprometía para rodar tres películas, y el estudio le otorgó a Woody Allen total control sobre su producción, algo que era muy poco usual para cualquier director joven de la época (en aquella época ni siquiera Scorsese, Coppola o Mazursky tenían privilegios como éste).
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En 1977, tras filmar El dormilón (1973) y Love and Death (1975), Allen realiza la película con la cual obtendría su primer premio Óscar: Annie Hall. A partir de ese momento, Allen alcanza el éxito como director y guionista y también como actor, con la realización de películas ambientadas principalmente en su querida Manhattan, siendo uno de los primeros directores estadounidenses en reivindicar a cineastas europeos como Ingmar Bergman. En 1979 realiza la película que lo consagraría como director, Manhattan; filmada en blanco y negro, con largas e imponentes tomas de la localidad de Manhattan es considerada como un clásico de la historia del cine. Ha sido nominado varias veces al Óscar y en 1977 recibió el premio como mejor director por su película Annie Hall, pero no acudió a la entrega alegando que se había olvidado de la ceremonia (se había quedado tocando el clarinete ese día), Diane Keaton obtuvo un premio Óscar como mejor actriz por esta película. Este incidente con los Óscar no sirvió precisamente para aumentar su escasa popularidad en los Estados Unidos. Varias veces ha declarado que, si no fuese por su acogida en Europa, le resultaría imposible continuar filmando. En 2002 recibe el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Desde entonces tiene una estatua en su honor en el centro de Oviedo. Sus últimas películas (2005 – 2006) han sido filmadas en Europa, recibiendo, como ya ha sido una constante, la aclamación de la crítica, especialmente la francesa. En el verano de 2007 rodó la película Vicky Cristina Barcelona en Barcelona, Oviedo , Avilés y La Felguera donde participaron intérpretes como Scarlett Johansson, Penélope Cruz (ganó el Óscar a la mejor actriz de reparto) y Javier Bardem. La producción estuvo a cargo de Mediapro. El director de fotografía fue el ganador de numerosos goyas, Javier Aguirresarobe.
Estatua de Woody Allen en Oviedo (Asturias, España).
Cuando actúa en una película, su actor de doblaje al castellano (solo para España) es Joan Pera, al que ofreció un pequeño papel en la citada película, agradecido por su trabajo, por el que llegó a decir que «era más héroe de lo que es en realidad». También se puede destacar que su persona ha realizado fugaces apariciones en Los Simpsons. En la escuela le llamaban Red por su pelo cuando era pequeño. Woody Allen se consagró como "Mr. World Peace" en el 2010 debido a su gran contribución al teatro, a la comedia y a la cinematografía. En marzo de 2011 en una entrevista a un periódico italiano aseguró que le encantaría volver a trabajar con su gran amiga Diane Keaton, con la que ha hecho siete películas, la última de ellas Misterioso asesinato en Manhattan, en 1993. Tras grabar en París su nueva película, Medianoche en París -un éxito de crítica y público por la que gana su segundo Globo de Oro y su cuarto Oscar- dio a conocer la siguiente: A Roma con amor, que graba en Roma con Alec Baldwin, Ellen Page, Roberto Benigni y repite con Penélope Cruz. También volverá a ponerse él mismo delante de las cámaras, lo cual no había hecho desde Scoop, grabada en Londres en 2006.
Woody Allen
Filmografía Como director Ver filmografía completa en Filmografía de Woody Allen.
Como actor (Sin ser el director). • • • • • • • • • •
1965: What's New Pussycat?, ¿Qué hay de nuevo, Pussycat? / ¿Qué tal, Pussycat?, de Clive Donner. 1967: Casino Royale, de John Huston. 1972: Sueños de seductor (Play It Again, Sam), de Herbert Ross. 1976: The front (El testaferro /La tapadera), de Martin Ritt. 1987: El Rey Lear (King Lear), de Jean-Luc Godard. 1991: Scenes from a mall, Escenas en una galería/ Escenas en un centro comercial de Paul Mazursky. 1998: Los impostores (The Impostors), (cameo), de Stanley Tucci. 1998: Antz, como la voz de la hormiga Z. (Hormiguitaz / Hormigaz), Eric Darnell y Tim Johnson. 2000: Cachitos picantes (Picking up the pieces), de Alfonso Arau. 2000: Company Man (Maestro de espías / Lío en La Habana), de Douglas McGrath.
Como guionista (Sin ser director) • 1965: What's New Pussycat?, ¿Qué hay de nuevo, Pussycat? / ¿Qué tal, Pussycat?. • 1972: Sueños de seductor (Play It Again, Sam).
Otras obras Televisión • 1971: Hombres en crisis (Men Of Crisis: The Harvey Wellinger Story) • 1994: No te bebas el agua (Don't Drink the Water) • 1995: La pareja despareja (The Sunshine Boys)
Libros Guiones • Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo pero nunca se atrevió a preguntar (Everything You Always Wanted to Know About Sex (But Were Afraid to Ask), 1972), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1986, Fábula, 2003, traducción de José Luis Guarner. • Annie Hall (Woody Allen y Marshall Brickman, 1977), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1981, Fábula, 1999, traducción de José Luis Guarner. • Interiores (Interiors, 1978), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1987. • Manhattan (Woody Allen y Marshall Brickman, 1979), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1981, Fábula, 1999, traducción de José Luis Guarner. • Stardust Memories (1980), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1981, Fábula, 2000, traducción de José Luis Guarner. • Zelig (1983), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1984, Fábula, 2004, traducción de Jaime del Leal y Ariel Collazo. • Hannah y sus hermanas (Hannah and her Sisters, 1986), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1987, Fábula, 2000, traducción de José Luis Guarner. • Delitos y faltas (Crimes and Misdemeanors, 1989), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1992, Fábula, 2007.
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Woody Allen
197
• Maridos y mujeres (Husbands and Wives, 1992), Tusquets, Fábula, 1993. • Misterioso asesinato en Manhattan (Manhattan Murder Mystery, Woody Allen y Marshall Brickman, 1993), Tusquets, Fábula, 1995 • Balas sobre Broadway (Bullets Over Broadway, Woody Allen y Douglas MacGrath, 1995), Fábula, 1998, traducción de Claudio López Lamadrid. • Anything Else / Todo lo demás (2003), Ocho y medio, 2003, versión bilingüe. • Melinda and Melinda / Melinda y Melinda (2004), Ocho y medio, 2004, versión bilingüe. Teatro • No te bebas el agua (Don’t Drink the Water, 1967), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1985, Fábula, 2006, traducción de José Luis Guarner. • Sueños de un seductor (Play It Again, Sam, 1969), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1983, Fábula, 2005, traducción de Manuel Sáenz de Heredia. • La bombilla que flota (The Floating Light Bulb, 1982), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1984, Fábula, 2006, traducción de José Luis Guarner. • Adulterios. Tres comedias en un acto (Three One-Act Plays, 2003), Tusquets, Marginales, 2006, Fábula, 2008, traducción de Silvia Barbero. Textos breves (cuentos, ensayos, pequeñas piezas teatrales…) • Cómo acabar de una vez por todas con la cultura (Getting Even, 1972), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1974, Fábula, 1996, traducción de Marcelo Covián. • Sin plumas (Without Feathers, 1975), Tusquets, Cuardernos Ínfimos, 1976, Fábula, 1997, traducción de José Luis Guarner. • Perfiles (Side Effects, 1980), Tusquets, Cuadernos Ínfimos, 1980, Fábula, 2001, traducción de José Luis Guarner. • Cuentos sin plumas (Complete Prose, 1989), Tusquets, Andanzas, 1991, traducción de Marcelo Covián, contiene íntegros los tres libros anteriores. • Pura anarquía (Mere Anarchy, 2007), Tusquets, Andanzas, 2007, traducción de Carlos Milla Soler.
Premios y nominaciones Premios Óscar Año
Categoría
Película
Resultado
Midnight in Paris
Candidato
2011 Mejor guion original Midnight in Paris
Ganador
2005 Mejor guion original
Match Point
Candidato
1997 Mejor guion original
Deconstructing Harry
Candidato
1995 Mejor guion original
Poderosa Afrodita
Candidato
1994 Mejor director
Bullets Over Broadway
Candidato
1994 Mejor guion original
Bullets Over Broadway
Candidato
1992 Mejor guion original
Husbands and wives
Candidato
1990 Mejor guion original
Alice
Candidato
1989 Mejor director
Crimes and Misdemeanors Candidato
1989 Mejor guion original
Crimes and Misdemeanors Candidato
1987 Mejor guion original
Días de radio
Candidato
1986 Mejor director
Hannah y sus hermanas
Candidato
2011 Mejor director
Woody Allen
198 1986 Mejor guion original Hannah y sus hermanas
Ganador
1985 Mejor guion original
La rosa púrpura del Cairo Candidato
1984 Mejor director
Broadway Danny Rose
Candidato
1984 Mejor guion original
Broadway Danny Rose
Candidato
1979 Mejor guion original
Manhattan
Candidato
1978 Mejor director
Interiores
Candidato
1978 Mejor guion original
Interiores
Candidato
1977 Mejor director
Annie Hall
Ganador
1977 Mejor película
Annie Hall
Ganador
1977 Mejor actor
Annie Hall
Candidato
1977 Mejor guion original Annie Hall
Ganador
Premios BAFTA Año
Categoría
2012 Mejor guion original
Película Midnight in Paris
1997 BAFTA honorífico 1994 Mejor guion original
Resultado Candidato Ganador
Bullets Over Broadway
Candidato
1992 Mejor guion original Maridos y mujeres
Ganador
1989 Mejor película
Crimes and Misdemeanors
Candidato
1989 Mejor director
Crimes and Misdemeanors
Candidato
1989 Mejor guion original
Crimes and Misdemeanors
Candidato
1987 Mejor película
Días de radio
Candidato
1987 Mejor guion original
Días de radio
Candidato
1986 Mejor película
Hannah y sus hermanas
Candidato
1986 Mejor director
Hannah y sus hermanas
Ganador
1986 Mejor guion original Hannah y sus hermanas
Ganador
1986 Mejor actor
Candidato
Hannah y sus hermanas
1985 Mejor guion original La rosa púrpura de El Cairo Ganador
Premios Globo de Oro
1984 Mejor guion original Broadway Danny Rose
Ganador
1983 Mejor guion original
Candidato
Zelig
1979 Mejor guion original Manhattan
Ganador
1979 Mejor director
Manhattan
Candidato
1979 Mejor actor
Manhattan
Candidato
1977 Mejor director
Annie Hall
Ganador
1977 Mejor guion original Annie Hall
Ganador
1977 Mejor actor
Candidato
Annie Hall
Woody Allen
199
Año
Categoría
Película
Resultado
2012 Mejor director
Midnight in Paris
Candidato
2012 Mejor guion
Midnight in Paris
Ganador
2006 Mejor director
Match Point
Candidato
2006 Mejor guion
Match Point
Candidato
1987 Mejor director
Hannah y sus hermanas
Candidato
1987 Mejor guion
Hannah y sus hermanas
Candidato
1986 Mejor guion
La rosa púrpura de El Cairo Ganador
1984 Mejor actor - Comedia o musical Zelig
Candidato
1979 Mejor director
Interiores
Candidato
1979 Mejor guion
Interiores
Candidato
1978 Mejor director
Annie Hall
Candidato
1978 Mejor actor - Comedia o musical Annie Hall
Candidato
1978 Mejor guion
Candidato
Annie Hall
Festival Internacional de Cine de San Sebastián Año
Categoría
Resultado
2004 Premio Donostia Ganador
Premios Goya Año
Categoría
Película
Resultado
2005 Mejor película europea Match Point
Ganadora
2006 Mejor película europea Scoop
Candidata
2011 Mejor guion original
Midnight in Paris Candidato
Premios Saturn Año
Categoría
1986 Premio Saturn al mejor director
Película
Resultado
La rosa púrpura de El Cairo Candidato
1986 Premio Saturn al mejor guionista La rosa púrpura de El Cairo Candidato 1986 Premio Presidente
La rosa púrpura de El Cairo Ganador
1984 Premio Saturn al mejor director
Zelig
Candidato
Premios Adircae Año
Categoría
Película
Resultado
2006 Premio Adircae a la mejor película extranjera Match Point Ganador
Woody Allen
Otros reconocimientos • En 2002 recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, de la mano del Príncipe de Asturias Don Felipe de Borbón. • En 2003 se inaugura una estatua en su honor en el centro de Oviedo, que lo representa fidedignamente. • En junio de 2007 es investido Doctor Honoris Causa por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.[4] • En octubre de 2008 la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) le entrega la Espiga de Honor del festival.
Referencias [1] [2] [3] [4]
http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000095 Los más grandes directores y sus mejores películas (http:/ / www. filmsite. org/ directors. html), en www.filmsite.org (en inglés). Biografía en IMDB (http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000095/ bio) «Woody Allen será investido honoris causa por la UPF» (http:/ / www. elperiodico. com/ default. asp?idpublicacio_PK=46& idioma=CAS& idnoticia_PK=408807& idseccio_PK=1026), en El Periódico.
Enlaces externos •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Woody Allen. Commons
•
Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Woody Allen. Wikiquote
• Ficha de Woody Allen en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000095) y en español (http://www.imdb. es/name/nm0000095) en Internet Movie Database. • Sitio oficial (http://www.woodyallen.com/) • Woody Allen en Cinearchivo.com (español) (http://www.cinearchivo.com/site/Fichas/Ficha/FichaPerson. asp?IdPerson=15766&IdPelicula=507)
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Zack Snyder
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Zack Snyder Zack Snyder
Datos generales Nombre real Zackariah Snyder Nacimiento
01 de marzo de 1966 (46 años) Green Bay, Wisconsin
Ocupación
Director de cine, actor
Zack Snyder (Green Bay, Wisconsin, 1 de marzo de 1966) es un director de cine estadounidense. Es conocido por su debut, un remake de la película El amanecer de los muertos de George A. Romero, y por su segunda película 300, adaptación del cómic de Frank Miller.
Biografía Debutó en 2004 realizando un remake de la película El amanecer de los muertos de 1978. La adaptación de Snyder ganó el Golden Trailer a la Mejor Película de Terror. Su segunda película fue un gran éxito de taquilla, 300 (2006), una adaptación del cómic de Frank Miller protagonizada por Gerard Butler que tuvo un presupuesto estimado de 65 millones de dólares y una recaudación mundial de más de 456 millones. El tercer proyecto de Snyder, distribuido por Warner Bros., fue la cinta de acción Watchmen (2009), ambientada en unos hipotéticos Estados Unidos de 1985 en los que los superhéroes disfrazados son parte de la sociedad. En 2010 estrenó Ga'Hoole: La leyenda de los guardianes en 3D, un filme de fantasía que recrea las aventuras de un pequeño búho junto a otros amigos en la isla de Ga'Hoole. Sucker Punch, en 2011, es su película más atípica y personal, y entre otras cosas supone un homenaje al anime. Apoyándose en una banda sonora con notable protagonismo, incluye frecuentes secuencias oníricas o surreales. Si bien no fue un éxito de taquilla, vendió muchas copias en DVD y se ha convertido en una obra de culto en ciertos círculos. Snyder, apodado The Wizard (El Mago) por el periodista y cineasta Chad Clinton Freeman, tiene 4 hijos de su primer matrimonio junto a Denise, aunque desde 2004 comparte su vida personal con su segunda mujer, Deborah. Asistió a la escuela de Arte Center College of Desing en Pasadena (California) y estudió artes visuales en la Escuela de Bellas Artes Heatherlys en Chelsea (Londres). En 2003 rechazó la oportunidad de dirigir S.W.A.T., aunque años más tarde estuvo interesado en la dirección de X-Men Orígenes: Wolverine (2009), pero luego cambió de parecer porque estaba demasiado ocupado trabajando en su tercer filme, Watchmen.
Zack Snyder
202
Estilo Snyder utiliza en sus películas escenas donde una toma hecha en cámara lenta repentinamente cambia a cámara rápida. Introdujo este recurso estilístico al rodar 300, donde lo usa para retratar las peleas entre los espartanos y los persas. También recurrió a él en Watchmen y en Sucker Punch. Este estilo le ha granjeado a Snyder reconocimiento mundial.
Filmografía • • • • • •
El amanecer de los muertos (2004) 300 (2007) Watchmen (2009) Ga'Hoole, la leyenda de los guardianes (2010) Sucker Punch (2011) Superman: el Hombre de Acero (2013)
Zhang Yimou Este es un nombre chino; el apellido es Zhang. Zhang Yimou (chino simplificado: 张 艺 谋, chino tradicional: 張 藝 謀, pinyin: Zhāng Yìmóu) es un director de cine chino de gran proyección internacional. Nació el 14 de noviembre de 1951 en la ciudad norteña de Xi'an. Era hijo de un soldado del ejército de Chiang Kai-shek. Durante la Revolución Cultural (1966-1978), periodo que coincide con el régimen de Mao Zedong, abandonó sus estudios y se integró en una granjas de trabajo, donde, durante diez años, trabajó como operario textil. Acabada esta etapa, en 1978, con 28 años, retomó sus estudios e ingresó en la Academia de Cine de Pekín, logrando finalmente graduarse en 1982. Tras graduarse, empezó a trabajar como fotógrafo y dibujante. Antes de director fue operador de cámara en la película Tierra amarilla de Chen Kaige (1984). Repitió en este rol, en otra película del mismo director: Da yue bing (en inglés, The big parade) de 1986. Zhang Yimou en el Festival Internacional de Cine en
Debutó como director con Sorgo rojo (1987) y al ganar el Oso de Hawaii 2005. Oro Berlín (1988), pasó a ser mundialmente conocido. Ya desde su primera película, Zhang pasó a ser uno de los directores chinos con mayor proyección internacional, pues los premios obtenidos en los grandes festivales de cine como Cannes, Venecia y Berlín le abrieron las puertas del mercado de la distribución. En Sorgo rojo, Zhang coincide por primera vez con la que será su primera musa Gong Li, por entonces una actriz debutante. Ambos compartirán una relación más que profesional que concluirá tras La joya de Shangai (1995). Después, en El camino a casa, Zhang encontró a una nueva musa en la joven actriz china Zhang Ziyi. Zhang forma parte de lo que se conoce como Quinta generación del cine chino, que está integrada por aquellos directores que como él (o Wu Tianming, Chen Kaige...) comenzaron su carrera tras la Revolución Cultural a finales
Zhang Yimou de los años 60 del siglo XX. Su cine se caracteriza por una cuidada y estudiada fotografía, lo que no es de extrañar, pues inició su carrera precisamente como director de fotografía. La figura de la mujer fuerte y decidida domina todo su cine, desde las películas de un contexto íntimo y cotidiano a aquellas donde la épica lo impregna todo. Pese a la repercusión internacional del director, dos de sus películas fueron prohibidas en China: Semilla del crisantemo (Ju Dou, 1990) y La linterna roja (Da hong Deng long Gao gao Gua, 1991). Su cine, muchas veces alejado de la doctrina oficial del régimen chino, no siempre ha sido bien aceptado en su país, donde se le han puesto todas las trabas posibles, desde denegarle permiso para realizar viajes de promoción, hasta censurarle guiones. Además de su faceta como cineasta, Zhang Yimou también ha trabajado en algunos proyectos televisivos y en producciones de ópera. Zhang fue uno de los 30 directores participantes en el documental Lumière y compañía (Lumière et compagnie) (1995). En 2008, Zhang Yimou, junto con el coreógrafo Zhang Jigang, dirigió la Ceremonia de Apertura de los Juegos Olímpicos de Beijing 2008.
Filmografía • 1987 - Sorgo rojo. (Hong gao liang, en inglés: Red Sorghum). Gallo de Oro (Jin Ji Jiang) a la Mejor Película. Los Jin Ji Jiang son los premios nacionales del cine de China. También, Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín. • 1989 - Daihao meizhoubao. Título no traducido al español, en inglés, no hay una denominación uniforme, siendo conocida como The Puma Action, Codename Cougar o Operation Cougar. Co-director junto con Fengliang Yang. • 1990 - La semilla de crisantemo. (Ju Dou). Primera película china nominada a los Oscar como Mejor película extranjera. La película se alzó con la Espiga de Oro en el Festival Internacional de Cine de Valladolid. Yimou ganó el premio al mejor director en el Festival Internacional de Cine de Cannes • 1991 - La linterna roja. (Da hong deng long gao gao gua). Nominada a los Oscar como Mejor película extranjera. • 1992 - Qiu Ju, una mujer china. (Qiu Ju da guan si). León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia. • 1994 - ¡Vivir!. (Huozhe). • 1995 - La joya de Shanghai. (Yao a yao yao dao waipo qiao). • 1997 - Keep cool. (You hua hao shuo). En España, estrenada con el subtítulo Manten la calma. • 1999 - Ni uno menos (Yi ge dou bu neng shao). León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia. • 1999 - Turandot - At the Forbidden City of Beijing (TV) • 1999 - El camino a casa. (Wo de fu qin mu qin). • 2000 - Happy Time (Xingfu shiguang). • 2002 - Hero (Ying xiong). Nominada a los Oscar como Mejor película de habla no inglesa. • 2004 - La casa de las dagas voladoras (Shi mian mai fu). • 2005 - La búsqueda (Qian li zou dan ji). • 2006 - La maldición de la flor dorada (Man cheng jin dai huang jin jia). • 2009 - Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos (San qiang pai an jing qi). • 2010 - Shan zha shu zhi lian, todavía sin título en español, podría traducirse como "Amor bajo el espino". • 2011 - Las 13 flores de Nanking, en producción.
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Zhang Yimou
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Enlaces externos • http://www.epdlp.com/director.php?id=765 • http://www.encadenados.org/n21/rashomon_zhang_yimou.htm • http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article2317.html
Álex de la Iglesia Álex de la Iglesia
De la Iglesia en una imagen de 20 Minutos Nombre real Alejandro de la Iglesia Mendoza Nacimiento
Bilbao, España 4 de diciembre de 1965 (46 años) Familia
Hijo/s
2 Premios Ficha
[1]
en IMDb
Alejandro de la Iglesia Mendoza (Bilbao, 4 de diciembre de 1965), conocido como Álex de la Iglesia, es un director, productor y guionista de cine español, antiguamente historietista. En junio de 2009 fue elegido presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España,[2]cargo que mantuvo hasta después de la Gala de los Goya de 2011, celebrada el 13 de febrero de 2011, tras la que dimitió, por su desacuerdo con la Ley Sinde.[3]
Biografía Licenciado en Filosofía por la Universidad de Deusto, empezó a dibujar historietas en los fanzines No, el fanzine maldito[4] y Metacrilato, y en revistas como Trokola, Burdinjaun, La Ría del Ocio o La Comictiva, dirigida por Torbe. Fue también en esta época, entre 1986 y 1989, cuando De la Iglesia fundó en Bilbao uno de los primeros clubs de rol de España, Los Pelotas. Su debut en el medio cinematográfico fue como director artístico en el cortometraje Mamá (1988), de Pablo Berger y desempeñó igual tarea en la película Todo por la pasta (1991), de Enrique Urbizu. Su primer cortometraje, Mirindas asesinas (1991), consiguió llamar la atención de Pedro Almodóvar, cuya productora El Deseo Films colaboró en el primer largometraje de De la Iglesia, Acción mutante (1993). A continuación estrenó la película que le consagraría como uno de los directores más relevantes del cine español, El día de la Bestia (1995). Consiguió seis premios Goya entre los que destaca el premio al mejor director. Este trabajo convirtió a Santiago Segura en uno de los actores más conocidos de España y recuperó a la actriz Terele Pávez,
Álex de la Iglesia desde entonces rostro habitual de sus películas. Dirigió sketches para televisión, como (El peor programa de la semana, de El Gran Wyoming para Televisión Española e Inocente, Inocente, para las televisiones autonómicas) y la serie Plutón B.R.B. Nero (2008) para televisión en La 2. Esta serie es una parodia de las series de ciencia-ficción. Dirigió Perdita Durango (1997), Muertos de risa (1999), La comunidad (2000), 800 balas (2002), Crimen ferpecto (2004), Los crímenes de Oxford (2007), Balada triste de trompeta (2011), etc. Han trabajado a sus órdenes estrellas de Hollywood como Javier Bardem, Elijah Wood, Leonor Watling, John Hurt o Salma Hayek, entre otros. Su película Balada triste de trompeta (2010) fue galardonada con dos premios en la 67ª Mostra de Venecia, al mejor guion y el León de plata a la dirección. Además, fue nominada a quince premios Goya en 2011, incluidos los de mejor director, mejor película y mejor guion original. De todos ellos recibió los galardones al mejor maquillaje y a los mejores efectos especiales. En 2011 estrenó La chispa de la vida, con Salma Hayek y José Mota como protagonistas y rodada en Cartagena.
Presidencia de la Academia de Cine Álex de la Iglesia fue elegido presidente de la Academia de cine el 21 de junio de 2009 tras presentarse como único candidato -junto a Icíar Bollaín y Emilio A. Pina- para sustituir a Ángeles González-Sinde tras su nombramiento como ministra de Cultura. Sus intenciones como cabeza visible de la industria nacional aspiraban a "reunir en la Academia a todos los artistas que se fueron de España o están lejos de la institución".[5] Con esta referencia señalaba a Pedro Almodóvar y su hermano, Agustín Almodóvar que abandonaron en 2005 la asociación por estar en desacuerdo con el sistema de votos. Y, también, José Luis Garci que la dejó en 1999 por la polémica sobre la compra de votos para su película El abuelo. El cineasta bilbaíno también se mostró comprometido con la lucha contra la piratería y los derechos de autor. Según sus palabras, quería "defender a la gente que vive del cine".[5] El 14 de febrero de 2010, De la Iglesia pronunció en la gala de los Goya el discurso[6] como presidente de la Academia de Cine. Recordó que se necesitan crear leyes "que protejan la coexistencia de todos los sectores industriales, y eso incluye también al cine".[6] Por ello, el presidente de la Academia participó en el debate de la disposición final segunda de la Ley de Economía Sostenible (conocida como Ley Sinde) tras ser rechazada en el Congreso de los Diputados el pasado 21 de diciembre de 2010. Este texto plantea la posibilidad de cerrar páginas de internet que violen los derechos de autor tras la intervención de una Comisión de Propiedad Intelectual, y no de un juez ni magistrado. Álex de la Iglesia buscó un acuerdo de todos los agentes para alcanzar una solución a ese estancamiento. Así, se reunió [7] el 30 de diciembre de 2010 con internautas (abogados como David Bravo y David Maeztu, representantes del Partido Pirata, y usuarios que De la Iglesia había conocido en Twitter) y Pedro Pérez, el presidente de FAPAE (productores). Tras esto, el cineasta bilbaíno le propone a Bravo que le ayude a reescribir la norma, pero él se niega [8] porque siempre se ha posicionado en contra. Entonces, recurre a Maeztu quien la considera "aberrante", pero como está convencido de que la Ley seguirá adelante decide colaborar para minimizar los daños a los usuarios. De la Iglesia acepta el nuevo texto [9], igual que Pedro Pérez, por eso le envían la propuesta a los políticos. El lunes 24 de enero de 2011 se aprobó una enmienda del Partido Socialista Obrero Español (PSOE), del Partido Popular (PP) y de Convergencia i Unió (CiU) para aprobar el texto. Este retoque en el texto no recoge ninguna de las ideas aportadas por el presidente de la Academia, por eso acusa a los dos partidos de no dialogar. Como argumentó en su cuenta de Twitter: "Lo hemos intentando, y no habido respuesta. Cero. Han pactado una ley que no conviene a NADIE". Por esta razón, Álex de la Iglesia anunció [10] el 25 de enero de 2011 que abandona la presidencia de la Academia de Cine tras la gala de entrega de los Premios Goya del día 13 de febrero.
205
Álex de la Iglesia
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El 10 de abril de 2011, Álex de la Iglesia dejó su puesto como presidente de la academia de cine tras unas elecciones entre el cineasta Bigas Luna y el productor Enrique González Macho, siendo este último el vencedor.
Libros En 1997 publicó la novela Payasos en la lavadora.
Premios Premios Anuales de la Academia «Goya» Año
Categoría
2010 Mejor película Mejor director Mejor guion original
Película
Resultado
Balada triste de trompeta Candidata Candidato Candidato
2008 Mejor película Los crímenes de Oxford Mejor director Mejor guion adaptado
Candidata Candidato Candidato
2000 Mejor película Mejor director Mejor guion original
La comunidad
Candidata Candidato Candidato
1995 Mejor película Mejor director Mejor guion original
El día de la Bestia
Candidata Ganador Candidato
1992 Mejor director novel
Acción mutante
Candidato
Mostra de Venecia Año
Premio
Película
Resultado
2010 León de Plata a la mejor dirección Balada triste de trompeta Ganador Premio Mostra de Venecia al mejor guion
Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0407067 [2] Rocío García (21/06/2009). « La Academia de Cine elige como presidente a Álex de la Iglesia (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ cultura/ Academia/ Cine/ elige/ presidente/ Alex/ Iglesia/ elpepucul/ 20090621elpepucul_1/ Tes)». El País. Consultado el 21 de junio de 2009. [3] « Álex de la Iglesia anuncia que dimitirá como presidente de la Academia de Cine tras los Goya (http:/ / www. 20minutos. es/ noticia/ 938635/ 0/ alex/ iglesia/ dimision/ )» (html). 20 minutos (25 de enero de 2011). Consultado el 25 de enero de 2011. [4] « RAREZA - COLECCIONISTAS: No, el fanzine maldito (nº1) (http:/ / cgi. ebay. es/ RAREZA-COLECCIONISTAS-No-el-fanzine-maldito-n-1_W0QQitemZ160483177903QQcategoryZ118642QQcmdZViewItem)». eBay Classic. Consultado el 22 de diciembre de 2010. [5] El País (19 de mayo de 2005). « De la Iglesia quiere dirigir la Academia (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ cultura/ Iglesia/ quiere/ dirigir/ Academia/ elpepucul/ 20090519elpepicul_1/ Tes)». [6] El País (14 de febrero de 2010). « El discurso del presidente de la Academia (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ cultura/ discurso/ presidente/ Academia/ elpepucul/ 20100214elpepucul_5/ Tes)». [7] http:/ / blogs. elpais. com/ trending-topics/ 2011/ 01/ politica-para-internautas. html [8] http:/ / www. filmica. com/ david_bravo/ archivos/ 011006. html [9] http:/ / derechoynormas. blogspot. com/ 2011/ 01/ propuesta-alternativa-la-ley-sinde. html [10] http:/ / www. elpais. com/ articulo/ cultura/ Despues/ gala/ dimito/ presidente/ elpepucul/ 20110125elpepucul_9/ Tes
Álex de la Iglesia
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Enlaces externos • • • • •
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Álex de la Iglesia. Commons Página Oficial de Álex de la Iglesia (http://www.clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/delaiglesia/) Compilación (http://www.alexdelaiglesia.org/) Blog diario escrito por el propio Alex (http://www.blasfemandoenelvrticedeluniverso.blogspot.com/) Entrevista de los lectores en 2000 (http://www.elmundo.es/encuentros/invitados/2000/09/7/) Predecesor: Enrique Urbizu
Sucesor: Enrique González Macho Presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España 2009-2011
Fuentes y contribuyentes del artículo
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